El arte conceptual , también conocido como conceptualismo , es un arte en el que los conceptos o ideas involucrados en la obra se priorizan igual o más que las preocupaciones estéticas , técnicas y materiales tradicionales. Cualquiera puede construir algunas obras de arte conceptual simplemente siguiendo una serie de instrucciones escritas. [1] Este método fue fundamental para la definición de arte conceptual del artista estadounidense Sol LeWitt , uno de los primeros en aparecer impreso:
En el arte conceptual la idea o concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma de arte conceptual, significa que toda la planificación y las decisiones se hacen de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace el arte. [2]
Tony Godfrey, autor de Conceptual Art (Art & Ideas) (1998), afirma que el arte conceptual cuestiona la naturaleza del arte, [3] una noción que Joseph Kosuth elevó a una definición del arte mismo en su temprano manifiesto seminal sobre el arte conceptual. , Arte después de la Filosofía (1969). La noción de que el arte debería examinar su propia naturaleza ya era un aspecto potente de la visión del influyente crítico de arte Clement Greenberg sobre el arte moderno durante la década de 1950. Sin embargo, con el surgimiento de un arte basado exclusivamente en el lenguaje en la década de 1960, artistas conceptuales como Art & Language , Joseph Kosuth (que se convirtió en el editor estadounidense de Art-Language ) y Lawrence Weiner comenzaron un interrogatorio del arte mucho más radical que el anterior. antes era posible (ver más abajo). Una de las primeras y más importantes cosas que cuestionaron fue la suposición común de que el papel del artista era crear tipos especiales de objetos materiales . [4] [5] [6]
A través de su asociación con los Jóvenes Artistas Británicos y el Premio Turner durante la década de 1990, en el uso popular, particularmente en el Reino Unido, "arte conceptual" pasó a denotar todo el arte contemporáneo que no practica las habilidades tradicionales de la pintura y la escultura . [7] Una de las razones por las que el término "arte conceptual" ha llegado a asociarse con diversas prácticas contemporáneas muy alejadas de sus objetivos y formas originales radica en el problema de definir el término mismo. Como sugirió el artista Mel Bochner ya en 1970, al explicar por qué no le gusta el epíteto "conceptual", no siempre está del todo claro a qué se refiere "concepto" y se corre el riesgo de confundirlo con "intención". Por tanto, al describir o definir una obra de arte como conceptual es importante no confundir lo que se denomina "conceptual" con la "intención" del artista.
El artista francés Marcel Duchamp abrió el camino a los conceptualistas, proporcionándoles ejemplos de obras conceptuales prototípicas: los readymades , por ejemplo. El más famoso de los readymades de Duchamp fue Fountain (1917), un urinario estándar firmado por el artista con el seudónimo "R.Mutt", y presentado para su inclusión en la exposición anual, sin jurado, de la Sociedad de Artistas Independientes en Nueva York. York (que lo rechazó). [8] La tradición artística no considera un objeto común (como un urinario) como arte porque no está hecho por un artista ni con ninguna intención de ser arte, ni es único ni está hecho a mano. La relevancia y la importancia teórica de Duchamp para los futuros "conceptualistas" fueron reconocidas más tarde por el artista estadounidense Joseph Kosuth en su ensayo de 1969, Arte después de la Filosofía , cuando escribió: "Todo el arte (después de Duchamp) es conceptual (por naturaleza) porque el arte sólo existe conceptualmente". .
En 1956, el fundador del letrismo , Isidore Isou , desarrolló la noción de obra de arte que, por su propia naturaleza, nunca podría crearse en la realidad, pero que, sin embargo, podía proporcionar recompensas estéticas al ser contemplada intelectualmente. Este concepto, también llamado Arte esthapériste (o "estética-infinita"), derivó de los infinitesimales de Gottfried Wilhelm Leibniz : cantidades que en realidad no podrían existir excepto conceptualmente. La encarnación actual (a partir de 2013 [actualizar]) del movimiento isouiano, el excoördismo, se autodefine como el arte de lo infinitamente grande y lo infinitamente pequeño.
