Pintura simbolista

La pintura simbolista fue una de las principales manifestaciones artísticas del simbolismo , un movimiento cultural que surgió a finales del siglo XIX en Francia y se desarrolló en varios países europeos. El inicio de esta corriente se dio en la poesía, especialmente gracias al impacto de Las flores del mal de Charles Baudelaire (1868), que influyó poderosamente en una generación de jóvenes poetas entre los que se encontraban Paul Verlaine , Stéphane Mallarmé y Arthur Rimbaud . El término «simbolismo» fue acuñado por Jean Moréas en un manifiesto literario publicado en Le Figaro en 1886. Las premisas estéticas del simbolismo se trasladaron de la poesía a otras artes, especialmente a la pintura, la escultura, la música y el teatro. La cronología de este estilo es difícil de establecer: el auge se sitúa entre 1885 y 1905, pero ya en la década de 1860 aparecieron obras que apuntaban al simbolismo, mientras que su culminación puede establecerse a principios de la Primera Guerra Mundial .

En pintura, el simbolismo fue un estilo fantástico y onírico que surgió como reacción al naturalismo de la pintura realista y a las tendencias impresionistas , a cuya objetividad y descripción detallada de la realidad se oponía la subjetividad y la representación de lo oculto y lo irracional, en contraposición a la representación, la evocación o la sugestión. Así como en poesía el ritmo de las palabras servía para expresar un significado trascendente, en pintura se buscaban formas para que el color y la línea expresaran ideas. En este movimiento, todas las artes estaban relacionadas y así la pintura de Redon se comparaba a menudo con la poesía de Baudelaire o la música de Debussy . ^[1]

Este estilo puso un énfasis especial en el mundo de los sueños y el misticismo , así como en diversos aspectos de la contracultura y la marginalidad, como el esoterismo , el satanismo , el terror , la muerte, el pecado , el sexo y la perversión —sintomática en este sentido es la fascinación de estos artistas por la figura de la mujer fatal— . Todo ello se manifestó en sintonía con el decadentismo , corriente cultural finisecular que subrayaba los aspectos más existenciales de la vida y el pesimismo como actitud vital, así como la evasión y exaltación del inconsciente. Otra corriente vinculada al simbolismo fue el esteticismo , una reacción al utilitarismo imperante en la época y a la fealdad y el materialismo de la era industrial. Frente a ello, se concedió al arte y a la belleza una autonomía propia, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier «el arte por el arte» ( L'art pour l'art ). Algunos artistas simbolistas también estaban vinculados a la teosofía y a organizaciones esotéricas como los rosacruces . ^[2] Estilísticamente hubo una gran diversidad dentro de la pintura simbolista, como lo denota la comparación del suntuoso exotismo de Gustave Moreau con la melancólica serenidad de Pierre Puvis de Chavannes . ^[3]

El simbolismo pictórico estuvo relacionado con otros movimientos anteriores y posteriores: el prerrafaelismo suele considerarse un antecedente de este movimiento, mientras que a principios del siglo XX se vinculó al expresionismo , sobre todo gracias a figuras como Edvard Munch y James Ensor . Por otro lado, algunas escuelas o asociaciones artísticas como la Escuela de Pont-Aven o el grupo de los Nabis se consideran simbolistas o directamente relacionadas con el simbolismo. ^[4] También fueron herederos en cierta medida del neoimpresionismo , cuya técnica puntillista fue la primera en romper con el naturalismo impresionista. Por otro lado, el postimpresionista Paul Gauguin ejerció una poderosa influencia en los inicios del simbolismo, gracias a sus vínculos con la Escuela de Pont-Aven y el cloisonnismo . ^[2] Esta corriente también estuvo vinculada al modernismo , conocido como art nouveau en Francia, Modern Style en Reino Unido, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria o Liberty en Italia. ^[5]

Características generales

El simbolismo surgió como una reacción a las múltiples tendencias ligadas al realismo en el ámbito de la cultura a lo largo del siglo XIX. Factores como el progreso de la ciencia desde el Renacimiento —que en este siglo desembocó en el positivismo científico— , el desarrollo de la industria y el comercio que se originó con el capitalismo y la Revolución Industrial , la preferencia de la burguesía por el naturalismo cultural y el surgimiento del socialismo con su tendencia al materialismo filosófico , propiciaron una clara preferencia por el realismo artístico a lo largo del siglo, lo cual se evidenció en movimientos como la pintura realista y el impresionismo. En contraposición a ello, primero los poetas y luego los artistas expresaron una nueva forma de entender la vida, más subjetiva y espiritual, reflejo de su angustia existencial en una época de pérdida de valores tanto morales como religiosos, por lo que se adentraron en la búsqueda de un nuevo lenguaje y una nueva categoría de valores que manifestaran su mundo interior, sus creencias, sus emociones, sus miedos, sus anhelos. ^[6] Según Johannes Dobai, “el arte simbolista tiende a generalizar, a través de imágenes, una experiencia individual, o más bien inconsciente, del mundo”. ^[7]

El simbolismo fue un movimiento ecléctico , que reunió a una serie de artistas con inquietudes y sensibilidades comunes. Más que un estilo homogéneo, fue una amalgama de estilos agrupados por una serie de factores comunes, como los temas, las formas de entender la vida y el arte, las influencias literarias y musicales, y una oposición al realismo y al positivismo científico. Fue un movimiento a veces contradictorio, que mezcló el deseo de modernidad y de ruptura con la tradición con la nostalgia del pasado, la fealdad del decadentismo con la belleza del esteticismo, la serenidad con la exaltación, la razón con la locura. También hay una superposición entre diferentes estilos que coexisten simultáneamente: neoimpresionismo y postimpresionismo , modernismo , simbolismo , sintetismo , ingenuismo ; así como entre las artes plásticas: pintura, escultura, ilustración , artes decorativas , y entre estas y la poesía, el teatro y la música. ^[8]

La historiografía del arte ha tenido dificultades para establecer parámetros estilísticos comunes al simbolismo. Durante un tiempo se consideró simbolista a cualquier obra de arte de la segunda mitad del siglo XIX con un contenido onírico o psicológico. Finalmente se consideró que se trataba de una amplia corriente cultural que abarcaba una línea temporal entre finales del siglo XIX y principios del XX desarrollada en toda Europa —incluida Rusia— y con algunas reminiscencias en Estados Unidos, una corriente que aglutinaba estilos autónomos total o parcialmente diversos, como el prerrafaelismo inglés , el nabis francés, el modernismo presente por ejemplo en Gustav Klimt o incluso un incipiente expresionismo perceptible en la obra de Edvard Munch . ^[9] Según Philippe Jullian , «nunca ha habido una escuela simbolista de pintura, sino más bien un gusto simbolista». ^[10]

El simbolismo exalta la subjetividad, la experiencia interior. Según Amy Dempsey, “los simbolistas fueron los primeros artistas en declarar que el verdadero fin del arte era el mundo interior del estado de ánimo y la emoción, más que el mundo objetivo de las apariencias externas”. Para ello, utilizaban el símbolo como vehículo de expresión de sus emociones, que tomaban la forma de imágenes de fuerte contenido subjetivo e irracional, en las que predominaban los sueños, las visiones, los mundos fantásticos recreados por el artista, con cierta tendencia hacia lo morboso y lo perverso, el erotismo atormentado, la soledad y la angustia existencial. ^[11]

En este estilo, el símbolo es un “agente de comunicación con el misterio”, permitiendo la expresión de intuiciones y procesos mentales ocultos de una manera que no sería posible en un medio de expresión convencional. El símbolo hace manifiesto lo ambiguo, lo misterioso, lo inexpresable, lo oculto. El arte simbolista exalta la idea, lo latente, lo subjetivo; es una exteriorización del yo del artista, de ahí su interés por los conceptos intangibles, la religión, la mitología, la fantasía, la leyenda, así como el hermetismo, el ocultismo e incluso el satanismo. Según el crítico Roger Marx eran artistas que buscaban “dar forma al sueño”. ^[12]

Frente al naturalismo se defiende el artificio, frente a lo moderno lo primitivo, frente a lo objetivo lo subjetivo, frente a lo racional lo irracional, frente al orden social la marginación, frente a lo consciente lo oculto y misterioso. El artista ya no recrea la naturaleza, sino que construye su propio mundo, se libera expresiva y creativamente, aspira a la obra de arte total , en la que cuida todos los detalles y se convierte en creador absoluto. Paul Cézanne consideraba el arte como «una armonía paralela a la naturaleza»; y Oscar Wilde afirmaba que «el arte es siempre más abstracto de lo que imaginamos. La forma y el color nos hablan de forma y color, y eso es todo». Con el arte simbolista se consigue la autonomía del lenguaje artístico: el arte rompe con la tradición y construye un universo paralelo, pavimentando un terreno virgen que servirá de base a nuevas formas de entender el arte a principios del siglo XX: las vanguardias históricas . ^[13]

El simbolismo fue también un intento de salvar la cultura humanista occidental , puesta en cuestión desde que la revolución copernicana relegó a la Tierra como centro del universo y, especialmente, desde que la teoría darwiniana de la evolución relegó al ser humano de su condición de soberano de la creación. Frente al cientificismo excesivo de la cultura occidental del siglo XIX, los simbolistas pretendieron recuperar los valores humanos, pero se encontraron en un escenario en el que estos ya estaban distorsionados, en crisis, por lo que lo que recuperaron fueron valores en decadencia, el lado más oscuro del ser humano, pero el único que pudieron rescatar. Según el historiador del arte Jean Clair , su "objetivo era transformar la crisis cultural que alcanzó su cenit en la belle époque en una cultura de la crisis". ^[14]

Uno de los rasgos esenciales del simbolismo era la subjetividad, la exaltación del individualismo, del temperamento personal, de la rebeldía individual. Rémy de Gourmont decía que «el simbolismo es, aunque excesivo, intemperante y pretencioso, la expresión del individualismo en el arte»; y Odilon Redon opinaba que «el futuro está en un mundo subjetivo». ^[15] Esta exaltación de la voluntad individual conlleva la ausencia en esta corriente de señas de identidad estilísticas distintivas comunes a todos los artistas, a los que une más una serie de conceptos abstractos que un programa metodológico establecido. Entre estos conceptos compartidos están el misticismo, la religiosidad y el esteticismo, ligados a una filosofía idealista impregnada de pesimismo finisecular que tiene su máxima expresión en Nietzsche y Schopenhauer . También es común a la mayoría de estos artistas el gusto por la magia, la teosofía y las ciencias ocultas, y una cierta atracción por el satanismo. ^[15] En relación a esto, una obra de referencia para los artistas simbolistas fue la Filosofía del inconsciente de Eduard von Hartmann (1877), en la que se afirmaba que el arte debía ser un método para penetrar en el inconsciente y revelar sus misterios más ocultos. ^[16]

En conexión con un gusto por lo misterioso y lo inconsciente, los simbolistas mostraron una especial preferencia por la alegoría , por la representación de ideas a través de imágenes evocadoras de esas ideas. Para ello recurrieron a menudo a emblemáticas , mitología e iconografías relacionadas con leyendas medievales y figuras del folclore popular, especialmente en los países germánicos y escandinavos. Otra variante de lo oculto fue la atracción por el erotismo, latente en artistas como Moreau o Redon y evidente en Rops , Stuck , Klimt , Beardsley o Mossa . En última instancia, esta atracción también llevó a la exploración de la muerte o la enfermedad, como en Munch , Ensor y Strindberg . ^[16]

Otra característica del arte simbolista fue la sinestesia , la búsqueda de una relación entre las cualidades pictóricas (línea, color, ritmo) y otras cualidades sensoriales como el sonido y el olor: Gauguin hablaba así del «aspecto musical» de su arte; Rimbaud relacionaba las vocales con los colores (A-negro, E-azul, I-rojo, O-amarillo, U-verde); Baudelaire también aplicaba los colores a los perfumes. ^[17] Esta interrelación entre los sentidos fue teorizada por Baudelaire en su Correspondencia (1857), en la que defendía la expresividad del arte como medio para satisfacer todos los sentidos simultáneamente. ^[11] Por otro lado, el lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis , que era pintor y compositor, creó una teoría según la cual el color era el punto de unión entre las diversas artes, que en la pintura era el vínculo entre los diversos motivos y en la música era una imagen del orden cósmico divino . ^[18]

La pintura simbolista propugnaba la composición con memoria frente a la pintura al aire libre propugnada por el impresionismo . ^[2] Uno de sus rasgos esenciales era la línea, en contornos sinuosos de apariencia orgánica, una línea fluida y dinámica, estilizada, en la que la representación pasa del naturalismo a la analogía. Recupera la bidimensionalidad inherente a la pintura, abandonando la perspectiva y la representación de un espacio ilusorio, la gravedad, la apariencia tridimensional. ^[19]

Entre los motivos favorecidos por los simbolistas se encuentran temas tradicionales —aunque frecuentemente reinterpretados— y otros de nueva invención. Entre los primeros están los retratos , los paisajes y la pintura narrativa de cuentos y leyendas, que sirven como nuevas vías para simbolizar conceptos como el amor, la soledad, la nostalgia, etc. El retrato simbolista es uno de introspección psicológica, a menudo idealizado, especialmente en la mujer, en la que se enfatizan los ojos, la boca y el cabello. Baudelaire comparó los ojos con joyas y el cabello con una sinfonía de aromas o un mar de olas. Los ojos eran considerados espejos del alma, generalmente nostálgicos y melancólicos. En cuanto a la boca, podía ser grande como una flor o pequeña como símbolo del silencio, como en la obra de Fernand Khnopff . En cuanto al paisaje, preferían —como en el Romanticismo— lugares solitarios y nostálgicos, evocadores, sugerentes, preferiblemente salvajes y abandonados, inmaculados por el hombre, en horizontes abiertos, casi infinitos. No suelen ser paisajes vacíos, sino que generalmente recurren a la presencia humana, para la que el paisaje es un vehículo de evocación o una proyección de estados psíquicos. ^[20]

Antepasados

El simbolismo, entendido como un medio de expresión del «símbolo», es decir, de un tipo de contenido, ya sea escrito, sonoro o plástico, cuya finalidad es trascender la materia para significar un orden superior de elementos intangibles, ha existido siempre en el arte como manifestación humana, una de cuyas cualidades ha sido siempre la evocación espiritual y la búsqueda de un lenguaje que trascienda la realidad. Así, la presencia del símbolo en el arte puede percibirse ya en las pinturas rupestres prehistóricas y ha sido una constante, sobre todo en el arte vinculado a las creencias religiosas, desde el arte egipcio o el arte azteca hasta el arte cristiano , el arte islámico , el arte budista o cualquiera de las múltiples religiones que han surgido a lo largo de la historia. Un trasfondo simbólico ha estado presente en la mayoría de los movimientos artísticos modernos, como el Renacimiento , el Manierismo , el Barroco , el Rococó o el Romanticismo . En general, estos movimientos se han opuesto a otros que ponían mayor énfasis en la descripción de la realidad —corriente generalmente conocida como naturalismo— , como el academicismo , el Neoclasicismo , el realismo o el Impresionismo . ^[6]

Algunos artistas renacentistas como Botticelli y Mantegna ejercieron una gran influencia sobre los pintores simbolistas: el primero sobre todo en Inglaterra ( Beardsley , Burne-Jones , Ricketts ) y el segundo en Francia con Moreau y Redon, e incluso Picasso . Otros artistas renacentistas que dieron gran relevancia al contenido simbólico de sus obras fueron Giorgione , Tiziano y Alberto Durero , quienes también fueron admirados por los simbolistas del siglo XIX. Un cierto grado de simbolismo se aprecia también en la obra de artistas barrocos como Rubens y Claude Lorrain , así como en un género muy tratado en esta época, el de la vanitas , cuya finalidad es por definición siempre simbólica: recordar al espectador lo efímero de la vida y la igualdad frente a la muerte. En el Rococó (siglo XVIII), un referente especial para los simbolistas fue Jean-Antoine Watteau , cuyas obras se alejaron de la alegoría simbólica convencional que había prevalecido en el Renacimiento y el Barroco para explorar un simbolismo más sutil y oculto, en el que hay que profundizar para entender las intenciones del artista y, por tanto, más cercano al movimiento simbolista. ^[21]

Las raíces más cercanas del simbolismo, ya en el siglo XIX, se encuentran en el Romanticismo y algunas de sus derivaciones, como el Nazarenismo y el Prerrafaelismo . Ya en estos movimientos se pueden percibir algunos de los rasgos del simbolismo, como el subjetivismo, la introspección, el misticismo, la evocación lírica y la atracción por lo misterioso y lo irracional. Artistas románticos como William Blake , Johann Heinrich Füssli , Caspar David Friedrich , Eugène Delacroix , Philipp Otto Runge , Moritz von Schwind o Ludwig Richter preludian en gran medida el estilo desarrollado por los artistas simbolistas. ^[6] Otro precedente que suele considerarse es Francisco de Goya , un artista a medio camino entre el rococó y el romanticismo —un genio más bien inclasificable— que preludió el simbolismo en obras como El sueño de la razón produce monstruos (1799, Museo del Prado , Madrid). ^[22]

El Romanticismo fue un movimiento innovador que supuso la primera fractura frente al principal motor que impulsaba los tiempos modernos: la razón. Según Isaiah Berlin , se produjo “un desplazamiento de la conciencia que partió la columna vertebral del pensamiento europeo”. ^[23] Para los románticos, el mundo objetivo de los sentidos no tenía validez, por lo que recurrieron a su antítesis: la subjetividad. Los artistas recurrieron a su mundo interior, era su propio temperamento el que dictaba las reglas y no la sociedad. Frente a las reglas académicas, dieron primacía a la imaginación, que sería el nuevo vehículo de expresión. Todo ello está en la base del arte simbolista, hasta el punto de que algunos expertos lo consideran parte del movimiento romántico. ^[23]

El antecesor inmediato del simbolismo fue el prerrafaelismo, un grupo de artistas británicos que se inspiraron —como su nombre indica— en los pintores italianos anteriores a Rafael , así como en la recién emergente fotografía, con exponentes como Dante Gabriel Rossetti , John Everett Millais , William Holman Hunt , Ford Madox Brown y Edward Burne-Jones . Aunque su estilo es realista, con imágenes de gran detalle, colores vivos y factura brillante, sus obras están llenas de alusiones simbólicas, a menudo de inspiración literaria y con un tono moralizante, así como un fuerte misticismo. Su temática suele centrarse en leyendas medievales —especialmente el ciclo artúrico— , el mundo renacentista o los dramas shakespearianos . Su estética se centra generalmente en la belleza femenina, un tipo de belleza sensual pero lánguida, con cierto aire de melancolía e idealización de la figura femenina. ^[24]

