El neoclasicismo , también escrito neoclasicismo , surgió como un movimiento cultural occidental en las artes decorativas y visuales , la literatura , el teatro , la música y la arquitectura que se inspiró en el arte y la cultura de la antigüedad clásica . El neoclasicismo nació en Roma , en gran parte debido a los escritos de Johann Joachim Winckelmann durante el redescubrimiento de Pompeya y Herculano . Su popularidad se expandió por toda Europa a medida que una generación de estudiantes de arte europeos terminaron su Gran Gira y regresaron de Italia a sus países de origen con ideales grecorromanos recién redescubiertos. [1] [2] [3] [4] El principal movimiento neoclásico coincidió con el Siglo de las Luces del siglo XVIII y continuó hasta principios del siglo XIX, compitiendo eventualmente con el Romanticismo . En arquitectura, el estilo perduró durante los siglos XIX, XX y XXI. [5] [6]
El neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó c. 1760 en oposición al estilo rococó entonces dominante . La arquitectura rococó enfatiza la gracia, la ornamentación y la asimetría; La arquitectura neoclásica se basa en los principios de simplicidad y simetría, que se consideraban virtudes de las artes de la Antigua Roma y la Antigua Grecia , y se extrajeron directamente del clasicismo renacentista del siglo XVI . Cada movimiento "neo"clasicista selecciona algunos modelos entre la gama de posibles clásicos que tiene a su disposición e ignora otros. Entre 1765 y 1830, los defensores del neoclásico (escritores, oradores, mecenas, coleccionistas, artistas y escultores) rindieron homenaje a una idea de la generación artística asociada con Fidias , pero los ejemplos de esculturas que realmente adoptaron eran más probablemente copias romanas de esculturas helenísticas . Ignoraron tanto el arte griego arcaico como las obras de la antigüedad tardía . El descubrimiento del arte "rococó" de la antigua Palmira a través de los grabados en Las ruinas de Palmira de Robert Wood fue una revelación. Con Grecia en gran parte inexplorada y considerada un territorio peligroso del Imperio Otomano , la apreciación de la arquitectura griega por parte de los neoclásicos estuvo predominantemente mediada por dibujos y grabados que fueron sutilmente suavizados y regularizados, "corregidos" y "restaurados" monumentos de Grecia, no siempre conscientemente.
El estilo Imperio , segunda fase del neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas , tuvo su centro cultural en París en la época napoleónica . Especialmente en la arquitectura, pero también en otros campos, el neoclasicismo siguió siendo una fuerza mucho después de principios del siglo XIX, con oleadas periódicas de revivalismo durante el siglo XX e incluso el XXI, especialmente en Estados Unidos y Rusia. [ cita necesaria ]
El neoclasicismo es un renacimiento de los muchos estilos y espíritus de la antigüedad clásica inspirados directamente en el período clásico, [7] que coincidió y reflejó los desarrollos en la filosofía y otras áreas del Siglo de las Luces, y fue inicialmente una reacción contra los excesos del siglo de las Luces. estilo rococó anterior . [8] Si bien el movimiento a menudo se describe como la contraparte opuesta del Romanticismo , esto es una gran simplificación excesiva que tiende a no ser sostenible cuando se consideran artistas u obras específicas. El caso del supuesto principal paladín del neoclasicismo tardío, Ingres , lo demuestra especialmente bien. [9] El renacimiento se remonta al establecimiento de la arqueología formal . [10] [11]
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Los escritos de Johann Joachim Winckelmann fueron importantes para dar forma a este movimiento tanto en la arquitectura como en las artes visuales. Sus libros Pensamientos sobre la imitación de obras griegas en pintura y escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego antiguo y el romano, y definir períodos dentro del arte griego. arte, trazando una trayectoria de crecimiento a madurez y luego imitación o decadencia que sigue teniendo influencia hasta nuestros días. Winckelmann creía que el arte debería aspirar a la "noble sencillez y la serena grandeza", [13] y elogiaba el idealismo del arte griego, en el que decía que encontramos "no sólo la naturaleza en su forma más bella, sino también algo más allá de la naturaleza, es decir, ciertas formas ideales". de su belleza, que, como nos enseña un antiguo intérprete de Platón , proviene de imágenes creadas únicamente por la mente". La teoría estaba lejos de ser nueva en el arte occidental, pero su énfasis en la copia fiel de los modelos griegos fue: "La única manera de que seamos grandes o, si esto es posible, inimitables, es imitar a los antiguos". [14]
La Revolución Industrial vio una transición global de la economía humana hacia procesos de fabricación más eficientes y estables. [15] Hubo un tremendo avance material y una mayor prosperidad. [16] Con la llegada del Grand Tour , comenzó una moda de coleccionar antigüedades que sentó las bases de muchas grandes colecciones que difundieron un renacimiento neoclásico por toda Europa. [17] El "neoclasicismo" en cada arte implica un canon particular de un modelo "clásico".
En inglés, el término "neoclasicismo" se utiliza principalmente para las artes visuales; el movimiento similar en la literatura inglesa , que comenzó mucho antes, se llama literatura de Augusto . Esto, que había sido dominante durante varias décadas, estaba comenzando a declinar cuando el neoclasicismo en las artes visuales se puso de moda. Aunque los términos difieren, la situación en la literatura francesa era similar. En la música, el período vio el surgimiento de la música clásica , y el "neoclasicismo" se utiliza para referirse a los desarrollos del siglo XX . Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck representaron un enfoque específicamente neoclásico, explicado en su prefacio a la partitura publicada de Alceste (1769), que pretendía reformar la ópera eliminando la ornamentación , aumentando el papel del coro en línea con la tragedia griega . y utilizando líneas melódicas más simples y sin adornos. [18]
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El término "neoclásico" no se inventó hasta mediados del siglo XIX, y en ese momento el estilo se describía con términos como "el verdadero estilo", "reformado" y "renacimiento"; lo que se consideraba revivido variaba considerablemente. Ciertamente, los modelos antiguos estaban muy involucrados, pero el estilo también podría considerarse como un renacimiento del Renacimiento, y especialmente en Francia como un regreso al Barroco más austero y noble de la época de Luis XIV , por el cual se había desarrollado una considerable nostalgia . a medida que la posición militar y política dominante de Francia comenzaba un serio declive. [19] El retrato de la coronación de Napoleón que hizo Ingres incluso tomó prestado de los dípticos consulares de la Antigüedad tardía y su renacimiento carolingio , para desaprobación de los críticos.
El neoclasicismo fue más fuerte en la arquitectura , la escultura y las artes decorativas , donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de pintura antigua que demostraron las cualidades que los escritos de Winckelmann encontraban en la escultura eran y son de las que carecen. Winckelmann participó en la difusión del conocimiento de las primeras grandes pinturas romanas descubiertas en Pompeya y Herculano y, como la mayoría de sus contemporáneos, excepto Gavin Hamilton , no quedó impresionado por ellas, citando los comentarios de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura en su periodo. [20]
En cuanto a la pintura, la pintura griega se perdió por completo: los pintores neoclásicos la revivieron con imaginación, en parte a través de frisos en bajorrelieve , mosaicos y pintura de cerámica, y en parte a través de ejemplos de pintura y decoración del Alto Renacimiento de la generación de Rafael , frescos de Nerón. 's Domus Aurea , Pompeya y Herculano, y a través de una renovada admiración por Nicolas Poussin . Gran parte de la pintura "neoclásica" es más clasicista en el tema que en cualquier otra cosa. Durante décadas se desarrolló una disputa feroz, pero a menudo muy mal informada, sobre los méritos relativos del arte griego y romano, en la que Winckelmann y sus colegas helenistas generalmente estaban del lado ganador. [21]
Es difícil recuperar la naturaleza radical y apasionante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; ahora sorprende incluso a aquellos escritores que se inclinan favorablemente hacia él por considerarlo "insípido" y "casi completamente carente de interés para nosotros": algunos de los comentarios de Kenneth Clark sobre el ambicioso Parnassus de Anton Raphael Mengs en Villa Albani , [33] del artista a quien su Su amigo Winckelmann lo describió como "el mayor artista suyo, y quizás de épocas posteriores". [34] Los dibujos, posteriormente convertidos en grabados , de John Flaxman utilizaron dibujos lineales muy simples (que se cree que son el medio clásico más puro [35] ) y figuras principalmente de perfil para representar La Odisea y otros temas, y una vez "despidieron el arte". juventud de Europa", pero ahora están "descuidados", [36] mientras que las pinturas históricas de Angelica Kauffman , principalmente retratista, son descritas por Fritz Novotny como de "una suavidad untuosa y tedios" . [37] La frivolidad rococó y el movimiento barroco habían sido eliminados, pero muchos artistas lucharon por poner algo en su lugar, y en ausencia de ejemplos antiguos de pintura histórica, aparte de los jarrones griegos utilizados por Flaxman, Rafael tendía a ser utilizado como modelo sustituto, como recomendó Winckelmann.
La obra de otros artistas, que no podrían calificarse fácilmente de insípidas, combinó aspectos del Romanticismo con un estilo generalmente neoclásico, y forman parte de la historia de ambos movimientos. El pintor germano-danés Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeó, dejando en su mayoría dibujos y estudios de color que a menudo logran acercarse a la prescripción de Winckelmann de "noble sencillez y serena grandeza". [38] A diferencia de los planes no realizados de Carstens, los grabados de Giovanni Battista Piranesi fueron numerosos y rentables, y quienes realizaban el Grand Tour los retomaron por todas partes de Europa. Su tema principal fueron los edificios y ruinas de Roma, y lo antiguo lo estimulaba más que lo moderno. La atmósfera un tanto inquietante de muchas de sus Vedute (vistas) se vuelve dominante en su serie de 16 grabados de Carceri d'invenzione ("Prisiones imaginarias") cuya "arquitectura ciclópea opresiva" transmite "sueños de miedo y frustración". [39] Henry Fuseli , nacido en Suiza, pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra, y si bien su estilo fundamental se basó en principios neoclásicos, sus temas y su tratamiento reflejaban más a menudo la vena "gótica" del romanticismo y buscaban evocar drama y emoción. .
