Cildo Meireles (nacido en 1948) es un artista conceptual , artista de instalaciones y escultor brasileño . Es conocido especialmente por sus instalaciones, muchas de las cuales expresan la resistencia a la opresión política en Brasil. Estas obras, a menudo grandes y densas, fomentan una experiencia fenomenológica a través de la interacción del espectador.
Meireles nació en Río de Janeiro en 1948. Desde temprana edad, Meireles mostró un gran interés por el dibujo y las relaciones espaciales . Estaba especialmente interesado en cómo se había explorado esto en el cine de animación. [1] Su padre, que alentó la creatividad de Meireles, trabajaba para el Servicio de Protección Indígena y su familia viajó mucho por el Brasil rural. [2]
En una entrevista con Nuria Enguita, Meireles describió una época en la que tenía “siete u ocho años” y vivía en el campo que tuvo un gran impacto en él. Dijo que se sorprendió al ver a un hombre pobre que deambulaba entre los árboles. Al día siguiente, el joven Meireles fue a investigar, pero el hombre ya no estaba y solo quedaba una pequeña pero perfecta cabaña que aparentemente el hombre había construido la noche anterior. Meireles dijo que esta cabaña “fue quizás lo más decisivo para el camino que siguió en la vida... La posibilidad que uno tiene de hacer cosas y dejárselas a otros”. [3]
Durante su estancia en el Brasil rural, Meireles aprendió las creencias del pueblo tupí , que más tarde incorporó a algunas de sus obras para destacar su marginación o desaparición total de la sociedad y la política brasileñas. [4] Entre las instalaciones que contienen alusiones a los tupí se encuentran Southern Cross (1969-70) y Olvido (1990). Meireles cita la emisión de radio de Orson Welles de 1938 La guerra de los mundos como una de las mayores obras de arte del siglo XX porque "disolvió a la perfección la frontera entre el arte y la vida, la ficción y la realidad". [1] Recrear este concepto de participación total de la audiencia fue un objetivo artístico importante de Meireles que se ve en toda su obra.
Comenzó sus estudios de arte en 1963 en la Fundación Cultural del Distrito Federal en Brasilia , con el pintor y ceramista peruano Félix Barrenechea. [5] A fines de la década de 1960, Meireles descubrió la obra de Hélio Oiticica y Lygia Clark , lo que lo introdujo al movimiento neoconcreto brasileño. [6] Estos artistas, así como Meireles, estaban preocupados por difuminar la frontera entre lo que es arte y lo que es vida, y responder a las situaciones políticas actuales dentro de sus piezas. [1]
Meireles participó sin querer en una manifestación política en abril de 1964, cuando tenía dieciséis años. Ha dicho que ese momento fue su "despertar político" y comenzó a interesarse por la política estudiantil. [6] En 1967 se mudó a Río de Janeiro y estudió en la Escola Nacional de Belas Artes . [7]
Meireles actualmente vive y trabaja en Río de Janeiro. [2]
Meireles ha afirmado que el dibujo fue su principal medio artístico hasta 1968, cuando abandonó por completo el dibujo expresionista a favor del diseño de cosas que quería construir físicamente. [6] Un tema que exploró especialmente en su arte fue el concepto de lo efímero y lo no-objetal, el arte que solo existe con la interacción, lo que lo impulsó a crear piezas de instalación o arte situacional. [1] Esto lo llevó a su proyecto Espacios Virtuales , que comenzó en 1968. Este proyecto estaba "basado en los principios euclidianos del espacio" y buscaba mostrar cómo los objetos en el espacio pueden definirse por tres planos diferentes. Modeló este concepto como una serie de entornos hechos para parecer esquinas en habitaciones. [6]
Tras el golpe militar de 1964, Meireles se involucró en el arte político. Cuando Meireles estaba "empezando como artista", la censura gubernamental de varias formas de medios, incluido el arte, era algo habitual en Brasil. [8] Meireles encontró formas de crear arte que fuera subversivo pero lo suficientemente sutil como para hacerlo público inspirándose en el arte dadaísta, que, según él, tenía la capacidad de parecer "dócil" e "irónico". [8] A principios de la década de 1970, desarrolló un proyecto de arte político que tenía como objetivo llegar a un público amplio evitando la censura llamado Inserciones en circuitos ideológicos , que continuó hasta 1976. Muchas de sus piezas de instalación desde entonces han abordado temas políticos, aunque ahora su arte es "menos abiertamente político". [8]
Fue uno de los fundadores de la Unidad Experimental del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro en 1969 y en 1975, editó la revista de arte Malasartes . [7]
En 1999, Meireles fue distinguido con el Premio Príncipe Claus y en 2008 ganó el Premio Velázquez de Artes Plásticas, otorgado por el Ministerio de Cultura de España. [9]
Una exploración a gran escala, en tres salas, de un entorno completamente rojo. [10] El título de la instalación hace referencia tanto al concepto científico de cambio cromático (o aberración cromática ) como a la idea de un "cambio" como desplazamiento o desviación. [11]
La primera sala, llamada Impregnación , tiene aproximadamente 50 m2 y está llena de objetos domésticos cotidianos en una variedad de diferentes tonos de rojo. El efecto es una saturación visual abrumadora del color. Al entrar en la sala, el participante experimenta un shock inicial por la inundación visual de rojo. Dan Cameron escribe que "la mirada de uno se ve literalmente frustrada en un esfuerzo por obtener una comprensión de la especificidad de las cosas". [12] Debido a su falta de diferenciación cromática, el entorno parece carecer de profundidad. Cameron sostiene que cuanto más tiempo permanece un participante en la sala, más consciente se vuelve del impacto psicológico negativo e inquietante que el color tiene sobre él. [13]
La segunda sala se llama Spill/Environment y consiste únicamente en un gran charco de tinta roja derramada desde una pequeña botella en el suelo, lo que evoca asociaciones mentales con la sangre. La cantidad de líquido en el suelo en comparación con la cantidad que podría contener la botella es desproporcionada. El enrojecimiento del suelo se extiende por toda la pequeña sala hasta el borde de la tercera sala oscura, un efecto que se presta a sentimientos de aprensión e incertidumbre.
