El Museo Victoria y Alberto (abreviado V&A ) en Londres es el museo de artes aplicadas , artes decorativas y diseño más grande del mundo , y alberga una colección permanente de más de 2,8 millones de objetos. [3] Fue fundado en 1852 y lleva el nombre de la reina Victoria y el príncipe Alberto .
El V&A se encuentra en el distrito real de Kensington y Chelsea , en una zona conocida como " Albertopolis " por su asociación con el príncipe Alberto, el Albert Memorial y las principales instituciones culturales con las que estuvo asociado. Entre ellas se incluyen el Museo de Historia Natural , el Museo de la Ciencia , el Royal Albert Hall y el Imperial College de Londres . El museo es un organismo público no departamental patrocinado por el Departamento de Cultura, Medios de Comunicación y Deporte Digital . Al igual que otros museos nacionales británicos, la entrada es gratuita.
El V&A cubre 12,5 acres (5,1 ha) [4] y 145 galerías. Su colección abarca 5.000 años de arte, desde la historia antigua hasta la actualidad, de las culturas de Europa , América del Norte , Asia y el norte de África . Sin embargo, en la mayoría de las áreas no se recoge el arte de la antigüedad . Las existencias de cerámica , vidrio, textiles, trajes , plata, herrería , joyas, muebles, objetos medievales , esculturas, grabados y grabados , dibujos y fotografías se encuentran entre las más grandes y completas del mundo. [5]
El museo posee la colección de escultura posclásica más grande del mundo , y la de escultura renacentista italiana es la más grande fuera de Italia. Los departamentos de Asia incluyen arte del sur de Asia, China, Japón, Corea y el mundo islámico . Las colecciones de Asia oriental se encuentran entre las mejores de Europa, con especial énfasis en cerámica y metalistería , mientras que la colección islámica se encuentra entre las más grandes del mundo occidental. En general, es uno de los museos más grandes del mundo.
Desde 2001, el museo se ha embarcado en un importante programa de renovación de 150 millones de libras esterlinas. Las nuevas galerías europeas para el siglo XVII y el siglo XVIII se inauguraron el 9 de diciembre de 2015. En ellas se restauraron los interiores originales del Aston Webb y se albergan las colecciones europeas de 1600 a 1815. [6] [7] El Young V&A en el este de Londres es una sucursal del museo, y se está planeando una nueva sucursal en Londres, V&A East. [8] El primer museo V&A fuera de Londres, V&A Dundee, abrió sus puertas el 15 de septiembre de 2018. [9]
El Museo Victoria and Albert tiene sus orígenes en la Gran Exposición de 1851. Henry Cole fue el primer director del museo, también participó en la planificación. Inicialmente, el V&A se conocía como el Museo de Manufacturas . [10] La primera apertura al público general fue en mayo de 1852 en Marlborough House . En septiembre, la colección había sido transferida a Somerset House . En esta etapa, las colecciones cubrían tanto las artes aplicadas como la ciencia. [11] Varias de las exhibiciones de la Exposición inaugural fueron adquiridas por el museo para formar el núcleo de la colección del V&A. [12]
En febrero de 1854 se iniciaron conversaciones para trasladar el museo al emplazamiento actual [13] y el museo pasó a llamarse Museo de South Kensington . En 1855, el arquitecto alemán Gottfried Semper , a petición de Cole, elaboró un diseño para el museo, pero fue rechazado por la Junta de Comercio por ser demasiado caro. [14] El emplazamiento actual estaba ocupado por Brompton Park House, que se amplió en 1857 para incluir las primeras salas de refrigerios. El V&A fue el primer museo del mundo en ofrecer a investigadores e invitados un servicio de catering . [15] [5]
La inauguración oficial por parte de la reina Victoria se produjo el 20 de junio de 1857. [16] Al año siguiente, se introdujeron las aperturas nocturnas, que fueron posibles gracias al uso de iluminación a gas . En palabras del director del museo Cole, la iluminación a gas se introdujo "para determinar prácticamente qué horas son las más convenientes para las clases trabajadoras". [17] Para aumentar el interés por el museo entre el público objetivo , el museo exhibió sus colecciones tanto de artes aplicadas como de ciencias. El museo tenía como objetivo proporcionar recursos educativos y, de este modo, impulsar la industria productiva. [18]
En estos primeros años se hizo mucho hincapié en el uso práctico de la colección, en contraposición al " arte elevado " de la National Gallery y a las becas del Museo Británico . [19] George Wallis (1811-1891), el primer conservador de la Colección de Bellas Artes, promovió apasionadamente la idea de una amplia educación artística a través de las colecciones del museo. Esto llevó a la transferencia al museo de la Escuela de Diseño que se había fundado en 1837 en Somerset House; después de la transferencia, se la denominó Escuela de Arte o Escuela de Formación Artística, para luego convertirse en el Royal College of Art , que finalmente logró su independencia total en 1949. Desde la década de 1860 hasta la de 1880, las colecciones científicas se habían trasladado del sitio principal del museo a varias galerías improvisadas al oeste de Exhibition Road . [18] En 1893, el "Museo de la Ciencia" había entrado en existencia de manera efectiva cuando se nombró un director independiente. [20]
La reina Victoria volvió a colocar la primera piedra del edificio Aston Webb (a la izquierda de la entrada principal) el 17 de mayo de 1899. [21] Fue durante esta ceremonia que se hizo público el cambio de nombre de «South Kensington Museum» a «Victoria and Albert Museum». El discurso de la reina Victoria durante la ceremonia, tal como se recoge en The London Gazette , finalizaba: «Confío en que seguirá siendo durante siglos un monumento de liberalidad perspicaz y una fuente de refinamiento y progreso». [22]
La exposición que el museo organizó para celebrar el centenario del cambio de nombre de 1899, Un gran diseño , realizó una primera gira por América del Norte a partir de 1997 ( Museo de Arte de Baltimore , Museo de Bellas Artes de Boston , Museo Real de Ontario de Toronto, Museo de Bellas Artes de Houston y los Museos de Bellas Artes de San Francisco ), y regresó a Londres en 1999. [23] Para acompañar y apoyar la exposición, el museo publicó un libro, Gran diseño , que ha puesto a disposición para su lectura en línea en su sitio web. [24]
La ceremonia de inauguración del edificio Aston Webb por parte del rey Eduardo VII y la reina Alejandra tuvo lugar el 26 de junio de 1909. [25] En 1914 comenzó la construcción del Museo de Ciencias , lo que marcó la división definitiva de las colecciones de ciencia y arte. [26]
En 1939, al estallar la Segunda Guerra Mundial, la mayor parte de la colección se envió a una cantera en Wiltshire , a Montacute House en Somerset o a un túnel cerca de la estación de metro de Aldwych , y los objetos más grandes permanecieron in situ , en bolsas de arena y tapiados con ladrillos. [27] Entre 1941 y 1944, algunas galerías se utilizaron como escuela para niños evacuados de Gibraltar . [28] El South Court se convirtió en una cantina, primero para la Royal Air Force y más tarde para los escuadrones de reparación de daños por bombas. [28]
Antes de que las colecciones regresaran después de la guerra, se celebró la exposición Britain Can Make It entre septiembre y noviembre de 1946, [29] que atrajo a casi un millón y medio de visitantes. [30] Esta fue organizada por el Consejo de Diseño Industrial , establecido por el gobierno británico en 1944 "para promover por todos los medios posibles la mejora del diseño en los productos de la industria británica". [30] El éxito de esta exposición llevó a la planificación del Festival de Gran Bretaña que se celebraría en 1951. En 1948, la mayoría de las colecciones habían sido devueltas al museo.
En julio de 1973, como parte de su programa de divulgación para los jóvenes, el V&A se convirtió en el primer museo de Gran Bretaña en presentar un concierto de rock. El V&A presentó una combinación de concierto y conferencia a cargo de la banda británica de folk-rock progresivo Gryphon , que exploró el linaje de la música y la instrumentación medievales y relató cómo contribuyeron a la música contemporánea 500 años después. Este enfoque innovador para atraer a los jóvenes a los museos fue un sello distintivo de la dirección de Sir Roy Strong y posteriormente fue emulado por otros museos británicos.
En la década de 1980, Strong rebautizó el museo como "El Museo Victoria y Alberto, el Museo Nacional de Arte y Diseño". La sucesora de Strong, Elizabeth Esteve-Coll, supervisó un período turbulento para la institución en el que se reestructuraron los departamentos de conservación del museo, lo que provocó críticas públicas por parte de algunos miembros del personal. Los intentos de Esteve-Coll de hacer que el V&A fuera más accesible incluyeron una campaña de marketing criticada que enfatizaba la cafetería por encima de la colección.
