Tradicionalmente se entiende que la música renacentista abarca la música europea de los siglos XV y XVI, posterior a la era del Renacimiento tal como se entiende en otras disciplinas. En lugar de comenzar con el ars nova de principios del siglo XIV , la musicología del Trecento fue tratada por la musicología como una coda de la música medieval y la nueva era data del surgimiento de la armonía triádica y la difusión del estilo angloise de Gran Bretaña a la Escuela de Borgoña. . Un punto de inflexión conveniente para su fin es la adopción del bajo continuo al comienzo del período barroco .
El período puede subdividirse a grandes rasgos, con un período temprano correspondiente a la carrera de Guillaume Du Fay ( c. 1397-1474 ) y el cultivo del estilo cantilena , un medio dominado por la escuela franco-flamenca y las texturas de cuatro partes favorecidas por Johannes . Ockeghem (décadas de 1410 o 1420-1497) y Josquin des Prez (finales de 1450-1521), y que culminó durante la Contrarreforma en el florido contrapunto de Palestrina ( c. 1525-1594 ) y la Escuela Romana .
La música se fue liberando cada vez más de las limitaciones medievales y se permitió una mayor variedad en cuanto a rango, ritmo, armonía, forma y notación. Por otro lado, las reglas del contrapunto se volvieron más limitadas, particularmente en lo que respecta al tratamiento de las disonancias . En el Renacimiento, la música se convirtió en un vehículo de expresión personal. Los compositores encontraron formas de hacer que la música vocal fuera más expresiva de los textos que estaban creando. La música secular absorbió técnicas de la música sacra y viceversa. Formas seculares populares como la chanson y el madrigal se extendieron por toda Europa. Las cortes empleaban intérpretes virtuosos, tanto cantantes como instrumentistas. La música también se volvió más autosuficiente con su disponibilidad en forma impresa, existiendo por sí misma.
Las versiones precursoras de muchos instrumentos modernos familiares (incluidos el violín, la guitarra, el laúd y los instrumentos de teclado) adoptaron nuevas formas durante el Renacimiento. Estos instrumentos se modificaron para responder a la evolución de las ideas musicales y presentaron nuevas posibilidades para que las exploraran compositores y músicos. También aparecieron las primeras formas de instrumentos modernos de viento y metal, como el fagot y el trombón , ampliando la gama de colores sonoros y aumentando el sonido de los conjuntos instrumentales. Durante el siglo XV, el sonido de tríadas completas se hizo común, y hacia finales del siglo XVI el sistema de modos eclesiásticos comenzó a desmoronarse por completo, dando paso a la tonalidad funcional (el sistema en el que las canciones y piezas se basan en elementos musicales). claves"), que dominaría la música artística occidental durante los siguientes tres siglos.
De la época del Renacimiento, la música sacra y secular notada sobrevive en cantidad, incluidas obras vocales e instrumentales y obras mixtas vocales/instrumentales. Durante el Renacimiento floreció una amplia gama de estilos y géneros musicales, incluidas misas, motetes, madrigales, chansons, canciones acompañadas, danzas instrumentales y muchos otros. A partir de finales del siglo XX se formaron numerosos conjuntos de música antigua . Conjuntos especializados en música de la época del Renacimiento ofrecen giras de conciertos y realizan grabaciones, utilizando reproducciones modernas de instrumentos históricos y estilos de canto e interpretación que los musicólogos creen que se utilizaron durante la época.
