Gillian Wearing CBE , RA (nacida el 10 de diciembre de 1963) es una artista conceptual inglesa , una de los Jóvenes Artistas Británicos y ganadora del Premio Turner en 1997. En 2007, Wearing fue elegida miembro vitalicio de la Real Academia de las Artes de Londres. [1] Su estatua de la sufragista Millicent Fawcett , conocida popularmente como "Colgando la ropa", se encuentra en la Plaza del Parlamento de Londres . [2]
Del 5 de noviembre de 2021 al 4 de abril de 2022, el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York exhibió Gillian Wearing: Wearing Masks , la primera retrospectiva de la obra de Wearing en América del Norte. [3] [4]
Wearing nació en 1963 en Birmingham , Inglaterra. [5] Asistió a la escuela secundaria Dartmouth High School en Great Barr , Birmingham. Se mudó a Chelsea, Londres para estudiar arte en la Chelsea School of Art y se instaló en Oval Mansions . [6] En 1987 obtuvo una licenciatura en tecnología en arte y diseño y en 1990 obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de Goldsmiths, Universidad de Londres . [5]
Wearing es conocida por su método de documentación de la vida cotidiana a través de la fotografía y el vídeo, en relación con la identidad individual en los espacios privados y públicos, donde Wearing difumina la línea entre realidad y ficción. [7] John Slyce ha descrito el método de representación de Wearing como "enmarcarse a sí misma como enmarca al otro". [8] Su trabajo en fotografía y vídeo parece a primera vista como la mayoría de los demás métodos periodísticos de documentación vistos en televisión y documentales, pero después de un examen más detallado se hace evidente que no se ajustan a las convenciones de los medios de comunicación de masas. [9] El trabajo de Wearing revela que la cámara no adopta una postura neutral hacia su objeto, sino que es más bien un poderoso órgano de los medios de comunicación de masas que rompe la división entre lo público y lo privado. [9] A principios de la década de 1990, Wearing comenzó a organizar exposiciones de fotografía en las que trabajaba con desconocidos. Hay un patrón recurrente en su trabajo en el que juega y se burla de la idea del artista como antropólogo, pero sus actividades antropológicas no se centran en descubrir una cultura extranjera, sino que desafían lo que creíamos que ya sabíamos. [10] Wearing considera que la antropología "intenta comprimir la subjetividad humana en objetividad científica". [11] Como dice John Slyce: "Gillian Wearing no sufre la indignidad de hablar en nombre de otros". [12] La forma en que Wearing aborda sus temas es invitando al individuo a incluir su propia articulación de pensamiento en la imagen dentro del espacio que ella ha proporcionado, en lugar de una documentación objetiva. [11] En una entrevista con Donna De Salvo, Wearing afirma:
"Para mí, uno de los mayores problemas de la fotografía documental pura es cómo el fotógrafo, al igual que el artista, diseña algo para que parezca una especie de declaración social; por ejemplo, puedes hacer que alguien parezca miserable, cuando esto es solo un lado, un matiz de su personalidad. Puede que simplemente esté mirando hacia otro lado, pero su expresión podría interpretarse como una muestra de depresión en su comportamiento general. No podía soportar la idea de tomar fotografías de personas sin saberlo". [13]
En su obra Signs that say what you want them to say and not Signs that say what someone else wants you to say (1992-1993), Wearing realizó una serie de retratos en los que se acercó a desconocidos que se encontraba en la calle y les pidió que escribieran lo que estaban pensando en un cartel. Wearing afirmó que "cuando volvían con algo que habían escrito, desafiaba [su] propia percepción de ellos". [14] A través de este ejercicio, personas de diferentes orígenes, religiones, edades y estatus sociales se unifican a través de la práctica artística ya que "de repente tienes que empezar a reevaluar a las personas". [13] Las fantasías del público de imponer sus propias interpretaciones a estos sujetos fotografiados se ven desafiadas y redirigidas por el papel que sostienen. [10] Este intercambio entre Wearing y los sujetos que fotografió transformó la práctica típicamente alienante de la fotografía de retrato en una pieza de conversación íntima, vinculando al fotógrafo con el sujeto y al público con el fotógrafo. [15]
