El Octeto para instrumentos de viento es una composición de música de cámara de Igor Stravinsky , completada en 1923.
El Octeto de Stravinsky está escrito para una combinación inusual de instrumentos de viento de madera y de metal : flauta , clarinete en si bemol y la, dos fagotes , trompeta en do, trompeta en la, trombón tenor y trombón bajo. Debido a sus sonoridades secas de viento , su carácter de divertimento y su adopción abierta y consciente de formas "clásicas" de la tradición alemana ( sonata , variación , fuga ), así como al hecho de que el compositor publicó un artículo afirmando sus ideas formalistas sobre él poco después de la primera interpretación del Octeto, se ha considerado generalmente como el comienzo del neoclasicismo en la música de Stravinsky, a pesar de que su ópera Mavra (1921-22) ya mostraba la mayoría de los rasgos asociados con esta fase de su carrera (Walsh 2001, §5).
Según Stravinsky, compuso el Octeto con bastante rapidez en 1922. Después de completar el primer movimiento , compuso el vals que se convertiría en la cuarta variación del movimiento intermedio. Sólo después de componer este vals se le ocurrió la idea de que podría ser un buen tema para un movimiento de variación. La séptima variación, un fugato , agradó especialmente a Stravinsky, y el tercer movimiento siguiente surgió de esta variación final (Stravinsky y Craft 1963, 71). Un biógrafo concluye que Stravinsky comenzó a componer el Octeto después de regresar de Alemania a Biarritz a fines del otoño de 1922, y completó la partitura el 20 de mayo de 1923. [1]
Sin embargo, los bocetos revelan una cronología más compleja. Doce compases de lo que se convertiría en la variación del vals fueron compuestos en 1919, y la variación del fugato fue la primera sección completa en ser compuesta, en enero de 1921. Existe un borrador temprano de cinco páginas de fecha incierta para el comienzo de la sección Allegro en el primer movimiento, en ese momento planeado para piano y orquesta de viento . Los segmentos principales del primer movimiento fueron esbozados en bocetos fechados entre el 12 de julio y el 8 de agosto, y la partitura completa del movimiento fue completada el 16 de agosto de 1922. Dos días después, Stravinsky comenzó a trabajar en el segundo movimiento agregando el fugato previamente compuesto, y luego el fragmento de vals, ligeramente ampliado. El vals contiene coincidentemente los mismos intervalos que la apertura del fugato, y el 23 de agosto de 1922, creó el tema y tituló el movimiento "Thème avec varyaciones monométriques". A continuación se comenzó la Variación D, pero el trabajo se interrumpió y Stravinsky no la terminó hasta el 18 de noviembre, seguida por la variación A de las "cintas de escalas " el 1 de diciembre, la variación B el 6 de diciembre y la variación C el 9 de diciembre. El Finale se completó en París el 20 de mayo de 1923. [2] La partitura fue revisada por el compositor en 1952.
La partitura publicada no lleva dedicatoria, aunque Stravinsky dijo que estaba dedicada a Vera de Bosset . [3]
El propio Stravinsky dirigió el estreno del Octeto en uno de los conciertos de Serge Koussevitzky en la Ópera de París el 18 de octubre de 1923. Esta fue la primera vez que dirigía el estreno de una pieza nueva, aunque no la primera vez que dirigía su música en público. [4] El espacio cavernoso no debe haber sido ideal para presentar una obra de música de cámara de este tipo, pero Stravinsky expresó posteriormente su satisfacción con el equilibrio del sonido en esa interpretación. [5]
La primera grabación que hizo Stravinsky fue del Octeto: una grabación privada, probablemente hecha para sus propios fines de estudio, que ahora está perdida. [6]
El Octeto se divide en tres movimientos:
= 116, Tiempo justo)Los materiales temáticos y rítmicos de los tres movimientos están interrelacionados, [7] y el segundo movimiento se conecta con el tercero sin interrupción.
La Sinfonía de apertura es un ejemplo relativamente raro (a pesar de su etiqueta de "compositor neoclásico") del uso de la forma sonata por parte de Stravinsky . [8] Su empleo de esta forma, junto con otros elementos de estilo tomados conscientemente del pasado, no obedece a un deseo reverente de perpetuarlos, sino que constituye más bien un acto de burla desafiante y satírico. [9] La sección Lento de apertura funciona como una introducción clásica, presentando la estructura tonal de fondo que también gobernará la sección principal Allegro. [10] [11]
En el Allegro, Stravinsky explota la aparente contradicción de dos equilibrios formales: uno creado a través de la reafirmación paralela de temas, el otro a través de la disposición simétrica de temas y eventos en diferentes capas estructurales de la composición. [12]
En 1922, cuando Stravinsky estaba componiendo el segundo movimiento, de tema y variaciones, le confió en una carta a Ernest Ansermet que Mozart era para él lo que Ingres era para Picasso . El híbrido de forma de rondó y variación se asemeja al movimiento lento del Concierto para piano en mi bemol mayor de Mozart , K. 482, con el que se lo ha comparado. [13] Las variaciones 1, 3 y 6 son prácticamente idénticas (todas están etiquetadas como "variación A" en la partitura), y sirven como introducciones a las siguientes variaciones 2, 4 y 7. [14] Stravinsky se refirió a esta introducción recurrente como la variación de las "cintas de escalas". [15] Las variaciones segunda, cuarta, quinta y séptima asumen los caracteres de una marcha , un vals , un cancán y una fuga solemne, respectivamente. [16] El fugato está escrito casi uniformemente en5 8[17] Esta séptima y última variación es particularmente sorprendente. El tema aquí es apenas reconocible y no parece prometedor como tema para una fuga; el carácter sonoro de la variación, con su énfasis en masas armónicas de movimiento lento, es sobrenatural y su plan es poco convencional, ya que el tema aparece solo cuatro veces. [18]
El material del final se basa en un ritmo identificado por Stravinsky en obras anteriores (como El pájaro de fuego y La consagración de la primavera ) con la danza circular rusa llamada khorovod . Este ritmo repetitivo de tres notas sincopadas con proporciones 3:3:2 (. . ) es especialmente evidente en los acordes de acompañamiento al final, pero todo el material precedente en el movimiento se basa en él o lo contiene. El diseño formal general puede representarse como A–B–A′–C–A″–D–D′, donde el material del estribillo en las secciones A aparece una vez menos en cada repetición sucesiva: tres veces, luego dos veces y finalmente solo una. En este proceso, el elemento tipo khorovod se vuelve progresivamente menos evidente en el estribillo, mientras que en los versos intermedios aumenta en claridad, desde un aumento disfrazado en la trompeta solista en la sección B, a un solo de flauta construido sobre la forma rítmica original en C, hasta el acompañamiento de acordes en D. La concepción de una danza circular se transforma aquí en un rondó instrumental , con un tema principal que se asemeja a un tema de fuga barroca. [19]
Aaron Copland presenció el estreno mundial en París y reportó la consternación general ante el abrupto e inexplicable cambio de estilo neoprimitivista ruso de Stravinsky, bien establecido, hacia lo que a todos les pareció "un caos de manierismos del siglo XVIII". La prensa también fue unánime al condenar lo que parecía una mala broma. Desde una perspectiva de varias décadas después, por supuesto, había quedado claro que Stravinsky se estaba embarcando en una nueva e importante fase estilística que estaba destinada a influir en los compositores de todo el mundo al hacer surgir una tendencia objetivista latente en la música de la época, al volver abiertamente a los ideales, formas y texturas de la era prerrománica . [ 20]
Sin embargo, no todos los primeros críticos tenían una opinión negativa. Cuando el Octeto se interpretó en el Festival de Salzburgo en 1924, por instrumentistas de Frankfurt dirigidos por Hermann Scherchen , un crítico anónimo del Times declaró que, "sin pretender, a la manera de los admiradores más apasionados del compositor, que se tratase de un séptimo concierto de Brandeburgo ", mostraba "un dominio completo del medio", así como un sentido seguro de la forma y "un ingenio en el contrapunto" con sus propias leyes. Aunque encontró momentos de discordancias inusuales que impedían aceptar la música como "bella", este crítico concluyó que "hay tanto que admirar en la obra que no se la puede descartar como una pieza de bufonería". [21]
Fuentes