En 2001, el museo se embarcó en un importante programa de renovación de 150 millones de libras, llamado "FuturePlan". [31] [32] El plan implica rediseñar todas las galerías e instalaciones públicas del museo que aún no se han remodelado. Esto es para garantizar que las exhibiciones se muestren mejor, haya más información disponible, se mejore el acceso para los visitantes y el museo pueda cumplir con las expectativas modernas para las instalaciones del museo. [33] Se abandonó un edificio Spiral planeado; en su lugar se creó un nuevo Exhibition Road Quarter diseñado por AL_A de Amanda Levete . [34] Cuenta con una nueva entrada en Exhibition Road , un patio de azulejos de porcelana (inaugurado en 2017 como Sackler Courtyard y rebautizado como Exhibition Road Courtyard en 2022) [35] y un nuevo espacio de galería subterráneo de 1.100 metros cuadrados (la Sainsbury Gallery) al que se accede a través del Blavatnik Hall. El proyecto Exhibition Road Quarter proporcionó 6.400 metros cuadrados de espacio adicional, lo que supone la mayor ampliación del museo en más de 100 años. [36] Se inauguró el 29 de junio de 2017. [37]
En marzo de 2018, se anunció que la duquesa de Cambridge se convertiría en la primera mecenas real del museo. [38] El 15 de septiembre de 2018, se inauguró el primer museo V&A fuera de Londres, V&A Dundee . [9] El museo, construido a un costo de £ 80,11 millones, está ubicado en la costa de Dundee y se centra en el diseño escocés, los muebles, los textiles, la moda, la arquitectura, la ingeniería y el diseño digital. [39] Aunque usa el nombre V&A, su funcionamiento y financiación son independientes del V&A. [40]
El museo también gestiona el Young V&A en Bethnal Green , que reabrió sus puertas el 1 de julio de 2023; [41] solía gestionar Apsley House y también el Theatre Museum en Covent Garden . El Theatre Museum está ahora cerrado; las colecciones de teatro del V&A ahora se exhiben dentro del edificio South Kensington.
Las partes victorianas del edificio tienen una historia compleja, con añadidos fragmentarios por parte de diferentes arquitectos. Fundado en mayo de 1852, no fue hasta 1857 que el museo se trasladó a su emplazamiento actual. Esta zona de Londres, antes conocida como Brompton , había pasado a llamarse 'South Kensington'. El terreno estaba ocupado por Brompton Park House, que se amplió, sobre todo con las "Brompton Boilers", [42] que eran galerías de hierro estrictamente utilitarias con un aspecto temporal y que más tarde se desmantelaron y se utilizaron para construir el Museo de la Infancia V&A. El primer edificio que se erigió y que todavía forma parte del museo fue la Sheepshanks Gallery en 1857 en el lado este del jardín. [43] Su arquitecto fue el ingeniero civil Capitán Francis Fowke , Royal Engineers , que fue designado por Cole. [44] Las siguientes ampliaciones importantes fueron diseñadas por el mismo arquitecto, las galerías Turner y Vernon construidas en 1858-1859 [45] para albergar las colecciones homónimas (posteriormente transferidas a la Tate Gallery ) y ahora utilizadas como galerías de imágenes y galería de tapices respectivamente. Luego se construyeron los patios norte [46] y sur [47] , los cuales se inauguraron en junio de 1862. Ahora forman las galerías para exposiciones temporales y están directamente detrás de la galería Sheepshanks. En el extremo norte del sitio se encuentra el ala de la Secretaría; [48] también construida en 1862, alberga las oficinas y la sala de juntas, etc. y no está abierta al público.
Se desarrolló un ambicioso esquema de decoración para estas nuevas áreas: una serie de figuras de mosaico que representaban a famosos artistas europeos del período medieval y renacentista. [49] Ahora se han trasladado a otras áreas del museo. También se comenzó una serie de frescos de Lord Leighton : Artes industriales aplicadas a la guerra 1878-1880 y Artes industriales aplicadas a la paz , que se comenzó pero nunca se terminó. [50] Al este de esto había galerías adicionales, cuya decoración fue obra de otro diseñador, Owen Jones ; estos eran los Patios Orientales (que cubrían India, China y Japón), completados en 1863. Nada de esta decoración sobrevive. [51]
Parte de estas galerías se convirtieron en las nuevas galerías que cubren el siglo XIX, inauguradas en diciembre de 2006. El último trabajo de Fowke fue el diseño de la serie de edificios en los lados norte y oeste del jardín. Esto incluye las salas de refrigerio, reinstauradas como el Café del Museo en 2006, con la galería de plata encima (en ese momento la galería de cerámica); el piso superior tiene un espléndido auditorio, aunque rara vez está abierto al público en general. La escalera de cerámica en la esquina noroeste de esta serie de edificios fue diseñada por FW Moody [52] y tiene detalles arquitectónicos de cerámica moldeada y coloreada. Todo el trabajo en la serie norte fue diseñado y construido entre 1864 y 1869. El estilo adoptado para esta parte del museo fue el renacentista italiano ; se hizo mucho uso de terracota , ladrillo y mosaico. Esta fachada norte fue concebida como la entrada principal al museo, con sus puertas de bronce, diseñadas por James Gamble y Reuben Townroe , que tienen seis paneles, que representan a Humphry Davy (química); Isaac Newton (astronomía); James Watt (mecánica); Bramante (arquitectura); Miguel Ángel (escultura); y Tiziano (pintura); Los paneles representan así la gama de las colecciones del museo. [53] Godfrey Sykes también diseñó los adornos de terracota y el mosaico en el frontón de la fachada norte conmemorando la Gran Exposición, cuyas ganancias ayudaron a financiar el museo. Esto está flanqueado por grupos de estatuas de terracota de Percival Ball . [54] Este edificio reemplazó a Brompton Park House, que luego pudo ser demolida para dar paso al ala sur.
Los interiores de las tres salas de refrigerio fueron asignados a diferentes diseñadores. El Green Dining Room (1866-68) fue obra de Philip Webb y William Morris , [55] y muestra influencias isabelinas . La parte inferior de las paredes está revestida de madera con una franja de pinturas que representan frutas y alguna figura ocasional, con follaje de yeso moldeado en la parte principal de la pared y un friso de yeso alrededor del techo decorado y vidrieras de Edward Burne-Jones . [56] El Centre Refreshment Room (1865-77) fue diseñado en estilo renacentista por James Gamble. [57] Las paredes e incluso las columnas jónicas de esta sala están cubiertas de azulejos de cerámica decorativos y moldeados, el techo consta de elaborados diseños en láminas de metal esmaltado y vidrieras a juego, y la chimenea de mármol [58] fue diseñada y esculpida por Alfred Stevens y fue retirada de Dorchester House antes de la demolición de ese edificio en 1929. La Grill Room (1876-81) fue diseñada por Sir Edward Poynter ; [59] la parte inferior de sus paredes consta de azulejos azules y blancos con varias figuras y follaje encerrados por paneles de madera, mientras que arriba hay grandes escenas de azulejos con figuras que representan las cuatro estaciones y los doce meses, pintadas por damas de la Escuela de Arte que entonces tenía su sede en el museo. Las ventanas también son de vidrieras; hay una elaborada reja de hierro fundido todavía en su lugar.
Tras la muerte del capitán Francis Fowke de los Royal Engineers, el siguiente arquitecto que trabajó en el museo fue el coronel (más tarde mayor general) Henry Young Darracott Scott , [60] también de los Royal Engineers. Él diseñó al noroeste del jardín la Escuela de Arquitectos Navales de cinco pisos (también conocida como las escuelas de ciencias), [61] ahora el ala Henry Cole, entre 1867 y 1872. El asistente de Scott, JW Wild, diseñó la impresionante escalera [62] que se eleva a toda la altura del edificio. Realizada en piedra de Cadeby, los escalones tienen 2,1 m de largo, mientras que las balaustradas y las columnas son de piedra de Portland. Ahora se utiliza para albergar conjuntamente las impresiones y los dibujos arquitectónicos del V&A (grabados, dibujos, pinturas y fotografías) y el Royal Institute of British Architects (RIBA Drawings and Archives Collections), y el Sackler Centre for Arts Education, que abrió sus puertas en 2008. [63]
Siguiendo el estilo de los edificios anteriores, varios diseñadores fueron responsables de la decoración. Los adornos de terracota fueron nuevamente obra de Godfrey Sykes, aunque se utilizó esgrafiado para decorar el lado este del edificio diseñado por FW Moody. [64] Un adorno final fueron las puertas de hierro forjado realizadas en fecha tan tardía como 1885 diseñadas por Starkie Gardner. [65] Estas conducen a un pasaje a través del edificio. Scott también diseñó los dos Cast Courts (1870-73) [66] al sureste del jardín (el sitio de las "Brompton Boilers"); estos amplios espacios tienen techos de 70 pies (21 m) de altura para acomodar los moldes de yeso de partes de edificios famosos, incluida la Columna de Trajano (en dos piezas separadas). La parte final del museo diseñada por Scott fue la Biblioteca de Arte y lo que ahora es la galería de esculturas en el lado sur del jardín, construida en 1877-1883. [67] Los paneles de mosaico exteriores del parapeto fueron diseñados por Reuben Townroe, quien también diseñó el trabajo de yeso en la biblioteca. [68] Sir John Taylor diseñó las estanterías y los estantes. [68] Esta fue la primera parte del museo en tener iluminación eléctrica. [69] Esto completó la mitad norte del sitio, creando un cuadrilátero con el jardín en su centro, pero dejó al museo sin una fachada adecuada. En 1890, el gobierno lanzó un concurso para diseñar nuevos edificios para el museo, con el arquitecto Alfred Waterhouse como uno de los jueces; [70] esto le daría al museo una nueva e imponente entrada principal.