Fuentes literarias

El 18 de septiembre de 1886, Jean Moréas publicó en Le Figaro un manifiesto literario en el que definía el simbolismo como «el enemigo de la enseñanza, de la declamación, de la falsa sensibilidad y de la descripción objetiva». Según Moréas, el arte era la expresión analógica y concreta de la Idea, en la que se funden elementos sensoriales y espirituales. ^[25] Por su parte, el crítico francés Charles Morice definía el simbolismo como la síntesis entre el espíritu y los sentidos ( La Littérature de tout à l'heure , 1889). ^[2]

Un antecedente literario de este movimiento fue el libro A contrapelo (À rebours) de Joris-Karl Huysmans (1884), un canto al esteticismo y a la excentricidad como actitud vital, en el que relaciona la obra de ciertos artistas como Gustave Moreau , Rodolphe Bresdin y Odilon Redon con el decadentismo. ^[2] En esta novela el protagonista, Jean Floressas des Esseintes, se retira del mundo para vivir en un entorno creado por él en el que se dedica a disfrutar de la literatura, la música, el arte, las flores, las joyas, los perfumes, los licores y todas aquellas cosas que estimulan una existencia idealizada, alejada del ruido mundano. Como indica su título, el personaje vive «a contrapelo del sentido común, del sentido moral, de la razón, de la naturaleza». ^[26] El protagonista llena su casa de obras de arte simbolista, que define como «obras de arte evocadoras que lo transportarán a un mundo desconocido, abriéndole nuevas posibilidades y agitando su sistema nervioso por medio de fantasías eruditas, pesadillas complicadas y visiones suaves y siniestras». ^[27] Este libro fue considerado la «Biblia del decadentismo», la revelación del sentimiento fin de siglo . ^[28]

El simbolismo fue difundido por numerosas revistas como La Revue wagnerienne (1885), Le Symbolisme (1886), La Plume (1889), La Revue blanche (1891) y, especialmente, La Pléiade (1886, rebautizada en 1889 como Mercure de France ), que era el órgano oficial del simbolismo. En esta última revista el crítico Gabriel-Albert Aurier en 1891 definió la pintura simbolista como idealista, simbolista, sintetista, subjetiva y decorativa : ^[2]

La obra de arte será: 1. Idealista, para la cual su único ideal será la expresión de la idea. 2. Simbolista, para la cual expresará esta idea por medio de formas. 3. Sintetista, para la cual presentará estas formas y estos signos, según un método que sea comprensible en términos generales. 4. Subjetiva, para la cual el objeto nunca será considerado como un objeto sino como un signo de una idea percibida por el objeto. 5. (En consecuencia será) decorativa. ^[11]

Por otra parte, el poeta Gustave Kahn señaló en 1886 que:

El objetivo esencial de nuestro arte es objetivar lo subjetivo (la externalización de la idea) más que subjetivar lo objetivo (la naturaleza vista a través de los ojos de un temperamento). ^[29]

En el prefacio de su Livre des masques (1896), Rémy de Gourmont escribió sobre el simbolismo:

¿Qué significa simbolismo? Si nos atenemos al sentido estricto y etimológico, casi nada; si se traspasa este límite, puede significar: individualismo en la literatura, libertad en el arte, abandono de las fórmulas enseñadas, tendencia hacia todo lo nuevo, extraño e incluso insólito; y también puede significar: idealismo, desdén por la anécdota social, antinaturalismo. ^[15]

La pintura simbolista estuvo estrechamente ligada a la literatura, de modo que muchas de las obras de los literatos simbolistas sirvieron de inspiración a artistas, especialmente Edgar Allan Poe , Charles Baudelaire , Gustave Flaubert , Gérard de Nerval , Arthur Rimbaud , Stéphane Mallarmé , Oscar Wilde , Maurice Maeterlinck , Stefan George , Rainer Maria Rilke , Richard Dehmel , Arthur Schnitzler y Hugo von Hofmannsthal . ^[30]

Otros referentes literarios del simbolismo los encontramos en la filosofía pesimista de Arthur Schopenhauer , opuesta al positivismo de Auguste Comte , y en la filosofía subjetivista de Henri Bergson y su consejo de buscar la verdad a través de la intuición. Otro referente filosófico fue Friedrich Nietzsche . ^[31]

Además de Francia, el otro país que aportó un intenso bagaje a la teoría del simbolismo fue Reino Unido, cuna del decadentismo. En ese terreno ayudaron algunos artículos del crítico y poeta Arthur Symons en la revista Savoy , autor del ensayo El movimiento simbolista en la literatura (1900), donde defendía el simbolismo como un intento de espiritualizar el arte y convertirlo en una religión que sustituyera a la fantasía por la naturaleza. ^[32]

Esteticismo

El simbolismo estaba íntimamente ligado al esteticismo , un movimiento filosófico-artístico que, frente al materialismo de la era industrial, se oponía a la exaltación del arte y de la belleza, sintetizada en la fórmula de Théophile Gautier del « arte por el arte » ( l'art pour l'art'), que llegó a ser denominada «religión estética». ^[33] Esta postura buscaba aislar al artista de la sociedad, para que buscara su propia inspiración de forma autónoma y se dejara llevar únicamente por una búsqueda individual de la belleza. ^[34] La belleza era desvinculada de cualquier componente moral, pasando a ser el fin último del artista, que pasaba a vivir su propia vida como obra de arte -como se puede ver en la figura del dandy- . ^[35] Para los estetas, el arte no debía tener ninguna función didáctica, moral, social o política, sino que debía responder únicamente al placer y a la belleza. ^[36]

Este movimiento surgió en el Reino Unido, cuna de la Revolución Industrial , donde en la primera mitad del siglo XIX se desarrollaron estilos artísticos —sobre todo en arquitectura y artes decorativas— de corte ecléctico como el historicismo . Frente a ello, empezó a surgir un «Descontento estético», que provocó una reacción hacia formas más naturales y artesanales, como se vio en el movimiento Arts & Crafts , que supuso una revalorización de las artes decorativas. Todo ello desembocó en el llamado «Movimiento estético», liderado por John Ruskin , que defendía la dignidad de la artesanía y una concepción del arte orientada a la belleza. Ruskin propugnaba un evangelio de la belleza , en el que el arte es consustancial a la vida, es una necesidad básica que hace al ser humano elevarse de su condición animal; más que un embellecimiento de la vida, el arte es la vida misma. ^[37]

Otro teórico del movimiento fue Walter Pater , quien estableció en sus obras que el artista debe vivir intensamente la vida, siguiendo la belleza como ideal. Para Pater, el arte es «el círculo mágico de la existencia», un mundo aislado y autónomo puesto al servicio del placer, elaborando una auténtica metafísica de la belleza. ^[38] Posteriormente, autores como James Abbott McNeill Whistler , Oscar Wilde , Algernon Charles Swinburne y Stéphane Mallarmé desarrollaron esta tendencia hasta un alto grado de refinamiento basándose únicamente en la sensibilidad del artista. ^[39]

En Francia, Théophile Gautier convirtió una cita del Curso de filosofía de Victor Cousin en el lema l'art pour l'art , que fue el caballo de batalla del esteticismo. Esta frase sintetizaba la creencia en la autonomía absoluta del arte, que prescinde de cualquier condicionamiento moral o ideológico para expresar la idea de belleza como fin último del artista. Así, la poesía simbolista se basa en el preciosismo y la sensualidad, en efectos líricos que brillan como piedras preciosas, y el arte busca la sugestión de la imagen, la riqueza del símbolo, la estética sensual que extraen incluso de elementos como el vicio y la perversión, que se depuran para lograr una imagen de fuerte impacto visual. ^[40]

Un fenómeno paralelo al esteticismo fue el dandiismo , en el que el culto a la belleza se traslada al propio cuerpo: los dandis visten ropa elegante, se preocupan excesivamente de su imagen personal, se interesan por la moda y buscan estar a la última en el vestir; son aficionados a los complementos, como sombreros, guantes y bastones. En general, son personajes urbanos, de origen burgués —aunque en ocasiones renuncian a esta distinción—, a menudo con profesiones liberales y aficionados a las novedades tecnológicas. En cuanto al carácter, tendían a ser altivos y conflictivos, y les gustaba ser admirados e incluso considerados celebridades. Como fenómeno surgido en el Reino Unido, los dandis son hijos de la moral victoriana , y aunque se rebelan contra ella, lo hacen desde una actitud pasiva, reducida a la insolencia, el sarcasmo y el escepticismo. Desdeñan la vulgaridad y se centran en el placer, ya sea físico o intelectual. ^[41]

Decadentismo

El escritor Thomas Mann , en su novela Gladius Dei (1902), entrelazó estas dos imágenes para forjar el prototipo de la mujer pecadora.

El decadentismo fue una corriente finisecular perceptible tanto en el arte como en la literatura, la música y otras manifestaciones culturales, que enfatizaba los aspectos más existenciales de la vida y la sociedad, con una actitud pesimista derivada de la filosofía de Schopenhauer y Kierkegaard , y una actitud rebelde y antisocial inspirada en obras como Las flores del mal de Baudelaire y A contrapelo de Huysmans . Sus características generales son un gusto por la elegancia y la fantasía, así como por lo exótico —lo que se denota en su predilección por las orquídeas, las mariposas o los pavos reales—, una predilección por la belleza artificial, al tiempo que denigra la naturaleza; una visión romántica del mal y de las ciencias ocultas; cierta tendencia hacia lo grotesco y lo sensacionalista, y un gusto por lo morboso y lo perverso; un rechazo de la moral convencional; y una concepción dramática de la vida. ^[42]

La sensibilidad romántica fue llevada a la exageración, especialmente en el gusto por lo morboso y lo aterrador, y surgió una «estética del mal», apreciable en la atracción por el satanismo , la magia y los fenómenos paranormales, o la fascinación por el vicio y la desviación sexual. ^[43] El arte simbolista sobreexcita los sentidos, lo que produce una sensación de decadencia, que será el estado de ánimo característico del fin de siglo . Paul Verlaine escribió:

Me gusta la palabra “decadentismo”. Tiene un brillo dorado y morado. Desprende rayos de fuego y el brillo de piedras preciosas. ^[40]

Desde 1886 se editó en Francia una revista titulada Le Décadent , que era en cierto modo el órgano oficial de este movimiento. En su primer número, del 10 de abril de 1886, anunció a la sociedad la decadencia de valores como la moral, la religión y la justicia, y señaló síntomas del proceso de involución social como la historia, la neurosis, el hipnotismo y la toxicomanía. El decadentismo fue un movimiento antiburgués y antinaturalista, que defendía el lujo, el placer y la hipersensibilidad del gusto. En el plano teórico, se basó en la obra de pensadores y filósofos como Friedrich Nietzsche , que señaló el símbolo como base del arte; Henri Bergson , que se oponía a la realidad objetiva y defendía su percepción subjetiva; y Arthur Schopenhauer , cuyo libro El mundo como voluntad y representación (1819) influyó poderosamente en el pesimismo finisecular . ^[44]

Una de las características del decadentismo es la oscura atracción por la mujer perversa, la femme fatale , la Eva convertida en Lilith , la mujer enigmática y distante, inquietante, la mujer que Manuel Machado definió como frágil, viciosa y mística, virgen prerrafaelita y gata parisina . Es una mujer amada y odiada, adorada y vilipendiada, enaltecida y repudiada, virtuosa y pecadora, que adoptará numerosas formas simbólicas y alegóricas, como esfinge , sirena , quimera , medusa , genio alado, etc. Se puso de moda un tipo de belleza artificial y andrógina , ambigua, un tipo de belleza leonardesca , de rasgos indefinidos, que tendrá un equivalente simbólico en flores como el lirio o animales como el cisne y el pavo real . ^[45] Los simbolistas a menudo retrataron personajes como Eva, Salomé , Judit , Mesalina o Cleopatra , prototipos de la femme fatale, de la fémina vampírica que convertía la sexualidad femenina en un poder peligroso y misterioso, a menudo asociado al pecado, como se vislumbra en la alegoría de El pecado de Franz von Stuck (1893, Neue Pinakothek , Múnich). ^[46] Algunas de las mujeres de la época que sirvieron de referentes para los artistas simbolistas y modernistas fueron las bailarinas Cléo de Mérode , La Bella Otero y Loïe Fuller , así como la actriz Sarah Bernhardt . ^[47]

Difusión y legado

El arte finisecular —simbolismo, modernismo— se apoyó en una serie de medios cada vez más diversos para su difusión, gracias a los avances tecnológicos y a la velocidad cada vez mayor de las comunicaciones. El nuevo arte se apoyó en una variedad de medios propagandísticos como revistas, exposiciones, galerías, carteles publicitarios, libros ilustrados, talleres de producción y sociedades de artistas, escuelas y academias privadas y otros tipos de canales de promoción y venta. La velocidad de difusión y reproducción condujo tanto a la cosmopolitización del nuevo estilo como a una cierta vulgarización del mismo: las réplicas de obras de arte simbolistas llevaron a su devaluación hasta un cierto gusto kitsch , y el intento de encontrar un nuevo lenguaje alejado de la cruda estética burguesa degeneró a veces en un pobre sustituto de ésta. ^[48]

El simbolismo influyó en varios movimientos contemporáneos, como el modernismo y el arte naif , así como en varios de los primeros "ismos" del arte de vanguardia , como el fauvismo , el expresionismo , el futurismo , el surrealismo e incluso el arte abstracto : algunos de los pioneros de la abstracción, como Kandinsky , Malevich , Mondrian y Kupka , tuvieron una fase simbolista al inicio de su obra. ^[49] El colorido fauvista fue heredero del simbolismo, el cloisonnismo y el sintetismo , en una línea evolutiva que comienza con el color liso sin sombras de Puvis de Chavannes , continúa con el color esmaltado y encerrado en contornos negros de Émile Bernard , color que Gauguin llevó a su máxima expresión y fue transmitido por Sérusier a los nabis ; el máximo exponente del fauvismo, Henri Matisse , reveló que su cuadro Lujo I se inspiró en Chicas junto al mar de Puvis de Chavannes. ^[50] El expresionismo consideró como antecedentes inmediatos a artistas como Paul Gauguin , Edvard Munch o James Ensor , y algunos artistas expresionistas tuvieron una fase simbolista temprana, como Georges Rouault , Alfred Kubin , Egon Schiele , Oskar Kokoschka , Franz Marc y Vasili Kandinsky . El futurismo, aunque teóricamente opuesto al simbolismo, recibió su influencia en gran medida, sobre todo gracias a la obra de Gaetano Previati ; artistas futuristas como Umberto Boccioni , Giacomo Balla y Carlo Carrà se acercaron al simbolismo en sus primeras obras, así como Giorgio de Chirico , el máximo exponente de la pintura metafísica . Por su parte, el surrealismo estuvo influido por artistas como Odilon Redon , William Degouve de Nuncques y Alberto Martini , cuya huella puede percibirse en artistas como Paul Delvaux , René Magritte , Paul Klee o Salvador Dalí . ^[51]

Francia

Como hemos visto, Francia fue la cuna del simbolismo, tanto en pintura como en poesía y otros géneros artísticos. Gustave Moreau puede ser considerado el padre del simbolismo pictórico; en todo caso, su obra se anticipa en dos décadas a la aparición del simbolismo «oficial», pues a partir de la década de 1860 Moreau ya pintaba cuadros en los que recreaba su particular mundo de fantasía lujosa y detallada, con temas basados en la mitología, la historia y la Biblia, con especial predilección por personajes fatales como Salomé. ^[52] Moreau se formó todavía en el Romanticismo bajo la influencia de su maestro, Théodore Chassériau , pero evolucionó hacia un estilo personal tanto en la temática como en la técnica, con imágenes de corte místico con un fuerte componente de sensualidad, ^[53] un cromatismo resplandeciente con acabado esmaltado y el uso de un claroscuro de sombras doradas. ^[54] Fue influenciado por artistas como Leonardo , Mantegna y Delacroix , así como por el arte indio , el arte bizantino y el mosaico grecorromano. ^[55] Sus obras son de corte fantástico y estilo ornamental, con composiciones abigarradas densamente pobladas de todo tipo de objetos y elementos vegetales, con un erotismo sugerente que refleja sus miedos y obsesiones, en las que retrata un prototipo de mujer ambigua, entre la inocencia y la perversidad: Edipo y la esfinge (1864, Metropolitan Museum of Art , Nueva York), Orfeo (1865, Museo del Louvre , París), Jasón y Medea (1865, Museo de Orsay , París), Diomedes devorado por sus caballos (1870, Museo de Bellas Artes de Ruán ), La aparición (1874–1876, Museo Gustave Moreau , París), Salomé (1876, Museo Gustave Moreau, París), Hércules y la hidra de Lerna (1876, Art Institute of Chicago ), Cleopatra (1887, Museo del Louvre, París), Júpiter y Sémele (1894-1896, Museo Gustave Moreau, París). ^[56] Vivió casi recluido en su casa de la parisina Rue de Rochefoucauld —hoy Museo Moreau—, donde produjo unas 850 pinturas, además de dibujos y acuarelas. ^[57] Moreau fue profesor de Henri Matisse , Albert Marquet y Georges Rouault , entre otros. ^[29]

Otro referente de la vanguardia fue Pierre Puvis de Chavannes , pintor singular cuyo estilo se aleja por completo del simbolismo barroco de Moreau, un estilo clásico y sereno que se hubiera catalogado de academicista de no ser por la elección de sus temas, donde sí se aprecia el recurso al símbolo y a la alegoría como medios de transmitir el mensaje. ^[49] Fue un muralista destacado , procedimiento que le vino bien para desarrollar su preferencia por los tonos fríos, que daban apariencia de pintura al fresco . Tuvo un estilo más sereno y armonioso, con una temática alegórica de evocación de un pasado idealizado, formas sencillas, líneas rítmicas y un colorido subjetivo, ajeno al naturalismo. ^[58] En su juventud pasó brevemente por los talleres de Delacroix , Coutoure y Chassériau y realizó dos viajes a Italia, pero quizá lo más trascendente para la formación de su estilo sereno y reposado fue su relación con la princesa griega María Cantacuzeno, quien le transmitió su intensa espiritualidad. ^[59] En 1861, con las alegorías de la Guerra y la Paz (Museo Municipal de Amiens ) inició su labor muralista, por la que recibió numerosos encargos en toda Francia y que le harían famoso. ^[60] Pintó murales en los ayuntamientos de París y Poitiers , el Panteón , la Sorbona y la Biblioteca Pública de Boston , entre otros. Su estilo monumental se basaba en la ausencia de profundidad, la linealidad constructiva y la majestuosidad compositiva, así como en la reflexión filosófica inherente a sus escenas. ^[61] En 1890 fundó con Rodin , Carrière y Meissonnier la Société Nationale des Beaux Arts, que organizó diversas exposiciones de artistas jóvenes y de nuevas tendencias hasta 1910. ^[62]

