La música disco es un género de música de baile y una subcultura que surgió a finales de los años 1960 en la escena nocturna urbana de los Estados Unidos. Su sonido se caracteriza por ritmos de cuatro por cuatro , líneas de bajo sincopadas , secciones de cuerdas , instrumentos de viento y trompetas , piano eléctrico , sintetizadores y guitarras rítmicas eléctricas .
Las discotecas fueron una invención francesa, importada a los Estados Unidos con la apertura de Le Club , un restaurante y club nocturno exclusivo para miembros ubicado en 416 East 55th Street en Manhattan , por el expatriado francés Olivier Coquelin , en la víspera de Año Nuevo de 1960. [5]
La música disco comenzó como una mezcla de música de lugares populares entre afroamericanos , hispanos y latinoamericanos , estadounidenses homosexuales e italoamericanos [6] en la ciudad de Nueva York (especialmente Brooklyn ) y Filadelfia desde fines de la década de 1960 hasta mediados y fines de la década de 1970. La música disco puede verse como una reacción de la contracultura de la década de 1960 tanto al predominio de la música rock como a la estigmatización de la música de baile en ese momento. Varios estilos de baile se desarrollaron durante el período de popularidad de la música disco de los años 70 en los Estados Unidos, incluidos "the Bump ", "the Hustle ", "the Watergate" y "the Busstop". [7]
Durante la década de 1970, la música disco se desarrolló aún más, principalmente por artistas de los Estados Unidos y de Europa . Los artistas conocidos incluyeron a Bee Gees , ABBA , Donna Summer , Gloria Gaynor , Giorgio Moroder , Baccara , The Jacksons , Michael Jackson , Boney M , Earth Wind & Fire , Rick James , ELO , [8] Average White Band , Chaka Khan , Chic , KC and the Sunshine Band , Thelma Houston , Sister Sledge , Sylvester , The Trammps , Barry White , Diana Ross , Kool & the Gang y Village People . [9] [10] Si bien los artistas atrajeron la atención del público, los productores de discos que trabajaban detrás de escena desempeñaron un papel importante en el desarrollo del género. A fines de la década de 1970, la mayoría de las principales ciudades de EE. UU. tenían escenas de clubes de discoteca prósperas, y los DJ mezclaban discos de baile en clubes como Studio 54 en Manhattan , un lugar popular entre las celebridades . Los asistentes a las discotecas solían llevar atuendos caros y extravagantes, que consistían principalmente en pantalones o vestidos sueltos y vaporosos para facilitar el movimiento mientras bailaban. También había una próspera subcultura de las drogas en la escena disco, en particular de drogas que mejorarían la experiencia de bailar con la música alta y las luces intermitentes, como la cocaína y el metacualona , siendo estas últimas tan comunes en la subcultura disco que se las apodaba "galletas de discoteca". Las discotecas también se asociaban con la promiscuidad como reflejo de la revolución sexual de esta era en la historia popular. Películas como Fiebre del sábado noche (1977) y Gracias a Dios es viernes (1978) contribuyeron a la popularidad de la música disco.
La música disco decayó como una tendencia importante en la música popular en los Estados Unidos después de la infame Noche de Demolición de Disco el 12 de julio de 1979, y continuó decayendo drásticamente en popularidad en los EE. UU. Durante la década de 1980 ; sin embargo, siguió siendo popular en Italia y algunos países europeos a lo largo de la década de 1980, y durante este tiempo también comenzó a ponerse de moda en otros lugares, incluida la India [11] y el Medio Oriente , [12] donde los aspectos de la música disco se mezclaron con estilos folclóricos regionales como ghazals y danza del vientre . La música disco eventualmente se convertiría en una influencia clave en el desarrollo de la música electrónica de baile , la música house , el hip hop , la new wave , el dance-punk y el post-disco . El estilo ha tenido varios resurgimientos desde la década de 1990 , y la influencia de la música disco sigue siendo fuerte en la música pop estadounidense y europea. Un resurgimiento ha estado en marcha desde principios de la década de 2010 , alcanzando una gran popularidad a principios de la década de 2020 . Los álbumes que han contribuido a este resurgimiento incluyen Confessions on a Dance Floor , Random Access Memories , Future Nostalgia y el álbum de Kylie Minogue titulado Disco . [13] [14] [15] [16] Artistas modernos como Dua Lipa , Bruno Mars y Silk Sonic han continuado la popularidad del género, llevándolo a una nueva generación más joven. [17] [18]
El término "disco" es una abreviatura de la palabra discothèque , una palabra francesa que significa "biblioteca de discos fonográficos" y que deriva de "bibliothèque". La palabra "discotheque" tenía el mismo significado en inglés en la década de 1950. "Discothèque" comenzó a usarse en francés para un tipo de club nocturno en París, después de que hubieran recurrido a reproducir discos durante la ocupación nazi a principios de la década de 1940. Algunos clubes lo usaron como su nombre propio. En 1960, también se usó para describir un club nocturno parisino en una revista inglesa.
El Oxford English Dictionary define Discotheque como "Un salón de baile, club nocturno o lugar similar donde se reproduce música grabada para bailar, generalmente equipado con una gran pista de baile, un elaborado sistema de luces de colores intermitentes y un potente sistema de sonido amplificado". Su primer ejemplo es el uso como nombre de un lugar en particular en 1952, y otros ejemplos datan de 1960 en adelante. La entrada está anotada como "Ahora algo anticuada". [19] Define Disco como "Un género de música pop fuertemente rítmica principalmente destinado a bailar en clubes nocturnos y particularmente popular a mediados y fines de la década de 1970", con uso desde 1975 en adelante, describiendo el origen de la palabra como una forma abreviada de discoteca . [20]
En el verano de 1964, un vestido corto sin mangas llamado "vestido de discoteca" se hizo muy popular durante un breve período en los Estados Unidos. El primer uso conocido de la forma abreviada "disco" para describir este vestido se encontró en The Salt Lake Tribune el 12 de julio de 1964; la revista Playboy la utilizó en septiembre del mismo año para describir los clubes nocturnos de Los Ángeles. [21]
Vince Aletti fue uno de los primeros en describir la música disco como un sonido o un género musical. Escribió el artículo Discotheque Rock '72: ¡Paaaaarty!, que apareció en la revista Rolling Stone el 13 de septiembre de 1973. [22]
La música típicamente combinaba voces altas y a menudo reverberadas , a menudo dobladas por trompetas, [ cita requerida ] sobre un fondo de pianos eléctricos y guitarras rítmicas "chicken-scratch" tocadas con una guitarra eléctrica . La guitarra principal aparece con menos frecuencia en la música disco que en el rock . "El sonido de "rooster scratch" se logra presionando ligeramente las cuerdas de la guitarra contra el diapasón y luego soltándolas rápidamente lo suficiente para obtener un sonido de póquer ligeramente apagado mientras se rasguea constantemente muy cerca del puente". [23] Otros instrumentos de teclado de acompañamiento incluyen el piano , el órgano eléctrico (durante los primeros años), los sintetizadores de cuerdas y los teclados electromecánicos como el piano eléctrico Fender Rhodes , el piano eléctrico Wurlitzer y el Hohner Clavinet . La canción de Donna Summer de 1977 " I Feel Love ", producida por Giorgio Moroder con un destacado sintetizador Moog en el ritmo, fue una de las primeras pistas de disco en usar el sintetizador. [24]
El ritmo está marcado por líneas de bajo prominentes y sincopadas (con un uso intensivo de octavas rotas , es decir, octavas con las notas sonando una tras otra) tocadas en el bajo y por bateristas que usan una batería , percusión africana/ latina y baterías electrónicas como los módulos de batería Simmons y Roland . Philly dance y Salsoul disco el sonido se enriqueció con líneas solistas y partes de armonía tocadas por una variedad de instrumentos orquestales , como violín , viola , violonchelo , trompeta , saxofón , trombón , fliscorno , trompa , corno inglés , oboe , flauta , timbales y cuerdas de sintetizador , sección de cuerdas o una orquesta de cuerdas completa . [ cita requerida ]
La mayoría de las canciones disco tienen un ritmo constante de cuatro por cuatro marcado por un bombo, un patrón de hi-hat de semicorchea o semicorchea con un hi-hat silbante abierto en el contratiempo y una línea de bajo pesada y sincopada. [25] [26] Se dice que un error de grabación en la canción de 1975 " Bad Luck " de Harold Melvin & the Blue Notes, donde el hi-hat de Earl Young era demasiado fuerte en la grabación, estableció hi-hats fuertes en la música disco. [25] Otros ritmos latinos como la rumba, la samba y el cha-cha-chá también se encuentran en grabaciones disco, y los polirritmos latinos , como un ritmo de rumba superpuesto a un merengue, son comunes. El patrón de corchea a menudo está respaldado por otros instrumentos como la guitarra rítmica y puede estar implícito en lugar de estar presente explícitamente.
Las canciones suelen utilizar la síncopa , que es la acentuación de ritmos inesperados. En general, la diferencia entre la música disco, o cualquier canción bailable, y una canción rock o popular es que en la música bailable el bombo golpea cuatro veces al suelo , al menos una vez por pulso (lo que en un compás de 4/4 son 4 pulsos por compás). [ cita requerida ] La música disco se caracteriza además por una división de semicorcheas de las negras, como se muestra en el segundo patrón de batería a continuación, después de un patrón de batería de rock típico.
El sonido orquestal, conocido habitualmente como "sonido disco", se basa en gran medida en secciones de cuerdas y trompetas que interpretan frases lineales, al unísono con las voces elevadas y a menudo reverberadas o tocando rellenos instrumentales, mientras que los pianos eléctricos y las guitarras con efecto "chicken scratch" crean el sonido de fondo "pad" que define la progresión armónica . Por lo general, toda la duplicación de partes y el uso de instrumentos adicionales crea un rico " muro de sonido ". Sin embargo, existen sabores más minimalistas de disco con instrumentación reducida y transparente.
Armónicamente, la música disco suele contener acordes mayores y menores de séptima, [ cita requerida ] que se encuentran con más frecuencia en el jazz que en la música pop.
El "sonido disco" era mucho más costoso de producir que muchos de los otros géneros musicales populares de la década de 1970. A diferencia del sonido más simple de banda de cuatro miembros del funk , la música soul de finales de la década de 1960 o los pequeños tríos de órgano de jazz , la música disco a menudo incluía una banda grande, con varios instrumentos de acordes (guitarra, teclados, sintetizador), varios instrumentos de batería o percusión (batería, percusión latina, batería electrónica), una sección de vientos , una orquesta de cuerdas y una variedad de instrumentos solistas " clásicos " (por ejemplo, flauta, flautín, etc.).
Las canciones disco fueron arregladas y compuestas por arreglistas y orquestadores experimentados , y los productores de discos agregaron sus toques creativos al sonido general utilizando técnicas de grabación multipista y unidades de efectos . La grabación de arreglos complejos con una cantidad tan grande de instrumentos y secciones requirió un equipo que incluía un director , copistas , productores de discos e ingenieros de mezcla . Los ingenieros de mezcla tuvieron un papel importante en el proceso de producción disco porque las canciones disco usaban hasta 64 pistas de voces e instrumentos. Los ingenieros de mezcla y los productores de discos, bajo la dirección de los arreglistas, compilaron estas pistas en una composición fluida de versos, puentes y estribillos, completa con construcciones y cortes . Los ingenieros de mezcla y los productores de discos ayudaron a desarrollar el "sonido disco" al crear una mezcla disco distintiva y sofisticada .
Los primeros discos eran la versión "estándar" de tres minutos hasta que Tom Moulton ideó una forma de hacer las canciones más largas para poder llevar a una multitud de bailarines en un club a otro nivel y mantenerlos bailando durante más tiempo. Descubrió que era imposible hacer más largos los sencillos de vinilo de 45 RPM de la época, ya que normalmente no podían contener más de cinco minutos de música de buena calidad. Con la ayuda de José Rodríguez, su ingeniero de remasterización/masterización, prensaron un sencillo en un disco de 10" en lugar de 7". Cortaron el siguiente sencillo en un disco de 12", el mismo formato que un álbum estándar. Moulton y Rodríguez descubrieron que estos discos más grandes podían tener canciones y remezclas mucho más largas. Los discos sencillos de 12" , también conocidos como " Maxi singles ", se convirtieron rápidamente en el formato estándar para todos los DJ del género disco. [27]
A finales de los años 70, la mayoría de las ciudades importantes de Estados Unidos contaban con una próspera escena de discotecas. Las más importantes se encontraban en la ciudad de Nueva York , pero también en Filadelfia , San Francisco , Miami y Washington, D.C. La escena se centraba en discotecas , clubes nocturnos y fiestas privadas en lofts .
En la década de 1970, las discotecas notables incluyeron " Crisco Disco ", "The Sanctuary", "Leviticus", " Studio 54 " y " Paradise Garage " en Nueva York, "Artemis" en Filadelfia, "Studio One" en Los Ángeles, "Dugan's Bistro" en Chicago y "The Library" en Atlanta. [28] [29]
A finales de los años 70, el Studio 54 de Midtown Manhattan era posiblemente el club nocturno más conocido del mundo. Este club desempeñó un papel fundamental en el crecimiento de la música disco y de la cultura de los clubes nocturnos en general. Lo dirigían Steve Rubell e Ian Schrager y era famoso por el hedonismo que se desarrollaba en su interior: los balcones eran conocidos por los encuentros sexuales y el consumo de drogas estaba desenfrenado. Su pista de baile estaba decorada con una imagen del " Hombre en la Luna " que incluía una cuchara de cocaína animada .
El " Copacabana ", otro club nocturno de Nueva York que data de la década de 1940, tuvo un renacimiento a fines de la década de 1970 cuando adoptó la música disco; se convertiría en el escenario de una canción de Barry Manilow del mismo nombre .
En Washington, DC , grandes clubes de discoteca como "The Pier" ("Pier 9") y "The Other Side", originalmente considerados exclusivamente como " bares gay ", se volvieron particularmente populares entre los estudiantes universitarios homosexuales y heterosexuales del área de la capital a finales de los años 70.
En 1979, había entre 15.000 y 20.000 discotecas en Estados Unidos, muchas de ellas en centros comerciales, hoteles y restaurantes de los suburbios. Las franquicias de 2001 Club eran la cadena de discotecas más prolífica del país. [30] Aunque se hicieron muchos otros intentos de franquiciar discotecas, 2001 fue el único que lo logró con éxito en ese período. [31]
Los sistemas de sonido de alta fidelidad, potentes y con graves intensos se consideraban una parte clave de la experiencia en las discotecas. "[David] Mancuso, anfitrión de fiestas en lofts, introdujo las tecnologías de los arreglos de tweeters (grupos de pequeños altavoces que emiten frecuencias altas, colocados por encima del suelo) y los refuerzos de graves (conjuntos adicionales de subwoofers colocados a nivel del suelo) a principios de los años 70 para potenciar los agudos y los graves en los momentos oportunos y, a finales de la década, ingenieros de sonido como Richard Long habían multiplicado los efectos de estas innovaciones en lugares como el Garage". [32]
Los diseños de iluminación típicos para pistas de baile de discoteca incluyen luces multicolores que giran o destellan al ritmo de la música, luces estroboscópicas , una pista de baile iluminada y una bola de espejos .
Los disc jockeys (DJ) de la era disco solían remezclar canciones existentes utilizando máquinas de cintas de carrete a carrete y agregarles pausas de percusión, nuevas secciones y nuevos sonidos. Los DJ seleccionaban canciones y ritmos según lo que querían los bailarines, haciendo la transición de una canción a otra con un mezclador de DJ y usando un micrófono para presentar las canciones y hablarle al público. Se agregaron otros equipos a la configuración básica del DJ, lo que proporcionaba manipulaciones de sonido únicas, como reverberación , ecualización y unidad de efectos de eco . Con este equipo, un DJ podía hacer efectos como cortar todo menos la línea de bajo de una canción y luego mezclar lentamente el comienzo de otra canción usando el crossfader del mezclador de DJ. Entre los DJ de discoteca estadounidenses más destacados se incluyen Francis Grasso de The Sanctuary, David Mancuso de The Loft , Frankie Knuckles de Chicago Warehouse , Larry Levan de Paradise Garage , Nicky Siano de The Gallery , Walter Gibbons , Karen Mixon Cook , Jim Burgess , John "Jellybean" Benitez , Richie Kulala de Studio 54 y Rick Salsalini.
Algunos DJ también eran productores de discos que creaban y producían canciones disco en el estudio de grabación . Larry Levan, por ejemplo, fue un productor de discos prolífico además de DJ. Como las ventas de discos dependían a menudo de las actuaciones de los DJ en las pistas de baile de los clubes nocturnos, los DJ también influyeron en el desarrollo y la popularización de ciertos tipos de música disco que se producían para las discográficas.
En los primeros años, los bailarines de las discotecas bailaban con un estilo "holgado" o "libre". Al principio, muchos bailarines improvisaban sus propios estilos y pasos de baile. Más tarde, en la era disco, se desarrollaron estilos de baile populares, incluidos "Bump", "Penguin", "Boogaloo", "Watergate" y "Robot". En octubre de 1975, el Hustle reinaba. Era muy estilizado, sofisticado y abiertamente sexual. Las variaciones incluían el Brooklyn Hustle, el New York Hustle y el Latin Hustle . [29]
Durante la era disco, muchas discotecas solían organizar competiciones de baile disco u ofrecer clases de baile gratuitas. Algunas ciudades tenían instructores de baile disco o escuelas de baile que enseñaban a la gente a hacer bailes disco populares como "touch dancing", "the hustle" y " the cha cha ". La pionera de la enseñanza del baile disco fue Karen Lustgarten en San Francisco en 1973. Su libro The Complete Guide to Disco Dancing (Warner Books 1978) fue el primero en nombrar, desglosar y codificar los bailes disco populares como formas de baile y distinguir entre el estilo libre disco, el baile en pareja y el baile en línea. El libro encabezó la lista de los más vendidos del New York Times durante 13 semanas y fue traducido al chino, alemán y francés.
En Chicago, se lanzó el programa de televisión Step By Step sobre baile disco con el apoyo de la empresa Coca-Cola. Producido en el mismo estudio que Don Cornelius utilizó para el programa de televisión de baile y música de difusión nacional, Soul Train , la audiencia de Step by Step creció y el programa se convirtió en un éxito. El dinámico dúo de baile formado por Robin y Reggie dirigió el programa. La pareja pasó la semana enseñando a bailar disco a los bailarines en los clubes de discoteca. El programa instructivo se transmitía los sábados por la mañana y tenía un gran número de seguidores. Sus espectadores se quedaban despiertos toda la noche los viernes para poder estar en el plató a la mañana siguiente, listos para volver a la discoteca el sábado por la noche con los últimos pasos personalizados. Los productores del programa, John Reid y Greg Roselli, hacían apariciones rutinarias en funciones de discoteca con Robin y Reggie para buscar nuevos talentos de baile y promocionar los próximos eventos como "Disco Night at White Sox Park".
En Sacramento, California, el rey de la música disco Paul Dale Roberts bailó para el Libro Guinness de los récords mundiales. Bailó durante 205 horas, el equivalente a ocho días y medio. Después se llevaron a cabo otros maratones de baile y Roberts mantuvo el récord mundial de baile disco durante un breve período de tiempo. [33]
Algunas compañías de baile profesionales notables de la década de 1970 incluyeron Pan's People y Hot Gossip . Para muchos bailarines, una fuente clave de inspiración para el baile disco de la década de 1970 fue la película Saturday Night Fever (1977). Otra influencia provino de la música y el estilo de baile de películas como Fame (1980), Disco Dancer (1982), Flashdance (1983) y The Last Days of Disco (1998). El interés por el baile disco también ayudó a generar programas de televisión de competencia de baile como Dance Fever (1979).
La moda disco estuvo muy de moda a finales de los años 70. Los asistentes a las discotecas solían llevar modas glamorosas, caras y extravagantes para las salidas nocturnas a su discoteca local. Algunas mujeres llevaban vestidos transparentes y vaporosos, como los vestidos Halston , o pantalones holgados y acampanados. Otras mujeres llevaban ropa ajustada, reveladora y sexy, como tops halter sin espalda , pantalones disco , "hot pants" o bodys de licra ajustados al cuerpo o "catsuits". [34] Los hombres llevaban camisas Qiana de poliéster brillante con patrones coloridos y cuellos puntiagudos y extra anchos, preferiblemente abiertos en el pecho. Los hombres solían llevar trajes Pierre Cardin , trajes de tres piezas con chaleco y chaquetas camiseras de poliéster de doble punto con pantalones a juego conocidos como traje de ocio . Los trajes de ocio de los hombres normalmente se ajustaban a algunas partes del cuerpo, como la cintura y la parte inferior, mientras que la parte inferior de los pantalones se acampanaba al estilo de los pantalones acampanados , para permitir la libertad de movimiento. [34]
Durante la era disco, los hombres participaban en elaborados rituales de aseo y pasaban tiempo eligiendo ropa de moda, actividades que habrían sido consideradas "femeninas" según los estereotipos de género de la época. [34] Las bailarinas usaban maquillaje brillante , lentejuelas o ropa de lamé dorado que brillaba bajo las luces. [34] Los colores atrevidos eran populares para ambos sexos. Los zapatos y botas de plataforma para ambos sexos y los tacones altos para las mujeres eran un calzado popular. [34] Los collares y medallones eran un accesorio de moda común . Con menos frecuencia, algunos bailarines de discoteca usaban disfraces extravagantes, se vestían de drag , se cubrían el cuerpo con pintura dorada o plateada o usaban atuendos muy escasos que los dejaban casi desnudos; estos atuendos poco comunes eran más propensos a verse en fiestas en lofts y clubes de discoteca de la ciudad de Nueva York a los que solo se podía asistir con invitación . [34]
Además de los aspectos de baile y moda de la escena de los clubes de discoteca, también había una próspera subcultura de drogas de club , particularmente de drogas que mejorarían la experiencia de bailar con la música fuerte y con muchos graves y las luces de colores intermitentes, como la cocaína [35] (apodada "blow"), el nitrito de amilo (" poppers "), [36] y la "... otra droga de club por excelencia de los años 70 , el Quaalude , que suspendía la coordinación motora y daba la sensación de que los brazos y las piernas se habían convertido en ' gelatina ' " . [37] Los Quaaludes eran tan populares en los clubes de discoteca que la droga fue apodada "galletas de discoteca". [38]
Paul Gootenberg afirma que "[l]a relación de la cocaína con la cultura disco de los años 70 no se puede enfatizar lo suficiente..." [35] Durante los años 70, el uso de cocaína por parte de celebridades adineradas condujo a su "glamorización" y a la visión generalizada de que era una "droga blanda". [39] El LSD , la marihuana y el "speed" (anfetaminas) también eran populares en los clubes de discoteca, y el uso de estas drogas "... contribuía a la calidad hedonista de la experiencia de la pista de baile". [40] Dado que los bailes de discoteca generalmente se celebraban en clubes nocturnos y clubes de baile con licencia para vender licor , los bailarines también consumían bebidas alcohólicas ; algunos usuarios combinaban intencionalmente el alcohol con el consumo de otras drogas, como Quaaludes, para obtener un efecto más fuerte.
Según Peter Braunstein , las "enormes cantidades de drogas ingeridas en las discotecas produjeron el siguiente fenómeno cultural de la era disco: promiscuidad desenfrenada y sexo en público . Si bien la pista de baile era el escenario central de la seducción , el sexo real generalmente tenía lugar en las regiones inferiores de la discoteca: cubículos de baño, escaleras de salida , etc. En otros casos, la discoteca se convirtió en una especie de 'plato principal' en el menú de un hedonista para una noche de fiesta". [37] En el club nocturno The Saint , un alto porcentaje de los bailarines y clientes homosexuales tenían relaciones sexuales en el club; por lo general tenían relaciones sexuales sin protección , porque en 1980, el VIH-SIDA aún no había sido identificado. [41] En The Saint, "los bailarines se escapaban a un balcón del piso superior sin vigilancia para tener relaciones sexuales". [41] La promiscuidad y el sexo público en las discotecas formaban parte de una tendencia más amplia hacia la exploración de una expresión sexual más libre en la década de 1970, una era que también se asocia con " clubes de swingers , jacuzzis , [y] fiestas de llave ". [42]
En su artículo "En defensa de la música disco" (1979), Richard Dyer afirma que el erotismo es una de las tres características principales de la música disco. [43] A diferencia de la música rock , que tiene un erotismo muy centrado en lo fálico y centrado en el placer sexual de los hombres por sobre otras personas, Dyer describe la música disco como una que presenta un erotismo corporal completo no fálico. [43] A través de una gama de instrumentos de percusión, una voluntad de jugar con el ritmo y la repetición interminable de frases sin interrumpir al oyente, la música disco logró este erotismo corporal completo al restaurar el erotismo en todo el cuerpo para ambos sexos. [43] Esto permitió la expresión potencial de sexualidades no definidas por la polla/pene, y el placer erótico de cuerpos que no están definidos por una relación con un pene. [43] La liberación sexual expresada a través del ritmo de la música disco está representada aún más en los espacios de club en los que creció la música disco.