Orígenes
En 1961, el filósofo y artista Henry Flynt acuñó el término "arte conceptual" en un artículo con el mismo nombre que apareció en la publicación proto- Fluxus An Anthology of Chance Operations . [9] El arte conceptual de Flynt, sostuvo, surgió de su noción de "nihilismo cognitivo", en el que se muestra que las paradojas en la lógica evacuan conceptos de sustancia. Basándose en la sintaxis de la lógica y las matemáticas, el arte conceptual estaba destinado a reemplazar las matemáticas y la música formalista entonces vigente en los círculos de música artística serios . [10] Por lo tanto, Flynt sostuvo que, para merecer la etiqueta de arte conceptual , una obra tenía que ser una crítica de la lógica o las matemáticas en la que un concepto lingüístico fuera el material, una cualidad que está ausente en el "arte conceptual" posterior. [11]
El término asumió un significado diferente cuando lo emplearon Joseph Kosuth y el grupo English Art and Language , quienes descartaron el objeto de arte convencional en favor de una investigación crítica documentada, que comenzó en Art-Language: The Journal of Conceptual Art en 1969, en el estatus social, filosófico y psicológico del artista. A mediados de los años 1970 habían producido publicaciones, índices, performances, textos y pinturas con este fin. En 1970 , Conceptual Art and Conceptual Aspects , la primera exposición dedicada al arte conceptual, tuvo lugar en el Centro Cultural de Nueva York . [12]
La crítica al formalismo y a la mercantilización del arte.
El arte conceptual surgió como movimiento durante la década de 1960, en parte como una reacción contra el formalismo tal como lo articuló entonces el influyente crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg . Según Greenberg, el arte moderno siguió un proceso de progresiva reducción y refinamiento hacia el objetivo de definir la naturaleza formal y esencial de cada medio. Se reducirían los elementos contrarios a esta naturaleza. La tarea de la pintura, por ejemplo, era definir con precisión qué tipo de objeto es realmente una pintura: qué es lo que la convierte en pintura y nada más. Como es propio de las pinturas ser objetos planos con superficies de lienzo sobre las que se aplica pigmento coloreado, se encontró que cosas como la figuración , la ilusión de perspectiva tridimensional y las referencias a temas externos eran ajenas a la esencia de la pintura. y debería ser eliminado. [13]
Algunos han argumentado que el arte conceptual continuó esta "desmaterialización" del arte al eliminar por completo la necesidad de objetos, [14]
mientras que otros, incluidos muchos de los propios artistas, vieron el arte conceptual como una ruptura radical con el tipo de modernismo formalista de Greenberg. Los artistas posteriores continuaron compartiendo una preferencia por el arte autocrítico, así como un disgusto por la ilusión. Sin embargo, a finales de la década de 1960 estaba ciertamente claro que las estipulaciones de Greenberg de que el arte continuara dentro de los límites de cada medio y excluyera los temas externos ya no tenían fuerza. [15]
El arte conceptual también reaccionó contra la mercantilización del arte; Intentó una subversión de la galería o museo como ubicación y determinante del arte, y del mercado del arte como propietario y distribuidor del arte. Lawrence Weiner dijo: "Una vez que conoces una obra mía, te pertenece. No hay manera de que pueda meterme en la cabeza de alguien y sacársela". Por lo tanto, el trabajo de muchos artistas conceptuales sólo puede conocerse a través de la documentación que se manifiesta en él, por ejemplo, fotografías, textos escritos u objetos expuestos, que algunos podrían argumentar que no son en sí mismos arte. A veces (como en el trabajo de Robert Barry , Yoko Ono y el propio Weiner) se reduce a un conjunto de instrucciones escritas que describen una obra, pero sin llegar a realizarla, enfatizando la idea como más importante que el artefacto. Esto revela una preferencia explícita por el lado "arte" de la ostensible dicotomía entre arte y artesanía , donde el arte, a diferencia de la artesanía, tiene lugar dentro del discurso histórico y lo involucra: por ejemplo, las "instrucciones escritas" de Ono tienen más sentido junto con otro arte conceptual de el tiempo.
