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1795–1820 en la moda occidental

A principios del siglo XIX , las mujeres usaban vestidos exteriores finos y vaporosos, mientras que los hombres usaban pantalones y abrigos . Rutger Jan Schimmelpenninck y su familia, 1801-02, por Pierre-Paul Prud'hon
Madame Raymond de Verninac por Jacques-Louis David , con ropa y silla de estilo Directorio . "Año 7", es decir, 1798-1799.
Pintura de un juego familiar de damas ("jeu de dames") del artista francés Louis-Léopold Boilly , c. 1803.
Una familia acomodada camina con cautela por una tabla para evitar las calles embarradas de París, por Boilly, 1803

La moda en el período 1795-1820 en Europa y los países con influencia europea vieron el triunfo final de la desnudez o los estilos informales sobre los brocados , encajes , pelucas y polvos de principios del siglo XVIII . Después de la Revolución Francesa , nadie quería parecer miembro de la aristocracia francesa , y la gente comenzó a usar la ropa más como una forma de expresión individual del verdadero yo que como una pura indicación de estatus social. [1] Como resultado, los cambios que ocurrieron en la moda a principios del siglo XIX brindaron la oportunidad de presentar nuevas identidades públicas que también proporcionaron información sobre sus yoes privados. Katherine Aaslestad indica cómo "la moda, encarnando nuevos valores sociales, emergió como un sitio clave de confrontación entre la tradición y el cambio". [2]

En cuanto al vestido de las mujeres, el estilo de falda y chaqueta era práctico y discreto, y recordaba a la mujer de clase trabajadora. [3] La moda femenina seguía los ideales clásicos y se abandonaron los corsés con ballenas rígidas en favor de corsés más suaves y con menos ballenas. [ 4] Esta figura natural se enfatizaba al permitir ver el cuerpo debajo de la ropa. Los senos visibles eran parte de este estilo clásico y algunos caracterizaban los senos en la moda como algo puramente estético y sexual. [5]

Esta era de la historia británica se conoce como el período de la Regencia , marcado por la regencia entre los reinados de Jorge III y Jorge IV . Pero la definición más amplia del período, caracterizado por las tendencias en moda, arquitectura, cultura y política, comienza con la Revolución Francesa de 1789 y termina con el ascenso al trono de la reina Victoria en 1837. Los nombres de las personas populares que vivieron en esta época aún son famosos: Napoleón y Josefina , Juliette Récamier , Jane Austen , Percy Bysshe Shelley , Lord Byron , Beau Brummell , Lady Emma Hamilton , la reina Luisa de Prusia y su esposo y muchos más. Beau Brummell introdujo los pantalones , la sastrería perfecta y el lino inmaculado y sin adornos como los ideales de la moda masculina.

En Alemania , las ciudades-estado republicanas renunciaron a sus prendas tradicionales, modestas y prácticas y comenzaron a adoptar las tendencias de la moda francesa e inglesa de vestidos camiseros de manga corta y chaquetas Spencer . [6] Las tendencias de la moda estadounidense emularon la vestimenta francesa, pero de una manera más suave, con chales y túnicas para hacer frente a la transparencia de la camisa. [7] Los majos españoles , sin embargo, se rebelaron contra los ideales de la Ilustración francesa al recuperar y elaborar la vestimenta tradicional española. [8]

A finales del siglo XVIII se produjo un importante cambio en la moda que se extendió más allá de los cambios en el estilo y se extendió a los ideales filosóficos y sociales. Antes de esa época, el estilo y las tradiciones del Antiguo Régimen impedían la conceptualización del "yo". En cambio, la identidad de cada uno se consideraba maleable, sujeta a cambios según la ropa que se usara. Sin embargo, hacia la década de 1780, el nuevo estilo "natural" permitió que el yo interior de cada uno trascendiera a la ropa. [9]

Durante la década de 1790, se impuso un nuevo concepto del yo interno y externo. Antes de esa época, solo había un yo, que se expresaba a través de la ropa. Cuando se iba a un baile de máscaras, la gente usaba ropa específica, por lo que no podían mostrar su individualidad a través de ella. [9] Este nuevo estilo "natural" incorporaba la importancia de la comodidad y la facilidad de la vestimenta. No solo se hizo hincapié en la higiene, sino que también la ropa se volvió mucho más ligera y se podía cambiar y lavar con más frecuencia. Incluso las mujeres de clase alta comenzaron a usar vestidos cortos en lugar de vestidos con largas colas o aros que les impedían salir de sus casas. La posterior casi estasis de la silueta inspiró volúmenes de nuevos adornos y detalles en faldas muy recortadas que volvieron a estar de moda. En los años de la Regencia, los complicados elementos históricos y orientalistas proporcionaron exhibiciones estilísticas suntuosas, ya que dichos detalles eran un vehículo vigoroso para el consumo conspicuo debido a sus fabricaciones que requerían mucha mano de obra y, por lo tanto, un poderoso significante de jerarquía para las clases altas que usaban esos estilos. Este tipo de declaración era particularmente notoria en los adornos profusos, especialmente en las faldas donde los detalles desenfrenados eran comunes, junto con detalles de bordes cortados y adornos en los bordes.

La moda femenina también se vio influenciada por la moda masculina, como los chalecos y chaquetas a medida para enfatizar la movilidad de las mujeres. Este nuevo movimiento hacia la practicidad en la vestimenta demostró que la vestimenta dejó de ser una forma de categorizar únicamente entre clases o géneros; la vestimenta estaba destinada a adaptarse a la rutina diaria personal. [10] También fue durante este período de tiempo que la industria de las revistas y periódicos de moda comenzó a despegar. En su mayoría, eran publicaciones periódicas mensuales (a menudo en competencia) que permitían a hombres y mujeres mantenerse al día con los estilos en constante cambio. [11]

Influencia de la Revolución Industrial

Lámina de moda (El gorro y la pelliza rusos y prusianos), publicada en La Belle Assemblée , 1 de julio de 1814

A finales del siglo XVIII, la ropa la vendían sobre todo comerciantes individuales, que a menudo eran los artesanos que fabricaban los productos. Los clientes vivían normalmente en el mismo barrio que las tiendas, y estas ganaban popularidad gracias a las recomendaciones de boca en boca de sus clientes, con la excepción de los almacenes (es decir, cualquier comercio minorista o mayorista), donde los productos que se vendían no se fabricaban necesariamente en la tienda. [12] Sin embargo, las cosas empezaron a cambiar durante la transición al siglo XIX. La gente buscaba eficiencia y variedad; bajo la influencia de la Revolución Industrial , la mejora del transporte y la introducción de máquinas en la fabricación permitieron que la moda se desarrollara a un ritmo aún más rápido.