En Modulations: A History of Electronic Music : Throbbing Words on Sound de Peter Shapiro , analiza el erotismo a través de la tecnología que utiliza la música disco para crear su audaz sonido. [44] La música, afirma Shapiro, es un complemento al "ethos de placer-es-política de la cultura post- Stonewall ". Explica cómo el "mecanoerotismo", que vincula la tecnología utilizada para crear el sonido mecánico único de la música disco con el erotismo, colocó al género en una nueva dimensión de realidad que vive fuera del naturalismo y la heterosexualidad. Randy Jones y Mark Jacobsen se hacen eco de este sentimiento en "The Politics of Dancing: How Disco Changed the World" de BBC Radio, describiendo el estilo de baile relajado y centrado en las caderas como "un nuevo tipo de comunión" que celebra las chispas de liberación provocadas por los disturbios de Stonewall. [45] Como el estado de Nueva York tenía leyes contra el comportamiento homosexual en público, incluido el baile con un miembro del mismo sexo, el erotismo de la música disco sirvió como resistencia y una expresión de libertad sexual. [46]
Utiliza los singles de Donna Summer " Love to Love You Baby " (1975) y " I Feel Love " (1977) como ejemplos de la relación siempre presente entre las líneas de bajo sintetizadas y los fondos con los sonidos simulados de orgasmos. La voz de Summer resuena en las pistas y las compara con los fanáticos de la música disco, fervientes por las drogas y sexualmente liberados que buscaban liberarse a través de la "estética del sexo con máquinas" de la música disco. [47] Shapiro ve esto como una influencia que crea subgéneros como el hi-NRG y el dub -disco, que permitieron que el erotismo y la tecnología se exploraran más a fondo a través de intensas líneas de bajo sintetizadas y técnicas rítmicas alternativas que tocan todo el cuerpo en lugar de las partes eróticas obvias del cuerpo.
El club nocturno neoyorquino The Sanctuary, dirigido por el DJ residente Francis Grasso , es un claro ejemplo de esta libertad sexual. En su historia del disc jockey y la cultura de los clubes, Bill Brewster y Frank Broughton describen el Sanctuary como "lleno de hombres homosexuales recién liberados, luego agitado (y revuelto) por una pesada mezcla de música de baile y farmacología de píldoras y pociones, el resultado es un festival de carnalidad". [48] The Sanctuary fue la "primera discoteca gay totalmente desinhibida de Estados Unidos" y, aunque no se permitía el sexo en la pista de baile, los rincones oscuros, los baños y los pasillos de los edificios adyacentes se utilizaban para encuentros sexuales de tipo orgía. [48]
Al describir la música, las drogas y la mentalidad liberada como una trilogía que se une para crear el festival de la carnalidad, Brewster y Broughton incitan a los tres a actuar como estímulos para el baile, el sexo y otros movimientos corporales que contribuyeron a las vibraciones corporales dentro del Santuario. Esto respalda el argumento de que la música disco desempeñó un papel en la facilitación de esta liberación sexual que se experimentó en las discotecas. La reciente legalización del aborto y la introducción de los antibióticos y la píldora facilitaron un cambio cultural en torno al sexo, que pasó de ser una cultura de procreación a una de placer y disfrute. De este modo, se fomentó un marco muy positivo en cuanto al sexo en torno a las discotecas. [49]
Además de que el sexo gay era ilegal en el estado de Nueva York, hasta 1973 la Asociación Estadounidense de Psiquiatría clasificó la homosexualidad como una enfermedad. [48] Se puede entender que esta ley y la clasificación en conjunto disuadieron en gran medida la expresión de la homosexualidad en público, por lo que la dinámica liberadora de las discotecas puede verse como un espacio para la autorrealización de las personas queer. La fiesta en un club/casa de David Mancuso, The Loft , fue descrita como una " actitud pansexual [que] era revolucionaria en un país donde hasta hace poco había sido ilegal que dos hombres bailaran juntos a menos que hubiera una mujer presente; donde las mujeres estaban legalmente obligadas a usar al menos una prenda reconocible de ropa femenina en público; y donde los hombres que visitaban bares gay generalmente llevaban dinero de fianza con ellos". [50]
La música disco se desarrolló principalmente a partir de la música que era popular en las pistas de baile de los clubes, que comenzaron a poner discos en lugar de tener una banda en vivo. Las primeras discotecas tocaban principalmente música swing . Más tarde, el rhythm and blues de ritmo rápido se hizo popular en los clubes estadounidenses y los discos de soul y glam rock del norte en el Reino Unido. A principios de la década de 1940, los clubes nocturnos de París recurrieron a tocar discos de jazz durante la ocupación nazi.
Régine Zylberberg afirmó haber fundado la primera discoteca y haber sido la primera DJ de club en 1953 en el "Whisky à Go-Go" de París. Instaló una pista de baile con luces de colores y dos platos giratorios para poder poner discos sin que hubiera un hueco en la música. [51] En octubre de 1959, el propietario del Scotch Club de Aquisgrán, Alemania Occidental, decidió instalar un tocadiscos para la noche de apertura en lugar de contratar una banda en vivo. Los clientes no se impresionaron hasta que un joven reportero, que estaba cubriendo la inauguración del club, tomó impulsivamente el control del tocadiscos y presentó los discos que eligió poner. Klaus Quirini afirmó más tarde haber sido el primer DJ de discoteca del mundo. [21]
Durante la década de 1960, el baile en discotecas se convirtió en una tendencia europea que fue recogida con entusiasmo por la prensa estadounidense. [21] En esta época, cuando la cultura discotequera de Europa se hizo popular en los Estados Unidos, varios géneros musicales con ritmos bailables se hicieron populares y evolucionaron en diferentes subgéneros: rhythm and blues (originado en la década de 1940), soul (finales de la década de 1950 y 1960), funk (mediados de la década de 1960) y go-go (mediados de la década de 1960 y 1970; más que "disco", la palabra "go-go" originalmente indicaba un club de música). Los géneros musicales que eran interpretados principalmente por músicos afroamericanos influirían en gran parte de la música disco temprana.
También durante la década de 1960, el sello discográfico Motown desarrolló su propio enfoque, descrito como tener "1) canciones simplemente estructuradas con melodías sofisticadas y cambios de acordes, 2) un patrón de batería implacable de cuatro tiempos, 3) un uso gospel de voces de fondo, vagamente derivado del estilo de los Impressions , 4) un uso regular y sofisticado tanto de trompetas como de cuerdas, 5) cantantes principales que estaban a medio camino entre la música pop y gospel, 6) un grupo de músicos acompañantes que estaban entre los más diestros, conocedores y brillantes de toda la música popular (los bajistas de Motown han sido durante mucho tiempo la envidia de los bajistas de rock blancos) y 7) un estilo de mezcla de agudos que dependía en gran medida de la limitación y ecualización electrónica (aumentando las frecuencias de rango alto) para dar al producto general un sonido distintivo, particularmente efectivo para la transmisión por radio AM ". [52] Motown tuvo muchos éxitos con elementos disco con artistas como Eddie Kendricks (" Keep on Truckin' " en 1973, [53] " Boogie Down " en 1974).
A finales de la década de 1960, los músicos y el público de las comunidades negra, italiana y latina adoptaron varios rasgos de las subculturas hippie y psicodélica . Incluían el uso de locales de música con un sonido fuerte y abrumador, bailes de forma libre, iluminación psicodélica, disfraces coloridos y el uso de drogas alucinógenas . [54] [55] [56] Además, la positividad percibida, la falta de ironía y la seriedad de los hippies informaron la música proto-disco como el álbum Love Is the Message de MFSB . [54] [57] En parte a través del éxito de Jimi Hendrix , los elementos psicodélicos que eran populares en la música rock de finales de la década de 1960 encontraron su camino en el soul y la música funk temprana y formaron el subgénero soul psicodélico . Se pueden encontrar ejemplos en la música de los Chambers Brothers , George Clinton con su colectivo Parliament-Funkadelic , Sly and the Family Stone y las producciones de Norman Whitfield con The Temptations .
Las largas introducciones instrumentales y la orquestación detallada que se encuentran en las pistas de soul psicodélico de Temptations también se consideran soul cinematográfico . A principios de la década de 1970, Curtis Mayfield e Isaac Hayes lograron éxitos con canciones de soul cinematográfico que en realidad fueron compuestas para bandas sonoras de películas: « Superfly » (1972) y « Theme from Shaft » (1971). Esta última a veces se considera una de las primeras canciones disco. [58] Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, el soul de Filadelfia y el soul de Nueva York se desarrollaron como subgéneros que también tenían percusión lujosa, arreglos de orquesta de cuerdas exuberantes y procesos de producción de discos costosos. A principios de la década de 1970, las producciones de soul de Filadelfia de Gamble y Huff evolucionaron de los arreglos más simples de finales de la década de 1960 a un estilo que presenta cuerdas exuberantes, líneas de bajo contundentes y ritmos de charles deslizantes. Estos elementos se volverían típicos de la música disco y se encuentran en varios de los éxitos que produjeron a principios de los años 70:
Otras de las primeras canciones disco que ayudaron a dar forma al disco y se hicieron populares en las pistas de baile de las discotecas y fiestas (underground) incluyen:
El disco temprano estaba dominado por productores y sellos discográficos como Salsoul Records (Ken, Stanley y Joseph Cayre ), West End Records ( Mel Cheren ), Casablanca ( Neil Bogart ) y Prelude ( Marvin Schlachter ). El género también fue moldeado por Tom Moulton , quien quería extender el disfrute de las canciones de baile, creando así la mezcla extendida o " remix ", pasando de un sencillo de 45 rpm de tres minutos al disco de 12" mucho más largo. Otros DJ y remezcladores influyentes que ayudaron a establecer lo que se conoció como el "sonido disco" incluyeron a David Mancuso , Nicky Siano , Shep Pettibone , Larry Levan , Walter Gibbons y Frankie Knuckles , con sede en Chicago . Frankie Knuckles no solo fue un importante DJ de disco; también ayudó a desarrollar la música house en la década de 1980.
La música disco llegó a las ondas de televisión como parte del programa de variedades de música y baile Soul Train en 1971 presentado por Don Cornelius , luego como parte del programa de televisión Disco Step-by-Step de Marty Angelo en 1975, luego como parte de Disco Magic/Disco 77 de Steve Marcus, Soap Factory de Eddie Rivera y Dance Fever de Merv Griffin , presentado por Deney Terrio , a quien se le atribuye haber enseñado a bailar al actor John Travolta para su papel en la película Saturday Night Fever (1977), así como también como parte de DANCE, con sede en Columbia, Carolina del Sur .