Lorenzo Weiner . Bits & Pieces reunidos para presentar una apariencia de un todo, The Walker Art Center, Minneapolis, 2005.
Lenguaje y/o arte.
El lenguaje fue una preocupación central para la primera ola de artistas conceptuales de los años sesenta y principios de los setenta. Aunque la utilización del texto en el arte no era en absoluto novedosa, sólo en la década de 1960 los artistas Lawrence Weiner , Edward Ruscha , [16] Joseph Kosuth , Robert Barry y Art & Language comenzaron a producir arte utilizando medios exclusivamente lingüísticos. Mientras que anteriormente el lenguaje se presentaba como un tipo de elemento visual junto a otros y subordinado a una composición global (por ejemplo, el cubismo sintético ), los artistas conceptuales utilizaron el lenguaje en lugar del pincel y el lienzo, y le permitieron significar por derecho propio. [17] De las obras de Lawrence Weiner, Anne Rorimer escribe: "El contenido temático de las obras individuales se deriva únicamente de la importación del lenguaje empleado, mientras que los medios de presentación y la ubicación contextual desempeñan papeles cruciales, aunque separados". [18]
El historiador de arte estadounidense Edward A. Shanken señala el ejemplo de Roy Ascott , quien "demuestra poderosamente las intersecciones significativas entre el arte conceptual y el arte y la tecnología, explotando la autonomía convencional de estas categorías histórico-artísticas". Ascott, el artista británico más estrechamente asociado con el arte cibernético en Inglaterra, no fue incluido en Cybernetic Serendipity porque su uso de la cibernética era principalmente conceptual y no utilizaba tecnología explícitamente. Por el contrario, aunque su ensayo sobre la aplicación de la cibernética al arte y la pedagogía del arte, "La construcción del cambio" (1964), fue citado en la página de dedicatoria (a Sol LeWitt) del libro seminal Six Years: The Dematerialization de Lucy R. Lippard . de Art Object de 1966 a 1972 , la anticipación y contribución de Ascott a la formación del arte conceptual en Gran Bretaña ha recibido escaso reconocimiento, tal vez (e irónicamente) porque su trabajo estaba demasiado estrechamente aliado con el arte y la tecnología. Otra intersección vital se exploró en el uso que hizo Ascott del tesauro en 1963 conexiones telemáticas: línea de tiempo, que trazó un paralelo explícito entre las cualidades taxonómicas de los lenguajes verbal y visual, un concepto que se retomaría en la Segunda investigación de Joseph Kosuth, Proposición 1 ( 1968) y Elementos de un mapa incompleto de Mel Ramsden (1968).
El protoconceptualismo tiene sus raíces en el surgimiento del modernismo con, por ejemplo, Manet (1832-1883) y más tarde Marcel Duchamp (1887-1968). La primera ola del movimiento de "arte conceptual" se extendió aproximadamente desde 1967 [22]
hasta 1978. Los primeros artistas "conceptuales" como Henry Flynt (1940–), Robert Morris (1931–2018) y Ray Johnson (1927–1995) influyeron el movimiento posterior y ampliamente aceptado del arte conceptual. Artistas conceptuales como Dan Graham , Hans Haacke y Lawrence Weiner han demostrado ser muy influyentes en artistas posteriores, y artistas contemporáneos conocidos como Mike Kelley o Tracey Emin a veces son etiquetados [¿ por quién? ] conceptualistas de "segunda o tercera generación", o artistas " postconceptuales " (el prefijo Post- en el arte puede interpretarse frecuentemente como "debido a").
Los artistas contemporáneos han asumido muchas de las preocupaciones del movimiento del arte conceptual, aunque pueden denominarse a sí mismos o no "artistas conceptuales". Ideas como la antimercantilización, la crítica social y/o política y las ideas/información como medio continúan siendo aspectos del arte contemporáneo, especialmente entre los artistas que trabajan con arte de instalación , arte performance , intervención artística , net.art y arte electrónico / digital. arte . [23] [ necesita cotización para verificar ]
1913: Rueda de bicicleta (Roue de Bicyclette) de Marcel Duchamp . Confección asistida. Rueda de bicicleta montada por su horquilla sobre un taburete de madera pintada. El primer readymade, aunque no tuvo la idea del readymade hasta dos años después. El original se perdió. Además, reconocida como la primera escultura cinética. [24]
1914: Farmacia (Pharmacie) de Marcel Duchamp . Confeccionado rectificado. Gouache sobre cromolitografía de una escena con árboles desnudos y un arroyo sinuoso al que añadió dos círculos, rojo y verde.
1914: Botellero (también llamado Secador de Botellas o Erizo ) ( Egouttoir o Porte-bouteilles o Hérisson ) de Marcel Duchamp . Confeccionado. Un tendedero de botellas de hierro galvanizado que Duchamp compró como una escultura "ya hecha", pero que acumuló polvo en un rincón de su estudio de París. Dos años más tarde, en 1916, en correspondencia desde Nueva York con su hermana, Suzanne Duchamp en Francia, expresa su deseo de convertirlo en un ready-made. Suzanne, que se ocupa de su estudio de París, ya se ha deshecho de él.
1915: En avance del brazo roto (En prévision du bras cassé) de Marcel Duchamp . Confeccionado. Pala para nieve sobre la que Duchamp pintó cuidadosamente su título. La primera pieza que el artista llamó oficialmente "readymade".
1915: Tirado de 4 bolos por Marcel Duchamp . Confeccionado. Un ventilador de chimenea sin pintar que gira con el viento. A Duchamp le gustó que la traducción literal no significara nada en inglés y no tuviera relación con el objeto.
1916: Con ruido oculto (Un soplo secreto) de Marcel Duchamp . Confección asistida. Un ovillo de cordel entre dos placas de latón, unidas por cuatro tornillos. Un objeto desconocido ha sido colocado en el ovillo de hilo por el amigo de Duchamp, Walter Arensberg .
1916: Peine (Peigne) de Marcel Duchamp . Confeccionado. Peine de acero para perros con inscripción en el borde.
1917: Objeto plegable del viajero (...pliant,...de voyage) de Marcel Duchamp . Confeccionado. Cubierta de máquina de escribir Underwood.
1916–17: Apolinère Esmaltado , 1916–1917. Confeccionado rectificado. Un anuncio de pintura Sapolin modificado.
1917: ' Trampa (Trébuchet) de Marcel Duchamp . Confeccionado. Perchero de madera y metal adosado al suelo.
1917: Perchero (Porte-chapeaux) , c. 1917 , de Marcel Duchamp . Confeccionado. Un perchero de madera. [26]
1919: LHOOQ de Marcel Duchamp . Confeccionado rectificado. Lápiz sobre una reproducción de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci en la que dibujó una perilla y un bigote titulado con un juego de palabras burdo. [27]
1919: Readymade infeliz, de Marcel Duchamp . Confección asistida. Duchamp ordenó a su hermana Suzanne que colgara un libro de texto de geometría en el balcón de su apartamento de París. Suzanne siguió las instrucciones y pintó el resultado.
1919: 50 cc de Paris Air ( 50 cc air de Paris , Paris Air o Air de Paris ) de Marcel Duchamp . Confeccionado. Una ampolla de vidrio que contiene aire de París . Duchamp llevó la ampolla a la ciudad de Nueva York en 1920 y se la regaló a Walter Arensberg .
1920: Viuda fresca de Marcel Duchamp . Confeccionado. Una ventana francesa alterada que crea un juego de palabras.
1921: ¿ Por qué no estornudar, Rose Sélavy? por Marcel Duchamp . Confección asistida. Cubos de mármol en forma de terrones de azúcar con un termómetro y huesos de sepia en una pequeña jaula para pájaros.
1953: Robert Rauschenberg produce Erased De Kooning Drawing , un dibujo de Willem de Kooning que Rauschenberg borró. Planteó muchas preguntas sobre la naturaleza fundamental del arte, desafiando al espectador a considerar si borrar la obra de otro artista podría ser un acto creativo, así como si la obra era sólo "arte" porque el famoso Rauschenberg la había hecho.
1955: Rhea Sue Sanders crea sus primeras piezas de texto de la serie pièces de complices , combinando el arte visual con la poesía y la filosofía, e introduciendo el concepto de complicidad: el espectador debe realizar el arte en su imaginación. [30]
1956: Isidore Isou introduce el concepto de arte infinitesimal en Introducción à une esthétique imaginaire ( Introducción a la estética imaginaria ).
1957: Yves Klein , Escultura Aerostática (París) , compuesta por 1001 globos azules lanzados al cielo desde la Galerie Iris Clert para promocionar su Proposición Monocromática; Exposición Época Azul . Klein también exhibió One Minute Fire Painting , que era un panel azul en el que se colocaban 16 petardos. Para su siguiente gran exposición, The Void en 1958, Klein declaró que sus pinturas ahora eran invisibles y, para demostrarlo, exhibió una habitación vacía.
1958: George Brecht inventa el Event Score [31] que se convertiría en una característica central de Fluxus. Brecht, Dick Higgins , Allan Kaprow , Al Hansen , Jackson MacLow y otros estudiaron con John Cage entre 1958 y 1959 en la New School , lo que condujo directamente a la creación de Happenings , Fluxus y el arte conceptual de Henry Flynt . Las puntuaciones de eventos son instrucciones sencillas para completar tareas cotidianas que pueden realizarse de forma pública, privada o no realizarse en absoluto.
1958: Wolf Vostell Das Theatre ist auf der Straße / El teatro está en la calle . El primer Happening en Europa. [32]
1960: Acción de Yves Klein llamada Un salto al vacío , en la que intenta volar saltando por una ventana. Afirmó: "El pintor sólo tiene que crear una obra maestra, él mismo, constantemente".
1960: El artista Stanley Brouwn declara que todas las zapaterías de Ámsterdam constituyen una exposición de su obra.
1961: Wolf Vostell Cityrama , en Colonia: primer Happening en Alemania.
1961: Piero Manzoni exhibe Artist's Shit , latas que supuestamente contienen sus propias heces (aunque dado que la obra se destruiría si se abriera, nadie ha podido decirlo con seguridad). Puso las latas a la venta por su propio peso en oro. También vendió su propio aliento (envuelto en globos) como Cuerpos de Aire y firmó los cuerpos de las personas, declarándolos así obras de arte vivientes para todos los tiempos o para períodos específicos. (Esto depende de cuánto estén dispuestos a pagar). Marcel Broodthaers y Primo Levi se encuentran entre las "obras de arte" designadas.
1962: El artista Barrie Bates se renombra a sí mismo como Billy Apple , borrando su identidad original para continuar su exploración de la vida cotidiana y el comercio como arte. En esta etapa, muchas de sus obras son fabricadas por terceros. [33]
1962: Obra del Telón de Acero de Christo . Se trata de una barricada de barriles de petróleo en una calle estrecha de París que provocó un gran atasco. La obra de arte no era la barricada en sí, sino el atasco de tráfico resultante.
1962: Yves Klein presenta Sensibilidad pictórica inmaterial en diversas ceremonias a orillas del Sena. Ofrece vender su propia "sensibilidad pictórica" (sea lo que sea, no la definió) a cambio de pan de oro. En estas ceremonias, el comprador entregaba a Klein el pan de oro a cambio de un certificado. Como la sensibilidad de Klein era irrelevante, se pidió al comprador que quemara el certificado mientras Klein arrojaba la mitad del pan de oro al Sena. (Hubo siete compradores).
1962: Piero Manzoni crea La base del mundo , exhibiendo así el planeta entero como obra de arte.
1962: Alberto Greco inicia su serie Vivo Dito o Arte Vivo , que tuvo lugar en París, Roma, Madrid y Piedralaves. En cada obra de arte, Greco llamó la atención sobre el arte en la vida cotidiana, afirmando así que el arte era en realidad un proceso de mirar y ver.