La fachada principal, construida con ladrillo rojo y piedra de Portland , se extiende 720 pies (220 m) a lo largo de Cromwell Gardens y fue diseñada por Aston Webb después de ganar un concurso en 1891 para ampliar el museo. La construcción se llevó a cabo entre 1899 y 1909. [71] Estilísticamente es un híbrido extraño: aunque gran parte de los detalles pertenecen al Renacimiento , hay influencias medievales en el trabajo. La entrada principal, que consiste en una serie de arcos poco profundos sostenidos por columnas delgadas y nichos con puertas gemelas separadas por el pilar, es románica en forma pero clásica en detalle. Asimismo, la torre sobre la entrada principal tiene una corona de obra abierta rematada por una estatua de la fama, [72] una característica de la arquitectura gótica tardía y una característica común en Escocia, pero el detalle es clásico. Las ventanas principales de las galerías también tienen parteluces y travesaños, nuevamente una característica gótica; La fila superior de ventanas está intercalada con estatuas de muchos de los artistas británicos cuyo trabajo se exhibe en el museo.
El príncipe Alberto aparece dentro del arco principal sobre las entradas gemelas, y la reina Victoria sobre el marco alrededor de los arcos y la entrada, esculpido por Alfred Drury . Estas fachadas rodean cuatro niveles de galerías. Otras áreas diseñadas por Webb incluyen el vestíbulo de entrada y la rotonda, los salones este y oeste, las áreas ocupadas por la tienda y las galerías asiáticas, y la galería de vestuario. El interior hace mucho uso del mármol en el vestíbulo de entrada y las escaleras que lo flanquean, aunque las galerías tal como se diseñaron originalmente eran blancas con detalles y molduras clásicas sobrias, muy en contraste con la elaborada decoración de las galerías victorianas, aunque gran parte de esta decoración se eliminó a principios del siglo XX. [73]
El museo sobrevivió a la Segunda Guerra Mundial con solo daños menores por las bombas. La pérdida más grave fue la de las vidrieras victorianas de la Escalera de Cerámica, que volaron cuando las bombas cayeron cerca; las marcas que aún se ven en la fachada del museo fueron causadas por fragmentos de las bombas.
En los años inmediatamente posteriores a la guerra, había poco dinero disponible para algo que no fueran las reparaciones esenciales. En los años 1950 y principios de los 1960 no hubo mucho trabajo de construcción; el primer trabajo importante fue la creación de un nuevo espacio de almacenamiento para libros en la Biblioteca de Arte en 1966 y 1967. Esto implicó la pavimentación del salón principal de Aston Webb para formar las estanterías de libros, [74] con una nueva galería medieval en la planta baja (ahora la tienda, inaugurada en 2006). Luego se rediseñaron las galerías de la planta baja en la parte suroeste del museo, que se abrieron en 1978 para formar las nuevas galerías que cubren el arte continental de 1600 a 1800 (desde el Renacimiento tardío, el Barroco hasta el Rococó y el Neoclásico). [75] En 1974, el museo había adquirido lo que ahora es el ala Henry Cole del Royal College of Science . [76] Para adaptar el edificio como galerías, todos los interiores victorianos, excepto la escalera, se reformularon durante la remodelación. Para conectar esto con el resto del museo, se construyó un nuevo edificio de entrada en el sitio de la antigua sala de calderas, el sitio previsto para el Spiral , entre 1978 y 1982. [77] Este edificio es de hormigón y muy funcional, el único adorno son las puertas de hierro de Christopher Hay y Douglas Coyne del Royal College of Art. [77] Estas están colocadas en la pared de la pantalla con columnas diseñada por Aston Webb que forma la fachada.
En la década de 1990 se rediseñaron algunas galerías, incluidas la galería india, japonesa, china, de herrería, las galerías principales de vidrio y la galería principal de platería, que se mejoró aún más en 2002 cuando se recreó parte de la decoración victoriana. Esto incluyó la sustitución de la decoración de cerámica de dos de las diez columnas y la restauración de los elaborados diseños pintados del techo. Como parte de la renovación de 2006, se restauraron los pisos de mosaico de la galería de esculturas; la mayoría de los pisos victorianos estaban cubiertos de linóleo después de la Segunda Guerra Mundial. Después del éxito de las Galerías Británicas, inauguradas en 2001, se decidió embarcarse en un rediseño importante de todas las galerías del museo; esto se conoce como "FuturePlan", y se creó en consulta con los diseñadores de exposiciones y planificadores maestros Metaphor . Se espera que el plan dure unos diez años y se inició en 2002. Hasta la fecha, se han rediseñado varias galerías, en particular, en 2002: la Galería de Plata principal, Contemporánea; En 2003: Fotografía, la entrada principal, The Painting Galleries; en 2004: el túnel del metro que lleva a la estación de metro de South Kensington , nueva señalización en todo el museo, arquitectura, salas de lectura y tiendas del V&A y el RIBA, artículos de metal, la Sala de Miembros, vidrio contemporáneo y la galería de esculturas de Gilbert Bayes ; en 2005: miniaturas de retratos, grabados y dibujos, exposiciones en la Sala 117, el jardín, plata sagrada y vidrieras; en 2006: Central Hall Shop, Islamic Middle East, la nueva cafetería y las galerías de esculturas. Varios diseñadores y arquitectos han participado en este trabajo. Eva Jiřičná diseñó las mejoras de la entrada principal y la rotonda, la nueva tienda, el túnel y las galerías de esculturas. Gareth Hoskins fue responsable de la arquitectura contemporánea, Softroom, Islamic Middle East y Members' Room, McInnes Usher McKnight Architects (MUMA) fueron responsables del nuevo Café y diseñaron las nuevas galerías medieval y renacentista que se inauguraron en 2009. [78]
El jardín central fue rediseñado por Kim Wilkie y se inauguró como el Jardín John Madejski el 5 de julio de 2005. El diseño es una sutil mezcla de lo tradicional y lo moderno: la disposición es formal; hay una fuente elíptica revestida de piedra con escalones alrededor del borde que se puede drenar para utilizar el área para recepciones, reuniones o exposiciones. Esto se encuentra frente a las puertas de bronce que conducen a las salas de refrigerio. Un camino central flanqueado por césped conduce a la galería de esculturas. Los lados norte, este y oeste tienen bordes herbáceos a lo largo de las paredes del museo con caminos en el frente que continúan a lo largo de la fachada sur. En las dos esquinas de la fachada norte, hay plantado un árbol liquidámbar americano . Los bordes sur, este y oeste de los céspedes tienen jardineras de vidrio que contienen naranjos y limoneros en verano, que se reemplazan por laureles en invierno.
Por la noche, tanto las jardineras como la fuente de agua pueden iluminarse, y las fachadas circundantes se iluminan para revelar detalles que normalmente están en sombra. Especialmente llamativos son los mosaicos de la logia de la fachada norte. En verano, se instala una cafetería en la esquina suroeste. El jardín también se utiliza para exposiciones temporales de esculturas; por ejemplo, en 2006 se mostró una escultura de Jeff Koons . También ha sido sede de la muestra anual de diseño contemporáneo del museo, la V&A Village Fete , desde 2005.
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En 2011, el V&A anunció que el estudio londinense AL A había ganado un concurso internacional para construir una galería debajo de un nuevo patio de entrada en Exhibition Road. [79] La planificación del proyecto se concedió en 2012. [80] Reemplazó la extensión propuesta diseñada por Daniel Libeskind con Cecil Balmond pero abandonada en 2004 después de no recibir financiación del Heritage Lottery Fund . [81]
El Exhibition Road Quarter abrió en 2017, con una nueva entrada que brinda acceso a los visitantes desde Exhibition Road . Se ha creado un nuevo patio, el Sackler Courtyard, detrás del Aston Webb Screen, una columnata construida en 1909 para ocultar las calderas del museo. La columnata se mantuvo, pero se eliminó la pared en la parte inferior en la construcción para permitir el acceso público al patio. [82] El nuevo patio de 1200 metros cuadrados es el primer patio completamente de porcelana del mundo, [37] que está cubierto con 11 000 azulejos de porcelana hechos a mano en quince patrones lineales diferentes esmaltados en diferentes tonos. Un pabellón de diseño modernista con paredes de vidrio y un techo angular cubierto con 4300 azulejos se encuentra en la esquina y contiene una cafetería. [36] Los tragaluces en el patio brindan luz natural a la escalera y al espacio de exhibición ubicado debajo del patio creado al excavar 15 m en el suelo. El espacio sin columnas de la Galería Sainsbury, de 1.100 metros cuadrados, es uno de los más grandes del país y ofrece espacio para exposiciones temporales. Se puede acceder a la galería a través del edificio Western Range, donde se ha creado una nueva entrada al Blavatnik Hall y al museo, y los visitantes pueden descender a la galería por escaleras con barandillas de madera de tulipán lacada. [36] [83] [84]
Las áreas de colección del museo no son fáciles de resumir, ya que han evolucionado en parte a través de los intentos de evitar demasiada superposición con otros museos nacionales de Londres. En general, el mundo clásico de Occidente y el Antiguo Oriente Próximo se deja al Museo Británico, y las pinturas occidentales a la National Gallery , aunque hay todo tipo de excepciones; por ejemplo, las miniaturas de retratos pintados , donde el V&A tiene la principal colección nacional.
