Joseph Kosuth ( / k ə ˈ s uː t , - ˈ s uː θ / ; nacido el 31 de enero de 1945) es un artista conceptual estadounidense , que vive en Nueva York y Londres, [1] después de haber residido en diversas ciudades de Europa, incluyendo Gante y Roma . [2] [3]
Nacido en Toledo, Ohio , Kosuth tenía una madre estadounidense y un padre húngaro. [4] (Un pariente, Lajos Kossuth , alcanzó notoriedad por su papel en la Revolución Húngara de 1848. ) Joseph Kosuth asistió a la Escuela de Diseño del Museo de Toledo de 1955 a 1962 y estudió de forma privada con el pintor belga Line Bloom Draper. [5] En 1963, Kosuth se matriculó en el Instituto de Arte de Cleveland con una beca. [6] Pasó el año siguiente en París y viajó por toda Europa y el norte de África. Se mudó a Nueva York en 1965 y asistió allí a la Escuela de Artes Visuales hasta 1967. [1] A partir de 1971 estudió antropología y filosofía con Stanley Diamond y Bob Scholte en la New School for Social Research de Nueva York. [7]
En la Escuela de Artes Visuales tuvo un impacto significativo cuando técnicamente era estudiante, influyendo en sus compañeros de estudios y en los profesores más tradicionales de la época, como Mel Bochner. A medida que la reputación de Kosuth crecía, Silas Rhodes, el fundador y presidente de la escuela, lo sacó del cuerpo estudiantil y le dio un puesto como maestro en 1967. Esto provocó una casi revuelta de la facultad, ya que había sido una presencia disruptiva. en opinión de muchos de los instructores, varios de los cuales se habían enfrentado con tristeza a su cuestionamiento de las presunciones básicas. Su ascenso a maestro también fue el resultado de las actividades externas de Kosuth, que incluyeron la cofundación del Museo de Arte Normal (dando la primera exposición a artistas como Robert Ryman, On Kawara, Hanne Darboven, entre otros) junto con el proselitismo. y organizar a los artistas en una dirección que luego se identificó como el movimiento de arte conceptual. A través de su arte, escritura y organización, enfatizó su interés en el proceso dialéctico de formación de ideas en relación con el lenguaje y el contexto. Introdujo la noción de que el arte, como él mismo lo expresó, "no era una cuestión de formas y colores sino de producción de significado". Sus escritos iniciaron una relectura del modernismo, iniciando una importante reevaluación de la importancia de Marcel Duchamp y señalando el cambio hacia lo que ahora identificamos, en el arte, como posmodernismo. Su análisis tuvo un gran impacto en su práctica como artista y, poco después, en la de otros. Durante este período también mantuvo sus intereses académicos. Su puesto en la Facultad, Departamento de Bellas Artes de la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York continuó hasta 1985. Desde entonces ha sido profesor en la Hochschule für Bildende Künste, Hamburgo, 1988-1990; y en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart , 1991-1997. Actualmente es profesor en la Kunstakademie Munich y en el Istituto Universitario di Architettura, Facultad de Diseño y Arte, en Venecia. Ha sido invitado como profesor invitado en diversas universidades e instituciones durante casi treinta años, algunas de las cuales incluyen: Universidad de Yale; Universidad de Cornell; Universidad de Nueva York; Universidad de Duke; UCLA; Artes Cal; Unión de Cooper; Instituto Pratt; El Museo de Arte Moderno de Nueva York; Instituto de Arte de Chicago; Real Academia, Copenhague; Museo Ashmoleon, Universidad de Oxford; Universidad de Roma; Kunstakademie de Berlín; Real Colegio de Arte, Londres; Escuela de Arte de Glasgow; La Galería Hayward, Londres; La Sorbona, París; El Museo Sigmund Freud, Viena.
