Amy Marcy Cheney Beach (5 de septiembre de 1867 - 27 de diciembre de 1944) fue una compositora y pianista estadounidense. Fue la primera compositora estadounidense exitosa de música de arte a gran escala . Su Sinfonía "Gaélica" , estrenada por la Orquesta Sinfónica de Boston en 1896, fue la primera sinfonía compuesta y publicada por una mujer estadounidense. Fue una de las primeras compositoras estadounidenses en triunfar sin el beneficio de la formación europea, y una de las compositoras estadounidenses más respetadas y aclamadas de su época. Como pianista, fue aclamada por los conciertos que dio presentando su propia música en los Estados Unidos y en Alemania.
Amy Marcy Cheney nació en Henniker, New Hampshire , el 5 de septiembre de 1867 [1], hija de Charles Abbott Cheney (sobrino de Oren B. Cheney , cofundador del Bates College ) y Clara Imogene (Marcy) Cheney. La habilidad artística era hereditaria en la familia: Clara tenía fama de ser una "excelente pianista y cantante", [2] mientras que Amy mostraba todas las señales de ser una niña prodigio. Podía cantar cuarenta canciones con precisión a la edad de un año, era capaz de improvisar contramelodías a los dos años y aprendió a leer sola a los tres años. [3] A los cuatro años, compuso tres valses para piano durante un verano en la granja de su abuelo en West Henniker, NH, [4] a pesar de la ausencia de un piano; en cambio, componía las piezas mentalmente y las tocaba cuando regresaba a casa. También podía tocar música de oído, incluidos himnos a cuatro voces. Estos extraordinarios talentos musicales a una edad tan temprana pueden asociarse con ciertas condiciones innatas que poseía. En primer lugar, poseía oído absoluto [ cita requerida ] , lo que le permitía tocar música completamente de oído. Además, experimentaba sinestesia [ cita requerida ] , una condición en la que cada tecla estaba asociada a un color particular. Esta mayor sensibilidad a las teclas hizo que tocar de oído fuera más factible para ella en comparación con los músicos sin tales habilidades. Estas habilidades inherentes no solo la definieron como un prodigio notable, sino que también alimentaron su deseo de excelencia musical. [5] La familia luchó por mantenerse al día con sus intereses y demandas musicales. Su madre cantaba y tocaba para ella, pero intentó evitar que la niña tocara el piano familiar ella misma, creyendo que complacer los deseos de la niña a este respecto dañaría la autoridad paterna. [6] Amy a menudo ordenaba qué música se tocaba en el hogar, y se enfurecía si no cumplía con sus estándares. [ cita requerida ]
Amy comenzó a tomar lecciones formales de piano con su madre a los seis años y pronto dio recitales públicos de obras de Handel , Beethoven y Chopin , así como de sus propias piezas. Uno de esos recitales fue reseñado en la revista de arte The Folio y varios agentes le propusieron giras de conciertos a la joven pianista, que sus padres rechazaron, una decisión por la que Amy estuvo más tarde agradecida. [7]
En 1875, la familia Cheney se mudó a Chelsea , un suburbio al otro lado del río Mystic desde Boston . [8] Allí les aconsejaron que inscribieran a Amy en un conservatorio europeo, pero optaron en cambio por la formación local, contratando a Ernst Perabo y más tarde a Carl Baermann (él mismo un estudiante de Franz Liszt ) como profesores de piano. [9] En 1881-82, la joven de catorce años también estudió armonía y contrapunto con Junius W. Hill. [10] Esta sería su única instrucción formal como compositora, pero "[e]ncontró todos los libros que pudo encontrar sobre teoría, composición y orquestación... aprendió por sí misma... contrapunto , armonía , fuga ", [11] incluso tradujo al inglés los tratados franceses de orquestación de Gevaert y Berlioz , considerados "las biblias de la mayoría de los compositores". [12]
Amy Cheney hizo su debut en concierto a los dieciséis años el 18 de octubre de 1883, en un "Promenade Concert" dirigido por Adolph Neuendorff en el Music Hall de Boston, donde tocó el Rondo en mi bemol de Chopin y fue solista de piano en el concierto para piano n.º 3 en sol menor de Moscheles , con aclamación general: como comenta el biógrafo Fried Block, "[e]s difícil imaginar una reacción crítica más positiva a un debut", y su público se mostró "entusiasmado en extremo". [13] Los dos años siguientes de su carrera incluyeron actuaciones en el Chickering Hall , y protagonizó la última actuación de la temporada 1884-1885 de la Sinfónica de Boston. [14]
Amy recordaría más tarde un ensayo para un concierto de Mendelssohn en 1885, cuando el director redujo la velocidad de la orquesta durante el último movimiento, intentando ser más tolerante con el solista adolescente. Sin embargo, cuando comenzó la parte de piano, tocó al ritmo completo prescrito: "No sabía que me estaba ahorrando, pero sí sabía que el ritmo se arrastraba y yo hice que la orquesta entrara en ritmo". [15]
Amy se casó ese mismo año (1885) con el Dr. Henry Harris Aubrey Beach (1843-1910) [16] [17] ), cirujano de Boston, profesor de Harvard y cantante aficionado veinticuatro años mayor que ella (ella tenía dieciocho años en ese momento). [18] Posteriormente, su nombre aparecería en programas de conciertos y composiciones publicadas como "Sra. HHA Beach". [19]
El matrimonio estaba condicionado a su voluntad de "vivir de acuerdo con su estatus, es decir, funcionar como una matrona de la sociedad y mecenas de las artes. Ella aceptó nunca enseñar piano, una actividad ampliamente asociada con las mujeres" y considerada como una fuente de "dinero para gastos personales". [20] Además, aceptó limitar las actuaciones a dos recitales públicos por año, donando las ganancias a la caridad, y dedicarse más a la composición que a la interpretación (aunque, como escribió, "creía que era pianista ante todo". [21] ) Su educación autoguiada en composición también fue necesaria por el Dr. Beach, quien desaprobaba que su esposa estudiara con un tutor. Restricciones como estas eran típicas para las mujeres de clase media y alta de la época: como se le explicó a una contraparte europea, Fanny Mendelssohn , "La música quizás se convierta en su profesión [la del hermano de Fanny, Felix Mendelssohn ], mientras que para ti puede y debe ser solo un adorno". [22]
Al recordar su vida de casada en 1942, Beach afirmó: "Yo era feliz y él estaba contento" y "Yo pertenecía a un período feliz que tal vez nunca vuelva a repetirse". Actuando en Alemania después de la muerte de Henry en 1910, abandonó el "Mrs. HHA" por "Amy", aparentemente porque el "Mrs." desconcertaba al público alemán, pero a partir de entonces utilizó el nombre de Mrs. HHA Beach por el resto de su vida. [23]
Un gran éxito compositivo llegó con su Misa en mi bemol mayor , interpretada en 1892 por la orquesta de la Handel and Haydn Society [24] , que desde su fundación en 1815 nunca había interpretado una pieza compuesta por una mujer. Los críticos musicales de los periódicos [ ¿cuáles? ] respondieron a la Misa declarando a Beach una de las compositoras más importantes de Estados Unidos [25] , comparando la pieza con las Misas de Cherubini y Bach [26] .
Beach siguió con un hito importante en la historia de la música: su Sinfonía gaélica , la primera sinfonía compuesta y publicada por una mujer estadounidense. Se estrenó el 30 de octubre de 1896, interpretada por la Sinfónica de Boston "con un éxito excepcional", [27] aunque "cualesquiera que fueran los méritos o defectos de la sinfonía, los críticos hicieron un esfuerzo extraordinario en sus intentos de relacionarlos con el sexo de la compositora". [28] El compositor George Whitefield Chadwick (1854-1931) le escribió a Beach que él y su colega Horatio Parker (1863-1919) habían asistido al estreno de la Sinfonía gaélica y lo habían disfrutado mucho: "Siempre siento un escalofrío de orgullo cada vez que escucho una buena obra de cualquiera de nosotros, y como tal, tendrás que ser contado, te guste o no, uno de los muchachos". [29] Estos "chicos" eran un grupo de compositores conocido extraoficialmente como la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra , e incluía no solo a Chadwick y Parker sino también a John Knowles Paine (1839-1926), Arthur Foote (1853-1937) y Edward MacDowell (1860-1908). Con la incorporación de Beach, se los conoció colectivamente como los Seis de Boston , de los cuales Beach era el más joven.
En 1900, la Sinfónica de Boston estrenó el Concierto para piano de Beach , con el compositor como solista. [30] Se ha sugerido que la pieza sugiere las luchas de Beach contra su madre y su marido por el control de su vida musical. [31] En total, Beach fue una de las primeras mujeres estadounidenses que recibió gran popularidad por componer sinfonías. [32]
El marido de Beach murió en junio de 1910 (la pareja no había tenido hijos) y su madre siete meses después. Su padre, Charles Cheney, había muerto en 1895. [33] Beach se sintió incapaz de trabajar durante un tiempo. Fue a Europa con la esperanza de recuperarse allí. En Europa cambió su nombre a "Amy Beach". [34] Viajó junto con Marcella (Marcia) Craft , una soprano estadounidense que era " prima donna de la Ópera Real de Berlín". [35] El primer año de Beach en Europa "fue de descanso casi completo". [36] En 1912 reanudó gradualmente los conciertos. Su debut europeo fue en Dresde , en octubre de 1912, tocando su sonata para violín y piano con el violinista "Dr. Bülau", con críticas favorables. [37] En enero de 1913, dio un concierto en Múnich, nuevamente con su sonata para violín, pero con tres conjuntos de canciones: dos propias y una de Brahms , y música para piano solo de Bach, Beethoven y Brahms. Dos críticos fueron más bien desfavorables, uno calificó las canciones de Beach de " kitsch ". [38] Ella no se inmutó, diciendo que el público era "numeroso y muy entusiasta". [39] Surgió una demanda de partituras de las canciones de Beach y piezas para piano solo, más allá de la oferta que el editor de Beach, Arthur P. Schmidt, tenía disponible para las tiendas de música alemanas. [39] Más tarde, en enero, todavía en Múnich, actuó en su Quinteto para piano; un crítico elogió su composición, que no le gustó del todo, más que su interpretación. [39] En otro concierto en Breslau, solo tres de las canciones de Beach estaban en el programa, menos que en Múnich.
En noviembre-diciembre de 1913 interpretó la parte solista de su Concierto para piano con orquestas en Leipzig , Hamburgo y Berlín . [27] Su Sinfonía gaélica también se interpretó en Hamburgo y Leipzig. [40] Un crítico de Hamburgo escribió: "Tenemos ante nosotros, sin lugar a dudas, a una poseedora de dones musicales del más alto tipo; una naturaleza musical tocada por el genio". [40] Fue recibida como la primera mujer estadounidense "capaz de componer música de una calidad europea de excelencia". [27]
Beach regresó a Estados Unidos en 1914, poco después del comienzo de la Primera Guerra Mundial . Beach y Craft hicieron declaraciones a favor de Alemania a la prensa estadounidense, pero Beach dijo que su lealtad era hacia "la Alemania musical, no hacia la militarista". Le dio algunos manuscritos de música que había escrito en Europa a Craft, quien los trajo de regreso a Estados Unidos. Beach retrasó su propia partida hasta septiembre de 1914, por lo que otro baúl lleno de manuscritos fue confiscado en la frontera belga . [41] Beach finalmente recuperó el baúl y su contenido en 1929. [42]
En 1915, la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco conmemoró la apertura del Canal de Panamá y la recuperación de la ciudad del terremoto e incendio de 1906. Amy Beach fue honrada a menudo con conciertos de su música y recepciones durante 1915, y su Himno de Panamá fue encargado para la ocasión. [18] [43] En 1915, y nuevamente en 1916, Beach visitó a su tía Franc y prima Ethel en San Francisco , quienes para entonces eran sus parientes vivos más cercanos. [44] Aproximadamente el 6 de agosto de 1916, Beach, Franc y Ethel dejaron San Francisco juntos, dejando atrás al esposo de Franc, Lyman Clement, un "matrimonio de cincuenta años roto" por razones desconocidas. [45] Las tres mujeres se establecieron en Hillsborough, New Hampshire, donde había nacido la madre de Franc y Beach. El tío de Beach, Clement, "se instaló" en un hogar de veteranos en California desde 1917 hasta su muerte en 1922. [45] Después de 1916, "Hillsborough fue la residencia oficial de Beach: allí votó en las elecciones presidenciales". [ 45] En 1918, su prima Ethel "desarrolló una enfermedad terminal", y pasó tiempo cuidándola, ya que Franc, a los 75 años, "apenas podía" hacerlo sola. [46]
Aparte de las giras de conciertos y el tiempo que Ethel estuvo enferma hasta su muerte en 1920, [47] Beach también pasó parte de su tiempo en la ciudad de Nueva York . Alguien le había preguntado si era hija de la señora HHA Beach. Volvió a usar ese nombre de casada, pero utilizó "Amy Beach" en los ex libris y la papelería. [48] Durante algunos veranos, compuso en su cabaña en Centerville, Massachusetts, en Cape Cod.
Mientras continuaba obteniendo ingresos de sus composiciones publicadas por Arthur P. Schmidt, entre 1914 y 1921, hizo que G. Schirmer publicara nuevas composiciones . La cabaña de Centerville se había construido en una propiedad de cinco acres que Beach había comprado con las regalías de una canción, Ecstasy (Éxtasis ) de 1892, su composición más exitosa hasta entonces. [49]
A partir de 1921, pasó parte de cada verano como becaria en la MacDowell Colony en Peterborough, New Hampshire , donde compuso varias obras y conoció a otras compositoras y/o músicas, entre ellas Emilie Frances Bauer , Marion Bauer , Mabel Wheeler Daniels , Fannie Charles Dillon y Ethel Glenn Hier , que "eran o se convirtieron en amigas de mucho tiempo" de Beach. [50] Pero había "divisiones generacionales y de género" entre los becarios de música en la MacDowell Colony, y algunos sentían que la música de Beach "ya no estaba de moda". [51]
En 1924, Beach vendió la casa de Boston que había heredado de su marido. Su tía Franc se había "debilitado" alrededor de 1920, [52] desarrolló demencia en 1924 y murió en noviembre de 1925 en Hillsborough, [53] después de lo cual Beach no tuvo parientes supervivientes tan cercanos como Ethel y Franc. En el otoño de 1930, Beach alquiló un apartamento estudio en Nueva York. [54] Allí, se convirtió en la compositora residente virtual de la Iglesia Episcopal de San Bartolomé . Su música se había utilizado durante los 20 años anteriores en los servicios de la iglesia, atribuidos a "H. H. A. Beach", y "Mrs." se agregó solo desde 1931. [55]
Beach utilizó su estatus como la mejor compositora estadounidense para impulsar las carreras de jóvenes músicos. Si bien había acordado no dar lecciones privadas de música mientras estuviera casada, Beach pudo trabajar como educadora musical durante el siglo XX. Se desempeñó como presidenta de la Junta de Consejeros del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra . [56] Trabajó para entrenar y dar retroalimentación a varios compositores, músicos y estudiantes jóvenes. Beach actuó como mentora para estos jóvenes compositores, alentándolos a dedicar tiempo a perfeccionar su arte a través de prácticas laboriosas. Escrito en su documento, "Los diez mandamientos de la música dados a los jóvenes compositores", Beach sugirió que los jóvenes músicos no escatimaran tiempo en analizar obras de todos los géneros, su progreso técnico y emplear la variedad siempre que fuera posible. De 1904 a 1943, Beach publicó numerosos artículos centrados en la programación, preparación y técnicas de estudio para pianistas serios, basando muchos de sus hallazgos en su propia rutina de práctica. [57] Debido a su estatus y su defensa de la educación musical, fue muy solicitada como oradora e intérprete en diversas instituciones y clubes educativos, como la Universidad de New Hampshire , donde recibió un título de maestría honorario en 1928. También trabajó para crear "Beach Clubs", que ayudaron a enseñar y educar a los niños en la música. Se desempeñó como líder de algunas organizaciones centradas en la educación musical y las mujeres, incluida la Sociedad de Mujeres Compositoras Estadounidenses como su primera presidenta. [58]
Beach pasó el invierno y la primavera de 1928-29 en Roma. [59] Fue a conciertos "casi a diario" y encontró que Feste Romane de Respighi era "magníficamente brillante", pero no le gustó una pieza de Paul Hindemith . [60] En marzo de 1929 dio un concierto a beneficio del Hospital Americano de Roma, en el que se interpretó su canción "The Year's at the Spring" y se recaudó una "gran suma de dinero". [61] Beach, al igual que sus amigos en Roma, se convirtió brevemente en una admiradora del dictador italiano Mussolini . Regresó a los Estados Unidos con una escala de dos semanas en Leipzig, donde conoció a su vieja amiga, la cantante Marcella Craft. [61]
Fue miembro del Capítulo R (Nueva York) de la Hermandad PEO . Más tarde en su vida, colaboró en la "Balada de PEO" con las palabras escritas por Ruth Comfort Mitchell , Capítulo BZ/California. [62] La enfermedad cardíaca llevó a Beach a retirarse en 1940, en la época en que fue homenajeada en una cena de homenaje por 200 de sus amigos en Nueva York. Beach murió en la ciudad de Nueva York en 1944. [63] [18] Amy Beach está enterrada con su esposo en el cementerio de Forest Hills en el vecindario de Jamaica Plain de Boston , Massachusetts.
Beach fue miembro de la « Segunda Escuela de Nueva Inglaterra » o «Grupo de Boston»; los otros miembros eran los compositores John Knowles Paine , Arthur Foote , George Chadwick , Edward MacDowell , George Whiting y Horatio Parker . [64] Su escritura está principalmente en un idioma romántico, a menudo comparado con el de Brahms o Rachmaninoff . En sus obras posteriores experimentó, alejándose de la tonalidad, empleando escalas de tonos enteros y armonías y técnicas más exóticas.
Las composiciones de Beach incluyen una ópera de un acto, Cabildo , [65] y una variedad de otras obras.
Beach escribió la Sinfonía gaélica (1896) y el Concierto para piano en do sostenido menor (1898-99). Otra pieza orquestal, Bal masque , tiene una versión para piano solo. Otras dos piezas, Eilende Wolken y Jephthah's Daughter , son para orquesta con voz.
Las obras corales sacras de Beach son principalmente para cuatro voces y órgano, pero unas pocas son para voces y orquesta, dos de ellas son la Misa en mi bemol mayor (1892) y su versión del Cántico al sol de San Francisco (1924, 1928), interpretada por primera vez en la iglesia de San Bartolomé en Nueva York. Una versión del Te Deum con órgano fue interpretada por primera vez por el coro de hombres y niños de la Iglesia Episcopal Emmanuel en Boston. La Sociedad Coral Capitol Hill de Washington, DC, grabó el Cántico al sol, siete respuestas de comunión y otras piezas de Beach en 1998, dirigida por su directora musical Betty Buchanan, quien fundó la Sociedad en 1983.
Hay varias decenas de obras corales profanas, acompañadas por orquesta, piano u órgano. El editor Arthur P. Schmidt se quejó una vez a Beach de que sus "piezas corales prácticamente no se vendían". [66]
Las composiciones de música de cámara de Beach incluyen una sonata para violín (grabada en siete sellos diferentes), un romance y tres piezas más para violín y piano, un trío para piano , un cuarteto de cuerdas y un quinteto para piano .
De las más de 300 obras de Amy Beach que se publicaron durante su vida y que incluían casi todos los géneros, la categoría más grande son sus canciones de arte y música de cámara vocal. Además de estas, escribió muchas obras de cámara y transcripciones para piano, incluidas Variations on Balkan Themes , la obra para piano en solitario "más larga e importante" de Beach, que fue compuesta en 1904, en respuesta a las revueltas en los Balcanes contra el entonces gobernante Imperio Otomano . [67] Doce son obras de cámara instrumentales. Un aspecto notable de la musicalidad de Beach fue su papel como pianista virtuosa , en el que interpretó regularmente tanto sus propias composiciones como las de otros. [68] Realizó giras extensas por Alemania, Nueva Inglaterra y hasta la costa del Pacífico, donde llevó la música de concierto europea-americana a los estados occidentales. Entre dos de las obras instrumentales de Beach interpretadas con más frecuencia se encuentran la Sonata en la menor para piano y violín, Op. 34 y el Quinteto en fa bemol menor, Op. 67, ya que ambos fueron programados ampliamente en los Estados Unidos y Alemania. [69] Otra obra notable que ilustra la habilidad de Beach y su apego a la tradición como compositora es su Cuarteto de cuerdas, Op. 89.
En enero de 1897, Beach tocó con Franz Kneisel el estreno de su Sonata para piano y violín, Op. 34, que había compuesto en la primavera de 1896. [70] Franz Kneisel era un violinista destacado en Boston y más allá, habiendo sido contratado a los 20 años aproximadamente por Wilhelm Gericke , director de la Orquesta Sinfónica de Boston , como concertino de la orquesta. Poco después de llegar a Boston, formó el Cuarteto de Cuerdas Kneisel con otros tres músicos de cuerda de la Sinfónica de Boston. (El Cuarteto duró hasta 1917. Mientras tanto, Kneisel se mudó a Nueva York en 1905). En 1894, Beach se había unido al cuarteto para interpretar el Quinteto para piano en mi bemol, Op. 44, de Robert Schumann . [67] La Sonata está escrita en cuatro movimientos, que están interconectados musicalmente al utilizar el tema de apertura del primer movimiento como una fuente germinal para desarrollarse en los tres siguientes. Están cuidadosamente elaborados para seguir las convenciones de la forma mientras implementan cada elemento musical de una manera precisa y bien construida. [70]
El estreno fue seguido rápidamente por varias interpretaciones de la pieza en varias ciudades de Nueva York, donde la recepción crítica fue mixta; algunos críticos describieron la pieza como inmadura y carente de sustancia, aunque reconocieron su hábil uso del movimiento contrapuntístico y los temas principales afectivos. [71] El tercer movimiento, Largo con dolore, fue el más controvertido entre los críticos, con algunos elogiando su belleza y naturaleza apasionadamente evocadora, mientras que otros ridiculizaron su duración por ser demasiado extensa y monótona. [70] El público, sin embargo, quedó cautivado y hechizado por el movimiento lento; en una interpretación se informó que estallaron en aplausos entusiastas entre el tercer y cuarto movimiento debido a una abundancia de emoción. [70] En Europa, la pieza fue generalmente bien recibida. La compositora y pianista Teresa Carreño interpretó la pieza con el violinista Carl Halir en Berlín, en octubre de 1899 y escribió a Beach:
Le aseguro que nunca he tenido mayor placer en mi vida que el que tuve al componer su hermosa sonata y tener la suerte de presentarla al público alemán... Realmente fue un éxito decidido y esto se debe al mérito del público. [72]
Los críticos de Berlín reaccionaron de forma bastante positiva a la Sonata, elogiando su desarrollo técnico y el uso brillante del violín y el piano como partes individuales. Cuando la criticaron, señalaron que quizá era demasiado virtuosa para la música de cámara, mientras que otro crítico del Berliner Volks-Zeitung calificó el estilo compositivo de Beach de derivar demasiado de Schumann y Brahms, aunque admitió que el género de Beach era una salvedad para esta supuesta deficiencia (el sexismo era común y extremo en la música clásica). Escribió:
En cuanto al estilo, no es individualista; su dependencia de Schumann y Brahms es inconfundible, lo cual es una debilidad para la que el carácter femenino proporciona fundamento y excusa. La sonata es sonora y elegante tanto en las partes de violín como de piano, aunque este último en el último movimiento sobrepasa un poco los límites asignados a la música de cámara. [71]
En 1900, con el Cuarteto Kneisel, Beach interpretó el Quinteto para piano en fa menor, Op. 34, de Brahms . [73] Beach escribió su propio Quinteto para piano y cuerdas en fa sostenido menor, Op. 67, en tres movimientos, en 1905. El quinteto llegó a ser interpretado con frecuencia durante la vida de Beach, tanto en concierto como por radio. Estas interpretaciones eran a menudo realizadas por cuartetos de cuerda establecidos acompañados por la pianista y compositora, incluidas muchas veces durante una gira prolongada con el Cuarteto Kneisel en 1916-17, [74] que fue la 33.ª y última temporada del cuarteto. Beach interpretó su quinteto con ellos en Boston, Brooklyn, Chicago y Filadelfia. [75]
Entre todas las obras de cámara de Beach, esta obra ha sido descrita como una de las más claramente representativas de la influencia brahmsiana en su música, desde la melodía cromática irregular y los pasajes líricos contrastantes, las longitudes de frase irregulares, sus cambios de tonalidad y su textura exuberante, hasta su estricta adherencia a la forma sonata-allegro. El tema principal de las tres obras, de hecho, está tomado del último movimiento del quinteto de Brahms, aunque adaptado y reelaborado de diversas maneras. [73] Los tres movimientos presentan frecuentes desarrollos distintos en métrica, tempo y tonalidad. Toda la obra tiene un carácter afectivo de lamentación en todo momento, demostrado no solo por las cualidades emotivas generales de la obra en sí, sino también por su uso de la cadencia del tetracordio frigio frecuentemente asociada con el duelo, que en esta obra describe las notas F#-EDC#. [73]
En términos generales, la obra fue recibida bastante bien por el público y los críticos, que la consideraron perteneciente a una importante tradición compositiva. Los críticos destacaron su imaginación estéticamente flexible, al tiempo que se adherían a las expectativas tradicionales, aportando una variedad de estados de ánimo expresivos y colores tonales a una obra de forma sustancial. [74] También comentaron la modernidad y la habilidad que mostraba la obra, ya que lograba una naturaleza altamente expresiva y una textura orquestal, al tiempo que mantenía el carácter íntimo y técnicamente desarrollado de la voz del conjunto de cámara. [76] Esta obra contribuyó a su reputación como compositora de música de alto nivel, aunque algunos críticos todavía la consideraban ligeramente inferior a las obras de compositores masculinos similares. [74]
El Cuarteto de cuerdas de Beach es un solo movimiento y es una de sus obras más maduras. Originalmente fue etiquetado como Op. 79, pero en el transcurso de una década, la obra evolucionó y Beach finalmente renombró la pieza como Op. 89 en 1929. [69] La importancia que Beach le dio a esta pieza es notable, dado que no presentaba una parte de piano que ella interpretaría, como muchas de sus otras obras. Debido al momento de la composición de la pieza, hay alguna evidencia de que Beach puede haber sido inspirada para escribir la obra como parte del concurso de música de cámara de Elizabeth Sprague Coolidge en 1922. [77] Numerosos intentos minuciosos demuestran tanto la devoción de Beach a la composición de esta pieza como su falta de familiaridad con la escritura en este género. La obra final, completada en Roma, consta de un solo movimiento dividido en tres secciones y, temáticamente hablando, sigue una forma de arco (ABC B1 A1). [78] La pieza utiliza tres melodías esquimales o inuit diferentes a lo largo de la obra: "Summer Song", "Playing at Ball" y "Itataujang's Song", tomadas del libro de Franz Boas sobre las tribus inuit de Alaska . [79] Beach integra estas melodías prestadas dentro de un marco de cuasitonalidad y disonancia extendidas austrogermánicas , primero a través de declaraciones más directas de las melodías y luego asimiladas en una estructura armónica horizontal. Los elementos de las melodías se abstraen y se desarrollan en líneas contrapuntísticas que impulsan la obra hacia adelante en ausencia de una dirección tonal clara. La textura y la armonía son bastante austeras en algunos lugares, carecen del romanticismo exuberante de sus obras anteriores y representan inclinaciones más modernistas de una compositora en desarrollo. [79]
La pieza se estrenó en la Academia Americana en abril de 1929, pero Beach informó poco sobre si esta interpretación fue satisfactoria o no. No obstante, fue seguida por una serie de interpretaciones privadas y pequeños recitales en Nueva York, Cincinnati y Massachusetts. Una interpretación de 1937 arreglada por Roy Harris fue particularmente decepcionante, ya que los intérpretes estaban mal preparados y leyeron la obra a primera vista de manera deficiente. Ninguna interpretación del cuarteto fue completamente satisfactoria para Beach, y la obra no obtuvo el reconocimiento que ella parecía esperar que obtendría. [79]
Debido a que el cuarteto era tan diferente de muchas de las obras anteriores de Beach, y dado que Beach no pudo interpretarlo ella misma, se sabe poco sobre la respuesta de la audiencia y la crítica a la pieza. El compositor y biógrafo Burnet Corwin Tuthill lo elogió, diciendo que si bien era inusual para Beach y carecía del emocionalismo que suele prevalecer en su música, demostró una notable sofisticación técnica y habilidad en su manejo tanto de la escritura de cuerdas como del compromiso con el material temático que no era de origen europeo. De hecho, el uso que hizo Beach de melodías inuit y nativas americanas se convirtió en una característica destacada en varias de sus otras obras, que utilizó como un medio para aportar modernidad estilística a su sonido a través de la apropiación y recontextualización de estas melodías. [80]
Beach fue más popular por sus cerca de 150 canciones. Las letras de aproximadamente cinco de ellas son suyas y de HHA Beach, y las del resto, de otros poetas. "The Year's At the Spring" de Three Browning Songs, Op. 44 es quizás la obra más conocida de Beach. A pesar del volumen y la popularidad de las canciones durante su vida, no existe una colección de canciones de Beach escritas por un solo compositor. Algunas se pueden comprar a través de Hildegard Publishing Company y Masters Music Publication, Inc.
A principios de la década de 1890, Beach comenzó a interesarse por las canciones folclóricas. Compartía ese interés con varios de sus colegas, y este interés pronto se convirtió en el primer movimiento nacionalista en la música estadounidense. Las contribuciones de Beach incluyeron alrededor de treinta canciones inspiradas en la música folclórica , incluidos los orígenes escoceses , irlandeses , balcánicos , afroamericanos y nativos americanos . [81]
Beach era una intelectual musical que escribía para revistas, periódicos y otras publicaciones. Aconsejó a músicos y compositores jóvenes, especialmente a compositoras. Desde consejos sobre carrera hasta sobre técnica de piano, Beach brindó sus opiniones en artículos como "To the Girl who Wants to Compose" [82] y "Emotion Versus Intellect in Music" [83] . En 1915, había escrito Music's Ten Commandments as Given for Young Composers [Los diez mandamientos de la música dados a los jóvenes compositores ] , que expresaba muchos de sus principios de autoaprendizaje. [84]
A pesar de su fama y reconocimiento durante su vida, Beach fue en gran medida ignorada después de su muerte en 1944 hasta finales del siglo XX. Los esfuerzos por revivir el interés en las obras de Beach han tenido mucho éxito durante las últimas décadas.
La sinfonía ha recibido elogios de los críticos modernos, como Andrew Achenbach de Gramophone , quien en 2003 elogió la obra por su "gran corazón, encanto irresistible y progreso seguro". [85] En 2016, Jonathan Blumhofer de The Arts Fuse escribió:
Para mí, es de lejos la mejor sinfonía de un compositor estadounidense anterior a Ives y, por un amplio margen, mejor que muchas de las que vinieron después de él. Seguramente es la sinfonía más emocionante escrita por un estadounidense antes de la Primera Guerra Mundial . [...] Su dominio de la instrumentación a lo largo de la Sinfonía fue consistentemente excelente y colorido. La manera en que equilibró el contenido y la forma tiene éxito donde sus contemporáneos como George Whitefield Chadwick , John Knowles Paine y Horatio Parker tan a menudo se quedaron cortos: de alguna manera, la Sinfonía de Beach nunca se ve intimidada por las largas sombras que Brahms y Beethoven proyectan al otro lado del Atlántico. Es una declaración fresca, vigorizante y personal en un género que ha ofrecido muchos ejemplos de piezas que no demuestran ninguna de esas cualidades. [86]
El Concierto para piano de Beach ha sido elogiado por los críticos modernos como una obra maestra pasada por alto. En 1994, Phil Greenfield de The Baltimore Sun lo llamó "una obra colorida y elegante que podría volverse extremadamente popular si un número suficiente de personas tuviera la oportunidad de escucharla". [87] En 2000, Joshua Kosman del San Francisco Chronicle también elogió la composición, escribiendo:
Sus cuatro movimientos están repletos de incidentes: melodías bellamente elaboradas (varias de ellas extraídas de sus canciones), un perfil rítmico directo y una interacción vivaz y a veces polémica entre el solista y la orquesta. La parte de piano es tan llamativa y exigente como lo requiere un vehículo virtuoso, pero también hay un elemento de patetismo en ella: una sensación de restricción que parece ensombrecer incluso los pasajes más extrovertidos de la obra. [88]
Andrew Achenbach de Gramophone lo declaró de manera similar "ambicioso" y "singularmente impresionante... un logro gratificante en todos los aspectos, lleno de escritura solista brillantemente idiomática... que le dio más intriga autobiográfica por su asimilación de material temático de tres canciones tempranas". [85]
En 1994, la Boston Women's Heritage Trail colocó una placa de bronce en su dirección de Boston, y en 1995, se dedicó la tumba de Beach en el cementerio de Forest Hills . [89] En 1999, fue incluida en el Salón de la Fama y Museo de la Música Clásica Estadounidense en Cincinnati, Ohio. En 2000, la Boston Pops le rindió homenaje agregando su nombre como la primera mujer que se unió a otros 87 compositores en la pared de granito del Hatch Shell de Boston . [90] [91] En honor al 150 cumpleaños de Beach , Marty Walsh , alcalde de la ciudad de Boston, declaró el 5 de septiembre de 2017 como el "Día de Amy Beach". [92] También conmemorando el sesquicentenario de Beach, The New York Times publicó un artículo de William Robin, "Amy Beach, una compositora estadounidense pionera, cumple 150 años".
Amy Beach, Sonata para violín y piano en la menor, Op. 34:
