El arte neoconceptual describe las prácticas artísticas de la década de 1980 y particularmente de la década de 1990 hasta la fecha que se derivan del movimiento de arte conceptual de las décadas de 1960 y 1970. Estas iniciativas posteriores han incluido a los conceptualistas de Moscú , los neoconceptualistas de los Estados Unidos como Sherrie Levine y los Jóvenes Artistas Británicos , en particular Damien Hirst y Tracey Emin [ cita requerida ] en el Reino Unido .
Muchos de los temas del movimiento del "arte conceptual" propiamente dicho han sido retomados por muchos artistas contemporáneos desde la ola inicial de artistas conceptuales. Si bien muchos de estos artistas no se consideran a sí mismos "artistas conceptuales", ideas como la antimercantilización, la crítica social y/o política, el arte digital y las ideas/información como medio siguen siendo aspectos del arte contemporáneo, especialmente entre los artistas que trabajan con arte informático , arte de instalación , arte de performance , net.art y arte electrónico . Muchos críticos y artistas pueden hablar de aspectos conceptuales de un artista o una obra de arte determinados, lo que refleja la influencia duradera que muchos de los artistas conceptuales originales han tenido en el mundo del arte.
La idea del arte neoconceptual (a veces posteriormente denominado arte postconceptual ) en los Estados Unidos fue claramente articulada por Tricia Collins y Richard Milazzo (trabajando como un equipo llamado Collins & Milazzo) a principios de la década de 1980 en la ciudad de Nueva York, [1] cuando dieron prominencia a toda una nueva generación de artistas a través de sus copiosos escritos y actividad curatorial. [2] Fueron sus exposiciones y escritos los que originalmente dieron forma al contexto teórico para un nuevo tipo de arte neo (o post) conceptual; uno que argumentaba simultáneamente contra el neoexpresionismo y el arte de la teoría de la imagen. [3] Fue a través de este contexto que el trabajo de muchos de los artistas asociados con el neoconceptualismo (o lo que algunos de los críticos llamaron reductivamente “simulacionismo” y “neo geo”) se reunió por primera vez: artistas como Ross Bleckner , James Welling , Steven Parrino , Richard Prince , Peter Nagy , Joseph Nechvatal , Sarah Charlesworth , Mark Innerst , Allan McCollum , Peter Halley , Jonathan Lasker , Haim Steinbach , Philip Taaffe , Robert Gober y Saint Clair Cemin . [4] [5]
Los conceptualistas moscovitas , en los años 1970 y 1980, intentaron subvertir la ideología socialista utilizando las estrategias del arte conceptual y el arte de apropiación . Las figuras centrales fueron Ilya Kabakov y Komar y Melamid . El grupo también incluía a Eric Bulatov y Viktor Pivovarov . [6]
Los Young British Artists (YBAs), liderados por Damien Hirst , cobraron prominencia en la década de 1990 y su trabajo fue descrito en ese momento como neoconceptual, [7] a pesar de que depende en gran medida del objeto artístico para generar su impacto. El término se utiliza en relación con ellos sobre la base de que el objeto no es la obra de arte, o es a menudo un objeto encontrado , que no ha necesitado habilidad artística en su producción. Tracey Emin es vista como una YBA líder y una neoconceptualista, a pesar de que ha negado serlo y ha enfatizado la expresión emocional personal. Charles Harrison, miembro del grupo de arte conceptual Art and Language en la década de 1970, critica el arte neoconceptual de la década de 1990 como arte conceptual "sin amenaza ni incomodidad" [8] y una perspectiva "vacía". [9] Otros artistas notables asociados con el neoconceptualismo en el Reino Unido incluyen a Martin Creed , Liam Gillick , Bethan Huws , Simon Patterson , Simon Starling y Douglas Gordon .
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1991: Charles Saatchi financia a Damien Hirst y al año siguiente en la Galería Saatchi expone su The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living , un tiburón en formol en una vitrina.
1993: Vanessa Beecroft realiza su primera performance en Milán, Italia, utilizando modelos que actúan como una segunda audiencia para la exhibición de su diario de comida.
1999: Tracey Emin es nominada al Premio Turner . Parte de su exposición es My Bed , su cama desordenada, rodeada de desechos como condones, bragas manchadas de sangre, botellas y sus pantuflas.
2001: Martin Creed gana el Premio Turner por la obra nº 227: Las luces se encienden y se apagan , una habitación vacía donde las luces se encienden y se apagan. [10]
2005: Simon Starling gana el Premio Turner por Shedboatshed , un cobertizo de madera que había convertido en un barco, flotando por el Rin y convirtiendo nuevamente en un cobertizo. [11]
En Gran Bretaña , el ascenso a la prominencia de los Jóvenes Artistas Británicos (YBAs) después de la muestra Freeze de 1988 , comisariada por Damien Hirst, y la posterior promoción del grupo por parte de la Galería Saatchi durante la década de 1990, generó una reacción mediática, donde las frases "arte conceptual" y "neoconceptual" pasaron a ser términos de burla aplicados a gran parte del arte contemporáneo . Esto se vio amplificado por el Premio Turner , cuyos nominados más extremos (entre los que destacaban Hirst y Emin) causaban una controversia anual.
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El grupo de artistas Stuckist , fundado en 1999, se autoproclamó "pro-pintura figurativa contemporánea con ideas y anti-arte conceptual, principalmente por su falta de conceptos". También lo calificaron de pretencioso, "poco destacable y aburrido" y el 25 de julio de 2002 depositaron un ataúd fuera de la galería White Cube , marcado como "La muerte del arte conceptual". [12] [13] Organizaron manifestaciones anuales fuera del Premio Turner.
En 2002, Ivan Massow , presidente del Instituto de Arte Contemporáneo, calificó el arte conceptual de "baratija pretenciosa, autocomplaciente y sin habilidad" y de estar en "peligro de desaparecer por su propio trasero... liderado por zares culturales como Sir Nicholas Serota de la Tate" . [14] Massow se vio obligado a dimitir. A finales de año, el ministro de Cultura, Kim Howells (graduado de la escuela de arte) denunció el Premio Turner como "una mierda fría, mecánica y conceptual". [15]
En octubre de 2004, la Galería Saatchi dijo a los medios que "la pintura sigue siendo la forma más relevante y vital que los artistas eligen para comunicarse". [16] Después de esto, Charles Saatchi comenzó a vender obras destacadas de su colección YBA.