Caspar David Friedrich (5 de septiembre de 1774 - 7 de mayo de 1840) fue un pintor de paisajes romántico alemán , considerado generalmente el artista alemán más importante de su generación. Es más conocido por sus paisajes alegóricos , que suelen presentar figuras contemplativas recortadas contra cielos nocturnos, nieblas matinales, árboles desnudos o ruinas góticas . Su principal interés era la contemplación de la naturaleza, y su obra, a menudo simbólica y anticlásica , busca transmitir una respuesta subjetiva y emocional al mundo natural. Las pinturas de Friedrich se caracterizan por presentar una presencia humana en perspectiva disminuida en medio de paisajes expansivos, reduciendo las figuras a una escala que, según el historiador de arte Christopher John Murray, dirige "la mirada del espectador hacia su dimensión metafísica". [1]
Friedrich nació en la ciudad de Greifswald , en el mar Báltico , en lo que en aquel momento era la Pomerania sueca . Estudió en Copenhague hasta 1798, antes de establecerse en Dresde . Alcanzó la mayoría de edad durante un período en el que, en toda Europa, una creciente desilusión con la sociedad materialista estaba dando lugar a una nueva apreciación de la espiritualidad. Este cambio de ideales se expresó a menudo a través de una reevaluación del mundo natural, ya que artistas como Friedrich, JMW Turner y John Constable intentaron representar la naturaleza como una "creación divina, que se opone al artificio de la civilización humana". [2]
La obra de Friedrich le dio fama al principio de su carrera. Contemporáneos como el escultor francés David d'Angers hablaron de él como el descubridor de "la tragedia del paisaje". Sin embargo, su obra cayó en desgracia durante sus últimos años y murió en el olvido. [3] A medida que Alemania avanzaba hacia la modernización a finales del siglo XIX, un nuevo sentido de urgencia caracterizó su arte y las representaciones contemplativas de la quietud de Friedrich comenzaron a verse como productos de una época pasada.
A principios del siglo XX, su arte volvió a apreciarse, a partir de 1906 con una exposición de treinta y dos de sus pinturas en Berlín. Su obra influyó en los artistas expresionistas y, más tarde, en los surrealistas y existencialistas . El ascenso del nazismo a principios de la década de 1930 vio resurgir su popularidad, pero esto fue seguido por un marcado declive, ya que sus pinturas, por asociación con el movimiento nazi, fueron vistas como una promoción del nacionalismo alemán . A fines de la década de 1970, Friedrich recuperó su reputación como un icono del movimiento romántico alemán y un pintor de importancia internacional. Su trabajo se ha reunido en una gran exposición en Alemania en 2024 bajo el título "Paisajes infinitos", que hace referencia al filósofo Friedrich Schleiermacher, que fue importante para Friedrich y cuyas matemáticas del infinito encontraron su camino en las pinturas construidas geométricamente de Friedrich como hipérbolas y la proporción áurea. [4] En 2025, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York también mostrará una exposición sobre Caspar David Friedrich bajo el título "Caspar David Friedrich: El alma de la naturaleza".
Caspar David Friedrich nació el 5 de septiembre de 1774 en Greifswald , Pomerania sueca , en la costa báltica de Alemania. [nota 1] Sexto de diez hijos, fue criado en el estricto credo luterano de su padre Adolf Gottlieb Friedrich, fabricante de velas y fabricante de jabón. [2] Los registros de las circunstancias financieras de la familia son contradictorios; mientras que algunas fuentes indican que los niños recibieron tutoría privada, otras registran que fueron criados en relativa pobreza. [6] Se familiarizó con la muerte desde una edad temprana. Su madre, Sophie, murió en 1781 cuando tenía siete años. [nota 2] Un año después, su hermana Elisabeth murió, [7] y una segunda hermana, Maria, sucumbió al tifus en 1791. [6] Podría decirse que la mayor tragedia de su infancia ocurrió en 1787 cuando murió su hermano Johann Christoffer: a la edad de trece años, Caspar David presenció cómo su hermano menor caía a través del hielo de un lago congelado y se ahogaba. [8] Algunos relatos sugieren que Johann Christoffer pereció mientras intentaba rescatar a Caspar David, que también estaba en peligro en el hielo. [9]
Friedrich comenzó sus estudios formales de arte en 1790 como alumno privado del artista Johann Gottfried Quistorp en la Universidad de Greifswald en su ciudad natal, en la que el departamento de arte ahora se llama Caspar-David-Friedrich-Institut [10] en su honor. Quistorp llevaba a sus estudiantes a excursiones de dibujo al aire libre; como resultado, Friedrich se animó a hacer bocetos del natural a una edad temprana. [5] A través de Quistorp, Friedrich conoció y posteriormente fue influenciado por el teólogo Ludwig Gotthard Kosegarten , quien enseñó que la naturaleza era una revelación de Dios. [5] Quistorp presentó a Friedrich la obra del artista alemán del siglo XVII Adam Elsheimer , cuyas obras a menudo incluían temas religiosos dominados por el paisaje y temas nocturnos. [11] Durante este período también estudió literatura y estética con el profesor sueco Thomas Thorild . Cuatro años más tarde, Friedrich ingresó en la prestigiosa Academia de Copenhague , donde comenzó su educación haciendo copias de moldes de esculturas antiguas antes de pasar a dibujar del natural. [12]
Vivir en Copenhague le permitió al joven pintor acceder a la colección de pintura paisajística holandesa del siglo XVII de la Royal Picture Gallery . En la academia estudió con profesores como Christian August Lorentzen y el paisajista Jens Juel . Estos artistas se inspiraron en el movimiento Sturm und Drang y representaban un punto intermedio entre la intensidad dramática y la forma expresiva de la incipiente estética romántica y el ideal neoclásico en decadencia . El estado de ánimo era primordial y la influencia provenía de fuentes como la leyenda islandesa de Edda , los poemas de Ossian y la mitología nórdica . [13]
Friedrich se instaló definitivamente en Dresde en 1798. Durante este período inicial, experimentó con el grabado con aguafuertes [14] y diseños para xilografías que su hermano, fabricante de muebles, cortaba. En 1804 había producido 18 aguafuertes y cuatro xilografías; aparentemente, se hicieron en pequeñas cantidades y solo se distribuyeron entre amigos. [15] A pesar de estas incursiones en otros medios, gravitó hacia el trabajo principalmente con tinta , acuarela y sepias . Con la excepción de algunas piezas tempranas, como Paisaje con templo en ruinas (1797), no trabajó extensamente con óleos hasta que su reputación estuvo más establecida. [16]
Los paisajes fueron su tema preferido, inspirados por sus frecuentes viajes, a partir de 1801, a la costa báltica , Bohemia , Krkonoše y las montañas de Harz . [17] Basadas principalmente en los paisajes del norte de Alemania, sus pinturas representan bosques, colinas, puertos, nieblas matinales y otros efectos de luz basados en una observación cercana de la naturaleza. Estas obras se basaron en bocetos y estudios de lugares pintorescos, como los acantilados de Rügen , los alrededores de Dresde y el río Elba . Ejecutó sus estudios casi exclusivamente a lápiz, incluso proporcionando información topográfica, pero los sutiles efectos atmosféricos característicos de las pinturas de mitad de período de Friedrich fueron representados de memoria. [18] Estos efectos tomaron su fuerza de la representación de la luz y de la iluminación del sol y la luna sobre las nubes y el agua: fenómenos ópticos peculiares de la costa báltica que nunca antes se habían pintado con tanto énfasis. [19]
Su reputación como artista quedó establecida cuando ganó un premio en 1805 en el concurso de Weimar organizado por Johann Wolfgang von Goethe . En esa época, el concurso de Weimar tendía a atraer a artistas mediocres y ahora olvidados que presentaban mezclas derivadas de estilos neoclásicos y pseudogriegos. La mala calidad de los trabajos comenzó a resultar perjudicial para la reputación de Goethe, por lo que cuando Friedrich presentó dos dibujos en sepia —Procesión al amanecer y Pescadores junto al mar— el poeta respondió con entusiasmo y escribió: "Debemos elogiar el ingenio del artista en este cuadro con justicia. El dibujo está bien hecho, la procesión es ingeniosa y apropiada... su tratamiento combina una gran dosis de firmeza, diligencia y pulcritud... la ingeniosa acuarela... también es digna de elogio". [20]
Friedrich completó la primera de sus pinturas importantes en 1808, a la edad de 34 años. Cruz en las montañas , hoy conocido como el Altar de Tetschen , es un panel de retablo que se dice que fue encargado para una capilla familiar en Tetschen , Bohemia . [21] El panel representa una cruz de perfil en la cima de una montaña, sola y rodeada de pinos. [22]
Aunque el retablo fue recibido con frialdad, fue la primera pintura de Friedrich en recibir amplia publicidad. Los amigos del artista defendieron públicamente la obra, mientras que el crítico de arte Basilius von Ramdohr publicó un largo artículo desafiando el uso que Friedrich hacía del paisaje en un contexto religioso. Rechazó la idea de que la pintura de paisajes pudiera transmitir un significado explícito, escribiendo que sería "una verdadera presunción, si la pintura de paisajes se colara en la iglesia y se arrastrara hasta el altar". [23] Friedrich respondió con un programa que describía sus intenciones en 1809, comparando los rayos del sol del atardecer con la luz del Santo Padre . [24] Esta declaración marcó la única vez que Friedrich registró una interpretación detallada de su propia obra, y la pintura fue uno de los pocos encargos que recibió el artista. [25]
Tras la compra de dos de sus cuadros por parte del príncipe heredero de Prusia, Friedrich fue elegido miembro de la Academia de Berlín en 1810. [26] Sin embargo, en 1816, trató de distanciarse de la autoridad prusiana y solicitó en junio de ese mismo año la ciudadanía sajona. No se esperaba esta decisión; el gobierno sajón era pro francés, mientras que las pinturas de Friedrich eran consideradas en general patrióticas y claramente antifrancesas. Sin embargo, con la ayuda de su amigo Graf Vitzthum von Eckstädt, que vivía en Dresde, Friedrich obtuvo la ciudadanía y, en 1818, la membresía en la Academia Sajona con un dividendo anual de 150 táleros . [27] Aunque esperaba recibir una cátedra de profesor titular, nunca se la concedieron porque, según la Biblioteca Alemana de Información, "se consideró que su pintura era demasiado personal, su punto de vista demasiado individual para servir como un ejemplo fructífero para los estudiantes". [28] La política también puede haber jugado un papel en el estancamiento de su carrera: los temas y la vestimenta decididamente germánicos de Friedrich a menudo chocaban con las actitudes pro-francesas predominantes en la época. [29]
El 21 de enero de 1818, Friedrich se casó con Caroline Bommer, la hija de veinticinco años de un tintorero de Dresde. [26] La pareja tuvo tres hijos, y su primera hija, Emma, nació en 1820. El fisiólogo y pintor Carl Gustav Carus señala en sus ensayos biográficos que el matrimonio no tuvo un impacto significativo en la vida ni en la personalidad de Friedrich, pero sus lienzos de este período, incluido Acantilados de tiza en Rügen —pintado después de su luna de miel— muestran un nuevo sentido de ligereza, mientras que su paleta es más brillante y menos austera. [31] Las figuras humanas aparecen con una frecuencia cada vez mayor en las pinturas de este período, lo que Siegel interpreta como un reflejo de que "la importancia de la vida humana, en particular su familia, ahora ocupa sus pensamientos cada vez más, y sus amigos, su esposa y sus habitantes aparecen como temas frecuentes en su arte". [32]
En esa época, encontró apoyo en dos fuentes en Rusia. En 1820, el gran duque Nikolai Pavlovich , a instancias de su esposa Alexandra Feodorovna , visitó el estudio de Friedrich y regresó a San Petersburgo con varias de sus pinturas, un intercambio que inició un mecenazgo que continuó durante muchos años. [33] No mucho después, el poeta Vasily Zhukovsky , tutor del hijo del gran duque (más tarde zar Alejandro II ), conoció a Friedrich en 1821 y encontró en él un espíritu afín. Durante décadas, Zhukovsky ayudó a Friedrich tanto comprando su obra como recomendando su arte a la familia real; su ayuda hacia el final de la carrera de Friedrich resultó invaluable para el artista enfermo y empobrecido. Zhukovsky comentó que las pinturas de su amigo "nos complacen por su precisión, cada una de ellas despertando un recuerdo en nuestra mente". [34]
Friedrich era amigo de Philipp Otto Runge , otro destacado pintor alemán del período romántico. También era amigo de Georg Friedrich Kersting , a quien retrató trabajando en su sencillo estudio, y del pintor noruego Johan Christian Clausen Dahl (1788-1857). Dahl fue cercano a Friedrich durante los últimos años del artista, y expresó su consternación por el hecho de que para el público comprador de arte, las pinturas de Friedrich fueran solo «curiosidades». [35] Mientras que el poeta Zhukovsky apreciaba los temas psicológicos de Friedrich, Dahl elogió la calidad descriptiva de los paisajes de Friedrich, comentando que «los artistas y conocedores vieron en el arte de Friedrich solo una especie de mística , porque ellos mismos solo buscaban la mística... No vieron el estudio fiel y concienzudo de la naturaleza de Friedrich en todo lo que representó». [34]
La reputación de Friedrich fue decayendo a lo largo de los últimos quince años de su vida. A medida que los ideales del Romanticismo temprano dejaron de estar de moda, empezó a ser visto como un personaje excéntrico y melancólico, desconectado de su tiempo. Poco a poco, sus mecenas lo abandonaron. [36] En 1820, vivía recluido y sus amigos lo describían como "el más solitario de los solitarios". [28] Hacia el final de su vida vivió en relativa pobreza. [17] Se aisló y pasó largos períodos del día y de la noche caminando solo por bosques y campos, a menudo comenzando sus paseos antes del amanecer. [37]
Sufrió su primer derrame cerebral en junio de 1835, que le dejó una parálisis leve de las extremidades y redujo en gran medida su capacidad para pintar. [38] Como resultado, no pudo trabajar con óleo; en su lugar, se limitó a la acuarela, la sepia y la reelaboración de composiciones más antiguas. Aunque su vista seguía siendo fuerte, había perdido toda la fuerza de su mano. Sin embargo, fue capaz de producir una "pintura negra" final, Seashore by Moonlight (1835-1836), descrita por Vaughan como la "más oscura de todas sus costas, en la que la riqueza de la tonalidad compensa la falta de su antigua delicadeza". [39] Los símbolos de la muerte aparecieron en su obra de este período. [36] Poco después de su derrame cerebral, la familia real rusa compró varias de sus obras anteriores, y las ganancias le permitieron viajar a Teplitz , en la actual República Checa, para recuperarse. [40]
A mediados de la década de 1830, Friedrich comenzó una serie de retratos y volvió a observarse a sí mismo en la naturaleza. Sin embargo, como observó el historiador de arte William Vaughan , "puede verse a sí mismo como un hombre muy cambiado. Ya no es la figura erguida y solidaria que apareció en Dos hombres contemplando la luna en 1819. Es viejo y rígido... se mueve encorvado". [41] En 1838, solo era capaz de trabajar en un formato pequeño. Él y su familia vivían en la pobreza y cada vez dependían más de la caridad de sus amigos para su sustento. [42]
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Friedrich murió en Dresde el 7 de mayo de 1840 y fue enterrado en el Trinitatis-Friedhof (Cementerio de la Trinidad) de Dresde, al este del centro de la ciudad (cuya entrada había pintado unos 15 años antes). Su sencilla lápida plana se encuentra al noroeste del redondel central, dentro de la avenida principal. [43]
En esa época, su reputación y fama habían menguado y su muerte pasó desapercibida en la comunidad artística. [28] Sin duda, su obra había sido reconocida durante su vida, pero no de forma generalizada. Si bien el estudio minucioso del paisaje y el énfasis en los elementos espirituales de la naturaleza eran habituales en el arte contemporáneo, sus interpretaciones eran muy originales y personales. [44] En 1838, su obra ya no se vendía ni recibía atención de los críticos; el movimiento romántico se había alejado del idealismo temprano que el artista había ayudado a fundar. [ cita requerida ]
Carl Gustav Carus escribió posteriormente una serie de artículos que rindieron homenaje a la transformación que Friedrich hizo de las convenciones de la pintura de paisajes. Sin embargo, los artículos de Carus situaban a Friedrich firmemente en su época y no en una tradición continua. [45] Solo una de sus pinturas había sido reproducida como grabado, y se produjeron muy pocas copias. [46] [nota 3]
Lo que los nuevos paisajistas ven en la naturaleza en un círculo de cien grados, lo comprimen sin piedad en un ángulo de visión de sólo cuarenta y cinco grados. Y además, lo que en la naturaleza está separado por grandes espacios, se comprime en un espacio estrecho y llena y sacia excesivamente la vista, creando un efecto desfavorable e inquietante en el espectador.
