Un melodrama moderno es una obra dramática en la que la trama, típicamente sensacionalista y de fuerte atractivo emocional, tiene prioridad sobre la caracterización detallada. Los melodramas suelen concentrarse en diálogos que suelen ser grandilocuentes o excesivamente sentimentales , en lugar de acción. Los personajes suelen ser planos y están escritos para cumplir con estereotipos . Los melodramas suelen desarrollarse en la esfera privada del hogar, centrándose en la moralidad y cuestiones familiares, el amor y el matrimonio, a menudo con desafíos de una fuente externa, como una "tentadora", un sinvergüenza o un villano aristocrático. Un melodrama en escena, filmado o televisado suele ir acompañado de música dramática y sugerente que ofrece pistas a la audiencia sobre el drama que se presenta.
En contextos musicales académicos e históricos, los melodramas son dramas victorianos en los que se utilizaba música o canciones orquestales para acompañar la acción. El término ahora también se aplica a representaciones teatrales sin música incidental, novelas, películas, transmisiones de radio y televisión. En contextos modernos, el término "melodrama" es generalmente peyorativo, [1] ya que sugiere que la obra en cuestión carece de sutileza, desarrollo del personaje o ambas cosas. Por extensión, el lenguaje o comportamiento que se asemeja al melodrama suele denominarse melodramático ; este uso es casi siempre peyorativo. [ cita necesaria ]
El término se originó a partir de la palabra francesa mélodrame de principios del siglo XIX . Se deriva del griego μέλος mélos , "canción, cepa" (compárese con "melodía", de μελωδία melōdia , "canto, canción"), y del francés drame , drama (del latín tardío drāma , que eventualmente deriva del griego clásico δράμα dráma , " trama teatral", generalmente de una tragedia griega). [2] [3] [4]
La relación del melodrama respecto al realismo es compleja. Los protagonistas de las obras melodramáticas pueden ser personas corrientes (y, por tanto, dibujadas de forma realista) que se ven atrapadas en acontecimientos extraordinarios o personajes muy exagerados y poco realistas. En cuanto a sus elevadas emociones y su retórica dramática, el melodrama representa una "victoria sobre la represión". [5] El melodrama de finales de la época victoriana y eduardiana combinaba un enfoque consciente en el realismo en los decorados y accesorios con "antirrealismo" en los personajes y la trama. El melodrama de este período se esforzó por lograr una "precisión creíble en la representación de escenas increíbles y extraordinarias". [6] El novelista Wilkie Collins se destaca por su atención a la precisión en los detalles (por ejemplo, en asuntos legales) en sus obras, sin importar cuán sensacional sea la trama. Los melodramas solían tener entre 10.000 y 20.000 palabras. [7]
Los melodramas ponen la mayor parte de su atención en la víctima. Una lucha entre decisiones buenas y malas , como cuando una "tentadora malvada" anima a un hombre a dejar a su familia. [8] Otros personajes comunes son la "mujer caída", la madre soltera, el huérfano y el hombre que lucha con los impactos del mundo moderno. [8] El melodrama examina cuestiones familiares y sociales en el contexto de un hogar privado, siendo su público objetivo la espectadora femenina; En segundo lugar, el espectador masculino puede disfrutar de cómo se resuelven las tensiones en la pantalla en el hogar. [8] El melodrama generalmente mira hacia épocas ideales y nostálgicas, enfatizando los "anhelos prohibidos". [8]
El enfoque del melodrama revivió en el drama romántico francés de los siglos XVIII y XIX y en las novelas sentimentales que fueron populares tanto en Inglaterra como en Francia. [8] Estos dramas y novelas se centraron en los códigos morales relacionados con la vida familiar, el amor y el matrimonio, y pueden verse como un reflejo de las cuestiones planteadas por la Revolución Francesa , la revolución industrial y el cambio hacia la modernización. [8] Muchos melodramas trataban sobre una joven de clase media que experimentó insinuaciones sexuales no deseadas por parte de un malhechor aristocrático, siendo la agresión sexual una metáfora del conflicto de clases. [8] El melodrama reflejaba las ansiedades de la clase media post-revolución industrial, que temían tanto a los agentes de poder aristocráticos como a la "turba" empobrecida de la clase trabajadora. [8]
En el siglo XVIII, el melodrama era una técnica que combinaba la recitación hablada con breves piezas musicales de acompañamiento. La música y el diálogo hablado normalmente se alternaban en tales obras, aunque a veces la música también se usaba para acompañar la pantomima .
Los primeros ejemplos conocidos son escenas de la obra escolar latina de JE Eberlin Sigismundus (1753). El primer melodrama completo fue Pigmalión de Jean-Jacques Rousseau , [9] cuyo texto fue escrito en 1762 pero se representó por primera vez en Lyon en 1770. Rousseau compuso la obertura y un Andante, pero la mayor parte de la música fue compuesta por Horacio Coignet .
En 1772 se interpretó en Weimar una versión musical diferente del Pigmalión de Rousseau, obra de Anton Schweitzer , y Goethe escribió sobre ella con aprobación en Dichtung und Wahrheit . Pigmalión es un monodrama , escrito para un solo actor.
En el cuarto cuarto del siglo XVIII se produjeron en Alemania unos 30 monodramas más. Cuando intervinieron dos actores, se podría utilizar el término duodrama . Georg Benda tuvo especial éxito con sus duodramas Ariadne auf Naxos (1775) y Medea (1775). El sensacional éxito de los melodramas de Benda llevó a otros a componer obras similares, incluido Mozart, quien habló con aprobación de la música de Benda y más tarde él mismo utilizó dos largos monólogos melodramáticos en su ópera Zaide (1780).
Otros ejemplos posteriores y más conocidos del estilo melodramático en las óperas son la escena de excavación de tumbas en Fidelio (1805) de Beethoven y la escena del encantamiento en Der Freischütz (1821) de Weber. [10] [11]
Después de la Restauración inglesa de Carlos II en 1660, a la mayoría de los teatros británicos se les prohibió representar obras de teatro "serias", pero se les permitió mostrar comedias u obras con música. Carlos II emitió cartas de patente para permitir que sólo dos compañías de teatro de Londres representaran obras de teatro "serias". Estos eran el Theatre Royal, Drury Lane y la cancha de tenis de Lisle en Lincoln's Inn Fields , el último de los cuales se trasladó al Theatre Royal, Covent Garden en 1720 (ahora Royal Opera House ). Los dos teatros patentados cerraron en los meses de verano. Para llenar ese vacío, el Theatre Royal de Haymarket se convirtió en el tercer teatro patentado de Londres en 1766.
Finalmente se concedieron más cartas de patente a un teatro en cada uno de otros pueblos y ciudades inglesas. Otros teatros presentaban dramas acentuados con música y, tomando prestado el término francés, lo llamaban melodrama para eludir la restricción. La Ley de Teatros de 1843 finalmente permitió que todos los teatros representaran obras de teatro. [12]
A principios del siglo XIX, la influencia de la ópera dio lugar a oberturas musicales y música incidental para muchas obras. En 1820, Franz Schubert escribió un melodrama, Die Zauberharfe ("El arpa mágica"), poniendo música a la obra escrita por G. von Hofmann. No tuvo éxito, como todas las iniciativas teatrales de Schubert, pero el género del melodrama era muy popular en ese momento. En una época de músicos mal pagados, muchas obras de teatro del siglo XIX en Londres tenían una orquesta en el foso. En 1826, Felix Mendelssohn escribió su conocida obertura a El sueño de una noche de verano de Shakespeare y más tarde proporcionó a la obra música incidental.
En La Traviata de Verdi , Violetta recibe una carta del padre de Alfredo donde le escribe que Alfredo ahora sabe por qué ella se separó de él y que la perdona ("Teneste la promessa..."). Con su voz, ella entona las palabras de lo escrito, mientras la orquesta recapitula la música de su primer amor del Acto I: esto es técnicamente melodrama. En unos momentos, Violetta estalla en un aria apasionada y desesperada ("Addio, del passato"): esto es ópera otra vez.
De manera similar, los victorianos solían añadir "música incidental" bajo el diálogo a una obra preexistente, aunque este estilo de composición ya se practicaba en la época de Ludwig van Beethoven ( Egmont ) y Franz Schubert ( Rosamunde ). (Este tipo de producción, a menudo lujosa, ahora se limita principalmente al cine (ver partitura de la película ) debido al costo de contratar una orquesta. La tecnología de grabación moderna está produciendo un cierto resurgimiento de la práctica en el teatro, pero no en la escala anterior.) Una versión particularmente completa de esta forma, la música incidental de Sullivan para The Foresters de Tennyson , está disponible en línea, [13] completa con varios melodramas, por ejemplo, el número 12 que se encuentra aquí. [14] Algunas operetas exhiben melodrama en el sentido de música interpretada bajo diálogo hablado; por ejemplo, Ruddigore de Gilbert y Sullivan (en sí misma una parodia de los melodramas en el sentido moderno) tiene un "melodrama" corto (reducido únicamente al diálogo en muchas producciones) en el segundo acto; [15] Orfeo en el inframundo, de Jacques Offenbach, comienza con un melodrama interpretado por el personaje de "Public Opinion"; y otras piezas de opereta y musicales pueden considerarse melodramas, como "Recit and Minuet" [16] en The Sorcerer de Gilbert y Sullivan . Como ejemplo del musical americano, varios discursos largos en Brigadoon de Lerner y Loewe se pronuncian con un acompañamiento de música evocadora. La técnica también se utiliza con frecuencia en la zarzuela española , tanto en el siglo XIX como en el XX, y continuó utilizándose también como "efecto especial" en la ópera, por ejemplo en Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss .
En París, el siglo XIX vio un florecimiento del melodrama en los numerosos teatros que se ubicaban en el popular Boulevard du Crime , especialmente en la Gaîté . Sin embargo, todo esto llegó a su fin cuando la mayoría de estos teatros fueron demolidos durante la reconstrucción de París por el barón Haussmann en 1862. [17]
A finales del siglo XIX, el término melodrama se había reducido casi exclusivamente a un género específico de entretenimiento de salón: palabras habladas más o menos rítmicamente (a menudo poesía), no cantadas, a veces más o menos representadas, al menos con cierta estructura dramática. o trama: sincronizada con el acompañamiento de la música (normalmente piano). Fue menospreciado como un género para autores y compositores de menor talla (probablemente también por eso todavía no se recuerdan prácticamente realizaciones del género). Probablemente también fue el momento en que la connotación de sobreactuación barata se asoció por primera vez con el término. Como mezcla de géneros narrativos y música de cámara, fue eclipsada casi de la noche a la mañana por una sola composición: Pierrot Lunaire (1912) de Schoenberg , donde se utilizó Sprechgesang en lugar de palabras habladas rítmicamente, y que adoptó una perspectiva más libre e imaginativa. Por supuesto, sobre la prerrogativa de la trama .
La gran mayoría de las óperas son melodramas. Las tensiones emocionales se comunican y amplifican con la música adecuada. La mayoría de las tramas involucran personajes que superan o sucumben a acontecimientos más importantes que la vida: guerra, traición, amor monumental, asesinato, venganza, discordia filial o sucesos grandiosos similares. La mayoría de los personajes están dibujados de manera simplista con distinciones claras entre los virtuosos y los malvados, y se sacrifica el desarrollo del carácter y la sutileza de las situaciones. Los eventos se organizan para adaptarse mejor a los rasgos del personaje para demostrar sus efectos emocionales en el personaje y en los demás.
El predominio del melodrama en las obras de bel canto de Donizetti, Bellini y prácticamente todas las de Verdi y Puccini es claro, con ejemplos demasiado numerosos para enumerarlos. La gran multitud de heroínas que necesitan afrontar y superar situaciones de amor imposibles ante circunstancias grandiosas está ampliamente ejemplificada por Lucia , Norma , Leonora , Tosca , Turandot , Mimi , Cio-Cio-San , Violetta , Gilda y muchas otras. .
En el contexto del Renacimiento Nacional Checo , el melodrama adquirió un significado específicamente nacionalista para los artistas checos, comenzando aproximadamente en la década de 1870 y continuando durante la Primera República Checoslovaca del período de entreguerras. Esta nueva comprensión del melodrama provino principalmente de eruditos y críticos del siglo XIX como Otakar Hostinský , quien consideraba el género como una contribución exclusivamente "checa" a la historia de la música (basada en los orígenes nacionales de Georg Benda , cuyos melodramas, sin embargo, habían sido en alemán). Estos sentimientos provocaron que un gran número de compositores checos produjeran melodramas basados en la poesía romántica checa, como el Kytice de Karel Jaromír Erben .
En particular , el compositor romántico Zdeněk Fibich defendió el género como medio para configurar correctamente la declamación checa: sus melodramas Štědrý den (1874) y Vodník (1883) utilizan duraciones rítmicas para especificar la alineación de la palabra hablada y el acompañamiento. El principal logro de Fibich fue Hippodamie (1888-1891), una trilogía de melodramas escenificados durante toda una velada sobre los textos de Jaroslav Vrchlický con múltiples actores y orquesta, compuestos en un estilo musical wagneriano avanzado. Las principales contribuciones de Josef Suk a principios de siglo incluyen melodramas para obras de teatro en dos etapas de Julius Zeyer : Radúz a Mahulena (1898) y Pod Jabloní (1901), los cuales tuvieron una larga historia de interpretación.
Siguiendo el ejemplo de Fibich y Suk, muchos otros compositores checos crearon melodramas como obras independientes basadas en la poesía del Renacimiento nacional, entre ellos Karel Kovařovic , Otakar Ostrčil , Ladislav Vycpálek , Otakar Jeremiáš , Emil Axman y Jan Zelinka. Vítězslav Novák incluyó partes de melodrama en su ópera Lucerna de 1923 , y Jaroslav Ježek compuso escenas clave para las obras de teatro de Osvobozené divadlo como melodrama (sobre todo el prólogo inicial de la farsa antifascista Osel a stín (1933), pronunciado por el personaje de Dioniso a ritmo de bolero ). La práctica del melodrama checo disminuyó tras el protectorado nazi .
El melodrama teatral victoriano presentaba seis personajes comunes : el héroe, el villano, la heroína, un padre anciano, un compañero y un sirviente del padre anciano envueltos en una trama sensacional con temas de amor y asesinato. A menudo, el héroe bueno pero no muy inteligente es engañado por un villano intrigante, que tiene los ojos puestos en la damisela en apuros hasta que al final el destino interviene para asegurar el triunfo del bien sobre el mal. [18] Dos características centrales fueron el coup de théàtre, o cambio de fortuna, y la tontería: una oración del héroe de espaldas a la pared que obliga al público a aplaudir. [19]
El melodrama inglés evolucionó a partir de la tradición del drama populista establecida durante la Edad Media por obras de misterio y moralidad , bajo influencias de la commedia dell'arte italiana , así como del drama alemán Sturm und Drang y el melodrama parisino del período posrevolucionario. [20] Un melodramatista francés notable fue Pixérécourt , cuya La Femme à deux maris fue muy popular. [21]
La primera obra inglesa que se llamó melodrama o 'melodrame' fue A Tale of Mystery (1802) de Thomas Holcroft . Este fue un ejemplo del género gótico , un ejemplo teatral anterior del cual fue The Castle Spectre (1797) de Matthew Gregory Lewis . Otros melodramas góticos incluyen The Miller and his Men (1813) de Isaac Pocock , The Woodsman's Hut (1814) de Samuel Arnold y The Broken Sword (1816) de William Dimond .
Suplantando al gótico, el siguiente subgénero popular fue el melodrama náutico, iniciado por Douglas Jerrold en su Black-Eyed Susan (1829). Otros melodramas náuticos incluyeron The Mutiny at the Nore (1830) de Jerrold y The Red Rover (1829) de Edward Fitzball (Rowell 1953). [18] Los melodramas basados en situaciones urbanas se hicieron populares a mediados del siglo XIX, entre ellos Las calles de Londres (1864) de Dion Boucicault ; y Lost in London (1867) de Watts Phillips, mientras que también aparecieron el melodrama carcelario, el melodrama sobre la templanza y el melodrama imperialista; este último presenta típicamente las tres categorías del nativo "bueno", el nativo valiente pero malvado y el nativo traicionero. [22]
Las novelas sensacionales de las décadas de 1860 y 1870 no sólo proporcionaron material fértil para adaptaciones melodramáticas, sino que son melodramáticas por derecho propio. Un ejemplo notable de este género es El secreto de Lady Audley de Elizabeth Braddon adaptada, en dos versiones diferentes, por George Roberts y CH Hazlewood. Las novelas de Wilkie Collins tienen características de melodrama, siendo su obra más conocida, La mujer de blanco , considerada por algunos críticos modernos como "el melodrama más brillante de la época". [23]
El villano suele ser el personaje central del melodrama y el crimen era su tema favorito. Esto incluyó dramatizaciones de las carreras asesinas de Burke y Hare , Sweeney Todd (aparecido por primera vez en The String of Pearls (1847) de George Dibdin Pitt ), el asesinato de Maria Marten en Red Barn y las extrañas hazañas de Spring Heeled Jack . Las desgracias de un prisionero liberado son el tema de la sensacional The Ticket-of-Leave Man (1863) de Tom Taylor .
Las primeras películas mudas, como Los peligros de Pauline, tenían temas similares. Más tarde, después de que el cine mudo fuera sustituido por el 'sonoro', el actor de teatro Tod Slaughter , a la edad de 50 años, trasladó a la pantalla los melodramas victorianos en los que había interpretado a un villano en su anterior carrera teatral. Estas películas, que incluyen Maria Marten o Murder in the Red Barn (1935), Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (1936) y The Ticket of Leave Man (1937) son un registro único de una forma de arte pasada.
El melodrama clásico es menos común que antes en la televisión y en las películas del mundo occidental. Sin embargo, sigue siendo muy popular en otras regiones, particularmente en Asia y los países hispanos. El melodrama es uno de los principales géneros (junto con el romance, la comedia y la fantasía) utilizados en las telenovelas latinoamericanas, particularmente en Venezuela , México , Colombia , Argentina y Brasil , y en las telenovelas asiáticas, Corea del Sur , Japón , Taiwán. , China , Pakistán , Tailandia , India , Turquía y (en una fusión de las culturas hispánica y asiática) Filipinas . Las comunidades de expatriados en la diáspora de estos países brindan a la audiencia un mercado global.
Las películas de melodrama son un subgénero de las películas dramáticas caracterizadas por tramas que apelan a las emociones intensas de la audiencia . Las películas melodramáticas suelen utilizar tramas que implican crisis de emociones humanas, romance o amistad fallidos , situaciones familiares tensas, tragedias , enfermedades , neurosis o dificultades emocionales y físicas. Los personajes comunes presentes en las películas de melodrama incluyen víctimas, parejas, personajes virtuosos y heroicos y protagonistas sufrientes (generalmente heroínas ). Estos personajes se enfrentan a tremendas presiones sociales, amenazas, represión, miedos, acontecimientos improbables o dificultades con los amigos, la comunidad , el trabajo , los amantes o la familia. Siguiendo el típico formato melodramático, los personajes superan sus dificultades y superan los problemas.
Un punto común de tensión en la trama es que los personajes se sienten atrapados por los escenarios melodramáticos típicos de la esfera doméstica del hogar o del pequeño pueblo. Los cineastas suelen añadir flashbacks para ampliar los escenarios, que de otro modo serían constantes, de las películas melodramáticas.
Las feministas han notado cuatro categorías de temas en el melodrama cinematográfico: aquellos con una paciente, una figura materna, un "amor imposible" y el melodrama paranoico. [8]
La mayoría de los melodramas cinematográficos de las décadas de 1930 y 1940, en ese momento conocidos como "llorones" o "lacrimógenos", fueron adaptaciones de ficción femenina, como novelas románticas y romances históricos. [8] A partir de una historia compartida con la ficción femenina, las películas melodramáticas a menudo se concentran en las perspectivas y deseos femeninos. Desde la década de 1930 hasta finales de la de 1960, las restricciones del Código Hays sobre la inclusión de contenido "licencioso" en las películas restringirían la representación del deseo femenino en el melodrama cinematográfico estadounidense. [8]
Durante la década de 1940, los melodramas británicos de Gainsborough tuvieron éxito entre el público. [ cita necesaria ]
En los años 1950, las películas del director Douglas Sirk , como Todo lo que el cielo permite (1955) y Escrito en el viento (1956), son representativas del género. Muchos cineastas melodramáticos posteriores citan a Sirk y sus obras como influencias importantes.
En la década de 1970, Rainer Werner Fassbinder , influenciado por Sirk, contribuyó al género abordando cuestiones del subconsciente cultural, abordando la clase en El mercader de las cuatro estaciones (1971) y La madre Küsters va al cielo (1975), la orientación sexual y codependencia en The Bitter Tears of Petra von Kant (1972) y racismo, xenofobia y discriminación por edad en Fear Eats the Soul (1974).
Los melodramas como las películas televisivas El momento de la verdad de la década de 1990 se dirigieron a audiencias de mujeres estadounidenses al retratar los efectos del alcoholismo , la violencia doméstica , la violación y cosas similares. Típico del melodrama de los 90 es la película Agnes Browne de 1999 de Anjelica Huston . [27]
La película de Todd Haynes de 2002, Lejos del cielo , es una versión más reciente del melodrama. [ cita necesaria ] . El director contemporáneo Pedro Almodóvar también se ha inspirado mucho en el género melodramático y en directores como Sirk. [ cita necesaria ]
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