La tercera sala, Shift , contiene un lavabo fijado a la pared en un ángulo de 30° iluminado por un haz de luz cenital directo. Un chorro rojo cae en el lavabo desde un grifo, también en un ángulo de 30°, lo que permite que el líquido se acumule en el fregadero antes de vaciarse. Las sensaciones de perturbación experimentadas por el participante a lo largo de la instalación culminan en esta última sala. Como la sala está completamente a oscuras, el foco de atención se centra únicamente en el lavabo. [13] Si bien las connotaciones de sangre que aparecen a lo largo de la instalación son al principio bastante vagas, como en la saturación inicial de rojo en la primera sala y en el derrame de tinta de la segunda sala, en la tercera sala esta asociación con la sangre se vuelve mucho más explícita, creando una reacción final y visceral al color dentro del participante.
La historiadora de arte Anne Dezeuze ha comentado que la instalación "cinematográfica" en su conjunto articula una cierta sensación de amenaza en los participantes debido a la intensa repetición del color rojo a lo largo de las tres salas. [14] Como la mayoría de las otras obras de Meireles, Red Shift adquiere matices políticos cuando se examina a la luz de la dictadura militar de Brasil que perduró durante la creación y exhibición de esta pieza. [13] Por ejemplo, el líquido rojo que se vierte en el lavabo ha sido visto por algunos historiadores de arte como una representación visual de la sangre de las víctimas asesinadas por las autoridades gubernamentales. [13]
Una escultura minimalista, a escala liliputiense: Meireles la llama un ejemplo de “humiliminimalismo”, una humilde forma de minimalismo. Quería que fuera aún más pequeño, "pero cuando [lo] lijó hasta [sus] uñas, [perdió] la paciencia y se detuvo en nueve milímetros". A diferencia de la mayoría de las esculturas minimalistas, no es un mero objeto, sino que está destinado a ser tan ricamente simbólico, sensual y potente como un amuleto. [15] Cada mitad del diminuto cubo de 9 mm por 9 mm por 9 mm está hecha de pino y roble. Estos dos tipos de madera son considerados sagrados por el pueblo tupi de Brasil. [16] El título se refiere a una región geográfica (y metafísica) no oficial que se encuentra al oeste de Tordesillas . Según Meireles en una declaración que hizo sobre la obra de arte en 1970, esta región es "el lado salvaje, la jungla en la cabeza, sin el brillo de la inteligencia o la razón... nuestros orígenes". Es un lugar donde "solo hay verdades individuales". [13] En la misma declaración, señala que quiere que Southern Cross sea percibida como una representación física de la memoria de los tupi ("pueblo cuya historia es "leyendas y fábulas") y una advertencia a la modernidad sobre la creciente confianza en sí misma de lo primordial que eventualmente resultará en una superación de lo urbano por lo natural. [13] La declaración de Meireles también es política. Es una advertencia contra la indiferencia, especialmente contra la indiferencia hacia la menguante población indígena de Brasil. El pequeño cubo está destinado a ser colocado solo en el medio de una habitación vacía para enfatizar la realidad y el poder de los sistemas de creencias indígenas en el contexto del modernismo eurocéntrico.
