La indeterminación es un enfoque compositivo en el que algunos aspectos de una obra musical se dejan abiertos al azar o a la libre elección del intérprete. John Cage , pionero de la indeterminación, la definió como "la capacidad de una pieza de ser interpretada de maneras sustancialmente diferentes".
El primer uso significativo de las características de indeterminación musical se encuentra en muchas de las composiciones del compositor estadounidense Charles Ives a principios del siglo XX. Henry Cowell adoptó las ideas de Ives durante la década de 1930, en trabajos que permitían a los músicos organizar los fragmentos de música en varias secuencias posibles diferentes. A principios de la década de 1950, el término pasó a referirse al movimiento (principalmente estadounidense) que creció en torno a Cage. Este grupo incluía a los demás miembros de la Escuela de Nueva York . En Europa, tras la introducción de la expresión " música aleatoria " por Werner Meyer-Eppler , el compositor francés Pierre Boulez fue en gran parte responsable de popularizar el término.
Al describir la indeterminación, el compositor John Cage dijo: "Mi intención es dejar que las cosas sean ellas mismas". Cage inicialmente definió la indeterminación como "la capacidad de una pieza para interpretarse de maneras sustancialmente diferentes". [1] Bryan Simms combina así la indeterminación con lo que Cage llamó composición aleatoria cuando afirma que "Cualquier parte de una obra musical es indeterminada si se elige al azar o si su interpretación no se especifica con precisión. El primer caso se llama 'indeterminación'. de composición'; este último se llama 'indeterminación de ejecución'." [2]
El primer uso significativo de las características de indeterminación musical se encuentra en muchas de las composiciones del compositor estadounidense Charles Ives a principios del siglo XX. Henry Cowell adoptó las ideas de Ives durante la década de 1930, en obras como el Mosaic Quartet (String Quartet No. 3, 1934), que permite a los intérpretes organizar los fragmentos de música en varias secuencias posibles diferentes. Cowell también utilizó notaciones especialmente diseñadas para introducir variabilidad en la interpretación de una obra, a veces instruyendo a los intérpretes para que improvisaran un pasaje corto o tocaran ad libitum. John Cage es considerado un pionero de la indeterminación en la música. A principios de la década de 1950, el término pasó a referirse al movimiento (principalmente estadounidense) que creció en torno a Cage. Este grupo incluía a los demás miembros de la llamada Escuela de Nueva York : Earle Brown , Morton Feldman y Christian Wolff . Otros que trabajaron de esta manera incluyeron la Scratch Orchestra del Reino Unido (1968 hasta principios de la década de 1970) y el compositor japonés Toshi Ichiyanagi (nacido en 1933). En Europa, tras la introducción de la expresión " música aleatoria " por Werner Meyer-Eppler , el compositor francés Pierre Boulez fue en gran parte responsable de popularizar el término. [3] [4]
En 1958, Cage dio dos conferencias en Europa, la primera en Darmstadt, titulada simplemente "Indeterminación", [5] la segunda en Bruselas llamada "Indeterminación: nuevo aspecto de la forma en la música instrumental y electrónica" (pronunciada nuevamente en forma ampliada en 1959). en Teacher's College, Columbia). Esta segunda conferencia consistió en una serie de cuentos (originalmente 30, ampliados a noventa en la segunda versión), cada uno de los cuales fue leído por Cage en exactamente un minuto; Debido a este límite de tiempo, la velocidad de la entrega de Cage varió enormemente. [6] La segunda actuación y una grabación posterior [7] contenían música, también de Cage, interpretada por David Tudor al mismo tiempo. Posteriormente, Cage añadió aún más historias y publicó una selección de ellas, en parte como un artículo, "Indeterminacy", [8] y en parte como interludios dispersos a lo largo de su primera colección de escritos, Silence . [9]
Entre 2007 y 2013, el artista holandés Iebele Abel desarrolló un instrumento electrónico llamado Real-time Indeterminate Synthetic Music Feedback (RT-ISMF). El instrumento fue diseñado para la investigación empírica sobre experiencias subjetivas inducidas por música sintetizada en tiempo real, basada en la salida de generadores electrónicos de números aleatorios. La idea básica de este enfoque era que la música indeterminada podría evocar una experiencia humana única y excepcional. [10]
La música indeterminada o aleatoria se puede dividir en tres grupos: (1) el uso de procedimientos aleatorios para producir una partitura fija y determinada, (2) forma móvil y (3) notación indeterminada, incluida la notación gráfica y los textos. El primer grupo incluye partituras en las que el elemento azar interviene únicamente en el proceso de composición, de modo que cada parámetro queda fijado antes de su interpretación. En Music of Changes (1951) de John Cage, el proceso de composición implicó la aplicación de decisiones tomadas utilizando el I Ching , un texto clásico chino que se utiliza comúnmente como sistema de adivinación. El I Ching se aplicó a grandes cuadros de sonidos, duraciones, dinámicas, tempo y densidades. El propio Cage, sin embargo, consideraba Music of Changes como una obra determinada, porque está completamente fija de una interpretación a otra. [1] Iannis Xenakis utilizó teorías de probabilidad para definir algunos aspectos microscópicos de Pithoprakta (1955-56), que en griego significa "acciones mediante probabilidad". Esta obra contiene cuatro secciones, caracterizadas por atributos texturales y tímbricos, como glissandi y pizzicati. A nivel macroscópico, las secciones las diseña y controla el compositor, pero los componentes individuales del sonido son generados por teorías matemáticas. [11] Ver: música estocástica .