En "Show Your Emotions" de Russell Ferguson, el uso que hace Wearing de la máscara se remonta a una tradición más antigua que se remonta al menos a la tragedia griega clásica: "Una en la que la máscara funciona no tanto para sustituir una identidad por otra como para borrar los aspectos superficiales de la apariencia física con el fin de revelar verdades más fundamentales". [16] En Confess todo en video. No te preocupes, estarás disfrazado. ¿Intrigado? Llama a Gillian (1994) es un video de 30 minutos de duración en el que Wearing reclutaba a extraños mediante la publicación de un anuncio en la revista Time Out y proporcionaba un espacio donde los participantes confesarían sus terrores y fantasías a la cámara, con su identidad protegida por máscaras de disfraces. [17] La máscara es un dispositivo recurrente en la obra de Wearing y funciona como protección, así como un aparato que empodera al portador; al hacer que sus identidades sean anónimas, les permite expresar su identidad sin restricciones. [11] Como espectador, el acceso a la verdad se disloca. [8] El uso de máscaras plantea esta naturaleza ficticia de la obra como un informe. [9] El uso de máscaras también cuestiona la autenticidad y cómo se puede fabricar la realidad. [8] Como dice Doris Krystof:
“Protegidos por máscaras, protegidos por su anonimato y protegidos por el libre reino del arte donde sus confesiones son registradas pero no juzgadas, donde no hay consecuencias que temer, ni ideologías ni intentos de apropiación con los que lidiar, los participantes pudieron disfrutar de una sensación de liberación y confianza en sus propias voces”. [18]
Trauma (2000) es una exploración más profunda de la confesión con una máscara. Los ocho participantes confiesan su trauma y la máscara que se les entrega refleja la edad en la que sufrieron el trauma, con la intención de transportar al espectador de regreso al "momento decisivo en la vida de quienes la llevan". [18] Lo intrigante de esta pieza es que parece que no es la primera vez que los participantes cuentan su historia debido a lo bien ensayada que parece. [18] Pero ese no es el caso, podría ser que hayan estado recitando el trauma que han experimentado en sus cabezas durante muchos años. [18]
En Homenaje a la mujer con la cara vendada que vi ayer por Walworth Road (1995), Wearing se cubre la cabeza con vendas blancas y camina en público. [10] Esta pieza se materializó después de que Wearing vislumbrara a una mujer que vio con la cabeza vendada mientras estaba en el auto de su amiga. [19] Al principio, Wearing quería pedir permiso para filmar a la mujer, aunque decidió cubrirse la cara con vendas y recrear lo que había visto. [19] Su caminata fue documentada discretamente desde atrás y había una cámara oculta instalada dentro de la máscara, capturando las horribles reacciones de los espectadores. Krystof Doris contextualiza el enfoque de Wearing: "La relación entre el observador y lo observado se establece primero, luego se invierte, pero siempre se cuenta desde la perspectiva del artista". [19] En 2003-2006, Gillian Wearing recreó fotografías de sus familiares que se encontraron en su álbum familiar. [20] Creó máscaras de silicona de su madre, su padre, su hermana, su tío y una máscara de ella misma con la ayuda de expertos que fueron entrenados en Madam Tussauds en Londres. [19] Comienzan creando la máscara en arcilla a partir de una imagen bidimensional en un objeto tridimensional. [20] En un artículo para The Guardian explica que el proceso lleva cuatro meses por máscara, y cómo al principio "algunas personas intentaron indicarme que usara prótesis, pero yo estaba firme en que tenía que ser una máscara, algo que me transformara por completo, algo que no fuera grotesco