Las mujeres en la música desempeñan muchos papeles y hacen una amplia gama de contribuciones. Las mujeres dan forma a los movimientos, géneros y tendencias musicales como compositoras , letristas , intérpretes instrumentales , cantantes, directoras y educadoras musicales . La música de mujeres , creada por y para mujeres, puede explorar los derechos de las mujeres y el feminismo . Las mujeres en la música impactan e influyen en la creatividad, el activismo y la cultura.
En el siglo XXI, una proporción significativa de cantantes de música popular y clásica son mujeres, y una proporción significativa son compositoras (muchas de ellas cantautoras ). A pesar de esto, pocas productoras discográficas, críticas de rock o instrumentistas de rock son mujeres.
Las artistas femeninas en la música pop, ejemplificadas por figuras como Madonna , Billie Eilish y Lady Gaga , han abordado abiertamente el tema del sexismo dentro de la industria musical . [1] [2] [3] Un estudio de 2021 afirmó que "... durante los últimos seis años, la representación de las mujeres en la industria musical ha sido incluso menor". [4] [5] A pesar de sus contribuciones sustanciales (desde el período medieval hasta la actualidad), las compositoras están significativamente subrepresentadas en el repertorio de música clásica comúnmente interpretado , los libros de texto de historia de la música y las enciclopedias musicales. Por ejemplo, en la Concise Oxford History of Music , una de las únicas compositoras mencionadas es Clara Schumann .
Si bien las mujeres constituyen una proporción significativa de solistas instrumentales en la música clásica y el porcentaje de mujeres en las orquestas está aumentando, un artículo de 2015 sobre solistas de concierto en las principales orquestas canadienses indicó que el 84% de los solistas de la Orquesta Sinfónica de Montreal eran hombres. En 2012, las mujeres representaban solo el 6% de la orquesta Filarmónica de Viena de primer nivel . No muchas mujeres son intérpretes instrumentales en géneros musicales populares como el rock y el heavy metal . Las mujeres están particularmente subrepresentadas en los géneros de metal extremo . [6] : 103 Sin embargo, ha habido varias instrumentistas y cantantes femeninas en bandas exclusivamente femeninas .
Las mujeres también están subrepresentadas en la dirección de orquesta, la crítica musical, el periodismo musical, la producción musical y la ingeniería de sonido . Si bien en el siglo XIX se desalentaba a las mujeres a componer y había pocas mujeres musicólogas , sí se involucraron en la educación musical "hasta tal punto que las mujeres dominaron [este campo] durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". [7]
Según Jessica Duchen , escritora musical del periódico londinense The Independent , las mujeres músicas en la música clásica son "demasiado a menudo juzgadas por su apariencia, en lugar de su talento" y enfrentan presión "para lucir sexys en el escenario y en las fotos". [8] Duchen afirma que si bien "hay mujeres músicas que se niegan a jugar con su apariencia... las que lo hacen tienden a tener más éxito material". [8] Según la editora de Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, la industria de la música ha estado abierta durante mucho tiempo a tener mujeres en roles de interpretación o entretenimiento, pero es mucho menos probable que las mujeres tengan posiciones de autoridad, como ser directora de una orquesta , [9] una profesión que ha sido llamada "uno de los últimos techos de cristal en la industria de la música ". [10]
En la música popular, si bien hay muchas cantantes mujeres grabando canciones, hay muy pocas mujeres detrás de la consola de audio que actúen como productoras musicales, las personas que dirigen y gestionan el proceso de grabación. [11] Una de las artistas más grabadas es una mujer, Asha Bhosle , una cantante india que es mejor conocida como cantante de playback en el cine hindi. [12]
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La musicóloga estadounidense Marcia Citron se ha preguntado "¿por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal en el repertorio 'clásico' estándar?" [13] Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las mujeres compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Sostiene que en el siglo XIX, las mujeres compositoras solían escribir canciones de arte para su interpretación en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en una gran sala, y que estas últimas obras se consideraban el género más importante para los compositores; dado que las mujeres compositoras no escribieron muchas sinfonías, se las consideraba poco notables como compositoras. [13]
Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido muchas dificultades para abrirse paso y obtener el reconocimiento que merecen". [14] Durante la época medieval, la mayor parte de la música artística se creó con fines litúrgicos (religiosos) y, debido a las opiniones sobre el papel de las mujeres que tenían los líderes religiosos, pocas mujeres compusieron este tipo de música, siendo la monja Hildegard von Bingen una de las excepciones. [15] La mayoría de los libros de texto universitarios sobre la historia de la música tratan casi exclusivamente del papel de los compositores masculinos, mientras que muy pocas obras de compositoras forman parte del repertorio estándar de la música clásica. En la Concise Oxford History of Music , Clara Schumann es una de las únicas compositoras mencionadas. [14] Philips afirma que "durante el siglo XX, las mujeres que componían/tocaban ganaron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". [14]
Hildegard von Bingen (1098-1179) fue una abadesa benedictina alemana , compositora, escritora, filósofa y visionaria . [16] Una de sus obras como escritora y compositora, el Ordo Virtutum , es un ejemplo temprano de drama litúrgico y una obra moral temprana . [17] Algunos escritores han especulado sobre un origen lejano de la ópera en esta pieza, aunque sin ninguna evidencia. [18] [19] Sobreviven setenta y siete secuencias, cada una con su propio texto poético original. [20] Este es uno de los repertorios más grandes entre los compositores medievales. Hildegard compuso muchas canciones litúrgicas que se recopilaron en un ciclo llamado Symphonia armoniae celestium revealedum . Las canciones de la Sinfonía están ambientadas en el propio texto de Hildegard y van desde antífonas , himnos y secuencias hasta responsorios . [21] Su música se describe como monofónica , [22] utilizando melodías elevadas que empujaron los límites del canto gregoriano más tradicional .
Maddalena Casulana (1544-1590) fue una compositora, laudista y cantante italiana. [23] Su primera obra data de 1566: cuatro madrigales en una colección, Il Desiderio , que produjo en Florencia . Dos años más tarde, en Venecia, publicó su primer libro de madrigales para cuatro voces, Il primo libro di madrigali , que es la primera obra impresa y publicada por una mujer en la historia de la música occidental. [24] Era cercana a Isabel de Médici y le dedicó parte de su música. En 1570, 1583 y 1586 publicó otros libros de madrigales. En la dedicatoria a su primer libro de madrigales, muestra sus sentimientos sobre ser una compositora en una época en la que esto era poco común: "[Quiero] mostrar al mundo, tanto como pueda en esta profesión de la música, el vano error de los hombres de que solo ellos poseen los dones del intelecto y el arte, y que tales dones nunca se dan a las mujeres". Su estilo es contrapuntístico y cromático y sus líneas melódicas son cantables y atentas al texto. Otros compositores de la época, como Philippe de Monte , la tenían en gran estima.
Caterina Assandra (1590-1618) fue una compositora italiana y monja benedictina . Se hizo famosa como organista y publicó varias obras. [25] [26] Assandra compuso varios motetes y piezas para órgano. Estudió contrapunto con Benedetto Re, uno de los principales maestros de la época, en la Catedral de Pavía . Compuso una colección de motetes en el nuevo estilo concertato en Milán en 1609, una Salve Regina imitativa a ocho voces en 1611 y un motete , Audite verbum Dominum , para cuatro voces en 1618. Compuso tanto piezas tradicionales como obras más innovadoras. Entre estas últimas se encuentra Duo seraphim . Su motete O Salutaris hodie , incluido en Motetti op. 2, fue una de las primeras piezas en incluir el violone , un instrumento de cuerda frotada.
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Francesca Caccini (1587-1641) fue una compositora, cantante, laudista , poeta y profesora de música italiana. Su interpretación en la boda de Enrique IV de Francia y María de Médici en 1600 fue elogiada por Enrique, quien la llamó la «mejor cantante de toda Francia». [27] Trabajó en la corte de los Médici como profesora, cantante de cámara, entrenadora de ensayos y compositora de música de cámara y de teatro hasta 1627. En 1614 era la música mejor pagada de la corte, porque su virtuosismo musical ejemplificaba muy bien la idea de excelencia femenina proyectada por la regente de facto de Toscana, la gran duquesa Cristina de Lorena . La mayor parte de su música escénica fue compuesta para su interpretación en comedias. En 1618 publicó una colección de treinta y seis canciones solistas y dúos de soprano y bajo. En 1625 compuso un «ballet de comedia» de 75 minutos. En total, escribió dieciséis obras escénicas. Fue una maestra de la sorpresa armónica dramática: en su música, los cambios de armonía, más que el contrapunto, son los que comunican las emociones con mayor fuerza.
Barbara Strozzi (1619-1677) fue una compositora y cantante barroca italiana . De niña, mostró su considerable talento vocal a un público amplio. También tenía talento para la composición y su padre hizo arreglos para que estudiara con el compositor Francesco Cavalli . Se decía que Strozzi era «el compositor más prolífico, hombre o mujer, de música vocal secular impresa en Venecia a mediados de siglo». [28] Su producción también es única en el sentido de que solo contiene música vocal secular, con la excepción de un volumen de canciones sacras. [29] Era famosa por su habilidad poética, así como por su talento compositivo. Sus letras eran a menudo poéticas y bien articuladas. [28] Casi tres cuartas partes de sus obras impresas fueron escritas para la voz de soprano , pero también publicó obras para otras voces. [30] Sus composiciones están firmemente arraigadas en la tradición de la seconda pratica . La música de Strozzi evoca el espíritu de Cavalli , heredero de Monteverdi . Su estilo, sin embargo, es más lírico y depende más del puro sonido vocal. [31] Muchos de los textos de sus primeras piezas fueron escritos por su padre Giulio. Los textos posteriores fueron escritos por los colegas de su padre, pero ella escribió sus propios textos para muchas de sus composiciones.
Élisabeth Jacquet de La Guerre (1665-1729) fue una compositora, música y clavecinista francesa . Nació en una familia de músicos y maestros fabricantes de instrumentos. Una niña prodigio, tocó el clavicémbalo frente al rey Luis XIV . Se convirtió en músico en la Corte Real: enseñó, compuso y dio conciertos en su casa y en todo París, con gran éxito. [32] Fue una de las pocas compositoras conocidas de su tiempo y, a diferencia de muchas de sus contemporáneas, compuso en una amplia variedad de formas. [33] Su talento y logros fueron reconocidos por Titon du Tillet , quien le otorgó un lugar en su Monte Parnaso cuando tenía solo 26 años, junto a Lalande y Marais y directamente debajo de Lully. Sus obras incluyen un ballet, una ópera ( Céphale et Procris ), sonatas en trío , piezas para clave, Sonates pour le viollon et pour le clavecin y obras vocales como sus Cantates françoises sur des sujets tirez de l'Ecriture .
Harriett Abrams (1758-1821) fue una compositora y soprano inglesa . Como cantante, fue elogiada por sus interpretaciones de George Frideric Handel . Estudió canto, teoría musical y composición con el compositor Thomas Arne antes de debutar en la ópera en 1775 en el Theatre Royal, Drury Lane en Londres. Abrams se convirtió en cantante principal en los conciertos de moda de Londres y festivales provinciales, apareciendo regularmente entre 1780 y 1790. Abrams compuso varias canciones, dos de las cuales, "The Orphan's Prayer" y "Crazy Jane", se hicieron populares. Publicó dos conjuntos de canzonetas italianas e inglesas , una colección de canciones escocesas y glees armonizados para dos y tres voces, y más de una docena de canciones, principalmente baladas sentimentales . Una colección de canciones publicada en 1803 fue dedicada por Harriett a la reina Carlota . [34]
Maria Teresa Agnesi (1720-1795) fue una compositora italiana. Aunque fue más famosa por sus composiciones, también fue una consumada clavecinista y cantante. La mayoría de sus composiciones supervivientes fueron escritas para teclado, voz o ambos. Su carrera fue posible gracias a la Lombardía austríaca, que era progresista e ilustrada en materia de derechos de la mujer . Su mecenas fue María Teresa , emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico y soberana de Lombardía, y María Antonia Walpurgis , una talentosa compositora y contemporánea. Sus primeras obras son sencillas y limpias, mientras que sus obras posteriores son más virtuosas, complejas y melodramáticas. Compuso óperas, incluyendo dramas heroicos y estilos de drama serio. También escribió arias, conciertos y sonatas para teclado, pequeño conjunto y voz.
La princesa Ana Amalia (1723-1787) fue una compositora y curadora de partituras prusiana. Aprendió a tocar el clavicémbalo, la flauta y el violín cuando era joven. Se convirtió en abadesa de Quedlinburg en 1755. [35] Pasó la mayor parte de su tiempo en Berlín, donde se dedicó a la música y se convirtió en mecenas y compositora musical. Como compositora, alcanzó una modesta fama y es más conocida por sus obras de cámara más pequeñas, que incluían tríos, marchas, cantatas, canciones y fugas. En 1758, estudió teoría musical y composición con Johann Philipp Kirnberger , un estudiante de Johann Sebastian Bach . Compuso música de cámara como sonatas para flauta. Además, puso música al texto de la cantata Pasión de Ramler Der Tod Jesu ('La muerte de Jesús'). También fue coleccionista de música, conservando más de 600 volúmenes de obras de Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel , Georg Philipp Telemann , Karl Heinrich Graun y Carl Philipp Emanuel Bach , entre otros. Sus trabajos de conservación son una importante contribución a la cultura occidental .
Elisabeth Olin (1740-1828) fue una cantante y compositora de ópera sueca. Debutó como Alfhild en Syrinx , considerada la primera opéra comique nativa de Suecia , en Bollhuset en 1747. Se convirtió en una famosa vocalista en los conciertos públicos regulares en Riddarhuset en Estocolmo y publicó sus propias composiciones; fue una de las compositoras suecas que escribió una composición para la colección Gustaviade. En hjältedikt i tolv sånger ('Gustaviade. Un poema heroico de doce canciones') de 1768; donde escribió la composición número ocho. [36] En la presentación inaugural y fundación de la Ópera Real Sueca el 18 de enero de 1773, cantó el papel de la diosa del mar Tetis en la ópera Thetis och Pélée de Francesco Uttini . [37] Siguió siendo la primadonna de la ópera sueca durante una década. En 1773, se convirtió en la primera mujer a la que se le concedió el título de Hovsångare , y en 1782, fue incluida como la primera mujer miembro de la Real Academia Sueca de Música . [36]
Henriette Adélaïde Villard de Beaumesnil (1748-1813) fue una compositora y cantante de ópera francesa . Comenzó a trabajar en papeles cómicos menores desde los siete años y debutó como solista en la Ópera de París en 1766. [38] [39] Fue la segunda mujer en tener una composición interpretada en la Ópera de París. [40] Anteriormente, la Ópera de París había puesto en escena la tragédie-lyrique Céphale et Procris de Élisabeth Jacquet de La Guerre , en 1694. Anacréon , su primera ópera, recibió una representación privada en la residencia del conde de Provenza en 1781. En 1784, su ópera Tibulle et Délie se representó en la Ópera de París. En 1792, su opéra comique de dos actos , Plaire, c'est commander, se representó en el Théâtre Montansier .
Anna Bon (1739-1767) fue una compositora e intérprete italiana. Asistió al Ospedale della Pietà en Venecia, donde estudió con la maestra de viola Candida della Pièta. [41] Ocupó el nuevo puesto de « virtuosa de la música de cámara » en la corte del margrave Federico de Brandeburgo Kulmbach . Dedicó sus seis sonatas para flauta op. 1, publicadas en Núremberg en 1756, a Federico. [41] En 1762 se trasladó a la corte de Esterházy en Eisenstadt , donde permaneció hasta 1765. Dedicó el conjunto publicado de seis sonatas para clave , op. 2 (1757), a Ernestina Augusta Sofía, princesa de Sajonia-Weimar , y el conjunto de seis divertimenti ( sonatas en trío ), op. 3 (1759), a Carlos Teodoro, elector de Baviera . [42] También escribió seis divertimentos para dos flautas y bajo continuo ; un aria, " Astra coeli ", para soprano, dos violines, viola y bajo continuo; un ofertorio, " Ardete amore ", para cantantes, instrumentos y bajo continuo; un motete, " Eia in preces et veloces ", para alto, dos violines, viola y bajo continuo y una ópera.
Jane Mary Guest (1762-1846) fue una compositora y pianista inglesa. Alumna de Johann Christian Bach , e inicialmente componiendo en el estilo galante , [43] compuso sonatas para teclado , otras obras para teclado y obras vocales con acompañamiento de teclado. [44] Fue profesora de piano de la princesa Amelia y la princesa Carlota de Gales . [45] Actuó en Londres desde 1779, dando conciertos de abono allí en 1783/84. [43] Era conocida por su estilo expresivo de tocar. [43] En esta época publicó sus Seis sonatas, Op. 1, que obtuvieron numerosas suscripciones, [46] incluso de la realeza, y que también se publicaron en París en 1784 y Berlín en 1785. [45] Además de sus sonatas para teclado, también compuso otras piezas para teclado, como su Introducción y Marcha de Ricciardo e Zoraide (1820) de Rossini y varias canciones con acompañamiento de teclado.
Marianne von Martínez (1744-1812) fue una compositora, cantante y pianista austriaca. Metastasio notó su talento precoz y llegó a supervisar su educación musical, que incluyó lecciones de teclado de Haydn , lecciones de canto con Porpora y lecciones de composición con Johann Adolph Hasse y el compositor de la corte imperial Giuseppe Bonno . Hablaba tanto italiano como alemán y sabía francés e inglés. [47] De niña, tocó para la corte imperial, donde "atrajo la atención con su hermosa voz y su forma de tocar el teclado". [48] De adulta, se le pidió con frecuencia que actuara ante la emperatriz María Teresa . [47] Varias de las obras que compuso Marianna están adaptadas para voz solista. Escribió varias cantatas profanas y dos oratorios con textos italianos. Las composiciones que sobreviven incluyen cuatro misas , seis motetes y tres letanías para coro. Escribió en estilo italiano, como era típico en el período clásico temprano en Viena. Su forma de interpretar el clavecín se comparó con el estilo de C. P. E. Bach . Su oratorio italiano Isacco figura del redentore fue estrenado por un gran número de espectadores en 1782. [49]
Maria Szymanowska (1789-1831) fue una reconocida compositora y pianista polaca. Escribió en muchos de los mismos géneros que su compatriota polaco Frederic Chopin (1810-1849). Szymanowska mantuvo vínculos con varias personas famosas del siglo XIX, entre ellas Gioacchino Rossini , Johann Wolfgang von Goethe y Adam Mickiewicz , el poeta más importante de Polonia.
Fanny Mendelssohn (1805-1847) fue una de las compositoras más conocidas del siglo XIX. Demostró una habilidad musical prodigiosa cuando era niña y comenzó a escribir música. Aunque los visitantes famosos de su casa familiar estaban igualmente impresionados por Fanny y su hermano Felix Mendelssohn , Fanny estaba limitada por las actitudes predominantes de la época hacia las mujeres. Su padre era tolerante, en lugar de apoyar, sus actividades como compositora. Su padre le escribió en 1820, diciéndole que "[l]a música tal vez se convierta en su [es decir, la de Felix] profesión, mientras que para ti puede y debe ser solo un adorno [en tu vida]". [50] Felix le advirtió que no publicara sus obras bajo su propio nombre y que buscara una carrera en la música. Escribió:
Por lo que sé de Fanny, diría que no tiene ni inclinación ni vocación por la escritura musical. Es demasiado mujer para eso. Es dueña de su casa y no piensa en el público ni en el mundo musical, ni siquiera en la música, hasta que cumple con sus primeros deberes. La publicación sólo la molestaría en estos aspectos, y no puedo decir que lo apruebe. [51]
Clara Schumann (1819-1896) fue una compositora y concertista de piano alemana que tuvo una carrera de 61 años, que cambió el formato y el repertorio del recital de piano y los gustos del público oyente. Desde temprana edad, recibió una lección de una hora de piano, violín, canto, teoría, armonía, composición y contrapunto. En 1830, a la edad de once años, se había convertido en una solista virtuosa y se fue de gira por ciudades europeas. A fines de la década de 1830, actuó ante multitudes que llenaron las salas y recibió críticas elogiosas. Frédéric Chopin describió su forma de tocar a Franz Liszt , quien fue a escuchar uno de sus conciertos y posteriormente la "elogiaba extravagantemente" en una carta que se publicó en la Revue et Gazette Musicale parisina . [52] Fue nombrada Königliche und Kaiserliche Kammervirtuosin ("Virtuosa de la Cámara Real e Imperial"), el mayor honor musical de Austria . [52]
También contribuyó decisivamente a cambiar el tipo de programas que se esperaba de los pianistas de concierto. En su carrera temprana, antes de casarse con Robert Schumann , tocaba lo que entonces era habitual, principalmente piezas de bravura diseñadas para mostrar la técnica del artista, a menudo en forma de arreglos o variaciones sobre temas populares de óperas, escritas por virtuosos como Thalberg, Herz o Henselt. Como también era costumbre tocar composiciones propias, incluyó al menos una de sus obras en cada programa, obras como sus Variaciones sobre un tema de Bellini (Op. 8) y su popular Scherzo (Op. 10). Sus obras incluyen canciones, piezas para piano, un concierto para piano, un trío para piano , piezas corales y tres Romanzas para violín y piano.
Katherine Hoover (1937–2018) estudió música en la Universidad de Rochester y la Escuela de Música Eastman, donde obtuvo un Certificado de Interpretación en Flauta y una Licenciatura en Música en Teoría de la Música en 1959. [53] Comenzó a publicar obras profesionales en 1965, con su Dueto para dos violines . Hoover fue la ganadora del Concurso de Música Recién Publicada de la Asociación Nacional de Flauta dos veces, primero en 1987 con su pieza Medieval Suite y segundo en 1991 con su pieza Kokopelli para flauta solista. Estas piezas utilizan muchas técnicas extendidas para flauta, como el pitch bending. Muchas de sus obras han sido grabadas por músicos de renombre e interpretadas en el Carnegie Hall. [54] : 252–253
Joan Tower (nacida en 1938) escribió su pieza de 1976 Black Topaz , que presenta muchas melodías y armonías tonales. [55] : 134 Recibió su título de Doctora en Artes Musicales en composición de la Universidad de Columbia en 1978. Fue comisionada en 1979 por la American Composers Orchestra , lo que resultó en su primera obra orquestal, Sequoia . Esta ha sido interpretada por numerosas orquestas en todo el mundo. De 1985 a 1988, Tower fue la compositora residente de la Sinfónica de San Luis . En 1990 fue la primera mujer en ganar el Premio Grawemeyer de Composición Musical , que incluía un premio de $ 150,000. Desde entonces, Tower ha sido la compositora residente en numerosos festivales de música, incluido el Festival de Música de Cámara de Norfolk y el Festival de Música Contemporánea de Tanglewood. Tower ha sido profesora de música en el Bard College de Nueva York desde 1982 y está considerada una de las compositoras más influyentes del siglo XX. [54] : 278–280
Ellen Taaffe Zwilich (nacida en 1939) recibió su doctorado en composición de Juilliard y fue la primera mujer en lograrlo. El mismo año, ganó una medalla de oro en el Concurso Internacional de Composición en Italia. En 1983, Zwilich hizo historia nuevamente, convirtiéndose en la primera mujer en ganar el Premio Pulitzer de Música por su Sinfonía n.º 1. Desde este éxito, ha recibido muchos encargos. Su pieza Millennium ha sido interpretada por veintisiete orquestas desde su estreno en 2000. Ha sido profesora de música Francis Eppes en la Universidad Estatal de Florida desde 1999. [54] : 288–290 Se sabe que Zwilich tiene una "voz milenial ecléctica" en sus composiciones, utilizando un diseño claro y timbres ricos. Aunque su música era originalmente muy disonante e influenciada por la Segunda Escuela Vienesa , su estilo se volvió más emocional después de la muerte de su esposo. [55] : 179
Libby Larsen (nacida en 1950) obtuvo su maestría en música en 1975 en la Universidad de Minnesota y su doctorado en la misma escuela en 1978. En 1973 cofundó el Foro de Compositores de Minnesota, ahora conocido como el Foro de Compositores Estadounidenses . [56] Larsen fue compositora residente en la Orquesta de Minnesota de 1983 a 1987. Larsen compuso más de 220 obras, que incluyen repertorio para orquesta, danza, ópera, coral, teatro, cámara y solista. Sus piezas se han interpretado en Estados Unidos y Europa. Larsen es una firme defensora de la música contemporánea y de las mujeres músicas, y ganó un premio Grammy por su CD The Art of Arleen Auger en 1994. Larsen ganó el premio a la trayectoria de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 2000 y publicó su libro The Concert Hall That Fell Asleep and Woke Up as a Car Radio en 2007. [55] : 242–253 [54] : 256–258
Jennifer Higdon (nacida en 1962) obtuvo una maestría y un doctorado en la Universidad de Filadelfia en 1994. Higdon ha recibido premios de la Fundación Guggenheim, la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, la Liga Internacional de Mujeres Compositoras y otros. Su obra de 1996 Shine fue nombrada Mejor Pieza Contemporánea por USA Today . [54] : 252–253 De las muchas piezas de Higdon, Blue Cathedral es la que se interpreta con más frecuencia. En 2010, Higdon ganó el premio Grammy a la Mejor Composición Clásica Contemporánea por su Concierto para Percusión . También en 2010 ganó el Premio Pulitzer de Música por su composición Concierto para Violín , estrenada por Hilary Hahn. [57]
A continuación se enumeran otras compositoras. Algunas también son intérpretes (por ejemplo, Agnes Tyrrell , Amy Beach y Verdina Shlonsky fueron pianistas destacadas). Para obtener una lista completa, consulte Lista de compositoras por año de nacimiento .
[C]omo la mayoría de los aspectos del... negocio de la música [en los años 60], la composición de canciones era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres... eran vistas principalmente como consumidoras:... Cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no se hacía... [y las mujeres] no estaban socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música].
Erika Abrams en Rebeat , 28 de enero de 2015
Un compositor es una persona que escribe las letras , melodías y progresiones de acordes de las canciones, generalmente de un género musical popular como el pop, el rock o la música country . A un compositor también se le puede llamar compositor, aunque este último término suele utilizarse principalmente para personas del género de la música clásica.
Un coautor puede ayudar a un compositor a equilibrar sus propias fortalezas y deficiencias al especializarse en un área en particular, como las letras o los arreglos. Muchas de las 40 mejores canciones que se escuchan constantemente en sitios de transmisión como Spotify o Pandora están escritas por compositores experimentados que luego ofrecen su melodía a talentos de primer nivel para su grabación. No todos los compositores son cantantes.
"Solo unas pocas de las muchas mujeres [compositoras] en Estados Unidos tuvieron su música publicada y escuchada durante finales del siglo XIX y principios del XX". [7] Según Richard A. Reublin y Richard G. Beil, la "falta de mención de las mujeres [compositoras] es una omisión flagrante y vergonzosa en nuestra herencia musical". [7] Las mujeres "lucharon por escribir y publicar música en el mundo de hombres del Tin Pan Alley del siglo XX ". [7] Antes de 1900 e incluso después, se esperaba que "las mujeres interpretaran música, no hicieran música". [7] En 1880, el crítico musical de Chicago George P. Upton escribió el libro Women in Music , en el que argumentó que "las mujeres carecían de la creatividad innata para componer buena música" debido a la "predisposición biológica" de las mujeres. [7] Más tarde, se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical , y se involucraron en este campo "hasta tal punto que las mujeres dominaron la educación musical durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". [7] Como parte del papel de las mujeres en la educación musical, las mujeres escribieron himnos y música infantil. La "música secular impresa en Estados Unidos antes de 1825 muestra solo alrededor de 70 obras de mujeres". [7] A mediados del siglo XIX, surgieron compositoras, entre ellas Faustina Hasse Hodges , Susan McFarland Parkhurst , Augusta Browne y Marion Dix Sullivan . Para 1900, había muchas más mujeres compositoras, pero "muchas todavía se veían obligadas a utilizar seudónimos o iniciales" para ocultar el hecho de que eran mujeres. [7]
Carrie Jacobs-Bond fue la «compositora más destacada de finales del siglo XIX y mediados del siglo XX... [lo que la convirtió] en la primera mujer compositora que vendió un millón de canciones». [7] Maude Nugent (1877-1958) escribió «Sweet Rosie O'Grady» en 1896. También escribió «Down at Rosie Reilly's Flat», «My Irish Daisy» y «Mary From Tipperary». [7] Charlotte Blake (1885-1979) fue redactora de Whitney Warner Publishing Co., en Detroit, Michigan. Inicialmente, la empresa la anunciaba como «C. Blake» para ocultar su género, pero en 1906 los anuncios usaban su nombre completo. [7] Caro Roma (1866-1937) era el seudónimo de género ambiguo de Carrie Northly . Fue «una de las compositoras más conocidas y populares de Estados Unidos de la era de Tin Pan Alley». [7] Sus canciones incluyen "Can't Yo' Heah Me Calling", "Faded Rose", "The Angelus", "Thinking of Thee" y "Resignation". [7] Alrededor del 95% de los compositores del music hall británico durante los primeros años del siglo XX eran hombres; sin embargo, alrededor del 30% de los cantantes eran mujeres. [60]
Aunque la composición de canciones de jazz ha sido durante mucho tiempo un campo dominado por los hombres, también ha habido mujeres compositoras de jazz . En la década de 1930, Ann Ronell (1905-1993) escribió las canciones " Willow Weep for Me " y "Who's Afraid of the Big Bad Wolf?" . [61] Irene Higginbotham (1918-1988) escribió casi 50 canciones, siendo la más conocida "Good Morning Heartache". [61] Dorothy Fields (1905-1974) escribió las letras de más de 400 canciones, algunas de las cuales fueron interpretadas por Duke Ellington . Coescribió " The Way You Look Tonight " con Jerome Kern , que ganó el Oscar a la mejor canción en 1936. Coescribió varios estándares de jazz con Jimmy McHugh , como " Exactly Like You ", " On the Sunny Side of the Street " y " I Can't Give You Anything but Love ". [61] Lil Hardin Armstrong (1898–1971) tocaba el piano en la Creole Jazz Band de King Oliver . Su canción "Struttin' with Some Barbecue" ha sido grabada 500 veces. Armstrong también grabó "Doin' the Suzie Q", "Just for a Thrill" y "Bad Boy". [61] Billie Holiday (1915–1959) fue una cantante que coescribió " God Bless the Child " y " Don't Explain " con Arthur Herzog, Jr. y escribió la canción de blues " Fine and Mellow ". [61]
La música jazz fue una fuerza impulsora que ayudó a las mujeres a liberarse a principios del siglo XX. La música jazz también ayudó a allanar el camino para más trabajos para mujeres. Este aumento de una carrera muy dominada por los hombres hasta la década de 1920 permitió que más mujeres se dedicaran a las artes escénicas. A cambio de este aumento, se produjo Showboat , el primer musical de jazz de Broadway. Showboat analiza las dificultades de la familia en Mississippi y la reunificación familiar. [62] La música jazz influyó en ayudar a las mujeres a conseguir empleo, así como en abrir el entorno para la igualdad de posguerra y una sexualidad más libre a principios del siglo XX. [ cita requerida ] Muchas de las mujeres en la música jazz en ese momento ayudaron a influir en el género y muchas mujeres músicas de jazz eran personas de color. Estos factores ayudaron a que el género creciera hasta lo que es hoy. [ cita requerida ]
Muchas mujeres influyeron en la música jazz produciendo, componiendo e interpretando música de jazz. Una mujer influyente en la música jazz fue Bessie Smith , también conocida como la Emperatriz del Blues. Vivió entre 1894 y 1937. Es miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll y en 1989 Smith recibió un premio Grammy a la trayectoria. [63] Otra mujer que hizo historia en la industria del jazz es Dolly Jones , la primera mujer trompetista de jazz en ser grabada. [64] Muchas mujeres no reciben crédito en este género como lo hacen sus homólogos masculinos. Mujeres como Sweet Emma Barrett , que actuó en la Original Tuxedo Orchestra, realizó giras nacionales e internacionales. Una de las canciones de éxito de Barrett es "A Good Man is Hard to Find". Más mujeres como Billie Pierce , Lovie Austin , Jeanette Kimball , Mary Lou Williams , Alice Coltrane y Hazel Scott , tuvieron un impacto en el género del jazz. [65] Estas mujeres dejaron su huella especialmente por ser mujeres en un género dominado por los hombres.
Muchas de estas mujeres que son conocidas en el mundo del jazz no reciben tanto reconocimiento como merecen debido a sus competidores masculinos. [ cita requerida ] Las mujeres no solo fueron influyentes como cantantes de jazz, sino que hay muchos músicos de jazz que tampoco reciben su crédito. Una mujer fue Ingrid Monson , quien llamó la atención sobre el hecho de que cuando las mujeres comenzaron a tocar el piano, también ganaron más aceptación social en la industria de la música. Por lo general, se veía a las mujeres tocar en un grupo de jazz exclusivamente femenino, pero cuando ingresaban al "mundo del jazz profesional", eran un éxito instantáneo. [66] Una mujer, llamada Valaida Snow , también era conocida como la "reina de la trompeta". [67] Otra mujer, Nona Hendryx , era una vocalista de jazz que también tocaba muchos instrumentos y tuvo la oportunidad de trabajar con muchos artistas talentosos de hip-hop como Prince. [67] Hay muchas mujeres talentosas cuyos nombres no se conocen.
Estas mujeres tuvieron mucho éxito, pero para algunas fue efímero. Estas mujeres saltaron a la fama cuando los hombres fueron reclutados para la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, una vez que los hombres regresaron a casa después de ser desplegados, las mujeres músicos de jazz se enfrentaron a dificultades difíciles. Se vieron problemas como acoso sexual y duras críticas por parte de otros miembros de su banda y compañeros músicos de jazz. [ cita requerida ]
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En la escena de la música pop de los años 60, "como en la mayoría de los aspectos del... negocio de la música [en los años 60], la composición de canciones era un campo dominado por los hombres. Aunque había muchas cantantes femeninas en la radio, las mujeres... eran vistas principalmente como consumidoras:... Cantar a veces era un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento, escribir canciones o producir discos simplemente no se hacía". [68] Las mujeres jóvenes "no estaban socializadas para verse a sí mismas como personas que crean [música]". [68] Carole King "tuvo una exitosa asociación de composición con su esposo Gerry Goffin , escribiendo éxitos como " The Loco-Motion ", " Will You Love Me Tomorrow ", " Up on the Roof " y " Natural Woman ". "King fue la primera mujer en recibir el Premio Gershwin de Canción Popular de 2013 ". [68] Ellie Greenwich y su esposo Jeff Barry escribieron " Then He Kissed Me ", "Be My Baby" y " River Deep, Mountain High ". Laura Nyro escribió " Wedding Bell Blues ", "Eli's Coming" y " And When I Die ". Ella declaró: "No me interesan las limitaciones convencionales cuando se trata de mi composición... puedo aportar una cierta perspectiva feminista a mi composición". [68] Durante la década de 1960, tanto King como Goffin demostraron la naturaleza cambiante de la música estadounidense, así como el surgimiento de nuevos patrones románticos y sexuales. "Los músicos representaron una de las principales vanguardias del cambio sexual y romántico en la sociedad estadounidense", [69] impactando y cambiando los estándares sociales de la juventud. A finales de los años 1940 y 1950, los jóvenes comenzaron a establecerse en matrimonios y responsabilidades adultas a una edad muy temprana. [69] Sin embargo, King desafió la secuencia de citas, matrimonio y sexo al demostrar que el sexo después del matrimonio y la práctica convencional de las citas no es cautivante. Promovió la informalidad de las relaciones entre las personas y destacó la tendencia de las personas del sexo opuesto a "hacerse amigos" [69] con su canción " You've Got a Friend ".
A finales de los años 1960, una nueva ola de cantautoras rompió los confines del pop, escribiendo canciones más personales en el estilo confesional de poetas como Anne Sexton y Sylvia Plath . Las artistas que encabezaron este movimiento aparecieron en Newsweek , julio de 1969, "The Girls: Letting Go": "Lo que tienen en común -Joni Mitchell y Lotti Golden , Laura Nyro, Melanie , Janis Ian y Elyse Weinberg- son las canciones personalizadas que escriben, como viajes de autodescubrimiento". [70] Si bien innovaron, estas mujeres también enfrentaron muchas luchas como la discriminación. En un mundo editorial dominado por los hombres, las compositoras como Joni Mitchell quieren ser vistas fuera de las categorías de raza y género, y dentro de la categoría de arte puro. [ 71] En su entrevista de 1994 con Alice Echol , Joni Mitchell rechazó el feminismo pero expresó su animosidad hacia la discriminación, la exclusión basada en el sexo y la sexualización gratuita. Echol ubica la "incomodidad de Mitchell con la etiqueta feminista en el contexto de su arte". [71] Las compositoras quieren ser vistas como buenas músicas sin que sus talentos sean marginados debido a su género. Además, Grace Slick , una exmodelo, fue ampliamente conocida en la historia del rock and roll por su papel en la floreciente escena musical psicodélica de San Francisco a mediados de la década de 1960. En The Guardian , 26 de enero de 2017, la autora Laura Barton describe el cambio radical en el tema: política, drogas, decepción, el aislamiento del artista itinerante y vida urbana. [72] La nativa neoyorquina, Lotti Golden , en su álbum debut en Atlantic Motor-Cycle , hizo una crónica de su vida en el East Village de Nueva York a fines de la contracultura de la década de 1960, visitando temas como la identidad de género ("The Space Queens [Silky is Sad]") y el uso excesivo de drogas ("Gonna Fay's"). Las mujeres del artículo de Newsweek de 1969 marcaron el comienzo de una nueva era de las cantautoras, informando a generaciones de mujeres cantautoras desde la década de 1970 hasta la actualidad. [70] [72]
En el teatro musical, "las compositoras son raras en una industria dominada por hombres en el extremo creativo. El trabajo de compositores masculinos se produce con más frecuencia, y fue solo [en 2015] que un equipo de escritura compuesto exclusivamente por mujeres hizo historia al ganar el Premio Tony a la mejor banda sonora ". [73] En 2015, por primera vez, un equipo de escritura compuesto exclusivamente por mujeres de Lisa Kron (Mejor libro) y Jeanine Tesori y Kron (Mejor banda sonora original) [74] ganó el Premio Tony a la mejor banda sonora por Fun Home , aunque el trabajo de compositores masculinos continúa produciéndose con más frecuencia. [73] En 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el [Tony a la] Mejor banda sonora sin un colaborador masculino" por escribir la música y la letra de Kinky Boots . [74] Las compositoras en el teatro musical incluyen a la cantautora y actriz Lauren Pritchard , quien escribió Songbird ; Zoe Sarnak, que escribió A Lasting Impression y The Years Between ; y Katie Thompson, a quien le gustaría "ver personajes femeninos... que sean complicados, fuertes y vulnerables". [73] Thompson afirmó que en la industria del teatro musical, "cuando luchas por algo como mujer, especialmente algo artístico... o eres percibida como una perra o eres percibida [como] 'emocional'", una etiqueta que permite a los demás descartarte. [73] El desequilibrio de género en el teatro musical existe hasta bien entrado el siglo XXI, con mujeres que representan solo el 3% de los compositores de bandas de viento y el 12% de los compositores corales. [75] A pesar del estigma y la falta de mujeres en el teatro musical, más de cincuenta mujeres han recibido reconocimiento artístico internacional por componer partituras musicales de larga duración en teatros de Broadway y Off-Broadway. [75]
Las mujeres afroamericanas han hecho contribuciones históricas al jazz, blues, rock, gospel y otros géneros a lo largo de los años. Los primeros ejemplos incluyen a Billie Holiday , Aretha Franklin y Diana Ross , y entre los artistas más contemporáneos se incluyen Missy Elliott , Mariah Carey , Beyoncé y Rihanna . Sin embargo, las mujeres músicas, especialmente las mujeres negras , experimentan sus trabajos de manera diferente a sus contrapartes masculinas, al igual que las mujeres en muchas otras industrias. Según LaShonda Katrice Barnett , profesora universitaria y autora de un libro sobre compositoras negras, de los "más de 380 miembros del Salón de la Fama de los Compositores , solo dos son mujeres negras ( Sylvia Moy y Valerie Simpson )". [78]
Teyana Taylor decidió abandonar la industria musical en diciembre de 2020, cuando su álbum The Album de junio de 2020 no fue nominado a un Grammy a pesar de que se había colocado como número 1 en la lista Billbord Top R&B Albums en julio. Taylor había expresado su frustración por el hecho de que solo artistas masculinos habían sido nominados al Grammy al Mejor Álbum de R&B ese año. [79]
Las mujeres tienen un gran protagonismo en muchos estilos de música popular como cantantes. Sin embargo, las mujeres instrumentistas profesionales son poco comunes en la música popular, especialmente en géneros de rock como el heavy metal . "[T]ocar en una banda es en gran medida una actividad homosocial masculina, es decir, aprender a tocar en una banda es en gran medida una experiencia basada en pares..., moldeada por las redes de amistad segregadas por sexo existentes. [6] : 101–102 Además, la música rock "a menudo se define como una forma de rebelión masculina frente a la cultura de dormitorio femenina". [6] : 102 En la música popular, ha habido una "distinción de género entre la participación pública (masculina) y privada (femenina)" en la música. [6] : 102 "[V]arios académicos han argumentado que los hombres excluyen a las mujeres de las bandas o de los ensayos, grabaciones, actuaciones y otras actividades sociales de las bandas". [6] : 104 "Las mujeres son consideradas principalmente como consumidoras pasivas y privadas de música pop supuestamente pulida, prefabricada -por lo tanto, inferior-..., excluyéndolas de participar como músicos de rock de alto estatus". [6] : 104 Una de las razones por las que rara vez hay músicos de género mixto es que las mujeres no tienen relaciones sexuales con hombres. Las bandas son "unidades muy unidas en las que la solidaridad homosocial -los vínculos sociales entre personas del mismo sexo... - juega un papel crucial". [6] : 104 En la escena musical pop de los años 1960, "cantar era a veces un pasatiempo aceptable para una chica, pero tocar un instrumento... simplemente no se hacía". [68]
"La rebelión de la música rock fue en gran medida una rebelión masculina; las mujeres -a menudo, en los años 1950 y 1960, chicas en sus adolescentes- en el rock usualmente cantaban canciones como personas completamente dependientes de sus novios machos..." [80] Philip Auslander dice que "Aunque había muchas mujeres en el rock a fines de los años 1960, la mayoría actuaba solo como cantantes, una posición tradicionalmente femenina en la música popular". Aunque algunas mujeres tocaban instrumentos en bandas de rock de garaje estadounidenses exclusivamente femeninas , ninguna de estas bandas logró más que un éxito regional. Por lo tanto, "no proporcionaron modelos viables para la participación continua de las mujeres en el rock". [81] : 2–3 En relación con la composición de género de las bandas de heavy metal , se ha dicho que "[l]os intérpretes de heavy metal son casi exclusivamente hombres" [82] "[a]l menos hasta mediados de los años 1980" [83] aparte de "excepciones como Girlschool ". [82] Sin embargo, "ahora [en la década de 2010] quizás más que nunca, las mujeres del metal fuertes se han puesto las pilas y se han puesto manos a la obra", [84] "forjándose un lugar considerable para [sí] mismas". [85] Cuando Suzi Quatro surgió en 1973, "ninguna otra música femenina prominente trabajaba en el rock simultáneamente como cantante, instrumentista, compositora y líder de banda". [81] : 2 Según Auslander, ella estaba "derribando la puerta masculina en el rock and roll y demostrando que una música femenina ... y este es un punto que me preocupa muchísimo... podía tocar tan bien, si no mejor, que los chicos". [81] : 3
Varios de estos artistas también cantaron y escribieron canciones, pero se enumeran aquí por sus habilidades instrumentales :
Una banda exclusivamente femenina es un grupo musical de géneros musicales populares como el blues , el jazz y géneros relacionados que está compuesto exclusivamente por mujeres . Esto es distinto de un grupo de chicas, en el que las integrantes femeninas son únicamente vocalistas, aunque esta terminología no se sigue universalmente. Por ejemplo, los grupos de vocalistas Girls Aloud son denominados "bandas femeninas" en la revista OK! [86] y The Guardian [87], mientras que Girlschool es denominado "grupo femenino" en IMDb [88] y Belfast Telegraph [89] . Si bien las bandas exclusivamente masculinas son comunes en muchas bandas de rock y pop, las bandas exclusivamente femeninas son menos comunes.
Un grupo de chicas es un grupo musical que cuenta con varias cantantes femeninas que generalmente armonizan juntas. El término grupo de chicas también se utiliza en un sentido más estricto dentro de los países de habla inglesa para denotar la ola de grupos de cantantes de música pop femenina estadounidense que florecieron a fines de la década de 1950 y principios de la década de 1960 entre el declive del rock and roll temprano y la Invasión Británica , muchas de las cuales estaban influenciadas por el estilo doo-wop . [90] [91] Las bandas exclusivamente femeninas a veces también se denominan grupos de chicas. [92] Estas bandas exclusivamente femeninas eran difíciles de mantener, ya que muchos grupos anteriores luchaban por reemplazar a las músicas femeninas una vez que se iban, y algunas se vieron obligadas a abrir las bandas a los hombres para evitar que abandonaran. [93]
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En la era del jazz y durante la década de 1930, bandas exclusivamente femeninas como The Blue Belles, Parisian Redheads (más tarde Bricktops), Lil-Hardin's All-Girl Band, The Ingenues , Harlem Playgirls , Phil Spitalny's Musical Sweethearts y Helen Lewis and Her All-Girl Jazz Syncopators fueron populares. Ina Ray Hutton lideró una banda exclusivamente femenina, Melodears , de 1934 a 1939. Eunice Westmoreland, bajo el nombre de Rita Rio , lideró una banda exclusivamente femenina que apareció en NBC Radio y para Vitaphone y RKO . Un grupo polaco, Filipinki, se estableció en 1959. [94]
Los grupos compuestos únicamente por mujeres comenzaron a surgir con la llegada del rock and roll . Entre las primeras bandas de rock compuestas exclusivamente por mujeres que firmaron contrato con un sello discográfico se encuentran Goldie & the Gingerbreads , que firmó con Atlantic Records en 1964, The Pleasure Seekers con Suzi Quatro con Hideout Records en 1964 y Mercury Records en 1968, The Feminine Complex con Athena Records en 1968, y Fanny (que fue pionera en el sonido de banda exclusivamente femenina a principios y mediados de la década de 1970) en 1969, cuando Mo Ostin las fichó con Warner Bros. Records . También hubo otras, como The Liverbirds (1962-1967), Ace of Cups (1967), The Heart Beats (1968), Ariel (1968-1970) y New Coon Creek Girls (década de 1930). [93]
En 1971, Fanny se convirtió en la primera banda compuesta exclusivamente por mujeres en llegar al top 40 del Hot 100, con "Charity Ball" alcanzando el puesto número 40. En 1975, el dúo canadiense de hermanas, Kate y Anna McGarrigle , grabó el primero de una serie de álbumes. The Runaways fue una de las primeras bandas de hard rock con éxito comercial, de estilo duro y compuesta exclusivamente por mujeres, que lanzó su primer álbum en 1976: las integrantes de la banda, Joan Jett , Cherie Currie y Lita Ford, siguieron carreras en solitario. La década de 1980, por primera vez, vio el éxito largamente buscado en las listas de éxitos de bandas compuestas exclusivamente por mujeres y bandas de rock lideradas por mujeres. En la lista Billboard Hot 100 de fin de año de 1982 [95] " I Love Rock 'n' Roll " de Joan Jett en el n.º 3 y " We Got the Beat " de Go-Go en el n.º 25 enviaron un mensaje a muchos jefes de la industria de que las mujeres que podían tocar podían traer dinero. En 1989, una de las bandas femeninas más famosas, las Dixie Chicks , comenzó a tocar en las esquinas de las calles de Dallas, Texas. La banda es un trío formado por Natalie Maines como cantante principal, Natalie Maguire en el violín y la mandolina, y Emily Robison en el banjo, el dobro, la guitarra y el acordeón. Las Dixie Chicks vendieron más CD que todos los demás grupos de música country juntos. [ cita requerida ] Ganaron cinco premios Grammy , en 2000, el Álbum del año de la Country Music Association y el premio al Grupo vocal del año en 2002. Otra banda femenina famosa incluye a WildWood Girls. Originalmente las WildWood Pickers comenzaron en 1979 en el área de Chicago, la banda exclusivamente femenina comenzó después de que la banda se convirtiera en un asunto familiar y más tarde, cambiaron su nombre a WildWood Girls en 1982, lo que resultó en el doble de reservas. Se embarcaron en giras en el extranjero para la USO y el Departamento de Defensa , trabajaron como banda en Dollywood durante unos cinco años y tocaron muchas veces en el Bill Monroe's Bean Blossom Festival en Indiana durante 10 años. Lanzaron seis grabaciones, a pesar de los problemas que tuvieron con respecto al hecho de que eran una banda exclusivamente femenina. [ cita requerida ] Otra banda famosa es Happy Hollow Stringband (1974-1979). Eran una banda de bluegrass exclusivamente femenina con Sandy Crisco en el banjo. Crisco informó que era difícil encontrar el baño de mujeres durante las reservas, ya que debido a la falta de intérpretes femeninas, muchos instrumentistas masculinos no sabían dónde estaba. [ 93 ]
En el Reino Unido, la llegada del punk a finales de los años 1970, con su filosofía de "cualquiera puede hacerlo", hizo que las mujeres hicieran contribuciones significativas. [96] [97] A diferencia de las escenas de rock y heavy metal de los años 1970, que estaban dominadas por hombres, la mentalidad anárquica y contracultural de la escena punk de mediados y finales de los años 1970 alentó a las mujeres a participar. "Esa era la belleza del punk", dijo más tarde Chrissie Hynde . "La discriminación [sexual] no existía en esa escena". [98] Esta participación jugó un papel en el desarrollo histórico de la música punk, especialmente en los EE. UU. y el Reino Unido en ese momento, y continúa influyendo y permitiendo a las generaciones futuras. [99]
La historiadora del rock Helen Reddington afirma que la imagen popular de las jóvenes mujeres punks centradas en los aspectos de la moda de la escena (medias de rejilla, pelo rubio de punta, etc.) era estereotipada. Afirma que muchas, si no la mayoría, de las mujeres punks estaban más interesadas en la ideología y las implicaciones sociopolíticas que en la moda. [100] [101] La historiadora de la música Caroline Coon sostiene que antes del punk, las mujeres en la música rock eran prácticamente invisibles; en cambio, en el punk, sostiene que "sería posible escribir toda la historia de la música punk sin mencionar ninguna banda masculina, y creo que mucha gente lo encontraría muy sorprendente". [102] [103] Johnny Rotten escribió que "Durante la era de los Pistols, las mujeres estaban ahí fuera tocando con los hombres, enfrentándose a nosotros en igualdad de condiciones... No era combativo, sino compatible". [104] Las mujeres participaron en bandas como The Slits , The Raincoats , Mo-dettes y Dolly Mixture , The Innocents .
Otros cuestionan la noción de reconocimiento igualitario, como la guitarrista Viv Albertine , que afirmó que "los hombres de A&R, los porteros, los mezcladores de sonido, nadie nos tomaba en serio... Así que, no, no recibíamos ningún respeto en ningún lugar al que fuéramos. La gente simplemente no nos quería cerca". [105] [106] La postura anti-establishment del punk abrió el espacio para las mujeres que eran tratadas como marginadas en una industria dominada por los hombres. Kim Gordon de Sonic Youth afirma: "Creo que las mujeres son anarquistas naturales, porque siempre estás operando en un marco masculino". [107]
La banda de heavy metal femenina Girlschool , del sur de Londres, se formó en 1978. Aunque tuvo cierto éxito en el Reino Unido, se hicieron más conocidas a principios de los años 1980. Una de las integrantes originales de la banda, Kathy Valentine , se fue para unirse a la banda femenina The Go-Go's , cambiando de guitarra a bajo. Entre las primeras grabaciones de Girlschool se encontraba un EP titulado "The St. Valentines Day Massacre", que grabaron con sus compañeros de sello Bronze, Motörhead, bajo el nombre de Headgirl . En 1974, The Deadly Nightshade, una banda de rock/country, fue contratada por Phantom. Las mujeres en el género del heavy metal tienden a tener que limitarse debido a que el género está muy orientado a los hombres. [110]
Aunque existe la percepción de que los grupos del género grunge de rock alternativo de los años 1980 y 1990 eran "abrumadoramente masculinos", las mujeres estaban representadas en bandas grunge como L7 , Lunachicks , Dickless , STP, 7 Year Bitch , el grupo Hole de Courtney Love y Babes in Toyland , esta última una "banda exclusivamente femenina de Minneapolis", y el grunge estaba "inextricablemente vinculado con Riot Grrrl ", un movimiento punk feminista underground . [111] Las mujeres instrumentistas incluyen a las bajistas D'arcy Wretzky y Melissa Auf der Maur de The Smashing Pumpkins y las bateristas Patty Schemel (proyectos Hole y Courtney Love) y Lori Barbero de Babes in Toyland. [112]
El género grunge de la música rock , que alcanzó su apogeo a finales de los años 1980 y principios de los 1990, así como su moda asociada. Las bandas de guitarra oscura que se desarrollaron en Seattle a finales de los años 1980 como un vínculo entre el heavy metal-hard rock popular de los años 1980 y el rock alternativo post-punk se conocen como grunge. Entre estas bandas se encuentran, en particular, Nirvana y Pearl Jam.
El grunge nació en el sello discográfico independiente Sub Pop de Seattle cuando Mudhoney, Nirvana, Screaming Trees y Soundgarden siguieron los pasos de Melvins, una banda pionera del noroeste, e incorporaron elementos del punk rock, herederos del hardcore-punk de su ética DIY, como Hüsker Dü, y el sonido de bandas de heavy metal de los años 70 como Black Sabbath, Led Zeppelin y AC/DC.
Los Melvins, una banda del Medio Oeste, Nirvana y Pearl Jam consiguieron un número cada vez mayor de seguidores, firmaron contratos con importantes sellos discográficos y crearon álbumes que vendieron millones de copias fusionando distorsión de guitarra, voces agonizantes y letras sinceras y cargadas de angustia. Tras su triunfo, Seattle, que ya disfrutaba de un auge económico como resultado de la rápida expansión de Microsoft Corporation, atrajo a profesionales de la industria discográfica que buscaban el próximo gran éxito. Con la ayuda de los medios de comunicación, el grunge ganó popularidad rápidamente en el extranjero. Como resultado, los grandes almacenes estadounidenses comenzaron a vender imitaciones de las camisas de franela, la ropa interior térmica, las botas de combate y los gorros de lana que las bandas de Seattle y sus seguidores preferían.
Cuando Kurt Cobain, de Nirvana, falleció en 1994, el movimiento grunge acabó decayendo. Esto se debió en parte al papel de Cobain como portavoz generacional, así como a las decepcionantes ventas de álbumes de muchas bandas de Seattle que nunca lograron abrirse paso. Sin embargo, el grunge contribuyó significativamente a la generalización del rock alternativo. [113]
En los años 90, las revistas de músicos empezaron a tomar a las mujeres músicos más en serio, y pusieron a Bonnie Raitt [114] [115] y Tina Weymouth [116] en sus portadas. Mientras que The Go-Go's y The Bangles , ambas de la escena de clubes de Los Ángeles, fueron las primeras bandas de rock exclusivamente femeninas que alcanzaron un éxito sostenido, las músicas individuales allanaron el camino para que la industria buscara bandas que tuvieran mujeres músicos.
En la música rock, bandas como Hole , Super Heroines , The Lovedolls y L7 se hicieron populares, al tiempo que demostraban en el escenario y en las entrevistas una actitud segura de sí misma y "mala" a veces, siempre dispuestas a desafiar las suposiciones sobre cómo debería comportarse una banda exclusivamente femenina. Courtney Love describió las ambiciones artísticas de su banda Hole como "[no] solo repetir lo que los hombres han hecho" mientras "abordaban las cosas desde un punto de vista más femenino, lunar". [117]
También en la década de 1990, el movimiento punk Riot Grrrl liderado por mujeres se asoció con bandas como Bratmobile y Bikini Kill .
En la música pop, dos grupos altamente comercializados saltaron a la fama en esta década, que se separarían poco después. Destiny's Child fue un grupo estadounidense totalmente femenino compuesto por Beyoncé Knowles , Kelly Rowland y Michelle Williams . Destiny's Child comenzó como Girl's Tyme , en 1990 y años más tarde, firmó con Columbia Records y Music World Entertainment como Destiny's Child en 1997. El segundo álbum más vendido de Destiny's Child fue The Writing's on the Wall (1999), que incluía "Bills, Bills, Bills" y "Say My Name". [118] Además, las Spice Girls fue un grupo pop británico de chicas que se formó en 1994. La banda está compuesta por Mel B , Melanie C , Emma Bunton , Geri Halliwell y Victoria Beckham . Firmaron con Virgin Records ; Su sencillo "Wannabe" salió en 1996 y fue considerado el número uno en 37 países. [119]
En la década de 2000, todas las bandas femeninas y lideradas por mujeres comenzaron a usar su influencia para promover el feminismo y las mujeres en la industria de la música. Bandas como The Distillers , liderada por Brody Dalle, influyeron en el auge del street punk. St. Vincent comenzó a ganar más tracción y finalmente apareció en la portada de la revista Guitar World . St. Vincent usó una camiseta con una calcomanía de bikini en la portada de la revista, un comentario sobre cómo cuando las mujeres aparecen con guitarras, generalmente están vestidas de manera muy minimalista, como una herramienta de marketing para vender los instrumentos. Haim , una banda compuesta por tres hermanas, es extremadamente franca cuando se trata de la promoción de las mujeres en la música, criticando a los principales festivales de música por la falta de bandas lideradas por mujeres en las listas y la falta de pago a las artistas femeninas en comparación con los artistas masculinos del mismo nivel. [120] [121] En los últimos años, la falta de representación femenina en la música ha sido un punto controvertido importante en la industria. Las músicas y las bandas femeninas son constantemente pasadas por alto en favor de los artistas masculinos; Sin embargo, muchas personas en la industria de la música han estado haciendo un esfuerzo para cambiar esto.
De 2010 a 2018, surgieron muchas bandas de chicas que se volvieron más populares. Una de las bandas de chicas más famosas es Little Mix (2011), una banda británica que se originó en The X Factor y está compuesta por Jesy Nelson , Leigh-Anne Pinnock , Jade Thirlwall y Perrie Edwards . Little Mix es el primer grupo exclusivamente femenino desde las Pussycat Dolls en llegar al top cinco de Estados Unidos con su álbum DNA (2012). También rompieron el récord de las Spice Girls al obtener la posición más alta en las listas de debut de Estados Unidos para el primer lanzamiento de un grupo de chicas británico. [122] Además, Fifth Harmony es un grupo femenino estadounidense que tiene su sede en Miami y está compuesto por Ally Brooke , Normani Kordei , Dinah Jane , Lauren Jauregui y Camila Cabello hasta su partida en 2016. Este grupo también estuvo en X Factor en 2012. Sus tres álbumes de estudio se ubicaron en el top ten del Billboard 200 de Estados Unidos . [123]
Históricamente, la mayoría de las intérpretes de jazz más conocidas han sido cantantes, como Ella Fitzgerald , Billie Holiday , Diane Schuur y Dinah Washington . Culture Trip señala que las mujeres en el jazz han sido "demasiado a menudo confinadas al papel de cantantes ". [124] Sin embargo, hay muchas intérpretes instrumentales. En algunos casos, estos músicos también son compositores y directores de banda:
También ha habido bandas de jazz exclusivamente femeninas como The International Sweethearts of Rhythm y orquestas exclusivamente femeninas como la Hour of Charm Orchestra . A menudo, durante la Segunda Guerra Mundial , estos grupos exclusivamente femeninos entretenían a las tropas mientras los músicos masculinos servían. Sin embargo, después de la guerra, estos grupos de chicas fueron dejados de lado, ya que los músicos masculinos regresaron y el público favoreció la "normalidad" que trajo consigo, y la sobresexualización de las mujeres en la música regresó. [125]
Algunos de estos músicos ayudaron a dar forma a la música jazz y la cultura estadounidense . Cuando June Norton era joven, quería dedicarse a la música clásica, con la esperanza de que algún día pudiera unirse a la ópera. Sin embargo, esto no parecía posible, por lo que comenzó a dedicarse a la música popular . Norton se convirtió en la primera mujer negra en la región de Washington, DC, en aparecer cantando en comerciales de televisión comercializados para los estados del sur. Esto la llevó a obtener muchos premios, incluido el Premio al Logro de 1962 de la Asociación Nacional de Mujeres de Color , el premio a la Personalidad de TV del Año, el Premio Énfasis de 1962 de la Asociación Nacional de Desarrollo de Mercados y el Premio Cantante del Año de 1962 de la YMCA . Más tarde se alejó del centro de atención y comenzó una carrera como consejera y se casó con Thomas C. Cuff. Pasó el resto de sus años laborales ayudando a jóvenes desfavorecidos y prisioneras. [125]
Otra pianista, compositora y vocalista hizo una contribución significativa al jazz y a la cultura estadounidense. Shirley Horn (1934-2005) grabó más de 25 álbumes y trabajó como músico secundario para Stuff Smith , Toots Thielemans , Charlie Haden y Oscar Peterson . Practicó en la Howard University Junior School of Music y más tarde recibió ofertas de la Juilliard University y la Xavier University , pero optó por permanecer en Washington, DC, casarse y tener un hijo. Continuó de gira y tocando en conciertos constantemente. Su primera grabación fue parte del lanzamiento de Stuff Smith de 1959, Cat on a Hot Fiddle . Su grabación debut, Embers and Ashes , atrajo una gran cantidad de atención y la ayudó a darse cuenta de que quería ser concertista de piano después de todo. Unos meses después de esto, Miles Davis se puso en contacto con Horn y le dijo a Village Vanguard en la ciudad de Nueva York que quería que Horn abriera para él, y que se negaba a tocar si esto no era una posibilidad. Fue entonces cuando la fama y la reputación de Horn comenzaron a aumentar. Continuó trabajando con Mercury Records y Verve Records . Recibió muchos premios, incluido un premio Grammy en 1999 al Mejor álbum vocal de jazz por I Remember Miles , cinco premios de música del área de Washington, un título honorario en música del Berklee College of Music y una beca y premio NEA Jazz Master de 2004 del National Endowment for the Arts. [125]
Los instrumentistas de música clásica pueden centrarse en un tipo específico de interpretación, como recitales en solitario, conciertos en solitario, música de cámara o actuar como miembro de una orquesta, o pueden hacer diferentes tipos. Algunos músicos que tocan instrumentos de orquesta pueden hacer todos estos tipos de interpretaciones. Los instrumentistas de música clásica pueden hacer tanto interpretaciones en vivo para un público como grabaciones. En algunos casos, los intérpretes clásicos pueden hacer principalmente interpretaciones en vivo. Tradicionalmente, ha habido un aspecto de género en la interpretación de instrumentos en la música clásica.
Muchas portadas de álbumes de músicas clásicas tienen fotografías que enfatizan el atractivo físico de la intérprete, "usando a menudo imágenes atrevidas". [126] Según Jessica Duchen, escritora musical de The Independent de Londres , las mujeres músicas clásicas son "muy a menudo juzgadas por su apariencia, en lugar de su talento" y enfrentan presión "para lucir sexys en el escenario y en las fotos". [8] Duchen afirma que si bien "hay mujeres músicas que se niegan a jugar con su apariencia, ... las que lo hacen tienden a tener más éxito material". [8]
Históricamente, las orquestas tendían a ser casi exclusivamente masculinas, con la excepción del arpista, ya que el arpa se consideraba un "instrumento de mujeres". La Orquesta de Damas Eolias, fundada en 1894 por Rosabel Watson en Londres, fue una de las primeras orquestas profesionales exclusivamente para mujeres. Un editorial de un periódico musical en 1917 en Inglaterra alentó a las orquestas a permitir que las mujeres tocaran los "instrumentos más ligeros", con el entendimiento de que estas intérpretes mujeres cederían sus puestos a los hombres una vez que terminara la Primera Guerra Mundial. [60] En la década de 1990, para reducir la probabilidad de sesgo de género , algunas orquestas comenzaron a realizar audiciones de posibles nuevos miembros detrás de una pantalla, por lo que el panel de audición no podía ver si era un intérprete masculino o femenino. Históricamente, ha habido una tendencia a que las secciones de metales sean masculinas, y algunas mujeres intérpretes de metales han alegado que existe un sesgo de género contra las mujeres intérpretes de metales. Un estudio en la década de 1980 encontró que las mujeres representaban el 36% de las orquestas estadounidenses; 30% en el Reino Unido y 16% en Alemania Oriental y Occidental. [127] Las mujeres tendían a ser contratadas por orquestas peor pagadas y estaban menos presentes en las orquestas principales. [127] En 1922, la arpista Stephanie Goldner se convirtió en la primera mujer miembro de la Filarmónica de Nueva York . [128] Cien años después, en 2022, el número de mujeres miembros superó al de hombres en la Filarmónica. [129]
En el pasado, la Orquesta Filarmónica de Viena (VPO) argumentó que la "uniformidad étnica y de género" le daba a su orquesta un mejor sonido. [127] Varios músicos masculinos de la VPO declararon en una entrevista de 1996 que la música clásica tiene "cualidades definidas por el género que pueden expresarse más claramente mediante la uniformidad masculina" en la orquesta. [127] Un miembro masculino de la VPO declaró que los hombres "guardan secretos relacionados con la música y los tonos, al igual que en las culturas aborígenes australianas o indias donde los hombres tocan ciertos instrumentos, y no las mujeres". [127] Un intérprete masculino de la VPO declaró que "el embarazo trae problemas. Trae desorden. Otro argumento importante contra las mujeres es que pueden traer la solidaridad de los hombres en cuestión. Eso se encuentra en todos los grupos de hombres". [127]
La Filarmónica de Viena no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que orquestas comparables (de las otras orquestas clasificadas entre las cinco mejores del mundo por Gramophone en 2008, [130] la última en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín ). [131] Incluso en febrero de 1996, el primer flautista Dieter Flury le dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional ( emotionale Geschlossenheit ) que este organismo tiene actualmente". [132] En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las licencias de ausencia esperadas" por maternidad era un problema. [133]
En 1997, la orquesta se enfrentó a "protestas durante una gira [en EE. UU.]" por parte de la Organización Nacional de Mujeres y la Asociación Internacional de Mujeres en la Música. Finalmente, "después de ser objeto de burlas cada vez mayores incluso en la conservadora Austria, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria en vísperas de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista". [134] En 2013, la orquesta tenía seis miembros femeninos; una de ellas, la violinista Albena Danailova, se convirtió en una de las concertinas de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese puesto. [135] En 2012, las mujeres todavía representaban solo el 6% de los miembros de la orquesta, en comparación con el 14% en la Filarmónica de Berlín, el 30% en la Orquesta Sinfónica de Londres y el 36% en la Filarmónica de Nueva York . La presidenta de la VPO, Clemens Hellsberg, dijo que la VPO ahora utiliza audiciones a ciegas completamente seleccionadas . Dijo que eligen "lo mejor que tenemos", lo que implica que la igualdad de género total tomará tiempo ya que los miembros más antiguos se jubilan y los nuevos hacen audiciones en condiciones neutrales en cuanto al género. [136] La Filarmónica Checa excluye a las mujeres y la Filarmónica de Berlín "tiene un historial de discriminación de género". [127]
En 2013, un artículo de Mother Jones afirmó que "muchas orquestas prestigiosas tienen una cantidad significativa de miembros femeninos (las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York ) y varios conjuntos de renombre, incluida la Orquesta Sinfónica Nacional , la Sinfónica de Detroit y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidos por mujeres violinistas. Las secciones de orquesta de metales, percusión y contrabajo siguen siendo predominantemente masculinas". [10]
En la música clásica, los solistas pueden interpretar solos sin acompañamiento en su instrumento, como ocurre con los pianistas que tocan obras para piano solo o instrumentos de cuerda que tocan suites barrocas para un instrumento (por ejemplo, las suites de Bach para violonchelo solo ). En muchos casos, sin embargo, los solistas están acompañados, ya sea por un pianista, un pequeño conjunto de música de cámara o, en el caso de un concierto, por una orquesta sinfónica completa. En la temporada 2014-2015, la mayoría de los solistas de concierto que actuaron con las principales orquestas canadienses fueron hombres. En la Orquesta Sinfónica de Vancouver , el 67% de los solistas de concierto eran hombres. En la Orquesta Sinfónica de Toronto , el 74% de los solistas de concierto eran hombres. En la Orquesta del Centro Nacional de las Artes , el 79% de los solistas de concierto eran hombres. En la Orquesta Sinfónica de Montreal , el 84% de los solistas de concierto eran hombres. [8] Cuando se publicó la noticia de CBC sobre el equilibrio de género de los solistas de conciertos, el director de la Orquesta Sinfónica de Vancouver, Bramwell Tovey , cuestionó la precisión de la noticia con respecto a su orquesta, argumentando que el artículo solo tomó en cuenta una sola temporada. [ cita requerida ] Una solista de fama internacional es la argentina Martha Argerich, considerada una de las pianistas más grandes de la era grabada.
Los cantantes de música popular interpretan las voces de bandas y otros grupos musicales, que pueden variar en tamaño desde un dúo o un power trio hasta una gran big band de jazz . Los cantantes suelen hacer presentaciones en vivo y grabaciones de estudio. Los cantantes que hacen presentaciones en vivo pueden cantar en lugares pequeños como cafeterías o clubes nocturnos , o pueden actuar en lugares más grandes que van desde centros de arte hasta estadios. Algunos cantantes también actúan en videos musicales, que se utilizan para promocionar las canciones. En algunos estilos de música, los cantantes pueden tocar un instrumento de sección rítmica , como la guitarra rítmica, el bajo eléctrico o un instrumento de percusión mientras cantan. En algunos estilos de pop, los cantantes realizan movimientos de baile coreografiados durante el espectáculo. Tres ejemplos conocidos de cantantes pop que realizan rutinas de baile elaboradas en sus espectáculos en vivo son Madonna , Beyoncé y Britney Spears . Madonna es una figura clave en la música popular; Los críticos han atribuido retrospectivamente su presencia, éxito y contribuciones a allanar el camino para todas las artistas femeninas después de su debut y cambiar para siempre la escena musical para las mujeres en la historia de la música, así como para las estrellas del pop actuales. [137]
La cantautora y productora musical Björk ha comentado cómo "el trabajo y la experiencia de las mujeres, dentro y fuera de la industria musical, pasan desapercibidos". Ha declarado que "lo que hacen las mujeres es invisible" y "no se recompensa tanto". [1] Björk afirma que "sus colaboradores masculinos suelen recibir el crédito por el sonido de sus discos; como en el escenario canta principalmente, existe la suposición generalizada de que no produce [como productora musical] ni toca un instrumento". [1] En 2015, "al aceptar el honor de Mujer del Año en el evento Billboard Women in Music de este año", Lady Gaga comentó sobre las "dificultades de ser una artista discográfica femenina". Dijo que "a veces es realmente difícil para las mujeres en la música. Es como un maldito club de chicos al que simplemente no podemos entrar". Ella afirmó que "trató durante tanto tiempo... de ser tomada en serio como músico por mi inteligencia más que por mi cuerpo", pero sintió que otros en la industria no creían que las mujeres pudieran tener "antecedentes musicales... [o] entender lo que estás haciendo porque eres mujer". [2] Un libro de University Press of Kentucky afirma que los clientes no trataban a una mujer que trabajaba en una tienda de guitarras como si supiera algo sobre guitarras hasta que usaba términos especiales de guitarra. [71] : 19 La cantante, compositora y guitarrista de folk indie Ani di Franco afirma que para las mujeres, en el pasado, incluso entrar en una tienda de guitarras era un "acto de coraje" porque se sentía como un "club de chicos". [71] : 19 Las artistas femeninas no solo sienten la presión de complacer a sus homólogos masculinos, sino que también es difícil para las DJ femeninas encajar en un campo dominado por los hombres. [138]
A pesar de la popularidad del funk en la música moderna, pocas personas han examinado el trabajo de las mujeres del funk. Como explica la crítica cultural Cheryl Keyes en su ensayo "She Was too Black for Rock and too hard for Soul: (Re)discovering the Musical Career of Betty Mabry Davis", la mayor parte de los estudios sobre el funk se han centrado en el trabajo cultural de los hombres. Afirma que " Betty Davis es una artista cuyo nombre ha pasado desapercibido como pionera en los anales del funk y el rock. La mayoría de los escritos sobre estos géneros musicales han situado tradicionalmente a artistas masculinos como Jimi Hendrix, George Clinton (de Parliament-Funkadelic) y el bajista Larry Graham como creadores de tendencias en la conformación de una sensibilidad musical rock". [139] Las mujeres del funk incluyen a Chaka Khan , Labelle , Brides of Funkenstein , Klymaxx , Mother's Finest y Betty Davis .
Algunas de las cantantes femeninas con mayores ingresos desde la década de 2000 fueron Adele , Angham , Beyoncé , Lady Gaga , Madonna , Kylie Minogue , Katy Perry , Rihanna , Britney Spears , Taylor Swift , Ariana Grande , Celine Dion , Mariah Carey , Jennifer Lopez , Shakira y Sherine . Casi todas estas cantantes también son compositoras y algunas también son productoras musicales.
En la música pop del este de Asia, durante la década de 2010, los grupos de chicas ídolos japonesas han tenido mucho éxito en lo que es el mercado de música física más grande del mundo, y el segundo más grande en general, con 17 sencillos número uno solo en 2017. El más vendido entre todos los grupos de chicas ídolos del J-pop , AKB48 , es el acto más vendido en Japón por número de sencillos vendidos, y el tercero por número total de discos vendidos , y también ha tenido el sencillo más vendido en el país todos los años de la década hasta ahora. Además, el álbum más vendido en el país , First Love , lanzado en 1999, es de una mujer, la cantante y compositora japonesa-estadounidense Hikaru Utada . Los grupos de chicas ídolos de Corea del Sur también han tenido mucho éxito en la década de 2010, con Twice teniendo el sencillo de mejor desempeño de 2016 en el país, además de haber ganado un total de 43 premios desde su debut en octubre de 2015. Otro grupo de chicas ídolos coreanas de gran éxito en esta década es Blackpink , alcanzando el lugar más alto para un grupo de chicas de K-pop en el Billboard Hot 100 , además de ser el primer grupo de chicas de K-pop en ser el número uno en la lista Billboard Emerging Artists . [140] [141] También han ganado un total de 16 premios desde su debut en agosto de 2016. El K-pop se ha vuelto cada vez más popular en los EE. UU. Con muchos grupos de chicas ídolos escalando posiciones en las tablas de clasificación. Sin embargo, la mayor parte de la popularidad se está dirigiendo hacia los grupos masculinos, y los grupos femeninos se ven eclipsados por el concepto de un club solo para chicos. [ cita requerida ] Los grupos de chicas ídolos chinos también han logrado recientemente un éxito significativo, con grupos de C-pop como SNH48 y Rocket Girls 101 , este último vendiendo más de 1,6 millones de copias de su EP debut en 2018. [142]
El blues clásico femenino fue una forma temprana de música blues popular en la década de 1920. Una amalgama de blues folclórico tradicional y música de teatro urbano, el estilo también se conoce como blues vodevil. Las canciones de blues clásicas interpretadas por vocalistas femeninas estaban acompañadas por pianistas o pequeños conjuntos de jazz, y fueron el primer blues en ser grabado. Las cantantes clásicas de blues fueron pioneras en la industria discográfica , ya que estuvieron entre las primeras cantantes y artistas de blues negras que fueron grabadas. También fueron fundamentales en la popularización del blues de 12 compases en todo Estados Unidos. [ cita requerida ]
Gertrude "Ma" Rainey (1886-1939), conocida como la " Madre del Blues", es reconocida como la primera en interpretar blues en el escenario como entretenimiento popular cuando comenzó a incorporar blues en su acto de canciones de espectáculos y comedia alrededor de 1902. [145] : 38 [146] : 34 La cantante de cabaret con base en Nueva York Mamie Smith grabó "Crazy Blues" en 1920, que vendió más de 75.000 copias. [145] Smith se hizo conocida como "La Primera Dama del Blues de Estados Unidos". En 1920, la cantante de vodevil Lucille Hegamin se convirtió en la segunda mujer negra en grabar blues cuando grabó "The Jazz Me Blues". [145] : 16 Ethel Waters , Alberta Hunter , Mary Stafford , Katie Crippen , Edith Wilson y Esther Bigeou , entre otras, realizaron sus primeras grabaciones antes de finales de 1921. [147] Estas grabaciones de blues se etiquetaban normalmente como " discos raciales " para distinguirlas de los discos vendidos al público blanco. No obstante, las grabaciones de algunas de las cantantes clásicas de blues también fueron adquiridas por compradores blancos. [148] Marion Harris se convirtió en una de las primeras cantantes blancas en grabar blues.
La más popular de las cantantes clásicas de blues fue Bessie Smith (sin relación con Mamie Smith), nacida en Tennessee , que grabó por primera vez en 1923 y se la conoció como la "Emperatriz del Blues". Firmó con Columbia y se convirtió en la artista negra mejor pagada de la década de 1920, grabando más de 160 canciones. Otras cantantes clásicas de blues que grabaron extensamente hasta finales de la década de 1920 fueron Ida Cox , Clara Smith y Sara Martin . Estas primeras cantantes de blues fueron una influencia para cantantes posteriores como Mahalia Jackson y Janis Joplin . Las contribuciones de estas mujeres del blues al género incluyeron "una mayor improvisación en líneas melódicas, un fraseo inusual que alteraba el énfasis y el impacto de las letras y dramatismo vocal utilizando gritos, gemidos, quejidos y lamentos. Las mujeres del blues efectuaron así cambios en otros tipos de canto popular que tuvieron derivaciones en el jazz, los musicales de Broadway , las canciones románticas de los años 1930 y 1940, el gospel , el rhythm and blues y, finalmente, el rock and roll ". [146] : 8
La discriminación de género y el sexismo ocurren con frecuencia en la música country . A partir de la década de 2010, se ha desarrollado un subgénero popular: bro-country , que tiene letras que han sido criticadas por objetivar sexualmente a las mujeres y enmarcarlas como activos para el uso de los hombres. [149] Algunos artistas populares de bro-country incluyen a Luke Bryan , Florida Georgia Line y Blake Shelton . La discriminación de género y el sexismo se han vuelto más prominentes en este género con el tiempo, yendo hacia atrás en comparación con algunas categorías como el rap y el pop. El Dr. Eric Rasmussen, profesor de la Facultad de Medios y Comunicación y la Universidad Tecnológica de Texas, sostiene que, en comparación con las décadas de 1990 y 2000 (década), la música country de la década de 2010 discrimina más a las mujeres. Algunas de las formas en que discriminan incluyen, "hablar más sobre la apariencia de las mujeres, [mostrar] a las mujeres con ropa ajustada o reveladora, comparar a las mujeres con objetos, referirse a las mujeres en jerga [términos] en lugar de sus nombres reales y retratar a las mujeres como desconfiadas y tramposas". [150]
El country masculino puede estar influenciado por aspectos históricos de la cultura sureña que se han asociado con el racismo y el sexismo. Las mujeres en la música country siguen enfrentándose a estos problemas y a menudo no encuentran la manera de lidiar con ellos directamente. Kacey Musgraves , una artista discográfica, describe su experiencia con el sexismo en la música country al afirmar que si un sello no logra que la canción de una mujer despegue, se le echa la culpa inmediatamente a su personalidad o al hecho de que es mujer, o que no hizo que el director del programa de una estación de radio se sintiera importante. [ cita requerida ] Las mujeres como Kacey Musgraves, sin importar lo que hagan o cambien, casi siempre caerán bajo algún tipo de escrutinio de sus competidores masculinos. [ cita requerida ]
Un gran número de cantantes mujeres del género country han influido en la industria gracias a su éxito. A pesar de la popularidad de los artistas masculinos de country y de la discriminación que se manifiesta en su música, muchas artistas mujeres han logrado superarse y alcanzar múltiples logros.
Dolly Parton , una cantante de country que ha estado en la industria durante más de 55 años, desarrolló una carrera exitosa. Parton creó constantemente nuevos proyectos para lanzar a sus fans y la revista Rolling Stone la describió como "imparable" . [151] Estos proyectos incluyen más de 45 álbumes musicales, múltiples largometrajes, un parque temático de Dollywood y la creación de una compañía de producción. [152]
Carrie Underwood , la icónica ganadora de American Idol , también creó un impacto duradero en el género de la música country. Con más de 251.000 unidades vendidas, el álbum de Underwood Cry Pretty fue su cuarto álbum en alcanzar el número uno en la lista Billboard 200. [153] Blown Away, Play On y Carnival Ride fueron los otros tres álbumes que también alcanzaron la cima de las listas. Estos logros la llevaron a convertirse en la primera cantante mujer en tener cuatro álbumes country como número uno en el Billboard 200 de todos los géneros . [153] Underwood tuvo varios otros números uno a lo largo de su carrera, superando a muchos otros artistas populares, ya que dejó un fuerte impacto en la industria de la música country femenina.
Miranda Lambert , activista por los derechos de las mujeres y amante de los animales, es otra mujer conocida por tener una carrera dominante dentro de la industria musical. Sus canciones tituladas "Over You" y "Heart Like Mine" se apoderaron de las listas de Billboard y de las estaciones de radio de música country en 2010 y 2011. [154] Como artista solista femenina, escribe su música a través de la honestidad y la realidad. [155] Los mensajes que envía a través de su música tienen como objetivo ayudar a otras mujeres a no sentirse solas mientras atraviesan situaciones difíciles de la vida. Lambert usa la fama que se ha ganado en la industria musical y trabaja con organizaciones benéficas como Humane Society como una forma de retribuir. [156]
Aunque las mujeres han estado subrepresentadas en el jazz como instrumentistas, compositoras, letristas y líderes de bandas, ha habido muchas cantantes femeninas. Bessie Smith cantó tanto blues como jazz. Lena Horne apareció por primera vez en el Cotton Club cuando era adolescente. Ella Fitzgerald y Billie Holiday fueron conocidas por sus baladas durante la era del swing. Shirley Horn cantó tanto jazz como blues. Nina Simone cantó jazz, folk y rhythm and blues. Etta Jones cantó rhythm and blues y jazz. Anita O'Day es conocida por sus contribuciones al bebop. Betty Carter cantó durante la era del post-bop. Mary Lou Williams fue cantante y pianista durante las eras del swing y el hard bop. Sarah Vaughan es conocida por su canto en la era del cool jazz . Otras cantantes incluyen a Rosemary Clooney , Diane Schuur y Flora Purim . Las cantantes de jazz contemporáneo incluyen a Norah Jones , Diana Krall , Melody Gardot y la cantante y bajista Esperanza Spalding . Spalding se ha pronunciado y ha abogado por el debate sobre la discriminación actual en el jazz. En 2017, Spalding pasó 77 horas seguidas creando un álbum completo titulado Exposure para ayudar a cambiar ella misma. Rápidamente se convirtió en "una exhibición de destreza intrépida y gran ambición" y mostró, a miles de personas, a una mujer trabajando con confianza en el espacio dominado por los hombres de un estudio de grabación. [157]
Los cantantes clásicos suelen hacer tanto presentaciones en vivo como grabaciones. Las presentaciones en vivo pueden ser en lugares pequeños, como iglesias, o lugares grandes, como salas de ópera o centros de arte. Los cantantes clásicos pueden especializarse en tipos específicos de canto, como canción de arte , que son canciones interpretadas con acompañamiento de piano, u ópera, que es cantar acompañado por una orquesta sinfónica en una producción teatral escenificada y con vestuario. Los cantantes clásicos generalmente se clasifican por su tipo de voz, que indica tanto su rango vocal como, en algunos casos, también el "color" de su voz. Ejemplos de tipos de voz que indican el rango de la voz de un cantante incluyen contralto , mezzosoprano y soprano (estos van del rango más bajo al rango más alto). Ejemplos de tipos de voz que indican tanto el rango del cantante como el "color" de su tipo de voz son soprano coloratura y soprano lírica . Mientras que los cantantes de música popular suelen utilizar un micrófono y un sistema de refuerzo de sonido para sus voces, en la música clásica la voz debe proyectarse en la sala de forma natural, una habilidad para la que realizan entrenamiento vocal.
Marian Anderson (1897–1993) [158] fue una contralto afroamericana de quien el crítico musical Alan Blyth dijo: "Su voz era una contralto rica y vibrante de belleza intrínseca". [159] La mayor parte de su carrera como cantante la pasó actuando en conciertos y recitales en importantes salas de música y con famosas orquestas en los Estados Unidos y Europa entre 1925 y 1965. Anderson se convirtió en una figura importante en la lucha de los artistas negros para superar los prejuicios raciales en los Estados Unidos durante mediados del siglo XX. En 1939, las Hijas de la Revolución Americana (DAR) le negaron el permiso a Anderson para cantar ante una audiencia integrada en el Constitution Hall . Con la ayuda de la primera dama Eleanor Roosevelt y su esposo Franklin D. Roosevelt , Anderson realizó un concierto al aire libre aclamado por la crítica el domingo de Pascua, 9 de abril de 1939, en las escaleras del Monumento a Lincoln en Washington, DC. Cantó ante una multitud de más de 75.000 personas y una audiencia radial de millones. Anderson continuó rompiendo barreras para los artistas negros en los Estados Unidos, convirtiéndose en la primera persona negra, estadounidense o no, [ cita requerida ] en interpretar un papel principal en la Ópera Metropolitana de la ciudad de Nueva York el 7 de enero de 1955. [160]
Una breve lista de cantantes clásicos incluye:
Las mujeres desempeñan un papel importante en la música mundial , una categoría musical que abarca muchos estilos diferentes de música de todo el mundo, incluida la música étnica y la música tradicional de África, el Caribe, Sudamérica, Asia y otras regiones, la música indígena, la música neotradicional y la música en la que se entremezclan más de una tradición cultural (por ejemplo, mezclas de música pop occidental y étnica). El término se popularizó en la década de 1980 como una categoría de marketing para la música tradicional no occidental. [161] [162]
La actriz, cantante y bailarina brasileña Carmen Miranda se hizo conocida en Occidente como un complemento exótico en las películas de Hollywood en la década de 1930, similar a la bailarina Josephine Baker antes, y la voz de la exótica , Yma Sumac , después de ella. En la década de 1960 Elis Regina fue la cantante de bossa nova femenina más destacada , [ cita requerida ] que influyó en la música popular en todo el mundo. En las décadas de 1960 y 1970, la cantante folclórica argentina Mercedes Sosa , la sudafricana Miriam Makeba y la griega Maria Farantouri también fueron reconocidas por su compromiso contra las situaciones políticas opresivas en sus estados de origen. Sosa cantando " Gracias a la vida ", " Pata Pata " de Makeba y la colaboración de Farantouri con el compositor Mikis Theodorakis fueron íconos musicales de la lucha por los derechos humanos. La "Reina de la Salsa" Celia Cruz emigró de Cuba a los Estados Unidos en 1966.
Con el creciente interés en la entonces llamada música del mundo en la década de 1980, se redescubrieron viejas grabaciones de artistas consagrados para una audiencia global y se distribuyeron en todo el mundo; muy conocidos en su país de origen, a veces estrellas con estatus legendario, como las cantantes árabes Umm Kulthum , Asmahan y Fairuz , la cantante de raï argelina Cheikha Rimitti , Asha Bhosle , la cantante de reproducción más prolífica de bandas sonoras de películas de Bollywood , la romaní Esma Redžepova , la cantante de ranchera mexicana Chavela Vargas y las Mahotella Queens de Sudáfrica; o fueron grabados por primera vez (por hombres caucásicos) como Cesária Évora de Cabo Verde, Stella Chiweshe de Zimbabwe y la afroperuana Susana Baca .
Hay muchas mujeres intérpretes de músicas del mundo, entre ellas: Ann Savoy , Bi Kidude , Brenda Fassie , Chabuca Granda , Chava Alberstein , Cleoma Breaux Falcon , Dolly Collins , Elizabeth Cotten , Frehel , Gal Costa , Genoa Keawe , Googoosh , Hazel Dickens , Jean Ritchie. , Lata Mangeshkar , Leah Song , Lola Beltrán , Lucha Reyes , Lucilla Galeazzi (The Mammas), Lydia Mendoza , Maria Tanase , Mariam Doumbia , Nada Mamula , Ofra Haza , Oumou Sangare , Rita Marley , Rosa Passos , Roza Eskenazi , Safiye Ayla , Salamat Sadikova , Selda Bagcan , Shirley Collins , Valya Balkanska , Violeta Parra , Warda , Marta Gómez y Zap Mama .
La música árabe es una amalgama de la música del pueblo árabe de la península Arábiga y la música de todos los variados pueblos que componen el mundo árabe. En Egipto, durante la época medieval , los músicos profesionales masculinos durante este período se llamaban alateeyeh (plural) o alatee (singular), que significa "un intérprete de un instrumento". Sin embargo, este nombre se aplica tanto a los vocalistas como a los instrumentistas. Los músicos profesionales masculinos eran considerados de mala reputación y de baja calidad, y se ganaban la vida tocando en fiestas. Las músicas profesionales femeninas en Egipto se llamaban awalim (pl) o al'meh , que significa "mujer erudita". Estas cantantes a menudo eran contratadas con motivo de una celebración en el harén de una persona adinerada. No estaban con el harén, sino en una habitación elevada que estaba oculta por una pantalla para que no las vieran ni el harén ni el dueño de la casa. Las awalim femeninas estaban mejor pagadas que los intérpretes masculinos y eran más respetadas.
En el siglo IX, el uso de instrumentistas masculinos fue duramente criticado en un tratado [¿ cuál? ] porque se los asociaba con vicios percibidos como jugar al ajedrez y escribir poesía amorosa . Tras la invasión de Egipto, Napoleón encargó informes sobre el estado de la cultura otomana . El informe revela que había gremios de instrumentistas masculinos que tocaban para audiencias masculinas y cantantes/músicos "eruditas" que cantaban y tocaban para audiencias femeninas.
En la música china , la música era una actividad importante para las mujeres durante la antigüedad, especialmente para las mujeres eruditas. Las intérpretes femeninas estaban asociadas con el guqin desde la antigüedad. El guqin es un instrumento musical chino de siete cuerdas pulsadas de la familia de las cítaras . Tradicionalmente ha sido el favorito de los eruditos y los literatos como un instrumento de gran sutileza y refinamiento. Una intérprete de guqin fue Cai Wenji , asociada con la pieza Hujia Shiba-pai 《胡笳十八拍》 .
