Michael Kelley (27 de octubre de 1954 - c. 31 de enero de 2012) fue un artista estadounidense considerado uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo. [2] Su trabajo involucró objetos encontrados , pancartas textiles, dibujos , ensamblaje , collage , performance , fotografía, sonido y video . También trabajó en proyectos curatoriales; colaboró con muchos otros artistas y músicos; y dejó un formidable corpus de escritos críticos y creativos. A menudo trabajó en colaboración y produjo proyectos con los artistas Paul McCarthy , Tony Oursler y John Miller . En un artículo de 2012 en The New York Times , Holland Cotter describió al artista como "uno de los artistas estadounidenses más influyentes del último cuarto de siglo y un comentarista mordaz sobre la clase estadounidense, la cultura popular y la rebelión juvenil". [3]
Kelley nació en Wayne, Michigan , un suburbio de Detroit , en una familia católica romana de clase trabajadora en octubre de 1954. [4] [3] Su padre estaba a cargo del mantenimiento de un sistema de escuelas públicas; su madre era cocinera en el comedor ejecutivo de Ford Motor Company . [3] En sus primeros años estuvo involucrado con la escena musical de la zona, que generó bandas como Iggy and the Stooges , y fue miembro de la banda de noise Destroy All Monsters . En 1976, Kelley se graduó en la Universidad de Michigan y luego se mudó a Los Ángeles . [4] En 1978, se graduó en el Instituto de las Artes de California con una Maestría en Bellas Artes , donde admiró el trabajo de sus maestros John Baldessari , Laurie Anderson , David Askevold y Douglas Huebler y abrazó plenamente los ideales de las vanguardias. guardia. [5]
Durante su estancia en CalArts, Kelley comenzó a trabajar en una serie de proyectos en los que exploraba obras con temas poéticos sueltos, como The Sublime , Monkey Island y Plato's Cave, Rothko's Chapel, Lincoln's Profile , utilizando una variedad de medios diferentes como dibujo, pintura, escultura, performance, vídeo y escritura. En la década de 1980, se hizo conocido por trabajar con otro tipo de materiales: mantas de crochet, muñecos de tela y otros juguetes de trapo que se encontraban en tiendas de segunda mano y ventas de garaje. Quizás la obra más famosa en este sentido, Más horas de amor de las que jamás se puedan pagar y El salario del pecado, de 1987, presentaba un desorden de muñecos de trapo usados, animales y mantas esparcidas sobre un lienzo, una forma de dotar a una escena infantil ficticia de un patetismo visceral que se mostró por primera vez en la Galería Rosamund Felsen de Los Ángeles. [6] En 1988, Kelley creó una instalación llamada Pay for Your Pleasure, que presentaba una galería de retratos de hombres geniales (poetas, filósofos y artistas incluidos) subvertidos al final por una pintura creada por un criminal convicto. [7] En De mi institución a la suya (1988) y Propuesta para la decoración de una isla de salas de conferencias (1992), Kelley se apropió de dibujos fotocopiados y otros objetos efímeros del humor vernáculo de oficina y los trasladó a entornos más formalizados donde se utilizan materiales tan crudos. normalmente no se ve. [8] [9]