Un proyecto artístico con matices políticos que fue diseñado para llegar a un público masivo. Este proyecto se manifestó de múltiples maneras, dos de las más conocidas fueron el proyecto Coca-Cola y el proyecto Banknote . Inserciones en circuitos ideológicos se basó en tres principios definidos por Meireles: 1) En la sociedad hay ciertos mecanismos de circulación (circuitos); 2) estos circuitos encarnan claramente la ideología del productor, pero al mismo tiempo son pasivos cuando reciben inserciones en el circuito; 3) y esto ocurre siempre que las personas los inician. [13] El objetivo de Inserciones... era literalmente insertar algún tipo de contrainformación o pensamiento crítico en un gran sistema de información circulante. Meireles insertó algo que es físicamente lo mismo, aunque ideológicamente diferente, en un sistema preexistente para contrarrestar el circuito original sin interrumpirlo. El proyecto se llevó a cabo mediante la impresión de imágenes y mensajes en varios artículos que ya circulaban ampliamente y que tenían un valor que disuadía su destrucción, como las botellas de Coca-Cola (que se reciclaban a través de un sistema de depósito) y los billetes. Meireles serigrafió textos en las botellas de Coca-Cola que se suponía que alentarían al comprador a tomar conciencia de su papel personal en una sociedad consumista. [13] El proyecto transmitía simultáneamente mensajes antiimperialistas y anticapitalistas. Partiendo de ese concepto, Meireles también utilizó el dinero como tema y produjo sus propios billetes y monedas de réplica (1974-1978) que parecían muy similares a la moneda brasileña y estadounidense genuina, pero con denominaciones cero claramente escritas en ellas, por ejemplo, Zero Dollar . [17] [18] Mieireles también escribió críticas al gobierno brasileño en los billetes, como "¿Quién mató a Herzog?" (en referencia al periodista Vladimir Herzog ), "¡Yanquis, váyanse a casa!" y "Elecciones directas". [6] [14]
Una estructura laberíntica que invita al visitante a caminar sobre ocho toneladas de vidrio roto. [19] El laberinto está compuesto de "cuerdas de terciopelo de museo, barreras de calle, vallas de jardín, persianas, barandillas y acuarios" y en el centro hay una bola de celofán de tres metros. [20] Meireles señala que una parte esencial de Through es la sensación de malestar psicológico que surge de la comprensión por parte del participante de las diferentes capacidades sensoriales y capacidades entre los ojos y el cuerpo. [13] Por ejemplo, los ojos pueden ver a través de las partes de vidrio de la obra, pero el cuerpo tiene impedimentos físicos para atravesar partes del espacio. Además, el sonido del vidrio crujiendo bajo los pies mientras se navega por el laberinto puede resultar desagradable. Quería que el participante experimentara la tensión psicológica entre la apreciación de lo sonoro y la apreciación de lo visual. La obra, dice Meireles, "se basa en la noción de un exceso de obstáculos y prohibiciones". [13] Meireles se inspiró en parte para esta instalación en el escritor Jorge Luis Borges , cuya temática a veces incluía el concepto de laberinto . Meireles también quería que el participante experimentara sentimientos de conciencia y atención que surgen al caminar por un laberinto. [1]
Una torre de cientos de radios, cada una apenas audible y sintonizada en estaciones de diferentes idiomas para evocar resonancias de la Torre de Babel en la Biblia . [21] En la historia, antes de la destrucción de la Torre de Babel por Dios, cada persona en la Tierra hablaba el mismo idioma. Babel de Meireles reconoce la multiplicidad de lenguaje que resultó de la destrucción de la Torre en la historia. La obra de arte contradice la noción de un lenguaje universal, enfatizando que la búsqueda de lo común es inútil. Paul Herkenhoff señala que Babel también tiene un significado autobiográfico para Meireles, ya que la radio era un método común de comunicación generalizada en Brasil durante la juventud del artista. [22] La obra también habla de la globalización. Meireles establece un paralelo entre la unidad de la humanidad antes de la caída de la Torre de Babel y la unidad actual que ha resultado de la globalización a pesar de numerosas barreras lingüísticas.
Meireles considera que su primera exposición tuvo lugar en 1965, cuando uno de sus lienzos y dos de sus dibujos fueron aceptados por el Segundo Salão Nacional de Arte Moderna en Brasilia. [13]
En 1999, el New Museum of Contemporary Art de Nueva York presentó una retrospectiva de su obra, que luego viajó al Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro y al Museo de Arte Moderno de São Paulo . Junto con la exposición, Phaidon Press publicó un libro titulado Cildo Meireles (1999).
La primera presentación extensa de la obra del artista en el Reino Unido se inauguró en la Tate Modern en octubre de 2008. Meireles fue el primer artista brasileño en recibir una retrospectiva completa de la Tate . [4] Esta exposición luego se trasladó al Museu d'Art Contemporani de Barcelona, y más tarde al Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) en la Ciudad de México hasta el 10 de enero de 2010.
De marzo a julio de 2014 se presentó una gran retrospectiva de la obra de Meireles en HangarBicocca de Milán . Presentó doce de sus obras más importantes. [23] Otra importante retrospectiva tuvo lugar en SESC Pompeia de septiembre de 2019 a febrero de 2020. En la exposición titulada "Entrevendo" (Mirando) se exhibieron muchas de sus instalaciones más notables y se creó un importante catálogo para la exposición. [24]