Una de las características más pronunciadas de la música artística europea del Renacimiento temprano fue la creciente dependencia del intervalo de tercera y su inversión, la sexta (en la Edad Media , las terceras y sextas se consideraban disonancias, y sólo los intervalos perfectos se trataban como consonancias). : la cuarta justa , la quinta justa , la octava y el unísono ). La polifonía (el uso de múltiples líneas melódicas independientes, interpretadas simultáneamente) se volvió cada vez más elaborada a lo largo del siglo XIV, con voces muy independientes (tanto en la música vocal como en la instrumental). El comienzo del siglo XV mostró una simplificación, y los compositores a menudo se esforzaban por lograr suavidad en las partes melódicas. Esto fue posible gracias a un rango vocal mucho mayor en la música: en la Edad Media, el rango estrecho hacía necesario el cruce frecuente de partes, requiriendo así un mayor contraste entre ellas para distinguir las diferentes partes. Las características modales (a diferencia de las tonales , también conocidas como "tonalidad musical", un enfoque desarrollado en la era musical barroca posterior , c. 1600-1750) de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el final del período con el mayor uso. de movimientos de raíz de quintas o cuartas (ver el " círculo de quintas " para más detalles). Un ejemplo de progresión de acordes en la que las raíces de los acordes se mueven en el intervalo de una cuarta sería la progresión de acordes, en clave de do mayor: "re menor/sol mayor/do mayor" (todas son tríadas; tres notas). acordes). El movimiento del acorde de re menor al acorde de sol mayor es un intervalo de cuarta justa. El movimiento del acorde de sol mayor al acorde de do mayor también es un intervalo de cuarta justa. Más tarde, esto se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad durante la época barroca. [ cita necesaria ]
Las principales características de la música renacentista son: [1]
El desarrollo de la polifonía produjo los cambios notables en los instrumentos musicales que marcan musicalmente el Renacimiento desde la Edad Media. Su uso fomentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se combinaran en todo el rango vocal. [2]
Como en las otras artes, la música de la época estuvo significativamente influenciada por los desarrollos que definen el período moderno temprano : el surgimiento del pensamiento humanista ; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la Antigua Grecia y la Antigua Roma ; mayor innovación y descubrimiento; el crecimiento de las empresas comerciales; el ascenso de una clase burguesa ; y la Reforma Protestante . De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular, el estilo polifónico de la escuela franco-flamenca .
La invención de la imprenta en 1439 abarató y facilitó la distribución de textos musicales y de teoría musical a una escala geográfica más amplia y a más personas. Antes de la invención de la imprenta, los textos escritos de música y teoría musical debían copiarse a mano, un proceso costoso y que requería mucho tiempo. La demanda de música como entretenimiento y actividad de ocio para los aficionados educados aumentó con el surgimiento de una clase burguesa. La difusión de canciones , motetes y misas por toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en un estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI con la obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina , Orlande de Lassus , Thomas Tallis , William Byrd y Tomás Luis de Victoria . La relativa estabilidad política y prosperidad en los Países Bajos , junto con un floreciente sistema de educación musical en las numerosas iglesias y catedrales de la zona, permitieron la formación de un gran número de cantantes, instrumentistas y compositores. Estos músicos eran muy buscados en toda Europa, particularmente en Italia, donde las iglesias y las cortes aristocráticas los contrataban como compositores, intérpretes y profesores. Dado que la imprenta facilitó la difusión de la música impresa, a finales del siglo XVI, Italia había absorbido las influencias musicales del norte y Venecia , Roma y otras ciudades se convirtieron en centros de actividad musical. Esto revirtió la situación de cien años antes. La ópera, un género dramático en el que los cantantes van acompañados de instrumentos, surgió en esta época en Florencia. La ópera se desarrolló como un intento deliberado de resucitar la música de la antigua Grecia. [3]
Las principales formas musicales litúrgicas (basadas en la iglesia), que permanecieron en uso durante todo el período del Renacimiento, fueron las misas y los motetes , con algunos otros desarrollos hacia el final de la era, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar la música secular (no religiosa). Formas musicales (como el madrigal ) para uso religioso. Las misas de los siglos XV y XVI tenían dos tipos de fuentes que se utilizaban: monofónicas (una sola línea melódica) y polifónicas (múltiples líneas melódicas independientes), con dos formas principales de elaboración, basadas en la práctica del cantus firmus o, a partir de algún momento, 1500, el nuevo estilo de "imitación generalizada", en el que los compositores escribían música en la que las diferentes voces o partes imitaban los motivos melódicos y/o rítmicos interpretados por otras voces o partes. Se utilizaron varios tipos principales de masas:
Las misas normalmente se titulaban según la fuente de la que tomaban prestado. La masa de Cantus firmus utiliza la misma melodía monofónica, generalmente extraída del canto y generalmente en el tenor y, con mayor frecuencia, en valores de notas más largos que las otras voces. [4] Otros géneros sagrados fueron la madrigale espiritual y la laude .