El neoclasicismo en la pintura adquirió un nuevo sentido de dirección con el éxito sensacional del Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David en el Salón de París de 1785. A pesar de su evocación de virtudes republicanas, se trataba de un encargo del gobierno real, en el que David insistió. sobre la pintura en Roma. David supo combinar un estilo idealista con dramatismo y contundencia. La perspectiva central es perpendicular al plano del cuadro, realzada por la oscura arcada detrás, contra la cual se disponen las figuras heroicas como en un friso , con un toque de iluminación artificial y puesta en escena de ópera , y el colorido clásico de Nicolas Poussin. . David rápidamente se convirtió en el líder del arte francés y, después de la Revolución Francesa, se convirtió en un político con control de gran parte del patrocinio gubernamental en el arte. Consiguió conservar su influencia en el período napoleónico , recurriendo a obras francamente propagandísticas, pero tuvo que abandonar Francia para exiliarse en Bruselas durante la Restauración borbónica . [40]
Entre los numerosos alumnos de David se encontraba Jean-Auguste-Dominique Ingres , que se vio a sí mismo como un clasicista a lo largo de su larga carrera, a pesar de un estilo maduro que tiene una relación equívoca con la corriente principal del neoclasicismo, y muchas desviaciones posteriores hacia el orientalismo y el estilo trovador que son Es difícil distinguirlo de los de sus contemporáneos descaradamente románticos, excepto por la primacía que sus obras siempre dan al dibujo. Expuso en el Salón durante más de 60 años, desde 1802 hasta los inicios del impresionismo , pero su estilo, una vez formado, cambió poco. [41]
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Si la pintura neoclásica adolecía de una falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tendía a sufrir un exceso de ellos. Aunque los ejemplos de escultura griega real del " período clásico " que comenzó alrededor del 500 a. C. eran entonces muy pocos; las obras más apreciadas eran en su mayoría copias romanas. [47] Los principales escultores neoclásicos gozaron de gran reputación en su época, pero ahora son menos considerados, con la excepción de Jean-Antoine Houdon , cuyo trabajo consistió principalmente en retratos, muy a menudo en forma de bustos, que no sacrifican una fuerte impresión del personalidad del modelo al idealismo. Su estilo se volvió más clásico a medida que avanzaba su larga carrera y representa una progresión bastante suave desde el encanto rococó hasta la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos, no insistió en que sus modelos vistieran trajes romanos o estuvieran desnudos. Retrató a la mayoría de las figuras notables de la Ilustración y viajó a Estados Unidos para realizar una estatua de George Washington , así como bustos de Thomas Jefferson , Benjamin Franklin y otros fundadores de la nueva república. [48] [49]
Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen residían en Roma y, además de los retratos, produjeron muchas figuras y grupos ambiciosos de tamaño natural; ambos representaron la tendencia fuertemente idealizadora de la escultura neoclásica. Canova tiene ligereza y gracia, mientras que Thorvaldsen es más severo; la diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias . [50] Todos estos, y Flaxman, todavía estaban activos en la década de 1820, y el romanticismo tardó en impactar la escultura, donde las versiones del neoclasicismo siguieron siendo el estilo dominante durante la mayor parte del siglo XIX.
Uno de los primeros neoclásicos en escultura fue el sueco Johan Tobias Sergel . [51] John Flaxman fue también, o principalmente, un escultor, produciendo principalmente relieves severamente clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; También diseñó y modeló cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood durante varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph , uno de los pocos escultores neoclásicos que murió joven, fueron los principales artistas alemanes, [52] junto con Franz Anton von Zauner en Austria. El último escultor barroco austriaco Franz Xaver Messerschmidt recurrió al neoclasicismo a mitad de su carrera, poco antes de sufrir algún tipo de crisis mental, tras lo cual se retiró al campo y se dedicó a las muy distintivas "cabezas de personajes" de figuras calvas. haciendo expresiones faciales extremas. [53] Al igual que los Carceri de Piranesi , estos disfrutaron de un gran resurgimiento del interés durante la era del psicoanálisis a principios del siglo XX. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.
Dado que antes de la década de 1830 Estados Unidos no tenía una tradición escultórica propia, salvo en las áreas de lápidas, veletas y mascarones de proa de barcos, [54] se adoptó allí el estilo neoclásico europeo, que prevalecería durante décadas y años. se ejemplifica en las esculturas de Horatio Greenough , Harriet Hosmer , Hiram Powers , Randolph Rogers y William Henry Rinehart .
El arte neoclásico era tradicional y nuevo, histórico y moderno, conservador y progresista, todo al mismo tiempo. [56]
El neoclasicismo ganó influencia por primera vez en Gran Bretaña y Francia, a través de una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma e influenciados por los escritos de Winckelmann, y fue rápidamente adoptado por círculos progresistas en otros países como Suecia , Polonia y Rusia . Al principio, la decoración clasicista se injertó en formas europeas familiares, como en los interiores del amante de Catalina la Grande , el Conde Grigory Orlov , diseñados por un arquitecto italiano con un equipo de stuccadori italianos : sólo los medallones ovalados aislados como camafeos y los bas -relieve con un toque de neoclasicismo; Los muebles son totalmente rococó italiano.
Una segunda ola neoclásica, más severa, más estudiada (a través de grabados ) y más conscientemente arqueológica, se asocia con el apogeo del Imperio napoleónico . En Francia, la primera fase del Neoclasicismo se expresó en el " estilo Luis XVI ", y la segunda en los estilos denominados " Directorio " e Imperio . El estilo rococó siguió siendo popular en Italia hasta que los regímenes napoleónicos trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, que fue adoptado como una declaración política por italianos jóvenes, progresistas y urbanos con inclinaciones republicanas. [¿ según quién? ]
En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en los muebles Imperio fabricados en París, Londres, Nueva York, Berlín; en muebles Biedermeier fabricados en Austria; en los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y el recién construido " Capitolio de los Estados Unidos " en Washington, DC; y en los bajorrelieves y jarrones de "basaltos negros" de Josiah Wedgwood . El estilo era internacional; El arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores palaciegos de estilo italiano para Catalina la Grande, nacida en Alemania, en San Petersburgo, Rusia.
En el interior, el neoclasicismo descubrió un interior genuinamente clásico, inspirado en los redescubrimientos de Pompeya y Herculano . Estos habían comenzado a finales de la década de 1740, pero sólo alcanzaron una amplia audiencia en la década de 1760, [57] con los primeros volúmenes lujosos de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano ( Las Antigüedades de Herculano ). Las antigüedades de Herculano demostraron que incluso los interiores más clasicistas del Barroco , o las habitaciones más "romanas" de William Kent, se basaban en una arquitectura exterior de basílica y templo vuelta hacia dentro, de ahí su apariencia a menudo grandilocuente a los ojos modernos: marcos de ventanas con frontones vueltos hacia adentro. en espejos dorados , chimeneas rematadas con frentes de templo. Los nuevos interiores buscaron recrear un vocabulario auténticamente romano y genuinamente interior.
Las técnicas empleadas en el estilo incluyeron motivos más planos y claros, esculpidos en relieve bajo tipo friso o pintados en monótonos en camaïeu ("como camafeos"), medallones, jarrones o bustos aislados o bucranias u otros motivos, suspendidos sobre guirnaldas de laurel o cintas. , con esbeltos arabescos sobre fondos, tal vez, de "rojo pompeyano" o de tintes pálidos, o de colores piedra. El estilo en Francia fue inicialmente un estilo parisino, el Goût grec ("estilo griego"), no un estilo cortesano; Cuando Luis XVI accedió al trono en 1774, María Antonieta , su reina amante de la moda, llevó el estilo Luis XVI a la corte. Sin embargo, no hubo ningún intento real de emplear las formas básicas del mobiliario romano hasta alrededor del cambio de siglo, y los fabricantes de muebles eran más propensos a tomar prestado de la arquitectura antigua, al igual que los plateros eran más propensos a tomar de la cerámica y la piedra antiguas. talla que la orfebrería: "Los diseñadores y artesanos... parecen haber sentido un placer casi perverso al transferir motivos de un medio a otro". [58]
Aproximadamente a partir de 1800, una nueva afluencia de ejemplos arquitectónicos griegos, vistos a través de aguafuertes y grabados, dio un nuevo impulso al neoclasicismo, el Renacimiento griego . Al mismo tiempo, el estilo Imperio fue una ola más grandiosa de neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas. Basado principalmente en estilos romanos imperiales, se originó y tomó su nombre del gobierno de Napoleón en el Primer Imperio Francés, donde se pretendía idealizar el liderazgo de Napoleón y el estado francés. El estilo corresponde al estilo Biedermeier más burgués en los países de habla alemana, al estilo federal en los Estados Unidos, [57] al estilo Regencia en Gran Bretaña y al estilo Napoleón en Suecia. Según el historiador de arte Hugh Honor "lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico, el Imperio marca su rápido declive y su transformación una vez más en un mero renacimiento antiguo, desprovisto de todas las ideas altruistas". y fuerza de convicción que había inspirado sus obras maestras". [59] Una fase anterior del estilo se llamó estilo Adam en Gran Bretaña.
El neoclasicismo continuó siendo una fuerza importante en el arte académico durante el siglo XIX y más allá (una antítesis constante del romanticismo o los resurgimientos góticos ), aunque desde finales del siglo XIX en adelante a menudo se lo había considerado antimoderno, o incluso reaccionario, en influyentes críticos. círculos. [ ¿OMS? ] Los centros de varias ciudades europeas, en particular San Petersburgo y Múnich , llegaron a parecerse mucho a museos de arquitectura neoclásica.
La arquitectura neogótica (a menudo vinculada con el movimiento cultural romántico), un estilo que se originó en el siglo XVIII y que ganó popularidad a lo largo del siglo XIX, contrastaba con el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracterizó por estilos, líneas geométricas y orden de influencia griega y romana, la arquitectura neogótica puso énfasis en los edificios de aspecto medieval, a menudo diseñados para tener una apariencia rústica y "romántica".