—Caspar David Friedrich [48]
La visualización y representación del paisaje de una manera completamente nueva fue la innovación clave de Friedrich. No buscó simplemente explorar el gozo dichoso de una hermosa vista, como en la concepción clásica, sino más bien examinar un instante de sublimidad , una reunión con el yo espiritual a través de la contemplación de la naturaleza. Friedrich fue fundamental en la transformación del paisaje en el arte desde un telón de fondo subordinado al drama humano a un tema emotivo autónomo. [48] Las pinturas de Friedrich emplearon comúnmente la Rückenfigur : una persona vista desde atrás, contemplando la vista. Se anima al espectador a colocarse en la posición de la Rückenfigur , por lo que experimenta el potencial sublime de la naturaleza, entendiendo que la escena es tal como la percibe e idealiza un ser humano. [49]
Friedrich creó la idea de un paisaje lleno de sentimiento romántico: die romantische Stimmungslandschaft . [51] Su arte detalla una amplia gama de características geográficas, como costas rocosas, bosques y escenas montañosas, y a menudo utilizó el paisaje para expresar temas religiosos. Durante su época, la mayoría de las pinturas más conocidas se consideraban expresiones de un misticismo religioso . [52] Escribió: "El artista no debe pintar solo lo que ve ante sí, sino también lo que ve dentro de sí. Sin embargo, si no ve nada dentro de sí, entonces también debe abstenerse de pintar lo que ve ante sí. De lo contrario, sus cuadros serán como esos biombos detrás de los cuales uno espera encontrar solo a los enfermos o los muertos". [53] Cielos expansivos, tormentas, niebla, bosques, ruinas y cruces que dan testimonio de la presencia de Dios son elementos frecuentes en los paisajes de Friedrich. Aunque la muerte encuentra expresión simbólica en los barcos que se alejan de la orilla (un motivo similar al de Caronte ) y en el álamo, se hace referencia a ella de forma más directa en pinturas como La abadía en el bosque de robles (1808-1810), en la que unos monjes llevan un ataúd pasando por una tumba abierta, hacia una cruz y a través del portal de una iglesia en ruinas. [54]
Fue uno de los primeros artistas en representar paisajes invernales en los que la tierra se presenta desolada y muerta. Las escenas invernales de Friedrich son solemnes y serenas: según el historiador de arte Hermann Beenken, Friedrich pintó escenas invernales en las que "ningún hombre ha puesto aún un pie. El tema de casi todos los cuadros invernales más antiguos había sido menos el invierno en sí que la vida en invierno. En los siglos XVI y XVII, se creía imposible dejar de lado motivos como la multitud de patinadores, el vagabundo... Fue Friedrich el primero en percibir los rasgos completamente separados y distintivos de una vida natural. En lugar de muchos tonos, buscó uno solo; y así, en su paisaje, subordinó el acorde compuesto a una única nota básica". [51]
Los robles desnudos y los tocones de árboles, como los de Raven Tree ( c. 1822 ), Man and Woman Contemplating the Moon ( c. 1824 ) y Willow Bush under a Setting Sun ( c. 1835 ), son elementos recurrentes de sus pinturas, y generalmente simbolizan la muerte. [56] Contrarrestando la sensación de desesperación están los símbolos de redención de Friedrich: la cruz y el cielo despejado prometen vida eterna , y la luna delgada sugiere esperanza y la creciente cercanía de Cristo. [54] En sus pinturas del mar, las anclas a menudo aparecen en la orilla, lo que también indica una esperanza espiritual. [57] En The Abbey in the Oakwood , el movimiento de los monjes lejos de la tumba abierta y hacia la cruz y el horizonte transmite el mensaje de Friedrich de que el destino final de la vida del hombre se encuentra más allá de la tumba. [58]
Los últimos años de Friedrich, con el amanecer y el anochecer como temas destacados de sus paisajes, se caracterizaron por un creciente pesimismo. Su obra se vuelve más oscura y revela una monumentalidad aterradora. El naufragio del Hope —también conocido como El mar polar o El mar de hielo (1823-1824)— es quizás el que mejor resume las ideas y objetivos de Friedrich en este punto, aunque de una manera tan radical que la pintura no fue bien recibida. Terminada en 1824, representaba un tema sombrío, un naufragio en el océano Ártico; "la imagen que produjo, con sus placas de hielo de color travertino destrozando un barco de madera, va más allá del documental y se convierte en una alegoría: la frágil barca de la aspiración humana aplastada por la inmensa y glacial indiferencia del mundo". [60]