El Victoria & Albert Museum está dividido en cuatro departamentos de curaduría: Arte Decorativo y Escultura; Performance, Muebles, Textiles y Moda; Arte, Arquitectura, Fotografía y Diseño; y Asia. [85] Los curadores del museo cuidan los objetos de la colección y brindan acceso al público y a los académicos a los objetos que actualmente no están en exhibición.
Los departamentos de colección se dividen a su vez en dieciséis áreas de exposición, cuya colección combinada suma más de 6,5 millones de objetos; no todos los objetos se exhiben o almacenan en el V&A. Hay un depósito en Blythe House , West Kensington, así como instituciones anexas administradas por el V&A, [86] además, el museo presta exhibiciones a otras instituciones. A continuación se enumera cada una de las colecciones en exhibición y el número de objetos dentro de la colección.
El museo cuenta con 145 galerías, pero dada la gran extensión de sus colecciones, solo un pequeño porcentaje se exhibe. Muchas adquisiciones han sido posibles únicamente con la ayuda del Fondo Nacional de Colecciones de Arte .
En 2004, el V&A, junto con el Royal Institute of British Architects, inauguró la primera galería permanente del Reino Unido [87] que abarca la historia de la arquitectura con exposiciones que utilizan maquetas, fotografías, elementos de edificios y dibujos originales. Con la apertura de la nueva galería, la Colección de Dibujos y Archivos del RIBA se ha transferido al museo, uniéndose a la ya extensa colección que posee el V&A. Con más de 600.000 dibujos, más de 750.000 papeles y parafernalia, y más de 700.000 fotografías de todo el mundo, juntos forman el recurso arquitectónico más completo del mundo.
No sólo están representados todos los arquitectos británicos más importantes de los últimos cuatrocientos años, sino que también hay muchos dibujos de arquitectos europeos (especialmente italianos) y estadounidenses en la colección. Los fondos del RIBA, con más de 330 dibujos de Andrea Palladio , son los más grandes del mundo; [88] otros europeos bien representados son Jacques Gentilhatre [89] y Antonio Visentini . [90] Los arquitectos británicos cuyos dibujos, y en algunos casos modelos de sus edificios, están en la colección incluyen: Inigo Jones , [91] Sir Christopher Wren , Sir John Vanbrugh , Nicholas Hawksmoor , William Kent , James Gibbs , Robert Adam , [92] Sir William Chambers , [93] James Wyatt , Henry Holland , John Nash , Sir John Soane , [94] Sir Charles Barry , Charles Robert Cockerell , Augustus Welby Northmore Pugin , [95] Sir George Gilbert Scott , John Loughborough Pearson , George Edmund Street , Richard Norman Shaw , Alfred Waterhouse, Sir Edwin Lutyens , Charles Rennie Mackintosh , Charles Holden , Frank Hoar , Lord Richard Rogers , Lord Norman Foster , Sir Nicholas Grimshaw , Zaha Hadid y Alick Horsnell .
Además de las salas de época , la colección incluye partes de edificios, por ejemplo, los dos pisos superiores de la fachada de la casa de Sir Paul Pindar [96] [97] fechados c. 1600 de Bishopsgate con carpintería elaboradamente tallada y ventanas emplomadas, un raro sobreviviente del Gran Incendio de Londres , hay un portal de ladrillo de una casa de Londres del período de la Restauración inglesa y una chimenea de la galería de la casa de Northumberland. Los ejemplos europeos incluyen una ventana abuhardillada que data de 1523-1535 del castillo de Montal. Hay varios ejemplos de edificios renacentistas italianos que incluyen portales, chimeneas, balcones y un aparador de piedra que solía tener una fuente incorporada. La galería principal de arquitectura tiene una serie de pilares de varios edificios y diferentes períodos, por ejemplo, una columna de la Alhambra . Los ejemplos que cubren Asia se encuentran en las galerías relacionadas con esos países, así como modelos y fotografías en la galería principal de arquitectura.
En junio de 2022, el RIBA anunció que pondría fin a su asociación de 20 años con el V&A en 2027, "de mutuo acuerdo", poniendo fin a la galería de arquitectura permanente del museo. Los artefactos se transferirán de nuevo a las colecciones existentes del RIBA, y algunos se trasladarán a la sede del instituto en el edificio 66 Portland Place, que se convertirá en una nueva Casa de la Arquitectura tras una remodelación de 20 millones de libras. [98]
La colección de arte asiático del V&A cuenta con más de 160.000 objetos, una de las más grandes que existen. Posee una de las colecciones de arte chino más completas e importantes del mundo, mientras que la colección de arte del sur de Asia es la más importante de Occidente. La colección del museo incluye piezas del sur y sureste de Asia, los reinos del Himalaya, China, el Lejano Oriente y el mundo islámico.
El V&A alberga más de 19.000 objetos del mundo islámico, que abarcan desde el período islámico temprano (el siglo VII) hasta principios del siglo XX. La Galería Jameel de Arte Islámico, inaugurada en 2006, alberga una muestra representativa de 400 objetos, entre los que destaca la alfombra Ardabil , la pieza central de la galería. Las exposiciones de esta galería abarcan objetos de España, el norte de África, Oriente Medio, Asia Central y Afganistán. Una obra maestra del arte islámico es un jarro de cristal de roca del siglo X. Se exhiben muchos ejemplos de Coranes con una caligrafía exquisita que data de varios períodos. Un minbar del siglo XV de una mezquita de El Cairo con marfil formando patrones geométricos complejos incrustados en madera es uno de los objetos más grandes en exposición. Se exhiben amplios ejemplos de cerámica, especialmente cerámica de Iznik , cristalería que incluye lámparas del siglo XIV de mezquitas y metalistería. La colección de alfombras y tapices de Oriente Medio y Persia se encuentra entre las mejores del mundo, muchas de ellas formaban parte del legado de Salting de 1909. También se exhiben ejemplos de trabajos en azulejos de varios edificios, incluida una chimenea de 1731 de Estambul hecha de azulejos azules y blancos intrincadamente decorados y azulejos turquesas del exterior de edificios de Samarcanda .
Las colecciones de arte del sur y sudeste asiático del museo son las más completas e importantes de Occidente y comprenden casi 60.000 objetos, incluidos unos 10.000 textiles y 6.000 pinturas, [99] la variedad de la colección es inmensa. La galería Jawaharlal Nehru de arte indio , inaugurada en 1991, contiene arte desde aproximadamente el año 500 a. C. hasta el siglo XIX. Hay una extensa colección de esculturas, principalmente de naturaleza religiosa, hindú , budista y jainista . La galería está ricamente dotada con el arte del Imperio mogol y el Imperio maratha , incluidos hermosos retratos de los emperadores y otras pinturas y dibujos, copas de vino de jade y cucharas de oro con incrustaciones de esmeraldas, diamantes y rubíes, también de este período son partes de edificios como un jaali y pilares. [100] La India era un gran productor de textiles, desde chintz de algodón teñido y muselina hasta ricos bordados con hilo de oro y plata, lentejuelas de colores y cuentas, así como alfombras de Agra y Lahore . También se muestran ejemplos de ropa. En 1879-80, las colecciones del Museo de la India de la extinta Compañía de las Indias Orientales se transfirieron al V&A y al Museo Británico. Los elementos de la colección incluyen el Tigre de Tipu , un autómata del siglo XVIII creado para Tipu Sultan , el gobernante del Reino de Mysore . La copa de vino personal del emperador mogol Shah Jahan también está en exhibición.
Las colecciones del Lejano Oriente incluyen más de 70.000 obras de arte [99] de los países del este de Asia: China, Japón y Corea. La Galería TT Tsui de arte chino abrió en 1991, exhibiendo una colección representativa de los aproximadamente 16.000 objetos [101] del V&A de China, que datan desde el cuarto milenio a. C. hasta la actualidad. Aunque la mayoría de las obras de arte en exhibición datan de las dinastías Ming y Qing , hay objetos que datan de la dinastía Tang y períodos anteriores, entre ellos una cabeza de bronce de un metro de alto de Buda que data de alrededor del 750 d. C., y una de las obras más antiguas, una cabeza de caballo de jade de 2000 años de antigüedad de un entierro. [102] Otras esculturas incluyen guardianes de tumbas de tamaño natural. Los ejemplos clásicos de artes decorativas chinas en exhibición incluyen laca china , seda, porcelana china , jade y esmalte cloisonné . Del siglo XVIII datan dos grandes retratos de un marido y una mujer pintados en acuarela sobre seda. Hay una mesa de laca china única , hecha en los talleres imperiales durante el reinado del emperador Xuande en la dinastía Ming . También se exhiben ejemplos de ropa. Uno de los objetos más grandes es una cama de mediados del siglo XVII. También se exhibe el trabajo de diseñadores chinos contemporáneos. [ cita requerida ]
La galería Toshiba de arte japonés abrió en diciembre de 1986. La mayoría de las exhibiciones datan de 1550 a 1900, pero una de las piezas más antiguas exhibidas es la escultura del siglo XIII de Amida Nyorai. Ejemplos de armaduras japonesas clásicas de mediados del siglo XIX, hojas de espada de acero ( Katana ), Inrō , lacados incluyendo el Cofre de Mazarino [103] fechado c1640 es una de las mejores piezas sobrevivientes de Kioto , porcelana incluyendo Imari , Netsuke , grabados en madera incluyendo el trabajo de Andō Hiroshige , obras gráficas incluyendo libros impresos, así como algunas pinturas, pergaminos y biombos, textiles y vestidos incluyendo kimonos son algunos de los objetos en exhibición. Uno de los objetos más bellos que se exhiben es el quemador de incienso de bronce ( koro ) de Suzuki Chokichi, fechado en 1875, con más de 2,25 metros de alto y 1,25 metros de diámetro, y que es también uno de los ejemplos más grandes que se han fabricado. El museo también exhibe algunas piezas de cloisonné de la compañía de producción artística japonesa Ando Cloisonné .
Las galerías más pequeñas cubren Corea, los reinos del Himalaya y el sudeste asiático. Las exhibiciones coreanas incluyen cerámicas esmaltadas en verde, bordados de seda de las túnicas de los funcionarios y relucientes cajas con incrustaciones de nácar hechas entre el 500 d. C. y el 2000. Las obras del Himalaya incluyen importantes esculturas de bronce nepalíes tempranas, trabajos repujados y bordados. El arte tibetano del siglo XIV al XIX está representado por imágenes religiosas de los siglos XIV y XV en madera y bronce, pinturas en pergamino y objetos rituales. El arte de Tailandia, Birmania, Camboya, Indonesia y Sri Lanka en oro, plata, bronce, piedra, terracota y marfil representa estas ricas y complejas culturas; las exhibiciones abarcan los siglos VI al XIX. Las refinadas esculturas hindúes y budistas reflejan la influencia de la India; los artículos en la exposición incluyen cortadores de nueces de betel, peines de marfil y ganchos de palanquín de bronce .
El museo alberga la Biblioteca Nacional de Arte , una biblioteca pública [104] que contiene más de 750.000 libros, fotografías, dibujos, pinturas y grabados. Es una de las bibliotecas más grandes del mundo dedicada al estudio de las bellas artes y las artes decorativas. La biblioteca cubre todas las áreas y períodos de las colecciones del museo con colecciones especiales que abarcan manuscritos iluminados , libros raros y cartas y archivos de artistas.
La biblioteca consta de tres grandes salas públicas con alrededor de cien mesas de estudio individuales: la Sala Oeste, la Sala Central y la Sala de Lectura. La sala central contiene "material de colección especial".
Uno de los grandes tesoros de la biblioteca es el Códice Forster, uno de los cuadernos de notas de Leonardo da Vinci . El Códice consta de tres manuscritos encuadernados en pergamino, Forster I, Forster II y Forster III, [105] de tamaño bastante pequeño, fechados entre 1490 y 1505. Su contenido incluye una gran colección de bocetos y referencias a la escultura ecuestre encargada por el duque de Milán Ludovico Sforza para conmemorar a su padre Francesco Sforza . Estos fueron legados junto con más de 18.000 libros al museo en 1876 por John Forster . [106] El reverendo Alexander Dyce [107] fue otro benefactor de la biblioteca, dejando más de 14.000 libros al museo en 1869. Entre los libros que recopiló se encuentran ediciones tempranas en griego y latín de los poetas y dramaturgos Esquilo , Aristóteles , Homero , Livio , Ovidio , Píndaro , Sófocles y Virgilio . Entre los autores más recientes se incluyen Giovanni Boccaccio , Dante , Racine , Rabelais y Molière .
Los escritores cuyos documentos están en la biblioteca son tan diversos como Charles Dickens (que incluye los manuscritos de la mayoría de sus novelas) y Beatrix Potter (con la mayor colección de sus manuscritos originales en el mundo). [108] Los manuscritos iluminados en la biblioteca que datan de los siglos XII al XVI incluyen: una hoja del Salterio de Eadwine , Canterbury ; Libro de horas de bolsillo , Reims ; Misal de la Abadía Real de Saint Denis , París; el Libro de horas de Simon Marmion , Brujas ; Carta de 1524 iluminada por Lucas Horenbout , Londres; el manuscrito Armagnac del juicio y rehabilitación de Juana de Arco , Rouen . [109] También el período victoriano está representado por William Morris.
El catálogo de la colección de la Biblioteca Nacional de Arte (también llamada Departamento de Palabras e Imágenes) del Museo Victoria y Alberto solía conservarse en distintos formatos, incluidos catálogos de exposiciones impresos y catálogos de fichas. Desde los años 1980 hasta los años 1990 se utilizó un sistema informático de catalogación llamado MODES, pero esos archivos electrónicos no estaban disponibles para los usuarios de la biblioteca. Todo el material de archivo de la Biblioteca Nacional de Arte utiliza la Descripción Archivística Codificada (EAD). El Museo Victoria y Alberto tiene un sistema informático, pero la mayoría de los artículos de la colección, a menos que se hayan incorporado recientemente, probablemente no aparezcan en el sistema informático. Hay una función en el sitio web del Museo Victoria y Alberto llamada "Buscar en las colecciones", pero no todo aparece allí. [110]
La Biblioteca Nacional de Arte también incluye una colección de cómics y arte de cómics. Entre las partes más destacadas de la colección se encuentran el Krazy Kat Arkive, que comprende 4.200 cómics, y la Colección Rakoff, que comprende 17.000 piezas recopiladas por el escritor y editor Ian Rakoff. [111]
El Departamento de Palabra e Imagen del Victoria and Albert Museum se encontraba bajo la misma presión que sentían los archivos de todo el mundo para digitalizar su colección. En 2007, se inició en ese departamento un proyecto de digitalización a gran escala, denominado Factory Project, para hacer referencia a Andy Warhol y crear una fábrica para digitalizar completamente la colección. El primer paso del Factory Project fue tomar fotografías con cámaras digitales. El Departamento de Palabra e Imagen tenía una colección de fotografías antiguas, pero eran en blanco y negro y en condiciones variables, por lo que se tomaron nuevas fotografías. Esas nuevas fotografías estarán a disposición de los investigadores en el sitio web del Victoria and Albert Museum. Se tomaron 15.000 imágenes durante el primer año del Factory Project, incluidos dibujos, acuarelas, arte generado por computadora, fotografías, carteles y xilografías. El segundo paso del Factory Project es catalogar todo. El tercer paso del Factory Project es auditar la colección. Todos los elementos que fueron fotografiados y catalogados deben ser auditados para asegurarse de que todo lo que figuraba como parte de la colección se encontró físicamente durante la creación del Factory Project. El cuarto objetivo del Proyecto Factory es la conservación, lo que implica realizar algunos procedimientos básicos evitables en los objetos del departamento. En el sitio web de Victoria and Albert hay una función de "Búsqueda en las colecciones". El principal impulso detrás del proyecto de digitalización a gran escala llamado Proyecto Factory fue incluir más objetos de las colecciones en esas bases de datos informáticas. [110]
Estas quince galerías, inauguradas en noviembre de 2001, albergan alrededor de 4.000 objetos. Las exposiciones se centran en tres grandes temas: "Estilo", "Quién marcó el gusto" y "Qué era nuevo". El período abarcado va de 1500 a 1900 y las galerías se dividen en tres grandes subdivisiones:
No solo se exhiben las obras de artistas y artesanos británicos, sino también las obras producidas por artistas europeos que fueron compradas o encargadas por mecenas británicos, así como las importaciones de Asia, incluyendo porcelana, tela y papel tapiz. Los diseñadores y artistas cuyo trabajo se exhibe en las galerías incluyen a Gian Lorenzo Bernini , Grinling Gibbons , Daniel Marot , Louis Laguerre , Antonio Verrio , Sir James Thornhill , William Kent, Robert Adam, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Canova, Thomas Chippendale , Pugin, William Morris. Los mecenas que han influido en el gusto también están representados por obras de arte de sus colecciones, estos incluyen: Horace Walpole (una gran influencia en el Renacimiento gótico), William Thomas Beckford y Thomas Hope .
Las galerías muestran una serie de reconstrucciones completas y parciales de salas de época, de edificios demolidos, entre las que se incluyen:
Algunas de las obras más notables expuestas en las galerías incluyen:
Las galerías también vinculan el diseño con tendencias más amplias en la cultura británica. Por ejemplo, el diseño en el período Tudor estuvo influenciado por la difusión de los libros impresos y el trabajo de los artistas y artesanos europeos empleados en Gran Bretaña. En el período Estuardo, el aumento del comercio, especialmente con Asia, permitió un acceso más amplio a lujos como alfombras, muebles lacados, sedas y porcelana. En la era georgiana hubo un énfasis creciente en el entretenimiento y el ocio. Por ejemplo, el aumento del consumo de té condujo a la producción de parafernalia de té como porcelana y cajitas. Los estilos europeos que se ven en el Grand Tour también influyeron en el gusto. A medida que se afianzaba la Revolución Industrial , el crecimiento de la producción en masa produjo empresarios como Josiah Wedgwood , Matthew Boulton y Eleanor Coade . En la era victoriana, la nueva tecnología y la maquinaria tuvieron un efecto significativo en la fabricación y, por primera vez desde la Reforma, las iglesias anglicana y católica romana tuvieron un efecto importante en el arte y el diseño, como el Renacimiento gótico. Hay una gran exposición sobre la Gran Exposición que, entre otras cosas, dio lugar a la fundación del V&A. A finales del siglo XIX, la creciente reacción contra la industrialización, liderada por John Ruskin , contribuyó al movimiento Arts and Crafts.
Una de las partes más espectaculares del museo son los Patios de Yeso en el ala de esculturas, que comprenden dos grandes salas de dos pisos con tragaluces que albergan cientos de moldes de yeso de esculturas, frisos y tumbas. Uno de ellos está dominado por una réplica a escala real de la Columna de Trajano , cortada por la mitad para que quepa debajo del techo. El otro incluye reproducciones de varias obras de escultura y arquitectura del Renacimiento italiano, incluida una réplica a tamaño real del David de Miguel Ángel . También se incluyen réplicas de dos David anteriores de Donatello y Verrocchio , aunque por razones de conservación la réplica de Verrocchio se exhibe en una vitrina.
Los dos patios están divididos por pasillos en ambos pisos, y las particiones que solían revestir el pasillo superior (la galería de esculturas de Gilbert Bayes) se eliminaron en 2004 para permitir que los patios se pudieran ver desde arriba.
Se trata de la colección de cerámica y vidrio más grande y completa del mundo, con más de 80.000 objetos procedentes de todo el mundo. Están representados todos los continentes habitados. Aparte de las numerosas piezas de las galerías primarias de la planta baja, gran parte de la planta superior está dedicada a galerías de cerámica de todos los períodos abarcados, que incluyen vitrinas con una selección representativa, pero también exposiciones masivas de "almacenamiento visible" de la colección de reserva.
Well represented in the collection is Meissen porcelain, from the first factory in Europe to discover the Chinese method of making porcelain. Among the finest examples are the Meissen Vulture from 1731 and the Möllendorff Dinner Service, designed in 1762 by Frederick II the Great. Ceramics from the Manufacture nationale de Sèvres are extensive, especially from the 18th and 19th centuries. The collection of 18th-century British porcelain is the largest and finest in the world. Examples from every factory are represented, the collections of Chelsea porcelain and Worcester porcelain being especially fine. All the major 19th-century British factories are also represented. A major boost to the collections was the Salting Bequest made in 1909, which enriched the museum's stock of Chinese and Japanese ceramics. This bequest forms part of the finest collection of East Asian pottery and porcelain in the world, including Kakiemon ware.
Many famous potters, such as Josiah Wedgwood, William De Morgan and Bernard Leach as well as Mintons & Royal Doulton are represented in the collection. There is an extensive collection of Delftware produced in both Britain and Holland, which includes a circa 1695 flower pyramid over a metre in height. Bernard Palissy has several examples of his work in the collection including dishes, jugs and candlesticks. The largest objects in the collection are a series of elaborately ornamented ceramic stoves from the 16th and 17th centuries, made in Germany and Switzerland. There is an unrivalled collection of Italian maiolica and lustreware from Spain. The collection of Iznik pottery from Turkey is the largest in the world.
The glass collection covers 4000 years of glassmaking, and has over 6000 pieces from Africa, Britain, Europe, America and Asia. The earliest glassware on display comes from Ancient Egypt and continues through the Ancient Roman, Medieval, Renaissance covering areas such as Venetian glass and Bohemian glass and more recent periods, including Art Nouveau glass by Louis Comfort Tiffany and Émile Gallé, the Art Deco style is represented by several examples by René Lalique. There are many examples of crystal chandeliers, both English,[116] displayed in the British galleries, and foreign – for example, a Venetian one attributed to Giuseppe Briati and dated to about 1750.[117] The stained glass collection is possibly the finest in the world, covering the medieval to modern periods, and covering Europe as well as Britain. Several examples of English 16th-century heraldic glass is displayed in the British Galleries. Many well-known designers of stained glass are represented in the collection including, from the 19th century: Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones and William Morris. There is also an example of Frank Lloyd Wright's work in the collection. 20th-century designers include Harry Clarke, John Piper, Patrick Reyntiens, Veronica Whall and Brian Clarke.[118]
The main gallery was redesigned in 1994, the glass balustrade on the staircase and mezzanine are the work of Danny Lane, the gallery covering contemporary glass opened in 2004 and the sacred silver and stained-glass gallery in 2005. In this latter gallery stained glass is displayed alongside silverware starting in the 12th century and continuing to the present. Some of the most outstanding stained glass, dated 1243–1248 comes from the Sainte-Chapelle, is displayed along with other examples in the new Medieval & Renaissance galleries. The important 13th-century glass beaker known as the Luck of Edenhall is also displayed in these galleries. Examples of British stained glass are displayed in the British Galleries. One of the most spectacular works in the collection is the chandelier by Dale Chihuly in the rotunda at the museum's main entrance.
These galleries are dedicated to temporary exhibits showcasing both trends from recent decades and the latest in design and fashion.
Prints and drawings from the over 750,000 works in the collection can be seen on request at the print room, the "Prints and Drawings study Room"; booking an appointment is necessary.[119] The collection of drawings includes over 10,000 British and 2,000 old master works, including works by: Dürer, Giovanni Benedetto Castiglione, Bernardo Buontalenti, Rembrandt, Antonio Verrio, Paul Sandby, John Russell, Angelica Kauffman, John Flaxman,[120] Hugh Douglas Hamilton, Thomas Rowlandson, William Kilburn, Thomas Girtin, Jean-Auguste-Dominique Ingres, David Wilkie, John Martin, Samuel Palmer, Sir Edwin Henry Landseer, Lord Leighton, Sir Samuel Luke Fildes and Aubrey Beardsley. Modern British artists represented in the collection include: Paul Nash, Percy Wyndham Lewis, Eric Gill, Stanley Spencer, John Piper, Robert Priseman, Graham Sutherland, Lucian Freud and David Hockney.
The print collection has more than 500,000 objects, covering: posters, greetings cards, bookplates, as well as a comprehensive collection of old master prints from the Renaissance to the present, including works by Rembrandt, William Hogarth, Giovanni Battista Piranesi, Canaletto, Karl Friedrich Schinkel, Henri Matisse and Sir William Nicholson.
The costume collection is the most comprehensive in Britain, containing over 14,000 outfits plus accessories, mainly dating from 1600 to the present. Costume sketches, design notebooks, and other works on paper are typically held by the Word and Image department. Because everyday clothing from previous eras has not generally survived, the collection is dominated by fashionable clothes made for special occasions. One of the first significant gifts of the costume came in 1913 when the V&A received the Talbot Hughes collection containing 1,442 costumes and items as a gift from Harrods following its display at the nearby department store.
Some of the oldest works in the collection are medieval vestments, especially Opus Anglicanum. One of the most important pieces in the collection is the wedding suit of James II of England, which is displayed in the British Galleries.
In 1971, Cecil Beaton curated an exhibition of 1,200 20th-century high-fashion garments and accessories, including gowns worn by leading socialites such as Patricia Lopez-Willshaw,[121] Gloria Guinness[122] and Lee Radziwill,[123] and actresses such as Audrey Hepburn[124] and Ruth Ford.[125] After the exhibition, Beaton donated most of the exhibits to the museum in the names of their former owners.
In 1999, V&A began a series of live catwalk events at the museum titled Fashion in Motion featuring pieces from historically significant fashion collections. The first show featured Alexander McQueen in June 1999. Since then, the museum has hosted recreations of various designer shows every year including Anna Sui, Tristan Webber, Elspeth Gibson, Chunghie Lee, Jean Paul Gaultier, Missoni, Gianfranco Ferré, Christian Lacroix, Kenzo and Kansai Yamamoto amongst others.[126]
In 2002, the museum acquired the Costiff collection of 178 Vivienne Westwood costumes. Other famous designers with work in the collection include Coco Chanel, Hubert de Givenchy, Christian Dior, Cristóbal Balenciaga, Yves Saint Laurent, Guy Laroche, Irene Galitzine, Mila Schön, Valentino Garavani, Norman Norell, Norman Hartnell, Zandra Rhodes, Hardy Amies, Mary Quant, Christian Lacroix, Jean Muir and Pierre Cardin.[127] The museum continues to acquire examples of modern fashion to add to the collection.
The V&A runs an ongoing textile and dress conservation programme. For example, in 2008, an important but heavily soiled, distorted and water-damaged 1954 Dior outfit called 'Zemire' was restored to displayable condition for the Golden Age of Couture exhibition.[128]
![[129]"Mantua gown made from an ivory silk brocaded in a pattern of stylised flowers and leaves."](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Court_mantua_dress_at_Tullie_House_Museum_A_(24).JPG/1280px-Court_mantua_dress_at_Tullie_House_Museum_A_(24).JPG)
The V&A Museum has a large collection of shoes around 2000 pairs from different cultures around the world. The collection shows the chronological progression of shoe height, heel shape and materials, revealing just how many styles we consider to be modern have been in and out of fashion across the centuries. [130]
In November 2012, the museum opened its first gallery to be exclusively dedicated to furniture.[131] Prior to this date furniture had been exhibited as part of a greater period context, rather than in isolation to showcase its design and construction merits.[131] Among the designers showcased in the new gallery are Ron Arad, John Henry Belter, Joe Colombo, Eileen Gray, Verner Panton, Thonet, and Frank Lloyd Wright.[132]
The furniture collection, while covering Europe and America from the Middle Ages to the present, is predominantly British, dating between 1700 and 1900.[133] Many of the finest examples are displayed in the British Galleries, including pieces by Chippendale, Adam, Morris, and Mackintosh.[134] One of the oldest objects is a chair leg from Middle Egypt dated to 200-395AD.[131][135]
The Furniture and Woodwork collection also includes complete rooms, musical instruments, and clocks. Among the rooms owned by the museum are the Boudoir of Madame de Sévilly (Paris, 1781–82) by Claude Nicolas Ledoux, with painted panelling by Jean Simeon Rousseau de la Rottière;[136] and Frank Lloyd Wright's Kaufmann Office, designed and constructed between 1934 and 1937 for the owner of a Pittsburgh department store.[137]
The collection includes pieces by William Kent, Henry Flitcroft, Matthias Lock, James Stuart, William Chambers, John Gillow, James Wyatt, Thomas Hopper, Charles Heathcote Tatham, Pugin, William Burges, Charles Voysey, Charles Robert Ashbee, Baillie Scott, Edwin Lutyens, Edward Maufe, Wells Coates and Robin Day. The museum also hosts the national collection of wallpaper, which is looked after by the Prints, Drawings and Paintings department.
The Soulages collection of Italian and French Renaissance objects was acquired between 1859 and 1865, and includes several cassone. The John Jones Collection of French 18th-century art and furnishings was left to the museum in 1882, then valued at £250,000. One of the most important pieces in this collection is a marquetry commode by the ébéniste Jean Henri Riesener dated c1780. Other signed pieces of furniture in the collection include a bureau by Jean-François Oeben, a pair of pedestals with inlaid brass work by André Charles Boulle, a commode by Bernard Vanrisamburgh and a work-table by Martin Carlin. Other 18th-century ébénistes represented in the museum collection include Adam Weisweiler, David Roentgen, Gilles Joubert and Pierre Langlois. In 1901, Sir George Donaldson donated several pieces of art Nouveau furniture to the museum, which he had acquired the previous year at the Paris Exposition Universelle. This was criticised at the time, with the result that the museum ceased to collect contemporary pieces and did not do so again until the 1960s. In 1986 the Lady Abingdon collection of French Empire furniture was bequeathed by Mrs T. R. P. Hole.
There are a set of beautiful inlaid doors, dated 1580 from Antwerp City Hall, attributed to Hans Vredeman de Vries. One of the finest pieces of continental furniture in the collection is the Rococo Augustus Rex Bureau Cabinet dated c1750 from Germany, with especially fine marquetry and ormolu mounts. One of the grandest pieces of 19th-century furniture is the highly elaborate French Cabinet dated 1861–1867 made by M. Fourdinois, made from ebony inlaid with box, lime, holly, pear, walnut and mahogany woods as well as marble with gilded carvings. Furniture designed by Ernest Gimson, Edward William Godwin, Charles Voysey, Adolf Loos and Otto Wagner are among the late 19th-century and early 20th-century examples in the collection. The work of modernists in the collection include Le Corbusier, Marcel Breuer, Charles and Ray Eames, and Giò Ponti.
One of the oldest clocks in the collection is an astronomical clock of 1588 by Francis Nowe. One of the largest is James Markwick the younger's longcase clock of 1725, nearly 3 metres in height and japanned. Other clockmakers with work in the collection include: Thomas Tompion, Benjamin Lewis Vulliamy, John Ellicott and William Carpenter.
The museum's jewellery collection, containing over 6000 pieces is one of the finest and most comprehensive collections of jewellery in the world and includes works dating from Ancient Egypt to the present day, as well as jewellery designs on paper. The museum owns pieces by renowned jewellers Cartier, Jean Schlumberger, Peter Carl Fabergé, Andrew Grima, Hemmerle and Lalique.[138] Other items in the collection include diamond dress ornaments made for Catherine the Great, bracelet clasps once belonging to Marie Antoinette, and the Beauharnais emerald necklace presented by Napoleon to his adopted daughter Hortense de Beauharnais in 1806.[139] The museum also collects international modern jewellery by designers such as Gijs Bakker, Onno Boekhoudt, Peter Chang, Gerda Flockinger, Lucy Sarneel, Dorothea Prühl and Wendy Ramshaw, and African and Asian traditional jewellery. Major bequests include Reverend Chauncy Hare Townshend's collection of 154 gems bequeathed in 1869, Lady Cory's 1951 gift of major diamond jewellery from the 18th and 19th centuries, and jewellery scholar Dame Joan Evans' 1977 gift of more than 800 jewels dating from the Middle Ages to the early 19th century. A new jewellery gallery, funded by William and Judith Bollinger, opened on 24 May 2008.[140]
This collection of more than 45,000 objects covers decorative ironwork, both wrought and cast, bronze, silverware, arms and armour, pewter, brassware and enamels (including many examples Limoges enamel). The main iron work gallery was redesigned in 1995.
There are over 10,000 objects made from silver or gold in the collection, the display (about 15 percent of the collection) is divided into secular[141] and sacred[142] covering both Christian (Roman Catholic, Anglican and Greek Orthodox) and Jewish liturgical vessels and other works. The main silver gallery is divided into these areas: British silver pre-1800; British silver 1800 to 1900; modernist to contemporary silver; European silver. The collection includes the earliest known piece of English silver with a dated hallmark, a silver gilt beaker dated 1496–1497.
Silversmiths whose work is represented in the collection include Paul Storr[143] (whose Castlereagh Inkstand, dated 1817–1819, is one of his finest works) and Paul de Lamerie.[144]
The main iron work gallery covers European wrought and cast iron from the medieval period to the early 20th century. The master of wrought ironwork Jean Tijou is represented by both examples of his work and designs on paper. One of the largest objects is the Hereford Screen,[145] weighing nearly 8 tonnes, 10.5 metres high and 11 metres wide, designed by Sir George Gilbert Scott in 1862 for the chancel in Hereford Cathedral, from which it was removed in 1967. It was made by Skidmore & Company. Its structure of timber and cast iron is embellished with wrought iron, burnished brass and copper. Much of the copper and ironwork is painted in a wide range of colours. The arches and columns are decorated with polished quartz and panels of mosaic.
One of the rarest works in the collection is the 58 cm-high Gloucester Candlestick,[146] dated to c1110, made from gilt bronze; with highly elaborate and intricate intertwining branches containing small figures and inscriptions, it is a tour de force of bronze casting. Also of importance is the Becket Casket dated c1180 to contain relics of St Thomas Becket, made from gilt copper, with enamelled scenes of the saint's martyrdom. Another highlight is the 1351 Reichenau Crozier.[147] The Burghley Nef, a salt-cellar, French, dated 1527–1528, uses a nautilus shell to form the hull of a vessel, which rests on the tail of a parcelgilt mermaid, who rests on a hexagonal gilt plinth on six claw-and-ball feet. Both masts have main and top-sails, and battlemented fighting-tops are made from gold. These items are displayed in the new Medieval & Renaissance galleries.
Musical instruments are classified as furniture by the museum,[148] although Asian instruments are held by their relevant departments.[149]
Among the more important instruments owned by the museum are a violin by Antonio Stradivari dated 1699, an oboe that belonged to Gioachino Rossini, and a jewelled spinet dated 1571 made by Annibale Rossi.[150] The collection also includes a c. 1570 virginal said to have belonged to Elizabeth I,[151] and late 19th-century pianos designed by Edward Burne-Jones,[152] and Baillie Scott.[153]
The Musical Instruments gallery closed on 25 February 2010,[154] a decision that was highly controversial.[148] An online petition of over 5,100 names on the Parliamentary website led to Chris Smith asking in Parliament about the future of the collection.[155] The answer, from Bryan Davies, was that the museum intended to preserve and care for the collection and keep it available to the public, with objects being redistributed to the British Galleries, the Medieval & Renaissance Galleries, and the planned new galleries for Furniture and Europe 1600–1800, and that the Horniman Museum and other institutions were possible candidates for loans of material to ensure that the instruments remained publicly viewable.[155] The Horniman went on to host a joint exhibition with the V&A of musical instruments,[156] and has the loan of 35 instruments from the museum.[157]
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The collection includes about 1130 British and 650 European oil paintings, 6800 British watercolours, pastels and 2000 miniatures, for which the museum holds the national collection. Also on loan to the museum, from Her Majesty the Queen Elizabeth II, are the Raphael Cartoons:[158] the seven surviving (there were ten) full-scale designs for tapestries in the Sistine Chapel, of the lives of Peter and Paul from the Gospels and the Acts of the Apostles. There is also on display a fresco by Pietro Perugino, dated 1522, from the church of Castello at Fontignano (Perugia) which is amongst the painter's last works. One of the largest objects in the collection is the Spanish retable of St George, c. 1400, 670 x 486 cm, in tempera on wood, consisting of numerous scenes and painted by Andrés Marzal De Sax in Valencia.
19th-century British artists are well represented. John Constable and J. M. W. Turner are represented by oil paintings, watercolours and drawings. One of the most unusual objects on display is Thomas Gainsborough's experimental showbox with its back-lit landscapes, which he painted on glass, which allowed them to be changed like slides. Other landscape painters with works on display include Philip James de Loutherbourg, Peter De Wint and John Ward.
