Una película muda es una película sin sonido grabado sincronizado (o, más generalmente, sin diálogo audible ). Aunque las películas mudas transmiten narrativa y emoción visualmente, varios elementos de la trama (como un escenario o una época) o líneas clave de diálogo pueden, cuando sea necesario, transmitirse mediante el uso de tarjetas entre títulos .
El término "película muda" es poco apropiado, ya que estas películas casi siempre iban acompañadas de sonidos en vivo. Durante la era del cine mudo que existió desde mediados de la década de 1890 hasta finales de la de 1920, un pianista , un organista de teatro o incluso, en las ciudades más grandes, una orquesta , tocaba música para acompañar las películas. Los pianistas y organistas tocarían ya sea a partir de partituras o de improvisación . A veces, una persona incluso narraba las tarjetas entre títulos para la audiencia. Aunque en ese momento no existía la tecnología para sincronizar el sonido con la película, la música se consideraba una parte esencial de la experiencia visual. "Película muda" se utiliza típicamente como término histórico para describir una era del cine anterior a la invención del sonido sincronizado, pero también se aplica a películas de la era sonora como City Lights , Modern Times y Silent Movie , que van acompañadas de música. -sólo banda sonora en lugar de diálogo.
El término película muda es un retrónimo , un término creado para distinguir retroactivamente algo de desarrollos posteriores. Las primeras películas sonoras, comenzando con The Jazz Singer en 1927, fueron denominadas "películas sonoras", "películas sonoras" o "imágenes sonoras" . La idea de combinar películas con sonido grabado es más antigua que la película (fue sugerida casi inmediatamente después de que Edison introdujera el fonógrafo en 1877), y en algunos de los primeros experimentos el proyeccionista ajustaba manualmente la velocidad de fotogramas para adaptarla al sonido, [1] pero porque A pesar de los desafíos técnicos involucrados, la introducción del diálogo sincronizado se volvió práctica sólo a fines de la década de 1920 con la perfección del tubo amplificador Audion y la llegada del sistema Vitaphone . [2] Al cabo de una década, la producción generalizada de películas mudas para entretenimiento popular había cesado y la industria había entrado de lleno en la era del sonido , en la que las películas iban acompañadas de grabaciones sonoras sincronizadas de diálogos hablados, música y efectos de sonido .
La mayoría de las primeras películas cinematográficas se consideran perdidas debido a su deterioro físico, ya que las películas de nitrato utilizadas en esa época eran extremadamente inestables e inflamables. Además, muchas películas fueron destruidas deliberadamente porque tenían un valor financiero inmediato insignificante en esa época. A menudo se ha afirmado que alrededor del 75 por ciento de las películas mudas producidas en Estados Unidos se han perdido, aunque estas estimaciones son inexactas debido a la falta de datos numéricos. [3]
La proyección de películas evolucionó principalmente a partir de espectáculos de linterna mágica , que utilizaban una lente de vidrio y una fuente de luz persistente (como una linterna potente ) para proyectar imágenes de diapositivas de vidrio en una pared. Estas diapositivas fueron originalmente pintadas a mano, pero, después de la llegada de la fotografía en el siglo XIX, a veces se utilizaron fotografías fijas. La invención de un práctico aparato fotográfico precedió al cine unos cincuenta años. [4]
En 1833, Joseph Plateau introdujo el principio de la animación estroboscópica con su Fantascope (más conocido como fenaquistiscopio ) . Seis años más tarde, Louis Daguerre introdujo el primer sistema fotográfico exitoso . Inicialmente, los productos químicos no eran lo suficientemente sensibles a la luz para capturar adecuadamente sujetos en movimiento. Plateau sugirió un método temprano para animar fotografías estereoscópicas en 1849, con una técnica de stop motion . Jules Duboscq produjo un dispositivo simplificado en 1852, pero no tuvo mucho éxito. Los primeros éxitos de la fotografía instantánea a finales de la década de 1850 inspiraron nuevas esperanzas para desarrollar sistemas de fotografía (estéreo) animada, pero en las dos décadas siguientes los pocos intentos volvieron a utilizar técnicas de stop-motion.
En 1878, Eadweard Muybridge utilizó una fila de una docena de cámaras para grabar un caballo corriendo (como habían sugerido otros mucho antes) y sorprendió al mundo con los resultados, publicados como tarjetas de gabinete The Horse in Motion con filas de pequeñas fotografías. Muchos otros empezaron a trabajar con cronofotografía e intentaron animar y proyectar los resultados. Ottomar Anschutz tuvo mucho éxito con su electrotaquiscopio desde 1887, con imágenes fotográficas animadas muy claras mostradas en una pequeña pantalla de cristal de leche o dentro de visores con ranura para monedas, hasta que comenzó a proyectar las imágenes en una pantalla grande en 1894. Sus grabaciones sólo duraron un unos segundos, e inspiró a Edison Company a competir con películas que podían durar alrededor de 20 segundos en sus visores de películas Kinetoscopio desde 1893 en adelante.
El trabajo de Muybridge, Marey y Anschütz sentó las bases para el desarrollo futuro de cámaras cinematográficas, proyectores y películas de celuloide transparentes, que condujeron al desarrollo del cine tal como lo conocemos hoy. El inventor estadounidense George Eastman , que fabricó por primera vez placas fotográficas secas en 1878, logró avances en un tipo estable de película de celuloide en 1888.