Kelley a menudo empleaba juguetes blandos y enredados como metáfora satírica del arte expresionista . En Deodorized Central Mass with Satellites (1991-1999), una instalación escultórica hecha de desordenados grupos de juguetes suspendidos del techo, una docena de esferas monocromáticas de peluche, unidas por un sistema de cables y poleas a través del techo, orbitan alrededor de un centro. , mancha con los colores del arcoíris; Diez grandes relieves de pared, facetados geométricamente y de colores brillantes, son en realidad dispensadores monumentales de ambientador con aroma a pino, que envían automáticamente su spray limpiador a la habitación a intervalos determinados. [10]
En 1995, produjo el Complejo Educativo , un modelo arquitectónico de las instituciones en las que había estudiado, incluida su escuela primaria católica y la Universidad de Michigan en Ann Arbor. [11] Según el Museo Whitney de Arte Americano , la inclusión selectiva de ubicaciones y características institucionales en la obra responde a "el creciente enamoramiento del público por cuestiones de síndrome de memoria reprimida y abuso infantil... La implicación es que cualquier cosa que pueda" Lo que no se recuerda es, de alguna manera, el resultado de un trauma". [12] En 1999, hizo un vídeo corto en el que Superman recita selecciones de La campana de cristal de Sylvia Plath . [13]
Kelley estaba en la banda Poetics con sus compañeros estudiantes del Instituto de las Artes de California, John Miller y Tony Oursler . [ cita necesaria ] . En 1997-1998, Kelley y Oursler presentaron el Proyecto Poética en Documenta X, así como en lugares de Los Ángeles, Nueva York y Tokio; A través de proyecciones de video, sonido y obras de arte, esta instalación recreó su experiencia en CalArts como miembros de una banda de corta duración. [14] Además de sus colaboraciones con Shaw y Oursler, Kelley también fue conocido por trabajar con el artista Paul McCarthy en la década de 1990. Colaboraron en una serie de proyectos de vídeo, incluido un trabajo de 1992 basado en el clásico libro infantil de Johanna Spyri , "Heidi". [7] Una presentación del Instituto de Tecnología de Massachusetts en 1986 de la actuación de Kelley Plato's Cave, Rothko's Chapel, Lincoln's Profile (1985) incluyó una actuación en vivo de Sonic Youth ; [14] Más tarde, la banda presentó sus criaturas tejidas de color naranja en la portada y el folleto de su disco de 1992, Dirty . [15] En 2010, se combinó con Artangel para realizar su primera obra de arte público en Detroit. [dieciséis]
En noviembre de 2005, Kelley representó Day is Done , llenando la Galería Gagosian con instalaciones multimedia similares a una casa de la risa, [17] que incluían muebles automatizados, así como películas de ceremonias de ensueño inspiradas en fotografías de concursos, partidos deportivos y teatro del anuario de la escuela secundaria. producciones. [18] En diciembre de 2005, el crítico de arte de Village Voice, Jerry Saltz, describió "Day is Done" como un ejemplo pionero de "estética clusterfuck", la tendencia hacia entornos multimedia sobrecargados en el arte contemporáneo. [19] "Day is Done" fue Kelley "Gesamtkunstwerk", este cuerpo de trabajo se inició con 'Extracurricular Activity Projective Reconstruction #1 (Domestic Scene), [20] el trabajo fue producido por Emi Fontana y exhibido por primera vez en su galería en Milán en 2000. Ese mismo año, Emi Fontana y Mike Kelley comenzaron una relación romántica que duró siete años y llevó a Fontana a mudarse a Los Ángeles.