La primera máquina de coser apareció en 1790 y, más tarde, Josef Madersperger comenzó a desarrollar su primera máquina de coser en 1807, presentando su primera máquina de trabajo en 1814. La introducción de la máquina de coser aceleró la producción de prendas de vestir. [12] Sin embargo, no tuvo un impacto social generalizado hasta la década de 1840, y la ropa se hizo completamente a mano en el período hasta 1820. Mientras tanto, las técnicas avanzadas de hilado, tejido y estampado de algodón desarrolladas en el siglo XVIII ya habían traído telas lavables más baratas y ampliamente disponibles. Estas telas duraderas y asequibles se hicieron populares entre la población en general. Estas técnicas se desarrollaron aún más con la introducción de máquinas. Antes, los accesorios como el bordado y el encaje se fabricaban en una escala pequeña y limitada por artesanos expertos y se vendían en sus propias tiendas; en 1804, John Duncan construyó una máquina para bordar y la gente comenzó a producir estos accesorios esenciales en fábricas y a enviar los productos a tiendas de todo el país. Estos avances técnicos en la producción de ropa permitieron una mayor variedad de estilos; También se hicieron posibles cambios rápidos en la moda. [12]

La Revolución Industrial unió a Europa y América en lo que respecta a los viajes. Cuando Louis Simond llegó por primera vez a América, le sorprendió la movilidad de la población y la frecuencia con la que la gente viajaba a la capital, y escribió: "En ninguna parte se encuentran personas que nunca hayan salido de su lugar de origen y cuyos hábitos sean completamente locales; nadie que esté por encima de la pobreza no haya visitado Londres una vez en su vida; y la mayoría de los que pueden, lo visitan una vez al año". [12] Los nuevos canales y ferrocarriles no sólo transportaron gente, sino que crearon mercados nacionales e incluso más amplios al transportar bienes fabricados en fábricas a grandes distancias. El auge de la industria en todo el mundo occidental aumentó la producción de prendas de vestir y se animó a la gente a viajar más y comprar más bienes que nunca. [13]

La comunicación también mejoró en esta época. Las nuevas ideas sobre la moda se transmitían a través de pequeñas muñecas vestidas a la última moda, periódicos y revistas ilustradas; [14] por ejemplo, La Belle Assemblée , fundada por John Bell , fue una revista femenina británica publicada entre 1806 y 1837. Era conocida por sus láminas de moda contemporánea, que mostraban formas en que las mujeres podían vestirse y crear conjuntos. [15]

Cambios en la moda

Década de 1790:

Años 1800:

Década de 1810:

Década de 1820:

Moda femenina

Vestido de baile de 1811
En España , algunas damas de la sociedad se rebelaron contra la moda francesa vistiéndose de majas , como doña Isabel de Porcel , 1805.

Descripción general

En este período, los estilos de ropa de moda para mujeres se basaban en una cintura alta, debajo del busto, llamada silueta Imperio solo en el siglo XX: los vestidos se ajustaban al torso justo debajo del busto, cayendo holgadamente por debajo. En diferentes contextos, estos estilos ahora se denominan comúnmente " estilo Directorio " (en referencia al gobierno del Directorio de Francia durante la segunda mitad de la década de 1790), " estilo Imperio " (en referencia al imperio de Napoleón de 1804-1814/1815, y a menudo también a su "consulado" de 1800-1804) o " Regencia " (usado vagamente para referirse a varios períodos entre el siglo XVIII y la época victoriana). [19] La silueta Imperio y el estilo Directorio no se usaban en la época en que se usaban estos estilos. [20]

Estas modas de 1795-1820 eran bastante diferentes de los estilos prevalecientes durante la mayor parte del siglo XVIII y el resto del siglo XIX, cuando la ropa de las mujeres generalmente estaba ajustada al torso desde la cintura natural hacia arriba y con faldas muy amplias por debajo (a menudo infladas por medio de faldas de aro , crinolinas , alforjas , polisones , etc.). La moda femenina en esta época comenzó a seguir los ideales clásicos, inspirada en el estilo griego y romano antiguo con sus elegantes vestidos sueltos que se fruncían o simplemente se acentuaban sobre la cintura natural debajo del busto. Para las mujeres, los corsés con muchas ballenas dieron paso a una celebración de la forma natural. [20] Los corpiños eran cortos y la cintura caía justo debajo del busto. Las telas de moda como la muselina de algodón eran ligeras hasta el punto de ser transparentes, sin embargo, los algodones, lanas y otros textiles más pesados ​​​​estampados también eran populares. [21]

Vestidos

'Vestido de mañana' o 'Medio vestido', 1817.
'Vestido de noche', 1816.

Inspirado en los gustos neoclásicos, el "desnudo" era el estilo del día, casual e informal. Era el tipo de vestido que usaba una mujer desde la mañana hasta el mediodía o más tarde, dependiendo de sus compromisos sociales del día. Los vestidos de cintura corta lucían faldas suaves y sueltas y a menudo estaban hechos de muselina blanca, casi transparente , que se lavaba fácilmente y se colocaba de forma suelta como las prendas de las estatuas griegas y romanas. Dado que la tela se pegaba al cuerpo, revelando lo que había debajo, hacía de la desnudez à la grecque una pieza central del espectáculo público. El satén a veces se usaba para la noche. [22] Se piensa que el "medio vestido" es cómo se vestiría una persona para salir durante el día o reunirse con invitados. El "vestido completo" era lo que usaba una dama para eventos formales, de día o de noche. El "vestido de noche" solo era apropiado para los asuntos nocturnos. Así, durante el período 1795-1820, a menudo era posible que las mujeres de clase media y alta usaran ropa que no fuera muy ajustada ni engorrosa y, aun así, se las considerara vestidas decentemente y a la moda.

Entre las mujeres de clase media y alta existía una distinción básica entre el traje de mañana (que se usaba en casa tanto por la tarde como por la mañana) y el traje de noche: por lo general, tanto los hombres como las mujeres se cambiaban de ropa para prepararse para la cena y los posibles entretenimientos posteriores. También existían otras gradaciones, como el traje de tarde, el traje de paseo, los trajes de montar , el traje de viaje, el traje de cena, etc.

En El espejo de las gracias; o el traje de la dama inglesa , publicado en Londres en 1811, la autora ("una dama distinguida") aconsejaba:

Por la mañana, los brazos y el pecho deben estar completamente cubiertos hasta el cuello y las muñecas. Desde la hora de la cena hasta el final del día, los brazos pueden estar descubiertos hasta una elegante altura por encima del codo, y el cuello y los hombros descubiertos hasta donde lo permita la delicadeza. [23]

Una dama distinguida también aconsejaba a las jóvenes que usaran tonos de color más suaves, como el rosa, el azul violeta o el lila. La matrona madura podía usar colores más intensos, como el morado, el negro, el carmesí, el azul oscuro o el amarillo.

Muchas mujeres de esta época comentaron que estar completamente vestida significaba que el pecho y los hombros estaban al descubierto, mientras que estar mal vestida significaba que el escote llegaba hasta la barbilla. [ cita requerida ]

Silueta

Debido a la importancia de mostrar el estatus social, la industria de la moda estuvo muy influenciada por la sociedad durante la era de la Regencia. La posición de una persona estaba determinada por su riqueza, etiqueta, estatus familiar, inteligencia y belleza. Las mujeres dependían económica y socialmente de sus maridos. Las únicas actividades socialmente aceptables en las que las mujeres podían participar se centraban en las reuniones sociales y la moda, cuyo componente más importante era asistir a fiestas nocturnas. Estas fiestas ayudaban a construir relaciones y conexiones con los demás. Como la etiqueta dictaba diferentes estándares de vestimenta para diferentes eventos, eran populares los vestidos de tarde, de noche, de gala, de gala y diferentes tipos de vestidos.

Hortensia de Beauharnais

La moda femenina en la época de la Regencia comenzó a cambiar drásticamente. Se popularizó la silueta imperio, que se caracterizaba por un corpiño ajustado y una cintura alta. Este "nuevo estilo natural" enfatizaba la belleza de las líneas naturales del cuerpo. La ropa se volvió más ligera y más fácil de cuidar que en el pasado. Las mujeres solían usar varias capas de ropa, generalmente ropa interior, vestidos y ropa de abrigo. La camisola, la prenda interior estándar de la época, impedía que los vestidos finos y vaporosos fueran completamente transparentes. Las prendas de abrigo, como la camisola y la pelliza, eran populares.