![Fachada del Petit Trianon, Versalles, Francia, por Ange-Jacques Gabriel, 1764[63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7f/West_facade_of_Petit_Trianon_002.JPG/1280px-West_facade_of_Petit_Trianon_002.JPG)
Marca la transición del Rococó al Clasicismo. A diferencia del clasicismo de Luis XIV , que transformaba los ornamentos en símbolos, el estilo Luis XVI los representa lo más realista y natural posible, es decir, las ramas de laurel son realmente ramas de laurel, las rosas lo mismo, etcétera. Uno de los principales principios decorativos es la simetría. En interiores, los colores utilizados son muy vivos, entre ellos el blanco, el gris claro, el azul intenso, el rosa, el amarillo, el lila muy claro y el dorado. Se evitan excesos de ornamentación. [70] El regreso a la antigüedad es sinónimo, sobre todo, de un retorno a las líneas rectas: las estrictas verticales y horizontales estaban a la orden del día. Ya no se toleraban los serpentinos, salvo algún que otro semicírculo u óvalo. La decoración interior también hizo honor a este gusto por el rigor, de modo que las superficies planas y los ángulos rectos volvieron a estar de moda. Se utilizó ornamento para mediar en esta severidad, pero nunca interfirió con las líneas básicas y siempre estuvo dispuesto simétricamente alrededor de un eje central. Aun así, los ébénistes a menudo inclinaban los ángulos anteriores para evitar una rigidez excesiva. [71]
Los motivos decorativos del estilo Luis XVI se inspiraron en la antigüedad , el estilo Luis XIV y la naturaleza. Elementos característicos del estilo: antorcha cruzada con una funda con flechas, discos imbricados, guilloché , lazos dobles, braseros humeantes, repeticiones lineales de pequeños motivos ( rosetas , cuentas, oves), trofeo o medallones florales colgados de una cinta anudada. , hojas de acanto , gallones , entrelazados, meandros , cornucopias , mascarones , urnas antiguas, trípodes, quemadores de perfume, delfines, cabezas de carnero y león, quimeras y grifos . Los motivos arquitectónicos grecorromanos también se utilizan mucho: estrías , pilastras (estriadas y no estriadas), balaustres estriados (retorcidos y rectos), columnas ( engranadas y no engranadas, a veces reemplazadas por cariátides ), ménsulas en voluta , triglifos con guttae (en relieve y trampantojo) . -l'œil ). [72]
El neoclasicismo fue representativo de la nueva sociedad francesa que salió de la revolución , marcando la pauta en todos los campos de la vida, incluido el arte. En esta época se inventó la máquina Jacquard (que revolucionó todo el sistema de costura, hasta entonces manual). Uno de los colores dominantes era el rojo, decorado con bronce dorado . También se utilizaban colores vivos, entre ellos el blanco, crema, violeta, marrón, azul, rojo oscuro, con pequeños adornos de bronce dorado. La arquitectura interior incluía paneles de madera decorados con relieves dorados (sobre fondo blanco o de color). Los motivos se colocaron geométricamente. Las paredes estaban revestidas de estucos , papel tapiz de telas. Las repisas de las chimeneas eran de mármol blanco, teniendo en sus esquinas cariátides u otros elementos: obeliscos , esfinges , leones alados, etc. En su parte superior se colocaron objetos de bronce, incluidos relojes de sobremesa . Las puertas estaban formadas por sencillos paneles rectangulares, decorados con una figura central de inspiración pompeyana. Los tejidos imperio son damascos con fondo azul o marrón, rasos con fondo verde, rosa o morado, terciopelos de los mismos colores, broches con brochazos dorados o plateados y tejidos de algodón. Todos ellos se utilizaban en interiores para cortinas, para revestir determinados muebles, para cojines o tapizados (también se utilizaba el cuero para tapizar). [79]
Todo ornamento Imperio se rige por un riguroso espíritu de simetría que recuerda al estilo Luis XIV . Generalmente, los motivos de los lados derecho e izquierdo de una pieza se corresponden en cada detalle; cuando no es así, los motivos individuales tienen una composición totalmente simétrica : cabezas antiguas con trenzas idénticas cayendo sobre cada hombro, figuras frontales de la Victoria con túnicas dispuestas simétricamente, rosetones o cisnes idénticos que flanquean una placa de cerradura, etc. Como Luis XIV , Napoleón Tenía un conjunto de emblemas inequívocamente asociados con su gobierno, en particular el águila, la abeja, las estrellas y las iniciales I (de Imperator ) y N (de Napoleón ), que generalmente estaban inscritas dentro de una corona de laurel imperial. Los motivos utilizados incluyen: figuras de la Victoria con ramas de palmera, bailarinas griegas, mujeres desnudas y vestidas, figuras de carros antiguos, amorcillos alados , mascarones de Apolo , Hermes y la Gorgona , cisnes, leones, cabezas de bueyes, caballos y bestias salvajes. mariposas, garras, quimeras aladas , esfinges , bucráneos , caballitos de mar, coronas de roble anudadas por finas cintas colgantes, enredaderas trepadoras, rinceaux de amapola , rosetas , ramas de palmera y laurel. Hay muchos grecorromanos: hojas de acanto rígidas y planas, palmetas , cornucopias , cuentas, ánforas , trípodes, discos imbricados, caduceos de Mercurio , jarrones, cascos, antorchas encendidas, trompetistas alados e instrumentos musicales antiguos (tubas, sonajeros y especialmente liras ). A pesar de su antigua derivación, las estrías y los triglifos que tanto prevalecieron bajo Luis XVI están abandonados. Los motivos del Renacimiento egipcio son especialmente comunes al comienzo del período: escarabajos , capiteles de loto , discos alados, obeliscos, pirámides , figuras con némesis , cariátides en ganancia sostenidas por pies descalzos y con tocados de mujeres egipcias. [80]
La arquitectura neoclásica se generalizó como símbolo de riqueza y poder en Alemania, principalmente en lo que entonces era Prusia . Karl Friedrich Schinkel construyó muchos edificios destacados con este estilo, incluido el Antiguo Museo de Berlín. Si bien la ciudad permaneció dominada por el urbanismo barroco, su arquitectura y estilo funcional proporcionaron a la ciudad un centro claramente neoclásico.
Su Bauakademie es considerada una de las precursoras de la arquitectura moderna debido a la fachada del edificio , hasta ahora relativamente estilizada.
Desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta el siglo XIX, Italia pasó por una gran cantidad de cambios socioeconómicos, varias invasiones extranjeras y el turbulento Risorgimento, que resultó en la unificación italiana en 1861. Así, el arte italiano pasó por una serie de cambios de estilo menores y mayores.
El neoclasicismo italiano fue la manifestación más temprana del período general conocido como neoclasicismo y duró más que las otras variantes nacionales del neoclasicismo. Se desarrolló en oposición al estilo barroco alrededor de c. 1750 y duró hasta c. 1850 . El neoclasicismo comenzó alrededor del período del redescubrimiento de Pompeya y se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte regresó a sus países del Grand Tour en Italia con ideales grecorromanos redescubiertos. Primero se centró en Roma, donde artistas como Antonio Canova y Jacques-Louis David estuvieron activos en la segunda mitad del siglo XVIII, antes de trasladarse a París. Pintores del Vedute , como Canaletto y Giovanni Paolo Panini , también disfrutaron de un gran éxito durante el Grand Tour. La arquitectura neoclásica se inspiró en las obras renacentistas de Andrea Palladio y vio en Luigi Vanvitelli a los principales intérpretes del estilo.
La literatura clasicista tuvo un gran impacto en el movimiento del Resurgimiento: las principales figuras del período incluyen a Vittorio Alfieri , Giuseppe Parini , Vincenzo Monti y Ugo Foscolo , Giacomo Leopardi y Alessandro Manzoni (sobrino de Cesare Beccaria ), quienes también fueron influenciados por la Ilustración francesa. y el romanticismo alemán. El virtuoso violinista Paganini y las óperas de Rossini , Donnizetti , Bellini y, más tarde, Verdi dominaron la escena de la música clásica y romántica italiana.
El arte de Francesco Hayez y especialmente el de los Macchiaioli representó una ruptura con la escuela clásica, que llegó a su fin cuando Italia se unificó (ver arte italiano moderno y contemporáneo). El neoclasicismo fue el último estilo de origen italiano, después del Renacimiento y el Barroco, en extenderse a todo el arte occidental.
![Iglesia redonda de San Demetrio, Lețcani, arquitecto desconocido, 1795[81]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/78/Biserica_rotunda_Letcani_04.JPG/1280px-Biserica_rotunda_Letcani_04.JPG)
Durante el siglo XIX, el estilo predominante en Valaquia y Moldavia , más tarde Reino de Rumanía , fue el Clasicismo que perduró durante mucho tiempo, hasta el siglo XX, aunque convivió en algunos breves periodos con otros estilos. Aquí se invitaba a arquitectos e ingenieros extranjeros desde la primera década del siglo XIX. La mayoría de los arquitectos que construyeron a principios de siglo eran extranjeros porque los rumanos aún no tenían la formación necesaria para diseñar edificios muy diferentes a la tradición rumana. Utilizando habitualmente el clasicismo, comenzaron a construir junto con artesanos rumanos, normalmente formados en escuelas o academias extranjeras. Los arquitectos rumanos también estudiaron en escuelas de Europa occidental. Un ejemplo es Alexandru Orăscu , uno de los representantes del neoclasicismo en Rumanía.
El clasicismo se manifestó tanto en la arquitectura religiosa como en la secular. Un buen ejemplo de arquitectura secular es el Palacio Știrbei en Calea Victoriei ( Bucarest ), construido alrededor del año 1835, según los planos del arquitecto francés Michel Sanjouand. Recibió un nuevo nivel en 1882, diseñado por el arquitecto austriaco Joseph Hartmann [85] [86]
En 1905-1914, la arquitectura rusa pasó por un breve pero influyente período de renacimiento neoclásico ; La tendencia comenzó con la recreación del estilo Imperio del período alejandrino y rápidamente se expandió a una variedad de escuelas neorrenacentistas, palladianas y modernizadas, pero reconociblemente clásicas. Fueron dirigidos por arquitectos nacidos en la década de 1870, que alcanzaron su apogeo creativo antes de la Primera Guerra Mundial, como Ivan Fomin , Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky . Cuando la economía se recuperó en la década de 1920, estos arquitectos y sus seguidores continuaron trabajando en un entorno principalmente modernista ; algunos (Zholtovsky) siguieron estrictamente el canon clásico, otros (Fomin, Schuko, Ilya Golosov ) desarrollaron sus propios estilos modernizados. [87]
Con la represión de la independencia de los arquitectos y la negación oficial del modernismo (1932), demostrada por el concurso internacional para el Palacio de los Sóviets , el neoclasicismo fue instantáneamente promovido como una de las opciones de la arquitectura estalinista , aunque no la única. Convivió con la arquitectura moderadamente modernista de Boris Iofan , rayando con el Art Déco contemporáneo (Schuko); Una vez más, los ejemplos más puros del estilo fueron producidos por la escuela Zholtovsky, que siguió siendo un fenómeno aislado. La intervención política fue un desastre para los líderes constructivistas , pero fue bien recibida por los arquitectos de las escuelas clásicas.
El neoclasicismo fue una elección fácil para la Unión Soviética ya que no dependía de tecnologías de construcción modernas ( estructura de acero u hormigón armado ) y podía reproducirse en mampostería tradicional . Así, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros viejos maestros se replicaron fácilmente en ciudades remotas bajo un estricto racionamiento de materiales . La mejora de la tecnología de la construcción después de la Segunda Guerra Mundial permitió a los arquitectos estalinistas aventurarse en la construcción de rascacielos, aunque estilísticamente estos rascacielos (incluida la arquitectura "exportada" del Palacio de Cultura y Ciencia de Varsovia y el Centro Internacional de Convenciones de Shanghai ) comparten poco con los modelos clásicos. El neoclasicismo y el neorrenacimiento persistieron en proyectos residenciales y de oficinas menos exigentes hasta 1955, cuando Nikita Khrushchev puso fin a la costosa arquitectura estalinista.
