Un madrigal es una forma de música vocal secular más típica del Renacimiento (siglos XV-XVI) y del Barroco temprano (1600-1750), aunque retomada por algunos compositores europeos posteriores. [1] El madrigal polifónico no está acompañado , y el número de voces varía de dos a ocho, pero normalmente presenta de tres a seis voces, mientras que la métrica del madrigal varía entre dos o tres tercetos , seguidos de uno o dos versos . [2] A diferencia de las formas estróficas que se repiten en verso cantadas con la misma música, [3] la mayoría de los madrigales están compuestos completamente y presentan música diferente para cada estrofa de la letra, mediante la cual el compositor expresa las emociones contenidas en cada línea y en palabras individuales de el poema que se canta. [4]
Tal como lo escribieron los compositores franco-flamencos italianizados en la década de 1520 , el madrigal se originó en parte a partir de la frottola de tres a cuatro voces (1470-1530); en parte por el renovado interés de los compositores por la poesía escrita en italiano vernáculo ; en parte por la influencia estilística de la canción francesa ; y de la polifonía del motete (s. XIII-XVI). El contraste técnico entre las formas musicales está en la frottola que consiste en música ambientada en estrofas de texto, mientras que el madrigal está compuesto en su totalidad, una obra con música diferente para diferentes estrofas. [5] Como composición, el madrigal del Renacimiento se diferencia del madrigal italiano del Trecento (1300-1370) del siglo XIV, de dos a tres voces, teniendo en común sólo el nombre madrigal , [6] que deriva del latín matricalis (maternal) que denota trabajo musical al servicio de la iglesia madre. [2]
Artísticamente, el madrigal fue la forma más importante de música secular en Italia y alcanzó su cenit formal e histórico a finales del siglo XVI, cuando el madrigal también fue adoptado por compositores alemanes e ingleses, como John Wilbye (1574-1638). , Thomas Weelkes (1576–1623) y Thomas Morley (1557–1602) de la Escuela Inglesa Madrigal (1588–1627). Aunque de temperamento británico, la mayoría de los madrigales ingleses eran composiciones a capella para tres a seis voces, que copiaban o traducían los estilos musicales de los madrigales originales de Italia. [2] A mediados del siglo XVI, los compositores italianos comenzaron a fusionar el madrigal en la composición de la cantata y el diálogo ; y a principios del siglo XVII, el aria reemplazó al madrigal en la ópera . [6]
El madrigal es una composición musical que surgió de la convergencia de tendencias humanistas en la Italia del siglo XVI. En primer lugar, el renovado interés en el uso del italiano como lengua vernácula para la vida diaria y la comunicación, en lugar del latín. En 1501, el teórico literario Pietro Bembo (1470-1547) publicó una edición del poeta Petrarca (1304-1374); y publicó la Oratio pro litteris graecis (1453) sobre cómo lograr una escritura elegante mediante la aplicación de la prosodia latina , la cuidadosa atención al sonido de las palabras y la sintaxis , la posición de una palabra dentro de una línea de texto. Como forma de poesía, el madrigal constaba de un número irregular de versos (normalmente de 7 a 11 sílabas) sin repetición. [6] [7] [8]
En segundo lugar, Italia era el destino habitual de los compositores oltremontani ("aquellos de más allá de los Alpes") de la escuela franco-flamenca , que se sentían atraídos por la cultura italiana y por el empleo en la corte de un aristócrata o en la Iglesia católica romana. Los compositores de la escuela franco-flamenca dominaban el estilo de composición polifónica para música religiosa y conocían las composiciones seculares de sus países de origen, como la chanson , que se diferenciaba mucho de los estilos de composición seculares y más ligeros de finales del siglo XV y Italia de principios del siglo XVI. [6]
En tercer lugar, la imprenta facilitó la disponibilidad de partituras en Italia. Las formas musicales entonces de uso común —la frottola y la ballata , la canzonetta y la mascherata— eran composiciones ligeras con versos de baja calidad literaria. Esas formas musicales utilizaban la repetición y la homofonía , texturas y estilos cordales dominados por la soprano , que eran más simples que los estilos de composición de la escuela franco-flamenca. Además, el gusto popular italiano por la literatura estaba cambiando del verso frívolo al tipo de verso serio utilizado por Bembo y su escuela, que requerían más flexibilidad compositiva que la de la frottola y las formas musicales relacionadas. [6] [8]
El madrigal reemplazó lentamente a la frottola en la década de transición de la década de 1520. Los primeros madrigales fueron publicados en Musica di messer Bernardo Pisano sopra le canzone del Petrarcha (1520), de Bernardo Pisano (1490-1548), aunque ninguna composición lleva el nombre de madrigal , algunos de los escenarios son petrarquistas en versificación y pintura de palabras . que se convirtieron en características compositivas del madrigal posterior. [6] Los Madrigali de diversi musici: libro primo de la Serena (1530), de Philippe Verdelot (1480-1540), incluye música de Sebastiano Festa (1490-1524) y Costanzo Festa (1485-1545), Maistre Jhan (1485 –1538) y el propio Verdelot. [6]
En el período 1533-1534, en Venecia, Verdelot publicó dos libros populares de madrigales a cuatro voces que se reimprimieron en 1540. En 1536, ese éxito editorial impulsó al fundador de la escuela franco-flamenca , Adrian Willaert (1490-1562), para reorganizar algunos madrigales a cuatro voces para voz única y laúd. En 1541, Verdelot también publicó madrigales a cinco voces y madrigales a seis voces. [6] El éxito del primer libro de madrigales, Il primo libro di madrigali (1539), de Jacques Arcadelt (1507-1568), lo convirtió en el libro de madrigales más reimpreso de su época. [9] Estilísticamente, la música en los libros de Arcadelt y Verdelot estaba más cerca de la chanson francesa que de la frottola y el motete italianos , dado que el francés era su lengua materna. Como compositores, estuvieron atentos a la configuración del texto, según las ideas de Bembo, y compusieron la música, en lugar de utilizar las construcciones de estribillo y verso comunes a la música secular francesa. [10]
Aunque el madrigal se originó en las ciudades de Florencia y Roma, a mediados del siglo XVI Venecia se había convertido en el centro de la actividad musical. Las agitaciones políticas del saqueo de Roma (1527) y el asedio de Florencia (1529-1530) disminuyeron la importancia de esa ciudad como centro musical. Además, Venecia era el centro editorial musical de Europa; la Basílica de San Marco di Venezia (Basílica de San Marcos) empezaba a atraer a músicos de Europa; y Pietro Bembo había regresado a Venecia en 1529. Adrian Willaert (1490-1562) y sus asociados en la Basílica de San Marcos, Girolamo Parabosco (1524-1557), Jacques Buus (1524-1557) y Baldassare Donato (1525-1603) , Perissone Cambio (1520-1562) y Cipriano de Rore (1515-1565), fueron los principales compositores del madrigal a mediados de siglo.
A diferencia de Arcadelt y Verdelot, Willaert prefería las texturas complejas del lenguaje polifónico, por lo que sus madrigales eran como motetes, aunque varió las texturas compositivas, entre pasajes homofónicos y polifónicos, para resaltar el texto de las estrofas; para los versos, Willaert prefería los sonetos de Petrarca. [6] [11] [12] En segundo lugar después de Willaert, Cipriano de Rore fue el compositor de madrigales más influyente; Mientras que Willaert fue sobrio y sutil en la configuración del texto, esforzándose por lograr la homogeneidad, en lugar de un fuerte contraste, Rore utilizó gestos retóricos extravagantes, incluida la pintura de palabras y relaciones cromáticas inusuales , una tendencia compositiva alentada por el teórico de la música Nicola Vicentino (1511-1511). 1576). [9] [13] Del lenguaje musical de Rore surgieron los madrigalismos que hicieron que el género fuera distintivo y la textura de cinco voces que se convirtió en el estándar para la composición. [14]
La última historia del madrigal comienza con Cipriano de Rore, cuyas obras fueron las formas musicales elementales de composición de madrigal que existían a principios del siglo XVII. [6] [15] Los compositores relevantes incluyen a Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), quien escribió música secular al comienzo de su carrera; Orlande de Lassus (1530-1594), que escribió los doce motetes Prophetiae Sibyllarum (Profecías sibilinas, 1600) y, más tarde, cuando se trasladó a Munich en 1556, inició la historia de la composición de madrigales más allá de Italia; y Philippe de Monte (1521-1603), el madrigalista más prolífico, publicado por primera vez en 1554. [6] [16]
En Venecia, Andrea Gabrieli (1532-1585) compuso madrigales con texturas polifónicas, abiertas y brillantes, como en sus composiciones de motetes . En la corte de Alfonso II d'Este, duque de Ferrara (r. 1559-1597), se celebró el Concerto delle donne (1580-1597), el concierto de las damas, tres cantantes para quienes Luzzasco Luzzaschi (1545-1607 ), Giaches de Wert (1535-1596) y Lodovico Agostini (1534-1590) compusieron madrigales ornamentados, a menudo con acompañamiento instrumental. La gran calidad artística del Concierto delle donne de Ferrara animó a los compositores a visitar la corte de Ferrara, escuchar a las mujeres cantar y ofrecerles composiciones para que cantaran. A su vez, otras ciudades establecieron su propio concerto delle donne , como en Florencia, donde la familia Medici encargó a Alessandro Striggio (1536-1592) la composición de madrigales al estilo de Luzzaschi. [6] En Roma, las composiciones de Luca Marenzio (1553-1599) fueron los madrigales que más cerca estuvieron de unificar los diferentes estilos de la época. [17]
En la década de 1560, Marc'Antonio Ingegneri (1535-1592), instructor de Monteverdi, Andrea Gabrieli (1532-1585) y Giovanni Ferretti (1540-1609) reincorporaron elementos de composición más ligeros al madrigal; Los serios versos petrarquistas sobre el amor , el anhelo y la muerte fueron reemplazados por la villanella y la canzonetta , composiciones con ritmos de danza y versos sobre una vida sin preocupaciones. [9] A finales del siglo XVI, los compositores utilizaron la pintura de palabras para aplicar madrigalismos , pasajes en los que la música coincide con el significado de una palabra en la letra; por lo tanto, un compositor asigna riso (sonrisa) a un pasaje de notas rápidas y continuas que imitan la risa, y asigna sospiro (suspiro) a una nota que cae hasta la nota siguiente. En el siglo XVII, la aceptación de la pintura de palabras como forma musical había cambiado; en el Primer Libro de Ayres (1601), el poeta y compositor Thomas Campion (1567-1620) criticó la pintura de palabras como un manierismo negativo en el madrigal: "donde la naturaleza de cada palabra se expresa con precisión en la Nota... esa observación infantil de las palabras es completamente ridícula". [18]
A finales del siglo XVI, el cambio de función social del madrigal contribuyó a su desarrollo hacia nuevas formas de música. Desde su invención, el madrigal tuvo dos funciones: (i) un entretenimiento privado para pequeños grupos de cantantes y músicos aficionados expertos; y (ii) un complemento a las presentaciones ceremoniales de música para el público. La función de entretenimiento amateur hizo famoso al madrigal, sin embargo, los cantantes profesionales reemplazaron a los cantantes aficionados cuando los madrigalistas compusieron música de mayor alcance y fuerza dramática que era más difícil de cantar, porque los sentimientos expresados requerían cantantes solistas de gran alcance, en lugar de un conjunto de cantantes con Voces de rango medio.
Surgió la división entre los artistas activos y el público pasivo, especialmente en las ciudades culturalmente progresistas de Ferrara y Mantua . Las emociones se comunicaron en un madrigal en 1590, un aria expresada en la ópera a principios del siglo XVII, pero los compositores continuaron usando el madrigal en el nuevo siglo, como el madrigal de estilo antiguo para muchas voces; el madrigal solista con acompañamiento instrumental; y el concertato madrigal, del que Claudio Monteverdi (1567-1643) fue el compositor más famoso. [6]
En Nápoles, el estilo compositivo del alumno Carlo Gesualdo siguió el estilo de su mentor, Luzzasco Luzzaschi (1545-1607), que había publicado seis libros de madrigales y música religiosa Responsoria pro hebdomada sancta ( Responsorios de Semana Santa , 1611). . A principios de la década de 1590, Gesualdo había aprendido el cromatismo y los contrastes de textura de los compositores ferrareses, como Alfonso Fontanelli (1557-1622) y Luzzaschi, pero pocos madrigalistas siguieron su manierismo estilístico y su cromatismo extremo, que eran técnicas de composición utilizadas selectivamente por Antonio Cifra ( 1584–1629), Sigismondo d'India (1582–1629) y Domenico Mazzocchi (1592–1665) en sus obras musicales. [6] [19] [20] En la década de 1620, el madrigalista sucesor de Gesualdo fue Miguel Ángel Rossi (1601-1656), cuyos dos libros de madrigales sin acompañamiento muestran un cromatismo extremo y sostenido. [21]
En la transición de la música renacentista (1400-1600) a la música barroca (1580-1750), se suele acreditar a Claudio Monteverdi como el principal madrigalista cuyos nueve libros de madrigales mostraban las transiciones estilísticas y técnicas de la polifonía de finales del siglo XVI a la Estilos de monodia y del concertato acompañado de bajo continuo , del periodo del Barroco temprano. Como compositor expresivo, Monteverdi evitó los extremos estilísticos del cromatismo de Gesualdo y se concentró en el drama inherente a la forma musical madrigal. Sus libros quinto y sexto incluyen madrigales polifónicos para voces iguales (al estilo de finales del siglo XVI) y madrigales con partes de voz solista acompañadas de bajo continuo, que presentan disonancias no preparadas y pasajes recitativos , presagiando la integración compositiva del madrigal solista al aria . En el quinto libro de madrigales, utilizando el término seconda pratica (segunda práctica), Monteverdi dijo que la letra debe ser "la dueña de la armonía" de un madrigal, que fue su respuesta progresiva a Giovanni Artusi (1540-1613), quien defendió negativamente las limitaciones de la disonancia y las partes vocales iguales del madrigal polifónico antiguo frente al concertato madrigal. [22] [23]
En la primera década del siglo XVII, las técnicas de composición italiana para el madrigal progresaron desde el antiguo ideal de una composición vocal a capella para voces equilibradas, a una composición vocal para una o más voces con acompañamiento instrumental. Las voces interiores pasaron a ser secundarias frente a la soprano y la línea de bajo ; Se desarrolló la tonalidad funcional y se trató la disonancia libremente para que los compositores enfatizaran el contraste dramático entre grupos vocales e instrumentos. El madrigal del siglo XVII surgió de dos tendencias de composición musical: (i) el madrigal solista con bajo continuo; y (ii) el madrigal a dos o más voces con bajo continuo. En Inglaterra, los compositores continuaron escribiendo madrigales para conjunto en el estilo más antiguo del siglo XVI. [22] [6] En 1600, los cambios armónicos y dramáticos en la composición del madrigal se expandieron para incluir el acompañamiento instrumental, porque el madrigal originalmente fue compuesto para interpretación grupal de artistas aficionados talentosos, sin una audiencia pasiva; así los instrumentos llenaron las partes faltantes. El compositor normalmente no especificaba la instrumentación; en El Quinto Libro de los Madrigales y en el Sexto Libro de los Madrigales , Claudio Monteverdi indicó que el basso seguente , la parte instrumental del bajo, era opcional en el conjunto madrigal. Los instrumentos habituales para tocar la línea de bajo y llenar las partes de la voz interior eran el laúd , la tiorba (chitarrone) y el clavicémbalo . [22] [6]
El madrigalista Giulio Caccini (1551-1618) produjo madrigales en estilo continuo solo , composiciones técnicamente relacionadas con la monodia y que descienden de la música experimental de la Camerata florentina (1573-1587). En la colección de madrigales solistas, Le nuove musiche ( La música nueva , 1601), Caccini dijo que el objetivo de la composición era anticontrapuntístico, porque la letra y la letra de la canción eran primarias y la polifonía de voz equilibrada interfería con la audición. la letra de la canción. Después de los desarrollos de Caccini, los compositores Marco da Gagliano (1582-1643), Sigismondo d'India (1582-1629) y Claudio Saracini (1586-1630) también publicaron colecciones de madrigales en estilo solo continuo. Mientras que la música de Caccini era mayoritariamente diatónica , los compositores posteriores, especialmente d'India, compusieron madrigales continuos en solitario utilizando un lenguaje experimental de cromatismo . En el Séptimo Libro de los Madrigales (1619), Monteverdi publicó su único madrigal en estilo solo continuo, que utiliza una voz cantante y tres grupos de instrumentos: un gran avance técnico con respecto a las sencillas composiciones de voz y bajo continuo de Caccini del siglo XIX. Período 1600. [6]
A partir de 1620, el aria suplantó al madrigal de estilo monódico. En 1618, el último libro publicado de madrigales solistas no contenía arias; de la misma manera, ese año, los libros de arias no contenían madrigales, por lo que las arias publicadas superaron en número a los madrigales, y los prolíficos madrigalistas Saracini y d'India dejaron de publicar a mediados de la década de 1620. [6]
A finales de la década de 1630, dos colecciones de madrigales resumieron las prácticas técnicas y compositivas del madrigal de estilo tardío. En Madrigali a 5 voci in partitura (1638), Domenico Mazzocchi recopiló y organizó madrigales en continuo y obras en conjunto compuestas específicamente para interpretación a capella . Por primera vez en una colección de música de madrigales, Mazzocchi publicó instrucciones precisas, incluidos los símbolos de crescendo y decrescendo ; sin embargo, esos madrigales eran para estudio musicológico , no para interpretación, lo que indica la revisión retrospectiva del compositor Mazzochi del madrigal como una forma antigua de composición musical. [24] En el Octavo Libro de los Madrigales (1638), Monteverdi publicó su madrigal más famoso, el Combattimento di Tancredi e Clorinda , una composición dramática muy parecida a un oratorio secular , que presenta innovaciones musicales como el stile concitato (estilo agitado) que emplea el trémolo de cuerdas . Al final, la evolución de la composición musical eliminó el madrigal como forma musical discreta; la cantata solista y el aria suplantaron al madrigal continuo solo, y el madrigal conjunto fue suplantado por la cantata y el diálogo y, en 1640, la ópera era la forma musical dramática predominante del siglo XVII. [22]
En la Inglaterra del siglo XVI, el madrigal se hizo muy popular tras la publicación de Musica Transalpina en ( Transalpine Music , 1588), de Nicholas Yonge (1560-1619), una colección de madrigales italianos con las correspondientes traducciones al inglés de la letra, que más tarde inició la composición de madrigales. en Inglaterra. El madrigal sin acompañamiento sobrevivió más tiempo en Inglaterra que en Europa continental, donde la forma musical madrigal había perdido el favor popular, pero los madrigalistas ingleses continuaron componiendo y produciendo música al estilo italiano de finales del siglo XVI.
A principios del siglo XVIII en Inglaterra, el canto de madrigales fue revivido por clubes de captura y clubes de coro , lo que provocó un aumento del interés en la forma [25] [26] y la creación de instituciones musicales como la Sociedad Madrigal , que se estableció en Londres por el abogado y músico aficionado John Immyns en 1741. [27] En el siglo XIX, el madrigal era la música más conocida del Renacimiento (siglos XV-XVI), como consecuencia de la prolífica publicación de partituras en los siglos XVI y XVII. siglos, incluso antes del redescubrimiento de los madrigales del compositor Palestrina (Giovanni Pierluigi da Palestrina). [6]
En el siglo XVI, la forma musical del madrigal italiano influyó mucho en la música secular de toda Europa, que los compositores escribían en italiano o en sus lenguas nativas. El alcance de la influencia musical madrigalista dependía de la fuerza cultural de la tradición local de música secular. En Francia, la composición nativa de la canción impidió el desarrollo de un madrigal de estilo francés; no obstante, compositores franceses como Orlande de Lassus (1532-1594) y Claude Le Jeune (1528-1600) aplicaron técnicas madrigales en sus músicas. [6] En los Países Bajos, Cornelis Verdonck (1563-1625), Hubert Waelrant (1517-1595) y Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621) compusieron madrigales en italiano. [6]
En la Europa de habla alemana, los prolíficos compositores de madrigales incluyeron a Lassus en Munich y Philippe de Monte (1521-1603) en Viena. Entre los compositores de habla alemana que estudiaron las técnicas italianas para componer madrigales, especialmente en Venecia, se encuentran Hans Leo Hassler (1564-1612), que estudió con Andrea Gabrieli , y Heinrich Schütz (1585-1672), que estudió con Giovanni Gabrieli . Desde el norte de Europa, los compositores de la corte daneses y polacos fueron a Italia para aprender el estilo italiano del madrigal; mientras que Luca Marenzio (1553-1599) fue a la corte polaca para trabajar como maestro di cappella (Maestro de capilla) para el rey Segismundo III Vasa (r. 1587-1632) en Varsovia. [6] Además, el rector de la Universidad de Wittenberg, Caspar Ziegler (1621-1690) y Heinrich Schütz escribieron el tratado Von den Madrigalen (1653). [28]
El madrigal a capella de estilo antiguo para cuatro o cinco voces continuó en paralelo con el nuevo estilo concertato de madrigal, pero el hito compositivo de la seconda prattica proporcionó una línea de bajo continuo autónoma, presentada en el Quinto Libro de los Madrigales (1605), de Claudio Monteverdi.
Unos 60 madrigales de la Escuela Inglesa están publicados en The Oxford Book of English Madrigals
Durchkomponiert (G.) Completamente compuesto; Se aplica a canciones con música diferente para cada estrofa, es decir, no simplemente una melodía repetida.