Las mujeres músicas también desempeñan un papel fundamental en la música folclórica china. En el sur de Fujian y Taiwán , la música Nanyin o Nanguan es un género de baladas folclóricas tradicionales chinas. La cantan mujeres acompañadas por una flauta xiao y una pipa , así como otros instrumentos tradicionales. La música se canta en el topolecto Minnan . La música es generalmente triste y suele tratar el tema de una mujer enamorada.
La industria musical pop china (C-pop) en las décadas de 1930 y 1940 estuvo dominada por las Siete Grandes Estrellas del Canto , que fueron los cantantes más reconocidos de China en la década de 1940. Zhou Xuan , Gong Qiuxia , Yao Lee y Bai Hong surgieron en la década de 1930; después Bai Guang , Li Xianglan y Wu Yingyin se hicieron populares en la década de 1940. Después de 1949, las primeras generaciones de C-pop fueron denunciadas por el Partido Comunista Chino como Música Amarilla , ya que veía la música pop como sexualmente indecente (el color amarillo se asocia con el erotismo y el sexo en China). Solo después del final de la Revolución Cultural , a principios de la década de 1980, la Música Amarilla pudo volver a interpretarse.
Hoy en día, después de los extensos cambios políticos y culturales de China de los últimos 50 años, la música popular china ha estado emulando e inspirándose cada vez más en los estilos de música popular de Corea del Sur ( K-pop ) y de Japón ( J-pop ), a los que ahora se parece mucho. Como tal, durante la década de 2010, se han establecido varios grupos de chicas basados tanto en el modelo japonés, como SNH48 (creado en 2012) y sus grupos hermanos , como en el modelo coreano, como Rocket Girls , creado en 2018 a partir de la versión china de un reality show de competencia de talentos de televisión coreano. Estos grupos han logrado un éxito significativo, con el EP debut de Rocket Girls vendiendo más de 1,6 millones de copias. [142] A pesar de esto, las artistas chinas solistas continúan siendo mucho más populares en general en el país, como lo han sido tradicionalmente. [164] Algunas de las cantantes chinas solistas más populares recientemente incluyen a Faye Wong , GEM Gloria Tang, Lala Hsu , 胡66 , Ada Zhuang , Kelly Yu , Chen Li (陳粒), Feng Timo , Bibi Zhou , Shuangsheng (双笙), Tia Ray , Vanessa Jin (金玟岐) y Jane Zhang . [165]
La música clásica india es la música artística del subcontinente indio . Los orígenes de la música clásica india se pueden encontrar en los himnos hindúes . Este estilo de canto evolucionó hacia jatis y, finalmente, hacia ragas . La música clásica india también ha sido significativamente influenciada por, o sincretizada con, la música folclórica india. Los principales compositores de la tradición histórica de la música clásica india fueron hombres. Las vocalistas modernas incluyen a DK Pattammal , MS Subbalakshmi , Gangubai Hangal , Hirabai Barodekar , Kesarbai Kerkar , Kishori Amonkar , Malini Rajurkar , Mogubai Kurdikar , Prabha Atre , Roshan Ara Begum y Shruti Sadolikar Katkar . Una mujer instrumentista es Annapurna Devi .
En la música folclórica india , el lavani es un género musical popular en Maharashtra que tradicionalmente interpretan las mujeres. Bhangra ( Punjabi : ਭੰਗੜਾ ) es una forma de música folclórica orientada a la danza de Punjab . El estilo musical actual se deriva del acompañamiento musical no tradicional de los riffs de Punjab llamados con el mismo nombre. La danza femenina de la región de Punjab se conoce como Giddha ( ਗਿੱਧਾ ).
En la música de Bollywood (el centro de la industria cinematográfica de la India) y otras industrias cinematográficas regionales de la India, las cantantes de playback han tenido un papel importante, con las hermanas Lata Mangeshkar y Asha Bhosle , que han trabajado principalmente en películas hindi, a menudo mencionadas como dos de las cantantes de playback más conocidas y prolíficas de la India. En 2011, Bhosle fue reconocida oficialmente por el Libro Guinness de los Récords Mundiales como la artista más grabada en la historia de la música. [12]
Desde la revolución iraní , a las cantantes solistas iraníes se les ha permitido actuar para audiencias femeninas. Las vocalistas femeninas pueden actuar para audiencias masculinas solo como parte de un coro. Tradicionalmente, ha sido difícil para las cantantes femeninas aparecer en público. A las mujeres solo se les permitía actuar para rituales religiosos, llamados Tazieh , y a los hombres generalmente se les prohibía escuchar a las mujeres. Antes de la Revolución, las mujeres iraníes solo podían cantar en privado, mientras trabajaban, para otras mujeres o durante celebraciones de mujeres. Qamar ol-Molouk Vaziri (1905-1959) es una de las primeras maestras de la música persa. Entre las músicas femeninas se incluyen Delkash (1923-2004); Simin Ghanem (nacida en 1944); Maryam Akhondy (nacida en 1957), fundadora del Barbad Ensemble; la guitarrista clásica persa Lily Afshar ; la cantante Shakila , ganadora del Premio de la Academia Persa; la directora Soodabeh Salem ; Afsaneh Rasaei ; Pirayeh Pourafar , fundador de Nava Ensemble y Lian Ensemble; y Mahsa Vahdat .
La cantante clásica Fatemeh Vaezi (conocida comúnmente por su nombre artístico Parisa) ha dado conciertos acompañada por una orquesta femenina. Después de 1986, Maryam Akhondy comenzó a trabajar con otros músicos iraníes en el exilio. En 2000, Maryam Akhondy creó el grupo a capela exclusivamente femenino Banu, que cantaba antiguas canciones populares que formaban parte de las actividades y celebraciones de las mujeres. La cantante Sima Bina ha enseñado a muchas estudiantes mujeres. Ghashang Kamkar enseña tanto a estudiantes masculinos como femeninos. Tanto Ghashang como Vaezi han criticado la estructura de poder patriarcal en Irán por su trato a las músicas. [166] Los intérpretes de música folclórica iraní incluyen a Sima Bina , Darya Dadvar, Monika Jalili, Ziba Shirazi , Zohreh Jooya y Shushā Guppy . Los intérpretes de pop iraníes incluyen a Googoosh , Hayedeh , Mahasti , Leila Forouhar , Pooran y Laleh Pourkarim . Entre los intérpretes de música del mundo se incluyen Azam Ali y Cymin Samawatie .
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Japón tiene el mercado de música física más grande del mundo, con 2 mil millones de dólares estadounidenses en 2014 y el segundo mercado de música más grande en general , con un valor minorista total de 2.6 mil millones de dólares en 2014. [167] El mercado de sencillos físicos está dominado por artistas japonesas ídolos femeninas, con 9 de los 10 sencillos más vendidos en el país en 2015 pertenecientes al grupo de chicas ídolo AKB48 o sus grupos "hermanos" y "rivales". [168] AKB48 ha tenido los sencillos más vendidos del año en el país durante los últimos seis años [ ¿a partir de? ] y el grupo también es el acto más vendido en Japón por número de sencillos vendidos. [169] La cantante y compositora japonesa estadounidense Hikaru Utada tiene el álbum más vendido en el país , First Love . [ cita requerida ]
Hay evidencia literaria de libros bíblicos como El libro de los Jueces de que las mujeres (incluidas Miriam , Débora y Ana ) participaban en tradiciones musicales que incluían cantar lamentaciones y tocar instrumentos. Sin embargo, no se menciona a las mujeres en las referencias a la liturgia . Finalmente, se les prohibió a las mujeres participar en el culto litúrgico ( kolisha ). Aunque seguirían teniendo un papel en los rituales musicales de la esfera doméstica en el hogar, los entierros y las bodas, estas costumbres no fueron documentadas como lo fue la música litúrgica (y sus creadores e intérpretes). [170]
La gran mayoría de los musicólogos e historiadores de la música más destacados han sido hombres. Sin embargo, algunas mujeres musicólogas han alcanzado los puestos más altos de la profesión. Carolyn Abbate (nacida en 1956) es una musicóloga estadounidense que realizó su doctorado en la Universidad de Princeton . La Harvard Gazette la ha descrito como "una de las historiadoras de la música más admiradas y con más talento del mundo". [172]
Susan McClary (nacida en 1946) es una musicóloga asociada con la nueva musicología que incorpora la crítica musical feminista en su trabajo. McClary tiene un doctorado de la Universidad de Harvard . Una de sus obras más conocidas es Feminine Endings (1991), que cubre las construcciones musicales de género y sexualidad, los aspectos de género de la teoría musical tradicional, la sexualidad de género en la narrativa musical, la música como un discurso de género y los problemas que afectan a las mujeres músicas. En el libro, McClary sugiere que la forma sonata (utilizada en sinfonías y cuartetos de cuerda) puede ser un procedimiento sexista o misógino que construye sobre el género y la identidad sexual. Conventional Wisdom (2000) de McClary sostiene que el supuesto musicológico tradicional de la existencia de elementos "puramente musicales", divorciados de la cultura y el significado, lo social y el cuerpo, es un engaño utilizado para ocultar los imperativos sociales y políticos de la cosmovisión que produce el canon clásico más apreciado por los musicólogos supuestamente objetivos.
Otras mujeres académicas incluyen:
Los etnomusicólogos estudian las numerosas músicas del mundo que enfatizan sus dimensiones o contextos culturales, sociales, materiales, cognitivos, biológicos y de otro tipo en lugar de, o además de, su componente sonoro aislado o cualquier repertorio en particular. La etnomusicología , un término acuñado por Jaap Kunst a partir de las palabras griegas ἔθνος ( ethnos , 'nación') y μουσική ( mousike , 'música'), se describe a menudo como la antropología o etnografía de la música. Inicialmente, la etnomusicología estaba orientada casi exclusivamente hacia la música no occidental, pero ahora incluye el estudio de la música occidental desde perspectivas antropológicas, sociológicas e interculturales.
Las mujeres también han hecho contribuciones significativas en la etnomusicología, especialmente en la intersección de los estudios de género y la etnomusicología. [173] Ellen Koskoff, profesora emérita de la Escuela de Música Eastman, ha realizado un trabajo extenso sobre el género en la etnomusicología. [174] Koskoff también se desempeñó como presidenta de la Sociedad de Etnomusicología y presentó un programa de radio llamado "¿Qué es la música en el mundo?" [174]
En "An Introduction to Women, Music, and Culture" (1987), Koskoff sostiene que la música interpretada por mujeres está "devaluada" y en algunos casos, incluso se considera "no música", a pesar de tener "forma musical". [173] : 15 Koskoff explica que la distinción de que los hombres ocupan esferas públicas y las mujeres privadas, domésticas, ha "creado no necesariamente dos culturas musicales separadas y autónomas, sino más bien dos mitades diferenciadas pero complementarias de la cultura ". [173] : 1 Ella razona que debido a que "en la mayoría de las sociedades, se cree que la identidad de una mujer está arraigada en su sexualidad", "una de las asociaciones más comunes entre las mujeres y la música... vincula la identidad sexual primaria y el rol de las mujeres con la interpretación musical". [173] : 6 Con base en esta asociación, Koskoff sostiene que "surgen cuatro categorías de interpretación musical en conexión con las relaciones entre géneros: (1) interpretación que confirma y mantiene el arreglo social/sexual establecido; (2) la actuación que parece mantener las normas establecidas para proteger otros valores más relevantes; (3) la actuación que protesta, pero mantiene, el orden (a menudo a través de un comportamiento simbólico); y (4) la actuación que desafía y amenaza el orden establecido". [173] : 10
Deborah Wong , profesora de la Universidad de California en Riverside, [175] es conocida por su interés en la música del sudeste asiático y la creación musical asiático-estadounidense, [175] y también ha estudiado taiko , o percusión japonesa-estadounidense. [176]
Otras mujeres etnomusicólogas incluyen:
Mientras que los críticos musicales argumentaron en la década de 1880 que "las mujeres carecían de la creatividad innata para componer buena música" debido a una "predisposición biológica", [7] más tarde, se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical , y se involucraron en este campo "hasta tal punto que las mujeres dominaron la educación musical durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". [7] "Los relatos tradicionales de la historia de la educación musical [en los EE. UU.] a menudo han descuidado las contribuciones de las mujeres, porque estos textos han enfatizado las bandas y los principales líderes en las organizaciones musicales jerárquicas". [177] Al mirar más allá de estos líderes de banda y líderes principales, las mujeres tenían muchos roles en la educación musical en el "hogar, la comunidad, las iglesias, las escuelas públicas y las instituciones de formación de maestros" y "como escritoras, mecenas y mediante su trabajo voluntario en organizaciones". [177]
A pesar de las limitaciones impuestas a las funciones de las mujeres en la educación musical en el siglo XIX, se las aceptaba como maestras de jardín de infantes, porque se consideraba que se trataba de una "esfera privada". Las mujeres también enseñaban música en forma privada, en escuelas de niñas, escuelas dominicales, y formaban a músicos en programas de música escolares. A principios del siglo XX, las mujeres comenzaron a trabajar como supervisoras musicales en escuelas primarias, maestras en escuelas normales y profesoras de música en universidades. Las mujeres también se volvieron más activas en organizaciones profesionales de educación musical y presentaron ponencias en congresos.
Una mujer, Frances Clarke (1860-1958) fundó la Conferencia Nacional de Supervisores Musicales en 1907. Si bien un pequeño número de mujeres se desempeñó como presidente de la Conferencia Nacional de Supervisores Musicales (y las siguientes versiones renombradas de la organización durante el siglo siguiente) a principios del siglo XX, solo hubo dos presidentas entre 1952 y 1992, lo que "[p]osiblemente refleja discriminación". Sin embargo, después de 1990, se abrieron roles de liderazgo para mujeres en la organización. De 1990 a 2010, hubo cinco presidentas de esta organización. [178] : 171 Las mujeres educadoras musicales "superan en número a los hombres dos a uno" en la enseñanza de música general, coro, lecciones privadas e instrucción de teclado. [178] : 177 Se tiende a contratar a más hombres para trabajos de educación de banda, administración y jazz, y más hombres trabajan en colegios y universidades. :177 Según la Dra. Sandra Wieland Howe, todavía existe un " techo de cristal " para las mujeres en las carreras de educación musical, ya que existe un "estigma" asociado con las mujeres en puestos de liderazgo y "los hombres superan en número a las mujeres como administradores". [179]
La mayoría de los directores de orquesta profesionales son hombres; The Guardian calificó la dirección como "uno de los últimos techos de cristal en la industria musical". [10] Un artículo de 2013 afirmó que en Francia, de 574 conciertos, solo 17 fueron dirigidos por mujeres y ninguna mujer dirigió en la Ópera Nacional de París . [192] Bachtrack informó que, en una lista de los 150 mejores directores del mundo ese año, solo cinco eran mujeres. [193] Un pequeño número de directoras se han convertido en directoras internacionales de primer nivel. En enero de 2005, la directora australiana Simone Young se convirtió en la primera mujer en dirigir la Filarmónica de Viena . En 2008, Marin Alsop , protegida de Leonard Bernstein , se convirtió en la primera mujer en convertirse en directora musical y directora principal de una importante orquesta estadounidense cuando ganó el puesto principal en la Sinfónica de Baltimore . [194] Hubo "protestas de un amplio sector de la Sinfónica de Baltimore cuando fue nombrada directora musical por primera vez", pero desde entonces, "los aplausos [han] llegado". [194] En 2014, Alsop fue la primera directora mujer en dirigir el concierto Last Night of the Proms , uno de los eventos de música clásica más importantes de Gran Bretaña, en sus 118 años de historia. [194]
Si bien hay una falta de mujeres en las orquestas profesionales, estudios más recientes muestran que la profesión de director en sí carece de diversidad de género y racial. Existe una clara distinción entre el bajo número de mujeres blancas en el campo en comparación con el de hombres blancos, pero hay un número aún menor de otras identidades raciales y étnicas. La proporción de músicos no blancos representados en la fuerza laboral de la orquesta, y de músicos afroamericanos e hispanos/latinos en particular, sigue siendo extremadamente baja. [195] El campo de la orquesta sigue siendo predominantemente blanco. Los puestos como directores, ejecutivos y personal están dominados por individuos blancos, en particular, hombres blancos. En los puestos ejecutivos de alto nivel, sigue siendo raro ver mujeres o personas de color. Sin embargo, la brecha de género se redujo a principios de la década de 1990, y las mujeres músicas representaron entre el 46% y el 49% del grupo total de músicos en las dos décadas posteriores. [195] Entre los años 1980 y 2014 se cuadriplicó la proporción de músicos diversos en el escenario, impulsada en gran medida por un aumento de músicos de origen asiático o de las islas del Pacífico. [195] Con el paso de los años, se prestó más atención a la disparidad racial y de género en el campo. Esta conciencia ha tenido impactos positivos en el campo de la orquestación. Los datos sobre directores de 2006 a 2016 revelan que hay una tendencia gradual pero constante hacia una mayor diversidad racial y étnica, y el porcentaje de directores afroamericanos, latinos/hispanos, asiáticos/de las islas del Pacífico, indios americanos/nativos de Alaska y otros no blancos aumentó del 15,7 % en 2006 al 21 % en 2016. [195] Aunque se ha reconstruido la blancura y la dominación de género de los hombres en el campo, todavía queda trabajo por hacer.
Muchas mujeres dentro de la profesión de orquesta experimentan formas de discriminación, ya sea de género, racial o ambas. Al principio, no se alentaba a las mujeres a tocar profesionalmente porque la sociedad lo consideraba inapropiado. Además, se consideraba que las mujeres no eran lo suficientemente fuertes ni lo suficientemente hábiles para tocar instrumentos distintos del piano, o para sobrevivir a los agotadores horarios de ensayo. [196] Jeri Lynne Johnson fue la primera mujer afroamericana en ganar un premio internacional de dirección cuando recibió la beca de dirección Taki Concordia en 2005. Es la fundadora y directora musical de la Black Pearl Chamber Orchestra, la primera orquesta profesional multiétnica de Filadelfia . Graduada del Wellesley College y la Universidad de Chicago , es directora, compositora y pianista. De 2001 a 2004, fue directora asistente de la Orquesta de Cámara de Filadelfia . [197] Ha dirigido orquestas de todo el mundo, incluidas la Sinfónica de Colorado , la Sinfónica de Bournemouth (Reino Unido) y la Weimar Staatskapelle (Alemania). Junto con las destacadas directoras de orquesta Marin Alsop y JoAnn Falletta , la Sra. Johnson fue anunciada en el programa The Today Show de la NBC como una de las principales directoras de orquesta del país.