![Apoteosis de Virgilio; por John Flaxman; c.1776; jaspe; diámetro: 41 cm; Museo Harris, Preston, Lancashire, Reino Unido[91]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/44/Jasperware_plaque_by_Wedgwood_(c._1776),_Harris_Museum.JPG/1280px-Jasperware_plaque_by_Wedgwood_(c._1776),_Harris_Museum.JPG)
El estilo Adam fue creado por dos hermanos, Adam y James , quienes publicaron en 1777 un volumen de grabados con ornamentación interior. En la decoración interior realizada según los dibujos de Robert Adam, las paredes, los techos, las puertas y cualquier otra superficie se dividen en grandes paneles: rectangulares, redondos, cuadrados, con estucos y motivos grecorromanos en los bordes. Los adornos utilizados incluyen festones , perlas, bandas de huevos y dardos , medallones y cualquier otro motivo utilizado durante la antigüedad clásica (especialmente los etruscos ). Los elementos decorativos como jarrones de piedra con forma de urna, cubiertos dorados, lámparas y estatuillas tienen la misma fuente de inspiración: la antigüedad clásica. El estilo Adam enfatiza los refinados espejos rectangulares, enmarcados como cuadros (en marcos con hojas estilizadas), o con un frontón encima, que sostiene una urna o un medallón. Otro diseño de espejos Adam tiene forma de ventana veneciana , con un gran espejo central entre otros dos más delgados y alargados. Otro tipo de espejos son los ovalados, normalmente decorados con festones. Los muebles de este estilo tienen una estructura similar a los muebles Luis XVI . [94]
Además del estilo Adam, en lo que respecta a las artes decorativas, Inglaterra también es conocida por el fabricante de cerámica Josiah Wedgwood (1730-1795), quien fundó una alfarería llamada Etruria. La cerámica Wedgwood está hecha de un material llamado jasperware , un tipo de gres duro y de grano fino . Los jarrones Wedgwood suelen estar decorados con relieves en dos colores, siendo en la mayoría de los casos las figuras blancas y el fondo azul.
![Edificio del Capitolio, Washington, DC, 1793–1863, por William Thornton y Thomas Ustick Walter[95]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4f/US_Capitol_west_side.JPG/1280px-US_Capitol_west_side.JPG)
En el continente americano , la arquitectura y la decoración de interiores han estado muy influenciadas por los estilos desarrollados en Europa. El gusto francés ha marcado mucho su presencia en los estados del sur (después de la Revolución Francesa algunos emigrantes se han trasladado aquí, y en Canadá una gran parte de la población es de origen francés). El espíritu práctico y la situación material de los americanos de aquella época daban a los interiores una atmósfera típica. Todos los muebles, alfombras, vajillas, cerámicas y cubiertos americanos, con todas las influencias europeas, y a veces islámicas , turcas o asiáticas , fueron fabricados de conformidad con las normas, gustos y requisitos funcionales americanos. Ha existido en Estados Unidos un período del estilo Queen Anne y otro Chippendale . En el siglo XVIII y principios del XIX se desarrolló por completo un estilo propio, el estilo federal, que floreció influenciado por el gusto británico. Bajo el impulso del Neoclasicismo se ha creado arquitectura, interiores y mobiliario. El estilo, aunque tiene numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras de arquitectura, interiores y mobiliario son clasicistas e incorporan influencias barrocas y rococó . Las formas utilizadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Paneles de estuco o madera en paredes y techos reproducen motivos clasicistas. Los muebles suelen estar decorados con marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón (a veces dorado ). [98]
En Inglaterra, la literatura de Augusto tenía un paralelo directo con el estilo de diseño de paisajes de Augusto. Los vínculos se ven claramente en la obra de Alexander Pope . Los mejores ejemplos supervivientes de jardines ingleses neoclásicos son Chiswick House , Stowe House y Stourhead . [99]
In fashion, Neoclassicism influenced the much greater simplicity of women's dresses, and the long-lasting fashion for white, from well before the French Revolution, but it was not until after it that thorough-going attempts to imitate ancient styles became fashionable in France, at least for women. Classical costumes had long been worn by fashionable ladies posing as some figure from Greek or Roman myth in a portrait (in particular there was a rash of such portraits of the young model Emma, Lady Hamilton from the 1780s), but such costumes were only worn for the portrait sitting and masquerade balls until the Revolutionary period, and perhaps, like other exotic styles, as undress at home. But the styles worn in portraits by Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien and other Parisian trend-setters were for going-out in public as well. Seeing Mme Tallien at the opera, Talleyrand quipped that: "Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement!" ("One could not be more sumptuously undressed"). In 1788, just before the Revolution, the court portraitist Louise Élisabeth Vigée Le Brun had held a Greek supper where the ladies wore plain white Grecian tunics.[100] Shorter classical hairstyles, where possible with curls, were less controversial and very widely adopted, and hair was now uncovered even outdoors; except for evening dress, bonnets or other coverings had typically been worn even indoors before. Thin Greek-style ribbons or fillets were used to tie or decorate the hair instead.
Very light and loose dresses, usually white and often with shockingly bare arms, rose sheer from the ankle to just below the bodice, where there was a strongly emphasized thin hem or tie round the body, often in a different colour. The shape is now often known as the Empire silhouette although it predates the First French Empire of Napoleon, but his first Empress Joséphine de Beauharnais was influential in spreading it around Europe. A long rectangular shawl or wrap, very often plain red but with a decorated border in portraits, helped in colder weather, and was apparently laid around the midriff when seated—for which sprawling semi-recumbent postures were favoured.[101] By the start of the 19th century, such styles had spread widely across Europe.
Neoclassical fashion for men was far more problematic, and never really took off other than for hair, where it played an important role in the shorter styles that finally despatched the use of wigs, and then white hair-powder, for younger men. The trouser had been the symbol of the barbarian to the Greeks and Romans, but outside the painter's or, especially, the sculptor's studio, few men were prepared to abandon it. Indeed, the period saw the triumph of the pure trouser, or pantaloon, over the culotte or knee-breeches of the Ancien Régime. Even when David designed a new French "national costume" at the request of the government during the height of the Revolutionary enthusiasm for changing everything in 1792, it included fairly tight leggings under a coat that stopped above the knee. A high proportion of well-to-do young men spent much of the key period in military service because of the French Revolutionary Wars, and military uniform, which began to emphasize jackets that were short at the front, giving a full view of tight-fitting trousers, was often worn when not on duty, and influenced civilian male styles.
The trouser-problem had been recognised by artists as a barrier to creating contemporary history paintings; like other elements of contemporary dress they were seen as irredeemably ugly and unheroic by many artists and critics. Various stratagems were used to avoid depicting them in modern scenes. In James Dawkins and Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) by Gavin Hamilton, the two gentleman antiquaries are shown in toga-like Arab robes. In Watson and the Shark (1778) by John Singleton Copley, the main figure could plausibly be shown nude, and the composition is such that of the eight other men shown, only one shows a single breeched leg prominently. However the Americans Copley and Benjamin West led the artists who successfully showed that trousers could be used in heroic scenes, with works like West's The Death of General Wolfe (1770) and Copley's The Death of Major Peirson, 6 January 1781 (1783), although the trouser was still being carefully avoided in The Raft of the Medusa, completed in 1819.
Classically inspired male hairstyles included the Bedford Crop, arguably the precursor of most plain modern male styles, which was invented by the radical politician Francis Russell, 5th Duke of Bedford as a protest against a tax on hair powder; he encouraged his friends to adopt it by betting them they would not. Another influential style (or group of styles) was named by the French "coiffure à la Titus" after Titus Junius Brutus (not in fact the Roman Emperor Titus as often assumed), with hair short and layered but somewhat piled up on the crown, often with restrained quiffs or locks hanging down; variants are familiar from the hair of both Napoleon and George IV of the United Kingdom. The style was supposed to have been introduced by the actor François-Joseph Talma, who upstaged his wigged co-actors when appearing in productions of works such as Voltaire's Brutus (about Lucius Junius Brutus, who orders the execution of his son Titus). In 1799 a Parisian fashion magazine reported that even bald men were adopting Titus wigs,[102] and the style was also worn by women, the Journal de Paris reporting in 1802 that "more than half of elegant women were wearing their hair or wig à la Titus.[103]
Neoclassicism in music is a 20th-century movement; in this case it is the Classical and Baroque musical styles of the 17th and 18th centuries, with their fondness for Greek and Roman themes, that were being revived, not the music of the ancient world itself. (The early 20th century had not yet distinguished the Baroque period in music, on which Neoclassical composers mainly drew, from what we now call the Classical period.) The movement was a reaction in the first part of the 20th century to the disintegrating chromaticism of late-Romanticism and Impressionism, emerging in parallel with musical Modernism, which sought to abandon key tonality altogether. It manifested a desire for cleanness and simplicity of style, which allowed for quite dissonant paraphrasing of classical procedures, but sought to blow away the cobwebs of Romanticism and the twilit glimmerings of Impressionism in favour of bold rhythms, assertive harmony and clean-cut sectional forms, coinciding with the vogue for reconstructed "classical" dancing and costume in ballet and physical education.
The 17th–18th century dance suite had had a minor revival before World War I but the Neoclassicists were not altogether happy with unmodified diatonicism, and tended to emphasise the bright dissonance of suspensions and ornaments, the angular qualities of 17th-century modal harmony and the energetic lines of countrapuntal part-writing. Ottorino Respighi's Ancient Airs and Dances (1917) led the way for the sort of sound to which the Neoclassicists aspired. Although the practice of borrowing musical styles from the past has not been uncommon throughout musical history, art musics have gone through periods where musicians used modern techniques coupled with older forms or harmonies to create new kinds of works. Notable compositional characteristics are: referencing diatonic tonality, conventional forms (dance suites, concerti grossi, sonata forms, etc.), the idea of absolute music untramelled by descriptive or emotive associations, the use of light musical textures, and a conciseness of musical expression. In classical music, this was most notably perceived between the 1920s and the 1950s. Igor Stravinsky is the best-known composer using this style; he effectively began the musical revolution with his Bach-like Octet for Wind Instruments (1923). A particular individual work that represents this style well is Prokofiev's Classical Symphony No. 1 in D, which is reminiscent of the symphonic style of Haydn or Mozart. Neoclassical ballet as innovated by George Balanchine de-cluttered the Russian Imperial style in terms of costume, steps and narrative, while also introducing technical innovations.