El comentario escrito de Friedrich sobre la estética se limitaba a una colección de aforismos redactados en 1830, en los que explicaba la necesidad de que el artista combinara la observación natural con un escrutinio introspectivo de su propia personalidad. Su observación más conocida aconsejaba al artista «cerrar el ojo corporal para poder ver primero el cuadro con el ojo espiritual. Luego sacar a la luz del día lo que has visto en la oscuridad para que pueda influir en los demás desde el exterior hacia el interior». [61]
Tanto la vida como el arte de Friedrich han sido percibidos en ocasiones por algunos como marcados por una abrumadora sensación de soledad. [62] Los historiadores del arte y algunos de sus contemporáneos atribuyen tales interpretaciones a las pérdidas sufridas durante su juventud y a las sombrías perspectivas de su vida adulta, [63] mientras que la apariencia pálida y retraída de Friedrich ayudó a reforzar la noción popular del "hombre taciturno del Norte". [64] [nota 4]
Friedrich sufrió episodios depresivos en 1799, 1803-1805, alrededor de 1813, en 1816 y entre 1824 y 1826. Hay cambios temáticos notables en las obras que produjo durante estos episodios, en las que aparecen motivos y símbolos como buitres, búhos, cementerios y ruinas. [66] A partir de 1826, estos motivos se convirtieron en una característica permanente de su producción, mientras que su uso del color se volvió más oscuro y apagado. Carus escribió en 1829 que Friedrich "está rodeado por una espesa y sombría nube de incertidumbre espiritual", aunque el famoso historiador de arte y curador Hubertus Gassner no está de acuerdo con tales nociones, ya que ve en la obra de Friedrich un subtexto positivo y vital inspirado en la masonería y la religión. [67]
Como reflejo del patriotismo y el resentimiento de Friedrich durante la ocupación francesa de 1813 del dominio de Pomerania , los motivos del folclore alemán se hicieron cada vez más prominentes en su obra. Friedrich, un nacionalista alemán antifrancés, utilizó motivos de su paisaje natal para celebrar la cultura, las costumbres y la mitología germánicas . Quedó impresionado por la poesía antinapoleónica de Ernst Moritz Arndt y Theodor Körner , y la literatura patriótica de Adam Müller y Heinrich von Kleist . [nota 5] Conmovido por la muerte de tres amigos muertos en batalla contra Francia, así como por el drama de Kleist de 1808 Die Hermannsschlacht , Friedrich emprendió una serie de pinturas en las que pretendía transmitir símbolos políticos únicamente por medio del paisaje, una novedad en la historia del arte. [57]
En Old Heroes' Graves (1812), un monumento ruinoso con la inscripción " Arminius " invoca al jefe germánico, un símbolo del nacionalismo, mientras que las cuatro tumbas de los héroes caídos están ligeramente entreabiertas, liberando sus espíritus para la eternidad. Dos soldados franceses aparecen como pequeñas figuras ante una cueva, más abajo y en lo profundo de una gruta rodeada de rocas, como si estuvieran más lejos del cielo. [57] Una segunda pintura política, Fir Forest with the French Dragon and the Raven (c. 1813), representa a un soldado francés perdido empequeñecido por un bosque denso, mientras que en el tocón de un árbol se posa un cuervo, un profeta de la fatalidad, que simboliza la derrota anticipada de Francia. [nota 6]
Junto con otros pintores románticos, Friedrich ayudó a posicionar la pintura de paisajes como un género importante dentro del arte occidental. De sus contemporáneos, el estilo de Friedrich influyó más en la pintura de Johan Christian Dahl (1788-1857). Entre las generaciones posteriores, Arnold Böcklin (1827-1901) se vio fuertemente influenciado por su obra, y la presencia sustancial de las obras de Friedrich en las colecciones rusas influyó en muchos pintores rusos, en particular Arkhip Kuindzhi (c. 1842-1910) e Ivan Shishkin (1832-1898). La espiritualidad de Friedrich anticipó a pintores estadounidenses como Albert Pinkham Ryder (1847-1917), Ralph Blakelock (1847-1919), los pintores de la Escuela del río Hudson y los luministas de Nueva Inglaterra . [69]
A principios del siglo XX, Friedrich fue redescubierto por el historiador de arte noruego Andreas Aubert (1851-1913), cuyos escritos iniciaron la investigación moderna sobre Friedrich, [17] y por los pintores simbolistas , que valoraban sus paisajes visionarios y alegóricos. El simbolista noruego Edvard Munch (1863-1944) habría visto la obra de Friedrich durante una visita a Berlín en la década de 1880. El grabado de Munch de 1899 Los solitarios se hace eco de la Rückenfigur (figura de espaldas) de Friedrich , aunque en la obra de Munch el foco se ha desplazado desde el amplio paisaje hacia la sensación de dislocación entre las dos figuras melancólicas en primer plano. [70]