1963: Se publica el artículo Concept Art de Henry Flynt en An Anthology of Chance Operations ; una colección de obras de arte y conceptos de artistas y músicos que fue publicada por Jackson Mac Low y La Monte Young (ed.). An Anthology of Chance Operations documentó el desarrollo de la visión de Dick Higgins del arte intermedio en el contexto de las ideas de John Cage y se convirtió en una de las primeras obras maestras anteriores a Fluxus . El "arte conceptual" de Flynt surgió de su idea de "nihilismo cognitivo" y de sus ideas sobre las vulnerabilidades de la lógica y las matemáticas.
1965: Una compleja obra de arte conceptual de John Latham llamada Still and Chew . Invita a los estudiantes de arte a protestar contra los valores del Arte y la Cultura de Clement Greenberg , muy elogiados e impartidos en la Escuela de Arte de Saint Martin en Londres, donde Latham enseñaba a tiempo parcial. Los estudiantes mastican las páginas del libro de Greenberg (tomadas prestadas de la biblioteca de la universidad), las disuelven en ácido y la solución resultante se devuelve a la biblioteca embotellada y etiquetada. Luego, Latham fue despedido de su puesto a tiempo parcial.
1965: con Show V, escultura inmaterial, el artista holandés Marinus Boezem introduce el arte conceptual en los Países Bajos. En el espectáculo, se colocan varias puertas de aire por donde la gente puede atravesarlas. La gente tiene la experiencia sensorial del calor, del aire. Tres puertas de aire invisibles, que surgen cuando corrientes de frío y calor entran en la habitación, están indicadas en el espacio con haces de flechas y líneas. La articulación del espacio que surge es el resultado de procesos invisibles que influyen en la conducta de las personas en ese espacio, y que son incluidas en el sistema como co-ejecutantes.
Joseph Kosuth data el concepto de Una y Tres Sillas en el año 1965. La presentación de la obra consta de una silla, su fotografía y una ampliación de la definición de la palabra "silla". Kosuth eligió la definición de un diccionario. Se conocen cuatro versiones con diferentes definiciones.
1966: Concebido en 1966, The Air Conditioning Show of Art & Language se publica como artículo en 1967 en la edición de noviembre de Arts Magazine . [36]
1966: NE Thing Co. Ltd. (Iain e Ingrid Baxter de Vancouver) exhiben Bagged Place , el contenido de un apartamento de cuatro habitaciones envuelto en bolsas de plástico. El mismo año se registraron como sociedad anónima y posteriormente organizaron su práctica según modelos corporativos, uno de los primeros ejemplos internacionales de la "estética de la administración".
1967: Las primeras pinturas 100% abstractas de Mel Ramsden . La pintura muestra una lista de componentes químicos que constituyen la sustancia de la pintura. [37]
1967: La revista de arte estadounidense Artforum publica los párrafos sobre arte conceptual de Sol LeWitt . Los párrafos marcan la progresión del arte minimalista al conceptual.
1968: Lawrence Weiner renuncia a la realización física de su obra y formula su "Declaración de intenciones", una de las declaraciones de arte conceptual más importantes después de los "Párrafos sobre arte conceptual" de LeWitt. La declaración, que subraya su práctica posterior, dice: "1. El artista puede construir la pieza. 2. La pieza puede ser fabricada. 3. No es necesario construir la pieza. Siendo cada uno igual y consistente con la intención del artista, el La decisión sobre la condición recae en el síndico en el momento de la sindicatura."
Friedrich Heubach lanza en Colonia, Alemania, la revista Interfunktionen , publicación que destacó en proyectos de artistas. Originalmente mostró una influencia Fluxus, pero luego avanzó hacia el arte conceptual.
1969: Telepathic Piece de Robert Barry en la Universidad Simon Fraser, Vancouver, de la que dijo: "Durante la exposición intentaré comunicar telepáticamente una obra de arte, cuya naturaleza es una serie de pensamientos que no son aplicables al lenguaje o imagen."
1969: Vito Acconci crea Following Piece , en la que sigue a miembros del público seleccionados al azar hasta que desaparecen en un espacio privado. La pieza se presenta en forma de fotografías.
La revista inglesa Studio International publica el artículo de Joseph Kosuth "Art after Philosophy" en tres partes (octubre-diciembre). Se convirtió en el artículo más discutido sobre arte conceptual.
1970: El pintor John Baldessari exhibe una película en la que sitúa una serie de declaraciones eruditas de Sol LeWitt sobre el tema del arte conceptual con melodías populares como "Camptown Races" y "Some Enchanted Evening".
1970: Douglas Huebler expone una serie de fotografías tomadas cada dos minutos mientras conduce por una carretera durante 24 minutos.
1970: Douglas Huebler pide a los visitantes del museo que escriban "un secreto auténtico". Los 1.800 documentos resultantes se compilan en un libro que, según algunos, resulta una lectura muy repetitiva ya que la mayoría de los secretos son similares.
1971: Sistema social en tiempo real de Hans Haacke . Esta obra de arte sistémica detalla las propiedades inmobiliarias de los terceros propietarios más grandes de la ciudad de Nueva York. Las propiedades, en su mayoría en Harlem y el Lower East Side , estaban decrépitas y mal mantenidas, y representaban la mayor concentración de bienes raíces en aquellas áreas bajo el control de un solo grupo. Los pies de foto daban varios detalles financieros sobre los edificios, incluidas ventas recientes entre empresas propiedad o controladas por la misma familia. El museo Guggenheim canceló la exposición, afirmando que las implicaciones políticas abiertas de la obra constituían "una sustancia extraña que había entrado en el organismo del museo de arte". No hay pruebas que sugieran que los administradores del Guggenheim estuvieran vinculados económicamente a la familia objeto de la obra.
1972: Antonio Caro expone en el Salón Nacional de Arte (Museo Nacional, Bogotá, Colombia) su obra: Aquinocabeelarte (Aquí no cabe el arte), donde cada una de las letras es un cartel aparte, y debajo de cada letra está escrito el nombre de algún víctima de la represión estatal.
1972: Fred Forest compra un espacio en blanco en el periódico Le Monde e invita a los lectores a llenarlo con sus propias obras de arte.
General Idea lanza la revista File en Toronto. La revista funcionó como una especie de obra de arte colaborativa ampliada.
1973: Jacek Tylicki coloca lienzos en blanco u hojas de papel en el entorno natural para que la naturaleza cree arte.
1975–76: Art & Language en Nueva York publicó tres números de la revista The Fox . El editor fue Joseph Kosuth . Fox se convirtió en una plataforma importante para los miembros estadounidenses de Art & Language . Karl Beveridge, Ian Burn, Sarah Charlesworth , Michael Corris , Joseph Kosuth , Andrew Menard, Mel Ramsden y Terry Smith escribieron artículos que tematizaron el contexto del arte contemporáneo. Estos artículos ejemplifican el desarrollo de una crítica institucional dentro del círculo interno del arte conceptual. La crítica al mundo del arte integra razones sociales, políticas y económicas.
1976: ante problemas internos, los miembros de Art & Language se separan. El destino del nombre Art & Language permanece en manos de Michael Baldwin, Mel Ramsden y Charles Harrison.
1977: Kilómetro terrestre vertical de Walter De Maria en Kassel , Alemania. Se trataba de una varilla de latón de un kilómetro de largo que se hundió en la tierra de modo que nada permaneciera visible excepto unos pocos centímetros. Por lo tanto, a pesar de su tamaño, esta obra existe principalmente en la mente del espectador.
1982: La ópera Victorine de Art & Language se iba a representar en la ciudad de Kassel para la documenta 7 y se proyectaría junto con Art & Language Studio en el número 3 de Wesley Place Painted by Actors , pero la representación fue cancelada. [40]
1989: Se exhibe por primera vez Angola a Vietnam de Christopher Williams . La obra consta de una serie de fotografías en blanco y negro de especímenes botánicos en vidrio del Museo Botánico de la Universidad de Harvard , elegidos según una lista de los treinta y seis países en los que se tuvo conocimiento de que se produjeron desapariciones políticas durante el año 1985. .