En el segundo tipo de música indeterminada (el único tipo de música indeterminada según la definición de Cage), los elementos aleatorios implican la interpretación. Los eventos anotados son proporcionados por el compositor, pero su arreglo se deja a la determinación del intérprete. Según Cage, los ejemplos incluyen El arte de la fuga de Johann Sebastian Bach , Intersección 3 de Morton Feldman , Cuatro sistemas de Earle Brown y Dúo para pianistas II de Christian Wolff . [12] Witold Lutosławski utilizó una forma de indeterminación limitada (comenzando con Jeux vénitiens en 1960-1961), [13] donde extensos pasajes de tonos y ritmos están completamente especificados, pero la coordinación rítmica de las partes dentro del conjunto está sujeta a un elemento de azar. Veinticinco páginas de Earle Brown , utiliza 25 páginas sin encuadernar y requiere entre uno y 25 pianistas. La partitura permitió a los intérpretes organizar las páginas en el orden que consideraran oportuno. Además, las páginas se anotaron simétricamente y sin claves para que la orientación superior e inferior sea reversible.
"Forma abierta" es un término que a veces se utiliza para formas musicales "móviles" o "polivalentes", donde el orden de los movimientos o secciones es indeterminado o se deja a criterio del intérprete. Roman Haubenstock-Ramati compuso una serie de "móviles" influyentes como Interpolation (1958).
Sin embargo, la "forma abierta" en música también se utiliza en el sentido definido por el historiador del arte Heinrich Wölfflin (1915) para referirse a una obra que está fundamentalmente incompleta, representa una actividad inacabada o apunta fuera de sí misma. En este sentido, un "formulario móvil" puede ser "abierto" o "cerrado". Un ejemplo de una composición musical móvil "dinámica y cerrada" es Zyklus (1959) de Karlheinz Stockhausen , [14] In C (1964) de Terry Riley estaba compuesta por 53 secuencias cortas; cada miembro del conjunto puede repetir una secuencia determinada tantas veces como desee antes de pasar a la siguiente, haciendo que los detalles de cada interpretación de In C sean únicos. Sin embargo, debido a que el curso general es fijo, es una forma cerrada. [ cita necesaria ]
El mayor grado de indeterminación lo alcanza el tercer tipo de música indeterminada, en las partituras gráficas , en las que la música se representa mediante símbolos e ilustraciones que sugieren cómo se puede interpretar una obra. Partitura de Hans-Christoph Steiner para Solitude , creada utilizando las estructuras de datos de Pure Data. Esta notación puede ser, como la música en pentagramas tradicionales, un sistema gráfico de tiempo y tono. El número de diciembre de 1952 de Earle Brown consiste puramente en líneas horizontales y verticales que varían en ancho, distribuidas a lo largo de la página; Es una pieza histórica en la historia de la notación gráfica musical. El papel del intérprete es interpretar la partitura visualmente y traducir la información gráfica a música. En las notas de Brown sobre el trabajo, incluso sugiere que se considere este espacio 2D como 3D e imagine moverse a través de él. El Tratado de Cornelius Cardew es una partitura musical gráfica que comprende 193 páginas de líneas, símbolos y diversas formas geométricas o abstractas que generalmente evitan la notación musical convencional. Aunque la partitura permite una libertad interpretativa absoluta (ninguna interpretación sonará como otra), la obra normalmente no se toca de forma espontánea, ya que Cardew había sugerido previamente que los intérpretes idearan de antemano sus propias reglas y métodos para interpretar y ejecutar la obra. Sin embargo, existen infinitas posibilidades para la interpretación del Tratado que caen dentro de las implicaciones de la pieza y los principios generales de la interpretación musical experimental de finales de la década de 1960, incluida la presentación como arte visual y la lectura de mapas [15].
Fuentes