Iniciado en 1999, [21] el proyecto Kandor se ocupa de la ciudad de Kandor , en el planeta Krypton del que el niño Kal-El escapó a la Tierra, donde se convirtió en Superman . [22] La representación de Kandor en estas narrativas es inconsistente y fragmentaria, lo que llevó a Kelley a crear múltiples versiones de la misma, fundidas en resinas coloridas e iluminadas como relicarios. [21] Kandor 4 (2007) incluye una campana de cristal gigante y una bomba compresora de aire. [23] La instalación Kandor-Con 2000 se presentó por primera vez en la exposición del milenio en el Kunstmuseum Bonn y más tarde en la Universidad Técnica de Berlín (2007), el Deichtorhallen /Sammlung Falckenberg, Hamburgo (2007); ZKM , Karlsruhe (2008); la Bienal de Shanghai (2008); y el Centro Pompidou , París (2010). Kandor-Con 2000 está concebida (y continúa desarrollándose) como un trabajo en progreso. A lo largo de las exposiciones, los estudiantes de arquitectura construyeron modelos de cartón de Kandor inspirados en los cómics originales. Estos modelos fueron enviados a Pasadena, donde Kelley hizo moldes a escala reducida. [24] Kandor 10A (2010), una ciudad amarilla alojada en una botella de vidrio rosa soplada a mano, es un grupo de altos rascacielos situados dentro de una gruta de roca a gran escala. Kandor 10B (Fortaleza de la Soledad Explotada) (2011) es un montón de rocas y losas oscuras que forman una cueva con un vestíbulo similar a una cantera hecho de roca negra falsa y construido a una escala que invita al espectador a entrar en la fortaleza prohibida. Ubicada dentro de los recovecos interiores de la cueva hay una ciudad en una botella de color rosa brillante. [25] [23] Kandor 12 , construido en resina blanquecina y que evoca un grupo de peones de ajedrez, o minaretes, está encerrado en una botella de color marrón oscuro, que se asienta sobre una plataforma que se asemeja a una columna griega colocada frente a un cofre. de cajones y una pared verde traslúcida iluminada. [21]
En 2004, la exposición y el catálogo de Kelley, "Mike Kelley: The Uncanny" en Tate Liverpool [26] y Mumok, presentaron el robot Andy Warhol de Andy Warhol . [27] Frieze (revista) escribe: "Siguiendo el ejemplo del resurgimiento de la escultura figurativa a finales de los 80 y principios de los 90, y el ensayo de Sigmund Freud 'The Uncanny' (1919), la exposición reúne obras de arte relacionadas con los maniquíes, principalmente desde la década de 1960 en adelante", incluyendo desde el antiguo Egipto hasta principios de la década de 2000. [28] En 'Lo siniestro' de Freud, escribe: "Puede ser cierto que lo siniestro no sea más que algo oculto y familiar que ha sufrido represión y luego ha emergido de ella". [29] Kelley explora "la memoria, el recuerdo, el horror y la ansiedad a través de la yuxtaposición de una colección muy personal de objetos con escultura figurativa realista". [26] Kelley comenta en su ensayo para la exposición que "las obras desarrollan vida propia en virtud de su existencia en el mundo fuera de mi control" y "tenía la intención de reelaborar el ensayo original de 'The Uncanny'". "Playing with Dead Things", en forma de diálogo para una obra de teatro, pero nunca llegó a hacerlo", similar a las insistencias de Warhol para su obra de teatro "No-Man Show" con Lewis Allen y Peter Sellars . [27] Kelley también hace referencia a Jack Burnham , quien escribe: "las tendencias liberalizadoras del arte moderno y los descubrimientos de la arqueología finalmente obligaron a los historiadores a considerar los méritos estéticos de [las figuras de sustrato como bellas artes] y una gama cada vez mayor de otras formas antropomórficas. ," [30] y Janine Chasseguet-Smirgel, quien comparte, "entre la vida y la muerte, criaturas animadas y mecánicas, criaturas híbridas y criaturas a las que dio a luz la arrogancia, todas ellas pueden ser fetiches". [31]
En 2009, Kelley colaboró con su viejo amigo y colega artista Michael Smith en "A Voyage of Growth and Discovery", un vídeo de seis canales y una instalación escultórica. [32] Esta pieza fue concebida en 2007 y curada por Emi Fontana , producida por el propio Kelley y West of Rome Public Art. [33] La obra se instaló por primera vez en el Centro de Escultura de Nueva York en 2009, en el Edificio Farley (antiguo estudio Kelley) para el Oeste de Roma en 2010, [34] y en el Centro BALTIC de Arte Contemporáneo en 2011.