sino real, como un trampantojo". [19] Estas costosas máscaras de silicona se deterioran fácilmente después del uso, convirtiendo la sesión de fotos en un acto performativo donde la acción es irrepetible. [19] Este proceso se vuelve paradójico debido a las dificultades que se encuentran al recrear estas instantáneas casuales. [19] Este trabajo hace referencia al trabajo canónico en la historia de la fotografía de Cindy Sherman , aunque Wearing ha cambiado el enfoque para explorar su propia personalidad y sus relaciones subyacentes como una construcción social. [19] Las obras en Álbum entonces no necesariamente ponen a los miembros de la familia como el foco principal; más bien capturan el compromiso de Wearing con los miembros de la familia. [19]
" 60 Minutes Silence (1996)" es la pieza con la que Wearing ganó el Premio Turner en 1997. [21] Wearing utilizó una cámara fija y la pose fue muy larga, lo que dio lugar a un momento personal incómodo. [7] Al principio, la imagen parece un retrato grupal a contraluz de agentes de policía británicos, pero después de un examen más detallado, los ligeros movimientos que hacen revelan que, de hecho, se trata de un video. [7] En el texto de Krystof Doris "Máscaras, identidad y performatividad", explica que la relación de poder entre el espectador y lo visto (los agentes de policía) se invierte debido al escenario disciplinario que Wearing impuso al grupo de agentes de policía. [19] La individualidad de cada miembro comienza a afirmarse a medida que avanza la grabación y los agentes se convierten de manera concluyente en "seres humanos comunes". [19]
A principios de los años 1990, Wearing empezó a organizar exposiciones fotográficas que se basaban en la idea de fotografiar a desconocidos anónimos en la calle a quienes les había pedido que sostuvieran un trozo de papel con un mensaje. La serie se llamó Signs That Say What You Want Them To Say and Not Signs That Say What Someone. [22] Sobre estas piezas "confesionales", Wearing afirmó:
Decidí que quería que la gente se sintiera protegida cuando hablara de ciertas cosas de su vida que no querría que supiera el público que la conoce. Puedo entender ese tipo de aferrarse a las cosas; es parte de la sociedad británica guardarse las cosas. Siempre he pensado que Gran Bretaña es un lugar donde se supone que debes guardar tus secretos; nunca debes contárselo a tus vecinos ni a nadie. Las cosas están cambiando ahora, porque la cultura ha cambiado e Internet ha hecho que la gente se manifieste. Tenemos Facebook y Twitter donde la gente te cuenta pequeños detalles de su vida. [23]
En 1994, Wearing creó la provocativa película "Dancing in Peckham", donde se grabó a sí misma bailando en un concurrido centro comercial del sur de Londres y capturó las reacciones de los transeúntes para explorar la brecha entre la experiencia pública y privada. [24]
Una de las primeras exposiciones de Wearing en el Reino Unido se celebró en la galería Chisenhale en el este de Londres, en junio de 1997. En 1997, Wearing ganó el Premio Turner y exhibió videos como 60 minutes silence , que es un video de 26 policías uniformados, pero que a primera vista parece ser una fotografía. Wearing dijo: "La pieza trata sobre la autoridad, la moderación y el control". También exhibió Sacha and Mum, que muestra las emociones entre una madre y su hija. Wearing describió la pieza como: "Las cosas no se pueden finalizar, en lo que respecta a las emociones. Siempre están en agitación y pueden ir a dos polos opuestos". Cornelia Parker , Christine Borland y Angela Bulloch fueron las otras artistas preseleccionadas. [25]
A finales de los años 90, Wearing realizó un vídeo de tres canales titulado Drunk (1997-1999), en el que filmó a un grupo de bebedores callejeros que había conocido fuera de su estudio con un fondo fotográfico blanco como telón de fondo. Los bebedores aparecen en diferentes escenas, tanto de forma individual como en grupos. Se tambalean, se caen, discuten, pelean, duermen y, al final, uno de los hombres se pone de pie frente al fondo y orina.
En Broad Street (2001), Wearing documenta el comportamiento de los adolescentes típicos de la sociedad británica que salen de noche y beben grandes cantidades de alcohol. Wearing muestra a adolescentes de fiesta en varios clubes y bares a lo largo de Broad Street, Birmingham . Wearing sigue a estos adolescentes demostrando cómo el alcohol contribuye a su pérdida de inhibiciones, inseguridades y control. [26]
En 2003, Wearing causó controversia con su portada para el suplemento G2 de The Guardian, que consistía únicamente en las palabras escritas a mano "Fuck Cilla Black " . [27] La portada ilustraba un artículo de Stuart Jeffries quejándose de la crueldad de la televisión moderna.
Los temas de la televisión moderna se exploraron más a fondo en el proyecto de Wearing, Family History (2006), encargado por Film and Video Umbrella, y acompañado de una publicación sobre el proyecto. [28]
La muestra People (2005-2011) de Wearing en la galería Tanya Bonakdar en 2010 incluyó obras que abarcaban desde el vídeo hasta el retrato fotográfico, pasando por la instalación y la escultura. Snapshot (2005) es una serie de siete vídeos de proyección única enmarcados por una serie de pantallas de plasma de colores pastel, cada una de las cuales representa diferentes etapas del ciclo de vida femenino, desde la inocencia de la primera infancia hasta la vejez. [29]
Wearing también estrenó su primer largometraje este año: Self Made . El teórico cinematográfico David Deamer escribe que la película «es una paradoja. Y es la naturaleza de la paradoja lo que le da a la película su poder [...] La paradoja surge indirectamente, como consecuencia de los dos modos de narración de la película. Primer modo: documental. Los participantes –a través de su facilitador, Sam Rumbelow– exploran las técnicas del «método», el método de actuación, que les permitirá encontrarse con ellos mismos de nuevo y así generar su propia película «autoproducida». De esta manera, cada participante pasa a protagonizar su propio cortometraje, que, aunque está enmarcado en el documental de la directora Gillian Wearing, aparece como su propio momento de narración. Así pues, segundo modo: ficción». [30]
Wearing fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en los Honores de Cumpleaños de 2011 por sus servicios al arte. [31] Ese mismo año, estuvo entre los nombres de la lista de Blake Gopnik "Los 10 artistas más importantes de la actualidad". [32]
En 2012, se realizó una gran retrospectiva de su trabajo en la Whitechapel Gallery de Londres (marzo-junio de 2012), que examinó su carrera y estrenó nuevas películas y esculturas. [33] La exposición fue organizada con Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf y apoyada por Maja Hoffmann , Vicky Hughes y John Smith, y la Dra. Naomi Milgrom AO. [33] Ridinghouse publicó una monografía complementaria que incluía textos del curador Daniel Herrmann , Doris Krystof, Bernhart Schwenk y David Deamer. [34]
En 2013, Wearing presentó su exposición People: Selected Parkett Artists' Editions from 1984 to 2013 en Parkett Space, Zúrich, Suiza (9 de febrero-11 de marzo de 2013). [35]
El 30 de octubre de 2014 se inauguró su escultura A Real Birmingham Family frente a la Biblioteca de Birmingham . [36]
El 24 de abril de 2018, se inauguró su estatua de la sufragista Millicent Fawcett en la Plaza del Parlamento de Londres ; es la primera estatua de una mujer en la Plaza del Parlamento. [2] Esto convierte a Wearing en la primera mujer en crear una estatua que se encuentra en la Plaza del Parlamento. [37]
Del 5 de noviembre de 2021 al 4 de abril de 2022, el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York exhibió Gillian Wearing: Wearing Masks , la primera retrospectiva de la obra de Wearing en América del Norte. [3] [4]
Vive y trabaja en Londres con su pareja, el artista británico Michael Landy . [38]