En 1974, la estación WPIX-FM de la ciudad de Nueva York estrenó el primer programa de radio disco. [61]
En la década de 1970, la contracultura clave de la década de 1960 , el movimiento hippie, se estaba desvaneciendo. La prosperidad económica de la década anterior había disminuido y el desempleo, la inflación y las tasas de criminalidad se habían disparado. Cuestiones políticas como la reacción del Movimiento por los Derechos Civiles que culminó en forma de disturbios raciales , la Guerra de Vietnam , los asesinatos del Dr. Martin Luther King Jr. y John F. Kennedy , y el escándalo de Watergate , dejaron a muchos sintiéndose desilusionados y desesperanzados. [ cita requerida ] El comienzo de los años 70 estuvo marcado por un cambio en la conciencia del pueblo estadounidense: el auge del movimiento feminista , la política de identidad , las pandillas, etc. marcaron en gran medida esta era. La música disco y el baile disco proporcionaban un escape de los problemas sociales y económicos negativos. [62] El estilo de baile sin pareja de la música disco permitía a personas de todas las razas y orientaciones sexuales disfrutar de la atmósfera de la pista de baile. [63]
En su libro Beautiful Things in Popular Culture , Simon Frith destaca la sociabilidad de la música disco y sus raíces en la contracultura de los años 60. “La fuerza impulsora de la escena de baile underground de Nueva York en la que se forjó la música disco no fue simplemente la compleja cultura étnica y sexual de esa ciudad, sino también una noción de comunidad, placer y generosidad de los años 60 que sólo puede describirse como hippie”, afirma. “La mejor música disco contenía en sí una sensación de euforia colectiva notablemente poderosa”. [64]
Se afirma a menudo que la explosión de la música disco se encuentra en las fiestas privadas de baile que se celebraban en la casa del DJ de Nueva York David Mancuso, que se hizo conocida como The Loft , un club underground no comercial al que solo se podía asistir por invitación que inspiró a muchos otros. [65] Organizó la primera gran fiesta en su casa de Manhattan el día de San Valentín de 1970 con el nombre de "Love Saves The Day". Después de algunos meses, las fiestas se convirtieron en eventos semanales y Mancuso continuó dando fiestas regulares hasta la década de 1990. [66] Mancuso exigía que la música que se tocara tuviera que ser conmovedora, rítmica y transmitir palabras de esperanza, redención u orgullo. [50]
Cuando Mancuso organizó sus primeras fiestas informales en sus casas, la comunidad gay (que constituía gran parte de la lista de asistentes a The Loft) era acosada a menudo en los bares y clubes de baile gay , y muchos hombres gay llevaban consigo el dinero de la fianza a los bares gay. Pero en The Loft y en muchas otras discotecas privadas de las primeras , podían bailar juntos sin miedo a la acción policial gracias a las políticas clandestinas, pero legales, de Mancuso. Vince Aletti lo describió como "ir a una fiesta, completamente mezclada, racial y sexualmente, donde no había ninguna sensación de que alguien fuera más importante que los demás", y Alex Rosner reiteró esto diciendo "Probablemente era un sesenta por ciento de negros y un setenta por ciento de gays... Había una mezcla de orientaciones sexuales, había una mezcla de razas, una mezcla de grupos económicos. Una verdadera mezcla, donde el denominador común era la música". [50]
El crítico de cine Roger Ebert dijo que la aceptación popular de los exuberantes movimientos de baile de la música disco era un escape de "la depresión general y la monotonía de la atmósfera política y musical de finales de los setenta". [67] Pauline Kael , escribiendo sobre la película de temática disco Fiebre del sábado noche , dijo que la película y la música disco en sí misma tocaban "algo profundamente romántico, la necesidad de moverse, de bailar y la necesidad de ser quien te gustaría ser. El nirvana es el baile; cuando la música se detiene, vuelves a ser normal". [68]
A finales de los años 60, el soul de ritmo rápido con ritmos fuertes y algunos estilos de baile y moda asociados se retomaron en la escena mod británica y formaron el movimiento northern soul . Originario de lugares como el Twisted Wheel en Manchester , se extendió rápidamente a otros salones de baile y clubes nocturnos del Reino Unido como el Chateau Impney ( Droitwich ), Catacombs (Wolverhampton), Highland Rooms en Blackpool Mecca , Golden Torch (Stoke-on-Trent) y Wigan Casino . A medida que el ritmo favorito se volvió más rápido y frenético a principios de los años 70, el baile northern soul se volvió más atlético, pareciéndose un poco a los estilos de baile posteriores de disco y break dance. Con giros , volteretas , patadas de karate y telones de fondo, los estilos de baile de club a menudo se inspiraron en las actuaciones en el escenario de actos de soul estadounidenses de gira como Little Anthony & the Imperials y Jackie Wilson .
En 1974, se calcula que había 25.000 discotecas móviles y 40.000 disc jockeys profesionales en el Reino Unido. Las discotecas móviles eran DJ contratados que llevaban su propio equipo para proporcionar música para eventos especiales. Las pistas de glam rock eran populares, como, por ejemplo, el sencillo de Gary Glitter de 1972 " Rock and Roll Part 2 " que se hizo popular en las pistas de baile del Reino Unido, aunque no tuvo mucha difusión en la radio. [69]
De 1974 a 1977, la música disco aumentó en popularidad a medida que muchas canciones disco encabezaron las listas. " Rock the Boat " (1974) de The Hues Corporation , un sencillo número uno en Estados Unidos y un millón de ventas, fue una de las primeras canciones disco en alcanzar el número uno. El mismo año vio el lanzamiento de " Kung Fu Fighting ", interpretada por Carl Douglas y producida por Biddu , que alcanzó el número uno tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, y se convirtió en el sencillo más vendido del año [70] y uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos con 11 millones de discos vendidos en todo el mundo, [71] [72] ayudando a popularizar la música disco en gran medida. [71] Otro éxito disco notable ese año fue " Rock Your Baby " de George McCrae : [73] se convirtió en el primer sencillo disco número uno del Reino Unido. [74] [73]
En las zonas del noroeste del Reino Unido, la explosión del northern soul , que comenzó a finales de los años 60 y alcanzó su punto álgido en 1974, hizo que la región fuera receptiva a la música disco, que los disc jockeys de la región traían de la ciudad de Nueva York. El cambio de algunos DJ hacia los sonidos más nuevos que venían de los EE. UU. provocó una división en la escena, por la que algunos abandonaron el soul de los años 60 y promovieron un sonido soul moderno que tendía a estar más estrechamente relacionado con la música disco que con el soul.
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En 1975, Gloria Gaynor lanzó su primer álbum de vinilo de larga duración , que incluía una nueva versión de " Never Can Say Goodbye " de los Jackson 5 (que, de hecho, también es el título del álbum ) y otras dos canciones, "Honey Bee" y su versión disco de " Reach Out (I'll Be There) ". El álbum encabezó por primera vez las listas disco/dance de Billboard en noviembre de 1974. Más tarde, en 1978, la canción disco número uno de Gaynor fue " I Will Survive ", que fue vista como un símbolo de la fuerza femenina y un himno gay, [75] como su siguiente éxito disco, una nueva versión de 1983 de " I Am What I Am ". En 1979 lanzó " Let Me Know (I Have a Right) ", un sencillo que ganó popularidad en los movimientos por los derechos civiles. También en 1975, la Orquesta Salsoul de Vincent Montana Jr. contribuyó con su canción de baile orquestal con sabor latino "Salsoul Hustle", alcanzando el número cuatro en el Billboard Dance Chart; sus éxitos de 1976 fueron " Tangerine " y "Nice 'n' Naasty", el primero siendo una versión de una canción de 1941. [ cita requerida ]
Canciones como " The Hustle " de Van McCoy de 1975 y la humorística " Ain't Gonna Bump No More (With No Big Fat Woman) " de Joe Tex de 1977 dieron nombre a los populares bailes disco "the Bump" y "the Hustle". Otras canciones disco exitosas tempranas notables incluyen " You're the First, the Last, My Everything " de Barry White (1974); " Lady Marmalade " de Labelle (1974); " Get Dancin' " de Disco-Tex y Sex-O-Lettes (1974); " Shining Star " de Earth, Wind & Fire (1975); " Fly, Robin, Fly " (1975) y " Get Up and Boogie " (1976) de Silver Convention ; " Turn the Beat Around " de Vicki Sue Robinson (1976); y " More, More, More " (1976) de Andrea True (una ex actriz pornográfica durante la Edad de Oro del Porno , una era en gran parte contemporánea con el apogeo de la música disco).
Formada por Harry Wayne Casey (también conocido como "KC") y Richard Finch , la KC and the Sunshine Band de Miami tuvo una serie de sencillos que llegaron al top cinco de la música disco entre 1975 y 1977, incluyendo " Get Down Tonight ", " That's the Way (I Like It) ", " (Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty ", " I'm Your Boogie Man ", " Boogie Shoes " y " Keep It Comin' Love ". En este período, bandas de rock como la English Electric Light Orchestra presentaron en sus canciones un sonido de violín que se convirtió en un elemento básico de la música disco, como en el éxito de 1975 " Evil Woman ", aunque el género fue descrito correctamente como rock orquestal .
Otros productores de música disco, como Tom Moulton, tomaron ideas y técnicas de la música dub (que surgió con la creciente migración jamaiquina a la ciudad de Nueva York en los años 1970) para ofrecer alternativas al estilo "four on the floor" que dominaba. El DJ Larry Levan utilizó estilos del dub y el jazz y técnicas de remezcla para crear versiones tempranas de la música house que dieron origen al género. [76]
Norman Whitfield fue un influyente productor y compositor de la discográfica Motown , conocido por crear innovadoras canciones de " soul psicodélico " con muchos éxitos para Marvin Gaye , Velvelettes , Temptations y Gladys Knight & the Pips . A partir de la producción del álbum Cloud Nine de Temptations en 1968, incorporó algunas influencias psicodélicas y comenzó a producir temas más largos y bailables, con más espacio para partes instrumentales rítmicas elaboradas. Un ejemplo de una pista de soul psicodélico tan larga es " Papa Was a Rollin' Stone ", que apareció como una edición única de casi siete minutos y una versión de 12" de aproximadamente 12 minutos de duración en 1972. A principios de los años 70, muchas de las producciones de Whitfield evolucionaron cada vez más hacia el funk y el disco, como se escucha en los álbumes de Undisputed Truth y el álbum de 1973 GIT: Get It Together de The Jackson 5. The Undisputed Truth , un grupo de grabación de Motown reunido por Whitfield para experimentar con sus técnicas de producción de soul psicodélico, encontró el éxito con su canción de 1971 " Sonriendo caras a veces ". Su sencillo disco "You + Me = Love" (número 43) fue producido por Whitfield y llegó al número 2 en la lista de baile de EE. UU . en 1976.
En 1975, Whitfield dejó Motown y fundó su propio sello, Whitfield Records , en el que también se publicó "You + Me = Love". Whitfield produjo algunos éxitos disco más, incluido " Car Wash " (1976) de Rose Royce de la banda sonora del álbum de la película Car Wash de 1976. En 1977, el cantante, compositor y productor Willie Hutch , que había firmado con Motown desde 1970, ahora firmó con el nuevo sello de Whitfield y anotó un exitoso sencillo disco con su canción "In and Out" en 1982.
Otros artistas de Motown también se pasaron al disco. Diana Ross abrazó el sonido disco con su exitoso lanzamiento de 1976 " Love Hangover " de su álbum homónimo. Sus clásicos de baile de 1980 " Upside Down " y " I'm Coming Out " fueron escritos y producidos por Nile Rodgers y Bernard Edwards del grupo Chic . The Supremes , el grupo que hizo famosa a Ross, anotó un puñado de éxitos en los clubes de disco sin ella, el más notable fue " I'm Gonna Let My Heart Do the Walking " de 1976 y, su último sencillo en las listas antes de disolverse, "You're My Driving Wheel" de 1977.
A petición de Motown para que produjera canciones en el género disco, Marvin Gaye lanzó " Got to Give It Up " en 1978, a pesar de su aversión por la música disco. Se comprometió a no grabar ninguna canción en el género y de hecho escribió la canción como una parodia. Sin embargo, varias de las canciones de Gaye tienen elementos disco, incluyendo " I Want You " (1975). Stevie Wonder lanzó el sencillo disco " Sir Duke " en 1977 como un tributo a Duke Ellington , la influyente leyenda del jazz que había muerto en 1974. Smokey Robinson dejó el grupo de Motown The Miracles para una carrera en solitario en 1972 y lanzó su tercer álbum en solitario A Quiet Storm en 1975, que generó y prestó su nombre al formato de programación musical " Quiet Storm " y subgénero del R&B. Contenía el sencillo disco " Baby That's Backatcha ". Otros artistas de Motown que lograron éxitos disco fueron el antiguo grupo de Robinson, los Miracles, con "Love Machine" (1975), Eddie Kendricks con "Keep On Truckin'" (1973), los Originals con " Down to Love Town " (1976), y Thelma Houston con su versión de la canción de Harold Melvin and the Blue Notes " Don't Leave Me This Way " (1976). El sello continuó lanzando canciones exitosas en la década de 1980 con " Super Freak " de Rick James (1981), y " Lady (You Bring Me Up) " de los Commodores (1981).