Durante el período, la música secular (no religiosa) tuvo una distribución cada vez mayor, con una amplia variedad de formas, pero hay que ser cauteloso a la hora de suponer una explosión en la variedad: desde que la imprenta hizo que la música estuviera más disponible, ha sobrevivido mucha más de esta época. que de la época medieval anterior, y probablemente se haya perdido un rico acervo de música popular de la Baja Edad Media. La música secular era música independiente de las iglesias. Los tipos principales fueron el lied alemán , la frottola italiana , la chanson francesa, el madrigal italiano y el villancico español . [1] Otros géneros vocales seculares incluyeron la caccia , rondeau , virelai , bergerette , balada , musique mesurée , canzonetta , villanella , villotta y la canción de laúd . También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el motete secular.
La música puramente instrumental incluía música de consorte para flautas dulces o violas y otros instrumentos, y danzas para varios conjuntos. Los géneros instrumentales comunes fueron la tocata , el preludio , el ricercar y la canzona . Las danzas interpretadas por conjuntos instrumentales (o a veces cantadas) incluían la basse danse (it. bassadanza ), tourdion , saltarello , pavane , galliard , allemande , courante , bransle , canarie , piva y lavolta . Se puede arreglar música de muchos géneros para un instrumento solista como el laúd, la vihuela, el arpa o el teclado. Tales disposiciones se llamaban intabulaciones (it. intavolatura , germ. intabulierung ).
Hacia el final del período se escuchan los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia , la comedia madrigal y el intermedio .
Según Margaret Bent : " La notación renacentista es poco prescriptiva según nuestros estándares [modernos]; cuando se traduce a una forma moderna adquiere un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original". [5] Las composiciones renacentistas se anotaban sólo en partes individuales; Las partituras eran extremadamente raras y no se utilizaron barras de compás . Los valores de las notas eran generalmente mayores que los que se utilizan hoy en día; la unidad principal de tiempo era la semibreve o nota completa . Como había sido el caso desde Ars Nova (ver Música medieval ), podría haber dos o tres de estos para cada breve (una nota entera doble), que puede considerarse equivalente al "compás" moderno, aunque era en sí mismo un valor de nota y un compás no lo es. La situación puede considerarse de esta manera: es la misma regla por la cual en la música moderna una negra puede equivaler a dos corcheas o a tres, lo que se escribiría como un "tresillo". Según el mismo cálculo, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeña, la "mínima" (equivalente a la moderna "blanca") para cada semibreve.
Estas diferentes permutaciones se denominaron "tempus perfecto/imperfecto" en el nivel de la relación breve-semibreve, "prolación perfecta/imperfecta" en el nivel de la semibreve-mínima, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres a uno se llamaba "perfecto" y dos a uno, "imperfecto". También existían reglas según las cuales las notas individuales podían reducirse a la mitad o duplicarse en valor ("imperfectas" o "alteradas", respectivamente) cuando iban precedidas o seguidas de otras notas determinadas. Las notas con cabezas negras (como las negras ) se produjeron con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en lugar de vitela ), ya que el papel más débil era menos capaz de soportar el rayado necesario para rellenar las cabezas de notas sólidas; las anotaciones de épocas anteriores, escritas en vitela, habían sido negras. También se utilizaron de forma rutinaria otros colores, y más tarde notas rellenas, principalmente para reforzar las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para solicitar otros cambios rítmicos temporales.
Las alteraciones (por ejemplo, sostenidos, bemoles y naturales añadidos que cambian las notas) no siempre se especificaron, algo así como en ciertas notaciones de digitación para instrumentos de la familia de guitarras ( tablaturas ) en la actualidad. Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían estado altamente capacitados en contrapunto diádico y por lo tanto poseían esta y otra información necesaria para leer una partitura correctamente, incluso si las alteraciones no estuvieran escritas. Como tal, "lo que la notación moderna requiere [alteraciones] habría sido entonces perfectamente aparente sin notación para un cantante versado en contrapunto." (Ver musica ficta .) Un cantante interpretaría su parte calculando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y cuando cantan juntos, los músicos evitarían octavas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos. [5] Es a través de tablaturas contemporáneas para varios instrumentos pulsados que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones realizaron los practicantes originales.
Para obtener información sobre teóricos específicos, véase Johannes Tinctoris , Franchinus Gaffurius , Heinrich Glarean , Pietro Aron , Nicola Vicentino , Tomás de Santa María , Gioseffo Zarlino , Vicente Lusitano , Vincenzo Galilei , Giovanni Artusi , Johannes Nucius y Pietro Cerone .
Los compositores clave de principios del Renacimiento también escribieron en un estilo medieval tardío y, como tales, son figuras de transición. Leonel Power (c. 1370 o 1380-1445) fue un compositor inglés de las épocas musicales de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento. Junto con John Dunstaple , fue una de las figuras más importantes de la música inglesa de principios del siglo XV. [6] [7] Power es el compositor mejor representado en el Old Hall Manuscript , una de las únicas fuentes intactas de música inglesa de principios del siglo XV. Fue uno de los primeros compositores en establecer movimientos separados del ordinario de la misa que estaban unificados temáticamente y destinados a interpretaciones contiguas. El Manuscrito Old Hall contiene su misa basada en la antífona mariana , Alma Redemptoris Mater , en la que la antífona se expresa literalmente en la voz de tenor en cada movimiento, sin adornos melódicos. Ésta es la única configuración cíclica del ordinario de masas que se le puede atribuir. [8] Escribió ciclos masivos, fragmentos y movimientos individuales y una variedad de otras obras sagradas.
John Dunstaple (c. 1390-1453) fue un compositor inglés de música polifónica de finales de la época medieval y principios del Renacimiento. Fue uno de los compositores más famosos activos a principios del siglo XV, casi contemporáneo de Power, y tuvo una gran influencia, no sólo en Inglaterra sino en el continente, especialmente en el estilo en desarrollo de la Escuela de Borgoña . La influencia de Dunstaple en el vocabulario musical del continente fue enorme, particularmente considerando la relativa escasez de sus obras (atribuibles). Fue reconocido por poseer algo nunca antes escuchado en la música de la Escuela de Borgoña : la contenance angloise ("el semblante inglés"), término utilizado por el poeta Martin le Franc en su Le Champion des Dames. Le Franc añadió que el estilo influyó en Dufay y Binchois . Unas décadas más tarde, alrededor de 1476, el compositor y teórico musical flamenco Tinctoris reafirmó la poderosa influencia que tenía Dunstaple, enfatizando el "nuevo arte" que Dunstaple había inspirado. Tinctoris aclamó a Dunstaple como la fons et origo del estilo, su "fuente y origen". [ Esta cita necesita una cita ]
La contenance angloise , aunque no fue definida por Martin le Franc, fue probablemente una referencia al rasgo estilístico de Dunstaple de usar armonía triádica completa (acordes de tres notas), junto con el gusto por el intervalo de tercera . Suponiendo que hubiera estado en el continente con el duque de Bedford, Dunstaple habría conocido el fauxbourdon francés ; tomando prestadas algunas de las sonoridades, creó armonías elegantes en su propia música usando terceras y sextas (un ejemplo de un tercer intervalo son las notas C y E; un ejemplo de un sexto intervalo son las notas C y A). En conjunto, estas se consideran características definitorias de la música del Renacimiento temprano. Es posible que muchos de estos rasgos se hayan originado en Inglaterra y se hayan arraigado en la escuela de Borgoña a mediados de siglo.
Debido a que se han encontrado numerosas copias de las obras de Dunstaple en manuscritos italianos y alemanes, su fama en toda Europa debe haber sido generalizada. De las obras que se le atribuyen sólo se conservan unas cincuenta, entre las que se encuentran dos misas completas, tres secciones de misas conectadas, catorce secciones de misas individuales, doce motetes isorrítmicos completos y siete escenarios de antífonas marianas , como Alma redemptoris Mater y Salve Regina, Mater misericordiae. . Dunstaple fue uno de los primeros en componer misas utilizando una única melodía como cantus firmus . Un buen ejemplo de esta técnica es su Missa Rex seculorum . Se cree que escribió música secular (no religiosa), pero no se le puede atribuir ninguna canción en lengua vernácula con ningún grado de certeza.
Oswald von Wolkenstein (c. 1376-1445) es uno de los compositores más importantes del Renacimiento alemán temprano. Es mejor conocido por sus melodías bien escritas y por el uso de tres temas: viajes, Dios y sexo . [9]
Gilles Binchois ( c. 1400 –1460) fue un compositor holandés, uno de los primeros miembros de la escuela de Borgoña y uno de los tres compositores más famosos de principios del siglo XV. Aunque los eruditos contemporáneos a menudo lo sitúan detrás de sus contemporáneos Guillaume Dufay y John Dunstaple, sus obras todavía fueron citadas, tomadas prestadas y utilizadas como material fuente después de su muerte. Binchois es considerado [ ¿por quién? ] ser un excelente melodista, escribiendo líneas cuidadosamente diseñadas que sean fáciles de cantar y memorables. Sus melodías aparecieron en copias décadas después de su muerte y, a menudo , compositores posteriores las utilizaron como fuente para composiciones masivas . La mayor parte de su música, incluso su música sacra, es simple y clara en sus contornos, a veces incluso ascética (parecida a un monje). Sería difícil imaginar un mayor contraste entre Binchois y la extrema complejidad del ars subtilior del siglo anterior (XIV). La mayoría de sus canciones seculares son rondeaux , que se convirtieron en la forma de canción más común durante el siglo. Rara vez escribía en forma estrófica y sus melodías son generalmente independientes del esquema de rima de los versos en los que están compuestas. Binchois escribió música para la corte, canciones seculares de amor y caballería que cumplían con las expectativas y satisfacían el gusto de los duques de Borgoña que lo contrataron y, evidentemente, amaban su música en consecuencia. Aproximadamente la mitad de su música secular existente se encuentra en la Biblioteca Bodleian de Oxford.
Guillaume Du Fay ( c. 1397-1474 ) fue un compositor franco-flamenco de principios del Renacimiento. Figura central de la Escuela de Borgoña , sus contemporáneos lo consideraban el principal compositor de Europa a mediados del siglo XV. [10] Du Fay compuso en la mayoría de las formas comunes de la época, incluidas misas , motetes , Magnificats , himnos , cantos simples en fauxbourdon y antífonas dentro del área de la música sacra, y rondeaux , baladas , virelais y algunos otros. tipos de chanson dentro del ámbito de la música secular. Ninguna de la música que se conserva es específicamente instrumental, aunque ciertamente se utilizaron instrumentos en parte de su música secular, especialmente en las partes inferiores; toda su música sacra es vocal. Es posible que se hayan utilizado instrumentos para reforzar las voces en la interpretación real de casi cualquiera de sus obras. [ cita necesaria ] Siete misas completas, 28 movimientos de masas individuales, 15 escenarios de canto utilizados en misas propias, tres Magnificats, dos escenarios de Benedicamus Domino, 15 escenarios de antífonas (seis de ellas antífonas marianas ), 27 himnos, 22 motetes (13 de estos isorrítmico en el estilo más angular y austero del siglo XIV, que dio paso a una composición más melódica y sensual dominada por agudos con frases que terminan en la cadencia "bajo tercio" en la juventud de Du Fay) y 87 canciones definitivamente de él han sobrevivido. [ cita necesaria ]
Muchas de las composiciones de Du Fay eran simples escenarios de canto, obviamente diseñados para uso litúrgico, probablemente como sustitutos del canto sin adornos, y pueden verse como armonizaciones de canto. A menudo, la armonización utilizó una técnica de escritura paralela conocida como fauxbourdon , como en el siguiente ejemplo, una configuración de la antífona mariana Ave maris stella . Es posible que Du Fay haya sido el primer compositor en utilizar el término "fauxbourdon" para este estilo compositivo más simple, destacado en la música litúrgica del siglo XV en general y en la escuela de Borgoña en particular. La mayoría de las canciones seculares (no religiosas) de Du Fay siguen las formas fijas ( rondeau , ballade y virelai), que dominaron la música secular europea de los siglos XIV y XV. También escribió un puñado de baladas italianas , casi con certeza mientras estaba en Italia. Como es el caso de sus motetes, muchas de las canciones fueron escritas para ocasiones específicas y muchas de ellas son datables, lo que proporciona información biográfica útil. La mayoría de sus canciones son a tres voces, utilizando una textura dominada por la voz más aguda; las otras dos voces, sin texto, probablemente fueron interpretadas por instrumentos. [ cita necesaria ]
Du Fay fue uno de los últimos compositores en hacer uso de técnicas estructurales polifónicas de finales de la Edad Media, como el isorritmo , [11] y uno de los primeros en emplear las armonías, fraseos y melodías más melifluas características del Renacimiento temprano. [12] Sus composiciones dentro de los géneros más amplios (misas, motetes y chansons) son en su mayoría similares entre sí; su renombre se debe en gran parte a lo que se percibía como su perfecto control de las formas en las que trabajaba, así como a su don para la melodía memorable y cantable. Durante el siglo XV, fue considerado universalmente como el mejor compositor de su tiempo, opinión que ha sobrevivido en gran medida hasta nuestros días. [ cita necesaria ]
Durante el siglo XVI, Josquin des Prez ( c. 1450/1455 - 27 de agosto de 1521) adquirió gradualmente la reputación de ser el mayor compositor de la época, y su dominio de la técnica y la expresión fue universalmente imitado y admirado. Escritores tan diversos como Baldassare Castiglione y Martín Lutero escribieron sobre su reputación y fama.
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En Venecia , desde aproximadamente 1530 hasta aproximadamente 1600, se desarrolló un impresionante estilo policoral, que dio a Europa algunas de las músicas más grandiosas y sonoras compuestas hasta ese momento, con múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes ubicaciones espaciales en la Basílica de San Marco di Venezia (ver Escuela veneciana ). Estas múltiples revoluciones se extendieron por Europa en las siguientes décadas, comenzando en Alemania y luego pasando a España, Francia e Inglaterra un poco más tarde, demarcando el comienzo de lo que hoy conocemos como la era musical barroca .
La Escuela Romana fue un grupo de compositores de música predominantemente religiosa en Roma, que abarca las épocas del Renacimiento tardío y del Barroco temprano. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y la capilla papal, aunque trabajaron en varias iglesias; Estilísticamente, a menudo se les contrasta con la Escuela de compositores veneciana, un movimiento concurrente que fue mucho más progresista. Con diferencia, el compositor más famoso de la Escuela Romana es Giovanni Pierluigi da Palestrina. Si bien es más conocido como un prolífico compositor de misas y motetes, también fue un importante madrigalista. Su capacidad para unir las necesidades funcionales de la Iglesia Católica con los estilos musicales predominantes durante el período de la Contrarreforma le dio una fama duradera. [13]
El breve pero intenso florecimiento del madrigal musical en Inglaterra, principalmente entre 1588 y 1627, junto con los compositores que los produjeron, se conoce como la Escuela Inglesa del Madrigal . Los madrigales ingleses eran a capella, de estilo predominantemente ligero y generalmente comenzaron como copias o traducciones directas de modelos italianos. La mayoría eran de tres a seis voces.
Musica reservata es un estilo o una práctica interpretativa en música vocal a capella de la segunda mitad del siglo XVI, principalmente en Italia y el sur de Alemania, que implica refinamiento, exclusividad e intensa expresión emocional del texto cantado. [14]
El cultivo de la música europea en América comenzó en el siglo XVI, poco después de la llegada de los españoles y la conquista de México. Aunque fueron diseñadas en estilo europeo, muy temprano aparecieron obras híbridas exclusivamente mexicanas basadas en la lengua nativa mexicana y la práctica musical europea. Las prácticas musicales en la Nueva España coincidieron continuamente con las tendencias europeas a lo largo de los períodos posteriores de la música barroca y clásica. Entre estos compositores del Nuevo Mundo se encontraban Hernando Franco , Antonio de Salazar y Manuel de Zumaya . [ cita necesaria ]
Además, los escritores desde 1932 han observado lo que llaman una seconda prattica (una práctica innovadora que involucra estilo monódico y libertad en el tratamiento de la disonancia, ambos justificados por la configuración expresiva de los textos) durante finales del siglo XVI y principios del XVII. [15]
A finales del siglo XVI, al finalizar la época del Renacimiento, se desarrolló un estilo extremadamente manierista . En la música secular, especialmente en el madrigal , había una tendencia hacia la complejidad e incluso el cromatismo extremo (como se ejemplifica en los madrigales de Luzzaschi , Marenzio y Gesualdo ). El término manierismo deriva de la historia del arte.
A partir de Florencia , hubo un intento de revivir las formas dramáticas y musicales de la Antigua Grecia, a través de la monodia , una forma de música declamada sobre un acompañamiento simple; Sería difícil encontrar un contraste más extremo con el estilo polifónico anterior; ésta fue también, al menos al principio, una tendencia secular. Estos músicos eran conocidos como la Camerata Florentina .
Ya hemos señalado algunos de los desarrollos musicales que ayudaron a marcar el comienzo del Barroco , pero para una explicación más detallada de esta transición, consulte antífona , concertato , monodia , madrigal y ópera, así como las obras que figuran en "Fuentes y lecturas adicionales". "
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, sólo para ser recreados para interpretar música de la época con instrumentos auténticos. Como en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en metales, cuerdas, percusión y viento de madera.
Los instrumentos medievales en Europa se utilizaban más comúnmente solos, a menudo acompañados de un dron, o en ocasiones en partes. Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV hubo una división de los instrumentos en haut (instrumentos ruidosos, estridentes y de exterior) y bajo (instrumentos más silenciosos e íntimos). [16] Sólo dos grupos de instrumentos podían tocar libremente en ambos tipos de conjuntos: la corneta y el sacbut , y el tamboril y la pandereta . [4]
A principios del siglo XVI se consideraba que los instrumentos tenían menos importancia que las voces. Se utilizaban para bailes y para acompañar música vocal. [1] La música instrumental permaneció subordinada a la música vocal, y gran parte de su repertorio se derivaba de diversos modos o dependía de modelos vocales. [3]
En el Renacimiento se usaban comúnmente varios tipos de órganos, desde grandes órganos de iglesia hasta pequeños órganos portátiles y órganos de lengüeta llamados regals .
Los instrumentos de metal del Renacimiento los tocaban tradicionalmente profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaron:
Como familia, las cuerdas se utilizaban en muchas circunstancias, tanto sagradas como seculares. Algunos miembros de esta familia incluyen:
Algunos instrumentos de percusión del Renacimiento incluyen el triángulo , el arpa judía, la pandereta, las campanas, los címbalos , el retumbar y varios tipos de tambores.
Los instrumentos de viento de madera (aerófonos) producen sonido mediante una columna de aire vibrante dentro del tubo. Los agujeros a lo largo del tubo permiten al jugador controlar la longitud de la columna de aire y, por tanto, el tono. Hay varias formas de hacer vibrar la columna de aire, y estas formas definen las subcategorías de instrumentos de viento de madera. Un jugador puede soplar a través del orificio de la boca, como en una flauta; en una boquilla con una sola lengüeta, como en un clarinete o saxofón moderno; o una caña doble, como en un oboe o fagot. Estos tres métodos de producción de tonos se pueden encontrar en los instrumentos del Renacimiento.
Leonel Power (c. 1375-1445) fue uno de los dos principales compositores de música inglesa entre 1410 y 1445. El otro fue John Dunstaple.