1990: Ashley Bickerton y Ronald Jones incluidos en la exposición "Mind Over Matter: Concept and Object" de "artistas conceptuales de tercera generación" en el Whitney Museum of American Art. [41]
1991: Ronald Jones exhibe objetos y textos, arte, historia y ciencia arraigados en la sombría realidad política en Metro Pictures Gallery . [42]
1991: Charles Saatchi financia a Damien Hirst y al año siguiente expone en la Galería Saatchi su La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo , un tiburón en formaldehído en una vitrina.
1992: Maurizio Bolognini comienza a "sellar" sus Máquinas Programadas: cientos de ordenadores son programados y dejados funcionar hasta el infinito para generar flujos inagotables de imágenes aleatorias que nadie vería. [43]
1993: Matthieu Laurette estableció su certificado de nacimiento artístico al participar en un juego de televisión francés llamado Tournez manège (El juego de las citas), donde la presentadora le preguntó quién era, a lo que él respondió: "Un artista multimedia". Laurette había enviado invitaciones a una audiencia artística para ver el programa por televisión desde sus hogares, convirtiendo su puesta en escena del artista en una realidad interpretada.
1993: Vanessa Beecroft realiza su primera actuación en Milán, Italia, utilizando modelos para actuar como segunda audiencia en la exhibición de su diario de comida.
1999: Tracey Emin es nominada al Premio Turner . Parte de su exhibición es Mi Cama , su cama despeinada, rodeada de detritos como condones, bragas manchadas de sangre, biberones y sus pantuflas.
2003: damali ayo exhibe en el Centro de Arte Contemporáneo, Seattle, WA Flesh Tone #1: Skinned , un autorretrato colaborativo en el que pidió a mezcladores de pintura de ferreterías locales que crearan pintura para el hogar que combinara con varias partes de su cuerpo, mientras grababa. las interacciones. [45]
2004: El vídeo de Andrea Fraser Sin título , un documento de su encuentro sexual en una habitación de hotel con un coleccionista (el coleccionista aceptó ayudar a financiar los costos técnicos para representar y filmar el encuentro) se exhibe en la Galería Friedrich Petzel. Lo acompaña su obra de 1993 Don't Postpone Joy, or Collecting Can Be Fun , una transcripción de 27 páginas de una entrevista con un coleccionista en la que se ha eliminado la mayor parte del texto.
2005: Simon Starling gana el premio Turner por Shedboatshed , un cobertizo de madera que transformó en barco, flotó río abajo por el Rin y volvió a convertirlo en cobertizo. [46]
2005: Maurizio Nannucci crea la gran instalación de neón Todo el arte ha sido contemporáneo en la fachada del Altes Museum de Berlín.
2019: Maurizio Cattelan vende dos ediciones de Comediante , que aparece como un conducto de plátano pegado a una pared, por 120.000 dólares cada una, atrayendo una importante atención de los medios. [47]
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Otras lecturas
Libros
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L'art conceptuel , exh.cat., París: ARC–Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 1989
Christian Schlatter, ed., Art Conceptuel Formes Conceptuelles/Conceptual Art Conceptual Forms , exh.cat., París: Galerie 1900–2000 y Galerie de Poche, 1990
Reconsiderando el objeto de arte: 1965–1975 , exh.cat., Los Ángeles: Museo de Arte Contemporáneo, 1995
Conceptualismo global: puntos de origen, décadas de 1950 a 1980 , exh.cat., Nueva York: Queens Museum of Art, 1999
Sistemas abiertos: repensar el arte c. 1970 , exh.cat., Londres: Tate Modern, 2005
Arte y lenguaje incompleto: la colección Philippe Méaille, MACBA Press, 2014
Años luz: arte conceptual y fotografía 1964-1977 , exh.cat., Chicago: Art Institute of Chicago, 2011
enlaces externos
Medios relacionados con el arte conceptual en Wikimedia Commons
Citas relacionadas con el arte conceptual en Wikiquote
Arte y lenguaje incompleto: la colección Philippe Méaille, MACBA
Sitio oficial del Castillo de Montsoreau-Museo de Arte Contemporáneo
Años luz: arte conceptual y fotografía, 1964-1977 en el Instituto de Arte de Chicago
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