Varios de los artistas solistas de Motown que abandonaron el sello discográfico continuaron teniendo canciones disco exitosas. Mary Wells , la primera superestrella femenina de Motown con su canción insignia " My Guy " (escrita por Smokey Robinson), abandonó abruptamente el sello en 1964. Reapareció brevemente en las listas con la canción disco "Gigolo" en 1980. Jimmy Ruffin , el hermano mayor del cantante principal de Temptations, David Ruffin , también firmó con Motown y lanzó su canción más exitosa y conocida " What Becomes of the Brokenhearted " como sencillo en 1966. Ruffin finalmente dejó el sello discográfico a mediados de la década de 1970, pero tuvo éxito con la canción disco de 1980 " Hold On (To My Love) ", que fue escrita y producida por Robin Gibb de los Bee Gees, para su álbum Sunrise . Edwin Starr , conocido por su canción de protesta de Motown " War " (1970), volvió a entrar en las listas en 1979 con un par de canciones disco, " Contact " y " HAPPY Radio ". Kiki Dee se convirtió en la primera cantante británica blanca en firmar con Motown en los EE. UU. y lanzó un álbum, Great Expectations (1970), y dos sencillos "The Day Will Come Between Sunday and Monday" (1970) y "Love Makes the World Go Round" (1971), este último le dio su primera entrada en las listas (número 87 en la lista estadounidense). Pronto dejó la compañía y firmó con The Rocket Record Company de Elton John , y en 1976 tuvo su sencillo más grande y conocido, " Don't Go Breaking My Heart ", un dueto disco con John. La canción fue pensada como un pastiche afectuoso de estilo disco del sonido Motown, en particular los diversos duetos grabados por Marvin Gaye con Tammi Terrell y Kim Weston .
Muchos grupos de Motown que habían abandonado el sello discográfico aparecieron en las listas con canciones disco. Los Jackson 5 , uno de los principales grupos de Motown a principios de los años 70, dejaron la compañía discográfica en 1975 ( Jermaine Jackson , sin embargo, permaneció en el sello) después de canciones exitosas como " I Want You Back " (1969) y " ABC " (1970), e incluso la canción disco " Dancing Machine " (1974). Rebautizados como "The Jacksons" (ya que Motown poseía el nombre "The Jackson 5"), siguieron teniendo éxito con canciones disco como "Blame It on the Boogie" (1978), " Shake Your Body (Down to the Ground) " (1979) y "Can You Feel It?" (1981) en el sello Epic.
Los Isley Brothers , cuya breve permanencia en la compañía había producido la canción " This Old Heart of Mine (Is Weak for You) " en 1966, continuaron lanzando exitosas canciones disco como " It's a Disco Night (Rock Don't Stop) " (1979). Gladys Knight & the Pips , que grabó la versión más exitosa de " I Heard It Through the Grapevine " (1967) antes de Marvin Gaye, logró sencillos comercialmente exitosos como "Baby, Don't Change Your Mind" (1977) y "Bourgie, Bourgie" (1980) en la era discográfica. Los Detroit Spinners también firmaron con el sello Motown y tuvieron éxito con la canción producida por Stevie Wonder " It's a Shame " en 1970. Poco después, por consejo de su compatriota nativa de Detroit Aretha Franklin , se fueron a Atlantic Records , y allí tuvieron canciones disco como " The Rubberband Man " (1976). En 1979, lanzaron una exitosa versión de " Are You Ready for Love " de Elton John, así como un popurrí de la canción de Four Seasons " Working My Way Back to You " y "Forgive Me, Girl" de Michael Zager . Los Four Seasons firmaron brevemente con el sello MoWest de Motown, una subsidiaria de corta duración para artistas de R&B y soul con sede en la Costa Oeste, y allí el grupo produjo un álbum, Chameleon (1972), con poco éxito comercial en los EE. UU. Sin embargo, un sencillo, "The Night" , fue lanzado en Gran Bretaña en 1975, y gracias a la popularidad del circuito Northern Soul , alcanzó el número siete en la lista de singles del Reino Unido . Los Four Seasons dejaron Motown en 1974 y tuvieron un éxito disco con su canción " December, 1963 (Oh, What a Night) " (1975) para Warner Curb Records .
El grupo de música disco europea de mayor éxito fue ABBA (1972-1982). Este cuarteto sueco, que cantaba principalmente en inglés, alcanzó el éxito con sencillos como « Waterloo » (1974), « Take a Chance on Me » (1978), « Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) » (1979), « Super Trouper » (1980) y su gran éxito « Dancing Queen » (1976).
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En la década de 1970, en Múnich, Alemania Occidental , los productores musicales Giorgio Moroder y Pete Bellotte hicieron una contribución decisiva a la música disco con una serie de éxitos para Donna Summer , que se conoció como el "Sonido de Múnich". [78] En 1975, Summer sugirió la letra " Love to Love You Baby " a Moroder y Bellotte, quienes convirtieron la letra en una canción disco completa. El producto final, que contenía las vocalizaciones de una serie de orgasmos simulados , inicialmente no estaba destinado a ser lanzado, pero cuando Moroder lo tocó en los clubes causó sensación y lo lanzó. La canción se convirtió en un éxito internacional, llegando a las listas de éxitos en muchos países europeos y en los EE. UU. (N.º 2). Se ha descrito como la llegada de la expresión del deseo sexual femenino crudo en la música pop. Se lanzó un sencillo de 12 pulgadas de casi 17 minutos. El sencillo de 12" se convirtió y sigue siendo un estándar en las discotecas de hoy. [79] [80] En 1976, la versión de Donna Summer de " Could It Be Magic " llevó la música disco aún más al mainstream. En 1977, Summer, Moroder y Bellotte lanzaron " I Feel Love ", como el lado B de " Can't We Just Sit Down (And Talk It Over) ", que revolucionó la música de baile con su producción principalmente electrónica y fue un éxito mundial masivo, generando el subgénero Hi-NRG . [79] AllMusic describió a Giorgio Moroder como "uno de los principales arquitectos del sonido disco". [81] Otro exitoso proyecto de música disco de Moroder en ese momento fue Munich Machine (1976-1980).
Boney M. (1974-1986) fue un grupo de eurodisco de Alemania Occidental formado por cuatro cantantes y bailarines antillanos dirigidos por el productor discográfico Frank Farian . Boney M. llegó a las listas de éxitos mundiales con canciones como " Daddy Cool " (1976), " Ma Baker " (1977) y " Rivers Of Babylon " (1978). Otro grupo exitoso de grabación de eurodisco de Alemania Occidental fue Silver Convention (1974-1979). El grupo alemán Kraftwerk también tuvo influencia en el eurodisco.
En Francia, Dalida lanzó " J'attendrai " ("Esperaré") en 1975, que también tuvo éxito en Canadá, Europa y Japón. Dalida se adaptó con éxito a la música disco y lanzó al menos una docena de canciones que se ubicaron en el top 10 en Europa. Claude François , que se reinventó como el "rey de la música disco francesa", lanzó "La plus belle chose du monde", una versión francesa de la canción de los Bee Gees " Massachusetts ", que tuvo éxito en Canadá y Europa y "Alexandrie Alexandra" fue lanzada póstumamente el día de su entierro y se convirtió en un éxito mundial. Las primeras canciones de Cerrone , "Love in C Minor" (1976), " Supernature " (1977) y "Give Me Love" (1978) tuvieron éxito en los EE. UU. y Europa. Otro acto de Euro disco fue la diva francesa Amanda Lear , donde el sonido de Euro disco se escucha más en " Enigma (Give a Bit of Mmh to Me) " (1978). El productor francés Alec Costandinos reunió el grupo de eurodisco Love and Kisses (1977-1982).
En Italia, Raffaella Carrà fue la artista disco europea más exitosa, junto con La Bionda , Hermanas Goggi y Oliver Onions . Su mayor sencillo internacional fue "Tanti Auguri" ("Best Wishes"), que se ha convertido en una canción popular entre el público gay . La canción también es conocida por su título en español "Para hacer bien el amor hay que venir al sur" (que se refiere al sur de Europa, ya que la canción fue grabada y grabada en España). La versión estonia de la canción "Jätke võtmed väljapoole" fue interpretada por Anne Veski . " A far l'amore comincia tu " ("Para hacer el amor, tu movimiento primero") fue otro éxito para ella a nivel internacional, conocido en español como "En el amor todo es empezar", en alemán como "Liebelei", en francés como "Puisque tu l'aimes dis le lui", y en inglés como "Do It, Do It Again". Fue su única entrada en la lista de singles del Reino Unido , alcanzando el número 9, donde sigue siendo una maravilla de un solo éxito . [82] En 1977, grabó otro sencillo exitoso, "Fiesta" ("The Party" en inglés), originalmente en español, pero luego lo grabó en francés e italiano después de que la canción llegara a las listas de éxitos. "A far l'amore comincia tu" también fue versionada en turco por la estrella pop turca Ajda Pekkan como "Sakın Ha" en 1977.
Recientemente, Carrà ha ganado nueva atención por su aparición como solista femenina bailando en una presentación televisiva de 1974 de la canción experimental " Prisencolinensinainciusol " (1973) de Adriano Celentano . [83] Un video remezclado que la muestra bailando se volvió viral en Internet en 2008. [84] [ cita requerida ] En 2008 , un video de una actuación de su único sencillo exitoso en el Reino Unido, "Do It, Do It Again", apareció en el episodio de Doctor Who " Midnight ". Rafaella Carrà trabajó con Bob Sinclar en el nuevo sencillo " Far l'Amore ", que se lanzó en YouTube el 17 de marzo de 2011. La canción se ubicó en las listas de diferentes países europeos. [85] También destacados actos disco europeos son Spargo (banda) , Time Bandits (banda) y Luv' de los Países Bajos.
El euro disco continuó evolucionando dentro de la amplia escena de la música pop convencional, incluso cuando la popularidad del disco disminuyó drásticamente en los Estados Unidos, abandonado por los principales sellos discográficos y productores estadounidenses. [86] A través de la influencia del italo disco , también jugó un papel en la evolución de la música house temprana a principios de la década de 1980 y formas posteriores de música electrónica de baile , incluido el eurodance de principios de los 90 .
En diciembre de 1977 se estrenó la película Fiebre del sábado noche . Fue un gran éxito y su banda sonora se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. La idea de la película surgió de un artículo de la revista New York Magazine de 1976 [87] titulado " Tribal Rites of the New Saturday Night ", que supuestamente narraba la cultura disco de mediados de los años 70 en la ciudad de Nueva York, pero que luego se reveló que había sido inventado. [88] Algunos críticos dijeron que la película "incorporó" la música disco a la sociedad, haciéndola más aceptable para los varones blancos heterosexuales. [89] Muchos historiadores de la música creen que el éxito de la película y la banda sonora prolongó la vida de la era disco durante varios años.
Organizada en torno a la cultura de las discotecas suburbanas y al personaje de Tony Manero, interpretado por John Travolta , Fiebre del sábado noche se convirtió en un fenómeno cultural que transformó la pista de baile en un lugar para la masculinidad patriarcal y el cortejo heterosexual. Esta transformación alineó la música disco con los intereses del mercado de masas percibido, apuntando específicamente a las audiencias suburbanas y de América Central. [63]
La representación de la pista de baile en Saturday Night Fever marcó una reapropiación por parte de la cultura masculina heterosexual, convirtiéndola en un espacio para que los hombres exhibieran su destreza y buscaran parejas del sexo opuesto. La película popularizó el hustle, un baile social latino, reforzando la centralidad de la pareja de baile heterosexual en el intercambio discográfico. Cabe destacar que la banda sonora, dominada por los Bee Gees , corría el riesgo de presentar la música disco como una nueva encarnación del pop blanco estridente, desviándose de sus orígenes diversos e inclusivos. [63] El éxito de Saturday Night Fever no tuvo precedentes y rompió récords de taquilla y venta de álbumes. Desafortunadamente, su impacto fue más allá de la mera popularidad. La película estableció una plantilla para la música disco que era fácilmente reproducible, pero completamente des-queerizada en su perspectiva. Al limitar la narrativa para que encajara en los ideales convencionales de la cultura heterosexual suburbana, la película contribuyó a una versión distorsionada y mercantilizada de la música disco.
Los Bee Gees utilizaron el falsete de Barry Gibb para conseguir éxitos como " You Should Be Dancing ", " Stayin' Alive ", " Night Fever ", " More Than A Woman ", " Love You Inside Out " y " Tragedy ". Andy Gibb , un hermano menor de los Bee Gees, siguió con sencillos en solitario de estilo similar como " I Just Want to Be Your Everything ", " (Love Is) Thicker Than Water " y " Shadow Dancing ".
En 1978, la versión disco en vinilo de " MacArthur Park " de Donna Summer, que vendió millones de copias, fue número uno en la lista Billboard Hot 100 durante tres semanas y fue nominada al premio Grammy a la mejor interpretación vocal pop femenina . La grabación, que se incluyó como parte de la "MacArthur Park Suite" en su álbum doble en vivo Live and More , tenía una duración de ocho minutos y 40 segundos en el álbum. La versión en vinilo de siete pulgadas más corta de MacArthur Park fue el primer sencillo de Summer en alcanzar el número uno en el Hot 100; sin embargo, no incluye el segundo movimiento baladí de la canción. Un remix de "MacArthur Park" de Summer en 2013 encabezó las listas de éxitos de Billboard Dance, marcando cinco décadas consecutivas con una canción número uno en las listas. [90] Desde mediados de 1978 hasta finales de 1979, Summer continuó lanzando sencillos como " Last Dance ", " Heaven Knows " (con Brooklyn Dreams ), " Hot Stuff ", " Bad Girls ", " Dim All the Lights " y " On the Radio ", todas canciones muy exitosas, llegando al top cinco o mejor, en las listas pop de Billboard.
La banda Chic fue formada principalmente por el guitarrista Nile Rodgers —un autodenominado "hippie callejero" de finales de los años 60 en Nueva York— y el bajista Bernard Edwards . Su popular sencillo de 1978, " Le Freak ", es considerado una canción icónica del género. Otras canciones exitosas de Chic incluyen " Good Times " (1979), " I Want Your Love " (1979) y " Everybody Dance " (1979), que se ha sampleado con frecuencia. El grupo se consideraba la banda de rock del movimiento disco que hizo realidad los ideales del movimiento hippie de paz, amor y libertad. Cada canción que escribieron fue escrita con la mirada puesta en darle un "significado profundo y oculto" o DHM [91]
Sylvester , un cantante extravagante y abiertamente gay famoso por su voz de falsete, logró su mayor éxito disco a finales de 1978 con " You Make Me Feel (Mighty Real) ". Se dice que su estilo de canto influyó en el cantante Prince . En ese momento, la música disco era una de las formas de música más abiertas a los artistas homosexuales. [92]
The Village People fue un grupo de canto y baile creado por Jacques Morali y Henri Belolo para atraer al público gay de la música disco. Eran conocidos por sus disfraces sobre el escenario que representaban trabajos típicamente masculinos y minorías étnicas y alcanzaron el éxito comercial con su canción de 1978 " Macho Man ". Otras canciones incluyen " YMCA " (1979) y " In the Navy " (1979).
También son destacables " Disco Inferno " (1976) de The Trammps (1978, reedición debido a la popularidad obtenida con la banda sonora de Saturday Night Fever ), " Boogie Nights " (1977) de Heatwave , " Shame " (1977) de Evelyn "Champagne" King , " Boogie Oogie Oogie " (1978) de A Taste of Honey , " Got to Be Real " (1978) de Cheryl Lynn , " I Love the Nightlife " (1978) de Alicia Bridges , " Born to Be Alive " (1978) de Patrick Hernandez , " Septiembre " (1978) y " Boogie Wonderland " (1979) de Earth, Wind & Fire , " Shake Your Groove Thing " (1978) de Peaches & Herb , " We Are Family " y " He's the Greatest Dancer " (ambos de 1979) de Sister Sledge , McFadden y Whitehead. " Ain't No Stoppin' Us Now " (1979) de The Brothers Johnson, " Ring My Bell " (1979) de Anita Ward , " Ladies' Night " (1979) y " Celebration " (1980) de Kool & the Gang , " And the Beat Goes On " (1979) de The Whispers , " What Cha Gonna Do with My Lovin' " (1979) de Stephanie Mills , " Funkytown " (1980) de Lipps Inc. , " Stomp! " (1980) de The Brothers Johnson , " Give Me the Night " (1980) de George Benson , " Sunset People " (1980) de Donna Summer y los diversos intentos de Walter Murphy de llevar la música clásica al público en general, en particular la canción disco " A Fifth of Beethoven " (1976), que se inspiró en la quinta sinfonía de Beethoven .
En el apogeo de su popularidad, muchos artistas no disco grabaron canciones con elementos disco, como Rod Stewart con su " Da Ya Think I'm Sexy? " en 1979. [93] Incluso los artistas de rock mainstream adoptaron elementos disco. El grupo de rock progresivo Pink Floyd utilizó baterías y guitarras de estilo disco en su canción " Another Brick in the Wall, Part 2 " (1979), [94] que se convirtió en su único sencillo número uno tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Los Eagles hicieron referencia a la música disco con « One of These Nights » (1975) [95] y « Disco Strangler » (1979), Paul McCartney & Wings con « Silly Love Songs » (1976) y « Goodnight Tonight » (1979), Queen con « Another One Bites the Dust » (1980), los Rolling Stones con « Miss You » (1978) y « Emotional Rescue » (1980), Stephen Stills con su álbum Thoroughfare Gap (1978), Electric Light Orchestra con « Shine a Little Love » y « Last Train to London » (ambas de 1979), Chicago con « Street Player » (1979), los Kinks con « (Wish I Could Fly Like) Superman » (1979), los Grateful Dead con « Shakedown Street », The Who con « Eminence Front » (1982) y la J. Geils Band con « Come Back » (1980). Incluso el grupo de hard rock KISS se sumó con " I Was Made for Lovin' You " (1979), [96] y el álbum de Ringo Starr, Ringo the 4th (1978), presenta una fuerte influencia disco.
El sonido disco también fue adoptado por artistas de otros géneros, incluido el éxito número uno de Estados Unidos de 1979 " No More Tears (Enough Is Enough) " de la cantante de música fácil Barbra Streisand en un dueto con Donna Summer. En la música country , en un intento de atraer al mercado más convencional, los artistas comenzaron a agregar influencias pop/disco a su música. Dolly Parton lanzó un exitoso crossover en las listas pop/dance, con sus álbumes Heartbreaker y Great Balls of Fire que contienen canciones con un toque disco. En particular, un remix disco de la canción " Baby I'm Burnin' " alcanzó el puesto número 15 en la lista Billboard Dance Club Songs; finalmente se convirtió en uno de los mayores éxitos de club del año. [97] Además, Connie Smith versionó "I Just Want to Be Your Everything" de Andy Gibb en 1977, Bill Anderson grabó "Double S" en 1978 y Ronnie Milsap lanzó "Get It Up" e hizo una versión de la canción " Hi-Heel Sneakers " del cantante de blues Tommy Tucker en 1979.
En los años 70, las canciones, standards y temas de televisión que ya existían y que no eran disco fueron frecuentemente "disco-izados", como el tema de I Love Lucy (grabado como "Disco Lucy" por la Wilton Place Street Band ), " Aquarela do Brasil " (grabado como "Brazil" por The Ritchie Family ) y " Baby Face " (grabado por Wing y Prayer Fife and Drum Corps ). El rico acompañamiento orquestal que se identificó con la era disco evocó los recuerdos de la era de las big bands , que hizo que varios artistas grabaran y disco-izaran algunos arreglos de big band, incluido Perry Como , que regrabó su canción de 1945 " Temptation ", en 1975, así como Ethel Merman , que lanzó un álbum de canciones disco titulado The Ethel Merman Disco Album en 1979.
Myron Floren , segundo al mando en The Lawrence Welk Show , lanzó una grabación de la " Clarinet Polka " titulada "Disco Accordion". De manera similar, Bobby Vinton adaptó "The Pennsylvania Polka" en una canción llamada "Disco Polka". El ícono del easy listening Percy Faith , en una de sus últimas grabaciones, lanzó un álbum titulado Disco Party (1975) y grabó una versión disco de su " Tema de un lugar de verano " en 1976. Incluso la música clásica fue adaptada para la música disco, en particular "A Fifth of Beethoven " (1976, basada en el primer movimiento de la Quinta Sinfonía de Beethoven ) y "Flight 76" (1976, basada en " El vuelo del moscardón " de Rimsky-Korsakov ) de Walter Murphy, y la serie de álbumes y sencillos Hooked On Classics de Louis Clark .
Muchos temas originales de televisión de la época también mostraron una fuerte influencia de la música disco, como SWAT (1975), Wonder Woman (1975), Charlie's Angels (1976), NBC Saturday Night At The Movies (1976), The Love Boat (1977), The Donahue Show (1977), CHiPs (1977), The Professionals (1977), Dallas (1978), transmisiones deportivas de NBC (1978), Kojak (1977) y The Hollywood Squares (1979).
Los jingles disco también se abrieron camino en muchos comerciales de televisión, incluido el comercial de comida para gatos "Good Mews" de Purina de 1979 [98] y un comercial "IC Light" de Iron City Brewing Company de Pittsburgh .
Se crearon varias parodias del estilo disco. Rick Dees , en ese momento un DJ de radio en Memphis, Tennessee , grabó " Disco Duck " (1976) y "Dis-Gorilla" (1977); Frank Zappa parodió los estilos de vida de los bailarines de discoteca en " Disco Boy " en su álbum Zoot Allures de 1976 y en " Dacin' Fool " en su álbum Sheik Yerbouti de 1979. El álbum debut homónimo de "Weird Al" Yankovic de 1983 incluye una canción disco llamada "Gotta Boogie", un juego de palabras extendido sobre la similitud del movimiento disco con la palabra del argot estadounidense " booger ". El comediante Bill Cosby dedicó todo su álbum de 1977 Disco Bill a las parodias disco. En 1980, Mad Magazine lanzó un disco flexible titulado Mad Disco con seis parodias completas del género. Las canciones de rock and roll críticas con la música disco incluían " Old Time Rock and Roll " de Bob Seger y, especialmente, " Sister Disco " de The Who (ambas de 1978), aunque " Eminence Front " de The Who (cuatro años después) tenía un aire disco.
A finales de los años 1970, se desarrolló un sentimiento anti-disco entre los fanáticos y músicos de la música rock , particularmente en los Estados Unidos. [99] [100] La música disco fue criticada por ser absurda, consumista , sobreproducida y escapista . [101] Los eslóganes "Disco apesta" y "Muerte a la música disco" [99] se volvieron comunes. Artistas de rock como Rod Stewart y David Bowie que agregaron elementos disco a su música fueron acusados de venderse . [102] [103]
La subcultura punk en los Estados Unidos y el Reino Unido a menudo era hostil a la música disco, [99] aunque, en el Reino Unido, a muchos de los primeros fans de los Sex Pistols , como Bromley Contingent y Jordan , les gustaba la música disco, y a menudo se reunían en clubes nocturnos como Louise's en Soho y el Sombrero en Kensington. La canción " Love Hangover " de Diana Ross , el himno de la casa en el primero, fue citada como una de las favoritas de muchos de los primeros punks del Reino Unido. [104] La película The Great Rock 'n' Roll Swindle y su álbum de banda sonora contenían un popurrí disco de canciones de los Sex Pistols, titulado Black Arabs y acreditado a un grupo del mismo nombre.
Sin embargo, Jello Biafra de Dead Kennedys , en la canción "Saturday Night Holocaust", comparó la música disco con la cultura del cabaret de la Alemania de la era de Weimar por su apatía hacia las políticas gubernamentales y su escapismo. Mark Mothersbaugh de Devo dijo que la música disco era "como una mujer hermosa con un gran cuerpo y sin cerebro", y un producto de la apatía política de esa época. [105] El crítico de rock de Nueva Jersey Jim Testa escribió "Put a Bullet Through the Jukebox", una diatriba mordaz que atacaba la música disco y que se consideraba un llamado a las armas del punk. [106] Steve Hillage , poco antes de su transformación de músico de rock progresivo a artista electrónico a fines de la década de 1970 con la inspiración de la música disco, decepcionó a sus fanáticos rockeros al admitir su amor por la música disco, y Hillage recordó que "es como si hubiera matado a su gato mascota". [107]
El sentimiento anti-disco se expresó en algunos programas de televisión y películas. Un tema recurrente en el programa WKRP en Cincinnati fue una actitud hostil hacia la música disco. En una escena de la película de comedia de 1980 ¡Avión!, un avión descarriado corta una torre de radio con su ala, dejando fuera de servicio una estación de radio que transmitía exclusivamente música disco. [108] El 12 de julio de 1979 se conoció como "el día en que murió la música disco" debido a la Noche de Demolición de Disco , una manifestación anti-disco en una doble jornada de béisbol en el Comiskey Park de Chicago. [109] Los DJ de la estación de rock Steve Dahl y Garry Meier , junto con Michael Veeck, hijo del dueño de los Chicago White Sox, Bill Veeck , organizaron el evento promocional para los fanáticos del rock descontentos entre los juegos de una doble jornada de los White Sox que involucraba discos de discoteca que explotaban en el jardín central . Cuando el segundo juego estaba a punto de comenzar, la ruidosa multitud irrumpió en el campo y procedió a prender fuego y arrancar asientos y pedazos de césped. El Departamento de Policía de Chicago realizó numerosos arrestos y los extensos daños al campo obligaron a los White Sox a perder el segundo juego ante los Detroit Tigers , que habían ganado el primer juego.
La caída de la popularidad de la música disco después de Disco Demolition Night fue rápida. El 12 de julio de 1979, los seis primeros discos de las listas de éxitos de Estados Unidos eran canciones disco. [110] Para el 22 de septiembre, no había ninguna canción disco en la lista de los 10 mejores de Estados Unidos, con la excepción de la instrumental " Rise " de Herb Alpert , una composición de jazz suave con algunos matices disco. [110] Algunos en los medios, en tonos de celebración, declararon que la música disco estaba muerta y el rock revivido. [110] Karen Mixon Cook , la primera DJ disco mujer, afirmó que la gente todavía hace una pausa cada 12 de julio para un momento de silencio en honor a la música disco. Dahl declaró en una entrevista de 2004 que la música disco "probablemente estaba de camino de desaparecer [en ese momento]. Pero creo que [Disco Demolition Night] aceleró su desaparición". [111]
El movimiento anti-disco, combinado con otros factores sociales y de la industria de la radio, cambió la cara de la radio pop en los años posteriores a Disco Demolition Night. A partir de la década de 1980, la música country comenzó a ascender lentamente en las listas de éxitos del pop. Un símbolo del ascenso de la música country a la popularidad general fue la película de éxito comercial de 1980 Urban Cowboy . La continua popularidad del power pop y el resurgimiento de los oldies a fines de la década de 1970 también estuvo relacionada con el declive de la música disco; la película Grease de 1978 fue emblemática de esta tendencia. Casualmente, la estrella de ambas películas fue John Travolta , quien en 1977 protagonizó Saturday Night Fever , que sigue siendo una de las películas disco más emblemáticas de la época.
Durante este período de declive en la popularidad de la música disco, varias compañías discográficas cerraron, se reorganizaron o se vendieron. En 1979, MCA Records compró ABC Records , absorbió a algunos de sus artistas y luego cerró el sello. Midsong International Records cesó sus operaciones en 1980. El fundador de RSO Records, Robert Stigwood, dejó el sello en 1981 y TK Records cerró el mismo año. Salsoul Records sigue existiendo en la década de 2000, pero se utiliza principalmente como una marca de reediciones. [112] Casablanca Records había estado lanzando menos discos en la década de 1980 y fue cerrada en 1986 por la empresa matriz PolyGram .
Many groups that were popular during the disco period subsequently struggled to maintain their success—even ones who tried to adapt to evolving musical tastes. The Bee Gees, for instance, had only one top-10 entry (1989's "One") and three more top-40 songs, even though numerous songs they wrote and had other artists perform were successful, and the band itself had largely abandoned disco in its 1980s and 1990s songs. Chic never hit the top-40 again after "Good Times" topped the chart in August 1979. Of the handful of groups not taken down by disco's fall from favor, Kool and the Gang, Donna Summer, the Jacksons, and Gloria Gaynor in particular—stand out. In spite of having helped define the disco sound early on,[113] they continued to make popular and danceable, if more refined, songs for yet another generation of music fans in the 1980s and beyond. Earth, Wind & Fire also survived the anti-disco trend and continued to produce successful singles at roughly the same pace for several more years, in addition to an even longer string of R&B chart hits that lasted into the 1990s.
Six months prior to Disco Demolition Night (in December 1978), popular progressive rock radio station WDAI (WLS-FM) had suddenly switched to an all-disco format, disenfranchising thousands of Chicago rock fans and leaving Dahl unemployed. WDAI, who survived the change of public sentiment and still had good ratings at this point, continued to play disco until it flipped to a short-lived hybrid Top 40/rock format in May 1980. Another disco outlet that competed against WDAI at the time, WGCI-FM, would later incorporate R&B and pop songs into the format, eventually evolving into an urban contemporary outlet that it continues with today. The latter also helped bring the Chicago house genre to the airwaves.[citation needed]
Factors that have been cited as leading to the decline of disco in the United States include economic and political changes at the end of the 1970s, as well as burnout from the hedonistic lifestyles led by participants.[114] In the years since Disco Demolition Night, some social critics have described the "Disco sucks" movement as implicitly macho and bigoted, and an attack on non-white and non-heterosexual cultures.[99][103][109] It was also interpreted being part of a wider cultural "backlash", the move towards conservatism,[115] that also made its way into US politics with the election of conservative president Ronald Reagan in 1980, which also led to Republican control of the United States Senate for the first time since 1954, plus the subsequent rise of the Religious Right around the same time.
In January 1979, rock critic Robert Christgau argued that homophobia, and most likely racism, were reasons behind the movement,[102] a conclusion seconded by John Rockwell. Craig Werner wrote: "The Anti-disco movement represented an unholy alliance of funkateers and feminists, progressives, and puritans, rockers and reactionaries. Nonetheless, the attacks on disco gave respectable voice to the ugliest kinds of unacknowledged racism, sexism and homophobia."[116] Legs McNeil, founder of the fanzine Punk, was quoted in an interview as saying, "the hippies always wanted to be black. We were going, 'fuck the blues, fuck the black experience.'" He also said that disco was the result of an "unholy" union between homosexuals and blacks.[117]
Steve Dahl, who had spearheaded Disco Demolition Night, denied any racist or homophobic undertones to the promotion, saying, "It's really easy to look at it historically, from this perspective, and attach all those things to it. But we weren't thinking like that,"[103] it was "just kids pissing on a musical genre".[118] It has been noted that British punk rock critics of disco were very supportive of the pro-black/anti-racist reggae genre as well as the more pro-gay new romantics movement.[99] Christgau and Jim Testa have said that there were legitimate artistic reasons for being critical of disco.[102][106]
In 1979, the music industry in the United States underwent its worst slump in decades, and disco, despite its mass popularity, was blamed. The producer-oriented sound was having difficulty mixing well with the industry's artist-oriented marketing system.[119] Harold Childs, senior vice president at A&M Records, reportedly told the Los Angeles Times that "radio is really desperate for rock product" and "they're all looking for some white rock-n-roll".[109] Gloria Gaynor argued that the music industry supported the destruction of disco because rock music producers were losing money and rock musicians were losing the spotlight.[120]
Disco was instrumental in the development of electronic dance music genres like house, techno, and eurodance. The Eurodisco song I Feel Love, produced by Giorgio Moroder for Donna Summer in 1976, has been described as a milestone and blueprint for electronic dance music because it was the first to combine repetitive synthesizer loops with a continuous four-on-the-floor bass drum and an off-beat hi-hat, which would become a main feature of techno and house ten years later.[78][79][121]
During the first years of the 1980s, the traditional disco sound characterized by complex arrangements performed by large ensembles of studio session musicians (including a horn section and an orchestral string section) began to be phased out, and faster tempos and synthesized effects, accompanied by guitar and simplified backgrounds, moved dance music toward electronic and pop genres, starting with hi-NRG. Despite its decline in popularity, so-called club music and European-style disco remained relatively successful in the early-to-mid 1980s with songs like Aneka's "Japanese Boy", The Weather Girls's "It's Raining Men", Stacey Q's "Two of Hearts", Dead or Alive's "You Spin Me Round (Like a Record)", Laura Branigan's "Self Control", and Baltimora's "Tarzan Boy". However, a revival of the traditional-style disco called nu-disco has been popular since the 1990s.
House music displayed a strong disco influence, which is why house music, regarding its enormous success in shaping electronic dance music and contemporary club culture, is often described being "disco's revenge."[122] Early house music was generally dance-based music characterized by repetitive four-on-the-floor beats, rhythms mainly provided by drum machines,[123] off-beat hi-hat cymbals, and synthesized basslines. While house displayed several characteristics similar to disco music, it was more electronic and minimalist,[123] and the repetitive rhythm of house was more important than the song itself. As well, house did not use the lush string sections that were a key part of the disco sound.
The rising popularity of disco came in tandem with developments in the role of the DJ. DJing developed from the use of multiple record turntables and DJ mixers to create a continuous, seamless mix of songs, with one song transitioning to another with no break in the music to interrupt the dancing. The resulting DJ mix differed from previous forms of dance music in the 1960s, which were oriented towards live performances by musicians. It, in turn, affected the arrangement of dance music, since songs in the disco era typically contained beginnings and endings marked by a simple beat or riff that could be easily used to transition to a new song. The development of DJing was also influenced by new turntablism techniques, such as beatmatching and scratching, a process facilitated by the introduction of new turntable technologies such as the Technics SL-1200 MK 2, first sold in 1978, which had a precise variable pitch control and a direct drive motor. DJs were often avid record collectors, who would hunt through used record stores for obscure soul records and vintage funk recordings. DJs helped to introduce rare records and new artists to club audiences.
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In the 1970s, individual DJs became more prominent, and some DJs, such as Larry Levan, the resident at Paradise Garage, Jim Burgess, Tee Scott, and Francis Grasso became famous in the disco scene. Levan, for example, developed a cult following among clubgoers, who referred to his DJ sets as "Saturday Mass". Some DJs would use reel-to-reel tape recorders to make remixes and tape edits of songs. Some DJs who were making remixes made the transition from the DJ booth to becoming a record producer, notably Burgess. Scott developed several innovations. He was the first disco DJ to use three turntables as sound sources, the first to simultaneously play two beat-matched records, the first to use electronic effects units in his mixes, and he was an innovator in mixing dialogue in from well-known movies, typically over a percussion break. These mixing techniques were also applied to radio DJs, such as Ted Currier of WKTU and WBLS. Grasso is particularly notable for taking the DJ "profession out of servitude and [making] the DJ the musical head chef."[124] Once he entered the scene, the DJ was no longer responsible for waiting on the crowd hand and foot, meeting their every song request. Instead, with increased agency and visibility, the DJ was now able to use their own technical and creative skills to whip up a nightly special of innovative mixes, refining their personal sound and aesthetic, and building their own reputation.[125]
The post-disco sound and genres associated with it originated in the 1970s and early 1980s with R&B and post-punk musicians focusing on a more electronic and experimental side of disco, spawning boogie, Italo disco, and alternative dance. Drawing from a diverse range of non-disco influences and techniques, such as the "one-man band" style of Kashif and Stevie Wonder and alternative approaches of Parliament-Funkadelic, it was driven by synthesizers, keyboards, and drum machines. Post-disco acts include D. Train, Patrice Rushen, ESG, Bill Laswell, Arthur Russell. Post-disco had an important influence on dance-pop and was bridging classical disco and later forms of electronic dance music.[126]
The disco sound had a strong influence on early hip hop. Most of the early hip-hop songs were created by isolating existing disco bass guitar lines and dubbing over them with MC rhymes. The Sugarhill Gang used Chic's "Good Times" as the foundation for their 1979 song "Rapper's Delight", generally considered to be the song that first popularized rap music in the United States and around the world.
With synthesizers and Krautrock influences that replaced the previous disco foundation, a new genre was born when Afrika Bambaataa released the single "Planet Rock", spawning a hip hop electronic dance trend that includes songs such as Planet Patrol's "Play at Your Own Risk" (1982), C-Bank's "One More Shot" (1982), Cerrone's "Club Underworld" (1984), Shannon's "Let the Music Play" (1983), Freeez's "I.O.U." (1983), Midnight Star's "Freak-a-Zoid" (1983), and Chaka Khan's "I Feel For You" (1984).
House music is a genre of electronic dance music that originated in Chicago in the early 1980s (also see: Chicago house). It quickly spread to other American cities such as Detroit, where it developed into the harder and more industrial techno, New York City (also see: garage house), and Newark – all of which developed their own regional scenes.
In the mid-to-late 1980s, house music became popular in Europe as well as major cities in South America and Australia.[127] Early house music commercial success in Europe saw songs such as "Pump Up The Volume" by MARRS (1987), "House Nation" by House Master Boyz and the Rude Boy of House (1987), "Theme from S'Express" by S'Express (1988) and "Doctorin' the House" by Coldcut (1988) in the pop charts. Since the early to mid-1990s, house music has been infused in mainstream pop and dance music worldwide.
House music in the 2010s, while keeping several of these core elements, notably the prominent kick drum on every beat, varies widely in style and influence, ranging from the soulful and atmospheric deep house to the more aggressive acid house or the minimalist microhouse. House music has also fused with several other genres creating fusion subgenres,[123] such as euro house, tech house, electro house, and jump house.
In the late 1980s and early 1990s, rave culture began to emerge from the house and acid house scene.[128] Like house, it incorporated disco culture's same love of dance music played by DJs over powerful sound systems, recreational drug and club drug exploration, sexual promiscuity, and hedonism. Although disco culture started out underground, it eventually thrived in the mainstream by the late 1970s, and major labels commodified and packaged the music for mass consumption. In contrast, the rave culture started out underground and stayed (mostly) underground. In part, this was to avoid the animosity that was still surrounding disco and dance music. The rave scene also stayed underground to avoid law enforcement attention that was directed at the rave culture due to its use of secret, unauthorized warehouses for some dance events and its association with illegal club drugs like ecstasy.
The post-punk movement that originated in the late 1970s both supported punk rock's rule-breaking while rejecting its move back to raw rock music.[129] Post-punk's mantra of constantly moving forward lent itself to both openness to and experimentation with elements of disco and other styles.[129] Public Image Limited is considered the first post-punk group.[129] The group's second album Metal Box fully embraced the "studio as instrument" methodology of disco.[129] The group's founder John Lydon, the former lead singer for the Sex Pistols, told the press that disco was the only music he cared for at the time.
No wave was a subgenre of post-punk centered in New York City.[129] For shock value, James Chance, a notable member of the no wave scene, penned an article in the East Village Eye urging his readers to move uptown and get "trancin' with some superradioactive disco voodoo funk". His band James White and the Blacks wrote a disco album titled Off White.[129] Their performances resembled those of disco performers (horn section, dancers and so on).[129] In 1981 ZE Records led the transition from no wave into the more subtle mutant disco (post-disco/punk) genre.[129] Mutant disco acts such as Kid Creole and the Coconuts, Was Not Was, ESG and Liquid Liquid influenced several British post-punk acts such as New Order, Orange Juice and A Certain Ratio.[129]
Nu-disco is a 21st-century dance music genre associated with the renewed interest in 1970s and early 1980s disco,[130] mid-1980s Italo disco, and the synthesizer-heavy Euro disco aesthetics.[131] The moniker appeared in print as early as 2002, and by mid-2008 was used by record shops such as the online retailers Juno and Beatport.[132] These vendors often associate it with re-edits of original-era disco music, as well as with music from European producers who make dance music inspired by original-era American disco, electro, and other genres popular in the late 1970s and early 1980s. It is also used to describe the music on several American labels who were previously associated with the genres electroclash and French house.
In the 1990s, after a decade of backlash, disco and its legacy became more accepted by pop music artists and listeners alike, as more songs, films, and compilations were released that referenced disco. This was part of a wave of 1970s nostalgia that was taking place in popular culture at the time. Some commentators attributed the revival of the genre to frequent use of disco music in fashion shows.[133]
Examples of songs during this time that were influenced by disco included Deee-Lite's "Groove Is in the Heart" (1990), U2's "Lemon" (1993), Blur's "Girls & Boys" (1994) and "Entertain Me" (1995), Pulp's "Disco 2000" (1995), and Jamiroquai's "Canned Heat" (1999), while films such as Boogie Nights (1997) and The Last Days of Disco (1998) featured primarily disco soundtracks.
In the early 2000s, an updated genre of disco called "nu-disco" began breaking into the mainstream. A few examples like Daft Punk's "One More Time" and Kylie Minogue's "Love at First Sight" and "Can't Get You Out of My Head" became club favorites and commercial successes. Several nu-disco songs were crossovers with funky house, such as Spiller's "Groovejet (If This Ain't Love)" and Modjo's "Lady (Hear Me Tonight)", both songs sampling older disco songs and both reaching number one on the UK Singles Chart in 2000. Robbie Williams's disco single "Rock DJ" was the UK's fourth best-selling single the same year. Jamiroquai's song "Little L" and "Murder on the Dancefloor" by Sophie Ellis-Bextor were hits in 2001. Rock band Manic Street Preachers released a disco song, "Miss Europa Disco Dancer", in the same year. The song's disco influence, which appears on Know Your Enemy, was described as being "much-discussed".[134] In 2005, Madonna immersed herself in the disco music of the 1970s and released her album Confessions on a Dance Floor to rave reviews. One of the singles from the album, "Hung Up", which samples ABBA's 1979 song "Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)", became a major club staple. In addition to Madonna's disco-influenced attire to award shows and interviews, her Confessions Tour incorporated various elements of the 1970s, such as disco balls, a mirrored stage design, and the roller derby. In 2006, Jessica Simpson released her album A Public Affair inspired by disco and the 1980s music. The first single of the album, "A Public Affair", was reviewed as a disco-dancing competition influenced by Madonna's early works. The video of the song was filmed on a skating rink and features a line dance of hands.[135][136][137]
The success of the "nu-disco" revival of the early 2000s was described by music critic Tom Ewing as more interpersonal than the pop music of the 1990s: "The revival of disco within pop put a spotlight on something that had gone missing over the 90s: a sense of music not just for dancing, but for dancing with someone. Disco was a music of mutual attraction: cruising, flirtation, negotiation. Its dancefloor is a space for immediate pleasure, but also for promises kept and otherwise. It's a place where things start, but their resolution, let alone their meaning, is never clear. All of 2000s great disco number ones explore how to play this hand. Madison Avenue look to impose their will upon it, to set terms and roles. Spiller is less rigid. 'Groovejet' accepts the night's changeability, happily sells out certainty for an amused smile and a few great one-liners."[138]
In 2011, K-pop girl group T-ara released Roly-Poly as a part of their EP John Travolta Wannabe. The song accumulated over 4,000,000 units in digital downloads, which became the highest number of downloads for a K-pop girl group single on the Gaon Digital Chart in the 2010s. In 2013, with several 1970s-style disco and funk being released, the pop charts had more dance songs than at any other point since the late 1970s.[139] The biggest disco song of the year was "Get Lucky" by Daft Punk, featuring Nile Rodgers on guitar. Its parent album, Random Access Memories, ended up winning Album of the Year at the 2014 Grammys.[139][140] Other disco-styled songs that made it into the top 40 that year were Robin Thicke's "Blurred Lines" (number one), Justin Timberlake's "Take Back the Night" (number 29), Bruno Mars' "Treasure" (number five)[139][140] Arcade Fire's Reflektor featured strong disco elements. In 2014, disco music could be found in Lady Gaga's Artpop[141][142] and Katy Perry's "Birthday".[143] Other disco songs from 2014 include "I Want It All" By Karmin, 'Wrong Club" by the Ting Tings, "Blow" by Beyoncé and the William Orbit mix of "Let Me in Your Heart Again" by Queen.
In 2014 Brazilian Globo TV, the second biggest television network in the world, aired Boogie Oogie, a telenovela about the Disco Era that takes place between 1978 and 1979, from the hit fever to the decadence. The show's success was responsible for a Disco revival across the country, bringing back to the stage and to Brazilian record charts local disco divas like Lady Zu and As Frenéticas.[citation needed]
Top-10 entries from 2015 such as Mark Ronson's disco groove-infused "Uptown Funk", Maroon 5's "Sugar", the Weeknd's "Can't Feel My Face" and Jason Derulo's "Want To Want Me" also have a strong disco influence. Disco mogul and producer Giorgio Moroder also re-appeared in 2015 with his new album Déjà Vu, which proved to be a modest success. Other songs from 2015 like "I Don't Like It, I Love It" by Flo Rida, "Adventure of a Lifetime" by Coldplay, "Back Together" by Robin Thicke and "Levels" by Nick Jonas feature disco elements as well. In 2016, disco songs or disco-styled pop songs continued showing a strong presence on the music charts as a possible backlash to the 1980s-styled synthpop, electro house, and dubstep that had been dominating the charts up until then.[citation needed] Justin Timberlake's 2016 song "Can't Stop the Feeling!", which shows strong elements of disco, became the 26th song to debut at number-one on the Billboard Hot 100 in the history of the chart. The Martian, a 2015 film, extensively uses disco music as a soundtrack, although for the main character, astronaut Mark Watney, there's only one thing worse than being stranded on Mars: it's being stranded on Mars with nothing but disco music.[144] "Kill the Lights", featured on an episode of the HBO television series "Vinyl" (2016) and with Nile Rodgers' guitar licks, hit number one on the US Dance chart in July 2016.
In 2020, disco continued its mainstream popularity and became a prominent trend in popular music.[146][147] In early 2020, disco-influenced hits such as Doja Cat's "Say So", Lady Gaga's "Stupid Love", and Dua Lipa's "Don't Start Now" experienced widespread success on global music charts, charting at numbers 1, 5 and 2, respectively, on the US Billboard Hot 100 chart. At the time, Billboard, declared that Lipa was "leading the charge toward disco-influenced production" a day after her retro and disco-influenced album Future Nostalgia was released on March 27, 2020.[145][148] By the end of 2020, multiple disco albums had been released, including Adam Lambert's Velvet, Jessie Ware's What's Your Pleasure?, and Róisín Murphy's discothèque mixtape, Róisín Machine. In early September 2020, South Korean group BTS debuted at number 1 in the US with their English–language disco single "Dynamite" having sold 265,000 downloads in its first week in the US, marking the biggest pure sales week since Taylor Swift's "Look What You Made Me Do" (2017).[149]
In July 2020, Australian singer Kylie Minogue announced she would be releasing her fifteenth studio album, Disco, on November 6, 2020. The album was preceded by two singles. The lead single, "Say Something", was released on July 23 and premiered on BBC Radio 2;[150] the second single, "Magic", was released on September 24.[151] Both singles received critical acclaim, with critics praising Minogue for returning to disco roots, which were prominent in her albums Light Years (2000), Fever (2001), and Aphrodite (2010).
As disco waned in the late 70s, so did Chic's album sales. But its influence lingered on as new wave, rap and dance-pop bands found inspiration in Chic's club anthems
Keep On Truckin'," the first disco record ever to hit #1...Eddie Kendricks "Keep On Truckin'
shaft disco.
In November 1974, WPIX FM launched the world's first disco radio show, "Disco 102", hosted by Steve Andrews for 4 hours every Saturday night.
Biggest selling singles discs.
Around 1986/7, after the initial explosion of house music in Chicago, it became clear that the major recording companies and media institutions were reluctant to market this genre of music, associated with gay African Americans, on a mainstream level. House artists turned to Europe, chiefly London but also cities such as Amsterdam, Berlin, Manchester, Milan, Zurich, and Tel Aviv. ... A third axis leads to Japan where, since the late 1980s, New York club DJs have had the opportunity to play guest-spots.
Beatport is launching a new landing page, dedicated solely to the genres of "nu disco" and "indie dance". ... Nu Disco is everything that springs from the late '70s and early '80s (electronic) disco, boogie, cosmic, Balearic and Italo disco continuum ...
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