El último vídeo de actuación del artista fue Vice Anglais de 2011. [22]
El trabajo de Kelley se inspiró en diversas fuentes como la filosofía , la política , la historia , la música underground , las artes decorativas y la expresión artística de la clase trabajadora . Su arte a menudo examinaba cuestiones de clase y género, así como cuestiones de normalidad, criminalidad y perversión. [ cita necesaria ]
Kelley vivió y trabajó en varios lugares de Los Ángeles, entre ellos el Edificio Farley en Eagle Rock . [32]
En 2018, la Fundación Mike Kelley colaboró con la popular marca de ropa urbana Supreme y lanzó una colección de ropa. Supreme destaca las imágenes icónicas de la Fundación Mike Kelley para las Artes, provenientes de obras como More Love Hours Than Can Ever Be Repaid y The Wages of Sin , Ahh…Youth! e Historia Reconstruida . La colección Supreme x Mike Kelley, que consta de una camisa de trabajo, una chaqueta de trabajo, una camisa de rayón, dos sudaderas con capucha, un suéter de cuello redondo, tres camisetas y ocho tablas de skate, se lanzó el 6 de septiembre de 2018. [35]
El 31 de enero de 2012, Kelley fue encontrado muerto por un aparente suicidio en su casa en South Pasadena, California . [36] [37] [38] [23] Se cree que lo hizo por depresión. [39] Se construyó un monumento espontáneo a Kelley en una cochera abandonada cerca de su estudio en la sección Highland Park de Los Ángeles poco después de la noticia de su muerte. Los dolientes fueron invitados a través de una página anónima de Facebook a "ayudar a reconstruir MÁS HORAS DE AMOR DE LAS QUE PUEDEN SER PAGADAS Y LA SALARIA DEL PECADO (1987), contribuyendo con juguetes de tela rellenos, afganos, maíz seco, velas de cera... construyendo un altar de sentimentalismo descarado. " El monumento estuvo activo durante todo febrero de 2012 y fue desmantelado a principios de marzo de 2012, y su contenido se entregó a la Fundación Mike Kelley. [40]
Kelley comenzó a realizar exposiciones individuales periódicas en Metro Pictures Gallery en Manhattan en 1982, y en Rosamund Felsen Gallery en Los Ángeles al año siguiente. Posteriormente comenzó a ganar reconocimiento fuera de Los Ángeles, a mediados de los años ochenta, con los objetos escultóricos y las instalaciones de la serie Half-a-Man . En 2005, tuvo su primera exposición individual en la Galería Gagosian de la ciudad de Nueva York, que lo representaba en el momento de su muerte. Una retrospectiva, "Mike Kelley: Catholic Tastes", apareció en el Museo Whitney de Arte Americano en 1993 y viajó a Los Ángeles y Munich; una segunda retrospectiva apareció en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona en 1997; y un tercero fue en la Tate Liverpool en 2004. [3] En 2006, su espectáculo "Profondeurs Vertes" se presentó en el Musée du Louvre (2006). Se llevó a cabo una importante exposición retrospectiva después de la reapertura del Museo Stedelijk de Ámsterdam en 2012, [41] [42] y viajó al MOCA de Los Ángeles en 2014. Las numerosas exposiciones colectivas en las que participó incluyen la Bienal del Whitney (1985, 1987). , 1989, 1991, 1993, 1995, 2002 y 2012), Bienal de Venecia (1988 y 1995), Carnegie International (1991), Documenta 9 y 10 (1992 y 1997) y Bienal SITE Santa Fe (2004). [14]
En 2012, el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit recibió una subvención para completar el proyecto inacabado de Kelley, Mobile Homestead , una réplica a gran escala de la casa del artista en los suburbios de Detroit. [43] La fachada desmontable de la casa, ubicada en un remolque legal para circular por la calle, está destinada a viajar de ciudad en ciudad albergando iniciativas de arte, educación y servicios sociales. Durante su exposición en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , Mobile Homestead organiza una serie de "activaciones de servicio público", incluido un taller de preparación de almuerzos dirigido por la Red Local Unida para Combatir el Hambre , una campaña de donación de Escuela sobre Ruedas , una Evento de Servicios de Sangre de la Cruz Roja y una reunión de inquilinos sobre control de alquileres organizada por el Proyecto de Derecho Humano a la Vivienda de Los Ángeles y la Red de Acción Comunitaria. [44]
El Watermill Center organizó una exposición premiada de instalaciones de vídeo y sonido de Kelley, así como obras de la serie "Kandor" en 2012. La exposición, "Mike Kelley: 1954-2012", fue votada como "Mejor espectáculo en un galería de beneficio o espacio alternativo" en 2012 por la Asociación Internacional de Críticos de Arte . [45] [46]
El 13 de octubre de 2013 se inauguró la exposición más grande de las obras de Kelley en el MoMA PS1 de la ciudad de Nueva York. [47] [48] La exposición titulada "Mike Kelley" incluyó más de 200 de sus piezas desde la década de 1970 hasta su muerte en 2012. Esta fue la exposición más grande de cualquier tipo que el MoMA había organizado desde 1976.