La silueta imperio se creó a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX y hace referencia al período del Primer Imperio francés. Esta adopción se había relacionado con el gusto neoclásico de Francia por los principios griegos. Sin embargo, de hecho, su genealogía es mucho más compleja. La primera vez que la usó fue la reina francesa, cuya referencia era el Caribe, no Grecia. [24] El estilo se usaba a menudo en blanco para denotar un alto estatus social. Josefina Bonaparte fue una de las figuras representativas de la cintura imperio, con sus elaborados y decorados vestidos de línea imperio. Las mujeres de la Regencia siguieron el estilo imperio junto con la misma tendencia de cinturas elevadas que los estilos franceses, incluso cuando sus países estaban en guerra. A partir de la década de 1780 y principios de la de 1790, la silueta de las mujeres se hizo más delgada y las cinturas subieron. Después de 1795, las cinturas aumentaron drásticamente y la circunferencia de la falda se redujo aún más. Unos años más tarde, Inglaterra y Francia comenzaron a mostrar el enfoque del estilo de cintura alta y esto llevó a la creación del estilo imperio.

Dama francesa en 1808; el estilo a menudo iba acompañado de un chal o una capa similar, o una chaqueta corta "Spencer", ya que los vestidos eran ligeros y dejaban mucho espacio al descubierto.

El estilo comenzó como parte de la moda neoclásica , reviviendo estilos del arte grecorromano que mostraban a las mujeres usando túnicas rectangulares holgadas conocidas como peplos que se ceñían con un cinturón debajo del busto, brindando soporte a las mujeres y un atuendo fresco y cómodo, especialmente en un clima cálido. La silueta imperio estaba definida por la cintura, que se colocaba directamente debajo del busto. La silueta imperio fue el estilo clave en la vestimenta femenina durante la era de la Regencia. Los vestidos eran generalmente ligeros, largos y holgados, generalmente eran blancos y, a menudo, transparentes desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, lo que enfatizaba fuertemente el dobladillo fino y se ataba alrededor del cuerpo. Un chal o envoltura rectangular largo, muy a menudo rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudaba en el clima más frío y aparentemente se colocaba alrededor del abdomen cuando estaba sentada, para lo cual se favorecían las posturas semi-reclinadas. Los vestidos tenían un corpiño ajustado y daban una apariencia de cintura alta.

El estilo había experimentado altibajos en la moda durante cientos de años. La forma de los vestidos también ayudaba a alargar la apariencia del cuerpo. La ropa también se podía drapear para maximizar el busto. Se usaban telas livianas para crear un efecto fluido. Además, se usaban cintas, fajas y otros elementos decorativos para resaltar la cintura. Los vestidos estilo imperio solían tener un escote bajo y mangas cortas y las mujeres generalmente los usaban como para ocasiones formales. Por otro lado, los vestidos de día tenían un escote más alto y mangas largas. La camisola era un elemento básico para las damas de moda. Aunque ahora había diferencias entre vestidos y vestidos largos, la cintura alta no cambió.

Peinados y tocados

Retrato en miniatura de una dama rusa, escuela rusa, c. 1800
Retrato de Caroline Murat y su hija Letizia, pintado en 1807 por Elisabeth Vigée-Lebrun . Madame Murat lleva la formal cola roja del vestido de la corte sobre su vestido de talle alto.

Durante este período, la influencia clásica se extendió a los peinados. A menudo se usaban mechones de rizos sobre la frente y las orejas, y el pelo más largo de la parte posterior se recogía en moños sueltos o nudos psique influenciados por los estilos griegos y romanos. A finales de la década de 1810, el pelo de la parte delantera se separaba en el medio y se usaba en rizos apretados sobre las orejas. [17] Las mujeres aventureras como Lady Caroline Lamb usaban peinados cortos "a la Titus ", y el Journal de Paris informó en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes usaban su cabello o peluca a la Titus ", un corte en capas generalmente con algunos mechones colgando. [25]

En el Espejo de las Gracias, una Dama Distinguida escribe:

Ahora bien, las trenzas sueltas, las trenzas brillantes, los bucles sueltos recogidos por el peine antiguo o el pasador, dan muestras elegantes del gusto sencillo de la belleza moderna. Nada puede corresponder más elegantemente con el drapeado desenfadado de nuestra vestimenta clásica recientemente adoptada que este peinado natural sin adornos. [26]

Las mujeres casadas conservadoras siguieron usando cofias de lino , que ahora tenían alas más anchas a los lados para cubrir las orejas. Las mujeres elegantes usaban cofias similares para usarlas por la mañana (desnudarse en casa). [27]

Por primera vez en siglos, las mujeres respetables pero atrevidas y a la moda salían de casa sin sombrero o cofia , algo que antes se asociaba a menudo con las prostitutas. Sin embargo, la mayoría de las mujeres seguían llevando algo en la cabeza al aire libre, aunque estaban empezando a dejar de hacerlo en interiores durante el día (así como para la noche). El tocado antiguo, o cofia de la Reina María , el sombrero chino, el turbante de inspiración oriental y el casco de las Tierras Altas eran populares. En cuanto a las cofias, sus coronas y alas estaban adornadas con ornamentaciones cada vez más elaboradas, como plumas y cintas. [28] De hecho, las damas de la época adornaban sus sombreros con frecuencia, reemplazando las decoraciones antiguas con nuevos adornos o plumas.

Ropa interior

Ilustración de ropa interior de 1811, que muestra una forma de "corsé" de la Regencia.

Las mujeres de moda de la época de la Regencia usaban varias capas de ropa interior . La primera era la camisola o camisón, una prenda fina con mangas cortas y ajustadas (y un escote bajo si se usaba debajo de la ropa de noche), hecha de algodón blanco y rematada con un dobladillo liso que era más corto que el vestido. Estas camisolas estaban destinadas a proteger la ropa exterior de la transpiración y se lavaban con más frecuencia que la ropa exterior. De hecho, las lavanderas de la época usaban jabón grueso para restregar estas prendas y luego las sumergían en agua hirviendo, de ahí la ausencia de color, encaje u otros adornos, que habrían desteñido o dañado la tela con un trato tan brusco. Las camisolas y los camisones también evitaban que los vestidos transparentes de muselina o seda fueran demasiado reveladores.

La siguiente capa era un par de corsés ( con menos varillas). Si bien las modas clásicas de cintura alta no requerían corsé para la figura delgada, la mayoría de las mujeres comunes todavía usaban algún tipo de soporte para el busto, aunque el objetivo era parecer que no lo tenían. [29] La desaparición del corsé o los corsés ha sido muy exagerada por los escritores del período de la Regencia. Hubo algunos experimentos para producir prendas que cumplieran las mismas funciones que un sostén moderno. [30] [31] [32] [33] (En el Espejo de las Gracias , un "divorcio" se describía como una prenda interior que servía para separar los pechos de una mujer. Hecho de acero o hierro que estaba cubierto por un tipo de relleno, y con forma de triángulo, este dispositivo se colocaba en el centro del pecho. [34] ) Los "corsés cortos" (corsés que se extendían solo una corta distancia debajo de los pechos) a menudo se usaban sobre el camisón o la camisola (no directamente al lado de la piel), y los "corsés largos" (corsés que se extendían hacia la cintura natural) eran usados ​​por mujeres que intentaban parecer más delgadas de lo que eran o que necesitaban más apoyo. Los ingleses los usaban más que los franceses, pero incluso esos corsés largos no estaban destinados principalmente a constreñir la cintura, a la manera de los corsés victorianos.

La capa final era la enagua , que era el nombre de cualquier falda que se usara debajo del vestido y podía ser una falda con corpiño, una falda sujeta sobre el torso con cintas o una falda separada. [35] Estas enaguas a menudo se usaban entre la ropa interior y el vestido exterior y se consideraban parte de la ropa exterior, no de la ropa interior. El borde inferior de la enagua estaba destinado a ser visto, ya que las mujeres a menudo levantaban sus vestidos exteriores para proteger el material relativamente delicado del vestido exterior del barro o la humedad (exponiendo así solo el tejido más grueso y más barato de la enagua al riesgo). A menudo expuestas a la vista, las enaguas estaban decoradas en el dobladillo con filas de pliegues o encajes, o volantes.