El arte cinematográfico alcanzó su plena madurez en la "era del cine mudo" ( 1894 en el cine - 1929 en el cine ). El apogeo de la era del cine mudo (desde principios de la década de 1910 en el cine hasta finales de la década de 1920) fue un período particularmente fructífero, lleno de innovación artística. En este período comenzaron los movimientos cinematográficos del Hollywood clásico, así como el impresionismo francés , el expresionismo alemán y el montaje soviético . Los cineastas mudos fueron pioneros en esta forma de arte hasta el punto de que prácticamente todos los estilos y géneros cinematográficos de los siglos XX y XXI tienen sus raíces artísticas en la era del cine mudo. La era del cine mudo también fue pionera desde el punto de vista técnico. La iluminación de tres puntos, el primer plano , el plano general , la panorámica y la edición de continuidad se hicieron frecuentes mucho antes de que las películas mudas fueran reemplazadas por las " películas sonoras " o "sonoras" a finales de los años 1920. Algunos estudiosos afirman que la calidad artística del cine disminuyó durante varios años, a principios de la década de 1930, hasta que los directores de cine , los actores y el personal de producción se adaptaron completamente a las nuevas "películas sonoras" hacia mediados de la década de 1930. [5]
La calidad visual de las películas mudas (especialmente las producidas en la década de 1920) era a menudo alta, pero sigue existiendo la idea errónea de que estas películas eran primitivas o apenas podían verse según los estándares modernos. [6] Esta idea errónea proviene del desconocimiento del público en general con el medio, así como del descuido por parte de la industria. La mayoría de las películas mudas están mal conservadas, lo que provoca su deterioro, y las películas bien conservadas a menudo se reproducen a una velocidad incorrecta o sufren cortes de censura y faltan fotogramas y escenas, lo que da la apariencia de una mala edición. [7] [8] Muchas películas mudas existen sólo en copias de segunda o tercera generación, a menudo hechas a partir de películas ya dañadas y descuidadas. [5] Otra idea errónea muy extendida es que las películas mudas carecían de color. De hecho, el color prevalecía mucho más en el cine mudo que en las primeras décadas del cine sonoro. A principios de la década de 1920, el 80 por ciento de las películas se podían ver en algún tipo de color, generalmente en forma de tinte o tonificación de la película o incluso coloración a mano, pero también con procesos de dos colores bastante naturales como Kinemacolor y Technicolor . [9] Los procesos tradicionales de colorización cesaron con la adopción de la tecnología de sonido en película . La coloración tradicional de películas, que implicaba el uso de tintes de alguna forma, interfirió con la alta resolución requerida para el sonido grabado incorporado y, por lo tanto, fue abandonada. El innovador proceso tecnicolor de tres tiras introducido a mediados de la década de 1930 era costoso y estaba plagado de limitaciones, y el color no tendría la misma prevalencia en el cine que en el cine mudo durante casi cuatro décadas.
A medida que las películas aumentaban gradualmente en duración, se necesitaba un reemplazo para el intérprete interno que explicaría partes de la película a la audiencia. Debido a que las películas mudas no tenían sonido sincronizado para los diálogos, se utilizaron intertítulos en pantalla para narrar puntos de la historia, presentar diálogos clave y, a veces, incluso comentar la acción para la audiencia. El guionista del título se convirtió en un profesional clave del cine mudo y, a menudo, estaba separado del guionista que creó la historia. Los intertítulos (o títulos como se los llamaba generalmente en ese momento) "a menudo eran elementos gráficos en sí mismos, con ilustraciones o decoraciones abstractas que comentaban la acción". [10] [11] [ cita necesaria ]
Las proyecciones de películas mudas casi siempre incluían música en vivo, comenzando con la primera proyección pública de películas de los hermanos Lumière el 28 de diciembre de 1895 en París. Esto se vio impulsado en 1896 por la primera exposición cinematográfica en los Estados Unidos en el Koster and Bial's Music Hall de la ciudad de Nueva York. En este evento, Edison sentó el precedente de que todas las exposiciones debían ir acompañadas de una orquesta. [12] Desde el principio, la música fue reconocida como esencial, contribuyendo a la atmósfera y brindando a la audiencia señales emocionales vitales. A veces los músicos tocaban en los sets de filmación durante el rodaje por razones similares. Sin embargo, dependiendo del tamaño del lugar de exposición, el acompañamiento musical podría cambiar drásticamente de escala. [4] Los cines de pueblos pequeños y de barrio solían tener un pianista . A partir de mediados de la década de 1910, los teatros de las grandes ciudades tendían a tener organistas o conjuntos de músicos. Los enormes órganos de teatro , que fueron diseñados para llenar el vacío entre un simple piano solista y una orquesta más grande, tenían una amplia gama de efectos especiales. Órganos teatrales como el famoso " Mighty Wurlitzer " podían simular algunos sonidos orquestales junto con una serie de efectos de percusión como bombos y platillos, y efectos de sonido que van desde "silbatos de trenes y barcos [hasta] bocinas de automóviles y silbatos de pájaros;... ... algunos incluso podían simular disparos de pistola, teléfonos sonando, el sonido del oleaje, los cascos de los caballos, la cerámica rompiéndose, [y] los truenos y la lluvia". [13]
Las partituras musicales de las primeras películas mudas fueron improvisadas o compiladas de música de repertorio clásico o teatral. Sin embargo, una vez que las funciones completas se volvieron comunes, el pianista, el organista, el director de orquesta o el propio estudio cinematográfico compilaban la música a partir de música fotográfica , que incluía una hoja de referencia con la película. Estas hojas eran a menudo extensas, con notas detalladas sobre los efectos y estados de ánimo a los que había que prestar atención. Comenzando con la partitura mayoritariamente original compuesta por Joseph Carl Breil para la épica de D. W. Griffith El nacimiento de una nación (1915), se volvió relativamente común que las películas de mayor presupuesto llegaran a las salas de exhibición con partituras originales especialmente compuestas. [14] Sin embargo, las primeras partituras designadas en toda regla habían sido compuestas en 1908 por Camille Saint-Saëns para El asesinato del duque de Guisa , [15] y por Mikhail Ippolitov-Ivanov para Stenka Razin .
Cuando los organistas o pianistas usaban partituras, aún podían agregar adornos de improvisación para realzar el dramatismo en la pantalla. Incluso cuando los efectos especiales no estaban indicados en la partitura, si un organista tocaba un órgano de teatro capaz de producir un efecto de sonido inusual como "caballos al galope", se utilizaría durante escenas de dramáticas persecuciones a caballo.
En el apogeo de la era del cine mudo, las películas eran la mayor fuente de empleo para los músicos instrumentales, al menos en Estados Unidos. Sin embargo, la introducción del cine sonoro, junto con el inicio aproximadamente simultáneo de la Gran Depresión , fue devastadora para muchos músicos.
Varios países idearon otras formas de incorporar sonido a las películas mudas. El cine temprano de Brasil , por ejemplo, presentaba fitas cantatas (películas cantadas), filmaba operetas con cantantes actuando detrás de la pantalla. [16] En Japón , las películas no solo tenían música en vivo sino también el benshi , un narrador en vivo que proporcionaba comentarios y voces de personajes. El benshi se convirtió en un elemento central del cine japonés, además de servir de traducción para películas extranjeras (principalmente estadounidenses). [17] La popularidad del benshi fue una de las razones por las que el cine mudo persistió hasta bien entrada la década de 1930 en Japón. Por el contrario, como las películas narradas en benshi a menudo carecían de intertítulos, al público actual a veces le puede resultar difícil seguir las tramas sin subtítulos especializados o comentarios adicionales.
Pocas partituras cinematográficas sobrevivieron intactas del período mudo, y los musicólogos todavía se enfrentan a interrogantes cuando intentan reconstruir con precisión las que quedan. Las partituras utilizadas en reediciones o proyecciones actuales de películas mudas pueden ser reconstrucciones completas de composiciones, recién compuestas para la ocasión, reunidas a partir de bibliotecas musicales ya existentes o improvisadas en el acto a la manera de los músicos de teatro de la era muda.
El interés por la composición musical de películas mudas pasó de moda durante las décadas de 1960 y 1970. En muchos programas de cine universitarios y cines de repertorio existía la creencia de que el público debía experimentar el cine mudo como un medio visual puro, sin distracciones musicales. Esta creencia puede haber sido alentada por la mala calidad de las pistas musicales que se encuentran en muchas reimpresiones de películas mudas de la época. Desde aproximadamente 1980, ha habido un resurgimiento del interés en presentar películas mudas con partituras musicales de calidad (ya sea reelaboraciones de partituras de época u hojas de referencia, o la composición de partituras originales apropiadas). Uno de los primeros esfuerzos de este tipo fue la restauración de Kevin Brownlow en 1980 de Napoleón (1927) de Abel Gance , con una partitura de Carl Davis . Francis Ford Coppola distribuyó posteriormente en los Estados Unidos una versión ligeramente reeditada y acelerada de la restauración de Brownlow , con una partitura orquestal en vivo compuesta por su padre Carmine Coppola .
En 1984, se lanzó una restauración editada de Metropolis (1927) con una nueva partitura de rock del productor y compositor Giorgio Moroder . Aunque la partitura contemporánea, que incluía canciones pop de Freddie Mercury , Pat Benatar y Jon Anderson de Yes , era controvertida, se había abierto la puerta a un nuevo enfoque en la presentación de películas mudas clásicas.
Hoy en día, un gran número de solistas, conjuntos musicales y orquestas interpretan partituras tradicionales y contemporáneas para películas mudas a nivel internacional. [18] El legendario organista de teatro Gaylord Carter continuó interpretando y grabando sus bandas sonoras originales de películas mudas hasta poco antes de su muerte en 2000; Algunas de esas partituras están disponibles en reediciones en DVD. Otros proveedores del enfoque tradicional incluyen organistas como Dennis James y pianistas como Neil Brand , Günter Buchwald, Philip C. Carli, Ben Model y William P. Perry . Otros pianistas contemporáneos, como Stephen Horne y Gabriel Thibaudeau, a menudo han adoptado un enfoque más moderno en la composición.
Directores de orquesta como Carl Davis y Robert Israel han escrito y compilado partituras para numerosas películas mudas; muchos de ellos han aparecido en proyecciones de Turner Classic Movies o se han lanzado en DVD. Davis ha compuesto nuevas partituras para dramas mudos clásicos como The Big Parade (1925) y Flesh and the Devil (1927). Israel ha trabajado principalmente en comedia muda, musicalizando las películas de Harold Lloyd , Buster Keaton , Charley Chase y otros. Timothy Brock ha restaurado muchas de las partituras de Charlie Chaplin , además de componer nuevas partituras.
Los conjuntos de música contemporánea están ayudando a presentar las películas mudas clásicas a un público más amplio a través de una amplia gama de estilos y enfoques musicales. Algunos intérpretes crean nuevas composiciones utilizando instrumentos musicales tradicionales, mientras que otros añaden sonidos electrónicos, armonías modernas, ritmos, improvisación y elementos de diseño de sonido para mejorar la experiencia visual. Entre los conjuntos contemporáneos de esta categoría se encuentran Un Drame Musical Instantané , Alloy Orchestra , Club Foot Orchestra , Silent Orchestra , Mont Alto Motion Picture Orchestra, Minima y el Caspervek Trio, RPM Orchestra . Donald Sosin y su esposa Joanna Seaton se especializan en agregar voces a películas mudas, particularmente cuando hay cantos en pantalla que se benefician al escuchar la canción real que se interpreta. Las películas en esta categoría incluyen La dama de las aceras de Griffith con Lupe Vélez , Evangeline de Edwin Carewe con Dolores del Río y El fantasma de la ópera de Rupert Julian con Mary Philbin y Virginia Pearson . [ cita necesaria ]
El Archivo de Música y Sonido del Cine Mudo digitaliza música y hojas de referencia escritas para películas mudas y las pone a disposición de artistas, académicos y entusiastas. [19]
Los actores del cine mudo enfatizaban el lenguaje corporal y la expresión facial para que el público pudiera entender mejor lo que sentía un actor y lo que representaba en la pantalla. Gran parte de la actuación en el cine mudo tiende a parecer simplista o cursi al público de hoy en día . El estilo de actuación melodramático era en algunos casos un hábito que los actores transfirieron de su experiencia escénica anterior. El vodevil fue un origen especialmente popular para muchos actores del cine mudo estadounidense. [4] La omnipresente presencia de actores de teatro en el cine fue la causa de este estallido del director Marshall Neilan en 1917: "Cuanto antes salgan las personas del escenario que han entrado en el cine, mejor para las películas". En otros casos, directores como John Griffith Wray exigieron a sus actores que hicieran expresiones exageradas para dar énfasis. Ya en 1914, los espectadores estadounidenses habían comenzado a dar a conocer su preferencia por una mayor naturalidad en la pantalla. [20]
Las películas mudas se volvieron menos vodeviles a mediados de la década de 1910, cuando las diferencias entre el escenario y la pantalla se hicieron evidentes. Gracias al trabajo de directores como DW Griffith , la cinematografía se volvió menos escénica y el desarrollo del primer plano permitió actuaciones sobrias y realistas. Lillian Gish ha sido llamada la "primera verdadera actriz" del cine por su trabajo en ese período, ya que fue pionera en nuevas técnicas de interpretación cinematográfica, reconociendo las diferencias cruciales entre la actuación en el escenario y en la pantalla. Directores como Albert Capellani y Maurice Tourneur empezaron a insistir en el naturalismo en sus películas. A mediados de la década de 1920, muchas películas mudas estadounidenses habían adoptado un estilo de actuación más naturalista, aunque no todos los actores y directores aceptaron de inmediato una actuación naturalista y discreta; Aún en 1927 todavía se estrenaban películas con estilos de actuación expresionistas, como Metropolis . [20] Greta Garbo , cuya primera película estadounidense se estrenó en 1926, se haría conocida por su actuación naturalista.
Según Anton Kaes, un estudioso del cine mudo de la Universidad de California en Berkeley, el cine mudo estadounidense comenzó a ver un cambio en las técnicas de actuación entre 1913 y 1921, influenciado por las técnicas del cine mudo alemán. Esto se atribuye principalmente a la afluencia de emigrantes procedentes de la República de Weimar , "entre ellos directores de cine, productores, camarógrafos, técnicos de iluminación y escena, así como actores y actrices". [22]
Hasta la estandarización de la velocidad de proyección de 24 fotogramas por segundo (fps) para las películas sonoras entre 1926 y 1930, las películas mudas se rodaban a velocidades variables (o " frame rate ") entre 12 y 40 fps, según el año y el estudio. . [23] A menudo se dice que la "velocidad estándar de una película muda" es de 16 fps como resultado del Cinématographe de los hermanos Lumière , pero la práctica de la industria variaba considerablemente; no existía un estándar real. William Kennedy Laury Dickson , un empleado de Edison, se decidió por los sorprendentemente rápidos 40 fotogramas por segundo. [4] Además, los camarógrafos de la época insistían en que su técnica de arranque era exactamente 16 fps, pero el examen moderno de las películas muestra que esto es un error y que a menudo giraban más rápido. A menos que se muestren cuidadosamente a la velocidad prevista, las películas mudas pueden parecer anormalmente rápidas o lentas. Sin embargo, algunas escenas se redujeron intencionalmente durante el rodaje para acelerar la acción, particularmente en comedias y películas de acción. [23]
La proyección lenta de una película a base de nitrato de celulosa conllevaba riesgo de incendio, ya que cada fotograma estaba expuesto durante más tiempo al intenso calor de la lámpara de proyección; pero había otros motivos para proyectar una película a mayor ritmo. A menudo, los proyeccionistas recibían instrucciones generales de los distribuidores en la hoja de referencia del director musical sobre la rapidez con la que se debían proyectar determinadas bobinas o escenas. [23] En raras ocasiones, generalmente para producciones más grandes, las hojas de referencia producidas específicamente para el proyeccionista proporcionaban una guía detallada para presentar la película. Los cines también, para maximizar las ganancias, a veces variaban las velocidades de proyección dependiendo de la hora del día o la popularidad de una película, [24] o para encajar una película en un horario prescrito. [23]
Todos los proyectores de películas cinematográficas requieren un obturador móvil para bloquear la luz mientras la película se mueve, de lo contrario la imagen se emborrona en la dirección del movimiento. Sin embargo, este obturador hace que la imagen parpadee , y las imágenes con bajas tasas de parpadeo son muy desagradables de ver. Los primeros estudios realizados por Thomas Edison para su máquina kinetoscopio determinaron que cualquier velocidad inferior a 46 imágenes por segundo "forzará la vista". [23] y esto también es válido para las imágenes proyectadas en condiciones cinematográficas normales. La solución adoptada para el kinetoscopio fue ejecutar la película a más de 40 fotogramas/seg, pero esto resultaba caro para la película. Sin embargo, al utilizar proyectores con persianas de doble y triple hoja, la velocidad de parpadeo se multiplica dos o tres veces más que el número de fotogramas de la película: cada fotograma aparece dos o tres veces en la pantalla. Un obturador de tres hojas que proyecta una película de 16 fps superará ligeramente la cifra de Edison, ofreciendo al público 48 imágenes por segundo. Durante la era del cine mudo, los proyectores solían estar equipados con contraventanas de tres hojas. Desde la introducción del sonido con su velocidad estándar de 24 fotogramas/segundo, las persianas de dos hojas se han convertido en la norma para los proyectores de cine de 35 mm, aunque las persianas de tres hojas siguen siendo estándar en los proyectores de 16 mm y 8 mm, que se utilizan con frecuencia para proyectar a aficionados. metraje filmado a 16 o 18 fotogramas/seg. Una velocidad de fotogramas de una película de 35 mm de 24 fps se traduce en una velocidad de película de 456 milímetros (18,0 pulgadas) por segundo. [25] Un carrete de 1000 pies (300 m) requiere 11 minutos y 7 segundos para proyectarse a 24 fps, mientras que una proyección de 16 fps del mismo carrete tomaría 16 minutos y 40 segundos, o 304 milímetros (12,0 pulgadas) por segundo. [23]
En la década de 1950, muchas conversiones de películas mudas en telecines a velocidades de cuadro extremadamente incorrectas para la televisión abierta pueden haber alienado a los espectadores. [26] La velocidad de la película es a menudo un tema controvertido entre los estudiosos y cinéfilos en la presentación de películas mudas hoy en día, especialmente cuando se trata de lanzamientos en DVD de películas restauradas , como el caso de la restauración de Metrópolis en 2002 . [27]
Debido a la falta de procesamiento de color natural disponible, las películas de la era del cine mudo frecuentemente se sumergían en colorantes y se teñían de varios tonos y tonalidades para señalar un estado de ánimo o representar una hora del día. El teñido a mano se remonta a 1895 en los Estados Unidos con el lanzamiento por parte de Edison de impresiones seleccionadas teñidas a mano de Butterfly Dance . Además, los experimentos con películas en color comenzaron ya en 1909, aunque llevó mucho más tiempo hasta que la industria adoptó el color y se desarrolló un proceso eficaz. [4] El azul representaba escenas nocturnas, el amarillo o el ámbar significaban día. El rojo representaba el fuego y el verde representaba una atmósfera misteriosa. De manera similar, el teñido de películas (como la generalización común del cine mudo del tono sepia ) con soluciones especiales reemplazó las partículas de plata en la película con sales o tintes de varios colores. Se podría utilizar una combinación de tinte y tonificación como efecto que podría resultar sorprendente.
Algunas películas fueron teñidas a mano, como Annabelle Serpentine Dance (1894), de Edison Studios . En él, Annabelle Whitford , [28] una joven bailarina de Broadway, está vestida con velos blancos que parecen cambiar de color mientras baila. Esta técnica fue diseñada para capturar el efecto de las actuaciones en vivo de Loie Fuller, a partir de 1891, en las que las luces del escenario con geles de colores convertían sus vestidos y mangas blancos y fluidos en un movimiento artístico. [29] La coloración a mano se utilizó a menudo en las primeras películas europeas de "truco" y fantasía, especialmente las de Georges Méliès . Méliès comenzó a teñir a mano su trabajo ya en 1897 y Cendrillion (Cenicienta) de 1899 y Juana de Arco (Juana de Arco) de 1900 proporcionan ejemplos tempranos de películas teñidas a mano en las que el color era una parte crítica de la escenografía o mise . en escena ; Para un teñido tan preciso se utilizó el taller de Elisabeth Thuillier en París, con equipos de artistas femeninas que añadían capas de color a cada fotograma a mano en lugar de utilizar un proceso más común (y menos costoso) de estarcido. [30] Una versión recientemente restaurada de Un viaje a la luna de Méliès , publicada originalmente en 1902, muestra un uso exuberante del color diseñado para agregar textura e interés a la imagen. [31]
Los comentarios de un distribuidor estadounidense en un catálogo de películas de 1908 subrayan aún más el continuo dominio de Francia en el campo de las películas coloreadas a mano durante la temprana era del cine mudo. La distribuidora ofrece a la venta a precios variables películas "High-Class" de Pathé , Urban-Eclipse , Gaumont , Kalem , Itala Film , Ambrosio Film y Selig . Varias de las películas más largas y prestigiosas del catálogo se ofrecen tanto en blanco y negro estándar como en color "pintado a mano". [32] Una copia simple, por ejemplo, de la película de 1907 Ben Hur se ofrece por $120 ($3,908 USD hoy), mientras que una versión en color de la misma película de 1000 pies y 15 minutos cuesta $270 ($8,794), incluyendo la Cargo adicional por coloración de $150, lo que equivalía a 15 centavos más por pie. [32] Aunque las razones del citado recargo probablemente eran obvias para los clientes, el distribuidor explica por qué las películas en color de su catálogo tienen precios significativamente más altos y requieren más tiempo para la entrega. Su explicación también proporciona información sobre el estado general de los servicios de coloración de películas en los Estados Unidos en 1908:
La coloración de películas cinematográficas es una actividad que no puede realizarse satisfactoriamente en los Estados Unidos. En vista de la enorme cantidad de trabajo involucrado, que requiere pintar a mano individualmente cada uno de los dieciséis cuadros por pie o 16.000 cuadros separados por cada 1.000 pies de película, muy pocos coloristas estadounidenses emprenderán el trabajo a cualquier precio.
Como la coloración de películas ha progresado mucho más rápidamente en Francia que en cualquier otro país, toda nuestra coloración la realiza el mejor establecimiento de coloración de París y hemos descubierto que obtenemos mejor calidad, precios más baratos y entregas más rápidas, incluso en coloración. películas hechas en Estados Unidos, que si el trabajo se hiciera en otros lugares. [32]
A principios de la década de 1910, con la aparición de los largometrajes, los tintes se utilizaban como otro elemento para crear el ambiente, tan común como la música. El director D. W. Griffith mostró un constante interés y preocupación por el color, y utilizó el tinte como efecto especial en muchas de sus películas. Su epopeya de 1915, El nacimiento de una nación, utilizó varios colores, incluidos ámbar, azul, lavanda y un llamativo tinte rojo para escenas como la "quema de Atlanta" y el paseo del Ku Klux Klan en el clímax de la película. . Más tarde, Griffith inventó un sistema de color en el que luces de colores parpadeaban en áreas de la pantalla para lograr un color.
Con el desarrollo de la tecnología de sonido en película y su aceptación por parte de la industria, el teñido se abandonó por completo, porque los tintes utilizados en el proceso de teñido interferían con las bandas sonoras presentes en las tiras de película. [4]
Los primeros estudios estaban ubicados en el área de la ciudad de Nueva York . Los estudios Edison estuvieron primero en West Orange, Nueva Jersey (1892), luego se trasladaron al Bronx, Nueva York (1907). Fox (1909) y Biograph (1906) comenzaron en Manhattan , con estudios en St George, Staten Island . Otras películas se rodaron en Fort Lee, Nueva Jersey . En diciembre de 1908, Edison dirigió la formación de Motion Picture Patents Company en un intento de controlar la industria y excluir a los productores más pequeños. El "Edison Trust", como se le apodaba, estaba formado por Edison , Biograph , Essanay Studios , Kalem Company , George Kleine Productions , Lubin Studios , Georges Méliès , Pathé , Selig Studios y Vitagraph Studios , y dominaba la distribución a través de General Empresa cinematográfica . Esta empresa dominó la industria como monopolio vertical y horizontal y es un factor que contribuye a la migración de los estudios a la costa oeste. Motion Picture Patents Co. y General Film Co. fueron declaradas culpables de violación de las leyes antimonopolio en octubre de 1915 y fueron disueltas.
El estudio de cine Thanhouser fue fundado en New Rochelle, Nueva York , en 1909 por el empresario teatral estadounidense Edwin Thanhouser . La compañía produjo y estrenó 1.086 películas entre 1910 y 1917, incluida la primera serie cinematográfica , The Million Dollar Mystery , estrenada en 1914. [33] Los primeros westerns se filmaron en Fred Scott's Movie Ranch en South Beach, Staten Island. Actores disfrazados de vaqueros y nativos americanos galoparon a través del set de la película de Scott, que tenía una calle principal fronteriza, una amplia selección de diligencias y una empalizada de 56 pies. La isla proporcionó un sustituto útil para lugares tan variados como el desierto del Sahara y un campo de cricket británico. Se rodaron escenas de guerra en las llanuras de Grasmere, Staten Island . Los peligros de Pauline y su secuela aún más popular, Las hazañas de Elaine, se filmaron principalmente en la isla. También lo fue la superproducción de 1906 La vida de un vaquero , de Edwin S. Porter Company y el rodaje se trasladó a la Costa Oeste alrededor de 1912.
Las siguientes son películas estadounidenses de la era del cine mudo que habían obtenido los ingresos brutos más altos en 1932. Las cantidades indicadas son alquileres brutos (la participación del distribuidor en la taquilla) en lugar de brutos de exhibición. [34]
Aunque los intentos de crear películas con sonido sincronizado se remontan al laboratorio de Edison en 1896, sólo a partir de principios de la década de 1920 estuvieron disponibles tecnologías básicas como amplificadores de válvulas y altavoces de alta calidad. Los siguientes años vieron una carrera para diseñar, implementar y comercializar varios formatos de sonido rivales de sonido en disco y sonido en película , como Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fox Movietone ( 1927) y Fotófono RCA (1928).
Warner Bros. fue el primer estudio en aceptar el sonido como un elemento en la producción cinematográfica y utilizar el Vitaphone, una tecnología de sonido en disco, para hacerlo. [4] El estudio estrenó entonces The Jazz Singer en 1927, que supuso la primera película sonora de éxito comercial , pero las películas mudas seguían siendo la mayoría de los largometrajes estrenados en 1927 y 1928, junto con las llamadas películas con glándulas de cabra : mudas con Se inserta una subsección de película sonora. Por lo tanto, se puede considerar que la era del cine sonoro moderno llegó a dominar a partir de 1929.
Para obtener una lista de películas notables de la era muda, consulte Lista de años en el cine entre el comienzo del cine y 1928. La siguiente lista incluye solo películas producidas en la era del sonido con la intención artística específica de ser mudas.