El 14 de diciembre de 2015, se publicó una selección de videos de Kelley, desde el atrevido y melancólico Superman recita selecciones de 'The Bell Jar' y otras obras de Sylvia Plath (1999) hasta el histrionismo amenazador de Extracurricular Activity Projective Reconstruction #1 (Domestic Scene). (2000), así como piezas colaborativas, como su exploración minimalista de las relaciones sadomasoquistas en 100 Reasons (1991), entre otras, se proyectarán en REDCAT en Los Ángeles. [49]
Una retrospectiva a gran escala, Ghost and Spirit , dedicada a Mike Kelley, se inauguró en la Bolsa de Comercio de París , Colección Pinault en 2023 (13 de octubre de 2023 - 19 de febrero de 2024). La exposición fue organizada por la Tate Modern de Londres en colaboración con la Colección Pinault de París, K21 – Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf y el Moderna Museet de Estocolmo y viajará a todos estos lugares después de París.
Durante la vida del artista, el editor de libros de arte alemán Benedikt Taschen y el empresario Kourosh Larizadeh, radicado en Los Ángeles, fueron los principales coleccionistas que compraron la obra de Kelley en profundidad. [50] En 2001, el propio Kelley donó tres obras de sus colegas artistas William Leavitt , Franz West y Jim Isermann al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. [51]
Museo Carnegie , Pittsburgh
Center Georges Pompidou , París
Instituto de Arte de Detroit , Detroit
Fonds National d'Art Contemporain
Fundación “la Caixa”, Madrid
Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Museo Louisiana, Humleback , Dinamarca
Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
Museo Abteiberg Mönchengladbach , Mönchengladbach, Alemania
Museum Moderner Kunst ,
Museo de Arte Contemporáneo de Viena ,
Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ,
Museo de Bellas Artes de Los Ángeles ,
Museo de Arte Moderno de Boston , Nueva York
Museo Solomon R. Guggenheim ,
Museo de Arte Statens de Nueva York ,
Stedelijke de Copenhague Museo , Eindhoven
Instituto de Arte de Chicago
Museo Van Abbe , Eindhoven
Walker Art Center , Cincinnati
Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York
2006 Premio Wolfgang Hahn, Sociedad de Arte Moderno, Museo Ludwig
2003 Beca de la Fundación John Simon Guggenheim Memorial
2000 Premio al alumno distinguido del Instituto de las Artes de California
1998 Premio al alumno distinguido de la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Michigan
1997 Medalla Skowhegan de técnica mixta
1990 Nacional Fondo para las Artes Programa de Museos Beca para Exposiciones
1987 Beca para Premios en Artes Visuales
1986 Beca Artists Space Interarts
1985 Fondo Nacional de las Artes Beca para Artistas Visuales
1984 Beca de la Fundación Louis Comfort Tiffany
La Fundación Mike Kelley para las Artes fue establecida por el artista en 2008 antes de su muerte y busca promover el trabajo filantrópico de Kelley a través de subvenciones para proyectos innovadores que reflejen su práctica artística multifacética. La Fundación también fomenta el legado del artista de manera más amplia y promueve la comprensión de su vida y sus logros creativos.
Las obras más caras del artista vendidas en subasta: