La música medieval abarca la música sacra y profana de Europa Occidental durante la Edad Media , [1] aproximadamente desde el siglo VI al XV. Es la primera y más larga era importante de la música clásica occidental y seguida por la música renacentista ; las dos épocas comprenden lo que los musicólogos generalmente denominan música antigua , que precede al período de práctica común . Siguiendo la división tradicional de la Edad Media, la música medieval se puede dividir en música medieval temprana (500-1000), alta (1000-1300) y tardía (1300-1400).
La música medieval incluye la música litúrgica utilizada para la iglesia, otra música sacra y música secular o no religiosa. Gran parte de la música medieval es puramente vocal, como el canto gregoriano . Otra música utilizaba sólo instrumentos o voces e instrumentos (normalmente con los instrumentos acompañando a las voces).
La época medieval vio la creación y adaptación de sistemas de notación musical que permitieron a los creadores documentar y transmitir ideas musicales más fácilmente, aunque la notación coexistía y complementaba la tradición oral .
La música medieval se creó para diferentes usos y contextos, lo que dio como resultado diferentes géneros musicales . Los contextos litúrgicos y sagrados más generales eran importantes, pero también surgieron tipos seculares , incluidas las canciones y danzas de amor. Durante el período medieval anterior , la música litúrgica era un canto monofónico ; El canto gregoriano se convirtió en el estilo dominante. Los géneros polifónicos , en los que se interpretan simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes, comenzaron a desarrollarse durante la época altomedieval , prevaleciendo a finales del siglo XIII y principios del XIV. El desarrollo de formas polifónicas se asocia a menudo con el estilo Ars antiqua asociado con Notre-Dame de París , pero la polifonía improvisada alrededor de líneas de canto es anterior a esto. [2]
Organum , por ejemplo, elaboraba una melodía de canto creando una o más líneas de acompañamiento. La línea de acompañamiento podría ser tan simple como una segunda línea cantada en intervalos paralelos al canto original (a menudo una quinta o cuarta perfecta alejada de la melodía principal). Los principios de este tipo de organum se remontan al menos a un tratado anónimo del siglo IX, la Musica enchiriadis , que describe la tradición de duplicar un canto llano preexistente en movimiento paralelo en el intervalo de una octava, una quinta o una cuarta. [3] Algunos de los primeros ejemplos escritos están en un estilo conocido como polifonía aquitana , pero el cuerpo más grande de organum superviviente proviene de la escuela de Notre-Dame. Esta colección flexible de repertorio a menudo se denomina Magnus Liber Organi ( Gran Libro del Organum ). [4]
Los géneros polifónicos relacionados incluían los géneros de motete y clausula , ambos a menudo también construidos sobre un segmento original de canto llano . [5] Si bien los primeros motetes eran litúrgicos o sagrados (diseñados para su uso en un servicio religioso), a finales del siglo XIII el género se había expandido para incluir temas seculares, como el amor cortés .
En Italia se hizo popular el género secular del madrigal . De manera similar al carácter polifónico del motete, los madrigales presentaban mayor fluidez y movimiento en la línea melódica principal. La forma madrigal también dio origen a los cánones polifónicos (canciones en las que varios cantantes cantan la misma melodía, pero comenzando en momentos diferentes), especialmente en Italia, donde se les llamó caccie. Se trataba de piezas seculares de tres partes, que presentaban las dos voces más altas del canon, con un acompañamiento instrumental subyacente de notas largas. [6]
A finales de la Edad Media también se empezó a escribir algo de música puramente instrumental, aunque esto siguió siendo poco común. La música de baile constituye la mayor parte de la música instrumental superviviente e incluye tipos como estampie , ductia y nota. [7]
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Muchos instrumentos utilizados para interpretar música medieval todavía existen en el siglo XXI, pero en formas diferentes y, por lo general, más desarrolladas tecnológicamente . [8] La flauta estaba hecha de madera en la época medieval en lugar de plata u otro metal, y podía fabricarse como un instrumento de soplado lateral o de punta. Mientras que las flautas orquestales modernas suelen estar hechas de metal y tienen complejos mecanismos de llave y almohadillas herméticas, las flautas medievales tenían agujeros que el intérprete tenía que tapar con los dedos (como con la flauta dulce). La flauta dulce se fabricaba en la época medieval de madera y, a pesar de que en el siglo XXI puede estar hecha de materiales sintéticos como el plástico, ha conservado más o menos su forma pasada. El cuerno de gema es similar a la flauta dulce porque tiene agujeros para los dedos en el frente, aunque en realidad es un miembro de la familia de las ocarinas . Una de las predecesoras de la flauta, la flauta de pan , fue popular en la época medieval y posiblemente sea de origen helénico . Los tubos de este instrumento estaban hechos de madera y estaban graduados en longitud para producir diferentes tonos. [ cita necesaria ]
La música medieval utilizaba muchos instrumentos de cuerda pulsada como el laúd , un instrumento con trastes y cuerpo hueco en forma de pera que es el predecesor de la guitarra moderna. Otros instrumentos de cuerda pulsada incluyeron el mandore , la gitern , la cítola y el salterio . Los dulcimer , similares en estructura al salterio y la cítara , originalmente eran pulsados, pero los músicos comenzaron a golpear el dulcimer con martillos en el siglo XIV después de la llegada de una nueva tecnología del metal que hizo posibles las cuerdas metálicas. [ cita necesaria ]
La lira frotada del Imperio Bizantino fue el primer instrumento de cuerda frotada europeo registrado. Al igual que el violín moderno, un intérprete producía sonido moviendo un arco con pelos tensos sobre cuerdas tensas. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX ( m. 911 ) citó la lyra bizantina , en su discusión lexicográfica sobre los instrumentos como un instrumento de arco equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el urghun (órgano), [9 ] [ verificación fallida ] shilyani (probablemente un tipo de arpa o lira ) y el salandj (probablemente una gaita ). [10] La zanfona era (y sigue siendo) un violín mecánico que utilizaba una rueda de madera colofonia unida a una manivela para "arquear" sus cuerdas. También eran populares los instrumentos sin caja de resonancia, como el arpa judía . Se utilizaron las primeras versiones del órgano de tubos , el violín (o vielle ) y un precursor del trombón moderno (llamado sackbut ). [ cita necesaria ]
Durante el período medieval se sentaron las bases para las prácticas teóricas y de notación que moldearían la música occidental según las normas que se desarrollaron durante la era de la práctica común . El más obvio de ellos es el desarrollo de un sistema de notación musical integral; sin embargo, los avances teóricos, particularmente en lo que respecta al ritmo y la polifonía, son igualmente importantes para el desarrollo de la música occidental.
La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación. Las melodías eran principalmente monofónicas (una única melodía sin acompañamiento ) y se transmitían por tradición oral. [11] Mientras Roma intentaba centralizar las diversas liturgias y establecer el rito romano como la tradición primaria de la iglesia, la necesidad de transmitir estas melodías de canto a través de grandes distancias de manera efectiva era igualmente evidente. [12] Mientras la música sólo pudiera enseñarse a la gente "de oído", limitaba la capacidad de la iglesia para lograr que diferentes regiones cantaran las mismas melodías, ya que cada nueva persona tendría que pasar tiempo con una persona que ya conocía. una canción y aprenderla "de oído". El primer paso para solucionar este problema fue la introducción de varios signos escritos encima de los textos del canto para indicar la dirección del movimiento del tono, llamados neumas . [11]
El origen de los neumas no está claro y está sujeto a cierto debate; sin embargo, la mayoría de los estudiosos coinciden en que sus antepasados más cercanos son los signos gramaticales clásicos griegos y romanos que indicaban puntos importantes de la declamación al registrar el ascenso y descenso de la voz. [13] Los dos signos básicos de los gramáticos clásicos eran el acutus , /, que indicaba un aumento de la voz, y el gravis , \, que indicaba un descenso de la voz. Un cantante que leyera un texto de canto con marcas neume podría tener una idea general de si la línea melódica subió de tono, permaneció igual o bajó de tono. Dado que los cantantes entrenados conocían bien el repertorio de cantos, las marcas neume escritas sobre el texto servían como recordatorio de la melodía, pero no especificaban los intervalos reales. [14] Sin embargo, un cantante que lea un texto de canto con marcas neume no podría leer a primera vista una canción que nunca antes había escuchado cantar; Estas piezas no serían posibles de interpretar con precisión hoy sin versiones posteriores en sistemas de notación más precisos. [15]
Estos neumas eventualmente evolucionaron hasta convertirse en los símbolos básicos de la notación neumática , la virga (o "vara") que indica una nota más alta y todavía se parecía al acutus del que proviene; y el punctum (o "punto") que indica una nota más baja y, como su nombre indica, reducía el símbolo gravis a un punto. [13] Así, el acutus y el gravis podrían combinarse para representar inflexiones vocales gráficas en la sílaba. [13] Este tipo de notación parece haberse desarrollado no antes del siglo VIII, pero en el siglo IX estaba firmemente establecido como el método principal de notación musical. [16] La notación básica de virga y punctum siguió siendo el símbolo de las notas individuales, pero pronto se desarrollaron otras neumas que mostraban varias notas unidas. Estos nuevos neumas , llamados ligaduras, son esencialmente combinaciones de los dos signos originales. [17]
La primera notación musical fue el uso de puntos sobre la letra de un canto, con algunos puntos más altos o más bajos, dando al lector una idea general de la dirección de la melodía. Sin embargo, esta forma de notación sólo servía como ayuda para la memoria para un cantante que ya conocía la melodía. [18] Esta notación neumática básica solo podía especificar el número de notas y si se movían hacia arriba o hacia abajo. No había forma de indicar el tono exacto, ningún ritmo o incluso la nota inicial. Estas limitaciones son una indicación más de que los neumas se desarrollaron como herramientas para apoyar la práctica de la tradición oral, en lugar de suplantarla. Sin embargo, aunque comenzó como una mera ayuda para la memoria, pronto se hizo evidente el valor de tener una notación más específica. [dieciséis]
El siguiente desarrollo en notación musical fueron los " neumas elevados ", en los que los neumas se colocaban cuidadosamente a diferentes alturas entre sí. Esto permitió a los neumas dar una indicación aproximada del tamaño de un intervalo determinado, así como de su dirección. Esto rápidamente llevó a que una o dos líneas, cada una de las cuales representaba una nota particular, se colocaran en la música con todos los neumas relacionados con los anteriores. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y en su lugar tenían una letra al principio que indicaba qué nota estaba representada. Sin embargo, las líneas que indican el Do central y el Fa una quinta debajo poco a poco se volvieron más comunes. Después de haber sido simplemente garabateadas en el pergamino, las líneas ahora se dibujaban con tintas de dos colores diferentes: generalmente roja para F y amarilla o verde para C. Este fue el comienzo del pentagrama musical. [19] La finalización del pentagrama de cuatro líneas generalmente se atribuye a Guido d'Arezzo ( c. 1000 –1050), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. Mientras que fuentes más antiguas atribuyen el desarrollo del pentagrama a Guido, algunos estudiosos modernos sugieren que actuó más como un codificador de un sistema que ya se estaba desarrollando. De cualquier manera, esta nueva notación permitía al cantante aprender piezas completamente desconocidas para él en un tiempo mucho más corto. [12] [20] Sin embargo, aunque la notación de canto había progresado de muchas maneras, persistía un problema fundamental: el ritmo. El sistema de notación neumática , incluso en su estado plenamente desarrollado, no definía claramente ningún tipo de ritmo para el canto de las notas. [21]
La teoría musical del período medieval experimentó varios avances con respecto a la práctica anterior, tanto en lo que respecta al material tonal, la textura y el ritmo.
En cuanto al ritmo , este período tuvo varios cambios dramáticos tanto en su concepción como en su notación. Durante el período medieval temprano no existía ningún método para anotar el ritmo y, por lo tanto, la práctica rítmica de esta música antigua está sujeta a debate entre los estudiosos. [21] El primer tipo de sistema rítmico escrito se desarrolló durante el siglo XIII y se basó en una serie de modos. Este plan rítmico fue codificado por el teórico de la música Johannes de Garlandia , autor de De Mensurabili Musica ( c. 1250 ), el tratado que definió y esclareció más completamente estos modos rítmicos . [22] En su tratado, Johannes de Garlandia describe seis especies de modo, o seis formas diferentes en las que se pueden organizar largos y breves. Cada modo establece un patrón rítmico en tiempos (o tempora ) dentro de una unidad común de tres tempora (una perfectio ) que se repite una y otra vez. Además, la notación sin texto se basa en cadenas de ligaduras ( las notaciones características mediante las cuales grupos de notas se unen entre sí).
El modo rítmico generalmente puede determinarse por los patrones de ligaduras utilizadas. [23] Una vez que se había asignado un modo rítmico a una línea melódica, generalmente había poca desviación de ese modo, aunque los ajustes rítmicos podían indicarse mediante cambios en el patrón esperado de ligaduras, incluso hasta el punto de cambiar a otro modo rítmico. [24] El siguiente paso adelante en materia de ritmo vino del teórico alemán Franco de Colonia . En su tratado Ars cantus mensurabilis ("El arte de la música mensurable"), escrito alrededor de 1280, describe un sistema de notación en el que notas de diferentes formas tienen valores rítmicos completamente diferentes. Este es un cambio sorprendente con respecto al sistema anterior de De Garlandia. Mientras que antes la duración de la nota individual sólo podía deducirse del modo mismo, esta nueva relación invertida hizo que el modo dependiera de (y estuviera determinado por) las notas o figuras individuales que tienen valores de duración incontrovertibles, [25] una innovación que tuvo un impacto masivo en la historia posterior de la música europea. La mayor parte de la música notada del siglo XIII que se conserva utiliza los modos rítmicos definidos por Garlandia. El paso en la evolución del ritmo se produjo después del cambio de siglo XIII con el desarrollo del estilo Ars Nova .
The theorist who is most well recognized in regard to this new style is Philippe de Vitry, famous for writing the Ars Nova ("New Art") treatise around 1320. This treatise on music gave its name to the style of this entire era.[26] In some ways the modern system of rhythmic notation began with Vitry, who completely broke free from the older idea of the rhythmic modes. The notational predecessors of modern time meters also originate in the Ars Nova. This new style was clearly built upon the work of Franco of Cologne. In Franco's system, the relationship between a breve and a semibreves (that is, half breves) was equivalent to that between a breve and a long: and, since for him modus was always perfect (grouped in threes), the tempus or beat was also inherently perfect and therefore contained three semibreves. Sometimes the context of the mode would require a group of only two semibreves, however, these two semibreves would always be one of normal length and one of double length, thereby taking the same space of time, and thus preserving the perfect subdivision of the tempus.[27] This ternary division held for all note values. In contrast, the Ars Nova period introduced two important changes: the first was an even smaller subdivision of notes (semibreves, could now be divided into minim), and the second was the development of "mensuration."
Las mediciones podrían combinarse de varias maneras para producir agrupaciones métricas. Estas agrupaciones de medidas son las precursoras del metro simple y compuesto. [28] En la época de Ars Nova , la división perfecta del tempus no era la única opción a medida que las divisiones dobles se volvieron más aceptadas. Para Vitry, la breve podía dividirse, para una composición completa, o una sección de una, en grupos de dos o tres semibrevas más pequeñas. De esta manera, el tempus (término que pasó a denotar la división de la breve) podía ser o bien "perfecto" ( tempus perfectum ), con subdivisión ternaria, o "imperfecto" ( tempus imperfectum ), con subdivisión binaria. [29] De manera similar, la división de la semibreve (denominada prolación ) podría dividirse en tres mínimos ( prolatio perfectus o prolación mayor) o dos mínimos ( prolatio imperfectus o prolación menor) y, en el nivel superior, la división de largos (llamada modus ) podrían ser tres o dos breves ( modus perfectus o modo perfecto, o modus imperfectus o modo imperfecto respectivamente). [30] [31] Vitry llevó esto un paso más allá al indicar la división adecuada de una pieza determinada al principio mediante el uso de un "signo de medición", equivalente a nuestro moderno "compás". [32]
El tempus perfectum se indicaba con un círculo, mientras que el tempus imperfectum se indicaba con un semicírculo [32] (el símbolo actual
, utilizado como alternativa para el4 4tipo de compás, es en realidad un vestigio de este símbolo, no una letra C como abreviatura de "tiempo común", como se cree popularmente). Si bien muchas de estas innovaciones se atribuyen a Vitry y, en cierto modo, están presentes en el tratado Ars Nova , fue un contemporáneo (y conocido personal) de Vitry, llamado Johannes de Muris (o Jehan des Mars ), quien ofreció el tratamiento más completo y sistemático. de las nuevas innovaciones mensurales del Ars Nova [28] (para una breve explicación de la notación mensural en general, véase el artículo Música renacentista ). Muchos estudiosos, citando una falta de evidencia atributiva positiva, consideran ahora que el tratado de "Vitry" es anónimo, pero esto no disminuye su importancia para la historia de la notación rítmica. Sin embargo, esto hace que el primer erudito definitivamente identificable que acepte y explique el sistema mensural sea De Muris, de quien se puede decir que hizo por él lo que Garlandia hizo por los modos rítmicos.
Durante el período medieval, la mayor parte de la música se componería principalmente en tempus perfecto, con efectos especiales creados por secciones de tempus imperfecto; Actualmente existe una gran controversia entre los musicólogos sobre si dichas secciones se interpretaron con una breve de igual duración o si cambiaron y, de ser así, en qué proporción. Este estilo Ars Nova siguió siendo el sistema rítmico primario hasta las obras altamente sincopadas del Ars subtilior a finales del siglo XIV, caracterizadas por extremos de complejidad rítmica y notacional. [33] Este subgénero llevó la libertad rítmica proporcionada por Ars Nova al límite, con algunas composiciones con diferentes voces escritas en diferentes medidas simultáneamente. La complejidad rítmica que se logró en esta música es comparable a la del siglo XX. [34]
De igual importancia para la historia general de la teoría musical occidental fueron los cambios de textura que se produjeron con la llegada de la polifonía. Esta práctica transformó la música occidental en la música dominada armónicamente que conocemos hoy. [35] Los primeros relatos de este desarrollo textural se encontraron en dos tratados de música anónimos pero de amplia circulación, la Musica y la Scolica enchiriadis . Estos textos están fechados en algún momento de la segunda mitad del siglo IX. [36] Los tratados describen una técnica que parecía ya estar bien establecida en la práctica. [36] Esta polifonía temprana se basa en tres intervalos simples y tres compuestos. El primer grupo comprende cuartas, quintas y octavas; mientras que el segundo grupo tiene octava más cuartas, octava más quintas y octavas dobles. [36] Esta nueva práctica recibe el nombre de organum por el autor de los tratados. [36] Organum puede clasificarse además según el período de tiempo en el que fue escrito. El organum temprano , tal como se describe en los enchiriadis , puede denominarse " organum estricto " [37]. El organum estricto puede, a su vez, subdividirse en dos tipos: diapente (organum en el intervalo de una quinta) y diatesseron (organum en el intervalo de una quinta). cuatro). [37] Sin embargo, ambos tipos de organum estricto tenían problemas con las reglas musicales de la época. Si cualquiera de ellos era paralelo a un canto original durante demasiado tiempo (dependiendo del modo), resultaría un tritono . [38]
Este problema se superó en cierta medida con el uso de un segundo tipo de órgano . Este segundo estilo de organum se denominó " organum libre ". Su característica distintiva es que las piezas no tenían que moverse sólo en movimiento paralelo, sino que también podían moverse en movimiento oblicuo o contrario. Esto hizo que fuera mucho más fácil evitar el temido tritono. [39] El estilo final de organum que se desarrolló se conoció como " organum melismático ", que supuso una desviación bastante dramática del resto de la música polifónica hasta ese momento. Este nuevo estilo no era nota contra nota, sino más bien una línea sostenida acompañada de una florida línea melismática. [40] Este último tipo de organum también fue incorporado por el compositor polifónico más famoso de esta época: Léonin . Unió este estilo con pasajes discretos medidos , que utilizaron los modos rítmicos para crear el pináculo de la composición organum . [40] Esta etapa final del organum a veces se conoce como escuela de polifonía de Notre Dame , ya que allí era donde estaban destinados Léonin (y su alumno Pérotin ). Además, este tipo de polifonía influyó en todos los estilos posteriores, y los géneros polifónicos posteriores de motetes comenzaron como un tropo de los organums existentes de Notre Dame .
Otro elemento importante de la teoría musical medieval fue el sistema mediante el cual se ordenaban y comprendían los tonos. Durante la Edad Media, esta disposición sistemática de una serie de pasos enteros y semitonos, lo que hoy llamamos escala , se conocía como modo . [ cita necesaria ] El sistema modal funcionó como las escalas actuales, en el sentido de que proporcionó las reglas y el material para la escritura melódica. [41] Los ocho modos de la iglesia son: dórico , hipodoriano , frigio , hipofrigio , lidio , hipolidiano , mixolidio e hipomixolidio . [42] Gran parte de la información relativa a estos modos, así como su aplicación práctica, fue codificada en el siglo XI por el teórico Johannes Afflighemensis . En su obra describe tres elementos definitorios de cada modo: el final (o finalis) , el tono de recitación ( tenor o confinalis ) y el rango (o ambitus ). El finalis es el tono que sirve como punto focal del modo y, como su nombre indica, casi siempre se utiliza como tono final. El tono de recitación es el tono que sirve como punto focal principal de la melodía (particularmente internamente). Generalmente también es el tono que más se repite en la pieza, y finalmente el rango delimita los tonos superiores e inferiores para un modo determinado. [43] Los ocho modos se pueden dividir en cuatro categorías según su final ( finalis ).
Los teóricos medievales llamaron a estos pares maneriae y los etiquetaron según los números ordinales griegos. Aquellos modos que tienen d, e, f y g como finales se colocan en los grupos protus , deuterus , tritus y tetrardus respectivamente. [44] Estos luego se pueden dividir aún más en función de si el modo es "auténtico" o "plagal". Estas distinciones tratan del alcance del modo en relación con el final. Los modos auténticos tienen un rango de aproximadamente una octava (se permite un tono por encima o por debajo) y comienzan en el final, mientras que los modos plagales, aunque aún cubren aproximadamente una octava, comienzan en una cuarta perfecta por debajo del auténtico. [45] Otro aspecto interesante del sistema modal es el uso de " Musica ficta ", que permite alterar los tonos (cambiando B ♮ a B ♭ , por ejemplo) en ciertos contextos independientemente del modo. [46] Estos cambios tienen varios usos, pero uno que parece particularmente común es evitar las dificultades melódicas causadas por el tritono. [47]
Estos modos eclesiásticos, aunque tienen nombres griegos, tienen poca relación con los modos establecidos por los teóricos griegos. Más bien, la mayor parte de la terminología parece ser una apropiación indebida por parte de los teóricos medievales [42] Aunque los modos eclesiásticos no tienen relación con los modos griegos antiguos, la sobreabundancia de terminología griega sí apunta a un posible origen interesante en las melodías litúrgicas. de la tradición bizantina . Este sistema se llama octoechos y también se divide en ocho categorías, llamadas echoi . [48]
Para teóricos de la música medieval específicos, véase también: Isidoro de Sevilla , Aureliano de Réôme , Odón de Cluny , Guido de Arezzo , Hermannus Contractus , Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris , Franco de Colonia , Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus) , Anónimo IV , Marchetto da Padova (Marchettus de Padua), Jacques de Lieja , Johannes de Grocheo , Petrus de Cruce (Pierre de la Croix) y Philippe de Vitry .
El canto (o canto llano ) es una forma sagrada monofónica (melodía única y sin acompañamiento) que representa la música más antigua conocida de la iglesia cristiana. Chant se desarrolló por separado en varios centros europeos. Aunque las más importantes fueron Roma , Hispania , Galia , Milán e Irlanda, también hubo otras. Todos estos estilos se desarrollaron para apoyar las liturgias regionales utilizadas al celebrar la Misa allí. Cada zona desarrolló su propio canto y reglas de celebración. En España y Portugal se utilizó el canto mozárabe y muestra la influencia de la música norteafricana . La liturgia mozárabe incluso sobrevivió durante el dominio musulmán , aunque se trataba de una corriente aislada y esta música fue posteriormente suprimida en un intento de imponer la conformidad en toda la liturgia. En Milán, el canto ambrosiano , que lleva el nombre de San Ambrosio , era el estándar, mientras que el canto benventano se desarrolló alrededor de Benevento , otro centro litúrgico italiano. El canto galicano se utilizó en la Galia y el canto celta en Irlanda y Gran Bretaña.
La dinastía carolingia reinante quería estandarizar la misa y el canto en todo su Imperio franco . En esa época, Roma era el centro religioso de Europa occidental, y el norte de la Galia y Renania (sobre todo la ciudad de Aquisgrán ) era el centro político. El esfuerzo de estandarización consistió principalmente en combinar las dos liturgias regionales ( romana y galicana ). Carlomagno (742–814) envió cantantes capacitados por todo el Imperio para enseñar esta nueva forma de canto. [49] Este cuerpo de canto pasó a ser conocido como Canto Gregoriano , en honor al Papa Gregorio I. Se dice que el canto gregoriano fue recopilado y codificado durante su papado o incluso compuesto por él mismo, inspirado por el Espíritu Santo en forma de paloma. Sin embargo, esto es sólo una leyenda popular que fue difundida por los carolingios que querían legitimar sus esfuerzos de unificación de la liturgia. El canto gregoriano ciertamente no existía en aquella época. Es posible, sin embargo, que el papado de Gregorio haya contribuido realmente a recoger y codificar el canto romano de la época que luego, en los siglos IX y X, formó – junto con el canto galicano – una de las dos raíces del canto gregoriano. [50] [51] En los siglos XII y XIII, el canto gregoriano había reemplazado a todas las demás tradiciones de canto occidentales, con la excepción del canto ambrosiano en Milán y el canto mozárabe en algunas capillas españolas especialmente designadas. Hildegard von Bingen (1098-1179) fue una de las primeras compositoras conocidas. Escribió numerosas obras monofónicas para la Iglesia católica, casi todas para voces femeninas.
Hacia finales del siglo IX, los cantantes de monasterios como St. Gall en Suiza comenzaron a experimentar agregando otra parte al canto, generalmente una voz en movimiento paralelo , cantando principalmente en cuartas o quintas perfectas por encima de la melodía original (ver intervalo ). . Este desarrollo se llama organum y representa los inicios del contrapunto y, en definitiva, de la armonía . [52] Durante los siguientes siglos, organum se desarrolló de varias maneras.
El más significativo de estos desarrollos fue la creación del "florid organum" alrededor de 1100, a veces conocida como la escuela de San Marcial (llamada así por un monasterio en el centro-sur de Francia, que contiene el manuscrito mejor conservado de este repertorio). En el "florid organum", la melodía original se cantaba en notas largas mientras una voz acompañante cantaba muchas notas de cada una de las originales, a menudo de una manera muy elaborada, enfatizando al mismo tiempo las consonancias perfectas (cuartas, quintas y octavas). , como en el organa anterior. Los desarrollos posteriores del organum se produjeron en Inglaterra, donde se favoreció especialmente el intervalo de tercera , y donde probablemente se improvisó contra una melodía de canto existente, y en Notre Dame de París, que iba a ser el centro de la actividad creativa musical durante todo el siglo XIII. siglo.
Gran parte de la música del período medieval temprano es anónima . Algunos de los nombres pueden haber sido poetas y escritores líricos, y las melodías para las que escribieron la letra pueden haber sido compuestas por otros. La atribución de música monofónica de la época medieval no siempre es fiable. Los manuscritos supervivientes de este período incluyen la Musica Enchiriadis , el Codex Calixtinus de Santiago de Compostela , el Magnus Liber y el Winchester Troper . Para obtener información sobre compositores o poetas específicos que escribieron durante el período medieval temprano, consulte el Papa Gregorio I , San Godrico , Hildegarda de Bingen , Hucbald , Notker Balbulus , Odón de Arezzo , Odón de Cluny y Tutilo .
Otra tradición musical de Europa originada durante la Alta Edad Media fue el drama litúrgico .
El drama litúrgico se desarrolló posiblemente en el siglo X a partir de los tropos: adornos poéticos de los textos litúrgicos. Uno de los tropos, el llamado Quem Quaeritis, perteneciente a la liturgia de la mañana de Pascua, se convirtió en una obra de teatro breve alrededor del año 950. [53] La fuente escrita más antigua que se conserva es el Winchester Troper. Alrededor del año 1000 se cantaba ampliamente en el norte de Europa. [54] [ verificación fallida ]
Al poco tiempo, [ se necesita aclaración ] se desarrolló una obra navideña similar, musical y textualmente posterior a la de Pascua, y siguieron otras obras.
Existe una controversia entre los musicólogos en cuanto al acompañamiento instrumental de este tipo de obras, dado que las acotaciones escénicas, muy elaboradas y precisas en otros aspectos, no solicitan la participación de instrumentos. [ cita necesaria ] Estos dramas fueron representados por monjes, monjas y sacerdotes. [ cita necesaria ] A diferencia de las obras profanas, que eran habladas, el drama litúrgico siempre se cantaba. [ cita necesaria ] Muchos se han conservado lo suficiente como para permitir la reconstrucción y representación modernas (por ejemplo, la Obra de Daniel , que se ha grabado recientemente al menos diez veces).
Los Goliardo fueron poetas y músicos itinerantes de Europa desde el siglo X hasta mediados del siglo XIII. La mayoría eran eruditos o eclesiásticos , y escribían y cantaban en latín. Aunque muchos de los poemas han sobrevivido, muy poca música. Posiblemente influyeron, incluso decisivamente, en la tradición trovador - trouvère que seguiría. La mayor parte de su poesía es secular y, si bien algunas de las canciones celebran ideales religiosos, otras son francamente profanas y tratan sobre la embriaguez, el libertinaje y la lascivia. Una de las fuentes más importantes de las canciones de Goliard es la Carmina Burana . [55]
El florecimiento de la escuela de polifonía de Notre Dame entre 1150 y 1250 aproximadamente correspondió a logros igualmente impresionantes de la arquitectura gótica : de hecho, el centro de actividad estaba en la propia catedral de Notre Dame . En ocasiones la música de este período se denomina escuela parisina, u organum parisino, y representa el inicio de lo que convencionalmente se conoce como Ars antiqua . Este fue el período en el que la notación rítmica apareció por primera vez en la música occidental, principalmente un método de notación rítmica basado en el contexto conocido como modos rítmicos .
Este fue también el período en el que se desarrollaron conceptos de estructura formal que prestaban atención a la proporción, la textura y el efecto arquitectónico. Los compositores de la época alternaron organum floridos y discantes (más nota contra nota, a diferencia de la sucesión de melismas de muchas notas contra notas mantenidas durante mucho tiempo que se encuentran en el tipo florido) y crearon varias formas musicales nuevas: clausulae , que fueron secciones melismáticas de organa extraídas y equipadas con nuevas palabras y mayor elaboración musical; conductus , que eran canciones para una o más voces que se cantaban rítmicamente, muy probablemente en algún tipo de procesión; y tropos , que eran adiciones de nuevas palabras y, a veces, nueva música a secciones de cantos más antiguos. Todos estos géneros, salvo uno, se basaban en el canto; es decir, una de las voces (generalmente tres, aunque a veces cuatro), casi siempre la más baja (el tenor en este punto) cantaba una melodía de canto, aunque con longitudes de notas compuestas libremente, sobre la cual las otras voces cantaban organum. La excepción a este método fue el conductus, una composición a dos voces que se compuso libremente en su totalidad. [ cita necesaria ]
El motete , una de las formas musicales más importantes de la Alta Edad Media y el Renacimiento, se desarrolló inicialmente durante el período de Notre Dame a partir de la clausula, especialmente la forma que utiliza múltiples voces elaborada por Pérotin , quien allanó el camino para esto, particularmente reemplazando muchas de las cláusulas largas y floridas de su predecesor (como canónigo de la catedral) Léonin con sustitutos en un estilo discreto. Gradualmente, hubo libros completos de estos sustitutos, disponibles para incluirlos y sacarlos de los distintos cantos. Dado que, de hecho, hubo más de las que posiblemente se pudieron haber usado en contexto, es probable que las cláusulas llegaran a realizarse de forma independiente, ya sea en otras partes de la misa o en devociones privadas. La clausula, así practicada, se convirtió en el motete cuando se le asignó palabras no litúrgicas, y esto se desarrolló aún más hasta convertirse en una forma de gran elaboración, sofisticación y sutileza en el siglo XIV, el período de Ars nova . Los manuscritos supervivientes de esta época incluyen el Códice de Montpellier , el Códice de Bamberg y el Códice de Las Huelgas .
Los compositores de esta época incluyen a Léonin , Pérotin , W. de Wycombe , Adam de St. Victor y Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). A Petrus se le atribuye la innovación de escribir más de tres semibreves para ajustarse a la longitud de una breve. Esta práctica, anterior a la innovación del tempus imperfecto, inauguró la era de los ahora llamados motetes "petronianos". Estas obras de finales del siglo XIII constan de tres o cuatro partes y tienen varios textos cantados simultáneamente. Originalmente, la línea de tenor (del latín tenere , "sostener") contenía una línea de canto litúrgico preexistente en el latín original, mientras que el texto de una, dos o incluso tres voces anteriores, llamadas voces organales , proporcionaba comentarios sobre el tema litúrgico ya sea en latín o en francés vernáculo. Los valores rítmicos de las voces organales disminuyeron a medida que las partes se multiplicaron, teniendo el duplum (la parte encima del tenor) valores rítmicos más pequeños que el tenor, el triplum (la línea encima del duplum ) teniendo valores rítmicos más pequeños que el duplum , y así en. Con el paso del tiempo, los textos de las voces organales se volvieron cada vez más seculares y tenían cada vez menos conexión abierta con el texto litúrgico en la línea de tenor. [56]
La creciente complejidad rítmica que se observa en los motetes petronianos sería una característica fundamental del siglo XIV, aunque la música en Francia, Italia e Inglaterra tomaría caminos bastante diferentes durante esa época. [ cita necesaria ]
Las Cantigas de Santa María son 420 poemas con notación musical, escritos en gallego-portugués durante el reinado de Alfonso X El Sabio (1221-1284). [57] El manuscrito probablemente fue compilado entre 1270 y 1280 y está muy decorado, con una iluminación cada 10 poemas. [58] Las iluminaciones a menudo representan a músicos, lo que hace del manuscrito una fuente particularmente importante de iconografía musical medieval. [57] Aunque las Cantigas a menudo se atribuyen a Alfonso, no está claro si él mismo fue un compositor o quizás un compilador; [58] Se sabe que Alfonso invitaba regularmente a la corte a músicos y poetas que sin duda estuvieron involucrados en la producción de Cantigas . [59]
Es una de las mayores colecciones de canciones monofónicas (solistas) de la Edad Media y se caracteriza por la mención de la Virgen María en cada canción, mientras que cada décima canción es un himno. Los manuscritos han sobrevivido en cuatro códices: dos en El Escorial , uno en la Biblioteca Nacional de Madrid y uno en Florencia , Italia. Algunos tienen miniaturas en colores que muestran parejas de músicos tocando una amplia variedad de instrumentos .
La música de los trovadores y trouvères era una tradición vernácula de canto secular monofónico, probablemente acompañado de instrumentos, cantado por músicos profesionales, ocasionalmente itinerantes, que eran tan hábiles como poetas como cantantes e instrumentistas. La lengua de los trovadores era el occitano (también conocida como lengua de oc , o provenzal); el idioma de los trouvères era el francés antiguo (también conocido como langue d'oïl ). El período de los trovadores correspondió al florecimiento de la vida cultural en Provenza que duró todo el siglo XII y la primera década del XIII. Los temas típicos de las canciones de los trovadores eran la guerra, la caballerosidad y el amor cortés : el amor de una mujer idealizada desde lejos. El período de los trovadores llegó a su fin después de la Cruzada albigense , la feroz campaña del Papa Inocencio III para eliminar la herejía cátara (y el deseo de los barones del norte de apropiarse de las riquezas del sur). Los trovadores supervivientes fueron a Portugal , España, el norte de Italia o el norte de Francia (donde perduró la tradición trouvère), donde sus habilidades y técnicas contribuyeron al desarrollo posterior de la cultura musical secular en esos lugares. [49]
Los trouvères y los trovadores compartían estilos musicales similares, pero los trouvères eran generalmente nobles. [49] La música de los trouvères era similar a la de los trovadores, pero pudo sobrevivir hasta el siglo XIII sin verse afectada por la Cruzada Albigense. La mayoría de las más de dos mil canciones de trouvère que se conservan incluyen música y muestran una sofisticación tan grande como la de la poesía que la acompaña. [60]
La tradición Minnesänger fue la contraparte germánica de la actividad de los trovadores y trouvères del oeste. Desafortunadamente, pocas fuentes sobreviven de esa época; Las fuentes de Minnesang son en su mayoría de dos o tres siglos después del apogeo del movimiento, lo que genera cierta controversia sobre la exactitud de estas fuentes. [61] Entre los Minnesängers con música sobreviviente se encuentran Wolfram von Eschenbach , Walther von der Vogelweide y Niedhart von Reuenthal .
En la Edad Media, el gallego-portugués era la lengua utilizada en casi toda Iberia para la poesía lírica. [62] De esta lengua derivan tanto el gallego moderno como el portugués . La escuela gallego-portuguesa, que recibió cierta influencia (principalmente en ciertos aspectos formales) de los trovadores occitanos, se documenta por primera vez a finales del siglo XII y perduró hasta mediados del XIV.
Se suele aceptar que la composición más antigua que existe en esta escuela es Ora faz ost' o senhor de Navarra del portugués João Soares de Paiva , generalmente fechada justo antes o después de 1200. Los trovadores del movimiento, que no deben confundirse con los trovadores occitanos (que frecuentaba cortes de las cercanas León y Castilla ), escribió casi en su totalidad cantigas . A partir probablemente de mediados del siglo XIII, estas canciones, conocidas también como cantares o trovas , comenzaron a recopilarse en colecciones conocidas como cancioneiros (cancioneros). Se conocen tres de estas antologías: el Cancioneiro da Ajuda , el Cancioneiro Colocci-Brancuti (o Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa) y el Cancioneiro da Vaticana . A ellas se suma la inestimable colección de más de 400 cantigas gallego-portuguesas de las Cantigas de Santa María , que la tradición atribuye a Alfonso X.
Las cantigas gallego-portuguesas se pueden dividir en tres géneros básicos: poesía amorosa con voz masculina, llamadas cantigas de amor (o cantigas d'amor , en ortografía gallego-portuguesa) poesía amorosa con voz femenina, llamadas cantigas de amigo (o cantigas d 'amigo ); y poesía de insulto y burla llamada cantigas de escárnio e maldizer (o cantigas d'escarnho e de mal dizer ). Los tres son géneros líricos en el sentido técnico de que eran canciones estróficas con acompañamiento musical o introducción en un instrumento de cuerda. Pero los tres géneros también tienen elementos dramáticos, lo que llevó a los primeros estudiosos a caracterizarlos como lírico-dramáticos.
Los orígenes de las cantigas d'amor suelen remontarse a la poesía lírica provenzal y francesa antigua , pero formal y retóricamente son bastante diferentes. Las cantigas d'amigo probablemente tengan sus raíces en una tradición de canciones nativas, [63] aunque esta opinión ha sido cuestionada. Las cantigas d'escarnho e maldizer también pueden (según Lang) tener profundas raíces locales. Estos dos últimos géneros (que suman alrededor de 900 textos) hacen que la lírica gallego-portuguesa sea única en todo el panorama de la poesía románica medieval.
El comienzo del Ars nova es una de las pocas divisiones cronológicas claras en la música medieval, ya que corresponde a la publicación del Roman de Fauvel , una enorme recopilación de poesía y música, en 1310 y 1314. El Roman de Fauvel es una sátira. sobre los abusos en la iglesia medieval, y está lleno de motetes, lais , rondeaux y otras nuevas formas seculares medievales. Si bien la mayor parte de la música es anónima, contiene varias piezas de Philippe de Vitry , uno de los primeros compositores del motete isorrítmico , evolución que distingue el siglo XIV. El motete isorrítmico fue perfeccionado por Guillaume de Machaut , el mejor compositor de la época.
Durante la era Ars nova , la música secular adquirió una sofisticación polifónica que antes sólo se encontraba en la música sacra, un desarrollo que no sorprende considerando el carácter secular del Renacimiento temprano (si bien esta música se considera típicamente "medieval", las fuerzas sociales que la produjeron fueron las responsables). para el comienzo del Renacimiento literario y artístico en Italia (la distinción entre Edad Media y Renacimiento es borrosa, especialmente considerando artes tan diferentes como la música y la pintura). El término " Ars nova " (arte nuevo o nueva técnica) fue acuñado por Philippe de Vitry en su tratado del mismo nombre (probablemente escrito en 1322), para distinguir la práctica de la música de la época inmediatamente anterior.
El género secular dominante del Ars Nova fue la chanson , como lo seguiría siendo en Francia durante otros dos siglos. Estas canciones se compusieron en formas musicales correspondientes a la poesía que establecían, [64] que estaban en las llamadas formas fijas de rondeau , balada y virelai . Estas formas afectaron significativamente el desarrollo de la estructura musical de maneras que se sienten aún hoy; por ejemplo, el esquema de rima ouvert-clos compartido por los tres exigía una realización musical que contribuía directamente a la noción moderna de frases antecedentes y consecuentes. Fue también en este período cuando comenzó la larga tradición de establecer la misa ordinaria. Esta tradición comenzó a mediados de siglo con escenarios aislados o emparejados de Kyries, Glorias, etc., pero Machaut compuso lo que se cree que es la primera misa completa concebida como una sola composición. El mundo sonoro de la música de Ars Nova es en gran medida uno de primacía lineal y complejidad rítmica. Los intervalos de "descanso" son la quinta y la octava, y las terceras y sextas se consideran disonancias. No son infrecuentes saltos de más de una sexta parte en voces individuales, lo que lleva a especular sobre la participación instrumental al menos en la interpretación secular. Los manuscritos franceses que se conservan incluyen el Códice Ivrea y el Códice Apt.
Para obtener información sobre compositores franceses específicos que escribieron a finales de la época medieval, véase Jehan de Lescurel , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Borlet , Solage y François Andrieu .
La mayor parte de la música de Ars nova era de origen francés; sin embargo, el término a menudo se aplica vagamente a toda la música del siglo XIV, especialmente para incluir la música secular en Italia. Allí se hacía referencia a este período a menudo como Trecento . La música italiana siempre ha sido conocida por su carácter lírico o melódico, y esto se remonta al siglo XIV en muchos aspectos. La música secular italiana de esta época (la poca música litúrgica que queda es similar a la francesa excepto por una notación algo diferente) presentaba lo que se ha llamado el estilo cantalina , con una voz superior florida apoyada por dos (o incluso una; una justa (gran parte de la música italiana del Trecento es sólo para dos voces) que son más regulares y de movimiento más lento. Este tipo de textura siguió siendo una característica de la música italiana también en los géneros seculares populares de los siglos XV y XVI, y fue una influencia importante en el desarrollo final de la textura trío que revolucionó la música en el siglo XVII.
Había tres formas principales de obras seculares en el Trecento. Uno era el madrigal , no igual al de 150 o 250 años después, pero con una forma parecida a un verso/estribillo. Estrofas de tres versos, cada una con palabras diferentes, alternadas con un ritornello de dos versos , con el mismo texto en cada aparición. Quizás podamos ver las semillas del posterior ritornello tardorenacentista y barroco en este dispositivo; también regresa una y otra vez, reconocible cada vez, en contraste con las secciones dispares que lo rodean. Otra forma, la caccia ("persecución") fue escrita para dos voces en un canon al unísono. A veces, esta forma también presentaba un ritornello, que en ocasiones también era de estilo canónico. Por lo general, el nombre de este género tenía un doble significado, ya que los textos de caccia trataban principalmente de cacerías y actividades al aire libre relacionadas, o al menos de escenas llenas de acción; El segundo significado era que una voz caccia (sigue, corre detrás) de la anterior. La tercera forma principal fue la ballata , que era más o menos equivalente al virelai francés .
Los manuscritos italianos que se conservan incluyen el Códice Squarcialupi y el Códice Rossi . Para obtener información sobre compositores italianos específicos que escribieron a finales de la época medieval, consulte Francesco Landini , Gherardello da Firenze , Andrea da Firenze , Lorenzo da Firenze , Giovanni da Firenze (también conocido como Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova , Jacopo da Bolonia , Donato da Cascia. , Lorenzo Masini , Niccolò da Perugia y el maestro Piero .
Los Geisslerlieder eran los cantos de bandas errantes de flagelantes , que buscaban apaciguar la ira de un Dios enojado con música penitencial acompañada de la mortificación de sus cuerpos. Hubo dos períodos distintos de actividad de Geisslerlied: uno a mediados del siglo XIII, del que, lamentablemente, no sobrevive ninguna música (aunque sí numerosas letras); y otro de 1349, del que tanto la letra como la música sobreviven intactas gracias a la atención de un solo sacerdote que escribió sobre el movimiento y grabó su música. Este segundo período corresponde a la propagación de la peste negra en Europa y documenta uno de los acontecimientos más terribles de la historia europea. Ambos períodos de actividad de Geisslerlied se desarrollaron principalmente en Alemania.
Como suele verse al final de cualquier era musical, el final de la era medieval está marcado por un estilo muy manierista conocido como Ars subtilior . En cierto modo, este fue un intento de fusionar los estilos francés e italiano. Esta música era muy estilizada, con una complejidad rítmica que no se igualó hasta el siglo XX. De hecho, no sólo la complejidad rítmica de este repertorio fue en gran medida inigualable durante cinco siglos y medio, con síncopas extremas, engaños mensurales e incluso ejemplos de augenmusik (como una canción de Baude Cordier escrita en un manuscrito en forma de corazón), pero también su material melódico era bastante complejo, particularmente en su interacción con las estructuras rítmicas. Ya se ha discutido en Ars Nova la práctica del isorritmo, que continuó desarrollándose hasta finales del siglo y, de hecho, no alcanzó su mayor grado de sofisticación hasta principios del siglo XV. En lugar de utilizar técnicas isorrítmicas en una o dos voces, o intercambiarlas entre voces, algunas obras llegaron a presentar una textura isorrítmica omnipresente que rivaliza con el serialismo integral del siglo XX en su ordenamiento sistemático de elementos rítmicos y tonales. El término "manierismo" fue aplicado por eruditos posteriores, como suele ocurrir, en respuesta a una impresión de sofisticación practicada por sí misma, una enfermedad que algunos autores han sentido que infectaba el Ars subtilior .
Una de las fuentes existentes más importantes de las canciones de Ars Subtilior es el Códice Chantilly . Para obtener información sobre compositores específicos que escriben música en estilo Ars subtilior , consulte Anthonello de Caserta , Philippus de Caserta (también conocido como Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia , Matteo da Perugia , Lorenzo da Firenze , Grimace , Jacob Senleches y Baude Cordier .
Demarcar el final de la época medieval y el comienzo de la época del Renacimiento , en lo que respecta a la composición de la música, resulta difícil. Si bien la música del siglo XIV tiene una concepción bastante medieval, la música de principios del siglo XV se concibe a menudo como perteneciente a un período de transición, que no sólo conserva algunos de los ideales de finales de la Edad Media (como un tipo de escritura polifónica en la que las partes difieren ampliamente entre sí en carácter, ya que cada una tiene su función textural específica), pero también muestra algunos de los rasgos característicos del Renacimiento (como el estilo cada vez más internacional que se desarrolló a través de la difusión del idioma franco-flamenco). músicos de toda Europa y, en términos de textura, una creciente igualdad de partes). Los historiadores de la música no se ponen de acuerdo sobre cuándo comenzó la era del Renacimiento, pero la mayoría de los historiadores coinciden en que Inglaterra todavía era una sociedad medieval a principios del siglo XV (véanse las cuestiones de periodización de la Edad Media). Si bien no hay consenso, el año 1400 es un marcador útil, porque fue en esa época cuando el Renacimiento entró en pleno apogeo en Italia. [ cita necesaria ]
La creciente dependencia del intervalo de tercera como consonancia es una de las características más pronunciadas de la transición al Renacimiento. La polifonía, en uso desde el siglo XII, se volvió cada vez más elaborada con voces muy independientes a lo largo del siglo XIV. Con John Dunstaple y otros compositores ingleses, en parte a través de la técnica local de faburden (un proceso de improvisación en el que una melodía cantada y una parte escrita predominantemente en sextas paralelas encima están ornamentadas por una cantada en cuartas perfectas debajo de esta última, y que más tarde tomó mantenido en el continente como "fauxbordon"), el intervalo de la tercera emerge como un desarrollo musical importante; Debido a esta Contenance Angloise ("rostro inglés"), la música de los compositores ingleses a menudo se considera la primera en sonar menos extraña para el público de la década de 2000 que no está capacitado en historia de la música. [ cita necesaria ]
Las tendencias estilísticas inglesas en este sentido habían llegado a buen término y comenzaron a influir en los compositores continentales ya en la década de 1420, como puede verse en las obras del joven Dufay , entre otros. Mientras continuaba la Guerra de los Cien Años , los nobles ingleses, los ejércitos, sus capillas y séquitos, y por tanto algunos de sus compositores, viajaron a Francia e interpretaron allí su música; Por supuesto, también hay que recordar que los ingleses controlaban partes del norte de Francia en esa época. Los manuscritos en inglés incluyen los Fragmentos de Worcester , el Libro de música Old St. Andrews, el Manuscrito Old Hall y el Manuscrito Egerton. Para obtener información sobre compositores específicos que se consideran de transición entre la Edad Media y el Renacimiento, consulte Zacara da Teramo , Paolo da Firenze , Giovanni Mazzuoli , Antonio da Cividale , Antonius Romanus , Bartolomeo da Bolonia , Roy Henry , Arnold de Lantins , Leonel Power y John Dunstaple . [ cita necesaria ]
Uno de los primeros compositores de la escuela franco-flamenca del Renacimiento fue Johannes Ockeghem (1410/1425 –1497). Fue el miembro más famoso de la escuela franco-flamenca en la segunda mitad del siglo XV, y a menudo se le considera [ palabras de comadreja ] el compositor más influyente entre Dufay y Josquin des Prez . Ockeghem probablemente estudió con Gilles Binchois , y al menos estuvo estrechamente asociado con él en la corte de Borgoña. Antoine Busnois escribió un motete en honor a Ockeghem. Ockeghem es un vínculo directo del estilo borgoñón con la próxima generación de holandeses, como Obrecht y Josquin. Ockeghem , una fuerte influencia en Josquin des Prez y la siguiente generación de holandeses, fue famoso en toda Europa por Carlos VII por su música expresiva, aunque era igualmente famoso por su destreza técnica. [sesenta y cinco]
Los estilos musicales de Pérotin influyeron en compositores del siglo XX como John Luther Adams [66] y el compositor minimalista Steve Reich . [67]
Bardcore , que consiste en remezclar canciones pop famosas para tener una instrumentación medieval, se convirtió en un meme popular en 2020. [68]