Kosuth continuó su trabajo, escribiendo, exhibiendo y organizando exposiciones y rápidamente fue reconocido como uno de los pioneros del arte conceptual y el arte de instalación; iniciando trabajos basados en el lenguaje, así como trabajos basados en fotografías y estrategias de apropiación desde el inicio de su trabajo a mediados de la década de 1960. Su actividad ha explorado constantemente la producción y el papel del lenguaje y el significado dentro del arte. La investigación de casi treinta y cinco años de Kosuth sobre la relación entre el lenguaje y el arte ha tomado la forma de instalaciones, exposiciones en museos, encargos públicos y publicaciones en toda Europa, América y el Lejano Oriente, incluidas cinco Documenta(s) y cuatro Bienales de Venecia. ). Sus primeros trabajos, las Protoinvestigaciones, los realizó cuando sólo tenía veinte años y al estar considerados entre las primeras obras del movimiento de arte conceptual se incluyen en colecciones como The Museum of Modern Art, The Guggenheim, The Whitney, Center. Pompidou, La Tate Gallery, El Reina Sofía, Madrid, entre muchas otras, y constituyen un registro juvenil en la mayoría de estas importantes colecciones. La carrera de Joseph Kosuth incluye más de 170 exposiciones individuales en museos y galerías de todo el mundo, veintidós de ellas cuando tenía veinticinco años.
En 1989, Kosuth, junto con Peter Pakesch, fundaron la Fundación para las Artes como parte del Museo Sigmund Freud de Viena. Es el presidente de la fundación. La fundación se estableció en el 50 aniversario de la muerte de Sigmund Freud y es una sociedad de artistas comprometidos, a través de contribuciones de sus miembros, a formar una colección de arte contemporáneo en honor y en relevancia para Sigmund Freud. El espacio expositivo de la fundación se encuentra en las antiguas oficinas de Anna Freud en el Museo Sigmund Freud de Viena.
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Kosuth pertenece a una generación ampliamente internacional de artistas conceptuales que comenzó a surgir a mediados de la década de 1960, despojando al arte de la emoción personal, reduciéndolo a información o idea casi pura y restando importancia al objeto de arte. Junto con Lawrence Weiner , On Kawara , Hanne Darboven y otros, Kosuth concede especial protagonismo al lenguaje. [8] Su arte generalmente se esfuerza por explorar la naturaleza del arte en lugar de producir lo que tradicionalmente se llama "arte". Las obras de Kosuth son frecuentemente autorreferenciales . Comentó en 1969:
Las obras de Kosuth hacen referencia con frecuencia al psicoanálisis de Sigmund Freud y a la filosofía del lenguaje de Ludwig Wittgenstein . [2]
Su primera obra conceptual Leaning Glass , consistió en un objeto, una fotografía del mismo y definiciones de diccionario de las palabras que lo denotan. [7] En 1966, Kosuth también se embarcó en una serie de obras tituladas El arte como idea como idea , que incluían textos, a través de los cuales sondeó la condición del arte. Las obras de esta serie tomaron la forma de reproducciones fotostáticas de definiciones de diccionario [10] de palabras como "agua", "significado" e "idea". Acompañando a estas imágenes fotográficas hay certificados de documentación y propiedad (no para exhibición) que indican que las obras pueden realizarse y rehacerse con fines de exhibición. [11]
Una de sus obras más famosas es Una y tres sillas . La pieza presenta una silla física, una fotografía de esa silla y el texto de una definición del diccionario de la palabra "silla". La fotografía es una representación de la silla real situada en el suelo, en el primer plano de la obra. La definición, colgada en la misma pared que la fotografía, delinea con palabras el concepto de lo que es una silla, en sus distintas encarnaciones. En esta y otras obras similares, Four Colors Four Words y Glass One and Three , Kosuth presenta declaraciones tautológicas, donde las obras son literalmente lo que dicen que son. [12] Una colaboración con la cineasta independiente Marion Cajori, el 11 de septiembre de 1972 fue un retrato minimalista de la luz del sol en el estudio de Cajori. [13]
Su texto fundamental Arte después de la Filosofía , escrito en 1968-1969, tuvo un gran impacto en el pensamiento sobre el arte de la época y desde entonces ha sido visto como una especie de "manifiesto" del arte conceptual en la medida en que proporcionó el único marco teórico para la práctica en ese momento. (Como resultado, desde entonces ha sido traducido a 14 idiomas y incluido en una veintena de antologías). Para Kosuth, de veinticuatro años, que lo escribió, fue en realidad más bien un ataque de "agitprop" al formalismo greenbergiano. , lo que Kosuth vio como el último bastión del modernismo tardío e institucionalizado más que cualquier otra cosa. Para él también concluyó en ese momento lo que había aprendido de Wittgenstein -dosificado con Walter Benjamin, entre otros- aplicado a ese momento de transición en el arte.
A principios de la década de 1970, preocupado por su "etnocentrismo como artista masculino blanco", Kosuth se matriculó en la New School para estudiar antropología. Visitó las islas Trobriand en el Pacífico Sur (famosas gracias a los estudios del antropólogo Bronislaw Malinowski ) y los indios Huallaga en la Amazonía peruana. [6]
Para Kosuth, sus estudios de antropología cultural fueron una consecuencia lógica de su interés por la dimensión "antropológica" del Wittgenstein posterior. De hecho, fue el último Wittgenstein de La investigación (que por casualidad había leído primero) el que dio lugar a obras como Una y Tres sillas (entre otras influencias), no el Tractatus como suele suponerse. Su "trabajo de campo" antropológico fue organizado por él únicamente con el propósito de informar su práctica como artista. (Como les dijo a sus amigos en ese momento: "algunos artistas aprenden a soldar, otros regresan a la escuela".) A principios de la década de 1970, tenía una carrera reconocida internacionalmente y tenía veintitantos años. Descubrió que era, como él mismo dijo, "un artista masculino, blanco y eurocéntrico" y se sentía cada vez más incómodo cultural y políticamente con todo lo que parecía naturalmente aceptable en su ubicación. Su estudio de la antropología cultural (y fue la perspectiva de la Escuela Nueva de Vico, Rousseau y Marx la que le proporcionó una dirección fuera del contexto filosófico angoamericano) lo llevó a decidir pasar tiempo dentro de otras culturas, profundamente arraigadas en otras visiones del mundo. . Pasó un tiempo en la Amazonía peruana con los indios Yagua que vivían en lo profundo del lado peruano de la cuenca del Amazonas. También vivía en una zona de Australia a unos cientos de kilómetros al norte de Alice Springs con una tribu aborigen que, antes de ser reubicada cuatro años antes desde una zona más al norte, no sabía de la existencia de gente blanca. Más tarde, pasó un tiempo en las islas Trobriand con la tribu aborigen que Malinowski había estudiado y sobre la que había escrito. Desde el punto de vista de Kosuth, "sabía que nunca podría entrar en su realidad cultural, ni lo haría, pero quería experimentar la mía propia". Fue esta experiencia y estudio lo que condujo a su conocido texto El artista como antropólogo en 1975.
Colgados en las paredes, con su característico color gris oscuro, los grandes fotomontajes posteriores de Kosuth trazan una especie de autobiografía artística e intelectual. Cada uno consta de una fotografía de una de las obras o instalaciones más antiguas del artista, superpuesta en las esquinas superior e inferior por dos pasajes de prosa filosófica citados de intelectuales identificados sólo por sus iniciales (entre ellos se incluyen Jacques Derrida , Martin Buber y Julia Kristeva ). [14]
En 1992, Kosuth diseñó la portada del álbum Fragments of a Rainy Season de John Cale .
Dos años más tarde, Kosuth colaboró con Ilya Kabakov para producir El corredor de las dos banalidades , expuesta en el Centro de Arte Contemporáneo de Varsovia. Esta instalación incluyó 120 mesas seguidas para presentar un texto algo sintomático de las culturas de las que ambos provenían. [15]
Desde 1990 Kosuth también ha comenzado a trabajar en varias comisiones públicas permanentes. [16] A principios de la década de 1990, diseñó un monumento patrocinado por el gobierno al egiptólogo Jean Francois Champollion que descifró la Piedra Rosetta en Figeac ; en Japón, asumió la curaduría de una exposición que celebraba la inauguración de Barneys New York en Tokio ; y en Frankfurt, Alemania, y en Columbus, Ohio, concibió monumentos de neón al historiador cultural alemán Walter Benjamin . [6] En 1994, para la ciudad de Tachikawa , Kosuth diseñó Words of a Spell, para Noëma , un mural de 136 pies de largo compuesto por citas de Michiko Ishimure y James Joyce . [17]
Después de proyectos en edificios públicos como el Deutsche Bundesbank (1997), el Parlamento de Estocolmo (1998) y el Parlamento de la Región de Bruselas-Capital (1999), Kosuth recibió el encargo de proponer una obra para el recién renovado Bundestag en 2001. , diseñó una instalación de suelo con textos de Ricarda Huch y Thomas Mann para Paul Löbe Haus . [2] En 2003, creó tres instalaciones en el Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, empleando texto, material de archivo y objetos de la colección del museo para comentar sobre la política y la filosofía detrás de las colecciones del museo. [1] En 2009, la exposición de Kosuth titulada ni apparence ni ilusión ( Ni apariencia ni ilusión ), una obra de instalación a lo largo de las paredes del siglo XII del Palacio del Louvre, se inauguró en el Museo del Louvre en París y se convirtió en una obra permanente en octubre de 2012. En 2011, celebrando el trabajo de Charles Darwin , Kosuth creó una comisión en la biblioteca donde Darwin se inspiró para seguir su teoría de la evolución. Su obra en la fachada del Consejo de Estado de los Países Bajos se inaugurará en octubre de 2011 y actualmente trabaja en una obra permanente para las cuatro torres de la fachada de la Bibliothèque nationale de France en París, cuya finalización se espera para 2012. [18 ]
Kosuth ha enseñado ampliamente, como conferenciante invitado y como miembro del cuerpo docente de la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York (1967–85); Hochschule für bildende Künste Hamburgo (1988-1990); Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart (1991-1997); y la Academia de Bellas Artes de Múnich (2001-2006). Actualmente profesor en el Istituto Universitario di Architettura de Venecia, Kosuth se ha desempeñado como profesor invitado en diversas universidades e instituciones durante casi cuarenta años, algunas de las cuales incluyen: Universidad de Yale ; Universidad de Cornell : Universidad de Nueva York ; Universidad de Duke ; UCLA ; Artes Cal ; Unión de Cooper ; Instituto Pratt ; Museo de Arte Moderno de Nueva York, Instituto de Arte de Chicago, Real Academia de Copenhague; Museo Ashmolean , Universidad de Oxford; Universidad de Roma, Kunstakademie de Berlín; Real Colegio de Arte , Londres; Escuela de Arte de Glasgow ; Galería Hayward , Londres; La Sorbona , París; y el Museo Sigmund Freud de Viena. [19] Entre sus alumnos se encuentran, entre otros, Michel Majerus .
Kosuth se convirtió en el editor estadounidense de la revista Art & Language en 1969. [10] Más tarde fue coeditor de la revista The Fox en 1975-76 y editor de arte de Marxist Perspectives en 1977-78. [1] Además, ha escrito varios libros sobre la naturaleza del arte y los artistas, entre ellos Artista como antropólogo . En su ensayo "El arte después de la filosofía" (1969), [9] argumentó que el arte es la continuación de la filosofía , a la que veía en su fin. No pudo definir el arte en la medida en que tal definición destruiría su definición privada y autorreferencial del arte. Al igual que los situacionistas , rechazó el formalismo como ejercicio de estética , con su función de ser estético. El formalismo, dijo, limita las posibilidades del arte con un mínimo esfuerzo creativo por parte del formalista. Además, dado que el formalista pasa por alto el concepto, "la crítica formalista no es más que un análisis de los atributos físicos de objetos particulares que existen en un contexto morfológico". Sostiene además que el "cambio de la 'apariencia' a la 'concepción' (que comienza con el primer ready-made sin ayuda de Duchamp) fue el comienzo del 'arte moderno' y el comienzo del ' arte conceptual '". [9] Kosuth explica que las obras de arte conceptual son proposiciones analíticas. Son de carácter lingüístico porque expresan definiciones del arte. Esto los convierte en tautológicos . Art After Philosophy and After Collected Writings, 1966-1990 revela entre líneas una definición de "arte" que Joseph Kosuth quiso asegurarnos. "El arte es una proposición analítica del contexto, del pensamiento y de lo que hacemos, que el artista designa intencionalmente al hacer explícita la naturaleza implícita de la cultura, de lo que nos sucede, internalizando su 'explicidad' (haciéndola nuevamente, 'implícita'). ') y así sucesivamente, con el propósito de comprender que está continuamente interactuando y ubicado socio-históricamente. Estas palabras, como verdaderas obras de arte, son poco más que curiosidades históricas, pero el concepto se convierte en una máquina que hace que el arte sea beneficioso, modesto. , rústico, contiguo y humilde."
En 1969 Kosuth realizó su primera exposición individual en la Galería Leo Castelli de Nueva York. [20] Ese mismo año, organizó una exposición de su obra, Fifteen Locations, que tuvo lugar simultáneamente en quince museos y galerías de todo el mundo; También participó en la exposición fundamental de Arte Conceptual en la Galería Seth Siegelaub , Nueva York. [1] En 1973, el Kunstmuseum Luzern presentó una importante retrospectiva de su arte que viajó por Europa. En 1981, la Staatsgalerie Stuttgart y la Kunsthalle Bielefeld organizaron otra importante retrospectiva de Kosuth. Fue invitado a exponer en las documentas V, VI, VII y IX (1972, 1978, 1982, 1992) y en la Bienal de Venecia en 1976, 1993 y 1999. Continuó exponiendo en Venecia durante la Bienal a partir de 2011, con la Centro Cultural Europeo. Su exposición más reciente con esta organización fue en 2017, donde expuso en el Palazzo Bembo. [21] [22]
Para Quince personas presentan su libro favorito , una exposición montada en la Lannis Gallery de Nueva York en 1967, Kosuth reunió a sus colegas artistas Robert Morris , Ad Reinhardt , Sol LeWitt , Robert Mangold , Dan Graham , Robert Smithson , Carl Andre , Robert Ryman , entre otros. otros. Ese mismo año, con su colega artista Christine Kozlov , fundó el Museo de Arte Normal de Nueva York, mientras ambos eran estudiantes en la Escuela de Artes Visuales. Después de donar una obra en 1989 al Museo Sigmund Freud de Viena, Kosuth, fuertemente influenciado por Freud, invitó a otros artistas a hacer lo mismo; hoy el museo posee 13 obras de 13 conceptualistas influenciados por Freud. [23] También en 1989 Kosuth fue curador de la muestra Ludwig Wittgenstein Das Spiel des Unsagbaren para conmemorar el centenario del filósofo, en la que mostró numerosas obras de otros artistas. [2] La exposición se mostró en la Wiener Secession , Viena, y en el Palais des Beaux-Arts , Bruselas.
En respuesta al debate en torno a los ataques conservadores al Fondo Nacional de las Artes en 1990, [6] Kosuth organizó una exposición titulada "A Play of the Unmentionable" que se centraba en cuestiones de censura y utilizaba obras de la colección permanente del Museo de Brooklyn. Arte . [24] Seleccionó objetos de casi todos los departamentos del museo, incluidas pinturas religiosas, muchas representaciones de desnudos, sátira social y algo de erotismo; entre las obras seleccionadas se encontraban esculturas de Auguste Rodin de lesbianas abrazándose y muebles de la Bauhaus , la escuela de diseño alemana de vanguardia clausurada por los nazis . [6] Estos fueron luego yuxtapuestos con observaciones concisas y frecuentemente conmovedoras de varios escritores de una manera que enfatiza cómo las percepciones del arte cambian constantemente. Las etiquetas, a veces extensas, de las obras fueron escritas por sus curadores, mientras que las declaraciones tipográficas más grandes emanaron de varios historiadores del arte, filósofos y críticos sociales. [25]
Kosuth recibió una Beca de la Fundación Cassandra en 1968, a la edad de 23 años, como elección de Marcel Duchamp una semana antes de su muerte. En 1993 recibió la Mención de Honor en la Bienal de Venecia y fue nombrado Caballero del Orden de las Artes y las Letras . En 1999, en honor a su obra, el gobierno francés emitió un sello postal de 3 francos en Figeac. En 2001 recibió el doctorado Laurea Honoris Causa en Filosofía y Letras por la Universidad de Bolonia . En 2003, Kosuth recibió el más alto honor de la República de Austria por sus logros en ciencia y cultura: la Condecoración de Honor en Oro . [26] [27] En 2017, el Premio de Arte del Centro Cultural Europeo fue otorgado a Kosuth por su dedicación de toda la vida para crear significado a través del arte contemporáneo. [28] Otros premios incluyen el Premio Brandeis (1990) y el Premio Frederick Weisman (1991). La Addison Gallery of American Art (Andover, Massachusetts), el Fred Jones Jr. Museum of Art (Norman, Oklahoma), el Honolulu Museum of Art , el Center for International Light Art ( Unna , Alemania), el Musée d'art contemporain de Lyon (Lyon, Francia), la Galería Nacional de Victoria (Melbourne, Australia), el Museo de Arte de Saint Louis (St. Louis, Missouri), el Museo de Arte de la Universidad de Arizona (Tucson, Arizona) y el Museo Whitney of American Art (Nueva York) se encuentran entre los museos que albergan obras de Joseph Kosuth. [29]
'Un bosquejo biográfico', Fiona Biggiero, ed. 2003 Guía de Arte Contemporáneo, Edición Especial. Boston: Museo Isabella Stewart Gardner, Charta edizioni, 2003