En esa época, los calzoncillos (pantalones cortos grandes y holgados con botones en la entrepierna) solo se usaban ocasionalmente. [36] Las mujeres no llevaban ropa interior debajo de sus vestidos.

Las medias , hechas de seda o algodón tejido, se sujetaban con ligas debajo de la rodilla hasta que se introdujeron los tirantes a fines del siglo XIX y a menudo eran de color blanco o carne pálida. [37]

Ropa de abrigo y zapatos

Madame Rivière , 1806, Jean Auguste Dominique Ingres , Louvre .
Zapatillas de cuero, entre 1795 y 1805.

Durante este período, la ropa de las mujeres era mucho más fina que en el siglo XVIII, por lo que la ropa de abrigo más abrigada se volvió importante en la moda, especialmente en climas más fríos. Las prendas similares a abrigos, como las pellizas y los redingotes, eran populares, al igual que los chales, mantos, manteletes, capas y capas. El mantelete era una capa corta que con el tiempo se alargó y se convirtió en un chal. El redingote, otro ejemplo popular, era una prenda larga que se parecía en estilo a un abrigo de montar masculino (de ahí el nombre), que podía estar hecho de diferentes telas y patrones. [7] Durante todo el período, el chal indio era el abrigo favorito, [38] ya que las casas y la típica casa de campo inglesa eran generalmente ventosas, y los vestidos de muselina transparente y seda ligera populares durante este tiempo brindaban menos protección. Los chales estaban hechos de cachemira suave o seda o incluso muselina para el verano. Los patrones de cachemira eran extremadamente populares en ese momento. [39]

Las chaquetas cortas (de cintura alta) llamadas spencers [38] se usaban al aire libre, junto con capas con capucha larga , chal turco, mantos, capas, túnicas romanas, camisolas y abrigos llamados pellizas [40] (que a menudo no tenían mangas y llegaban hasta los tobillos). Estas prendas exteriores a menudo estaban hechas de sarsnet doble, tela merina fina o terciopelo, y adornadas con pieles, como plumón de cisne, zorro, chinchilla o marta cibelina. El 6 de mayo de 1801, Jane Austen le escribió a su hermana Cassandra: "Las capas de gasa negra se usan tanto como cualquier otra cosa". [41]

Generalmente se usaban zapatillas de tela fina y plana (seda o terciopelo) o de cuero (a diferencia de los zapatos de tacón alto de gran parte del siglo XVIII).

Se colocaban plantillas de metal en los zapatos para protegerlos de la lluvia o el barro, elevando los pies unos dos centímetros y medio del suelo.

Accesorios

Hacia 1813

Las mujeres siempre usaban guantes fuera de casa. Cuando los usaban en el interior, como cuando hacían una visita social, o en ocasiones formales, como un baile, se los quitaban para cenar. [42] Sobre la longitud del guante, A Lady of Distinction escribe:

Si la moda predominante es rechazar las mangas largas y mostrar parcialmente el brazo, deje que el guante avance considerablemente por encima del codo y se sujete allí con un cordón o brazalete. Pero esto sólo debe hacerse cuando el brazo es musculoso, tosco o flaco. Cuando es liso, suave y redondo, admitirá que el guante se deslice hacia abajo hasta un poco por encima de las muñecas. [43]

En esta época, los guantes más largos se usaban de forma bastante holgada y se arrugaban por debajo del codo. Como se describe en el pasaje anterior, las "ligas" podían sujetar los guantes más largos.

Las retículas contenían objetos personales, como vinagretas . Los vestidos ajustados de la época no tenían bolsillos, por lo que estos pequeños bolsos con cordón eran esenciales. Estos bolsos a menudo se llamaban botines o balantines. Tenían forma rectangular y se usaban suspendidos de una banda tejida desde un cinturón colocado alrededor de la figura por encima de la cintura. [44]

Las sombrillas (como se muestra en la ilustración) protegían la piel de las mujeres del sol y se consideraban un importante accesorio de moda. Eran delgadas y ligeras y se presentaban en una variedad de formas, colores y tamaños.

Las damas (y caballeros) de moda usaban abanicos para refrescarse y realzar los gestos y el lenguaje corporal. Fabricados en papel o seda sobre varillas de marfil y madera, e impresos con motivos orientales o escenas populares de la época, estos omnipresentes accesorios presentaban una variedad de formas y estilos, como plisados ​​o rígidos. Una hoja informativa del Museo de Cheltenham describe los abanicos y su uso en el lenguaje corporal y la comunicación (haga clic y desplácese hasta la página 4). [45]

Directorio (1795-1799)

Retrato de Emma, ​​Lady Hamilton, por Elisabeth Vigée-Lebrun, ca. década de 1790.
Una representación idealizada y clasicista de una escena doméstica de la Regencia inglesa.

A mediados de la década de 1790, la vestimenta neoclásica se había puesto de moda en Francia. [46] Varias influencias se habían combinado para generar esta simplificación en la vestimenta femenina: aspectos de la ropa de campo práctica de las mujeres inglesas se filtraron en la alta moda francesa, y hubo una reacción en la Francia revolucionaria contra los corsés de ballenas rígidas y los satenes de colores brillantes y otras telas pesadas que estaban de moda en el Antiguo Régimen (ver 1750-1795 en la moda ). Pero en última instancia, el neoclasicismo fue adoptado por su asociación con las ideas republicanas clásicas [con referencia a Grecia, en lugar de la Roma republicana, que ahora se consideraba políticamente peligrosa]. [46] Esta renovada fascinación por el pasado clásico fue alentada por los recientes descubrimientos de Pompeya y Herculano , y probablemente no hubiera sido posible fuera de un entorno geográfico e histórico tan específico que permitió que la idea del pasado hecho presente se volviera primordial. [47]

Junto con las influencias de las excavaciones de Pompeya y Herculano, varios otros factores se unieron para popularizar la vestimenta neoclásica. A principios de la década de 1790, Emma Hamilton comenzó a realizar sus representaciones de actitudes, algo que sus contemporáneos consideraban completamente nuevo. Estas actitudes se basaban vagamente en la antigua práctica de la pantomima, aunque las representaciones de Emma carecían de máscaras y acompañamiento musical. [47] Sus representaciones crearon una fusión entre el arte y la naturaleza; el arte cobró vida y su cuerpo se convirtió en un tipo de arte. [16] Como ayuda para sus representaciones de figuras históricas y mitológicas trágicas, Emma vestía la ropa á la grecque que se volvería popular en la Francia convencional en los años siguientes. Se usaba una sencilla camisola de color claro hecha de un material fino y fluido y fruncida con una cinta estrecha debajo de los pechos. Se usaban sencillos chales de cachemira como tocados o para dar más volumen al drapeado de la camisola. También ayudaron a evitar líneas discontinuas en la actuación, de modo que los brazos extendidos siempre estaban conectados con el cuerpo, intensificando el efecto de movimiento fluido, y a menudo, se usaba una capa o un manto para enfatizar las líneas del cuerpo en ciertas poses. Esto resaltaba la continuidad de la superficie de la línea y la forma en el cuerpo de la intérprete para enfatizar la unidad, la simplicidad y el movimiento continuo y fluido de una parte del cuerpo a la siguiente. El cabello se usaba de manera natural, suelta y fluida. Todas estas propiedades se mezclaban para permitir un amplio juego de luces y sombras para revelar y acentuar ciertas partes del cuerpo durante la actuación mientras cubría otras. [16] Emma era muy capaz en sus actitudes, y la influencia de su vestimenta se extendió desde Nápoles a París cuando los parisinos adinerados hicieron el Grand Tour.

Un contraste satírico de 1796 entre los antiguos estilos de vestimenta isabelinos y del Directorio: Demasiado y demasiado poco , se lee en el epígrafe de esta caricatura de Isaac Cruikshank.

También hay algunas pruebas de que el vestido camisero de muselina blanca se hizo popular después de Termidor a través de la influencia de la vestimenta de prisión. Las mujeres revolucionarias como Madame Tallien se retrataron de esta manera porque era la única ropa que poseían durante su tiempo en prisión. La camisa a la griega también representaba la lucha por la representación del yo y el despojo de los valores culturales pasados. [48] Además, una simplificación de la vestimenta que usaban las niñas preadolescentes en la década de 1780 (que ya no estaban obligadas a usar versiones en miniatura de los corsés y las alforjas de los adultos ) probablemente allanó el camino para la simplificación de la vestimenta que usaban las adolescentes y las mujeres adultas en la década de 1790. Las cinturas se volvieron algo altas en 1795, pero las faldas todavía eran bastante amplias y las influencias neoclásicas aún no eran dominantes.

Fue durante la segunda mitad de la década de 1790 cuando las mujeres de moda en Francia comenzaron a adoptar un estilo clásico absoluto, basado en una versión idealizada de la vestimenta griega y romana antigua (o lo que en ese momento se creía que era la vestimenta griega y romana antigua), con faldas estrechas y ajustadas. Algunas de las versiones parisinas extremas del estilo neoclásico (como los tirantes estrechos que dejaban al descubierto los hombros y los vestidos diáfanos sin suficiente corsé, enaguas o vestidos camiseros debajo) no fueron ampliamente adoptadas en otros lugares, pero muchas características del estilo neoclásico de finales de la década de 1790 tuvieron una amplia influencia y sobrevivieron en formas sucesivas modificadas en la moda europea durante las siguientes dos décadas.

Con este estilo clásico llegó la voluntad de exponer los pechos. Con la nueva iconografía de la Revolución, así como un cambio en el énfasis en la lactancia materna, el vestido camisero se convirtió en un signo de la nueva sociedad igualitaria. [49] El estilo era simple y apropiado para la comodidad de una mujer embarazada o lactante, ya que se enfatizaban los pechos y se aumentaba su disponibilidad. La maternidad se puso de moda y no era raro que las mujeres caminaran con los pechos al descubierto. Algunas mujeres llevaron la "maternidad de moda" un paso más allá y usaron una "toalla de seis meses" debajo del vestido para parecer embarazadas. [50]

El blanco se consideraba el color más adecuado para la vestimenta neoclásica (los accesorios solían ser de colores contrastantes). Las colas cortas que se arrastraban por detrás eran comunes en los vestidos de finales de la década de 1790.

  1. Este retrato de las hermanas Frankland realizado por John Hoppner da una idea de los estilos de 1795.
  2. "Ruth suplica a Noemí y Orfa que regresen a la tierra de Moab", de William Blake. Blake no es un neoclásico típico, pero esta muestra una idealización algo similar de la antigüedad (además de predecir la futura alta moda de finales de la década de 1790). La imagen en particular fue compuesta en 1795 y actualmente se conserva en el Museo Fitzwilliam . [51]
  3. Lámina de moda de Leipzig que muestra a una mujer y una niña con modelos elegantes y sencillos de cintura alta, que sin embargo no son marcadamente neoclásicos.
  4. Retrato de Gabrielle Josephine du Pont.
  5. Imagen de 1798 que muestra a una dama que no parece muy bien vestida para un viaje en globo, con su vestido Directorio, escotado y de aspecto fino.
  6. Lámina de moda de vestido Directorio blanco combinado con chal rojo en contraste con borde de clave griega.
  7. Un boceto de 1798 de un traje de día con chaqueta corta "Spencer" (menos neoclásica, aunque todavía siguiendo la silueta imperio).
  8. Marie-Denise Villers lleva un vestido blanco casi transparente.
  9. Gertrud Hage lleva un vestido blanco transparente sobre una enagua blanca.
  10. Traje de montar de 1799. El traje de la derecha presenta una chaqueta corta con faldones. El traje verde de la izquierda puede ser un redingote en lugar de una chaqueta y enaguas.
Caricaturas
  1. "TOO MUCH and TOO LITTLE, or Summer Clothing of 1556 & 1796" (Demasiado y muy poco, o la ropa de verano de 1556 y 1796) , caricatura grabada por Isaac Cruikshank (padre de George ) el 8 de febrero de 1796 a partir de un dibujo de George M. Woodward. (En 1796, los estilos con una fuerte influencia neoclásica todavía eran muy nuevos en Inglaterra). Observe la única pluma vertical que brota del cabello de la mujer de 1796.
  2. "Tippies of 1796" , una parodia muy estilizada que caricaturiza los tocados de plumas de las mujeres y los pantalones ajustados de los dandies, entre otras cosas.
  3. "La galería de la moda" satiriza las primeras modas influenciadas por el neoclásico.
  4. "Damas parisinas con sus trajes de invierno completos" , una caricatura exagerada de Isaac Cruikshank de estilos supuestamente excesivamente diáfanos que se usaban a fines de la década de 1790 en París.
  5. "Una invasión francesa en la vestimenta de moda de 1798", caricatura británica, que también muestra pantalones ajustados, pelucas y escote cuadrado.
  6. "Monstruosidades de 1799" .

Imperio (1800–1815)

Modas inglesa y francesa, 1815. El vestido de mañana tiene frunces en la espalda y mangas largas y, al igual que el traje de paseo, tiene ribetes en el dobladillo y un nuevo detalle en la manga superior.

Durante las dos primeras décadas del siglo XIX, la moda siguió siguiendo la silueta básica del imperio de cintura alta , pero en otros aspectos, las influencias neoclásicas se diluyeron progresivamente. Los vestidos siguieron siendo estrechos en la parte delantera, pero el volumen en la cintura elevada de la espalda permitía espacio para caminar. Se pusieron de moda otros colores además del blanco, la moda de las telas exteriores diáfanas se desvaneció (excepto en ciertos contextos formales) y algunos elementos de ornamentación obviamente visible volvieron a usarse en el diseño del vestido (a diferencia de la elegante simplicidad o el sutil bordado blanco sobre blanco del vestido de ca. 1800).

  1. Dolley Madison lleva un vestido rosa claro de manga corta y cintura alta. También lleva un collar de cadena fina, un chal de color dorado y el pelo recogido en un moño con ondas sueltas; la sencillez, pero a la vez la elegancia, de su atuendo es típica de la época.
  2. Cuadro francés de Marguerite Gérard de 1804 que muestra dos vestidos diferentes, uno más elaborado que el otro. Nótese el escote pronunciado que estaba de moda en aquel entonces.
  3. Moda de París de 1804. Nótese el escote aún más generoso.
  4. Moda conservadora: La gorra de la mafia de alrededor de 1805 tiene pliegues en el frente y una visera estrecha con volantes que se ensancha para cubrir las orejas. Estados Unidos.
  5. Vestido de mañana: Vestido de mañana de algodón c. 1806.
  6. La señora Harrison Gray Otis lleva un vestido con una capa superior transparente sobre un forro parcial y un chal estampado. Lleva un brazalete de oro en el brazo izquierdo. Su cabello está peinado en ondas sueltas en las sienes y sobre las orejas. Massachusetts, 1809.
  7. Vestido de 1809 usado con guantes hasta el codo .
  8. Vestido de 1810 , mostrado con guantes hasta el codo.
  9. Boceto de 1810 de una mujer con gorro " Schute " y vestido de rayas azules con volantes.
  10. Retrato de una mujer por Henri Mulard, ca. 1810.
  11. Lámina de moda de un vestido de la corte inglesa con alforja , 1810.
  12. Marguerite-Charlotte David lleva un sencillo vestido de satén blanco y el omnipresente chal. Su tocado está adornado con plumas de avestruz.
Caricaturas
  1. "Las modas de la época, o el tiempo pasado y el presente" , una caricatura que pretende mostrar el carácter provocativo y revelador de las modas de 1807 en comparación con las del siglo XVIII (exagerando deliberadamente el contraste).
  2. "Tres gracias en un viento fuerte" , caricatura de Gillray de 1810. Una sátira de los vestidos ajustados que se usan con pocas capas de enaguas debajo.
  3. "Los invisibles" , caricatura de 1810 de estilos de sombreros poco prácticos.
  4. "Longitud y latitud de Almack" , caricatura de 1813 de George Cruikshank .

Galería de la Regencia (1815-1820)

Esta era marcó la pérdida de cualquier estilo neoclásico , pseudo-griego, en la vestimenta femenina. Este declive fue especialmente evidente en Francia debido a la supresión del comercio de las telas utilizadas en la vestimenta neoclásica por parte del emperador Napoleón . [52] Si bien las cinturas todavía eran altas, estaban comenzando a caer ligeramente. La decoración más grande y abundante, especialmente cerca del dobladillo y el escote, presagiaba una mayor extravagancia en los años venideros. Se usaban más enaguas y se popularizó una falda más rígida y con forma de cono. La rigidez se podía complementar con capas de volantes y frunces en un dobladillo, así como enaguas con cordones o volantes. Las mangas comenzaron a tirarse, atarse y pellizcarse de formas que estaban más influenciadas por los estilos románticos y góticos que por los neoclásicos. Los sombreros y los peinados se volvieron más elaborados y recortados, subiendo más para equilibrar las faldas cada vez más anchas.

  1. Traje de paseo de 1815
  2. Vestidos de día de 1816
  3. Mujer italiana con sombrero adornado. 1816.
  4. La condesa Vilain y su hija llevan el pelo peinado con raya al medio, con bucles apretados sobre cada oreja; el pelo de la espalda está peinado hacia atrás en un moño. 1816.
  5. La condesa Thekla Ludolf lleva un vestido rojo sobre una camisa blanca. 1816.
  6. Ilustración de baile de 1817 , que muestra el comienzo de la tendencia hacia una silueta cónica.
  7. El traje de paseo de 1817 está profusamente adornado y adornado con borlas.
  8. Vestido de 1818
  9. Mary Lodge luce la nueva moda de los colores vivos. Su vestido carmesí con volantes en el cuello y las mangas se combina con un chal color marfil con un borde ancho con estampado de cachemira , 1818.
  10. Vestido de 1818
  11. Vestido de 1819 , con ornamentación cerca del dobladillo.
  12. "Vestido de mañana" (para permanecer dentro de la casa durante las mañanas y las primeras horas de la tarde), 1819.

Caricatura

  1. "Monstruosidades de 1818" , una sátira de George Cruikshank sobre la tendencia femenina hacia la silueta cónica, las corbatas altas y el dandismo masculino.
  2. "Un vistazo a las monstruosidades francesas" , una sátira de la moda francesa de George Cruikshank.

Moda rusa

Moda española

Moda británica

Moda alemana

Moda francesa

Moda masculina

Pierre Seriziat con traje de montar, 1795. Sus ajustados pantalones de cuero tienen una corbata y botones en la rodilla y un frente caído. El chaleco blanco es cruzado , un estilo popular en esa época. Su sombrero alto es ligeramente cónico.
El artista Jean-Baptiste Isabey lleva una casaca corta y unos pantalones oscuros metidos en las botas. Lleva sombrero y guantes, 1795.
Un Directorio dandy en 1797, de Girodet ; Retrato de Jean-Baptiste Belley , diputado por Saint-Domingue .
Este caballero lleva una levita cruzada de color azul oscuro sobre un chaleco de ante. Sus pantalones grises tienen correas debajo de los zapatos. Su sombrero alto ligeramente cónico reposa en el alféizar de la ventana, Alemania, c.  1815 (obra de Georg Friedrich Kersting ).

Descripción general

Este período vio el abandono final del encaje , el bordado y otros adornos de la ropa masculina seria fuera del vestido formal de la corte ; no reaparecería excepto como una afectación del vestido estético en la década de 1880 y su sucesor, el estilo "joven eduardiano" de la década de 1960. En cambio, el corte y la sastrería se volvieron mucho más importantes como indicador de calidad. [18] Esta transformación se puede atribuir en parte a un mayor interés en la antigüedad derivado del descubrimiento de grabados clásicos, incluidos los mármoles de Elgin. Las figuras representadas en el arte clásico fueron vistas como un ejemplo de la forma natural ideal y una encarnación de las ideas neoclásicas. El estilo en Londres para hombres se volvió cada vez más refinado y esto se debió a la influencia de dos cosas: el dandy y el movimiento romántico. El dandy (un hombre que le daba gran importancia a la estética personal y los pasatiempos, pero quería parecer totalmente despreocupado al respecto) posiblemente surgió ya en la década de 1790. Los colores oscuros eran casi obligatorios. (Sin embargo, lo oscuro no significa necesariamente lúgubre; muchas prendas, en particular los chalecos y los abrigos, estaban confeccionadas con telas ricas y vívidas). Los fracs azules con botones dorados estaban por todas partes. Las camisas de muselina blanca (a veces con volantes en el cuello y las mangas) eran extremadamente populares. Los pantalones de montar estaban oficialmente en camino de desaparecer, y los pantalones ocuparon su lugar. Las telas en general se estaban volviendo más prácticas: seda y más lana, algodón y piel de venado. [53] Por lo tanto, en el siglo XVIII, el vestido se simplificó y se puso mayor énfasis en la sastrería para realzar la forma natural del cuerpo. [54]

Este fue también el período del auge de la cera para el cabello para peinar el cabello de los hombres, así como de las patillas como estilo de vello facial.

Los pantalones de montar se hicieron más largos (los pantalones de montar de cuero ajustados llegaban casi hasta la parte superior de las botas) y fueron reemplazados por pantalones para la ropa de calle de moda. La Revolución Francesa es en gran parte responsable de alterar la vestimenta masculina estándar. Durante la revolución, la ropa simbolizó la división entre las clases altas y los revolucionarios de la clase trabajadora. Los rebeldes franceses se ganaron el apodo de sans-culottes , o "la gente sin pantalones", debido a los pantalones holgados y flexibles que popularizaron. [55]

Los abrigos tenían un corte al frente con faldas largas o colas detrás y tenían cuellos altos . Las solapas no eran tan grandes como en años anteriores y a menudo presentaban una muesca en forma de M exclusiva de la época. [18]

Las camisas estaban hechas de lino, tenían cuellos incorporados y se usaban con cepos o envueltas en una corbata atada de diversas formas. Los volantes plisados ​​en los puños y la abertura delantera pasaron de moda hacia el final del período. [18]

Los chalecos eran de talle alto y cuadrados en la parte inferior, pero se presentaban en una amplia variedad de estilos. A menudo eran cruzados, con solapas anchas y cuello alto. Alrededor de 1805, las solapas grandes que se superponían a las de la chaqueta comenzaron a pasar de moda, al igual que la tradición del siglo XVIII de llevar la chaqueta desabrochada, y gradualmente los chalecos se volvieron menos visibles. Poco antes de esta época, los chalecos solían tener rayas verticales, pero en 1810 los chalecos blancos lisos estaban cada vez más de moda, al igual que los chalecos con rayas horizontales. Los chalecos de cuello alto estuvieron de moda hasta 1815, luego los cuellos se fueron bajando gradualmente a medida que el cuello chal comenzó a usarse hacia el final de este período. [18]

Los abrigos o capotes estaban de moda, a menudo con cuellos contrastantes de piel o terciopelo. El garrick , a veces llamado abrigo de cochero, era un estilo particularmente popular y tenía entre tres y cinco capotes cortos unidos al cuello. [18]

Las botas , típicamente botas de Hesse con la parte superior en forma de corazón y borlas, eran un pilar en el calzado masculino. Después de que el duque de Wellington derrotara a Napoleón en Waterloo en 1815, las botas Wellington , como se las conocía, se pusieron de moda; las partes superiores llegaban hasta la rodilla en la parte delantera y eran más bajas en la parte trasera. La bota de jockey, con un puño vuelto hacia abajo de cuero de color más claro, había sido popular anteriormente, pero continuó usándose para montar a caballo. [56] Los zapatos de salón con tacones altos se hicieron populares con la introducción de los pantalones.

El ascenso del dandy

El dandi obsesionado con la ropa apareció por primera vez en la década de 1790, tanto en Londres como en París . En la jerga de la época, un dandi se diferenciaba de un petimetre en que la vestimenta del dandi era más refinada y sobria. El dandi se enorgullecía de su "excelencia natural" y la sastrería permitía exagerar la figura natural debajo de la ropa de abrigo de moda. [57]

En Alta sociedad: una historia social del período de la Regencia, 1788-1830 , Venetia Murray escribe:

Otros admiradores del dandiismo han considerado que se trata de un fenómeno sociológico, fruto de una sociedad en transición o de una rebelión. Barbey d'Aurevilly, uno de los dandis franceses más destacados de finales del siglo XIX, lo explicaba así:

"Algunos han imaginado que el dandiismo es, ante todo, una especialización en el arte de vestirse con audacia y elegancia. Es eso, pero también mucho más. Es un estado mental compuesto de muchos matices, un estado mental producido en sociedades antiguas y civilizadas donde la alegría se ha vuelto poco frecuente o donde las convenciones gobiernan al precio del aburrimiento de sus sujetos... es el resultado directo de la guerra interminable entre la respetabilidad y el aburrimiento".

En el Londres de la Regencia, el dandiismo era una rebelión contra un tipo diferente de tradición, una expresión de desagrado por la extravagancia y la ostentación de la generación anterior y de simpatía hacia el nuevo espíritu de la democracia. [58]

Beau Brummell marcó la moda del dandiismo en la sociedad británica desde mediados de la década de 1790, que se caracterizaba por una limpieza personal inmaculada, camisas de lino inmaculadas con cuellos altos, corbatas perfectamente anudadas y abrigos oscuros sencillos de corte exquisito [18] (que contrastaban en muchos aspectos con los "maccaroni" de principios del siglo XVIII).

Brummell abandonó la peluca y se cortó el pelo al estilo romano conocido como à la Brutus , imitando la moda de las mujeres de este período en lo que se refiere a lo clásico. También lideró la transición de los pantalones cortos a los pantalones ajustados, a menudo de colores claros para el día y oscuros para la noche, basándose en la ropa de la clase trabajadora adoptada por todas las clases en Francia tras la Revolución . De hecho, la reputación de Brummel por su buen gusto y refinamiento era tal que, cincuenta años después de su muerte, Max Beerbohm escribió:

En ciertas congruencias de su tela oscura, en la rígida perfección de su lino, en la simetría de su guante con su mano, residía el secreto de los milagros del señor Brummell.

Sin embargo, no todos los hombres que aspiraban a alcanzar el sentido de elegancia y estilo de Brummel lo consiguieron, y estos dandis fueron objeto de caricaturas y ridículos. Venetia Murray cita un extracto del Diario de una exquisita , de El ermitaño en Londres , 1819:

Tardé cuatro horas en vestirme, y luego llovió; pedí el tilbury y mi paraguas, y fui al juzgado de los cinco; al lado de mis sastres; lo despedí después de dos años; no es un mal tipo ese Weston... rompió tres cordones y una hebilla, desgarró la cuarta parte de un par de zapatos, hechos tan finos por O'Shaughnessy, en St. James's Street , que eran ligeros como papel marrón; qué lástima que estuvieran forrados con satén rosa, y eran bastante buenos; me puse un par de Hoby's; me excedí al perfumar mi pañuelo, y tuve que empezar de nuevo ; no pude complacerme en hacerme el nudo de la corbata ; perdí tres cuartos de hora con eso, rompí dos pares de guantes de cabritilla al ponérmelos apresuradamente; me vi obligado a ir con cuidado a trabajar con el tercero; perdí otro cuarto de hora con esto; Salí furiosamente en mi carro, pero tuve que regresar por mi espléndida caja de rapé , pues sabía que eclipsaría el círculo con ella. [58]

La transformación de la moda masculina a lo largo de la vida

Peinados y tocados

Los tres cónsules de la República Francesa entre 1799 y 1804: (de izq. a der.) Jean-Jacques-Régis de Cambacérès (1753-1824), Napoleón Bonaparte (1769-1821) y Charles-François Lebrun (1739-1824). Mientras que los mayores, Cambacérès y Lebrun, llevan pelucas empolvadas a la antigua usanza, el joven Napoleón lleva un peinado corto y sin empolvar, muy de moda.

La Revolución Francesa (1789-1799) en Francia y el impuesto de Pitt sobre el polvo para el cabello en 1795 en Gran Bretaña terminaron efectivamente con la moda de las pelucas y el polvo en estos países y los hombres jóvenes de moda en ambos países comenzaron a usar su propio cabello sin empolvar, sin coleta, en rizos cortos, a menudo con patillas largas. Los nuevos estilos como el Brutus (" à la Titus ") y el Bedford Crop se pusieron de moda y posteriormente se extendieron también en otros países europeos y de influencia europea, incluidos los Estados Unidos.

Muchos hombres notables durante este período, especialmente los más jóvenes, siguieron esta nueva tendencia de moda de peinados cortos sin empolvar, por ejemplo, Napoleón Bonaparte (1769-1821), que inicialmente llevaba el pelo largo atado en una cola, cambió su peinado y se cortó el pelo corto mientras estaba en Egipto en 1798. [ 59] Asimismo, el futuro presidente de los EE. UU., John Quincy Adams (1767-1848), que había usado una peluca empolvada y cabello largo atado en una cola en su juventud, abandonó esta moda durante este período mientras se desempeñaba como Ministro de los EE. UU. en Rusia (1809-1814) [60] y más tarde se convirtió en el primer presidente en adoptar un corte de pelo corto en lugar de cabello largo atado en una cola. [61] Los hombres mayores, los oficiales militares y aquellos en profesiones conservadoras como abogados, jueces, médicos y sirvientes conservaron sus pelucas y polvos. La vestimenta formal de la corte de las monarquías europeas también requería una peluca empolvada o un pelo largo empolvado atado en una coleta hasta la ascensión de Napoleón al trono como emperador (1804-1814).