After the middle of the 19th century, Neoclassicism starts to no longer be the main style, being replaced by Eclecticism of Classical styles. The Palais Garnier in Paris is a good example of this, since despite being predominantly Neoclassical, it features elements and ornaments taken from Baroque and Renaissance architecture. This practice was frequent in late 19th and early 20th century architecture, before World War I. Besides Neoclassicism, the Beaux-Arts de Paris well known for this eclecticism of Classical styles.
Pablo Picasso experimented with classicizing motifs in the years immediately following World War I.[106]
In American architecture, Neoclassicism was one expression of the American Renaissance movement, ca. 1890–1917; its last manifestation was in Beaux-Arts architecture, and its final large public projects were the Lincoln Memorial (highly criticized at the time), the National Gallery of Art in Washington, D.C. (also heavily criticized by the architectural community as being backward thinking and old fashioned in its design), and the American Museum of Natural History's Roosevelt Memorial. These were considered stylistic anachronisms when they were finished. In the British Raj, Sir Edwin Lutyens' monumental city planning for New Delhi marks the sunset of Neoclassicism. World War II was to shatter most longing for (and imitation of) a mythical time.
There was an entire 20th-century movement in the non-visual arts which was also called Neoclassicism. It encompassed at least music, philosophy and literature. It was between the end of World War I and the end of World War II. (For information on the musical aspects, see 20th-century classical music and Neoclassicism in music. For information on the philosophical aspects, see Great Books.)
This literary Neoclassical movement rejected the extreme romanticism of (for example) Dada, in favour of restraint, religion (specifically Christianity) and a reactionary political program. Although the foundations for this movement in English literature were laid by T. E. Hulme, the most famous Neoclassicists were T. S. Eliot and Wyndham Lewis. In Russia, the movement crystallized as early as 1910 under the name of Acmeism, with Anna Akhmatova and Osip Mandelshtam as the leading representatives.
![Chest of drawers, a highly simplified reinterpretation of the Louis XVI style; by Clément Mère; 1910; maple, ebony, leather and ivory; 87.5 x 96 x 37 cm; Musée d'Orsay, Paris[107]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/55/Cl%C3%A9ment_m%C3%A8re,_comodino,_francia_1910_ca._01.JPG/1280px-Cl%C3%A9ment_m%C3%A8re,_comodino,_francia_1910_ca._01.JPG)
Although it started to be seen as 'dated' after WW1, principles, proportions and other Neoclassical elements were not abandoned yet. Art Deco was the dominant style during the interwar period, and it corresponds with the taste of a bourgeois elite for high class French styles of the past, including the Louis XVI, Directoire and Empire (the period styles of French Neoclassicism). At the same time, the French elite was equally capable of appreciating Modern art, like the works of Pablo Picasso or Amedeo Modigliani. The result of this situation is the early Art Deco style, which uses both new and old elements. The Palais de Tokyo from 1937 in Paris, by André Aubert and Marcel Dastugue, is a good example of this. Although ornaments are not used here, the facade being decorated only with reliefs, the way columns are present here is a strong reminiscence of Neoclassicism. Art Deco design often drew on Neoclassical motifs without expressing them overtly: severe, blocky commodes by Émile-Jacques Ruhlmann or Louis Süe & André Mare; crisp, extremely low-relief friezes of damsels and gazelles in every medium; fashionable dresses that were draped or cut on the bias to recreate Grecian lines; the art dance of Isadora Duncan. Conservative modernist architects such as Auguste Perret in France kept the rhythms and spacing of columnar architecture even in factory buildings.
The oscillation of Art Deco between the use of historic elements, shapes and proportions, and the appetite for 'new', for Modernism, is the result of multiple factors. One of them is eclecticism. The complexity and heterogeneity of Art Deco is largely due to the eclectic spirit. Stylized elements from repertoire of Beaux-Arts, Neoclassicism, or of cultures distant in time and space (Ancient Egypt, Pre-Columbian Americas, or Sub-Saharian African art) are put together with references to Modernist avant-guard artists of the early 20th century (Henri Matisse, Amedeo Modigliani or Constantin Brâncuși). The Art Deco phenomenon owes to academic eclecticism and Neoclassicism mainly the existence of a specific architecture. Without the contribution of the Beaux-Arts trained architects, Art Deco architecture would have remained, with the exception of residential buildings, a collection of decorative objects magnified to an urban scale, like the pavilions of the International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts from 1925, controversial at their time. Another reason for the swinging between historical elements and modernism was consumer culture. Objects and buildings in the puritan International style, devoid of any ornamentation or citation of the past, were too radical for the general public. In interwar France and England, the spirit of the public and much architectural criticism could not conceive a style totally deprived of ornament, like the International style.
The use of historic styles as sources of inspiration for Art Deco starts as far back as the years before WW1, through the efforts of decorators like Maurice Dufrêne, Paul Follot, Paul Iribe, André Groult, Léon Jallot or Émile-Jacques Ruhlmann, who relate to the prestigious French artistic and handicraft tradition of the late 18th and early 19th centuries (the Louis XVI, Directoire and Louis Philippe), and who want to bring a new approach to these styles. The neo-Louis XVI style was really popular in France and Romania in the years before WW1, around 1910, and it heavily influenced multiple early Art Deco designs and buildings. A good example of this is the Château de Sept-Saulx in Grand Est, France, by Louis Süe, 1928–1929.[114]
![Fascist - University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), Bucharest, Romania, by Petre Antonescu, 1933-1935[117]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/Bucuresti,_Romania,_Facultatea_de_Drept,_UNIVRSITATEA_Bucuresti,_B-II-m-A-19003.JPG/1280px-Bucuresti,_Romania,_Facultatea_de_Drept,_UNIVRSITATEA_Bucuresti,_B-II-m-A-19003.JPG)
In Fascist Italy, Nazi Germany, Romania under the rule of Carol II and the Soviet Union, during the 1920s and 1930s, totalitarian regimes chose Neoclassicism for state buildings and art. Architecture was central to totalitarian regimes' expression of their permanence (despite their obvious novelty). The way totalitarian regimes drew from Classicism took many forms. When it comes to state buildings in Italy and Romania, architects attempted to fuse a modern sensibility with abstract classical forms. Two good examples of this are the Palazzo della Civiltà Italiana in Rome, and the University Rectorate and Law Faculty Building in Bucharest (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46). In contrast, the Classicism of the Soviet Union, known as Socialist Realism, was bombastic, overloaded with ornaments and architectural sculptures, as an attempt to be in contrast with the simplicity of 'Capitalist' or 'bourgeois' styles like Art Deco or Modernism. The Lomonosov University in Moscow is a good example of this. Nikita Khrushchev, the Soviet leader that succeeded Stalin, did not like this pompous Socialist Realist architecture from the reign of his predecessor. Because of the low speed and cost of these Neoclassical buildings, he stated that 'they spent people's money on beauty that no one needs, instead of building simpler, but more'.
In the Soviet Union, Neoclassicism was embraced as a rejection of Art Deco and Modernism, which the Communists saw as being too 'bourgeois' and 'capitalist'. This Communist Neoclassical style is known as Socialist Realism, and it was popular during the reign of Joseph Stalin (1924–1953). In fine art. Generally, it manifested through deeply idealized representations of wiry workers, shown as heroes in collective farms or industrialized cities, political assemblies, achievements of Soviet technology, and through depictions happy children staying around Lenin or Stalin. Both subject matter and representation were carefully monitored. Artistic merit was determined by the degree to which a work contributed to the building of socialism. All artists had to join the state-controlled Union of Soviet Artists and produce work in the accepted style. The three guiding principles of Socialist Realism were party loyalty, presentation of correct ideology and accessibility. Realism, more easily understood by the masses, was the style of choice. At the beginning, in the Soviet Union, multiple competing avant-garde movements were present, notably Constructivism. However, as Stalin consolidated his power towards the end of the 1920s, avant-garde art and architecture were suppressed and eventually outlawed and official state styles were established. After Boris Iofan won the competition for the design of the Palace of the Soviets with a stepped classical tower, surmounted by a giant statue of Lenin, architecture soon reverted to pre-Revolutionary styles of art and architecture, untainted by Constructivism's perceived Western influence.[121] Although Socialist Realism in architecture ended more or less with the death of Stalin and the rise of Nikita Khrushchev, paintings in this style continued to be produced, especially in countries where there was a strong personality cult of the leader in power, like in the case of Mao Zedong's China, Kim Il Sung's North Korea, or Nicolae Ceaușescu's Romania.
The Nazis suppressed Germany's vibrant avant-garde culture once they gained control of the government in 1933. Albert Speer was set as Adolf Hitler's architectural advisor in 1934, and he tried to create an architecture that would both reflect the perceived unity of the German people and act as backdrop to the Nazis' expressions of power. The Nazis' approach to architecture was riffled with contradictions: while Hitler and Speer's plans for reordering Berlin aspired to imitate imperial Rome, in rural contexts Nazi buildings took inspiration from local vernaculars, trying to channel an 'authentic' German spirit. When it come to fine art, the Nazis created the term 'Degenerate art' for Modern art, a kind of art which to them was 'un-German', 'Jewish' or 'Communist'. The Nazis hated modern art and linked it to 'Cultural Bolshevism', the conspiracy theory that art (or culture broadly) was controlled by a leftist Jewish cabal seeking to destroy the aryan race. Hitler's war on Modern art mostly consisted of an exhibition that tried to discredit Modern artists, called the 'Degenerate Art exhibition' (German: Die Ausstellung "Entartete Kunst"). This exhibition was displayed next to the Great Exhibition of German Art, which consisted of artworks that the Nazis approved of. This way, the visitiors of both exhibitions could compare the art labeled by the regime as 'good' and 'bad'. With a similar atitude, the regime closed in 1931 the Bauhaus, an avant-garde art school in Dessau that was extremely influential post-war. It reopened in Berlin in 1932, but was closed again in 1933.
Compared to Germany and the Soviet Union, in Italy the avant-garde contributed to state architecture. Classical architecture was also an influence, echoing Benito Mussolini's far cruder attempts to create links between his Fascist regime and ancient Rome. Some Italian architects tried to create fusions between Modernism and Classicism, like Marcello Piacentini with the Sapienza University of Rome, or Giuseppe Terragni with Casa del Fascio in Como.[122]
In Romania, towards the late 1930s, influenced by the Autocratic tendency of King Carol II, multiple state buildings were erected. They were Neoclassical, many very similar with what was popular in the same years in Fascist Italy. Examples in Bucharest include the University Rectorate and Law Faculty Building (Bulevardul Mihail Kogălniceanu no. 36–46), the Kretzulescu Apartment Building (Calea Victoriei no. 45), the CFR Building (Bulevardul Dinicu Golescu no. 38) or the Victoria Palace (Piața Victoriei no. 1). The Royal Palace, whose interiors are mostly done in a neo-Adam style, stands out by being more decorated, a little closer to the architecture before World War I.
![M2 Building, Tokyo, Japan, by Kengo Kuma, 1991[130]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/ca/M2%E3%83%93%E3%83%AB_(%E4%B8%96%E7%94%B0%E8%B0%B7%E5%8C%BA).jpeg/1280px-M2%E3%83%93%E3%83%AB_(%E4%B8%96%E7%94%B0%E8%B0%B7%E5%8C%BA).jpeg)
![Children's Museum of Houston, Houston, US, by Robert Venturi, 1992[131]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/HoustonChildrenMuseum.JPG/1280px-HoustonChildrenMuseum.JPG)
![Exterior of the Trafford Centre, Manchester, UK, designed by Chapman Taylor and Leach Rhodes Walker, with sculptures by Colin Spofforth, 1998[133]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/13/Trafford_Centre,_May_2013_(20).JPG/1280px-Trafford_Centre,_May_2013_(20).JPG)
An early text questioning Modernism was by architect Robert Venturi, Complexity and Contradiction in Architecture (1966), in which he recommended a revival of the 'presence of the past' in architectural design. He tried to include in his own buildings qualities that he described as 'inclusion, inconsistency, compromise, accommodation, adaptation, superadjacency, equivalence, multiple focus, juxtaposition, or good and bad space.'[135] Robert Venturi's work reflected the broader counter-cultural mood of the 1960s which saw younger generations begin to question and challenge the political, social and racial realities with which they found themselves confronted. This rejection of Modernism is known as Postmodernism. Robert Venturi parodies Ludwig Mies van der Rohe's well-known maxim 'less is more' with 'less is a bore'. During the 1980s and 1990s, some Postmodern architects found a refuge in a sort of Neo-Neoclassicism. Their use of Classicism was not limited only to ornaments, using more or less proportions and other principles too. Post-Modern Classicism had been variously described by some people as 'camp' or 'kitsch'. An architect who has been remarked through Post-Modern Classicism is Ricardo Bofill. His work includes two housing projects of titanic scale near Paris, known as Les Arcades du Lac from 1975 to 1981, and Les Espaces d'Abraxas from 1978 to 1983. A building that stands out through its revivalism is the J. Paul Getty Museum, in Malibu, California, from 1970 to 1975, inspired by the ancient Roman Villa of the Papyri at Herculaneum. The J. Paul Getty Museum is far closer to 19th century Neoclassicism, like the Pompejanum in Aschaffenburg, Germany, than to Post-Modern Classicism of the 1980s.[136]
After a lull during the period of modern architectural dominance (roughly post-World War II until the mid-1980s), Neoclassicism has seen something of a resurgence.
As of the first decade of the 21st century, contemporary Neoclassical architecture is usually classed under the umbrella term of New Classical Architecture. Sometimes it is also referred to as Neo-Historicism or Traditionalism.[138] Also, a number of pieces of postmodern architecture draw inspiration from and include explicit references to Neoclassicism, Antigone District and the National Theatre of Catalonia in Barcelona among them. Postmodern architecture occasionally includes historical elements, like columns, capitals or the tympanum.
For sincere traditional-style architecture that sticks to regional architecture, materials and craftsmanship, the term Traditional Architecture (or vernacular) is mostly used. The Driehaus Architecture Prize is awarded to major contributors in the field of 21st century traditional or classical architecture, and comes with a prize money twice as high as that of the modernist Pritzker Prize.[139]
In the United States, various contemporary public buildings are built in Neoclassical style, with the 2006 Schermerhorn Symphony Center in Nashville being an example.
In Britain, a number of architects are active in the Neoclassical style. Examples of their work include two university libraries: Quinlan Terry's Maitland Robinson Library at Downing College and Robert Adam Architects' Sackler Library.
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![Un filósofo dando una conferencia en el planetario; por Joseph Wright de Derby; c.1766; óleo sobre lienzo; 1,47 x 2,03 m; Museo y galería de arte de Derby, Derby, Inglaterra[22]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/Wright_of_Derby,_The_Orrery.jpg/1280px-Wright_of_Derby,_The_Orrery.jpg)
![Los Atributos de las Artes; por Anne Vallayer-Coster; 1769; óleo sobre lienzo; 90x121cm; Louvre[23]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/38/Attributs_de_la_peinture,_de_la_sculpture_et_de_l'architecture_-_Anne_Vallayer-Coster.jpg/1280px-Attributs_de_la_peinture,_de_la_sculpture_et_de_l'architecture_-_Anne_Vallayer-Coster.jpg)
![Ariadna abandonada; por Angélica Kauffmann; antes de 1782; óleo sobre lienzo; 88 x 70,5 cm; Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde, Alemania[24]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ee/Kauffmann,_Angelica_-_Ariadne_von_Theseus_verlassen_-_prior_to_1782.jpg/1280px-Kauffmann,_Angelica_-_Ariadne_von_Theseus_verlassen_-_prior_to_1782.jpg)
![Juramento de los Horacios; por Jacques-Louis David; 1784; óleo sobre lienzo; 3,3 x 4,27 m; Louvre[25]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/35/Jacques-Louis_David,_Le_Serment_des_Horaces.jpg/1280px-Jacques-Louis_David,_Le_Serment_des_Horaces.jpg)
_Flaxman_Ilias_1795,_Zeichnung_1793,_189_x_284_mm.jpg/1280px-(27)_Flaxman_Ilias_1795,_Zeichnung_1793,_189_x_284_mm.jpg)
![Retrato del ciudadano Belley, ex representante de las colonias; por Anne-Louis Girodet; 1796–1797; óleo sobre lienzo; 1,59 x 1,11 m; Palacio de Versalles, Francia[26]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/13/Anne-Louis_Girodet_De_Roucy-Trioson_-_Portrait_of_J._B._Belley,_Deputy_for_Saint-Domingue_-_WGA09508.jpg/1280px-Anne-Louis_Girodet_De_Roucy-Trioson_-_Portrait_of_J._B._Belley,_Deputy_for_Saint-Domingue_-_WGA09508.jpg)
![Cupido y Psique; por François Gérard; 1798; óleo sobre lienzo; 186x132cm; Louvre[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a6/Gerard_FrancoisPascalSimon-Cupid_Psyche_end.jpg/1280px-Gerard_FrancoisPascalSimon-Cupid_Psyche_end.jpg)
![Retrato de una mujer negra, de Marie-Guillemine Benoist; 1800; óleo sobre lienzo; 81x65cm; Louvre[28]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/da/Marie-Guillemine_Benoist_-_portrait_d'une_negresse.jpg/1280px-Marie-Guillemine_Benoist_-_portrait_d'une_negresse.jpg)
![Melancolía; por Constanza María Charpentier; 1801; óleo sobre lienzo; 130 x 165; Museo de Picardía, Amiens, Francia[29]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f8/Charpentier,_Constance_Marie_-_Melancholy_-_1801.jpg/1280px-Charpentier,_Constance_Marie_-_Melancholy_-_1801.jpg)
![Retrato de Charlotte du Val d'Ognes; por Marie-Denise Villers; 1801; óleo sobre lienzo; 161,3 x 128,6 cm; Museo Metropolitano de Arte[30]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5a/Villers_Young_Woman_Drawing.jpg/1280px-Villers_Young_Woman_Drawing.jpg)
![Bonaparte visitando a las víctimas de la peste de Jaffa; por Antoine-Jean Gros; 1804; óleo sobre lienzo; 5,2 x 7,2 m; Louvre[31]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Antoine-Jean_Gros_-_Bonaparte_visitant_les_pestif%C3%A9r%C3%A9s_de_Jaffa.jpg/1280px-Antoine-Jean_Gros_-_Bonaparte_visitant_les_pestif%C3%A9r%C3%A9s_de_Jaffa.jpg)
![Retrato de la emperatriz Joséfina; por Pierre-Paul Prud'hon; 1805; óleo sobre lienzo; 244x179cm; Louvre[32]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Pierre-Paul_Prud'hon_001.jpg/1280px-Pierre-Paul_Prud'hon_001.jpg)
![Napoleón I en su trono imperial; por Jean-Auguste-Dominique Ingres; 1806; óleo sobre lienzo; 2,62 x 1,62 m; Museo del Ejército (París)[25]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Ingres,_Napoleon_on_his_Imperial_throne.jpg/1280px-Ingres,_Napoleon_on_his_Imperial_throne.jpg)
![An Arch-Rascal (n.° 33 en una serie de personajes); de Franz Xaver Messerschmidt; después de 1770; alabastro; altura: 38 cm; Österreichische Galerie Belvedere, Viena, Austria[42]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ad/Franz_Xaver_Messerschmidt_-_Charakterkopf_03.jpg/1280px-Franz_Xaver_Messerschmidt_-_Charakterkopf_03.jpg)
![Marte y Venus; por Johan Tobías Sergel; c.1775; mármol; altura: 93 cm; Museo Nacional, Estocolmo, Suecia[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9e/Mars_and_Venus,_1804_CE,_by_Johan_Tobias_Sergel,_Nationalmuseum,_Sweden.jpg/1280px-Mars_and_Venus,_1804_CE,_by_Johan_Tobias_Sergel,_Nationalmuseum,_Sweden.jpg)
![El invierno; por Jean-Antoine Houdon; 1783; mármol; altura: 145 cm; Museo Fabre, Montpellier, Francia[44]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/59/SculpturesMus%C3%A9eFabre27b_Houdon_Hiver.jpg/1280px-SculpturesMus%C3%A9eFabre27b_Houdon_Hiver.jpg)
![Las princesas Luisa y Friderica de Prusia; de Johann Gottfried Schadow; 1795–1797; mármol; altura: 172 cm; Alte Nationalgalerie, Berlín, Alemania[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/Alte_Nationalgalerie-Schadow-Prinzessinnengruppe_DSC8124.jpg/1280px-Alte_Nationalgalerie-Schadow-Prinzessinnengruppe_DSC8124.jpg)
![Venus Victrix; por Antonio Cánova; 1804–1808; mármol; longitud: 200 cm; Galería Borghese, Roma[45]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/16/Paolina_Borghese_(Canova).jpg/1280px-Paolina_Borghese_(Canova).jpg)
![Las Tres Gracias; por Antonio Cánova; 1813–1816; mármol; altura: 1,82m; Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia[46]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/30/Canova_-_The_Three_Graces,_between_1813_and_1816,_%D0%9D.%D1%81%D0%BA-506.jpg/1280px-Canova_-_The_Three_Graces,_between_1813_and_1816,_%D0%9D.%D1%81%D0%BA-506.jpg)
![Ganímedes y Júpiter; por Bertel Thorvaldsen; 1817; mármol; altura: 94 cm; Museo Thorvaldsen, Copenhague, Dinamarca[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/36/Ganymede_Waters_Zeus_as_an_Eagle_by_Thorvaldsen.jpg/1280px-Ganymede_Waters_Zeus_as_an_Eagle_by_Thorvaldsen.jpg)
![Pabellón central de la École militaire, París, 1752, de Ange-Jacques Gabriel[60]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5d/%C3%89cole_Militaire_Paris_Pavillon_central_depuis_la_cour_d'honneur.jpg/1280px-%C3%89cole_Militaire_Paris_Pavillon_central_depuis_la_cour_d'honneur.jpg)
![Panteón, París, por Jacques-Germain Soufflot y Jean-Baptiste Rondelet, 1758-1790[61]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a3/Pantheon_1,_Paris_May_11,_2013.jpg/1280px-Pantheon_1,_Paris_May_11,_2013.jpg)
![Hôtel de la Marine, París, por Ange-Jacques Gabriel, 1761-1770[62]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/17/L'H%C3%B4tel_de_la_Marine_(Paris)_(51346237676).jpg/1280px-L'H%C3%B4tel_de_la_Marine_(Paris)_(51346237676).jpg)
![Escalera del Petit Trianon, de Ange-Jacques Gabriel, 1764[63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/eb/The_Petit_Trianon_(23935245609).jpg/1280px-The_Petit_Trianon_(23935245609).jpg)
![Interior del Petit Trianon, de Ange-Jacques Gabriel, 1764[63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/ea/Salon_de_Compagnie_-_Petit_Trianon_(23935437909).jpg/1280px-Salon_de_Compagnie_-_Petit_Trianon_(23935437909).jpg)
![Cómoda de Madame du Barry; por Martin Carlin (atribución); 1772; base de roble enchapada con peral, palo de rosa y amaranto, porcelana de pasta blanda de Sèvres, bronce dorado, mármol blanco; 87x119cm; Louvre[64]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/29/Commode_de_la_comtesse_du_Barry_(Louvre,_OA_11293).jpg/1280px-Commode_de_la_comtesse_du_Barry_(Louvre,_OA_11293).jpg)
![Hôtel du Châtelet, París, arquitecto desconocido, 1776[65]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7e/H%C3%B4tel_du_Ch%C3%A2telet_JP2011_fa%C3%A7ade_cour.jpg/1280px-H%C3%B4tel_du_Ch%C3%A2telet_JP2011_fa%C3%A7ade_cour.jpg)
![Escalera del Gran Teatro de Burdeos, Burdeos, Francia, por Victor Louis, 1777-1780[66]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d5/Bordeaux_Grand_Th%C3%A9%C3%A2tre_R03.jpg/1280px-Bordeaux_Grand_Th%C3%A9%C3%A2tre_R03.jpg)
![mueble esquinero parisino; por Jean-Henri Riesener; 1780-1790; monturas de roble, caoba, mármol y ormolu; 94,3 × 81,3 × 55,9 cm; Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos[67]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/Jean-henri_riesener,_angoliera,_1785_ca.jpg/1280px-Jean-henri_riesener,_angoliera,_1785_ca.jpg)
_2_(cropped_and_fixed_angles).jpg/1280px-Grand_vase_%C3%A0_fond_beau_bleu_(Louvre,_OA_6627)_2_(cropped_and_fixed_angles).jpg)
![Gabinete Doré de María Antonieta en el Palacio de Versalles, Versalles, Francia, por los hermanos Rousseau, 1783[68]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d9/Cabinet_dore_Marie-Antoinette_Versailles.jpg/1280px-Cabinet_dore_Marie-Antoinette_Versailles.jpg)
![Escritorio con ruedas de María Antonieta; de Jean-Henri Riesener; 1784; estructura de roble y pino, chapa de sicómoro, amaranto y palo de rosa, bronce dorado; 103,6 x 113,4 cm; Louvre[69]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f6/Secr%C3%A9taire_%C3%A0_cylindre_de_Marie-Antoinette_(Louvre,_OA_5226).jpg/1280px-Secr%C3%A9taire_%C3%A0_cylindre_de_Marie-Antoinette_(Louvre,_OA_5226).jpg)
![Mesa de escritura de María Antonieta; por Adam Weisweiler; 1784; chapa de roble, ébano y sicomoro, laca japonesa, acero, bronce dorado; 73,7 x 81,2 cm; Louvre[69]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b4/Table_%C3%A0_%C3%A9crire_%C3%A0_pupitre_de_Marie-Antoinette_(Louvre,_OA_5509).jpg/1280px-Table_%C3%A0_%C3%A9crire_%C3%A0_pupitre_de_Marie-Antoinette_(Louvre,_OA_5509).jpg)
_(one_of_a_pair)_MET_DP113122.jpg/1280px-Folding_stool_(pliant)_(one_of_a_pair)_MET_DP113122.jpg)
_from_Louis_XVI's_Salon_des_Jeux_at_Saint_Cloud_MET_DP113960.jpg/1280px-Armchair_(fauteuil)_from_Louis_XVI's_Salon_des_Jeux_at_Saint_Cloud_MET_DP113960.jpg)
.jpg/1280px-Paris_10e_H%C3%B4tel_Gouthi%C3%A8re_60675_(fixed_angles).jpg)
![Reloj astronomico; por Philippe-Jacques Corniquet; c.1794; cara de bronce dorado y esmalte; dimensiones desconocidas; Museo de Artes Decorativas, París[73]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8a/Corniquet_-_horloge_%C3%A0_heures_duod%C3%A9cimales_et_d%C3%A9cimales.jpg/1280px-Corniquet_-_horloge_%C3%A0_heures_duod%C3%A9cimales_et_d%C3%A9cimales.jpg)
![Sillón del salón de Juliette Récamier; atribuido a Jacob Frères; c.1798; diversos tipos de madera; 84,5 x 62,2 x 62 cm; Louvre[74]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f8/Salon_de_madame_R%C3%A9camier_-_Berg%C3%A8re_(Louvre,_OA_11385).jpg/1280px-Salon_de_madame_R%C3%A9camier_-_Berg%C3%A8re_(Louvre,_OA_11385).jpg)
![Dormitorio de la emperatriz Joséphine en el castillo de Malmaison, Rueil-Malmaison, Francia, por Charles Percier y Pierre-François-Léonard Fontaine, 1800-1802[75]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e1/Ch%C3%A2teau_de_Malmaison,_France_(48029730202).jpg/1280px-Ch%C3%A2teau_de_Malmaison,_France_(48029730202).jpg)
_MET_DP106594.jpg/1280px-Washstand_(ath%C3%A9nienne_or_lavabo)_MET_DP106594.jpg)
![Pórtico del Palacio Borbón, París, por Bernard Poyet, 1806-1808[76]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9c/Palais_Bourbon,_Paris_7e,_NW_View_140402_1.jpg/1280px-Palais_Bourbon,_Paris_7e,_NW_View_140402_1.jpg)
![La Madeleine, París, de Pierre-Alexandre Vignon, 1807-1842[76]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/Madeleine_Paris.jpg/1280px-Madeleine_Paris.jpg)
![Florero; 1809; tiradores de porcelana de pasta dura y bronce dorado; altura: 74,9 cm, diámetro: 35,6 cm; Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut, EE. UU. [77]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/68/Pair_of_green_vases,_painted_by_Jean_Georget,_mounts_by_Pierre-Philippe_Thomire,_1_of_2,_S%C3%A8vres_porcelain,_1809,_soft-paste_porcelain_-_Wadsworth_Atheneum_-_Hartford,_CT_-_DSC05493.jpg/1280px-thumbnail.jpg)
![La cuna del rey de Roma; de Pierre-Paul Prud'hon, Henri Victor Roguier, Jean-Baptiste-Claude Odiot y Pierre-Philippe Thomire; 1811; madera, plata dorada, nácar, láminas de cobre recubiertas de terciopelo, seda y tul, decoradas con hilos de plata y oro; altura: 216 cm; Kunsthistorisches Museum, Viena, Austria[78]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b0/Austria-03324_-_Cradle_of_Napoleon's_Son_(32936041295).jpg/1280px-Austria-03324_-_Cradle_of_Napoleon's_Son_(32936041295).jpg)
![Palacio Știrbei (Calea Victoriei núm. 107), Bucarest, de Michel Sanjouand, c.1835; con un nuevo nivel con cariátides añadido en 1882 por Joseph Hartmann[82]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Palatul_%C8%98tirbei,_Bucuresti.jpg/1280px-Palatul_%C8%98tirbei,_Bucuresti.jpg)
![El antiguo edificio de la Universidad de Bucarest, diseñado por Alexandru Orăscu y decorado con esculturas de Karl Storck, 1857-1864, bombardeado en abril o mayo de 1944 durante la Segunda Guerra Mundial y parcialmente destruido, parcialmente reconstruido a finales de los años 1960[83]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/64/The_University_Building_of_Bucharest,_circa_1869,_photo_by_Franz_Duschek.jpg/1280px-The_University_Building_of_Bucharest,_circa_1869,_photo_by_Franz_Duschek.jpg)
![Ateneo rumano en Calea Victoriei, Bucarest, por Albert Galleron, 1886–1895[84]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0b/Ateneo_Rumano,_Bucarest,_Ruman%C3%ADa,_2016-05-29,_DD_73.jpg/1280px-Ateneo_Rumano,_Bucarest,_Ruman%C3%ADa,_2016-05-29,_DD_73.jpg)
.jpg/1280px-3-5_Strada_Icoanei,_Bucharest_(24).jpg)
![Kedleston Hall, Kedleston, Derbyshire, Inglaterra, por Robert Adam, 1760-1770[88]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f6/Kedleston_Hall_20080730-06.jpg/1280px-Kedleston_Hall_20080730-06.jpg)
![Comedor, Osterley Park, Londres, por Robert Adam, 1761[89]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b6/Osterley_House_The_Dinning_Room_(22773780472).jpg/1280px-Osterley_House_The_Dinning_Room_(22773780472).jpg)
![Casa Syon, Middlesex, Inglaterra, por Robert Adam, 1762[88]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Syon_House_(33741948060).jpg/1280px-Syon_House_(33741948060).jpg)
![El salón, Osterley Park, por Robert Adam, 1767[90]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/56/Osterley_House,_entrance_hall.jpg/1280px-Osterley_House,_entrance_hall.jpg)
![Somerset House, Londres, por William Chambers, 1776-1801[92]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f9/Somerset_House_(42160916102).jpg/1280px-Somerset_House_(42160916102).jpg)
![Urna Wedgwood cubierta; c.1800; artículos de jaspe con decoración en relieve; total: 19,7 cm; Museo de Arte de Cleveland, Cleveland, Ohio, EE. UU. [93]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d4/Wedgwood_Factory_(British)_-_Covered_Urn_-_1951.301.2_-_Cleveland_Museum_of_Art.jpg/1280px-Wedgwood_Factory_(British)_-_Covered_Urn_-_1951.301.2_-_Cleveland_Museum_of_Art.jpg)
.jpg/1280px-Candlestand_LACMA_M.2006.51.13_(1_of_2).jpg)
![Casa Blanca, Washington, DC, por James Hoban, 1792-1829[95]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/White_House_north_and_south_sides.jpg/1280px-White_House_north_and_south_sides.jpg)
![La Rotonda (Universidad de Virginia), Charlottesville, Virginia, por Thomas Jefferson, 1822-1826[96]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/ae/University_of_Virginia_Rotunda_2006.jpg/1280px-University_of_Virginia_Rotunda_2006.jpg)
![Casa Brevard-Rice, Garden District, Nueva Orleans, por James Calrow, 1857[97]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/cc/Brevard-Rice_House.jpg/1280px-Brevard-Rice_House.jpg)
![Beaux-Arts - Exterior of the Palais Garnier, Paris, by Charles Garnier, 1860–1875[104]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg/1280px-Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg)
![Beaux-Arts - Grand stairs of the Palais Garnier, by Charles Garnier, 1860–1875[104]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Opera_Garnier_Grand_Escalier.jpg/1280px-Opera_Garnier_Grand_Escalier.jpg)
![Beaux-Arts - Grand Central Terminal, New York City, by Reed and Stem and Warren and Wetmore, 1903[105]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Image-Grand_central_Station_Outside_Night_2.jpg/1280px-Image-Grand_central_Station_Outside_Night_2.jpg)
.jpg/1280px-Art_Deco_dressing_table_(1919-20).jpg)
![Hommage à Jean Goujon; by Alfred Janniot; 1919–1924; limestone partially coloured; 220 x 235 x 129 cm; Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon, Portugal[108]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/57/The_Gulbenkian_Museum_(40658606370).jpg/1280px-The_Gulbenkian_Museum_(40658606370).jpg)
![Embassy of France, Belgrade, Serbia, by Roger-Henri Expert with Josif Najman as assistant, designed in 1926, built in 1939[109][110]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a7/Beograd_-_Ambasada_Francuske_u_Srbiji_(31092842098).jpg/1280px-Beograd_-_Ambasada_Francuske_u_Srbiji_(31092842098).jpg)
![Château de Sept-Saulx, Grand Est, a highly simplified reinterpretation of the Louis XVI style, France, by Louis Süe, 1928-1929[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/86/Photo_(50_sur_102).jpg/1280px-Photo_(50_sur_102).jpg)
![Daily Telegraph Building, London, by Charles Ernest Elcock, after consulting with Thomas S. Tait, 1928[112]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b7/Daily_Telegraph_Building_(24438959395).jpg/1280px-Daily_Telegraph_Building_(24438959395).jpg)
.jpg/1280px-Design_for_Severance_Hall_grand_foyer_-_Walker_and_Weeks_(39638807102).jpg)
![Dumitru Săvulescu House (Bulevardul Dacia no. 73), Bucharest, Romania, by Gheorghe Negoescu, 1933[113]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1b/73_Bulevardul_Dacia,_Bucharest_(01).jpg/1280px-73_Bulevardul_Dacia,_Bucharest_(01).jpg)
![Grave of the Străjescu Family, Bellu Cemetery, Bucharest, by George Cristinel, 1934[106]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/af/Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(04).jpg/1280px-Grave_of_the_colonel_Paul_Str%C4%83jescu_Family_in_the_Bellu_Cemetery_in_Bucharest,_Romania_(04).jpg)
![Avenue Foch no. 53, Paris, by Charles Abella, 1939[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d1/53_avenue_Foch_Paris.jpg/1280px-53_avenue_Foch_Paris.jpg)
![Socialist Realist - Lenin State Library, Moscow, Russia, by Vladimir Shchuko and Vladimir Helfreich, 1928-1941[115]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Moscow_RussianStateLibrary_0987.jpg/1280px-Moscow_RussianStateLibrary_0987.jpg)
![Socialist Realist - Assembly of the Revolutionary Military Council of the USSR, Chaired by Kliment Voroshilov; by Isaak Brodsky; 1929; oil on canvas; 95.5 x 129.5 cm; private collection[116]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d1/%D0%91%D1%80%D0%BE%D0%B4%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D0%A1%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%BD%D0%B8%D0%B5_%D0%A0%D0%B5%D0%B2%D0%B2%D0%BE%D0%B5%D0%BD%D1%81%D0%BE%D0%B2%D0%B5%D1%82%D0%B0.jpg/1280px-%D0%91%D1%80%D0%BE%D0%B4%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D0%A1%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%BD%D0%B8%D0%B5_%D0%A0%D0%B5%D0%B2%D0%B2%D0%BE%D0%B5%D0%BD%D1%81%D0%BE%D0%B2%D0%B5%D1%82%D0%B0.jpg)
![Nazi - New Reich Chancellery, Berlin, by Albert Speer, 1938-1939[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fa/Bundesarchiv_Bild_183-R89708,_Berlin,_Neue_Reichskanzlei.jpg/1280px-Bundesarchiv_Bild_183-R89708,_Berlin,_Neue_Reichskanzlei.jpg)
![Fascist - Palazzo della Civiltà Italiana, Rome, by Giovanni Guerrini, Ernesto La Padula, and Mario Romano, 1939-1942[119]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/9f/Palazzo_della_civilt%C3%A0_del_lavoro_(EUR,_Rome)_(5904657870).jpg/1280px-Palazzo_della_civilt%C3%A0_del_lavoro_(EUR,_Rome)_(5904657870).jpg)
![Socialist Realist - Lomonosov University, Moscow, by Lev Rudnev, 1947-1952[119]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a0/Moscow_State_University_crop.jpg/1280px-Moscow_State_University_crop.jpg)
![Socialist Realist - Colonels' Quarter (Șoseaua Panduri no. 60–62), Bucharest, by I.Novițchi, C.Ionescu, C.Hacker and A.Șerbescu, 1950–1960[120]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/c/ce/60-62_%C8%98oseaua_Panduri,_Bucharest_(01).jpg/1280px-60-62_%C8%98oseaua_Panduri,_Bucharest_(01).jpg)
![J. Paul Getty Museum, Malibu, California, US, by the partnership of Langdon and Wilson with Edward Genter as the project architect and archaeological advice from Dr Norman Neuerberg, 1970-1975[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4e/060807-002-GettyVilla001.jpg/1280px-060807-002-GettyVilla001.jpg)
![Interior courtyard of Les Arcades du Lac, Saint-Quentin-en-Yvelines, France, by Ricardo Bofill, 1975-1981[124]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/79/Les_Arcades_du_Lac_interior_courtyard.jpg/1280px-Les_Arcades_du_Lac_interior_courtyard.jpg)
![Sheraton chair with applied decoration; by Robert Venturi for Knoll; 1978–1984, bent laminated wood; unknown dimensions; Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA[125]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/be/Robert_venturi_e_denise_scott_brown_per_knoll_international_inc.,_sedia_sheraton_(mod._664),_1979-83_(1984-90).jpg/1280px-Robert_venturi_e_denise_scott_brown_per_knoll_international_inc.,_sedia_sheraton_(mod._664),_1979-83_(1984-90).jpg)
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![Louis XVI, lowboy; by Robert Venturi for Arc International; c.1985; laminated wood; unknown dimensions; Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, USA[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Robert_venturi_per_paul_downs_cabinetmakers,_comodino_louis_xvi,_1984.jpg/1280px-Robert_venturi_per_paul_downs_cabinetmakers,_comodino_louis_xvi,_1984.jpg)
![Sainsbury Wing, National Gallery, London, by Robert Venturi, 1987-1991[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/National_Gallery_London_Sainsbury_Wing_2006-04-17.jpg/1280px-National_Gallery_London_Sainsbury_Wing_2006-04-17.jpg)
![Isle of Dogs Pumping Station, London, John Outram, 1988[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/09/Pumping_station,_Stewart_Street_(geograph_4678320).jpg/1280px-Pumping_station,_Stewart_Street_(geograph_4678320).jpg)
![77 West Wacker Drive, Chicago, US, by Ricardo Bofill, 1990-1992[128]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3b/77_West_Wacker_Drive_May_2016_(2).jpg/1280px-77_West_Wacker_Drive_May_2016_(2).jpg)
![Harold Washington Library, Chicago, by Hammond, Beeby & Babka, 1991[129]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/33/Harold_Washington_Library_-_Chicago_Public_Library_(51574883428).jpg/1280px-Harold_Washington_Library_-_Chicago_Public_Library_(51574883428).jpg)
![Entrance era of the Harold Washington Library, by Hammond, Beeby & Babka, 1991[129]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f6/Chicago_Public_Library_(CPL)_(14756610392).jpg/1280px-Chicago_Public_Library_(CPL)_(14756610392).jpg)
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![Forum Shops in Caesars Palace, Las Vegas, US, by Marnell Corrao Associates, 1992[132]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/eb/Fountain_of_the_Gods,_Caesars_Palace_(Las_Vegas)_(2).jpg/1280px-Fountain_of_the_Gods,_Caesars_Palace_(Las_Vegas)_(2).jpg)
![Interior of the Trafford Centre, by Chapman Taylor and Leach Rhodes Walker, 1998[133]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a5/Trafford_Centre_escalators.jpg/1280px-Trafford_Centre_escalators.jpg)
![Louis Ghost, a simplified reinterpretation of armchairs in the Louis XVI style; by Philippe Starck; 2009; polycarbonate; height: 94 cm; various locations[134]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/02/Philippe_starck_per_kartell_spa,_poltrona_masters,_2009.jpg/1280px-Philippe_starck_per_kartell_spa,_poltrona_masters,_2009.jpg)
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![Queen's Gallery, Buckingham Palace, London, by John Simpson, 2000-2002[137]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/47/Entrance_of_Queen's_Gallery,_Buckingham_Palace_(cropped).jpg/1280px-Entrance_of_Queen's_Gallery,_Buckingham_Palace_(cropped).jpg)
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