Odilon Redon fue alumno de Stanislas Gorin, Jean-Léon Gérôme , Rodolphe Bresdin y Henri Fantin-Latour . ^[61] Desarrolló una temática fantástica y onírica, influida por la literatura de Edgar Allan Poe , que precedió en gran medida al surrealismo . Hasta los cincuenta años trabajó casi exclusivamente en dibujo al carboncillo y litografía , aunque más tarde demostró ser un excelente colorista tanto al óleo como al pastel, con un estilo basado en el dibujo suave y la coloración de aspecto fosforescente. ^[63] Recibió influencias de artistas como Holbein , Durero , El Bosco , Rembrandt , Goya , Delacroix y Corot . El materialismo científico también ejerció una poderosa influencia en su obra: estudió anatomía , osteología y zoología , conocimientos que se reflejan en su obra; de ahí su preferencia por las cabezas con los ojos cerrados, parecidas a los protozoos . ^[64] Redon ilustró numerosas obras de escritores simbolistas, como Edgar Allan Poe o La tentación de San Antonio de Gustave Flaubert (1886). ^[29] En 1884 fundó la Société des Artistes Indépendants . ^[65]

Alphonse Osbert estudió en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París, donde fue discípulo de Henri Lehmann , Léon Bonnat y Fernand Cormon . Su primer referente estilístico fue el barroco español , especialmente José de Ribera . ^[66] También recibió influencias de Georges Seurat y Pierre Puvis de Chavannes. A través de su amigo el crítico Henry Degron entró en el círculo de Maurice Denis y los nabis, y asistió asiduamente a los salones de los rosacruces . La producción de Osbert se centró en un tipo de paisajes bucólicos y oníricos de tonos etéreos, con preferencia por el azul y el malva, poblados por figuras femeninas en actitud inmóvil, contemplativa. ^[67] En la mayoría de las ocasiones estas figuras aluden a las Musas , vestidas con velos vaporosos y enmarcadas en paisajes idílicos, generalmente de ambientación crepuscular. ^[66]

Eugène Carrière se inició como litógrafo antes de estudiar en la École des Beaux-Arts, donde fue alumno de Alexandre Cabanel. En 1890 fundó con Puvis de Chavannes la Société Nationale des Beaux Arts, donde expuso regularmente. De estilo realista, su temática se adentraba en el simbolismo gracias a su interés por la sugestión emocional, con una técnica de velaturas de tonos grises y marrones que sería característica de su producción. ^[68] Su temática se centraba preferentemente en escenas domésticas, con un interés especial en las relaciones madre-hijo. Una de sus señas de identidad era envolver las figuras en una niebla amarillenta, a modo de extremidades, un efecto que aísla a las figuras y las separa del espectador, con el objetivo de enfatizar su esencia. ^[69]

Henri Fantin-Latour fue un pintor de estilo más bien realista, como denotan sus retratos y naturalezas muertas inspiradas en Chardin . Sin embargo, sus composiciones inspiradas en temas musicales -especialmente de Wagner , Schumann y Berlioz- tienen un fuerte componente simbolista, ^[70] en composiciones en las que recrea mundos fantásticos poblados por ninfas de aspecto prerrafaelita. ^[71]

Lucien Lévy-Dhurmer fue un pintor académico que sintetizó la técnica impresionista con temas simbolistas, especialmente en sus escenas fantásticas; también fue retratista y paisajista. En su obra destaca la armonía cromática y la idealización de los temas representados, en los que se denota la influencia de la música de Beethoven , Fauré y Debussy . ^[72]

Alexandre Séon fue un ilustrador y decorador, el más talentoso de los discípulos de Puvis de Chavannes. Fue el fundador, junto con Péladan y Antoine de la Rochefoucauld, del Salón de la Rose+Croix. En 1891 pintó un retrato de Péladan con aspecto babilónico. Una de sus obras más destacadas es El lamento de Orfeo (1896, Museo de Orsay, París). ^[73]

Edgar Maxence fue discípulo de Moreau y expuso regularmente en el Salón de la Rose+Croix. Su obra muestra un fuerte idealismo, con temas a menudo de inspiración medieval y cuadros en los que combina la pintura con elementos escultóricos. A partir de 1900 su estilo se volvió más decorativista, perdiendo así su esencia simbólica. ^[74]

Edmond Aman-Jean fue alumno de Lehmann en la Escuela de Bellas Artes, donde conoció a Georges Seurat , de quien entabló amistad; también fue amigo de Mallarmé y Péladan . De estilo academicista, se le considera el más «galante» de los simbolistas franceses. Colaboró con Puvis de Chavannes en su mural Bosque sagrado . Participó en las exposiciones de los rosacruces y diseñó el cartel de la de 1893. ^[75] Recibió la influencia prerrafaelita, que se denota en sus contornos en arabesco, con un cromatismo de tonos suaves y mates. Se dedicó especialmente al retrato femenino, con figuras de movimientos delicados en actitud triste y aburrida, de ensoñación y ensimismamiento. ^[76]

Gaston Bussière estudió en la Escuela de Bellas Artes de París con Alexandre Cabanel y Pierre Puvis de Chavannes. Influenciado por Gustave Moreau, también se inspiró en la música de Berlioz y Wagner y en la literatura de William Shakespeare . Expuso varias veces en el Salón de la Rose+Croix. Destacó como ilustrador de libros, como Esplendores y miserias de cortesanas de Honoré de Balzac , Esmaltes y camafeos de Théophile Gautier , Salomé de Oscar Wilde y varias obras de Gustave Flaubert . ^[77]

Gustav-Adolf Mossa fue un simbolista tardío, influido por Moreau, el prerrafaelismo y los pintores renacentistas del Quattrocento . Su obra muestra la influencia de escritores como Mallarmé, Baudelaire y Huysmans. Como en muchos de sus correligionarios, su temática se centró en numerosas ocasiones en la figura de la mujer fatal, a la que consideraba peligrosa y corrupta. Su estilo era de dibujo recargado, a veces caricaturizado, de tono dramático e introspección psicológica. ^[78]

Georges de Feure fue pintor, escenógrafo y marchante de arte. Su estilo era muy decorativista y se dedicó principalmente a la producción de carteles teatrales. Desarrolló un tipo de imagen de moda de la mujer que tuvo mucho éxito en la belle époque . También fue autor de acuarelas, que expuso en el Salón de la Rose+Croix. ^[70]

Louis Welden Hawkins nació en Alemania de padre inglés y madre austríaca, pero vivió desde su infancia en Francia. Estudió en la Académie Julian . Su densa y minuciosa técnica le acerca más al prerrafaelismo que al simbolismo, pero se movió en el ambiente simbolista, manteniendo contactos con escritores como Mallarmé, Jean Lorrain y Robert de Montesquiou , y exponiendo en el Salon des Artistes Français, la Société Nationale, el Salon de la Rose+Croix y la Libre Estéthique de Bruselas . ^[79]

Georges Rouault fue alumno de Gustave Moreau, de cuyo museo fue conservador a partir de 1903. Influenciado por su maestro, sus primeras obras fueron simbolistas, aunque más tarde viró hacia el fauvismo y el expresionismo. Su fase simbolista se caracteriza por una luminosidad ardiente —con predilección por los ambientes nocturnos— y un cromatismo evocador y simbólico ( Jesús entre los doctores , 1894, Museo Unterlinden , Colmar ; El espejo , 1906, Museo Nacional de Arte Moderno, París). ^[80] En su obra es frecuente la presencia de personajes de aspecto grotesco, generalmente jueces, payasos y prostitutas. ^[81]

Otros exponentes del simbolismo francés fueron George Desvallières , Marcellin Desboutin , Charles Dulac, Charles-Auguste Sellier , Georges Lacombe y Antonio de la Gándara . ^[82]

Por último, cabe mencionar a un artista ajeno al movimiento simbolista pero cuyo estilo guarda cierto vínculo con él: Henri Rousseau , máximo representante del llamado arte naif , término aplicado a una serie de pintores autodidactas que desarrollaron un estilo espontáneo, ajeno a los principios técnicos y estéticos de la pintura tradicional, a veces tachado de infantil o primitivo. Rousseau, aduanero de profesión, desarrolló una obra personal, de tono poético y gusto por lo exótico, en la que perdió el interés por la perspectiva y recurrió a una iluminación de aspecto irreal, sin sombras ni fuentes de luz perceptibles, un tipo de imaginería que influyó en artistas como Picasso o Kandinski y en movimientos como la pintura metafísica y el surrealismo . ^[83] La obra de Rousseau fue muy valorada por artistas simbolistas como Redon y Gauguin, especialmente por su colorido, que señalaron trascendía una «esencia mítica». Una de las obras de Rousseau más cercanas al simbolismo fue La guerra (1894, Museo de Orsay, París). ^[84]

Escuela Pont-Aven

En la localidad bretona de Pont-Aven se reunieron entre 1888 y 1894 una serie de artistas encabezados por Paul Gauguin , ^[85] que desarrollaron un estilo heredero del postimpresionismo con tendencia al primitivismo y gusto por lo exótico, con influencias variadas que iban desde el arte medieval —sobre todo tapices, vidrieras y esmaltes— hasta el arte japonés . Desarrollaron una técnica llamada cloisonnismo (por el cloisonné del esmalte ), caracterizada por el uso de zonas lisas de color delimitadas por contornos oscuros. Otro recurso estilístico introducido por esta escuela fue el llamado sintetismo , la búsqueda de la simplificación formal y el recurso a la memoria en contraposición a la pintura copiada del natural. Este movimiento fue difundido por el crítico Albert Aurier y tuvo su clímax en la exposición titulada Pintores simbolistas y sintetistas organizada en el Café Volpini de París en 1889. Entre sus principales miembros, además de Gauguin, figuraban Émile Bernard , Louis Anquetin , Charles Filiger , Armand Seguin , Charles Laval , Émile Schuffenecker , Henry Moret , el holandés Meijer de Haan y el suizo Cuno Amiet . ^[86]

El fundador del grupo fue Paul Gauguin, un artista inquieto que sentía el anhelo de alejarse de la sociedad occidental y volver a la vida primitiva, más original y espontánea, y a un arte liberado de las reglas académicas y de los conceptos estereotipados. Tras una estancia en Martinica , en 1888 se instaló en la localidad bretona de Pont-Aven, un pueblo de montaña rodeado de bosques donde encontró calma e inspiración para su arte. ^[87]

El discípulo más avanzado de Gauguin fue Émile Bernard. En el ambiente rústico y atemporal de Bretaña, Bernard desarrolló una nueva forma de entender la imagen pictórica, basada en amplias configuraciones de planos sólidos y líneas nítidas, con contornos marcados y colores violentos, reducidos a los siete colores del prisma. En la Revue Indépendante , el crítico Édouard Dujardin llamó a este nuevo estilo cloisonnisme , del esmalte cloisonné , ya que los colores se mostraban compartimentados como en esta técnica medieval. ^[88] Junto a Bernard, su principal exponente fue Louis Anquetin; ambos habían sido alumnos de Fernand Cormon , y estaban fascinados por las xilografías y vidrieras japonesas . ^[89] Gauguin conoció la obra de ambos artistas en una exposición en el Grand Restaurant Bouillon en 1887 y, aunque no abrazó del todo esta forma de pintar, sobre todo en cuanto a contornos, su Visión después del Sermón muestra su influencia, sobre todo en los colores saturados. ^[90]

Dos obras de 1888 se convirtieron en el manifiesto de este grupo: Mujeres bretonas en un prado de Bernard y Visión después del sermón de Gauguin. Esta última sintetizaba las esencias del nuevo estilo: concreción temática —la visión de una escena religiosa sugerida por el sermón y las mujeres contemplándola todo en el mismo plano—, colores puros, contornos marcados y ausencia de modelado. Esta concreción y simplificación de los elementos constitutivos del cuadro hizo que esta nueva tendencia fuera bautizada también como sintetismo. ^[88] En esta tendencia, la observación, la memoria, la imaginación y la emoción eran elementos esenciales de una pintura para Gauguin, además de la forma y el color, que son tratados de forma libre y expresiva. En su búsqueda de un nuevo estilo, Gauguin se inspiró en tapices medievales, estampas japonesas y arte prehistórico, en busca de un estilo ajeno al naturalismo que describiera mejor los sentimientos del artista. ^[91]

Del resto del grupo, cabe mencionar a Charles Filiger, típico «artista maldito», bebedor empedernido, apartado del mundo —se instaló en Pont-Aven en 1889 y vivió en Bretaña el resto de su vida— y psíquicamente inestable, hasta el punto de suicidarse. Intensamente místico, desarrolló una obra de pequeño formato, generalmente al gouache, con trazos firmes pero algo ingenuos, lo que da a su producción un aire algo primitivo. ^[92]

Tras la exposición del Café Volpini de 1889, Gauguin se instaló en el pueblo de Le Pouldu con Paul Sérusier , donde repudiaron el sintetismo por «estilo establecido» y continuaron su investigación artística. Gauguin seguía en busca de una supresión cada vez mayor del modelo y la imitación de la naturaleza, explorando nuevas formas de representación basadas en el primitivismo y cierta influencia del arte japonés y de Paul Cézanne ( Autorretrato simbolista con aureola , 1889, National Gallery of Art , Washington DC ; El Cristo amarillo , 1889, Albright-Knox Museum , Buffalo). Finalmente se marchó a Tahití en busca de una esencia más salvaje y natural, y evolucionó hacia un estilo más personal e intuitivo. ^[88] La obra de Gauguin influyó en el fauvismo, el expresionismo, el surrealismo e incluso el arte abstracto. ^[93]

Los Nabis

Los Nabis fueron un grupo de artistas activos en París en la década de 1890, directamente inspirados por Paul Gauguin y la Escuela de Pont-Aven. ^[94] Este grupo estaba influenciado por el esquema rítmico de Gauguin y se destacaba por un intenso cromatismo de fuerte expresividad. Se disolvieron en 1899. ^[94]

Tras su estancia con Gauguin, Paul Sérusier cosechó gran admiración con su obra El talismán (1888) entre un grupo de jóvenes estudiantes de la Académie Julian , entre los que se encontraban Édouard Vuillard , Pierre Bonnard , Maurice Denis , Félix Vallotton y Paul Ranson . Formaron una sociedad secreta llamada Nabis , de una palabra hebrea que significa «profeta», nombre propuesto por el poeta Henri Cazalis . ^[95] Se interesaron por la teosofía y las religiones orientales, y mantuvieron una estrecha relación con el medio literario parisino, especialmente con Stéphane Mallarmé. Su estilo partió de la investigación sintesista y de cierta influencia japonesa para avanzar en un arte cada vez más alejado de los presupuestos académicos, en el que tenían mayor relevancia la investigación cromática, la expresividad del diseño y la voluntad de trasladar emociones al lenguaje plástico. ^[96] Solían reunirse en un café del pasaje Brady y, más tarde, en la casa de Paul Ranson en el bulevar de Montparnasse. ^[97] Otros artistas vinculados a este grupo fueron Henri-Gabriel Ibels , Ker-Xavier Roussel , Georges Lacombe , el danés Mogens Ballin y el holandés Jan Verkade . ^[90]

Los nabis recibieron la influencia, además de Gauguin y el sintetismo, de Georges Seurat, Paul Cézanne, Odilon Redon y Pierre Puvis de Chavannes. Sus principios teóricos se basaban en una firme intención de sintetizar todas las artes, de ahondar en las implicaciones sociales del arte y de reflexionar sobre las bases científicas y místicas del arte. En 1890, Denis publicó en la revista Art et Critique un manifiesto titulado Definición del neotradicionalismo , en el que defendía la ruptura con el naturalismo academicista y el reconocimiento de la función decorativa del arte. En 1891 celebraron su primera exposición en el castillo de Saint-Germain-en-Laye , y en diciembre del mismo año participaron en la exposición de Pintores impresionistas y simbolistas de la Galerie Le Barc de Boutteville (París), donde fueron aclamados como una segunda generación simbolista. ^[98]

Sérusier fue considerado el padre de los nabis, pero fue el más heterogéneo del grupo. A diferencia del resto, que no abandonó la ciudad, prefirió el campo, y tras sus estancias en Pont-Aven y Le Pouldu, se instaló durante un tiempo en Huelgoat y, definitivamente, en Châteauneuf-du-Faou , en Bretaña. Su obra se caracteriza por personajes de aspecto primitivo, sin movimiento ni relación con su entorno, seres aislados y ensimismados que parecen partes inmóviles de la naturaleza, como rocas o árboles. A menudo se inspiró en cuentos de hadas y elfos, especialmente del folclore bretón. También realizó algunos bodegones de influencia cézanniana. ^[99]

Artista polifacético, Maurice Denis es considerado por algunos como el artista simbolista de mayor talento. Además de pintor, fue ilustrador, litógrafo y escenógrafo, y también fue crítico de arte. ^[100] Influenciado por Ingres y Puvis de Chavannes, así como por Gauguin, Bernard y el grupo de Pont-Aven, y con ciertas reminiscencias de Blake y la pintura prerrafaelita, desarrolló una obra de marcado sentimentalismo que denota una concepción de la vida naturalista y piadosa, casi ingenua en su planteamiento de beatífica pureza, en la que resaltan los contrastes decorativos, finos de color y la armonía de líneas puras, con un aire sereno y monumental. Además de su producción pictórica ilustró libros como Respuesta de la pastora al pastor de Édouard Dujardin , Cordura de Paul Verlaine , Imitación de Cristo de Thomas à Kempis o Viaje de Urien de André Gide . ^[101] Posteriormente se centró en el arte religioso y la pintura mural, y fundó el Estudio de Arte Sacro. ^[91]

El suizo Vallotton se inició en la xilografía, con cierta tendencia modernista. Su obra se caracteriza por el erotismo y el humor negro, con desnudos de composición plana en los que se denota la influencia del arte japonés y rostros que parecen máscaras. Su Baño en una tarde de verano , que presentó en el Salón de los Independientes en 1893, fue muy criticado por su mezcla de descaro y tono irónico. Al final de su vida se dedicó al paisaje, que destaca por su luminosidad. ^[102]

Bonnard fue pintor, ilustrador y litógrafo. Fue un excelente dibujante, con figuras de contornos suaves que expresan delicadamente los movimientos más sutiles. Por su dominio del pincel fue apodado «el nabi japonés». ^[103] Junto a Vuillard desarrolló una temática centrada en un tipo de imágenes de ambiente social que reflejaban la vida cotidiana en escenas generalmente interiores, con una fuerte carga de introspección psicológica, un estilo definido por la crítica como «intimismo». ^[103] Expuso regularmente en el Salón de los Independientes y en el Salón de Otoño . Posteriormente estuvo algo vinculado al fauvismo, pero siempre conservó una esencia personal. ^[104]

Vuillard también fue pintor y litógrafo y, al igual que su amigo Bonnard, su obra se centró en la intimidad. Su estilo se caracterizaba por un modelado de colores planos que recordaba a Gauguin y Puvis de Chavannes. Aficionado a la fotografía, a veces la utilizaba como punto de partida para sus composiciones. ^[105]

Ranson estudió en la Escuela de Artes Decorativas de París y en la Académie Julian. En su obra muestra su interés por el ocultismo y la religión. En 1908 fundó la Académie Ranson , donde impartían clases algunos de sus amigos nabis. ^[61] Influenciado por el arte japonés, su estilo se caracteriza por una cierta tendencia hacia el monocromo y los contornos fuertemente marcados. ^[106] Su estilo era algo academicista, aunque mostró mayor originalidad en sus dibujos e ilustraciones, así como en sus cartones para tapices, que eran bordados por su esposa. ^[107]

Rosacrucismo

La Orden de los Rosacruces fue una sociedad secreta supuestamente fundada por un místico medieval llamado Christian Rosenkreuz , que habría alcanzado la sabiduría en un viaje a Oriente. En 1612, un manifiesto titulado Fama Fraternitatis y publicado en Kassel supuso el resurgimiento de esta orden esotérica, que más tarde se escindió en varias ramas, algunas de ellas vinculadas a la masonería . En 1888 el marqués Stanislas de Guaita fundó en Francia la Orden cabalística de la Rosacruz, dedicada al estudio de la cábala , la alquimia y el ocultismo en general. Poco después, en 1890, surgió la Orden de la Rosacruz del Temple y del Grial, fundada por Joséphin Péladan —que utilizaba el título de Sâr ( mago en caldeo ), más alejada del esoterismo y más próxima a la tradición católica—. También conocida como Rosacruz Estética, esta nueva orden ponía especial énfasis en el cultivo y difusión del arte. Entre 1892 y 1897 la Orden organizó una serie de salones artísticos —conocidos como Salon de la Rose+Croix— en los que se exponían obras de arte, preferentemente de estilo simbolista. Los rosacruces defendían el misticismo, la belleza, el lirismo, la leyenda y la alegoría, y rechazaban el naturalismo, los temas humorísticos y géneros como la pintura histórica, el paisaje o la naturaleza muerta. ^[108]

En 1891, Péladan, el poeta Saint-Pol-Roux y el conde Antoine de la Rochefoucauld publicaron los Mandamientos de los rosacruces sobre la estética , en los que proscribían toda representación de la vida contemporánea , así como todo animal doméstico o utilizado para el deporte, flores, bodegones, frutas, accesorios y otros ejercicios que los pintores tienen la insolencia de exponer . En cambio, «para fomentar el ideal católico y el misticismo, la Orden acogerá con agrado toda obra fundada en la leyenda, el mito, la alegoría, el sueño». ^[109]

El primer salón se celebró en la Galería Durand-Riel de París del 10 de marzo al 10 de abril de 1892. Participaron artistas como Félix Vallotton , Émile Bernard , Charles Filiger , Armand Point , Edgar Maxence y Alexandre Séon , además de un joven Georges Rouault y el escultor Bourdelle , y artistas extranjeros como Jan Toorop , Ferdinand Hodler y varios miembros del grupo belga Les Vingt , como Xavier Mellery , George Minne y Carlos Schwabe . ^[110] En el catálogo de la exposición estos artistas manifestaron que querían «destruir el realismo y acercar el arte a las ideas católicas, al misticismo, a la leyenda, al mito, a la alegoría y a los sueños». Para ello se inspiraron en la obra de Poe y Baudelaire, además de en las óperas wagnerianas y en las leyendas artúricas. ^[111]

Artista, tú eres el rey: el arte es el verdadero reino. Cuando tu mano ha escrito una línea perfecta, los mismos querubines descienden del cielo y se miran en ella como en un espejo. Dibujo superespiritualizado, línea llena de alma, forma completa, encarnas nuestros sueños.
— Joséphin Péladan , manifiesto de la 1ª Exposición Rosa+Croix. ^[112]

Elmás pompososimbolismo

El simbolismo ejerció a finales de siglo cierta influencia en el arte institucional, el academicismo , un estilo anclado en el pasado tanto en la elección de los temas como en las técnicas y recursos puestos a disposición del artista. En Francia, en la segunda mitad del siglo XIX, este arte recibió el nombre de art pompier ( arte de bomberos , denominación peyorativa derivada del hecho de que muchos autores representaban a los héroes clásicos con cascos parecidos a los de los bomberos). Desde principios de siglo, el arte académico se había confinado a un estilo basado en reglas estrictas inspiradas en el clasicismo grecorromano, pero también en autores clasicistas anteriores, como Rafael , Poussin o Guido Reni . Técnicamente, se basaban en el dibujo cuidado, el equilibrio formal, la línea perfecta, la pureza plástica y el cuidado de los detalles, junto con un colorido realista y armonioso. ^[113]

Algunos de estos autores se dejaron seducir por la imaginería simbolista y su evocación subjetiva y espiritual, pero la tradujeron con un tono decorativista más cercano al modernismo que al simbolismo mismo, un estilo artificioso en el que sobresalen las figuras de mujeres lánguidas con el cabello ondeado por el viento, los arabescos y la exuberante vegetación de flores enrolladas. Algunos de estos artistas fueron Jules-Élie Delaunay , Henri Le Sidaner , Émile-René Ménard , Henri Martin , Ernest Laurent , James Tissot , Ernest Hébert , Georges-Antoine Rochegrosse , Eugène Grasset , Charles Maurin y Armand Point . ^[31]

Bélgica y los Países Bajos

Bélgica fue el punto de partida del simbolismo junto con Francia, hasta el punto de que artistas de ambos países estuvieron en estrecho contacto y participaron en exposiciones a ambos lados de la frontera. Al igual que en el país galo, existió un notable círculo literario y artístico liderado por los escritores Maurice Maeterlinck y Émile Verhaeren , así como el crítico de arte Octave Maus , factótum de los grupos artísticos Les Vingt y La Libre Esthétique. También como en Francia, se fundaron varias revistas que sirvieron de plataforma al simbolismo, como Jeune Belgique , L'Art moderne , Wallonie y La nouvelle société . ^[114]

El grupo Les Vingt estuvo activo entre 1883 y 1893. En un principio estuvo formado por veinte pintores, escultores y escritores, aunque con el tiempo se produjeron salidas y nuevas incorporaciones. Fue fundado por Octave Maus, con el objetivo de promocionar el arte de su país a través de exposiciones, en las que tenían cabida tanto las artes plásticas y decorativas como la música y la poesía, en estilos que iban desde el neo y el postimpresionismo hasta el simbolismo, el sintetismo y el modernismo. Entre sus miembros iniciales se encontraban James Ensor , Fernand Khnopff y Théo van Rysselberghe , mientras que más tarde se sumaron al grupo artistas como Félicien Rops , Isidore Verheyden , Henry Van de Velde , Auguste Rodin , Paul Signac y Jan Toorop . Su medio de difusión fue el periódico L'Art moderne , fundado en 1881. ^[115] Tras la disolución del grupo en 1893, Maus y Van Rysselberghe fundaron La Libre Estéthique, que continuó su labor de popularización del arte con un mayor énfasis en las artes decorativas. Esta asociación continuó su labor hasta 1914. ^[116]

Un antecesor del simbolismo en Bélgica fue Antoine Wiertz , artista formado en el Romanticismo que construyó un estudio en Bruselas en forma de templo griego , hoy Museo Wiertz. Sus obras tienen una factura academicista, pero la elección de los temas se acerca al simbolismo, como en La bella Rosina (1847, Museo Wiertz, Bruselas), donde una joven desnuda contempla un esqueleto en cuyo cráneo es visible una inscripción con el título de la obra, de modo que la bella no era la joven, sino el esqueleto. ^[117]

Félicien Rops fue un pintor y artista gráfico de gran imaginación, con predilección por temas centrados en la perversidad y el erotismo. ^[118] Se inspiró en el mundo de lo fantástico y lo sobrenatural, con una inclinación por lo satánico y las referencias a la muerte, con un erotismo que refleja el aspecto oscuro y pervertido del amor. ^[119] Fue admirado por Sâr Péladan y por Huysmans, quien enfatizó la depravación de su obra. Huysmans escribió sobre él: "entre la pureza, cuya esencia es divina, y la lujuria, que es el diablo mismo, Félicien Rops, con el alma de un primitivo invertido, ha penetrado en el satanismo". ^[119] Ilustró libros de Baudelaire, Mallarmé y Barbey d'Aurevilly . ^[81]

Fernand Khnopff desarrolló una temática onírica-alegórica de mujeres transformadas en ángeles o esfinges, con atmósferas inquietantes de gran refinamiento técnico. ^[120] Influenciado por Durero , Giorgione , Tintoretto , Ingres , Delacroix , Whistler y los prerrafaelitas, desarrolló una obra de profundo significado que desdeña la naturaleza y se inspira en el arte mismo, a partir del cual construye una segunda naturaleza. Un crítico de arte lo definió como un «esteta refinado que solo siente la vida a través del arte antiguo». ^[110] A menudo utilizaba fotografías como base para sus composiciones, que a veces tienen una apariencia casi fotográfica. ^[121] Autoproclamado misógino y obsesionado con la belleza de su hermana, elaboró un tipo de mujer andrógina, ya sea vestida como una guerrera amazona con armadura o metamorfoseada en esfinge, tigre o jaguar. Sus imágenes son evanescentes, bañadas por una especie de luz crepuscular, con preferencia por el pastel y la acuarela, así como por el azul. Khnopff ejerció una poderosa influencia en la Secesión vienesa y, en particular, en Gustav Klimt . ^[122]

Jean Delville se interesó por el ocultismo y mostró en su obra obsesiones secretas, donde sus figuras son una mezcla de carne y espíritu. ^[119] Creía en la existencia de un fluido divino, la reencarnación, la telepatía, el éxtasis, los fantasmas y otros conceptos propios del ocultismo. En 1895 publicó un libro titulado Diálogo entre nosotros. Argumentación cabalística, oculta, idealista , en el que expuso sus ideas. Sus obras tienen una fuerte impronta onírica y abundan en la iconografía satánica, como en Los tesoros de Satán (1895, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , Bruselas). ^[123] Fue discípulo de Sâr Péladan, y a su paso fundó en su país el círculo Pour l'art y el Salon d'art idéaliste . ^[110]

James Ensor creó un mundo inspirado en la tienda de recuerdos de su familia, donde proliferaban objetos como máscaras, marionetas, juguetes, conchas, fósiles, porcelanas y antigüedades. Su interés por la ciencia, especialmente por el mundo microscópico, también queda patente en su obra. Entre sus referentes artísticos se encuentran Brueghel , El Bosco , Rembrandt , Goya , Turner y Whistler , así como el ascendiente inmediato de Félicien Rops. Ingresó en el grupo Les Vingt, pero fue rechazado por su visión caricaturizada y grotesca de la sociedad de su tiempo, como en su obra La entrada de Cristo en Bruselas (1888, Museo Getty , Los Ángeles), que representa la Pasión de Jesús en medio de un desfile de carnaval, obra que provocó un gran escándalo en la época. Tenía preferencia por los temas populares, plasmándolos en escenas enigmáticas e irreverentes, de carácter absurdo y burlesco, con un sentido del humor ácido y corrosivo, centrado en figuras de vagabundos, borrachos, esqueletos, máscaras y escenas carnavalescas. Su estilo es delirante, sin reglas, de una modernidad radical que preludia el arte de vanguardia, en el que las formas no reflejan contenidos, sino que los dejan entrever, los revelan. Son imágenes deformadas, en las que se manifiesta una fuerte introspección psicológica, de colores arbitrarios, estridentes, disonantes, con efectos de luz cegadores. Como él mismo expresó, “una línea correcta no puede inspirar sentimientos elevados, ni puede expresar dolor, lucha, entusiasmo, inquietud, poesía”. ^[124]

William Degouve de Nuncques elaboró en su periodo más puramente simbolista (años 1890) una serie de paisajes urbanos con preferencia por la ambientación nocturna, con un componente onírico precursor del surrealismo: Ángeles de la noche (1891, Museo Kröller-Müller , Otterlo ), Cisne negro (1896, Museo Kröller-Müller, Otterlo), Efecto nocturno (1896, Museo Ixelles ), Aurora (1897, Museo de Bellas Artes de Gante ). Su obra La casa ciega (1892, Museo Kröller-Müller, Otterlo) influyó en El imperio de las luces (1954) de René Magritte . ^[125] La mayoría de sus imágenes evocan sueños infantiles, íntimamente evocadores. ^[121]

Léon Spilliaert desarrolló un estilo de formas sencillas, expresivas, en las que el ritmo y el vacío provocan cierta sensación de angustia, como en Vértigo (1908, Museo de Bellas Artes, Ostende ) o Claro de luna y luces (1909, Museo de Orsay, París). Sufría de insomnio, por lo que de noche deambulaba por la ciudad y encontraba en los solitarios paisajes nocturnos la inspiración para sus obras. También realizó marinas con amplias playas desiertas y mares silenciosos de composición horizontal. En otras ocasiones mostró un erotismo algo truculento y de carácter metafórico. ^[126] Su estilo fue algo naif, con tendencia al arabesco y al decorativismo, en el que es perceptible la influencia nabi. Posteriormente evolucionó hacia el expresionismo. ^[127]

Xavier Mellery tuvo una formación clasicista que complementó en Italia, donde recibió la influencia de la Escuela veneciana —sobre todo de Carpaccio— y del Miguel Ángel de la Capilla Sixtina . En 1870 ganó el Premio de Roma . A partir de 1885 practicó la pintura mural, con imágenes alegóricas que recordaban la obra de Puvis de Chavannes. Su estilo era severo e intimista, a veces cercano al expresionismo, con temas que evocaban el misterio y la poesía. Fue miembro de Les Vingt y expuso en el Salón de la Rose+Croix . Fue maestro de Fernand Khnopff. ^[74]

Léon Frédéric se movió entre el realismo academicista y el simbolismo, con obras de alto misticismo en las que también se revela su compromiso social. ^[128] Su periodo simbolista se centró en la década de 1890, con especial influencia del prerrafaelismo, en un estilo preciso, de colorido frío y con un fuerte componente alegórico ( El despertar del pensamiento , 1891). Empleó a menudo el formato del tríptico: Las edades del obrero (1895-1897, Museo de Orsay, París), El arroyo, el torrente, el agua quieta (1897-1900, Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica , Bruselas). ^[129]

Émile Fabry tenía un estilo que recordaba al manierismo , con figuras deformadas de aspecto melancólico. ^[130] En 1892 fundó con Delville y Mellery el Círculo para el Arte . Expuso en el Salón de la Rosa Cruz en 1893 y 1895. A partir de 1900 se dedicó especialmente a los frescos para edificios públicos. ^[70]

Constant Montald fue pintor y decorador, especializado en paisajes. En 1884 estudió en la Escuela de Bellas Artes de París y en 1886 ganó el Premio de Roma; también realizó estancias en Italia y Egipto. Impresionado por una visita a la Basílica de San Marcos de Venecia, en sus obras utilizó asiduamente fondos dorados, una de las características de su producción junto con el uso de profusa vegetación. Influenciado por el arte bizantino y el prerrafaelismo, su estilo era ornamental, de ritmo tranquilo, con énfasis en los tonos azules y dorados. ^[78]

Henry de Groux fue pintor, escultor y litógrafo. Fue miembro de Les Vingt, pero fue expulsado en 1890 cuando se negó a que sus obras se exhibieran junto a las de Vincent van Gogh . Fue amigo de Dégouve de Nuncques, con quien compartió un estudio en Bruselas y París. Su obra maestra es Cristo de los ultrajes (1889, colección privada), en la que se retrató a sí mismo como Cristo. De voluntad fuerte, su trabajo denota su impulsividad personal, pero fue estimado por personas como Émile Zola y Léon Bloy . ^[79]

En los Países Bajos, el simbolismo no estaba tan extendido como en su país vecino, al ser un país protestante y de economía capitalista, factores que favorecieron más bien el realismo en el arte, como se vio en la Escuela de La Haya , que dominó la escena artística finisecular . Esto contribuyó a que un artista singular como Vincent van Gogh tuviera que instalarse en Francia. ^[131] Así, fueron pocos los artistas que se acercaron al simbolismo, entre los que cabe mencionar a Jan Toorop y Johan Thorn-Prikker , así como en menor medida Richard Roland Holst , quien tuvo una fase simbolista entre 1891 y 1900. ^[132] Otros artistas cercanos al simbolismo fueron Antoon Derkinderen , Hendrikus Jansen y Theo van Hoytema . ^[133]

Toorop fue un artista ecléctico, que combinó diversos estilos en la búsqueda de un lenguaje propio, como el simbolismo, el modernismo, el puntillismo , el sintetismo gauguiniano, el linealismo de Beardsley y la estampa japonesa . Se dedicó particularmente a la temática alegórica y simbólica y, a partir de 1905, a la temática religiosa. ^[134] Fue autor de Las tres novias (1893, Museo Kröller-Müller, Otterlo), que denota la influencia de la Java —donde nació— con figuras de brazos largos y siluetas delicadas. Según el propio autor, la novia central representaba «la voluntad más manifiesta y hermosa», la de la izquierda «el sufrimiento del alma» y la de la derecha «el mundo sensual». ^[135] Otra interpretación hace que la del centro sea la novia del hombre, la de la izquierda la de Cristo y la de la derecha la de Satanás. ^[136] En 1905 se convirtió al catolicismo y se volcó en temas religiosos, con una técnica puntillista fragmentada que lo condujo hacia un grado de expresionismo. ^[102]

Thorn-Prikker pasó del impresionismo al simbolismo por influencia de Toorop y por su admiración por la obra de Maurice Denis. Aun así, su fase simbolista fue efímera, de 1892 a 1895. Entre sus temas abundan los motivos florales y los arabescos, con cierta tendencia a la abstracción y un cierto manierismo por el que fue criticado en su época. ^[102]

Holst Holst tuvo, al igual que Toorop y Thorn-Prikker, contactos con el grupo Les Vingt y con los rosacruces. En su obra es evidente la influencia de Rossetti , Whistler y Beardsley . ^[137] A partir de 1900 se dedicó al arte monumental. ^[79]

Uno de los pioneros de las vanguardias, Piet Mondrian , antes de llegar a la abstracción neoplasticista , realizó algunas obras simbolistas, generadas por su interés por el esoterismo. Recibió influencias de Toorop, así como de Gauguin, Matisse y Van Dongen . ^[138] En esta etapa, centrada entre 1907 y 1910, comenzó a trabajar con colores primarios, que serían uno de sus signos distintivos ya en su fase abstracta. ^[139] Utilizó en sus obras de estos años un cromatismo vivo dividido en zonas, que recuerda tanto al fauvismo como al puntillismo, con una simplificación formal que lo acercó al cubismo, y más tarde, a la abstracción. ^[140]

Países germánicos

El simbolismo germánico fue heredero directo del Romanticismo y de su pasión por las leyendas medievales, como las del ciclo de los Nibelungos . También estuvo fuertemente relacionado con la literatura y la música, campo en el que ejerció una poderosa influencia la obra de Richard Wagner . Entre las figuras literarias del círculo simbolista estuvieron Hugo von Hofmannsthal , Stefan George y Rainer Maria Rilke , así como, en el campo de la filosofía, Friedrich Nietzsche . Aquí también se fundaron varias revistas, como Jugend , Pan , Fliegende Blätter y Simplicissimus . ^[141] Los principales centros de exposiciones estuvieron en Viena , Berlín y Múnich , ciudades en las que se crearon grupos artísticos conocidos como Sezession : Múnich en 1892, Viena en 1897 y Berlín en 1899. Aunque más ligados al modernismo que al simbolismo, tenían en común con este último un afán renovador del arte alejándose del academicismo, y promovieron en sus exposiciones la obra de varios artistas simbolistas. ^[142] Según Emile Langui, «en Alemania y Austria el simbolismo se confunde prácticamente con el art nouveau , con la Secesión de Múnich y la Secesión de Viena». ^[143]

En Alemania, el pionero del simbolismo fue Hans von Marées . De formación clásica, tras una fase puntillista la influencia de Böcklin lo orientó hacia el simbolismo, en obras centradas en la interrelación y armonía entre el ser humano y la naturaleza, como se denota en La Arcadia y La Edad de Oro . ^[144]

Max Klinger fue un pintor, escultor y grabador. Su obra muestra la influencia de Goya, Menzel y Rembrandt, así como la música de Brahms y Beethoven , y una atracción por lo fantástico y lo perturbador. ^[145] De gran complejidad técnica y estilística, su obra está llena de fantasía y alusiones simbólicas. Notable en su obra pictórica es su Juicio de París (1885-1887, Kunsthistorisches Museum , Viena), en la que también diseñó el marco, integrándolo en un todo estructurado. Fue más innovador como artista gráfico, especialmente en el aguafuerte , en un estilo que antecede al surrealismo, como se denota en su serie Aventuras de un guante (1881), centrada en el fetichismo . ^[146]

Franz von Stuck fue un pintor, grabador, escultor y arquitecto, uno de los fundadores de la Sezession de Múnich. ^[102] Desarrolló un estilo decorativo cercano al modernismo, aunque por su temática es más simbolista, con un erotismo de tórrida sensualidad que refleja un concepto de la mujer como personificación de la perversidad: Pecado (1893, Neue Pinakothek , Múnich), El beso de la esfinge (1895, Szépművészeti Múzeum , Budapest ), Salomé (1906, Städtische Galerie, Múnich). ^[147] Fue maestro de Vasili Kandinsky , Alexej von Jawlensky y Paul Klee . ^[148]

Charles Schwabe fue el más internacional de los artistas germánicos: nació en Alemania, pasó su infancia y juventud en Suiza, mientras que de adulto se estableció en Francia, donde militó en los salones rosacruces. ^[149] En su obra se denota la influencia prerrafaelita. Tenía especial predilección por las flores, en cuya representación alcanzó una gran maestría, a las que aplicó un complejo simbolismo relacionado con los estados de ánimo. ^[73]

Ludwig von Hofmann estudió primero en Dresde y Karlsruhe , y completó su formación en la Académie Julian de París. Recibió la influencia de Puvis de Chavannes y Max Klinger. En sus pinturas, principalmente paisajes, combinó el decorativismo modernista con temas simbolistas. ^[79]

Otto Greiner recibió una formación académica, pero durante una estancia en Italia conoció a Max Klinger, cuya obra le influyó mucho. Pintor, dibujante y grabador, su estilo se caracteriza por la sensualidad y el refinamiento, bastante cercano al gusto burgués de la época, y con una inventiva especial en su vertiente simbólica y alegórica. ^[150]

Ferdinand Keller fue un pintor de corte más bien academicista —fue profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe— que, gracias a la influencia de Böcklin, hacia 1900 recurrió al simbolismo, sobre todo en paisajes de colores saturados y aspecto decorativo. ^[151]

Franz Marc estuvo influido por el simbolismo en su juventud. Formado en el ambiente academicista, en un viaje a París en 1903 entró en contacto con el postimpresionismo y los nabis, así como con Gauguin y el simbolismo. A partir de 1906 se dedicó a pintar animales, en los que encontró una alegoría perfecta de la pureza natural. En 1910 entró en contacto con August Macke y Vasili Kandinsky , quienes le introdujeron en el uso expresivo y simbólico del color. Fue uno de los fundadores del grupo Der Blaue Reiter , con el que profundizó en el expresionismo. Posteriormente se interesó por el orfismo y el futurismo , y se acercó a la abstracción, aunque su carrera se vio truncada con su muerte en el frente en la Primera Guerra Mundial . ^[152]

En Suiza, Arnold Böcklin fue un heredero directo del Romanticismo alemán y en sus paisajes se denota la influencia de Caspar David Friedrich . Sus temas exaltan la soledad, la tristeza, la melancolía, la muerte como liberación. Sus paisajes son ideales, ajenos a la realidad objetiva, pero con un tono sombrío que refleja sus inquietudes interiores. Se especializó en una temática de seres fantásticos, como ninfas , sátiros , tritones o náyades , con un estilo algo morboso. ^[153] De sus viajes a Italia recogió el gusto por los temas mitológicos y la presencia de ruinas en sus obras, siempre con esa atmósfera de misterio que le caracteriza. Su obra más conocida es La isla de los muertos (1880, Metropolitan Museum of Art , Nueva York), donde una luz pálida, fría y blanquecina envuelve la atmósfera de la isla a la que se dirige la barca de Caronte . Su obra influyó en Munch , Kandinski, Chirico , y Dalí . ^[154]

La otra gran figura de la pintura suiza fue Ferdinand Hodler , cuyo estilo evolucionó desde el naturalismo hasta uno personal que llamó «paralelismo», caracterizado por esquemas rítmicos en los que línea, forma y color se reproducen de forma repetitiva, con figuras simplificadas y monumentales. ^[155] Sus obras se enmarcan en un espacio semiabstracto, con figuras aisladas que parecen recortadas sobre paisajes vacíos, en los que se evidencia la influencia de Puvis de Chavannes. Son obras estilizadas, teatrales, que trascienden un fuerte misticismo, con fondos planos en los que se percibe la influencia medieval de Holbein . ^[156] También quedó impresionado por la obra de Velázquez , a quien conoció en un viaje a Madrid en 1878-1879. En París en 1890-1891 se familiarizó con la obra de Puvis de Chavannes, así como con Blake y el prerrafaelismo. Su obra La noche (1890), aunque provocó un escándalo en Ginebra , fue bien recibida en la capital francesa, especialmente por los nabis. En su obra, la figura humana personifica ideas, comportamientos espirituales, ritmos vitales. ^[157]

En Austria destacó la figura de Gustav Klimt . Tuvo una formación académica, para desembocar en un estilo personal que sintetizaba el impresionismo, el modernismo y el simbolismo. Tuvo preferencia por la pintura mural, de temática alegórica con tendencia al erotismo, y con un estilo decorativo poblado de arabescos, alas de mariposa o pavos reales, y con un gusto por el colorido dorado que otorgaba a sus obras una intensa luminosidad. ^[158] Hijo de padre orfebre, estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena, lo que explica el intenso decorativismo de su obra. Su estilo también está influido por los mosaicos bizantinos de Rávena , ciudad que visitó en 1903. En su obra recreó un mundo fantástico de fuerte componente erótico, con una composición clasicista de estilo ornamental, donde se entrelazan el sexo y la muerte, tratando sin tabúes la sexualidad en aspectos como el embarazo, el lesbianismo o la masturbación . ^{[151] La suntuosidad}rococó de Klimt encerraba en un segundo plano las múltiples preocupaciones que poblaban su mundo interior: la esperanza, el sueño, la muerte, el anhelo de eternidad. ^[159] Su mayor influencia al principio de su carrera fue Hans Makart , pintor pompier de moda en las décadas de 1870 y 1880, así como los academicistas Gérôme y Boulanger o los neohelenistas Leighton y Alma-Tadema . Posteriormente recibió influencias de Gustave Moreau, Whistler, Beardsley, Jan Toorop y Franz von Stuck, lo que le llevó a abandonar el academicismo. También recibió influencias de Péladan y los rosacruces, especialmente en lo que respecta al absolutismo sexual. Un último punto de referencia sería el arte japonés. ^[160] Todo ello le condujo a una original combinación de simbolismo y modernismo, que desarrolló en obras como el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena (1900-1907, destruido en 1945), el Friso de Beethoven (1902, Österreichische Galerie Belvedere , Viena), Las tres edades de la mujer (1905, Galería Nacional de Arte Moderno , Roma), El beso (1907-1908, Österreichische Galerie Belvedere, Viena) y el friso del Palacio Stoclet (1911, Bruselas). ^[161]

Alfred Kubin fue sobre todo un dibujante: expresó en sus dibujos un mundo aterrador de soledad y desesperación, poblado de monstruos, esqueletos, insectos y animales espantosos, con referencias explícitas al sexo, donde la presencia femenina juega un papel maligno y perturbador. ^[162] Influenciado por Goya, Munch, Ensor, Redon y por su ascendiente más directo, Max Klinger, su obra refleja una angustia existencial —intentó suicidarse pero su pistola se encasquilló— y una profunda desesperación que fue parcialmente curada en la práctica del arte. ^[163] Ilustró obras de Poe , Wilde , Nerval y Strindberg . Más tarde se adscribió al expresionismo y fue miembro de Der Blaue Reiter , así como amigo de Franz Marc y Paul Klee . ^[72]

El simbolismo también es discernible en la obra temprana de dos jóvenes artistas que luego destacaron en el expresionismo: Egon Schiele y Oskar Kokoschka . ^[164] Schiele fue discípulo de Klimt. Su obra giraba en torno a una temática basada en la sexualidad, la soledad y el aislamiento, con cierto aire de voyeurismo , con obras muy explícitas por las que incluso fue encarcelado, acusado de pornografía. Dedicado principalmente al dibujo, dio un papel esencial a la línea, con la que basó sus composiciones, con figuras estilizadas inmersas en un espacio opresivo, tenso. Recreó una tipología humana reiterativa, con un canon alargado, esquemático, alejado del naturalismo, con colores vivos, exaltados, enfatizando el carácter lineal, el contorno. ^[165]

Kokoschka estuvo influido por Van Gogh y el pasado clásico, principalmente el barroco (Rembrandt) y la escuela veneciana ( Tintoretto , Veronese ). También estuvo vinculado a la figura de Klimt, así como al arquitecto Adolf Loos . Sus primeras obras tuvieron un estilo medieval y simbolista cercano a los nabis o al periodo azul de Picasso . Posteriormente creó un estilo propio y personal, visionario y atormentado, en composiciones donde el espacio cobra gran importancia, un espacio denso, sinuoso, donde las figuras se encuentran sumergidas, flotando en él inmersas en una corriente centrífuga que produce un movimiento en espiral. Su temática solía ser el amor, la sexualidad y la muerte, y en ocasiones también pintó retratos y paisajes. ^[166]

Reino Unido

El arte simbolista inglés estuvo muy influido por la literatura de Oscar Wilde y Edgar Allan Poe . Aquí tuvo gran relevancia la impronta dejada por el prerrafaelismo, de hecho algunos artistas prerrafaelistas se pasaron al simbolismo en su obra tardía, como Edward Burne-Jones . ^[51] Partiendo del medievalismo prerrafaelita y con una especial influencia de artistas renacentistas como Leonardo , Mantegna , Botticelli , Signorelli y Miguel Ángel , Burne-Jones elaboró un lenguaje propio de gran inventiva formal, experimentando con nuevas técnicas y formatos: tenía especial predilección por los formatos altos y estrechos, con figuras alargadas y espacios antinaturales. Como ocurre con muchos otros artistas simbolistas, algunas de sus figuras tienen un aspecto andrógino, como su Afrodita de Pigmalión: Los fuegos de la divinidad (1878, Birmingham Museum and Art Gallery). ^[167]

Aubrey Vincent Beardsley fue principalmente un dibujante, caracterizado por un estilo de línea sinuosa muy cercano al modernismo, aunque se le considera simbolista por su elección de temas, a menudo con fuerte contenido erótico. Su dibujo estuvo influenciado por la pintura de vasos griegos, con un estilo decorativo y algo perverso, rítmico y elegante, frívolo y con tendencia a lo grotesco. ^[168] Otras influencias incluyeron a Burne-Jones, Whistler, Mantegna, Botticelli, el rococó y el arte japonés. ^[169] Ejemplo prototípico de dandy, sus temas favoritos fueron también algunos de los temas más recurrentes del simbolismo: la femme fatale , el ciclo artúrico y el universo artístico wagneriano. ^[170] En 1891 ilustró Salomé de Oscar Wilde , donde transformó la fealdad y la perversión en belleza y sugestión onírica, uniendo la línea modernista con el idealismo simbolista en una de las mejores obras del arte de fin de siglo . Según Arthur Symons , «Beardsley es el satírico de una época que carece de convicciones propias y, por lo tanto, como Baudelaire, no puede pintar el infierno sin señalar un paraíso presente como contraparte». ^[160] Murió de tuberculosis a la edad de veintiséis años. ^[75]

Walter Crane fue un pintor, ilustrador, tipógrafo y diseñador de cerámicas, vitrales, textiles, joyas y carteles. Comenzó su carrera artística en el estilo prerrafaelita, influido por el romántico William Blake , cuyo estilo basado en líneas vibrantes y arabescos ejerció una poderosa influencia en el modernismo y el simbolismo inglés. También fueron decisivos en su obra el Quattrocento florentino y la xilografía japonesa. Estuvo involucrado en el movimiento Arts & Crafts , de cuya Exhibition Society fue miembro de la junta directiva. Fue también un importante teórico y su tratado Línea y forma (1900) fue muy leído en el Reino Unido y Estados Unidos. Se centró en temas literarios y mitológicos, con un lenguaje de símbolos de corte fabuloso y onírico en el que son prominentes las figuras metamorfoseadas y los elementos de la naturaleza mostrados en todo su poder y esplendor, como en su obra Los caballos de Neptuno (1892, Staatsgemäldesammlungen, Múnich). ^[171]

Charles Ricketts fue pintor, escultor, grabador, escenógrafo, escritor y coleccionista de arte, pero fue en sus ilustraciones donde fue más claramente simbolista, como en las que realizó para el poema La esfinge de Oscar Wilde . ^[172] En sus inicios se dedicó especialmente a la ilustración y no fue hasta 1904 que comenzó a dedicarse más plenamente a la pintura. ^[173]

George Frederick Watts buscó en sus obras una «poesía pintada sobre lienzo», una pintura misteriosa influida por Dante Gabriel Rossetti , Edward Burne-Jones y Fernand Khnopff , así como por Tiziano y Joseph Mallord William Turner . Su objetivo era pintar «grandes ideas», buscando la concordancia entre pintura, literatura y música, lo que se plasmó en una serie de imágenes místicas y alegóricas de origen visionario, con tendencia a la estética de lo sublime. Su imagen más conocida es la alegoría de la Esperanza (1886, Tate Gallery , Londres), en forma de una muchacha vestida con túnica, de aspecto prerrafaelita, sentada sobre un globo terráqueo, con una lira en las manos y con los ojos vendados, aludiendo a la esperanza ciega . Sin embargo, la imagen melancólica de la joven provoca más una sensación de desesperanza que de esperanza, jugando con la típica ambigüedad simbolista. ^[174]

Frederic Leighton fue un pintor academicista, pero en muchas ocasiones mostró un gusto cercano al simbolismo en la elección de los temas. Sus retratos de mujeres frías y distantes, pero bellas y sensuales, obtuvieron una notable fama en su época. Un buen ejemplo es El espíritu de la cumbre (1894, Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki, Auckland ), en el que una bella joven vestida con una túnica clásica observa un firmamento nocturno sentada en un trono sobre una montaña. ^[175]

John William Waterhouse también fue preferentemente academicista, pero a partir de 1880 se inclinó hacia un simbolismo de influencia prerrafaelita basado en temas literarios, con un estilo romántico y onírico, sensual y visualmente rico: La dama de Shalott (1888, Tate Gallery, Londres), Hylas y las ninfas (1896, City Art Gallery , Manchester). ^[176]

Charles Conder , que vivió gran parte de su vida en Francia, donde formó parte del ambiente simbolista y rosacruz y fue amigo de Bonnard y Toulouse-Lautrec, desarrolló un conjunto de obras fuertemente influenciadas por el pintor rococó Jean-Antoine Watteau, cuyo estilo Conder intentó traducir al simbolismo, produciendo una serie de obras, en su mayoría inspiradas en leyendas artúricas, ambientadas en las escenas típicas de la fête galante watteauiana . ^[177]

También es destacable el trabajo de las hermanas Frances y Margaret Macdonald , integrantes de la llamada Escuela de Glasgow , un círculo modernista dedicado principalmente a la arquitectura y las artes decorativas liderado por el arquitecto Charles Rennie Mackintosh —marido de Margaret—. Sus diseños estaban orientados más a la decoración, pero son reflejo de un simbolismo de tendencia abstracta que denota la influencia de Jan Toorop. ^[178]

Países escandinavos

Como en otros países, la interrelación entre literatura y arte en Escandinavia fue intensa, y escritores como Bjørnstjerne Bjørnson , Henrik Ibsen y August Strindberg fueron claros referentes del simbolismo escandinavo. ^[141]

El principal exponente nórdico del simbolismo fue el noruego Edvard Munch , quien creó en su obra un universo personal reflejo de sus angustias existenciales, en el que se denota la influencia de la filosofía nietzscheana. Su obra gira en torno a sus obsesiones personales respecto al amor y al sexo, así como a su concepción de la sociedad como un entorno hostil y opresor. Tras sus inicios en el naturalismo y el impresionismo, su cuadro La enferma (1885) inicia su camino más personal, marcado por la expresión de los sentimientos más profundos —en una ocasión comentó que su objetivo era «diseccionar el alma»—. En un viaje a París en 1889 recibió la influencia de Van Gogh, Gauguin, Redon y Toulouse-Lautrec, mientras que la visión de una gran ciudad de avenidas rectilíneas le inspiró una serie de obras sobre la soledad del ser humano en medio de grandes multitudes de personas ( Puesta de sol en la calle Karl Johan , 1892, Bergen Kunstmuseum, Bergen ; El grito , 1893, Galería Nacional Noruega , Oslo; Ansiedad , 1894, Museo Munch , Oslo). Poco a poco se fue encerrando más en sus obsesiones (erotismo, soledad, muerte) y se alejó de la representación realista para transcribir sus sentimientos en imágenes, en las que el color ya no describe, sino que simboliza, se convierte en lenguaje de expresión interior; la línea es a veces curva, rítmica y ondulada, a veces excesivamente recta; y la atmósfera se transforma en violentos torbellinos que envuelven a las figuras para enfatizar su soledad. La imagen femenina en sus obras se inscribe en la influencia prerrafaelita pero de forma más abstracta, en la que más que la descripción física se preocupa de la introspección psicológica ( Pubertad , 1886, Galería Nacional de Noruega, Oslo). La obra de Munch entroncó con el expresionismo de principios del siglo XX, del que fue considerado uno de sus principales maestros. ^[179]

En Noruega también destacaron Halfdan Egedius y Harald Sohlberg . Egedius fue un talento precoz que murió a los veintidós años. Se centró básicamente en escenas de la vida campesina y sagas nórdicas. ^[180] Sohlberg se centró en paisajes de tono misterioso que evocan la soledad humana. ^[181]

En Dinamarca destacaron Vilhelm Hammershøi y Jens Ferdinand Willumsen . Hammershøi era un virtuoso en el manejo de la luz, a la que consideraba la gran protagonista de sus obras. La mayoría de sus cuadros estaban ambientados en espacios interiores con luces filtradas a través de puertas o ventanas, con figuras generalmente de espaldas. ^[182] Willumsen evolucionó del realismo al simbolismo y, finalmente, al expresionismo. ^[183] Desarrolló un estilo personal que bebía de la influencia de Gauguin, con un gusto por los colores vivos, como en Después de la tormenta (1905, Galería Nacional de Noruega, Oslo), una marina con un sol deslumbrante que parece estallar en el cielo. ^[184]

En Finlandia la figura principal fue Akseli Gallen-Kallela , formado en la Escuela de Bellas Artes de Helsinki y en la parisina Académie Julian , donde fue alumno de Fernand Cormon . En la capital francesa conoció la obra de Puvis de Chavannes y Jules Bastien-Lepage , quienes le causaron una profunda impresión. De regreso a su tierra natal desarrolló una obra de estilo naturalista basada en la tradición y leyendas épicas del folclore finlandés, como la epopeya Kalevala . Su estilo combinaba decorativismo y expresividad, con contornos nítidos y colores planos. ^[185]

Un discípulo de Gallen-Kallela fue Hugo Simberg , quien también fue influenciado por Böcklin y Burne-Jones. Su obra, poblada de animales extraños y espíritus malignos, se centra en la muerte, a la que a menudo retrata realizando tareas cotidianas como cuidar un jardín ( El jardín de la muerte , 1896, Ateneumin Taidemuseum, Helsinki). ^[186]

Otro artista finlandés fue Magnus Enckell , que recibió influencias de Manet , Carrière y Puvis de Chavannes durante una estancia en París, así como de Péladan y Édouard Schuré en el terreno espiritual. Posteriormente viajó por Italia, Alemania y Suiza, donde recibió la influencia de Böcklin. Con el cambio de siglo rompió con el simbolismo. ^[100]

En Suecia destacó Ernst Abraham Josephson. Comenzó en la pintura academicista, pero a partir de 1881 —quizá debido a una enfermedad psíquica— su obra se desplazó hacia el simbolismo, generalmente de tendencia mística y algo paranoica. ^[187] Instalado en Bretaña, se dedicó a prácticas espiritistas en las que creía comunicarse con el místico sueco Emanuel Swedenborg . ^[151] Posteriormente vivió en Estocolmo retirado de la vida pública. Realizó retratos, paisajes y pinturas inspiradas en leyendas nórdicas y la mitología clásica, como los cuadros dedicados a las ondinas . Su estilo se caracteriza por un cromatismo muy contrastado, que influyó en el fauvismo y el expresionismo. ^[188] Fue el líder del movimiento secesionista Konstnärförbundet. ^[181]

Carl Fredrik Hill se inició en el impresionismo tras instalarse en París en 1873. Sin embargo, en 1878 le diagnosticaron esquizofrenia y, de vuelta en su país natal, su estilo dio un gran giro y su producción —sobre todo en dibujo— se centró en visiones fantásticas y alucinatorias, como paisajes irreales, arquitecturas imaginarias, animales extraños y visiones apocalípticas. Casi desconocido durante su vida, una exposición en Lund en 1911 lo reveló como uno de los artistas suecos más dotados de su tiempo. ^[189]

También cabe mencionar a August Strindberg , destacado escritor y dramaturgo que también incursionó en la pintura. Sus primeras obras se acercaron a las escuelas de Düsseldorf y Barbizon pero, tras un periodo de inactividad, entre 1890 y 1895 y 1900-1907 se acercó al simbolismo, con una temática a menudo centrada en el mar y una técnica que preludia el taquismo de los años 1940-1950. ^[190]

Italia

Como en otros países, el arte italiano de la época estuvo vinculado a escritores como Gabriele D'Annunzio y revistas como Il Convito . ^[51] El mayor centro de difusión del arte simbolista fue Milán , un importante centro industrial y comercial en el norte del país. ^[191]

Giovanni Segantini fue un pintor difícil de clasificar, de factura neoimpresionista pero con una elección de temas a menudo relacionados con el simbolismo, en el que es perceptible la impronta prerrafaelita. ^[192] Se interesó por la literatura y la filosofía: entre sus autores favoritos estaban Goethe, Nietzsche, Maeterlinck y D'Annunzio, y se interesó por la filosofía oriental, especialmente la filosofía hindú. ^[191] Su periodo más simbolista se inicia en 1891, con una serie de obras alegóricas marcadas por una espiritualidad decadentista ( El ángel de la vida , 1894, Galleria Civica d'Arte Moderna , Milán). En 1894 se retira a las altas montañas alpinas, en busca de una relación más personal con la naturaleza, así como del deseo de soledad y meditación. Su técnica se volvió divisionista pero su temática se hizo más simbólica, buscando en la naturaleza una religiosidad latente ( Tríptico de los Alpes: naturaleza, vida y muerte , 1896-1899, Museo Segantini, Saint-Moritz ). ^[193]

Gaetano Previati desarrolló un estilo alegórico y sentimental, muy admirado por los futuristas. ^[61] Iniciado en la Scapigliatura , que lo orientó hacia temas románticos, a partir de 1890 su técnica se volvió divisionista, pero sus temas se volvieron más idealistas y cercanos al simbolismo, con cierta influencia de Rops y Redon. ^[194] Su obra Maternidad (1891, Banco Popular de Novara ) causó gran controversia en su país, pero le valió una invitación al Salón de la Rose+Croix de París. ^[191] Su estilo se caracteriza por un vivo cromatismo de intensa luminosidad y aspecto antinaturalista: Tríptico del día (1907, Cámara de Comercio de Milán), La caída de los ángeles (1912–1913, Galería Nacional de Arte Moderno , Roma). ^[194]

Giuseppe Pellizza da Volpedo , formado en el ambiente divisionista, evolucionó hacia un estilo personal marcado por una luz intensa y vibrante, cuyo punto de partida es su obra Esperanzas perdidas (1894, colección Ponti-Grün, Roma). ^[195] En El sol (1903–1904, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma) retrató una refulgente luz del amanecer que se asoma sobre un horizonte montañoso y parece estallar en una miríada de rayos que se dispersan en todas direcciones, con una lectura simbólica que apunta al compromiso social y político del artista, ya que el sol naciente fue tomado por el socialismo como metáfora de la nueva sociedad a la que aspiraba esta ideología. ^[196]

Alberto Martini fue sobre todo un ilustrador, considerado el mejor dibujante del simbolismo italiano. Influenciado por Durero, Cranach , Moreau y Redon, sus temas se centraron en lo fantástico, lo grotesco y lo macabro. Ilustró obras de Dante , Boccaccio , Edgar Allan Poe, Mallarmé, Verlaine y Rimbaud. Su obra onírica y psicológicamente introspectiva influyó en el surrealismo, cuyos artistas lo consideraron un precursor. ^[197]

Giulio Aristide Sartorio fue alumno de Mariano Fortuny . Estuvo vinculado al movimiento In Arte, Libertas fundado por Nino Costa , de tendencia prerrafaelita. En su producción destaca la representación de la mujer fatal, en obras como Diana de Éfeso (1895–1899, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma) y La gorgona y los héroes (1897, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma). ^[198]

Otros representantes menores del simbolismo italiano fueron Felice Casorati , Luigi Bonazza, Vittorio Zecchin y Guido Cadorin. ^[199]

También hay que mencionar a un grupo de jóvenes pintores que luego se convertirían en destacados representantes del futurismo , que al principio de su carrera pasaron por una fase simbolista, como Umberto Boccioni , Giacomo Balla y Luigi Russolo . Boccioni se formó en el divisionismo. En 1907 conoció a Previati en Milán, quien le transmitió su interés por la psicología de la imagen; también estuvo influenciado por la Sezession y Edvard Munch ( El duelo , 1910, colección privada). ^[200] Balla también partió del divisionismo, mientras que más tarde fue influenciado por Segantini, Pellizza y Previati; se centró en aspectos sociales, reflejo de sus ideales socialistas y humanitarios. ^[201] Russolo también se formó en el divisionismo, pero bajo la influencia de Previati y Boccioni desarrolló una serie de obras centradas en el entorno urbano y la era industrial interpretadas en clave simbolista: Relámpago , 1909-1910, Galería Nacional de Arte Moderno, Roma. ^[202]

En último término sería oportuno recordar la etapa simbolista de Giorgio de Chirico , que más tarde sería el principal exponente de la pintura metafísica . Estudió en Múnich, donde entró en contacto con la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer, y con la pintura de Böcklin y Max Klinger. Sus obras se inspiraban en el mundo clásico grecorromano, con algún viso de escenografía: El centauro herido , 1909, colección particular. ^[203]

España

El panorama artístico en la España finisecular estuvo monopolizado por la pintura académica, que tuvo como tribuna la Exposición Nacional de Bellas Artes , refractaria a fomentar cualquier novedad artística, a diferencia de los salones parisinos. ^[204] Pese a todo, algunos artistas mantuvieron contactos con el arte europeo —sobre todo a través de Francia—, por lo que pudieron desarrollar un estilo más moderno, vinculado sobre todo al impresionismo, como se denota en la obra de Aureliano de Beruete y Agustín Riancho, o al llamado luminismo valenciano, representado por Joaquín Sorolla . Sin embargo, los ejemplos de pintura simbolista fueron más bien escasos y circunscritos a la obra de unos pocos artistas individuales. ^[205]

Darío de Regoyos vivió un tiempo en Bélgica y fue miembro fundador del grupo Les Vingt . Frecuentó también a los impresionistas de París y al círculo modernista barcelonés de Els Quatre Gats —en 1910 se instaló definitivamente en Barcelona— . Su estilo era más bien cercano al impresionismo —pincelada corta, paleta clara—, pero algunos de sus temas se acercan al simbolismo por su interés por los temas marginales, como se denota en su serie de ilustraciones La España Negra , procedente de un viaje a la península en 1888 con el poeta belga Émile Verhaeren , en la que desarrolló una serie de imágenes de tono amargo y, en ocasiones, algo lúgubre de la España del momento. ^[206]

Ignacio Zuloaga fue también intérprete de esa visión de una España atávica y tremendista, que plasmó en sus viajes a Las Hurdes o a la sierra de Gredos junto al doctor Gregorio Marañón . Vivió un tiempo en Francia e Italia, y fue admirador de Goya y el Greco . Su obra destaca por un realismo descarnado, una paleta gris y sombría, con temática centrada en escenas populares españolas. ^[207]

Rogelio de Egusquiza fue un pintor singular que evolucionó desde el academicismo y una breve fase de influencia fortunyista a un simbolismo decorativista y exuberante fuertemente influenciado por la obra de Wagner, muchas de cuyas tramas y personajes recreó en sus cuadros. ^[208]

Julio Romero de Torres desarrolló un estilo realista con cierta tendencia arcaizante en el que, partiendo de escenas típicas de género, otorga a estos temas una mayor trascendencia alegórica que los aleja del pintoresquismo tedioso de la pintura española del siglo XIX para convertirlos en escenas de evocación casi mística. En su obra destaca la presencia de la mujer andaluza, en representaciones que aglutinan misticismo y erotismo, envueltas en un halo misterioso, generalmente en paisajes desolados que se pierden en la infinitud que preceden a algunos de los paisajes surrealistas. ^[209]

Cercano al estilo de Romero está Miquel Viladrich, catalán formado en Madrid y París que triunfó sobre todo en Estados Unidos, Argentina y Marruecos. Practicó como Romero un realismo arcaico pero con un cariz más ingenuo, más arraigo popular y un tono más sombrío. ^[210]

Eduardo Chicharro combinó el arabesco modernista con el idealismo simbolista, como en su tríptico Los amores de Armida y Reinaldo (1904, Museo de Jaén), que denota influencia prerrafaelita. También realizó obras costumbristas cercanas al estilo de Zuloaga. ^[211]

Luis Ricardo Falero , con una técnica más bien academicista, abordó especialmente el desnudo femenino —generalmente hadas y ninfas—, a veces con un toque orientalista, así como temas mágicos, astronómicos y de brujería. Vivió gran parte de su vida en Londres, por lo que no es muy conocido en España, país en el que no se conserva ninguna obra suya. ^[212]

Por último, cabe mencionar a Néstor Martín-Fernández de la Torre , más conocido simplemente como Néstor, un pintor a caballo entre el modernismo y el simbolismo. Entre 1904 y 1907 viajó por Francia, Bélgica y Reino Unido, donde recibió la influencia de Whistler y los prerrafaelistas. Su especialidad eran las pinturas fantásticas en ambientes acuáticos, con escenas de monstruos marinos luchando con jóvenes efebos desnudos , como una alegoría de fuerzas elementales que solo pueden ser vencidas con esfuerzo. Sus composiciones eran ampulosas, sobrecargadas, dinámicas e intensamente coloristas, acercándose en ocasiones al kitsch . Un buen ejemplo es La noche, "poema del Atlántico" (1917-1918, Museo Néstor, Las Palmas de Gran Canaria ). Tras su muerte su obra cayó en el olvido, pero su figura fue recuperada por Salvador Dalí . ^[213]

Modernismo catalán

En Cataluña se desarrolló entre finales del siglo XIX y principios del XX el modernismo catalán , un estilo vinculado al modernismo art nouveau internacional pero que aquí tuvo características propias vinculadas al renacimiento de la cultura catalana ( Renaixença ). Destacó especialmente en arquitectura, con figuras de renombre como Antoni Gaudí , Lluís Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch , pero también en pintura y escultura. Se trató de un movimiento heterogéneo, que aglutinó diversas tendencias estilísticas: según una clasificación de Joan Ainaud de Lasarte ( Modernism in Spain , 1969), el modernismo catalán podría dividirse en modernismo simbolista, impresionista y postimpresionista. ^[214] El primero sería el más próximo al simbolismo internacional, con influencias provenientes del Romanticismo y el Prerrafaelismo, aunque también del naturalismo y otros estilos, que aportaron una gran amalgama y complejidad que se tradujo de formas diferentes en cada artista. En su producción se percibe un idealismo que da gran relevancia a la iconografía y que se traduce en la expresión en los personajes de ideas o sentimientos, con especial predilección por la figura femenina. ^[215] Sus principales características fueron la asimetría, la bidimensionalidad, las líneas sinuosas, el gusto por la decoración floral, cierta tendencia medievalizante y, especialmente en lo que respecta al simbolismo, una predilección por la alegoría y la temática simbólica. ^[216]

Uno de los máximos representantes de este movimiento fue Santiago Rusiñol , establecido en 1890 en París junto con Ramón Casas , donde se adentraron en el movimiento impresionista, con especial influencia de Manet y Degas , es decir, del impresionismo de base más tradicional, de pinceladas largas y difusas frente a las cortas y sueltas del impresionismo más vanguardista. ^[217] Sin embargo, hacia 1893-1894 Rusiñol evolucionó hacia un estilo más plenamente simbolista: abandonó el realismo y orientó su obra hacia un tono más mítico y estetizante, casi evasionista, como denotan sus plafones decorativos para el Cau Ferrat de Sitges en 1896 ( La Pintura , La Poesía , La Música ). ^[218] Con el inicio del siglo XX se desplazó más hacia la pintura de paisaje, todavía con cierta impronta simbolista pero con mayor tendencia al realismo. ^[219]

Alexandre de Riquer fue pintor, grabador, decorador, ilustrador y cartelista, además de poeta y teórico del arte. Vivió un tiempo en Londres, donde recibió la influencia del prerrafaelismo y del movimiento Arts & Crafts . Destacó especialmente en la ilustración de libros ( Crisantemes , 1899; Anyoranses , 1902) y en el diseño de ex-libris , género que elevó a cotas de gran calidad. ^[220]

Joan Llimona , fundador del Círculo Artístico de Sant Lluc , se inclinó por un misticismo de fuerte religiosidad, como denotan sus pinturas para la cúpula del camarín de la iglesia del Monasterio de Montserrat (1898) o las pinturas murales del comedor de la casa Recolons de Barcelona (1905). ^[218] Formado en la Escuela de la Llotja , amplió sus estudios en Italia durante cuatro años. Sus primeras obras fueron de género costumbrista, pero hacia 1890 su pintura se centró en la religión, con composiciones que combinan el realismo formal con el idealismo de los temas, con un estilo a veces comparado con Millet y Puvis de Chavannes. ^[221]

Joan Brull estudió en Barcelona con Simó Gómez y en París con Raphaël Collin . Su etapa más simbolista se centró entre 1898 y 1900. ^[222] En su obra destaca la representación de la figura femenina, con muchachas de belleza etérea que a menudo adoptan la forma de hadas o ninfas, como en Calipso (1896, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona) o Ensueño (1897, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona). ^[218]

Josep Maria Tamburini desarrolló una estética similar de figuras femeninas idealizadas, como en Armonías del bosque (1896, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona). ^[223] Iniciado en el academicismo, en el que mostró una gran perfección técnica, fue más tarde uno de los pintores modernistas más afines al simbolismo, especialmente por su temática de contenido romántico. ^[224]

Sebastià Junyent fue un artista inquieto, iniciado en el impresionismo parisino al mismo tiempo que Casas y Rusiñol pero que fue desarrollando una obra personal en la que su fase más simbolista la encontramos entre 1899, año de su Clorosis de influencia whistleriana, y 1903, fecha en la que realizó una Anunciación que ya indicaba un estilo más arcaizante. Su mejor obra en estos años fue Ave María (1902, colección Junyent, Barcelona), que muestra un idealismo cercano a Henri Martin . ^[225] Pudo haber influido en Pablo Picasso , con quien compartió estudio en Barcelona y al que acompañó a París. ^[226]

Entre los más jóvenes se encontraban Adrià Gual y Lluís Masriera . Gual fue, además de pintor, dramaturgo, escenógrafo, director teatral y pionero del cine. Iniciado en el realismo, dio un giro radical hacia un modernismo de tendencia simbolista en 1896 con su libro ilustrado Nocturno. Andante moderado . Su mejor obra es El rocío (1897, Museo Nacional de Arte de Cataluña, Barcelona). Masriera destacó más como orfebre que como pintor, pero también desarrolló una obra de notable contenido simbolista de tono refinado y decorativo. ^[227]

Otros artistas dentro de esta corriente fueron Aleix Clapés , Lluís Graner , Laureà Barrau, Joaquim Vancells, Ramon Pichot y Josep Maria Xiró Xiró. ^[228]

Picasso

Por último, cabe mencionar el periodo simbolista de Pablo Picasso . Tras una formación académica y un primer contacto con el arte moderno durante su estancia en Barcelona, donde se integró en el círculo modernista, entre 1901 y 1907 se decantó por un estilo cercano al simbolismo, que dio lugar a los periodos azul (1901-1904) y rosa (1904-1907) del artista malagueño. ^[66]

En el ambiente artístico-literario de la cervecería barcelonesa Els Quatre Gats , Picasso entró en contacto con el impresionismo, los nabis, los simbolistas ingleses (Burne-Jones, Whistler, Beardsley), la filosofía de Nietzsche y Schopenhauer, la literatura de Ibsen, Strindberg y Maeterlinck, y la música de Wagner. ^[229] Todas estas influencias contribuyeron a un periodo de tristeza y melancolía en el estado de ánimo del artista —aumentado por el suicidio de su amigo Carles Casagemas en 1901— que dio lugar a su periodo azul. Para entonces había realizado su primer viaje a París en 1900, donde recibió la influencia de Toulouse-Lautrec, Carrière, Daumier y Théophile Steinlen . También se nota en esta etapa la influencia de Isidre Nonell , sobre todo en el modelado y los contornos simplificados. Sus obras de este periodo se centran en la pobreza y la soledad, así como en la maternidad y la vejez ( Vida , 1903, Cleveland Museum of Art ; Desamparados , 1903, Museu Picasso , Barcelona). Su principal rasgo estilístico es el predominio del color azul, probablemente influido por los Nocturnos de Whistler , los tonos azul verdosos de las últimas obras de Burne-Jones y el cuadro La vigilia de santa Genoveva de Puvis de Chavannes, de un azul casi monocromático, así como la asociación simbólica de este color con la espiritualidad y —en la obra de Verlaine y Mallarmé— con la decadencia. En 1904, ya instalado en París, es perceptible la influencia de artistas manieristas y barrocos españoles como el Greco , Velázquez y Zurbarán . ^[230]

En el periodo rosa pasó de la tristeza a la alegría, con temas más joviales centrados en figuras circenses, acróbatas, bailarines y saltimbanquis ( El acróbata de la pelota , 1905, Museo Pushkin , Moscú; Acróbatas sentados con niño , 1906, Kunsthaus Zürich ). Esto también se reflejó en su paleta, centrada en tonos pastel, con preferencia por el rosa, así como por el gris. ^[231] Instalado en París, conoció a figuras relevantes del arte y la cultura, como Serguéi Shchukin , Daniel Henry Kahnweiler , Leo y Gertrude Stein , Henri Matisse y Guillaume Apollinaire . ^[232] El mayor éxito en su carrera y su relación con Fernande Olivier le llevaron a un mayor optimismo, que se tradujo en temas más amables y un colorido más suave, con imágenes plagadas de ternura y cierta nostalgia. Aun así, por momentos se vislumbra el dramatismo de la etapa anterior, con personajes tristes y melancólicos y escenas con cierto misterio, como en La familia de saltimbanquis (1905, National Gallery of Art , Washington DC). ^[233]

Europa Oriental

Uno de los países donde más se desarrolló el simbolismo fue Bohemia (actual República Checa), perteneciente hasta 1918 al Imperio austrohúngaro y por tanto inmersa en el ámbito artístico occidental, especialmente el germánico. ^[234] Uno de sus mejores exponentes fue František Kupka , discípulo del pintor nazareno František Sequens , que para pagar sus clases trabajaba como médium espiritista. En 1895 viajó a París, donde recibió la influencia de Ensor y Toulouse-Lautrec. Interesado por el ocultismo, produjo obras de un misticismo decorativo, fantástico y dramático: Mujer y dinero (1899, Národní Galerie , Praga), Balada de Epona (Las alegrías) (1900, Národní Galerie, Praga), El comienzo de la vida (1900–1903, Centro Georges Pompidou , París). A partir de la década de 1910 su obra se desplazó hacia la abstracción. ^[234]

Alfons Mucha fue un artista a medio camino entre el modernismo y el simbolismo. Vivió y trabajó en Viena y Múnich antes de establecerse en París en 1887, donde estudió en la Académie Julian . Después residió varios años en Estados Unidos (1904-1911), hasta que regresó a su tierra natal, donde se dedicó al formato monumental. Fue pintor, grabador, dibujante, cartelista, fotógrafo y diseñador de joyas. Trabajó como ilustrador para el periódico La plume y cosechó un gran éxito en la realización de carteles teatrales, especialmente los realizados para Sarah Bernhardt . ^[235] Sus composiciones se basaban a menudo en la fotografía, con un estilo ligero y elegante en el que destaca la imagen femenina, dotada de una belleza sobrenatural, así como un gusto por el arabesco y la decoración floral. ^[78]

Jan Preisler retrata generalmente temas espirituales, estados de ánimo convertidos en algo tangible, en los que el propio artista expresa sus intenciones en la obra. En esto tiene un elemento en común con Edvard Munch, un artista al que Preisler admiraba. ^[61] Recibió influencias de Hans von Marées, Maurice Denis y Puvis de Chavannes. Su obra muestra una preocupación por el ser humano en todas las facetas de la vida, desde lo sentimental hasta la fantasía de los cuentos y mitos, y apunta en buena medida hacia el expresionismo. ^[236]

Karel Vítězslav Mašek fue pintor y arquitecto. Durante una estancia en París, donde fue alumno de Alphonse Osbert y Henri Martin, adoptó el puntillismo de Seurat, para luego decantarse por el simbolismo. Su obra muestra un fuerte decorativismo, no en vano fue profesor de la Escuela de Artes Decorativas de Praga. ^[144] En ocasiones utilizó mosaicos de colores luminiscentes, como Klimt. ^[237]

Otros representantes del simbolismo checo son Jakub Schikaneder , Max Švabinský , Antonín Slavíček y Ludvík Kuba . ^[236]

Polonia atravesaba en esta época una época difícil, con su territorio dividido en tres partes entre Rusia, Prusia y el Imperio austrohúngaro, y su lengua y cultura proscritas en los ámbitos ruso y prusiano; del lado austriaco —centrado en Cracovia— menos represivo, fue en el lado austriaco donde más se desarrolló la cultura polaca. ^[235] En relación al simbolismo, un factor esencial fue la obra del escritor Stanisław Przybyszewski , poeta y teórico del arte, de carácter provocador partidario del satanismo, que difundió el simbolismo en su país. ^[238] Junto con Stanisław Wyspiański fundó la revista Życie (Vida), que era el órgano de una asociación artística llamada Młoda Polska (Joven Polonia), que promovía el simbolismo de tono decadentista, así como el neorromanticismo, el impresionismo y el modernismo. ^[239]

Wyspiański fue pintor, poeta y dramaturgo. Alumno del academicista Jan Matejko , estudió también literatura e historia del arte. Amplió sus estudios en la Académie Colarossi parisina , entre 1890 y 1894. A su regreso a su país introdujo el decorativismo secesionista en la escena artística, lo que ayudó a su renovación. ^[240] Destacó como retratista e ilustrador, y también diseñó vidrieras, como las de la iglesia franciscana de Cracovia. ^[241]

Al igual que el anterior, Józef Mehoffer fue alumno de Jan Matejko y estudió en la Académie Colarossi de París, donde trabó amistad con Gauguin y Mucha. ^[242] Realizó ilustraciones para las revistas Życie y Chimera . También diseñó vidrieras, como las de la iglesia de San Nicolás en Friburgo . ^[74]

Jacek Malczewski también fue alumno de Jan Matejko, de quien heredó su gusto por los temas históricos, mitológicos y religiosos. ^[243] Pintó numerosos autorretratos con diversos trajes, a veces en interacción con una bella mujer que representaba la muerte. Preocupado por la situación de su país, en su Hamlet polaco (1903, Museo Nacional de Varsovia ) pintó dos mujeres, una con las manos atadas y la otra rompiendo sus cadenas, que representan la antigua y la nueva Polonia. ^[144]

*Eloé* (1892), de Witold Pruszkowski , Museo Nacional, Wrocław

Józef Pankiewicz se inició en el impresionismo y también tuvo contactos con el secesionismo vienés, pero más tarde fue influenciado por el simbolismo, con preferencia por el género del nocturno ( Cisnes en el jardín sajón , 1896, Museo de Cracovia). ^[244] Fue miembro de la sociedad Sztuka (Arte), fundada en Cracovia en 1897 con el objetivo de promover el arte contrario al academicismo y fomentar el circuito de exposiciones en Polonia. Los miembros de este grupo mostraron tendencias artísticas que iban desde el impresionismo y el simbolismo hasta el expresionismo. ^[245]

Witold Wojtkiewicz se centró en el mundo de la infancia y el circo, con un estilo que combinaba lo lírico y lo grotesco y se acercaba al expresionismo y al surrealismo. Murió a los treinta años. ^[240]

Otros exponentes del simbolismo polaco fueron Bruno Schulz , Władysław Ślewiński , Wojciech Weiss , Władysław Podkowiński y Witold Pruszkowski . ^[246]

En Hungría destacó József Rippl-Rónai . Discípulo del academicista Mihály Munkácsy , se trasladó a París y entró en contacto con el ambiente simbolista de esa ciudad; visitó también la colonia artística de Pont-Aven, frecuentó a los nabis y trabó amistad con Whistler y Carrière. En 1897 el marchante de arte Samuel Bing organizó una exposición de su obra con 130 de sus cuadros. En 1902 regresó a su país natal. Su obra muestra cierta monumentalidad y un aire solemne, con tendencia a la monocromía y a sintetizar forma y color, y una paleta clara y amable. ^[247]

János Vaszary recibió la influencia de Puvis de Chavannes, lo que se denota en su gusto por la pintura mural, especialmente en paisajes de composición estilizada con contornos de fino trazo negro, con figuras naturalistas de correcto dibujo anatómico. ^[247] Otro representante fue Aladár Körösfői-Kriesch , similar en estilo al anterior en su contraste de formas planas y figuras anatómicamente bien definidas, con cierta influencia de Gustav Klimt y el Nazareno Melchior Lechter . Su obra denota cierto clasicismo, con un cromatismo frío que contrasta con su gusto por el color dorado. ^[247]

En Rusia, el simbolismo se desarrolló en amplia interrelación con la literatura de Tolstói y Dostoyevski y la música de Rimski-Kórsakov . ^[51] En 1898, Alexandre Benois y Serguéi Diaghilev fundaron en San Petersburgo el grupo Mir Iskusstva (Mundo del Arte) , con el objetivo de renovar la escena artística rusa y romper con el academicismo. Entre sus influencias, además del modernismo y el simbolismo, se encontraban el arte popular y medieval, así como el dibujo infantil y el arte primitivo, de los que extrajeron su preferencia por la simplificación formal y los colores vivos, dos de sus principales señas de identidad. Al igual que los nabis, aspiraban a lograr una síntesis de las artes, por lo que se preocupaban por igual de la pintura y la escultura como de la cerámica o la madera, y también se aventuraron en las artes escenográficas, como se manifiesta en los Ballets Rusos de Diaghilev . En 1900 se unió al grupo Lev Bakst , pintor, escenógrafo y diseñador de vestuario, influido por el modernismo y el arte oriental. El grupo editó una revista del mismo nombre, Mir Iskusstva , y organizó exposiciones de artistas occidentales. La primera tuvo lugar en San Petersburgo en 1899, con obras de Degas, Monet, Moreau, Böcklin, Puvis de Chavannes y Whistler. La última, en 1906, marcó el debut de algunos artistas de vanguardia como Mijaíl Lariónov , Natalia Goncharova y Alekséj von Jawlenski . Ese mismo año Diáguilev organizó una exposición de arte ruso en el Salón de Otoño de París. Tras la exposición el grupo se disolvió. Entre 1910 y 1924 su nombre fue utilizado como empresa de exposiciones, pero centrada en el arte de vanguardia. ^[248]

Los Ballets Rusos fue una compañía de ballet creada en 1909 por Diáguilev, integrada principalmente por bailarines del Ballet Imperial del Teatro Mariinski de San Petersburgo, entre los que destacó Vaslav Nijinsky . Estuvo radicada sucesivamente en París, Montecarlo , París y Londres. Además de la música y el ballet, destacó especialmente por su escenografía, decorados y vestuario, diseñados principalmente por Benois y Bakst, además de otros artistas como Nikolái Roerich , Konstantín Korovin y Aleksandr Golovin . Alexandre Benois, de ascendencia francesa, fue pintor, escenógrafo, historiador y crítico de arte. En sus diseños escénicos combinó el arte tradicional ruso con algunos elementos del rococó francés. ^[249] Lev Bakst estudió en la parisina Académie Julian y fue alumno de Jean-Léon Gérôme . ^[75] Combinó el arte popular ruso con el arte francés moderno, con un estilo colorista destacado por su sentido del ritmo. ^[250] Entre las principales producciones de la compañía se encuentran: Danzas polovtsianas de El príncipe Ígor , con decorados y vestuario de Roerich (1909); El banquete , con decorados de Korovin y vestuario de Korovin, Bakst y Benois (1909); Los jardines de Armida , de Benois (1909); Cleopatra , de Bakst (1909); Las sílfides , de Benois (1909); El pájaro de fuego , de Golovin (1910); Sherazade , de Bakst (1910), Petrushka , de Benois (1911); El espectro de la rosa , de Bakst (1911); La siesta de un fauno , de Bakst (1912); y La leyenda de José (1914), de Bakst y Josep Maria Sert . A partir de 1914 los ballets se alejaron del estilo simbolista. La empresa se disolvió en 1929, tras la muerte de Diáguilev. ^[251]

Fuera de este grupo destaca la obra de Mijaíl Vrúbel . Estudió Derecho antes de dedicarse a la pintura a los veinticuatro años, y pasó cinco años restaurando los frescos de la iglesia de San Cirilo de Kiev , estableciéndose después en Moscú para iniciar su carrera personal. Sus temas favoritos eran los retratos, las escenas de ballet y las representaciones mitológicas y alegóricas. Durante quince años produjo varias obras inspiradas en El demonio de Lérmontov , en las que un demonio se enamora de una joven y, para poseerla, mata a su prometido; cuando la joven está recluida en un convento la seduce, pero ella muere y el demonio se queda solo. En la obra de Vrúbel el demonio evoluciona desde un ser de belleza sobrehumana a un ser aplastado y desesperado. A los treinta y seis años empezó a tener síntomas de demencia, a los cuarenta perdió la vista y murió a los cuarenta y cuatro. Bautizado como el Cézanne ruso por Naum Gabo , su obra influyó en Malévich y Kandinski . ^[252]

El simbolismo también influyó en la obra madura de Ilya Repin , pintor realista que fue miembro del grupo Peredvízhniki (Ambulantes), con un estilo melodramático de introspección psicológica. En 1890 se unió al círculo de Mir Iskusstva y pasó por una fase simbolista. ^[61] Fue miembro del consejo editorial de la revista y participó en varias exposiciones organizadas por Diáguilev. Sin embargo, pronto se separó del grupo, al que consideraba diletante, y continuó con su estilo realista. ^[253]

Kuzma Petrov-Vodkin estudió en Moscú y París, y viajó por Francia, Italia, Grecia y África. Recibió la influencia de Puvis de Chavannes, Hodler y Denis. Su obra se centra en conceptos ideales como la belleza, el amor y la felicidad. ^[66] Su estilo, a menudo inspirado en los iconos tradicionales rusos, se caracteriza por fuertes contrastes cromáticos y el uso de perspectivas de arriba hacia abajo. En su última etapa evolucionó hacia el realismo. ^[254]

Valentín Serov fue alumno de Repin y amplió sus estudios en París y Mónaco. Fue un destacado retratista que realizó imágenes de Nicolás II , Maksim Gorki y Nikolai Rimski-Korsakov , entre otros. Fue miembro de Mir Iskusstva y colaborador de Diáguilev. ^[73] Evolucionó desde un cierto impresionismo hacia un simbolismo influenciado por el arte tradicional ruso y el arte clásico griego. ^[255]

Otros exponentes del simbolismo ruso fueron Viktor Zamiraylo, Konstantin Somov , Viktor Borisov-Musatov y Viktor Vasnetsov . ^[256]

En Rusia, cabe mencionar también la fase simbolista de dos jóvenes artistas que más tarde destacarían en el arte de vanguardia: Vasili Kandinsky y Kasimir Malevich . Kandinski estudió derecho, economía y política antes de dedicarse al arte. En 1899 se instaló en Múnich, donde estudió con Anton Ažbe y Franz von Stuck . Entre 1903 y 1907 viajó por Italia, Francia y África. Entre 1907 y 1914 vivió entre Berlín y Múnich. Tras unos años de vuelta en Rusia, en 1922 regresó a Alemania y en 1933 se instaló en Francia. La primera fase de su obra se puede enmarcar en el simbolismo, en el que su fuente de inspiración fueron los cuentos y leyendas eslavas, así como elementos de la religiosidad ortodoxa y cierta tendencia al ocultismo, perceptible por ejemplo en la transcripción simbólica de sus colores. En 1911 se unió al grupo expresionista Der Blaue Reiter y gradualmente se fue orientando hacia la abstracción, de la que fue uno de sus pioneros. ^[151]

Malévich, futuro fundador del suprematismo , tuvo en sus inicios una fase simbolista, caracterizada por el erotismo aunado a un cierto misticismo de corte esotérico, con un estilo tendente al monocromo, con predominio del rojo y el amarillo: Mujer recogiendo flores (1908, colección particular), Roble y dríadas (1908, colección particular). ^[257] Fue alumno de Borisov-Musatov, quien a su vez había sido alumno de Moreau. ^[144] Influenciado por Maurice Denis, su dibujo tuvo cierta tendencia al primitivismo. ^[258]

Por último cabe mencionar al lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis , pintor y compositor, artista innovador con tendencia a la abstracción. Interesado en la mitología lituana y en la filosofía de Nietzsche y Rudolf Steiner , su estilo se movió entre el simbolismo y la abstracción, en la que se denota una fuerte inspiración musical. ^[68] Entre 1906 y 1908 produjo una serie de «abstracciones musicales» ( Composición , Sonata sobre el mar , Sonata piramidal ) que buscaban transcribir los ritmos musicales al ámbito pictórico, en obras de tendencia abstracta que buscaban reflejar en líneas simplificadas las energías cósmicas que pretendía capturar con su obra. ^[259] Murió pobre a los treinta y seis años. ^[260]

Estados Unidos

En Estados Unidos, el simbolismo tuvo poca implantación, pero fue practicado por unos pocos artistas que lo habían conocido en viajes a Europa. Al igual que en el Reino Unido con el prerrafaelismo, en Estados Unidos destacó la obra desarrollada por la Escuela del río Hudson y, especialmente, por Thomas Cole , pintor de origen británico y autor de paisajes de tono alegórico y romántico, como El viaje de la vida (1842, National Gallery of Art , Washington DC ), una serie de cuatro lienzos que representan el ciclo de la vida humana: infancia, juventud, madurez y vejez, en la forma de un viajero que navega en una barca por un río (La vida) guiado por un ángel guardián. ^[261]

La escena artística estadounidense era más bien hostil al simbolismo, ya que por su idiosincrasia era más proclive al realismo: todavía predominaba el positivismo cientificista y se tenía una idea viva del progreso, sobre todo en el terreno económico, pues no en vano este país es junto con el Reino Unido la cuna del capitalismo. Así, algunos aspectos de la cultura finisecular europea eran vistos con recelo, sobre todo en lo que se refiere al decadentismo, que chocaba frontalmente con el fundamentalismo religioso promovido por el protestantismo. En este país, incluso el arte y la poesía eran considerados actividades femeninas. ^[262] A pesar de todo ello, existían diversos vestigios del arte simbolista, practicado por artistas formados en Europa como Albert Pinkham Ryder , Arthur Bowen Davies , Elihu Vedder , Maurice Prendergast y John White Alexander . ^[263]

Autodidacta, Ryder produjo paisajes y marinas, dos géneros poco tratados por los simbolistas, pero con un aire visionario que los convirtió, en sus propias palabras, en algo «mejor que la naturaleza, que vibraba con la emoción de una nueva creación». Inspirado en la obra de Shakespeare, Byron , Wagner y Poe, así como en la Biblia y la mitología, sus obras expresan una temática relacionada con el mal y la muerte. ^[264]

Davies también produjo paisajes de tipo alegórico, denotando influencia simbolista a través de su predilección por la temática onírica y sensual, así como la romántica y decorativa. Fue uno de los organizadores del Armory Show , que presentó en Estados Unidos las obras de artistas simbolistas, así como impresionistas, fauvistas y cubistas. ^[119] Fue influenciado por Böcklin y el prerrafaelismo. ^[68]

Instalado en Roma desde 1867, desde donde regresó ocasionalmente a su tierra natal, Vedder estuvo influido por el prerrafaelismo y por Odilon Redon, y aunque a menudo eligió temas históricos y religiosos —además de paisajes—, los reinterpretó al modo simbolista, en imágenes fantásticas y alegóricas en las que la figuración detallista se subordina al contenido simbólico, como en El cáliz de la muerte (1885, Virginia Museum of Fine Arts , Richmond ). ^[265]

Alexander fue un pintor e ilustrador, formado en Múnich, Florencia y Venecia entre 1877 y 1881. Tras una estancia en Nueva York donde destacó como retratista, residió en París entre 1890 y 1901, donde frecuentó a Whistler, Rodin, Mallarmé y Henry James . Fue director de la Academia Nacional de Diseño . Destacó especialmente en el retrato femenino. ^[75]

Maurice Prendergast fue también un artista con considerables vínculos con Europa: entre 1891 y 1894 estudió en las academias Julian y Colarossi, y recibió especialmente la influencia de Manet, Whistler, Seurat, Toulouse-Lautrec y los Nabis. Durante el cambio de siglo su obra se acercó más al impresionismo, y fue a mediados de la década de 1910 cuando se acercó al simbolismo, en obras como El paseo (1914-1915, Detroit Institute of Arts ). En la última fase de su obra se acercó al fauvismo matissiano . ^[266]

El simbolismo también influyó durante un tiempo en John Singer Sargent , pintor clasicista que destacó como retratista social, cercano por momentos al impresionismo. En 1895 recibió el encargo de decorar la Biblioteca Pública de Boston , para la que desarrolló un ciclo mural basado en El progreso de la religión que denota la influencia simbolista, especialmente en las deidades paganas del Próximo Oriente. ^[267]

Cabe mencionar por último a James Abbott McNeill Whistler , pintor estadounidense afincado en el Reino Unido que, aunque vinculado sobre todo al impresionismo, se asocia en ocasiones al simbolismo por su concepción idealista del arte, al que consideraba «una divinidad de delicada esencia». ^[263] Permaneció un tiempo en Francia, donde estudió en la École des Beaux-Arts con Charles Gleyre . Allí conoció a Legros y Fantin-Latour , con quien fundó la Société des Trois . En 1859 se instaló en Londres, aunque siguió viajando con frecuencia a Francia. Fue un eminente dandi y defensor de l'art pour l'art , y rechazó en la pintura cualquier componente narrativo o moral; según él, si la música es la pintura del oído, la pintura debe ser la pintura del ojo . Su estilo era ligero, con colores sencillos y tonalidades algo abstractas. ^[268] Whistler se distancia del simbolismo por su ausencia de contenido metafísico, pero aportó conceptos importantes a la teoría simbolista, como la autonomía del arte respecto de cualquier concepto moral. El simbolismo también estuvo influenciado por su gusto por el arte japonés, su decoración con patrones inspirados en plumas de pavo real y su tendencia a titular sus obras con conceptos musicales como «nocturno», «arreglo» y «sinfonía». ^[269]

Véase también

Referencias

^ Chilvers (2007, pág. 888)
^ abcdef Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 894)
^ Chilvers (2007, págs. 888-889)
^ Chilvers (2007, pág. 889)
^ Chilvers (2007, pág. 61)
↑ abc Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1856)
^ Dobai y Coradeschi (1981, pág.5)
↑ Fernández Polanco (1989, p.6)
^ Wolf (2009, págs. 8-9)
^ Buendía & Gállego (2003, p. 641)
^ abc Dempsey (2002, pág. 41)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 40)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 10-12)
^ Wolf (2009, pág. 7)
^ abc Lemaire (1997, pág. 6)
^ de Lemaire (1997, pág. 7)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 38-40)
^ Wolf (2009, pág. 18)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 12-13)
^ Wolf (2009, págs. 19-20)
^ Lucie-Smith (1991, págs. 12-20)
^ Wolf (2009, pág. 9)
^ de Lucie-Smith (1991, pág. 23)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, págs. 1856-1847)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 32)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 8-10)
^ Dempsey (2002, pág. 31)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 10)
^ abc Dempsey (2002, pág. 43)
^ Wolf (2009, pág. 16)
^ ab Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1857)
^ Wolf (2009, pág. 12)
^ Eco (2004, pág. 329)
^ Beardsley y Hospers (1990, pág. 70)
^ Eco (2004, pág. 333.)
^ Honor y Fleming (2002, pág. 680)
^ Fahr-Becker (2008, págs. 25-26)
^ Givone (2001, pág. 114)
^ Eco (2004, pág. 340)
^ ab Fahr-Becker (2008, pág.71)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 68)
^ Dempsey (2002, págs. 30-31)
^ Eco (2004, págs. 336-337)
^ Wolf (2009, págs. 12-13)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 40-41)
^ Wolf (2009, pág. 20)
^ Fahr-Becker (2008, pág. 90)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 13)
^ por Gibson (2006, pág. 33)
^ Gibson (2006, págs. 45-49)
^ abcd Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1860)
^ Gibson (2006, pág. 31)
^ Chilvers (2007, pág. 649)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 662)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 44)
^ Aguilera (1972, págs. 296-297)
^ Gibson (2006, pág. 36)
^ Chilvers (2007, pág. 773)
^ Pijoán y Gaya Nuño (1967, pág. 167)
^ Pijoán y Gaya Nuño (1967, p.168)
^ abcdef Gibson (2006, pág. 240)
^ Hamilton (1989, pág. 83)
^ Chilvers (2007, págs. 789-790)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 45)
^ Hamilton (1989, pág. 85)
^ abcd Gibson (2006, pág. 239)
↑ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1478)
^ abc Gibson (2006, pág. 230)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 87)
^ abc Gibson (2006, pág. 232)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 617)
^ por Gibson (2006, pág. 235)
^ abc Gibson (2006, pág. 242)
^ abc Gibson (2006, pág. 237)
^ abcd Gibson (2006, pág. 228)
^ Hofstätter (1981, pág. 106)
^ "Biografía de Gaston Bussière".
^ abc Gibson (2006, pág. 238)
^ abcd Gibson (2006, pág. 233)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 851)
^ por Gibson (2006, pág. 241)
^ Buendía & Gállego (2003, p. 656)
^ Tazartes (1999, pág. 32)
^ Buendía & Gállego (2003, p. 664)
^ Chilvers (2007, pág. 753)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 768)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 29)
↑ abc Fernández Polanco (1989, p. 30)
^ Dempsey (2002, pág. 49)
^ por Dempsey (2002, pág. 50)
^ por Dempsey (2002, pág. 53)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 114)
^ Dempsey (2002, pág. 55)
^ de Chilvers (2007, pág. 669)
^ Pijoán y Gaya Nuño (1967, pág. 310)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 32-33)
^ Gibson (2006, pág. 49)
^ Dempsey (2002, pág. 51)
^ Hofstätter (1981, págs. 95-96)
^ por Gibson (2006, pág. 231)
^ Hofstätter (1981, págs. 93–95)
^ abcd Gibson (2006, pág. 243)
^ ab Hofstätter (1981, pág.98)
^ Chilvers (2007, pág. 128)
^ Chilvers (2007, pág. 1002)
^ Fahr-Becker (2008, pág. 409)
^ Hofstätter (1981, págs. 96-97)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 46)
^ Gibson (2006, pág. 56)
↑ abc Fernández Polanco (1989, p. 48)
^ Dempsey (2002, pág. 56)
^ Fahr-Becker (2008, pág. 131)
^ Tarabra (2009, pág. 300)
↑ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1858)
^ Dempsey (2002, pág. 25)
^ Dempsey (2002, págs. 25-26)
^ Gibson (2006, pág. 87)
^ Chilvers (2007, pág. 826)
↑ abcd Fernández Polanco (1989, p. 149)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 501)
^ por Gibson (2006, pág. 94)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 49)
^ Gibson (2006, pág. 104)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 50-52)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 492)
^ Gibson (2006, págs. 108-110)
^ Gibson (2006, págs. 242-243)
^ Gibson (2006, pág. 109)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 731)
^ Gibson (2006, pág. 103)
^ Gibson (2006, págs. 110-111)
^ Gibson (2006, pág. 111)
^ Hofstätter (1981, pág. 154)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 946)
^ Gibson (2006, págs. 111-115)
^ Fahr-Becker (2008, pág. 165)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 172)
^ Gibson (2006, pág. 226)
^ Chilvers (2007, pág. 642)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 654)
^ ab Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1859)
^ Gibson (2006, pág. 125)
^ Dobai y Coradeschi (1981, pág.11)
^ abcd Gibson (2006, pág. 236)
^ Gibson (2006, págs. 234-235)
^ Chilvers (2007, pág. 517)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 57)
^ Gibson (2006, pág. 131)
^ Gibson (2006, pág. 136)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 418)
^ abcd Gibson (2006, pág. 234)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 587)
^ Chilvers (2007, pág. 123)
^ Fernández Polanco (1989, págs. 49-50)
^ Chilvers (2007, pág. 471)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 50)
^ Hofstätter (1981, págs. 111-112)
^ Chilvers (2007, pág. 516)
^ Gibson (2006, págs. 138-139)
^ ab Dobai y Coradeschi (1981, pág. 87)
^ Dobai y Coradeschi (1981, págs. 97-104)
^ Gibson (2006, pág. 140)
^ Gibson (2006, pág. 139)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 198)
↑ García Felguera (1993, p. 50)
↑ García Felguera (1993, p. 49)
^ Lucie-Smith (1991, págs. 127-129)
^ Gibson (2006, págs. 78-80)
^ Fahr-Becker (2008, pág. 50)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 134)
^ Fahr-Becker (2008, págs. 43-46)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 135)
^ Chilvers (2007, pág. 807)
^ Wolf (2009, pág. 54)
^ Wolf (2009, pág. 70)
^ Chilvers (2007, pág. 1008)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 139)
↑ Lucie-Smith (1991, págs. 136-137)
↑ Fernández Polanco (1989, p. 56)
^ Gibson (2006, pág. 152)
^ ab Buendía & Gállego (2003, p. 682)
^ Asunción (2002, pág. 15)
^ Gibson (2006, pág. 149)
^ Chilvers (2007, pág. 1020)
^ Fahr-Becker (2008, pág. 400)
^ Gibson (2006, págs. 152-153)
^ Wolf (2009, pág. 48)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1040)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 917)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1900)
^ abc Gibson (2006, pág. 197)
^ Wolf (2009, pág. 52)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 883)
^ ab Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 785)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 738)
^ Eco y Calabrese (1987, pág. 186)
^ Gibson (2006, págs. 198-200)
^ Buendía & Gállego (2003, p. 685)
^ Gibson (2006, págs. 199-203)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 122)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 141)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 857)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 263)
^ Hofstätter (1981, pág. 253)
^ Hofstätter (1981, págs. 270-271)
^ Hofstätter (1981, pág. 254)
^ Hofstätter (1981, pág. 255)
^ Hofstätter (1981, pág. 268)
^ Hofstätter (1981, págs. 272-273)
^ Hofstätter (1981, pág. 274)
^ Hofstätter (1981, pág. 271)
^ "Luis Ricardo Falero" (en español).
^ Wolf (2009, pág. 90)
^ Socías (1987, pág. 28)
^ Socías (1987, págs. 31-33)
^ Hofstätter (1981, pág. 256)
^ Hofstätter (1981, pág. 249)
^ abc Hofstätter (1981, pág. 257)
^ Socías (1987, pág. 45)
^ Hofstätter (1981, págs. 256-257)
^ Socías (1987, págs. 39-41)
^ Gibson (2006, pág. 229)
^ Hofstätter (1981, pág. 260)
^ Socías (1987, pág. 38)
^ Hofstätter (1981, págs. 260-261)
^ Socías (1987, pág. 50)
^ Hofstätter (1981, pág. 262)
^ Socías (1987, págs. 34-61)
^ Hamilton (1989, pág. 147)
^ Hamilton (1989, págs. 147-148)
^ Hamilton (1989, pág. 150)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 749)
^ Mas Marqués (2000, pág. 32)
^ por Gibson (2006, pág. 155)
^ por Gibson (2006, pág. 156)
^ ab Hofstätter (1981, pág.236)
^ Gibson (2006, pág. 167)
^ Gibson (2006, págs. 157-158)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1607)
^ por Gibson (2006, pág. 245)
^ Gibson (2006, pág. 158)
^ Gibson (2006, pág. 159)
^ Gibson (2006, págs. 159-161)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1510)
↑ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1920)
^ Gibson (2006, págs. 157-164)
^ abc Hofstätter (1981, pág. 235)
^ Dempsey (2002, págs. 62-63)
^ Chilvers (2007, pág. 103)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p.68)
^ Enciclopedia del Arte Garzanti (1991, p. 142)
^ Gibson (2006, págs. 176-179)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1686)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1571)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1834)
^ Gibson (2006, págs. 177-189)
^ Gibson (2006, pág. 181)
^ Gibson (2006, pág. 191)
^ Hamilton (1989, pág. 145)
^ Gibson (2006, pág. 189)
^ Gibson (2006, pág. 82)
^ Gibson (2006, pág. 83)
^ por Gibson (2006, pág. 84)
^ Dempsey (2002, pág. 44)
^ Wolf (2009, pág. 34)
^ Diccionario Larousse de la Pintura (1988, p. 1639)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 144)
^ Gibson (2006, pág. 244)
^ Lucie-Smith (1991, pág. 140)

Bibliografía

Aguilera, Emiliano M. (1972). El desnudo en las artes (en español). Madrid: Giner.
Asunción, Josep (2002). Luz y color . Barcelona: Parramón. ISBN 84-342-2472-0.
Beardsley, Monroe C.; Hospers, John (1990). Estética. Historia y fundamentos (en español). Madrid: Cátedra. ISBN 84-376-0085-5.
Buendía, J. Rogelio; Gallego, Julián (2003). Suma Artis XXXIV. Arte europeo y norteamericano del siglo XIX (en español). Madrid: Espasa Calpe. ISBN 84-239-5276-2.
Chilvers, Ian (2007). Diccionario de arte (en español). Madrid: Alianza Editorial. ISBN 978-84-206-6170-4.
Dempsey, Amy (2002). Estilos, escuelas y movimientos (en español). Barcelona: Blume. ISBN 84-89396-86-8.
Diccionario Larousse de la Pintura (en español). Barcelona: Planeta-Agostini. 1988.ISBN 84-395-0976-6.
Dobai, Johannes; Coradeschi, Sergio (1981). La obra pictórica completa de Klimt (en español). Barcelona: Noguer. ISBN 84-279-8768-4.
Eco, Humberto (2004). Historia de la belleza (en español). Barcelona: Lumen. ISBN 84-264-1468-0.
Eco, Humberto; Calabrese, Omar (1987). El tiempo en la pintura . Madrid: Mondadori. págs. español. ISBN 84-397-1143-3.
Enciclopedia del Arte Garzanti (en español). Madrid: Ediciones B. 1991. ISBN 84-406-2261-9.
Fahr-Becker, Gabriele (2008). El modernismo (en español). Potsdam: Ullmann. ISBN 978-3-8331-6377-7.
Fernández Polanco, Aurora (1989). Fin de siglo: Simbolismo y Art Nouveau (en español). Madrid: Historia 16.
García Felguera, María de los Santos (1993). Las vanguardias históricas (2) (en español). Madrid: Historia 16.
Gibson, Michael (2006). El simbolismo (en español). Taschen. ISBN 978-3-8228-5030-5.
Givone, Sergio (2001). Historia de la estética (en español). Madrid: Tecnos. ISBN 84-309-1897-3.
Hamilton, George oído (1989). Pintura y escultura en Europa 1880/1940 (en español). Madrid: Cátedra. ISBN 84-376-0230-0.
Hofstätter, Hans H. (1981). Historia de la pintura modernista europea (en español). Barcelona: Blume. ISBN 84-7031-286-3.
Honor, Hugh; Fleming, Juan (2002). Historia mundial del arte (en español). Madrid: Akal. ISBN 84-460-2092-0.
Lemaire, Gérard-Georges (1997). Simbolismo (en español). Barcelona: Polígrafa. ISBN 84-343-0836-3.
Lucie-Smith, Edward (1991). El arte simbolista (en español). Barcelona: Destino. ISBN 84-233-2032-4.
Mas Marqués, María José (2000). Picasso (en español). Madrid: Susaeta. ISBN 978-84-677-4077-6.
Pijoán, José; Gayá Nuño, Juan Antonio (1967). Suma Artis XXIII. Arte europeo de los siglos XIX y XX (en español). Madrid: Espasa Calpe.
Socías, Jaume (1987). Modernismo en Cataluña. Pintura (en catalán). Barcelona: Nou Art Thor. ISBN 84-7327-149-1.
Tarabra, Daniela (2009). Los estilos del arte (en español). Milán: Electa.
Tazartes, Mauricio (1999). Rousseau (en español). Barcelona: Planeta DeAgostini. ISBN 84-395-7437-1.
Lobo, Norberto (2009). Simbolismo (en español). Colonia: Taschen. ISBN 978-3-8228-5480-8.