El resurgimiento moderno de Friedrich cobró impulso en 1906, cuando treinta y dos de sus obras se presentaron en una exposición en Berlín sobre arte de la era romántica. [71] Sus paisajes ejercieron una fuerte influencia en la obra del artista alemán Max Ernst (1891-1976), y como resultado, otros surrealistas llegaron a ver a Friedrich como un precursor de su movimiento. [17] En 1934, el pintor belga René Magritte (1898-1967) le rindió homenaje en su obra La condición humana , que se hace eco directamente de motivos del arte de Friedrich en su cuestionamiento de la percepción y el papel del espectador. [72]
Unos años más tarde, la revista surrealista Minotaure incluyó a Friedrich en un artículo de 1939 de la crítica Marie Landsberger, exponiendo así su obra a un círculo mucho más amplio de artistas. La influencia de El naufragio de la esperanza (o El mar de hielo ) es evidente en la pintura Totes Meer de 1940-41 de Paul Nash (1889-1946), un ferviente admirador de Ernst. [73] La obra de Friedrich ha sido citada como inspiración por otros artistas importantes del siglo XX, entre ellos Mark Rothko (1903-1970), [74] Gerhard Richter (nacido en 1932), [75] [76] Gotthard Graubner [nota 7] [77] [78] y Anselm Kiefer (nacido en 1945). [79] Las pinturas románticas de Friedrich también han sido señaladas por el escritor Samuel Beckett (1906-1989), quien, de pie ante Hombre y mujer contemplando la luna , dijo: "Ésta fue la fuente de Esperando a Godot , ¿sabes?". [80]
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En su artículo de 1961 "Lo sublime abstracto", publicado originalmente en ARTnews , el historiador de arte Robert Rosenblum hizo comparaciones entre las pinturas de paisajes románticos de Friedrich y Turner con las pinturas expresionistas abstractas de Mark Rothko. Rosenblum describe específicamente la pintura de Friedrich de 1809 El monje junto al mar , La estrella vespertina de Turner [81] y Luz, tierra y azul de Rothko de 1954 [82] como afinidades reveladoras de visión y sentimiento. Según Rosenblum, «Rothko, como Friedrich y Turner, nos sitúa en el umbral de esos infinitos informes de los que hablan los estetas de lo Sublime. El diminuto monje de Friedrich y el pescador de Turner establecen un contraste punzante entre la inmensidad infinita de un Dios panteísta y la pequeñez infinita de sus criaturas. En el lenguaje abstracto de Rothko, ese detalle literal –un puente de empatía entre el espectador real y la presentación de un paisaje trascendental– ya no es necesario; nosotros mismos somos el monje ante el mar, de pie, en silencio y contemplativamente, ante esas imágenes enormes y silenciosas, como si estuviéramos contemplando una puesta de sol o una noche de luna». [83]
Hasta 1890, y especialmente después de la muerte de sus amigos, la obra de Friedrich permaneció en un olvido casi absoluto durante décadas. Sin embargo, en 1890, el simbolismo de su obra comenzó a coincidir con el espíritu artístico de la época, especialmente en Europa central. Sin embargo, a pesar de un renovado interés y un reconocimiento de su originalidad, su falta de consideración por el "efecto pictórico" y las superficies finamente pintadas chocaron con las teorías de la época. [84]
Durante la década de 1930, la obra de Friedrich se utilizó para promover la ideología nazi , [85] que intentaba encuadrar al artista romántico dentro del nacionalismo Blut und Boden . [86] La reputación de Friedrich tardó décadas en recuperarse de esta asociación con el nazismo. Su dependencia del simbolismo y el hecho de que su obra quedara fuera de las estrechas definiciones del modernismo contribuyeron a su caída en desgracia. En 1949, el historiador de arte Kenneth Clark escribió que Friedrich "trabajó con la técnica fría de su tiempo, que difícilmente podría inspirar una escuela de pintura moderna", y sugirió que el artista estaba tratando de expresar en la pintura lo que es mejor dejarle a la poesía. El rechazo de Clark a Friedrich reflejó el daño que sufrió la reputación del artista a fines de la década de 1930. [87]
La reputación de Friedrich sufrió aún más daños cuando su imaginería fue adoptada por varios directores de Hollywood, incluido Walt Disney , basándose en el trabajo de maestros del cine alemán como Fritz Lang y FW Murnau , dentro de los géneros de terror y fantasía. [88] Su rehabilitación fue lenta, pero mejorada a través de los escritos de críticos y académicos como Werner Hofmann , Helmut Börsch-Supan y Sigrid Hinz, quienes refutaron con éxito las asociaciones políticas atribuidas a su trabajo, desarrollaron un catálogo razonado y colocaron a Friedrich dentro de un contexto puramente histórico-artístico. [89]
En la década de 1970, volvió a exponer en importantes galerías internacionales y encontró el favor de una nueva generación de críticos e historiadores del arte. [90] Hoy, su reputación internacional está bien establecida. Es un icono nacional en su Alemania natal y es muy apreciado por los historiadores del arte y los conocedores de todo el mundo occidental. En general, se lo considera una figura de gran complejidad psicológica y, según Vaughan, "un creyente que luchó con la duda, un celebrador de la belleza acosado por la oscuridad. Al final, trasciende la interpretación y llega a todas las culturas a través del atractivo irresistible de su imaginería. Realmente ha surgido como una mariposa, una que esperemos que nunca más desaparezca de nuestra vista". [91]
Friedrich fue un artista prolífico que produjo más de 500 obras atribuidas. [92] En línea con los ideales románticos de su tiempo, pretendía que sus pinturas funcionaran como declaraciones estéticas puras, por lo que fue cauteloso de que los títulos dados a su trabajo no fueran demasiado descriptivos o evocadores. Es probable que algunos de los títulos más literales de la actualidad, como Las etapas de la vida , no fueran dados por el propio artista, sino que se adoptaron durante uno de los resurgimientos del interés por Friedrich. Surgen complicaciones al fechar la obra de Friedrich, en parte porque a menudo no nombraba ni fechaba directamente sus lienzos. Sin embargo, mantuvo un cuaderno cuidadosamente detallado sobre su producción, que ha sido utilizado por los académicos para vincular las pinturas con sus fechas de finalización. [92]
![Tumbas de los antiguos héroes (1812), 49,5 × 70,5 cm. Kunsthalle, Hamburgo. Un monumento ruinoso con la inscripción «Arminius» invoca al caudillo germánico, símbolo del nacionalismo. Dos soldados franceses aparecen como pequeñas figuras ante una cueva, más abajo y en lo profundo de una gruta rodeada de rocas, como si estuvieran más lejos del cielo.[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/Caspar_David_Friedrich_021.jpg/1280px-Caspar_David_Friedrich_021.jpg)
![La cruz junto al Báltico (1815), 45 × 33,5 cm. Schloss Charlottenburg, Berlín. Esta pintura marcó un alejamiento de las representaciones a plena luz del día para volver a las escenas nocturnas, al crepúsculo y a una intensidad más profunda del estado de ánimo.[93]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/33/Caspar_David_Friedrich_-_Kreuz_an_der_Ostsee_(Schloss_Carlottenburg,_Neuer_Pavillon).jpg/1280px-Caspar_David_Friedrich_-_Kreuz_an_der_Ostsee_(Schloss_Carlottenburg,_Neuer_Pavillon).jpg)
![Salida de la luna sobre el mar (1822). 55 × 71 cm. Alte Nationalgalerie, Berlín. A partir de principios de la década de 1820, las figuras humanas aparecen con cada vez mayor frecuencia en sus pinturas.[32]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/01/Caspar_David_Friedrich_-_Mondaufgang_am_Meer_-_Google_Art_Project.jpg/1280px-Caspar_David_Friedrich_-_Mondaufgang_am_Meer_-_Google_Art_Project.jpg)
![Cementerio bajo la nieve (1826). 31 × 25 cm. Museum der bildenden Künste, Leipzig. Friedrich dibujó monumentos conmemorativos y esculturas para mausoleos, lo que refleja su obsesión por la muerte y el más allá. También creó parte del arte funerario de los cementerios de Dresde.[94]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/74/Caspar_David_Friedrich_-_Graveyard_under_Snow_-_Museum_der_bildenden_K%C3%BCnste.jpg/1280px-Caspar_David_Friedrich_-_Graveyard_under_Snow_-_Museum_der_bildenden_K%C3%BCnste.jpg)
![El roble en la nieve (1829). 71 × 48 cm. Alte Nationalgalerie, Berlín. Friedrich fue uno de los primeros artistas en representar paisajes invernales desolados y sin vida. Sus escenas invernales son solemnes y serenas: según el historiador de arte Hermann Beenken, Friedrich pintó escenas invernales en las que «ningún hombre ha puesto todavía su pie».[51]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e6/Oak_Tree_in_the_Snow.jpg/1280px-Oak_Tree_in_the_Snow.jpg)
![Las etapas de la vida (1835). Museum der Bildenden Künste, Leipzig. Las etapas de la vida es una meditación sobre la mortalidad del artista, que representa cinco barcos a distintas distancias. El primer plano muestra de forma similar cinco figuras en diferentes etapas de la vida.[95]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/Caspar_David_Friedrich_013.jpg/1280px-Caspar_David_Friedrich_013.jpg)
![Los montes de los gigantes (1830-1835). 72 × 102 cm. Alte Nationalgalerie, Berlín. Friedrich buscó explorar el goce dichoso de un paisaje como una reunión con el yo espiritual a través de la contemplación de la naturaleza.[96]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Caspar_David_Friedrich_016.jpg/1280px-Caspar_David_Friedrich_016.jpg)
![Orilla del mar a la luz de la luna (1835-1836). 134 × 169 cm. Kunsthalle, Hamburgo. Su última «pintura negra» es descrita por William Vaughan como «la más oscura de todas sus costas».[40]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8f/Caspar_David_Friedrich_-_K%C3%BCste_bei_Mondschein.jpg/1280px-Caspar_David_Friedrich_-_K%C3%BCste_bei_Mondschein.jpg)