Varios cineastas han rendido homenaje a las comedias de la época del cine mudo, entre ellos Charlie Chaplin , con Tiempos modernos (1936), Orson Welles con Demasiado Johnson (1938), Jacques Tati con Les Vacances de Monsieur Hulot (1953), Pierre Etaix con The Pretendiente (1962) y Mel Brooks con Película muda (1976). El aclamado drama Three Times (2005) del director taiwanés Hou Hsiao-hsien guarda silencio durante el tercio medio, con intertítulos; The Impostors, de Stanley Tucci, tiene una secuencia muda inicial al estilo de las primeras comedias mudas. La fiesta de Margarette (2003) , del cineasta brasileño Renato Falcão, es muda. El escritor y director Michael Pleckaitis le da su propio giro al género con Silent (2007). Si bien no son silenciosas, las series de televisión y películas de Mr. Bean han utilizado la naturaleza no habladora del personaje principal para crear un estilo de humor similar. Un ejemplo menos conocido es La fille du garde-barrière (1975), de Jérôme Savary , un homenaje al cine mudo que utiliza intertítulos y mezcla comedia, drama y escenas de sexo explícito (lo que motivó que se le negara el certificado de cine). por la Junta Británica de Clasificación de Películas ).
En 1990, Charles Lane dirigió y protagonizó Sidewalk Stories , un homenaje de bajo presupuesto a las comedias mudas sentimentales, en particular The Kid de Charlie Chaplin .
La película alemana Tuvalu (1999) es mayoritariamente muda; la pequeña cantidad de diálogo es una extraña mezcla de idiomas europeos, lo que aumenta la universalidad de la película. Guy Maddin ganó premios por su homenaje al cine mudo de la era soviética con su cortometraje The Heart of the World, tras lo cual realizó un largometraje mudo, Brand Upon the Brain! (2006), incorporando artistas de Foley en vivo , narración y orquesta en presentaciones selectas. La sombra del vampiro (2000) es una representación altamente ficticia del rodaje de la clásica película muda de vampiros Nosferatu (1922) de Friedrich Wilhelm Murnau . Werner Herzog homenajeó la misma película en su propia versión, Nosferatu: Phantom der Nacht (1979).
Algunas películas establecen un contraste directo entre la era del cine mudo y la era del cine sonoro. Sunset Boulevard muestra la desconexión entre las dos épocas en el personaje de Norma Desmond , interpretada por la estrella del cine mudo Gloria Swanson , y Singin' in the Rain trata sobre artistas de Hollywood que se adaptan al cine sonoro. La película Nickelodeon de Peter Bogdanovich de 1976 trata sobre la agitación del cine mudo en Hollywood a principios de la década de 1910, antes del estreno de la épica de D. W. Griffith El nacimiento de una nación (1915).
En 1999, el cineasta finlandés Aki Kaurismäki produjo Juha en blanco y negro, que captura el estilo de una película muda, utilizando intertítulos en lugar de diálogos hablados. Se produjeron copias especiales con títulos en varios idiomas diferentes para su distribución internacional. [37] En la India, la película Pushpak (1988), [38] protagonizada por Kamal Haasan , era una comedia negra totalmente desprovista de diálogo. La película australiana Doctor Plonk (2007), fue una comedia muda dirigida por Rolf de Heer. Las obras de teatro se han basado en estilos y fuentes del cine mudo. Los actores y escritores Billy Van Zandt y Jane Milmore presentaron su comedia cómica Off-Broadway Silent Laughter como un tributo en vivo a la era del cine mudo. [39] Geoff Sobelle y Trey Lyford crearon y protagonizaron All Wear Bowlers (2004), que comenzó como un homenaje a Laurel y Hardy y luego evolucionó para incorporar secuencias de películas mudas de tamaño natural de Sobelle y Lyford que saltan de un lado a otro entre la acción en vivo. y la gran pantalla. [40] La película animada Fantasía (1940), que consta de ocho secuencias de animación diferentes con música, puede considerarse una película muda, con solo una escena corta que involucra diálogo. La película de espionaje El ladrón (1952) tiene música y efectos de sonido, pero no diálogo, al igual que Vase de Noces de 1974 de Thierry Zéno y El ángel de 1982 de Patrick Bokanowski .
En 2005, la Sociedad Histórica H. P. Lovecraft produjo una versión cinematográfica muda de la historia de Lovecraft La llamada de Cthulhu . Esta película mantuvo un estilo de filmación fiel a la época y fue recibida como "la mejor adaptación de HPL hasta la fecha" y, refiriéndose a la decisión de hacerla como una película muda, "una presunción brillante". [41]
La película francesa The Artist (2011), escrita y dirigida por Michel Hazanavicius , actúa como una película muda y está ambientada en Hollywood durante la era del cine mudo. También incluye segmentos de películas mudas ficticias protagonizadas por sus protagonistas. Ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película. [42]
La película japonesa de vampiros Sanguivorous (2011) no sólo está realizada al estilo de una película muda, sino que incluso realizó una gira con acompañamiento orquestal en vivo. [43] [44] Eugene Chadbourne ha estado entre los que han tocado música en vivo para la película. [45]
Blancanieves es una película dramática de fantasía muda en blanco y negro española de 2012 escrita y dirigida por Pablo Berger . [46]
El largometraje mudo estadounidense Silent Life comenzó en 2006 y cuenta con las actuaciones de Isabella Rossellini y Galina Jovovich , madre de Milla Jovovich , y se estrenará en 2013. La película está basada en la vida del ícono del cine mudo Rudolph Valentino , conocido como el El primer "gran amante" de Hollywood. Después de la cirugía de emergencia, Valentino pierde el control de la realidad y comienza a ver los recuerdos de su vida en Hollywood desde la perspectiva del coma, como una película muda proyectada en un cine, el portal mágico entre la vida y la eternidad, entre la realidad y la realidad. espejismo. [47] [48]
The Picnic es un cortometraje de 2012 realizado al estilo de comedias y melodramas mudos de dos carretes. Fue parte de la exposición No Spectators: The Art of Burning Man, una exposición de 2018-2019 comisariada por la Galería Renwick del Museo Smithsonian de Arte Americano . [49] La película se proyectó dentro de un palacio de cine Art Deco en miniatura con 12 asientos sobre ruedas llamado The Capitol Theatre , creado por Oakland, California. colectivo de arte Five Ton Crane.
Right There es un cortometraje de 2013 que es un homenaje a las comedias del cine mudo.
La película animada británica de 2015 Shaun the Sheep Movie basada en Shaun the Sheep recibió críticas positivas y fue un éxito de taquilla. Aardman Animations también produjo Morph y Timmy Time , así como muchos otros cortometrajes mudos.
La American Theatre Organ Society rinde homenaje a la música de las películas mudas, así como a los órganos de teatro que tocaban dicha música. Con más de 75 capítulos locales, la organización busca preservar y promover los órganos teatrales y la música como forma de arte. [50]
El Globe International Silent Film Festival (GISFF) es un evento anual centrado en la imagen y la atmósfera en el cine que se lleva a cabo cada año en un ambiente universitario o académico de renombre y es una plataforma para exhibir y juzgar películas de cineastas activos en este campo. [51] En 2018, el director de cine Christopher Annino rodó el ahora premiado internacionalmente largometraje mudo Silent Times . [52] [53] [54] La película rinde homenaje a muchos de los personajes de la década de 1920, incluido el oficial Keystone, interpretado por David Blair; Enzio Marchello, que interpreta a un personaje de Charlie Chaplin. Silent Times ganó el premio a la mejor película muda en el Festival de Cine de Oniros. Ambientada en una pequeña ciudad de Nueva Inglaterra, la historia se centra en Oliver Henry III (interpretado por Geoff Blanchette, nativo del oeste), un delincuente de poca monta convertido en propietario de un teatro de vodevil. De orígenes humildes en Inglaterra, emigra a Estados Unidos en busca de felicidad y dinero rápido. Se familiariza con personas de todos los ámbitos de la vida, desde artistas burlescos, mimos, vagabundos hasta elegantes chicas flapper, a medida que su fortuna aumenta y su vida se sale cada vez más de control.
La gran mayoría de las películas mudas producidas a finales del siglo XIX y principios del XX se consideran perdidas. Según un informe de septiembre de 2013 publicado por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos , alrededor del 70 por ciento de los largometrajes mudos estadounidenses entran en esta categoría. [55] Hay numerosas razones para que este número sea tan alto. Algunas películas se perdieron involuntariamente, pero la mayoría de las películas mudas fueron destruidas intencionalmente. Entre el final de la era del cine mudo y el auge del vídeo doméstico, los estudios cinematográficos a menudo descartaban un gran número de películas mudas por el deseo de liberar espacio de almacenamiento en sus archivos, asumiendo que habían perdido la relevancia cultural y el valor económico que justificaban su producción. cantidad de espacio que ocupaban. Además, debido a la naturaleza frágil de las películas de nitrato que se utilizaron para rodar y distribuir películas mudas, muchas películas se han deteriorado irremediablemente o se han perdido en accidentes, incluidos incendios (porque el nitrato es altamente inflamable y puede arder espontáneamente si se almacena incorrectamente). ). Ejemplos de tales incidentes incluyen el incendio de la bóveda de MGM en 1965 y el incendio de la bóveda de Fox en 1937 , los cuales causaron pérdidas catastróficas de películas. Muchas de estas películas que no fueron completamente destruidas sobreviven sólo parcialmente o en copias muy dañadas. Algunas películas perdidas, como Londres después de medianoche (1927), perdida en el incendio del MGM, han sido objeto de considerable interés por parte de coleccionistas e historiadores de cine .
Las principales películas mudas que se presumen perdidas incluyen:
Aunque la mayoría de las películas mudas perdidas nunca se recuperarán, algunas han sido descubiertas en archivos cinematográficos o colecciones privadas. Las versiones descubiertas y conservadas pueden ser ediciones realizadas para el mercado de alquiler de viviendas de las décadas de 1920 y 1930 que se descubren en ventas de propiedades, etc. [59] La degradación de las películas antiguas se puede frenar mediante un archivo adecuado y las películas se pueden transferir a un lugar seguro. material cinematográfico o a medios digitales para su conservación. La preservación de películas mudas ha sido una alta prioridad para historiadores y archiveros. [60]
Dawson City , en el territorio de Yukon en Canadá, fue alguna vez el final de la línea de distribución de muchas películas. En 1978, se descubrió un alijo de más de 500 carretes de película de nitrato durante la excavación de un terreno baldío que anteriormente era el sitio de la Asociación Atlética Amateur de Dawson, que había comenzado a proyectar películas en su centro recreativo en 1903. [60 ] [61] Se incluyeron obras de Pearl White , Helen Holmes , Grace Cunard , Lois Weber , Harold Lloyd , Douglas Fairbanks y Lon Chaney , entre otros, así como muchos noticieros. Los títulos se almacenaron en la biblioteca local hasta 1929, cuando el nitrato inflamable se utilizó como vertedero en una piscina abandonada. Después de haber pasado 50 años bajo el permafrost del Yukón, los carretes resultaron estar extremadamente bien conservados. Debido a su peligrosa volatilidad química, [62] el hallazgo histórico fue trasladado en transporte militar a Library and Archives Canada y a la Biblioteca del Congreso de EE. UU . para su almacenamiento (y transferencia a una película de seguridad ). En 2016 se lanzó un documental sobre el hallazgo, Dawson City: Frozen Time . [63] [64]
Hay festivales anuales de cine mudo en todo el mundo. [sesenta y cinco]
sonido sincronizado en la era del cine mudo (logrado tocando un gramófono mientras se ajusta manualmente la velocidad de fotogramas del proyector para la sincronización de labios)