Todavía se usaban sombreros tricornios y bicornios , pero el sombrero más de moda era el alto y ligeramente cónico; sin embargo, este pronto sería reemplazado por el sombrero de copa y reinaría como el único sombrero para ocasiones formales durante el siglo siguiente. [62]

Galería de estilos 1795-1809

  1. Retrato del boxeador "Jem" Belcher con una corbata estampada y un abrigo marrón cruzado con cuello oscuro (¿de piel o terciopelo?), c. 1800.
  2. Acuarela de Beau Brummell de Richard Dighton.
  3. En este autorretrato de 1805, Washington Allston lleva una corbata color canela con cuello alto blanco y abrigo oscuro. Boston.
  4. Rubens Peale lleva un chaleco blanco con un cuello alto y entallado sobre el cuello alto de la camisa y una corbata ancha. Estados Unidos, 1807.
  5. Friedrich von Schiller lleva un abrigo cruzado marrón con cuello en contraste y botones de latón. El volante plisado de la pechera de su camisa se puede ver junto al nudo de su corbata blanca, Alemania, 1808-09.
  6. Chateaubriand lleva el pelo alborotado a la moda. Lleva un largo redingote sobre el abrigo, un chaleco color canela, una camisa blanca y una corbata oscura, 1808.
  7. El cuello del conde Víctor Kochubey le llega hasta la barbilla y lleva una corbata alrededor del cuello atada con un pequeño lazo. Lleva el pelo corto, de forma informal, y le cae sobre la frente, 1809.
  8. El retrato de Gwyllym Lloyd Wardle lo muestra con un abrigo oscuro sobre un chaleco color canela, cuello alto y corbata, 1809.
  9. Los bordados elaborados siguieron siendo una característica de los trajes de corte formales como este, que combina un abrigo de lana roja con un chaleco de tela plateada, ambos bordados con hilo de plata. Italia, c. 1800-1810. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , M.80.60ab.
  10. El retrato del aventurero danés Jørgen Jørgensen muestra cómo la sociedad escandinava ha visto la moda masculina en la Era de la Revolución.

Galería de estilos 1810-1820

  1. Les Modernes Incroyables , una sátira sobre las modas francesas de 1810: pantalones largos y ajustados, abrigos cortos con cola y corbatas enormes.
  2. Marcotte d'Argenteuil lleva una camisa de cuello alto con una corbata oscura, un chaleco color ante, un abrigo marrón cruzado con botones forrados y un abrigo gris oscuro con cuello en contraste (quizás de piel de foca). 1810. Su sombrero bicornio se encuentra sobre la mesa.
  3. Figuras de espaldas que muestran diferentes modas masculinas, París, 1812.
  4. Daniel la Motte , un comerciante y terrateniente de Baltimore, Maryland , adopta una pose romántica que muestra detalles de su chaleco blanco, camisa con volados y pantalones de montar con botones cubiertos en la rodilla, 1812-1813.
  5. El médico alemán Johann Abraham Albers viste un chaleco de rayas debajo de un abrigo negro cruzado, 1813.
  6. El artista estadounidense Samuel Lovett Waldo viste una camisa con volantes y una corbata blanca anudada.
  7. Lord Grantham viste un abrigo cruzado que muestra un poco del chaleco debajo en la cintura, pantalones ajustados metidos dentro de botas y un cuello alto y corbata, 1816.
  8. Nicolas-Pierre Tiolier lleva un frac azul intenso y pantalones marrones con pechera caída sobre un chaleco, una camisa y una corbata blancos. Su sombrero alto reposa sobre un pedestal antiguo, 1817.
  9. El artista desconocido lleva un frac cruzado con puños vueltos hacia atrás y un cuello alto a juego de terciopelo (o posiblemente de piel). Obsérvese que, si bien el torso del hombre, que parece una avispa, no está demasiado enfatizado como en una caricatura, como solía ser el caso en las láminas de moda masculina de la época, hay un pellizco definido y deliberado en la cintura. Es muy probable que el modelo de este retrato llevara algún tipo de corsé ajustado o prenda interior similar. Las mangas del frac están abullonadas en los hombros. Lleva un chaleco blanco, camisa y corbata, y pantalones de color claro, 1819.

Moda infantil

Tanto los niños como las niñas usaban vestidos hasta que tenían alrededor de cuatro o cinco años, cuando a los niños se les ponía " breech ", o pantalones. [63]

Renacimiento de la moda del Directorio, Imperio y Regencia

Durante la primera mitad de la era victoriana, existía una visión más o menos negativa de los estilos de las mujeres del período 1795-1820. Algunas personas se habrían sentido un poco incómodas al recordar que sus madres o abuelas habían paseado alguna vez con esos estilos (lo que podría considerarse indecente según las normas victorianas), y a muchas les habría resultado un poco difícil empatizar realmente con (o tomar en serio) las luchas de una heroína del arte o la literatura si se les recordaba constantemente que vestía esas prendas. Por tales razones, algunas pinturas históricas victorianas de las guerras napoleónicas evitaron intencionalmente representar estilos femeninos precisos (ver el ejemplo a continuación), las ilustraciones de Thackeray para su libro Vanity Fair representaron a las mujeres de la década de 1810 vistiendo modas de la década de 1840 , y en la novela Shirley de Charlotte Brontë de 1849 (ambientada en 1811-1812) las modas neogriegas se reubican anacrónicamente en una generación anterior.

Más tarde, en el período victoriano, la Regencia pareció retirarse a una distancia histórica inofensiva y remota, y Kate Greenaway y el movimiento Artistic Dress revivieron selectivamente elementos de las modas de principios del siglo XIX. Durante los últimos períodos victoriano y eduardiano, muchas pinturas de género, tarjetas sentimentales de San Valentín, etc. contenían representaciones sueltas de estilos de 1795-1820 (entonces considerados como pintorescas reliquias de una era pasada). A fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, hubo un resurgimiento limitado de la moda de la silueta Imperio . A principios de la década de 2020, se produjo un resurgimiento del interés por la moda de la Regencia debido a la popularidad de la serie de televisión Bridgerton .

En los últimos años, la moda de 1795-1820 se asocia más fuertemente con los escritos de Jane Austen , debido a las diversas adaptaciones cinematográficas de sus novelas. También existen algunos mitos urbanos sobre la moda de la Regencia, como el de que las mujeres humedecían sus vestidos para que parecieran aún más diáfanos (algo que ciertamente no practicaban la gran mayoría de las mujeres de la época).

  1. Una caricatura de 1857 que se burla del desagrado contemporáneo por la ropa de principios del siglo XIX.
  2. "Antes de Waterloo", de Henry Nelson O'Neil (1868), una pintura de mediados de la época victoriana que deliberadamente no muestra los estilos femeninos precisos de 1815.
  3. "Dos cuerdas en su arco" de John Pettie (1882), una pintura de género victoriana posterior que utiliza el período de la Regencia como valor nostálgico.
  4. Primero de Mayo por Kate Greenaway.

Véase también

Notas al pie

  1. ^ Aaslestad, Katherine B.: "Sitten und Mode: Moda, género e identidades públicas en Hamburgo a finales del siglo XIX, Género en transición: discurso y práctica en la Europa de habla alemana, University of Michigan Press, 2006.
  2. ^ Aaslestad, Katherine B.: "Sitten und Mode: Moda, género e identidades públicas en Hamburgo a finales del siglo XIX, Género en transición: discurso y práctica en la Europa de habla alemana, University of Michigan Press, 2006, 283.
  3. ^ Ribeiro, Aileen: El arte del vestido: la moda en Inglaterra y Francia 1750-1820, Yale University Press, 1995, ISBN  0-300-06287-7
  4. ^ Cuatrocientos años de moda, Victoria & Albert Museum, V&A Publications, 1984, pág. 31
  5. ^ Yalom, Marilyn, "Una historia del pecho". (Knopf: Nueva York, 1997)
  6. ^ abcd Katherine B. Aaslestad: "Sitten und Mode: Moda, género e identidades públicas en Hamburgo a finales del siglo XIX, Género en transición: discurso y práctica en la Europa de habla alemana, University of Michigan Press, 2006, 282–318.
  7. ^ abcd Betty-Bright P. Low, "De muselinas y maravillas", Winterthur Portfolio, vol 9 (1974), 29–75.
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