Según la editora de la Radio 3 del Reino Unido, Edwina Wolstencroft, "el mundo de la música ha estado feliz de tener intérpretes femeninas... durante mucho tiempo...[;] pero tener autoridad y poder en público es otra cuestión. Ahí es donde las directoras han tenido dificultades. Nuestra sociedad es más resistente a que las mujeres sean poderosas en público que a que sean entretenidas". [9] El bajo porcentaje de directoras no se debe a que las mujeres no estudien en escuelas de música; de hecho, en 2009 y 2012 casi la mitad de los que recibieron doctorados en dirección fueron mujeres. [10]
El cambio hacia los derechos de las mujeres en la música dio inicio al movimiento feminista en Estados Unidos en 1848. [ cita requerida ] El movimiento impulsó a todas las mujeres a luchar por la igualdad de derechos en una plétora de campos como el voto, la educación, el empleo y el matrimonio. Si bien el movimiento por los derechos de las mujeres significó el comienzo de la inclusión de las mujeres en el campo de la orquestación, aún habría barreras que debían superar. Las mujeres de color, en particular, se enfrentaron a muchos estereotipos que cuestionaban el valor de su trabajo. De hecho, el trabajo de las mujeres negras en el campo se enfrentó a un mayor escrutinio que el de sus contrapartes blancas. Un ejemplo clásico de esto se ve en un estudio realizado para el Boletín del Consejo de Investigación en Educación Musical , por Elliot Charles, en 1995. "Elliot examinó si la raza y el género influían en los juicios sobre las interpretaciones musicales. Cuatro trompetistas y cuatro flautistas fueron grabados en vídeo interpretando el mismo fragmento musical. Para cada instrumento, un hombre blanco, una mujer blanca, un hombre negro y una mujer negra sirvieron como modelos. Para controlar la parte de audio del estudio, el investigador utilizó dos interpretaciones pregrabadas, una para las trompetas y otra para las flautas. Esto creó el mismo audio para todas las interpretaciones de trompetas y flautas. Los estudiantes universitarios de música calificaron cada interpretación en una escala de tipo Likert . Los resultados revelaron que los intérpretes negros de cada género e instrumento recibieron calificaciones significativamente más bajas que los intérpretes blancos. Las calificaciones más bajas se dieron a los trompetistas negros masculinos y femeninos". [198]
Este ejemplo demuestra que en aquella época prevalecía la discriminación de género, pero también debe tenerse en cuenta la discriminación racial.
Las directoras femeninas incluyen:
Según Anwen Crawford, el "problema para las mujeres [críticas de música popular] es que nuestro papel en la música popular fue codificado hace mucho tiempo", lo que significa que "[l]os libros escritos por críticas de rock (o de jazz, hip-hop y música dance, para el caso) son escasos". Crawford señala que los "críticos de música rock más famosos -Robert Christgau , Greil Marcus , Lester Bangs , Nick Kent- son todos hombres". [1]
El sociomusicólogo Simon Frith señaló que la música pop y rock "están estrechamente asociadas con el género; es decir, con las convenciones del comportamiento masculino y femenino". [199] Según Holly Kruse, tanto los artículos de música popular como los artículos académicos sobre música pop suelen escribirse desde "posiciones de sujeto masculino". [200] Además, hay relativamente pocas mujeres escribiendo en periodismo musical: "En 1999, el número de editoras o escritoras senior en Rolling Stone rondaba... el 15%, [mientras que] en Spin y Raygun , [era] aproximadamente el 20%". [201] La crítica asociada con el género se discutió en un artículo de Jezebel de 2014 sobre las luchas de las mujeres en el periodismo musical, escrito por la crítica musical Tracy Moore, anteriormente editora en Nashville Scene . [202]
La crítica musical estadounidense Ann Powers , como crítica y periodista femenina para una industria popular dominada por los hombres, ha escrito críticas sobre las percepciones de las minorías sexuales, raciales y sociales en la industria de la música. También ha escrito sobre feminismo. [203] [204] En 2006 aceptó un puesto como crítica principal de música pop en Los Angeles Times , donde sucedió a Robert Hilburn . [205] En 2005, Powers coescribió el libro Piece by Piece con la música Tori Amos , que analiza el papel de las mujeres en la industria musical moderna y presenta información sobre la composición, las giras, las interpretaciones y las realidades del negocio de la música.
Anwen Crawford, escritora de The Monthly , colaboró en el libro de ensayos y perfiles de Jessica Hopper titulado The First Collection of Criticism by a Living Female Rock Critic . [206] El artículo de Crawford "explora la larga lucha de las mujeres por la visibilidad y el reconocimiento en el campo de la crítica del rock, a pesar de que hemos estado ayudando a ser pioneras en ello desde el principio". [206] Crawford afirma que "[l]a tienda de discos, la tienda de guitarras y ahora las redes sociales: cuando se trata de música popular, estos lugares se convierten en escenarios para la exhibición de la destreza masculina"; "[l]a experiencia femenina, cuando aparece, es descartada repetidamente como fraudulenta. Toda mujer que alguna vez se haya aventurado a opinar sobre la música popular podría darte alguna variación [de esta experiencia]... y convertirse en una "experta" reconocida (una música, una crítica) no salvará [a las mujeres] de las acusaciones de falsedad". [206]
Los críticos musicales populares incluyen:
"El Programa Nacional de Periodismo de las Artes (NAJP) de Columbia... completó un amplio estudio sobre el periodismo de las artes en Estados Unidos [en 2005]. Encontraron que 'el crítico de música clásica promedio es un hombre blanco de 52 años con un título universitario , pero el veintiséis por ciento de todos los críticos que escriben son mujeres'". [207] Sin embargo, William Osborne señala que esta cifra del 26% incluye todos los periódicos, incluidos los periódicos regionales de baja circulación. Osborne afirma que los "grandes periódicos estadounidenses, que son los que influyen en la opinión pública, prácticamente no tienen mujeres críticas de música clásica". [207] Las únicas críticas femeninas de los principales periódicos estadounidenses son Anne Midgette ( New York Times ) y Wynne Delacoma ( Chicago Sun-Times ). Midgette fue la "primera mujer en cubrir música clásica en toda la historia del periódico". [207] Susannah Clapp , crítica de The Guardian —un periódico que tiene una crítica de música clásica mujer— declaró en mayo de 2014 que recién entonces se dio cuenta de "qué rareza" es una crítica de música clásica mujer en el periodismo. [208]
Entre las mujeres críticas de música clásica se incluyen:
Un artículo de Sound on Sound de 2013 afirmó que hay "pocas mujeres en la producción de discos y la ingeniería de sonido ". [11] Ncube afirma que "el noventa y cinco por ciento de los productores musicales son hombres, y aunque hay productoras que logran grandes cosas en la música, son menos conocidas que sus contrapartes masculinas". [11] "Solo tres mujeres han sido nominadas a mejor productora en los Brits o los Grammy " y ninguna ganó ninguno de los premios. [209] "Las mujeres que quieren ingresar al campo [de la producción] se enfrentan a un club de hombres o una mentalidad de gremio ". [209]
A pesar de ello, las mujeres no han asumido el reto desde los años 40. Mary Shipman Howard era ingeniera en la ciudad de Nueva York en los años 40. Lillian McMurry fue productora discográfica y fundadora de Trumpet Records en los años 50. Una de las primeras mujeres en producir, diseñar, arreglar y promocionar música en su propio sello discográfico de rock and roll fue Cordell Jackson (1923-2004). Fundó el sello Moon Records en Memphis en 1956 y comenzó a publicar y promocionar en el sello sencillos que grababa en su estudio casero, trabajando como ingeniera, productora y arreglista. Ethel Gabriel tuvo una carrera de 40 años con RCA y fue la primera productora discográfica de un sello importante. [ cita requerida ]
Trina Shoemaker es una mezcladora, productora discográfica e ingeniera de sonido responsable de producir/diseñar y/o mezclar discos para bandas como Queens of the Stone Age , [210] Sheryl Crow , [210] Emmylou Harris , [210] Something for Kate , [210] Nanci Griffith [210] y muchas más. En 1998, Shoemaker se convirtió en la primera mujer en ganar el premio Grammy al mejor álbum diseñado por su trabajo en The Globe Sessions . [211] Además de Crow, Shoemaker trabajó con artistas como Blues Traveller , Emmylou Harris , las Indigo Girls y las Dixie Chicks . [212]
Otras mujeres incluyen:
Las mujeres en la música suelen ser vistas principalmente en roles de cantantes en la música popular y hay relativamente pocas mujeres DJ o turntablistas en la música hip hop , house , nu metal y otros géneros en los que participan DJ y turntablistas. De hecho, todos estos géneros están muy dominados por los hombres. Parte de esto puede deberse a un bajo porcentaje general de mujeres en trabajos relacionados con la tecnología de audio, como la ingeniería y producción de audio. En 2007, el artículo de Mark Katz "Men, Women, and Turntables: Gender and the DJ Battle", afirmó que "muy pocas mujeres luchan; el asunto ha sido un tema de conversación entre los DJ de hip-hop durante años". [213] En 2010, Rebekah Farrugia afirmó que "la centralidad masculina de la cultura EDM" contribuye a "una marginalización de las mujeres en estos espacios [EDM]". [214] Si bien el turntablism y las prácticas más amplias de los DJ no deberían confundirse, Katz sugiere que el uso o la falta de uso del tocadiscos por parte de las mujeres en todos los géneros y disciplinas se ve afectado por lo que él define como "tecnofilia masculina". [213] La historiadora Ruth Oldenziel coincide en sus escritos sobre ingeniería con esta idea de la socialización como un factor central en la falta de compromiso con la tecnología. Explica: "un enfoque exclusivo en el supuesto fracaso de las mujeres para ingresar al campo... es insuficiente para comprender cómo surgieron nuestras nociones estereotipadas; tiende a poner la carga de la prueba completamente sobre las mujeres y a culparlas por su socialización supuestamente inadecuada, su falta de aspiraciones y su falta de valores masculinos. Una pregunta igualmente desafiante es por qué y cómo los niños han llegado a amar las cosas técnicas, cómo los niños han sido socializados históricamente como tecnófilos". [215]
Lucy Green se ha centrado en el género en relación con los intérpretes y creadores musicales, y específicamente en los marcos educativos en relación con ambos. [216] Ella sugiere que la alienación de las mujeres de "áreas que tienen una fuerte tendencia tecnológica como el DJing, la ingeniería de sonido y la producción" no se debe "necesariamente a su aversión por estos instrumentos, sino que se relaciona con el efecto de interrupción de sus delineaciones predominantemente masculinas". [217] A pesar de esto, las mujeres y las niñas participan cada vez más en prácticas de tocadiscos y DJ, individualmente [218] y colectivamente, [219] y "se crean espacios en la cultura EDM y DJ". [214] Hay varios proyectos dedicados a la promoción y el apoyo de estas prácticas, como Female DJs London. [220] Algunos artistas y colectivos van más allá de estas prácticas para ser más inclusivos en cuanto al género. [221] Por ejemplo, Discwoman , un colectivo y agencia de reservas con sede en Nueva York, se describe a sí mismo como "representante y exhibidor de mujeres cis, mujeres trans y talento de género queer". [222]
La música de mujeres (también música de mujeres o música de mujeres) es música "de mujeres, para mujeres y sobre mujeres". [223] [224] El género surgió como una expresión musical del movimiento feminista de segunda ola [225] así como de los movimientos laborales , de derechos civiles y por la paz . [226] El movimiento (en los EE. UU.) fue iniciado por lesbianas como Cris Williamson , Meg Christian y Margie Adam , músicos afroamericanos (incluidas Linda Tillery , Mary Watkins , Gwen Avery) y activistas como Bernice Johnson Reagon y su grupo Sweet Honey in the Rock , y la activista por la paz Holly Near . [226] La música de mujeres también se refiere a la industria más amplia de la música de mujeres que va más allá de las artistas intérpretes o ejecutantes para incluir músicas de estudio , productoras, ingenieras de sonido , técnicas , artistas de versiones, distribuidoras, promotoras y organizadoras de festivales que también son mujeres. [223]
La Alianza Internacional de Mujeres en la Música (IAWM) es una organización internacional de mujeres y hombres dedicada a fomentar y alentar las actividades de las mujeres en la música, particularmente en las áreas de la actividad musical, como la composición , la interpretación y la investigación, en las que la discriminación de género es una preocupación histórica y continua. La IAWM participa en esfuerzos para aumentar la programación de música de compositoras , para combatir la discriminación contra las músicas, incluso como miembros de la orquesta sinfónica, y para incluir relatos de las contribuciones de las mujeres músicas en los planes de estudio de música universitarios . Para poner fin a la discriminación de género , la IAWM lideró boicots exitosos de los conciertos estadounidenses de la Orquesta Filarmónica de Viena en la década de 1990; la "vigilancia de la VPO" continúa. [227] La defensa de la organización ha contribuido a la inclusión de mujeres compositoras en los libros de texto de historia de la música universitaria . [228]
Women in Music (WIM-NY) es una organización estadounidense con sede en la ciudad de Nueva York que se fundó en 1985. Su objetivo es "apoyar, cultivar y reconocer el talento de las mujeres" en la música. [229] WIM-NY organiza actividades y eventos, incluidos "seminarios, paneles y eventos de networking". [229] Además, otorga premios anuales Touchstone a las mujeres en la música. Los miembros de WIM-NY incluyen "ejecutivos de sellos discográficos, representantes de artistas, compositores, músicos, abogados, ingenieros de grabación, agentes, publicistas, propietarios de estudios, editores de música, vendedores en línea y tradicionales" de "todos los géneros de música y todas las áreas de la industria [musical]". [229] A partir de 2015, la presidenta es la abogada Neeta Ragoowansi y la vicepresidenta es la abogada Jennifer Newman Sharpe. A partir de 2015, la junta directiva incluye mujeres de Nielsen Music, Warner Music Group, Ableton , Downtown Music Publishing y Berklee College of Music .
La Asociación Profesional de Mujeres en la Música de Canadá (WIMC, por sus siglas en inglés) es una organización con sede en Toronto, Ontario, que se estableció en 2012. Es una organización sin fines de lucro registrada a nivel federal que tiene como objetivo "fomentar la igualdad en la industria de la música mediante el apoyo y el avance de las mujeres". [230] WIMC cuenta con el apoyo financiero del gobierno federal, el programa FACTOR, el gobierno de Ontario y Slaight Music.
Women in Music (WIM-UK) es una "organización de miembros del Reino Unido que celebra la creación musical de mujeres en todos los géneros musicales". [231] WIM-UK trabaja para crear "conciencia sobre las cuestiones de género en la música y apoyar a las mujeres músicas en su desarrollo profesional". [231] El sitio web de WIM-UK proporciona información sobre competiciones y oportunidades laborales. [231] WIM-UK realiza una encuesta sobre la cantidad de mujeres compositoras, directoras y solistas que aparecen en los BBC Proms , el "festival de música clásica más grande del mundo". Para los Proms de 2015, las mujeres compositoras representaron el 10% del programa, las mujeres directoras representaron el 4% de los 50 directores y las mujeres solistas instrumentales representaron el 30%. [232]
Now Girls Rule es una organización feminista mexicana creada para el empoderamiento y la promoción de mujeres artistas, actos y bandas lideradas por mujeres, que celebra la música creada por mujeres, además de generar espacios y expandir la escena artística en México al enfocarse en la creación de nuevas generaciones de artistas a través de la educación y la inspiración. [233] [234] Now Girls Rule fue fundada por la músico de rock mexicana independiente Elis Paprika en 2014, tomando el nombre de su sencillo "Now Girls Rule" lanzado ese año, donde presentó a otras importantes artistas latinoamericanas Sandrushka Petrova y Ana Cristina Mo de la banda Descartes a Kant, Renee Mooi y Vanessa Zamora . A lo largo de su carrera, Elis Paprika ha llamado la atención continuamente sobre el hecho de que, a pesar de la enorme cantidad de mujeres artistas talentosas, la escena musical mexicana históricamente ha fallado en la promoción y creación de espacios y oportunidades apropiados para las mujeres en la música.
Now Girls Rule cuenta con varios eventos anuales. Girl Camps ofrece lecciones de música y diseño de fanzines para niñas de 7 a 17 años; todas las maestras son artistas mujeres establecidas de la escena musical mexicana. [235] El formato fue creado para que las jóvenes aspirantes a artistas se reúnan y aprendan de mujeres que han perseguido sus sueños y trabajado para ganarse la vida con su arte, para que puedan inspirarse para desarrollar carreras en la música y el arte. Now Girls Rule Nights es una serie de conciertos en vivo que presentan artistas mujeres establecidas y bandas lideradas por mujeres, al mismo tiempo que invitan a actos liderados por mujeres emergentes a presentarse, para llegar a nuevas multitudes. Now Girls Rule Networkings es un espacio donde mujeres profesionales de diversos orígenes y mujeres artistas se reúnen para conocerse y hablar sobre su trabajo con la esperanza de unir fuerzas en nuevas empresas y proyectos. La Marketa, el primer bazar de artistas mujeres en México, fue creado para que las artistas puedan vender directamente su mercancía a sus fans y quedarse con el 100% de sus ventas. [236] La Marketa es un evento para todas las edades, género inclusivo y mascotas que presenta presentaciones en vivo de algunos de los artistas. Elis Paprika también presenta Now Girls Rule Podcast , un programa semanal a través del canal Señal VL de Vive Latino , que presenta música de artistas mujeres y actos liderados por mujeres que ha conocido en todo el mundo durante sus giras.
Riot grrrl es un movimiento punk hardcore feminista underground que comenzó originalmente a principios de la década de 1990, en Washington, DC, [237] y el gran noroeste del Pacífico , notablemente en Olympia, Washington . [238] A menudo se lo asocia con el feminismo de tercera ola , que a veces se considera su punto de partida. También se lo ha descrito como un género musical que surgió del rock indie, y la escena punk sirvió como inspiración para un movimiento musical en el que las mujeres podían expresarse de la misma manera que los hombres lo habían estado haciendo durante los últimos años. [239]
Las bandas riot grrrl suelen abordar temas como la violación, el abuso doméstico , la sexualidad , el racismo, el patriarcado y el empoderamiento femenino . Las bandas asociadas con el movimiento incluyen a Bikini Kill , Bratmobile , Heavens to Betsy , Excuse 17 , Huggy Bear , Cake Like , Skinned Teen , Emily's Sassy Lime , Sleater-Kinney y también grupos queercore como Team Dresch . [240] [241] Además de una escena y un género musical, riot grrrl es una subcultura que involucra una ética DIY , fanzines , arte, acción política y activismo. [242] Se sabe que las riot grrrls celebran reuniones, inician capítulos y apoyan y organizan a las mujeres en la música. [243]
El uso de la palabra girl (niña) tenía como objetivo indicar una época en la que las niñas están menos influenciadas por las presiones sociales y, por lo tanto, tienen la autoestima más fuerte: la infancia. La ira detrás del movimiento se hizo notar por la ortografía alternativa de la palabra como grrrl , que suena como un gruñido. [243]
Participaron en un nuevo tipo de feminismo punk que promovía la idea del "hazlo tú mismo", intercambiando manifiestos y vendiendo cintas mixtas de sus bandas favoritas para hacer correr la voz. [244] Estaban cansadas de que las mujeres fueran borradas de la historia o de que otros malinterpretaran e ignoraran sus experiencias. En respuesta a la violencia patriarcal, el adultismo y el heterocentrismo , [245] las riot grrrls se involucran en expresiones emocionales negativas y retórica similar a la del feminismo y la estética punk. El argumento feminista de que " lo personal es político " fue revisado en la imagen que las riot grrrl establecieron, de manera similar a la cultura del punk de que la autorrealización no se encuentra en fuerzas externas sino a través del verdadero yo de un individuo. Al reconocer y reevaluar las estructuras institucionales que afectan las experiencias individuales dentro de las situaciones sociales, un individuo puede obtener el conocimiento para conocerse mejor a sí mismo y, por lo tanto, saber cómo presentarse a los demás para que puedan conocerlo con precisión. Las riot grrrl denominaron a este movimiento de autorrealización " amor de chicas ": "chicas que aprenden a amarse a sí mismas y a las demás, contra aquellas fuerzas que, de otro modo, las destruirían o las destruirían a ellas mismas". [ Esta cita necesita una cita ]
El eslogan que acompaña a la publicación, "cada chica es una riot grrrl", refuerza la solidaridad que las mujeres pueden encontrar entre ellas. Esto crea una estética íntima y una política sentimental bien expresada en la producción de fanzines (una versión abreviada de los fanzines ). [243] Los fanzines están hechos a mano, elaborados por personas que quieren conectarse directamente con sus lectores, con elementos simples como tijeras, pegamento y cinta adhesiva. Denuncian injusticias y desafían las normas que suelen dirigir la expresión de la sexualidad y el abuso doméstico, proporcionando un espacio para que las mujeres intercambien historias personales con las que muchas otras podrían identificarse. Desafían a las niñas y mujeres por igual a defenderse en una atmósfera política que busca activamente silenciarlas. [245] Las historias personales compartidas han sido, en ocasiones, recibidas con actitudes que redujeron la comunicación a "son solo chicas en sus habitaciones, desparramadas escribiendo en sus diarios, y luego se los enviarán entre ellas", [ Esta cita necesita una cita ] mientras que la elección de compartir de esa manera es estética.
En medio de esta toma de conciencia, las riot grrrls tuvieron que abordar las generalizaciones que funcionaban para ellas pero que no podían aplicarse a las mujeres de color. Después de todo, no todas las chicas podían ser riot grrrl, porque la falta de privilegios les impedía participar en actos como escribirse SLUT (prostituta) en el estómago en un intento de recuperar la autonomía sexual. [244] Si bien la actuación es seria, el racismo ya había etiquetado a las mujeres de color con ese término. Como observó Kearny, "la desviación de género que muestran las riot grrrls es un privilegio al que solo tienen acceso las chicas blancas de clase media". [245] Otro aspecto de esta necesidad de un discurso inclusivo surgió en la preferencia del movimiento por el conocimiento concreto y un desprecio por lo abstracto que fomentaría la investigación teórica.
Los festivales de música de mujeres, que también pueden llamarse festivales de música de mujeres , se llevan a cabo desde la década de 1970. Algunos festivales de música de mujeres se organizan para lesbianas. El primer festival de música de mujeres se celebró en 1973 en la Universidad Estatal de Sacramento. En mayo de 1974 se celebró el primer Festival Nacional de Música de Mujeres en Champaign-Urbana, Illinois, fundado por la estudiante de la Universidad de Illinois Kristin Lems . [246] Celebró su 40.º aniversario en Middleton, Wisconsin, del 2 al 5 de julio de 2015. [247] A partir de 2015, es un evento de cuatro días que incluye conciertos, talleres, comedia, teatro, películas y eventos de escritura que "promueven y afirman los talentos creativos y las habilidades técnicas de las mujeres" de comunidades diversas y multiculturales, incluidas las mujeres con discapacidades. Si bien la mayoría de los asistentes son mujeres, los hombres pueden asistir. [248] El Michigan Womyn's Music Festival se creó en 1976 y se convirtió en el festival más grande de los Estados Unidos. [249] : 28
Un ejemplo de un festival que se centra en la música es el Women in Music Festival organizado por la Escuela de Música Eastman de la Universidad de Rochester . El festival comenzó en 2005 como una celebración de las contribuciones de las mujeres a la composición, la interpretación, la enseñanza, las becas y la administración musical. [250] Desde sus modestos comienzos con estudiantes y profesores de Eastman interpretando música de compositoras, el Festival ha crecido para incluir conciertos y eventos adicionales en todo Rochester, Nueva York, y para albergar a compositores en residencia, entre los que se incluyen Tania León (2007), Nancy Van de Vate (2008), Judith Lang Zaimont (2009), Emma Lou Diemer (2010) y Hilary Tann (2011). El festival ha presentado más de 291 obras diferentes de 158 compositores.
Muchos otros festivales se han creado en los Estados Unidos y Canadá desde mediados de la década de 1970 y varían en tamaño desde unos pocos cientos a miles de asistentes. El Festival de Música de Mujeres de Los Ángeles comenzó en 2007 con más de 2500 asistentes. Los eventos fuera de los EE. UU. incluyen el Sappho Lesbian Witch Camp, cerca de Vancouver, Columbia Británica, en Canadá y el Sistajive Women's Music Festival en Australia. Algunos festivales se centran en la comunidad lésbica, como el Ohio Lesbian Festival, cerca de Columbus, Ohio, que se creó en 1988; Christian Lesbians Out (CLOUT), que celebra una reunión a principios de agosto en Washington, DC; The Old Lesbian Gathering, un festival en Minneapolis, Minnesota; y RadLesFes, un evento que se celebra a mediados de noviembre cerca de Filadelfia, Pensilvania. Los festivales de orientación feminista incluyen el Southern Womyn's Festival en Dade City, Florida; el Gulf Coast Womyn's Festival en Ovett, Missouri; Wiminfest en Albuquerque, Nuevo México; Womongathering, el Festival de Espiritualidad de las Mujeres; el Festival de Música de Mujeres de Michigan, cerca de Hart, Michigan; y el Festival de Mujeres del Medio Oeste en DeKalb, Illinois.
Aunque los festivales de música de mujeres se centran en la música, apoyan muchas otras facetas de la cultura lésbica y feminista . Algunos festivales están diseñados para proporcionar un espacio seguro para la música y la cultura de las mujeres. Muchos festivales se llevan a cabo en campus universitarios o en lugares rurales remotos, donde las asistentes se alojan en campamentos. Muchos festivales ofrecen talleres sobre artes, manualidades, fitness y eventos deportivos que las mujeres pueden no poder encontrar en la cultura dominante. En su libro Eden Built by Eves , Bonnie Morris describe cómo los festivales de música de mujeres sirven a las mujeres en todas las etapas de sus vidas. Dado que los festivales están organizados por mujeres, para las mujeres, generalmente se proporcionan guarderías y servicios de cuidado infantil. Los festivales a menudo brindan un espacio seguro para los rituales de mayoría de edad para mujeres jóvenes, el romance adulto y las ceremonias de compromiso, la expresión de perspectivas alternativas sobre la maternidad y la expresión del dolor y la pérdida. [249]
Lilith Fair fue una gira de conciertos y un festival de música itinerante que consistía únicamente en artistas solistas femeninas y bandas lideradas por mujeres. Fue fundado por la música canadiense Sarah McLachlan , Dan Fraser y Terry McBride de Nettwerk Music Group y el agente de talentos de Nueva York Marty Diamond. Tuvo lugar durante los veranos de 1997 a 1999 y fue revivido en el verano de 2010. [251] McLachlan organizó el festival después de que se sintiera frustrada con los promotores de conciertos y las estaciones de radio que se negaron a presentar a dos músicas seguidas. [252] En contra de la sabiduría convencional de la industria, reservó una gira exitosa para ella y Paula Cole . Al menos una de sus apariciones juntas, en la ciudad natal de McLachlan, el 14 de septiembre de 1996, se llamó "Lilith Fair" e incluyó actuaciones de McLachlan, Cole, Lisa Loeb y Michelle McAdorey , ex integrante de Crash Vegas .
Al año siguiente, McLachlan fundó la gira Lilith Fair, que tomaba a Lilith de la leyenda judía medieval según la cual Lilith era la primera esposa de Adán . En 1997, Lilith Fair recaudó 16 millones de dólares, lo que lo convirtió en el festival de gira con mayor recaudación. [252] Entre todas las giras de conciertos de ese año, fue la 16.ª con mayor recaudación. [252] El festival recibió varios apodos peyorativos, entre ellos "Breast-fest" y "Girlapalooza". [253] [254]
En los últimos años, numerosos estudios de investigación y artículos periodísticos han sacado a la luz la falta de mujeres en puestos ejecutivos de alto nivel en la industria musical, en sellos discográficos , editoriales musicales y en la gestión de talentos . La propia industria ha reconocido este problema en las últimas décadas, pero poco ha cambiado.
En 1982, por ejemplo, Cosmopolitan publicó un artículo que entrevistaba y perfilaba a seis mujeres ejecutivas y concluía que "por primera vez, las mujeres son pioneras en la alocada, competitiva y muy lucrativa industria de los discos pop...". [255] [256] Solo unas pocas ejecutivas fueron incluidas en el capítulo sobre las mujeres en el aspecto comercial de la industria musical en el libro enciclopédico She Bop: The Definitive History of Women in Rock, Pop and Soul , que se centraba principalmente en mujeres músicas y vocalistas.
El New York Times informó en 2021 que, “Hace tres años, un académico hizo un recuento de los intérpretes, productores y compositores detrás de las canciones exitosas y descubrió que la representación de las mujeres se encontraba en una escala entre, aproximadamente, pobre y abismal”. [257] [258]
A pesar de los avances de los años 1970 y 1980, las mujeres en puestos ejecutivos de alto nivel siguen siendo escasas en el negocio de la música en la actualidad. [259] Según un estudio de Annenberg de 2021 , "... en 70 empresas musicales importantes e independientes... el 13,9% eran mujeres". [260] A las mujeres les va mucho mejor fuera de la industria musical; según un informe de 2021 de US News & World Report , "las mujeres ocupaban el 31,7% de los puestos ejecutivos de alto nivel en todas las industrias..." [261]
Ya sea en el hip-hop, el country o la música popular , las músicas e intérpretes femeninas de todos los géneros experimentan discriminación y trato sexista. [262] Las tres formas prominentes de discriminación sutil que experimentan las cantantes femeninas son ser confundidas con no músicas, la falta de control artístico en comparación con sus homólogos masculinos y el constante escrutinio de su sexualidad , edad y feminidad . [263] En muchos casos, las músicas femeninas son descartadas y relegadas a roles inferiores, como "truco", "buenas para una chica" y "accesorio invisible". [263] Los hombres lideran la mayoría de los proyectos musicales y la libertad artística de las músicas femeninas está restringida por los líderes de banda o representantes masculinos. [263] Otra forma prevaleciente de discriminación hacia las vocalistas y músicas femeninas en la industria musical es la conducta sexual inapropiada . [264] Muchas músicas femeninas tienen miedo de hablar sobre sus experiencias de agresión sexual porque sus historias son descartadas por ser demasiado sensibles a lo que se considera normal en la industria musical. Sin embargo, a principios del siglo XX, muchas vocalistas femeninas como Kesha , Taylor Swift , Lady Gaga y Dua Lipa dieron a conocer sus historias, lo que ayudó a dar forma al movimiento contra el acoso. Además, en el marco del movimiento MeToo , se están reexaminando más historias de mala conducta y discriminación en la industria de la música. [265] Dua Lipa se ha pronunciado sobre el sexismo en la industria de la música, diciendo que "las mujeres luchan por obtener reconocimiento", ya que a menudo el éxito de las grandes artistas femeninas se ve desacreditado por un "hombre detrás de la mujer". [266]
Otra forma de sexismo en la industria musical aparece en las letras. [262] Hay cinco temas principales en las letras de todos los géneros que facilitan la discriminación femenina, señalados aquí por Sarah Neff: "representación de las mujeres en roles de género tradicionales, representación de las mujeres como inferiores a los hombres, representación de las mujeres como objetos, representación de las mujeres como estereotipos y representación de la violencia contra las mujeres". [262] Utilizando una serie de marcadores sexistas, los estudios han encontrado que innumerables letras implican temas sexistas, incluyendo "representar a las mujeres en roles de género tradicionales , describir las relaciones con las mujeres de formas poco realistas y atribuir el valor de una mujer estrictamente sobre la base de su apariencia física". [267] El sexismo en la música está bien documentado para géneros como el rap y el hip-hop , pero con investigaciones más recientes, esto también es válido para la música country, el rock y otros géneros. [267]
Las directoras de orquesta se enfrentaron al sexismo, el racismo y la discriminación de género a lo largo de los siglos XIX y XX. "Para derribar esta aparente barrera laboral, las mujeres crearon sus propias oportunidades al fundar y organizar orquestas exclusivamente femeninas"; un ejemplo es la Orquesta Femenina Fadette de Boston, fundada en 1888 por la directora Caroline B. Nichols . [196] En las primeras décadas del siglo XX se fundaron otras orquestas exclusivamente femeninas, y las directoras las dirigieron. La escritora Ronnie Wooten señala: "Es a la vez interesante e irónico que algo que se considera 'universal' haya excluido históricamente a las mujeres (con la excepción de ciertos roles definidos estereotípicamente) y, más específicamente, a las mujeres de color". [268] Esto comenta el hecho de que la subrepresentación de las mujeres en la dirección se considera un problema de sexismo, pero también es un problema de racismo.
Las directoras de orquesta siguen enfrentándose al sexismo en las primeras décadas del siglo XXI. En la década de 2010, varios directores y músicos masculinos hicieron declaraciones sexistas sobre las directoras de orquesta. En 2013, « Vasily Petrenko , director principal de la Filarmónica de Oslo y la Filarmónica Real de Liverpool , provocó indignación cuando le dijo a un periódico noruego que «las orquestas reaccionan mejor cuando tienen un hombre frente a ellas». [269] También afirmó que «cuando las mujeres tienen familia, se vuelve difícil ser tan dedicadas como se exige en el negocio». [269] Bruno Mantovani , director del Conservatorio de París , dio una entrevista en la que hizo declaraciones sexistas sobre las directoras de orquesta. Mantovani planteó el «problema de la maternidad » y cuestionó la capacidad de las mujeres para soportar los desafíos físicos y el estrés de la profesión, que según él implica «dirigir, tomar un avión, tomar otro avión, dirigir de nuevo». [8] Yuri Temirkanov , director musical de la Filarmónica de San Petersburgo , hizo declaraciones sexistas sobre las directoras en una entrevista de septiembre de 2013, afirmando que "la esencia de la profesión de director es la fuerza. La esencia de una mujer es la debilidad". [8] El director finlandés Jorma Panula hizo declaraciones sexistas sobre las directoras en 2014; afirmó que "las mujeres [directoras] no están... mejorando, sólo empeorando", lo que llamó una "cuestión puramente biológica". [270] [271]
...apparently listed in The Guinness Book Of Records for being the world's longest-surviving all-female rock band
Most women in rock are only repeating what men have done. The women in this band are not doing that. We're coming at things from a more feminine, lunar, viewpoint.
It was not until 1922 that the Philharmonic hired its first female member, Stephanie Goldner, a 26-year-old harpist from Vienna. She departed in 1932, and the orchestra became an all-male bastion again for decades.
{{cite AV media}}: CS1 maint: others in cite AV media (notes) (link){{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link){{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link){{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)Sexual equality has been an issue in the music and entertainment fields as much as in other trades, but now Cosmopolitan's on the case. The current edition of the feminine monthly plugs into music biz careers via a long feature on a group of women executives interviewed by the magazine.
Three years ago, an academic tallied up the performers, producers and songwriters behind hit songs, and found that women's representation fell on a scale between, roughly, poor and abysmal. The starkness of those findings shook the music industry and led to promises of change, like a pledge by record companies and artists to consider hiring more women… But the latest edition of that study, released on Monday by Stacy L. Smith of the University of Southern California's Annenberg Inclusion Initiative, has found that the numbers for women in music have mostly not improved, and in some ways even gotten worse.
…Women have built up a strong presence within the publishing business through a combination of assiduous attention to detail and people management.
Annenberg researchers have repeatedly found women artists capture the spotlight, but they have a smaller role in the broader industry...
A total of 70 major and independent companies were examined for their top executives. At the pinnacle of power within these entities..., 86.1% of top executives were men (13.9% women, n=10)
The share of women holding top executive positions in the U.S. has grown steadily in recent years, according to data from the U.S. Census Bureau. Women held 31.7% of top executive positions across industries in 2021, a near five-point increase since 2015 when it stood at 27.1%.
Mutta naiset... Kyllähän ne yrittää! Toiset irvistää ja rehkii ja präiskyttää mutta ei se siitä parane, pahenoo vain! ... Niin, tämä on puhtaasti biologinen kysymys