Phyllis Mark fue una artista moderna estadounidense (20 de enero de 1921 - 23 de mayo de 2004). Fue una de las principales defensoras de la escultura cinética , obras rotativas de interior accionadas por motores y obras de exterior impulsadas por el viento o el agua. Mark también tenía un interés duradero por la luz. Primero generó luz dentro de la propia obra, utilizando pequeñas bombillas eléctricas. Posteriormente comenzó a trabajar en metal pulido, creando interacciones entre la obra, sus reflejos y las sombras proyectadas. Fue una de las primeras defensoras de las ediciones escultóricas, primero a pequeña escala, su Escultura para llevar , arte concebido como joyería, y más tarde en sus obras cinéticas más grandes. A lo largo de su carrera, Mark exploró conceptos en su arte junto con la abstracción pura . Un ejemplo importante en dos dimensiones es una forma de escritura con imágenes que ella denominó Alfabeto de colores . En sus esculturas, los intereses conceptuales, siempre implícitos, se volvieron cada vez más explícitos con el tiempo. Al final de su carrera ejecutó una serie de obras a gran escala, fotografió la obra y su lugar previsto y la "ubicó" en fotomontaje . [1]
Mark nació en la ciudad de Nueva York y centró su carrera allí. Estudió con Grace Greenwood , una pintora realista social del ' New Deal ' activa en la WPA , y con Seymour Lipton , un importante defensor de la escultura expresionista abstracta , ambos en The New School . [2] Fritz Glarner era amigo de la familia y fue una caja de resonancia y mentor en etapas importantes de su carrera.
Mark comenzó su carrera como pintora figurativa expresionista a principios de la década de 1950. Posteriormente en esa década y principios de los 60, su pintura se volvió cada vez más abstracta, tendiendo a formas que evocan plantas y formas de vida primitivas, el llamado Biomorfismo . La evolución de la pintura de Mark en estos años se puede rastrear en tres exposiciones individuales en su ciudad natal de Nueva York, la primera en la Verna Wear Gallery, 1957, la segunda y tercera en la Kaymar Gallery, 1962 y 1964. [3]
A mediados de los años 60, Mark experimentó por primera vez con relieves en madera. La mayoría de estos relieves tenían una forma biomórfica negra elevada sobre un fondo blanco. Algunos escondieron pequeñas luces detrás del relieve, otros añadieron luces visibles. El relieve elevado y las luces añadidas transformaron las sombras de la obra de un elemento incidental y pasivo de instalación de galería a un elemento manipulado de composición: forma y sombra. La artista expuso obras de esta etapa en una muestra individual en la Ruth White Gallery, Manhattan, Nueva York, en 1966. [4]
Poco después de su exposición de 1966, Mark comenzó a trabajar en aluminio anodizado pulido. Estas esculturas continuaron con sus intereses biomórficos, pero las superficies pulidas de la escultura creaban sombras y reflejaban la luz: forma, sombra, reflejo. Los fabricantes produjeron estas obras según el diseño de la artista y bajo su supervisión. Algunas eran obras únicas, pero Mark comenzó en ese momento a encargar ediciones numeradas de sus diseños, "múltiplos". [5]
Las primeras esculturas cinéticas de Mark se movían sobre bases giratorias. En obras posteriores suspendió formas planas centrales dentro de uno o más marcos circulares, ovalados o rectangulares: los elementos interiores se movían dentro de sus marcos giratorios.
La escultura con elementos en movimiento, la escultura cinética, siguió siendo el interés rector de esta artista durante el resto de su carrera. Sus primeras esculturas cinéticas y de aluminio se exhibieron en la Galería Ruth White en 1968. [6]
A principios de la década de 1970, Mark concibió la idea de ejecutar sus diseños en miniatura como joyería, su Sculpture-to-wear . Un importante punto de inflexión en su carrera se produjo en 1972, cuando el Museo de Arte Moderno encargó una edición de 100 Esculturas para llevar, numeradas individualmente y de aluminio bañadas en oro de 23 quilates, para la venta en su tienda de regalos. A esta edición, titulada Kinetic Circle , le siguió un segundo encargo de tienda de regalos del MoMA, Quadrille , también una edición de 100 ejemplares chapados en oro. [7] De acuerdo con el MoMA, el artista fabricó estos mismos diseños en aluminio, sin chapar, en ediciones numeradas de 250, para su venta en otros lugares. En estos mismos años, el artista inició otros diseños de Escultura para llevar, ediciones de 100/250, incluidos Seahorse Oval , Aztec Memory , Arabesque , Enclosed Triangles , unos diez diseños en total. Estos estaban a la venta en sus exposiciones individuales y estaban en exhibición permanente en varias galerías, incluida Gimpel & Weitzenhoffer en Manhattan; Galería Fontana, Narberth, PA; Galería 99, Islas Bay Harbor, Florida; Galería de imágenes, Toledo, Ohio; y Galería Rubiner, Royal Oak, MI. [8]
Además de su escultura, Mark continuó sus primeros trabajos en dos dimensiones. Entre estas obras fue importante una serie de poemas visuales ejecutados en un alfabeto pictórico. Creó este lenguaje visual combinando composiciones pequeñas, simples y visualmente distintas, una para cada letra del alfabeto, y transcribiendo poemas y frases cortas a su equivalente visual. La secuencia de formas es difícil, casi imposible, de decodificar con fluidez hasta el original (para guiar al espectador, generalmente incluía el texto original a un lado o en los márgenes de la composición), pero la repetición de pronombres y preposiciones comunes es visualmente evidente. , y las agrupaciones de letras y patrones comunes del lenguaje introducen ritmos visuales que estructuran el conjunto. [9]
Las primeras grandes esculturas de metal de Mark, aunque no fueron concebidas explícitamente para exteriores, sí eran adecuadas para el exterior, y varias de ellas se exhibieron en la Elaine Benson Gallery, Bridgehampton, Nueva York, por primera vez en 1974. [10]
Poco después, Mark comenzó a explorar activamente el potencial cinético de los emplazamientos al aire libre. Completó y ubicó la primera de estas obras, Wind Intervals , bajo los auspicios de una colaboración de artistas sin fines de lucro activa en ese momento, Artists Representing Environmental Arts (AREA) y el Departamento de Asuntos Culturales de la ciudad de Nueva York . Wind Intervals estuvo en la isla Roosevelt de Nueva York de 1976 a 1983. [11]
Un ejemplo tardío de sus grandes esculturas cinéticas al aire libre, Pyramid Butterfly , 1985, estuvo en Robert Moses Plaza, Universidad Fordham en el Lincoln Center , desde la primavera de 1985 hasta el otoño de 1986. [12]
Hacia 1989 y durante toda la década de 1990, Mark ejecutó una serie de esculturas a gran escala, fotografió las obras y sus lugares previstos y las ubicó en fotomontajes. Estas esculturas y fotomontajes se exhibieron en una muestra individual titulada Improbable Sites en SOHO20 Gallery , Nueva York, NY, en 1990. [13] Este arte de sitio específico desarrolló las consideraciones conceptuales de forma artística y ubicación que ya estaban presentes, si menos explícito, en su trabajo con AREA
Museo de Arte Moderno (MOMA), Nueva York, NY. Materiales de archivo diversos. Smithsonian, Archives of American Art, artículos de Phyllis Mark, 1930-1977. Los documentos desde 1977 hasta el fallecimiento del artista permanecen actualmente en su patrimonio.