In 1857 John Sheepshanks donated 233 paintings, mainly by contemporary British artists, and a similar number of drawings to the museum with the intention of forming a 'A National Gallery of British Art', a role since taken on by Tate Britain; artists represented are William Blake, James Barry, Henry Fuseli, Sir Edwin Henry Landseer, Sir David Wilkie, William Mulready, William Powell Frith, Millais and Hippolyte Delaroche. Although some of Constable's works came to the museum with the Sheepshanks bequest, the majority of the artist's works were donated by his daughter Isabel in 1888,[159] including the large number of sketches in oil, the most significant being the 1821 full size oil sketch[160] for The Hay Wain. Other artists with works in the collection include: Bernardino Fungai, Marcus Gheeraerts the Younger, Domenico di Pace Beccafumi, Fioravante Ferramola, Jan Brueghel the Elder, Anthony van Dyck, Ludovico Carracci, Antonio Verrio, Giovanni Battista Tiepolo, Domenico Tiepolo, Canaletto, Francis Hayman, Pompeo Batoni, Benjamin West, Paul Sandby, Richard Wilson, William Etty, Henry Fuseli, Sir Thomas Lawrence, James Barry, Francis Danby, Richard Parkes Bonington and Alphonse Legros.
Richard Ellison's collection of 100 British watercolours was given by his widow in 1860 and 1873 'to promote the foundation of the National Collection of Water-Color Paintings'. Over 500 British and European oil paintings, watercolours and miniatures and 3000 drawings and prints were bequeathed in 1868–1869 by the clergymen Chauncey Hare Townshend and Alexander Dyce.
Several French paintings entered the collection as part of the 260 paintings and miniatures (not all the works were French, for example Carlo Crivelli's Virgin and Child) that formed part of the Jones bequest of 1882 and as such are displayed in the galleries of continental art 1600–1800, including the portrait of François, Duc d'Alençon by François Clouet, Gaspard Dughet and works by François Boucher including his portrait of Madame de Pompadour dated 1758, Jean François de Troy, Jean-Baptiste Pater and their contemporaries.
Another major Victorian benefactor was Constantine Alexander Ionides, who left 82 oil paintings to the museum in 1901, including works by Botticelli, Tintoretto, Adriaen Brouwer, Jean-Baptiste-Camille Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Edgar Degas, Jean-François Millet, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, plus watercolours and over a thousand drawings and prints
The Salting Bequest of 1909 included, among other works, watercolours by J. M. W. Turner. Other watercolourists include: William Gilpin, Thomas Rowlandson, William Blake, John Sell Cotman, Paul Sandby, William Mulready, Edward Lear, James Abbott McNeill Whistler and Paul Cézanne.
There is a copy of Raphael's The School of Athens over 4 metres by 8 metres in size, dated 1755 by Anton Raphael Mengs on display in the eastern Cast Court.
Miniaturists represented in the collection include Jean Bourdichon, Hans Holbein the Younger, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Peter Oliver, Jean Petitot, Alexander Cooper, Samuel Cooper, Thomas Flatman, Rosalba Carriera, Christian Friedrich Zincke, George Engleheart, John Smart, Richard Cosway and William Charles Ross.
The collection contains more than 500,000 images dating from the advent of photography, the oldest image dating from 1839. The gallery displays a series of changing exhibits and closes between exhibitions to allow full re-display to take place. Already in 1858, when the museum was called the South Kensington Museum, it had the world's first international photographic exhibition.
The collection includes the work of many photographers from Fox Talbot, Julia Margaret Cameron, Viscountess Clementina Hawarden, Gustave Le Gray, Benjamin Brecknell Turner, Frederick Hollyer, Samuel Bourne, Roger Fenton, Man Ray, Henri Cartier-Bresson, Ilse Bing, Bill Brandt, Cecil Beaton (there are more than 8000 of his negatives), Don McCullin, David Bailey, Jim Lee and Helen Chadwick to the present day.
One of the more unusual collections is that of Eadweard Muybridge's photographs of Animal Locomotion of 1887, this consists of 781 plates. These sequences of photographs taken a fraction of a second apart capture images of different animals and humans performing various actions. There are several of John Thomson's 1876-7 images of Street Life in London in the collection. The museum also holds James Lafayette's society portraits, a collection of more than 600 photographs dating from the late 19th to early 20th centuries and portraying a wide range of society figures of the period, including bishops, generals, society ladies, Indian maharajas, Ethiopian rulers and other foreign leaders, actresses, people posing in their motor cars and a sequence of photographs recording the guests at the famous fancy-dress ball held at Devonshire House in 1897 to celebrate Queen Victoria's diamond jubilee.
In 2003 and 2007 Penelope Smail and Kathleen Moffat generously donated Curtis Moffat's extensive archive to the museum. He created dynamic abstract photographs, innovative colour still-lives and glamorous society portraits during the 1920s and 1930s. He was also a pivotal figure in Modernist interior design. In Paris during the 1920s, Moffat collaborated with Man Ray, producing portraits and abstract photograms or "rayographs".
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The sculpture collection at the V&A is the most comprehensive holding of post-classical European sculpture in the world. There are approximately 22,000 objects[101] in the collection that cover the period from about 400 AD to 1914. This covers among other periods Byzantine and Anglo Saxon ivory sculptures, British, French and Spanish medieval statues and carvings, the Renaissance, Baroque, Neo-Classical, Victorian and Art Nouveau periods. All uses of sculpture are represented, from tomb and memorial, to portrait, allegorical, religious, mythical, statues for gardens including fountains, as well as architectural decorations. Materials used include, marble, alabaster, stone, terracotta, wood (history of wood carving), ivory, gesso, plaster, bronze, lead and ceramics.
The collection of Italian, Medieval, Renaissance, Baroque and Neoclassical sculpture (both original and in cast form) is unequalled outside of Italy. It includes Canova's The Three Graces, which the museum jointly owns with National Galleries of Scotland. Italian sculptors whose work is held by the museum include: Bartolomeo Bon, Bartolomeo Bellano, Luca della Robbia, Giovanni Pisano, Donatello, Agostino di Duccio, Andrea Riccio, Antonio Rossellino, Andrea del Verrocchio, Antonio Lombardo, Pier Jacopo Alari Bonacolsi, Andrea della Robbia, Michelozzo di Bartolomeo, Michelangelo (represented by a freehand wax model and casts of his most famous sculptures), Jacopo Sansovino, Alessandro Algardi, Antonio Calcagni, Benvenuto Cellini (Medusa's head dated c. 1547), Agostino Busti, Bartolomeo Ammannati, Giacomo della Porta, Giambologna (Samson Slaying a Philistine c. 1562, his finest work outside Italy[according to whom?]), Bernini (Neptune and Triton c. 1622–3), Giovanni Battista Foggini, Vincenzo Foggini (Samson and the Philistines), Massimiliano Soldani Benzi, Antonio Corradini, Andrea Brustolon, Giovanni Battista Piranesi, Innocenzo Spinazzi, Canova, Carlo Marochetti and Raffaelle Monti.
An unusual sculpture is the ancient Roman statue of Narcissus restored by Valerio Cioli c. 1564 with plaster. There are several small scale bronzes by Donatello such as The Ascension with Christ giving the Keys to St Peter and Lamentation of Christ, Alessandro Vittoria, Tiziano Aspetti and Francesco Fanelli in the collection. The largest work from Italy is the Chancel Chapel from Santa Chiara Florence dated 1493–1500, designed by Giuliano da Sangallo it is 11.1 metres in height by 5.4 metres square, it includes a grand sculpted tabernacle by Antonio Rossellino and coloured terracotta decoration.[161]
Rodin is represented by more than 20 works in the museum collection, making it one of the largest collections of the sculptor's work outside France; these were given to the museum by the sculptor in 1914, as acknowledgement of Britain's support of France in the First World War,[162] although the statue of St John the Baptist had been purchased in 1902 by public subscription. Other French sculptors with work in the collection are Hubert Le Sueur, François Girardon, Michel Clodion, Jean-Antoine Houdon, Jean-Baptiste Carpeaux and Jules Dalou.
There are also several Renaissance works by Northern European sculptors in the collection including work by: Veit Stoss, Tilman Riemenschneider, Hendrick de Keyser, Hans Daucher and Peter Flötner. Baroque works from the same area include the work of Adriaen de Vries and Sébastien Slodtz. The Spanish sculptors with work in the collection include Alonso Berruguete and Luisa Roldán represented by her Virgin and Child with St Diego of Alcala c. 1695.
Sculptors, both British and European, who were based in Britain and whose work is in the collection include[163] Nicholas Stone, Caius Gabriel Cibber, Grinling Gibbons, John Michael Rysbrack, Louis-François Roubiliac, Peter Scheemakers, Sir Henry Cheere, Agostino Carlini, Thomas Banks, Joseph Nollekens, Joseph Wilton, John Flaxman, Sir Francis Chantrey, John Gibson, Edward Hodges Baily, Lord Leighton, Alfred Stevens, Thomas Brock, Alfred Gilbert, George Frampton, and Eric Gill. A sample of some of these sculptors' work is on display in the British Galleries.
With the opening of the Dorothy and Michael Hintze sculpture galleries in 2006 it was decided to extend the chronology of the works on display up to 1950; this has involved loans by other museums, including Tate Britain, so works by Henry Moore and Jacob Epstein along with other of their contemporaries are now on view. These galleries concentrate on works dated between 1600 and 1950 by British sculptors, works by continental sculptors who worked in Britain, and works bought by British patrons from the continental sculptors, such as Canova's Theseus and the Minotaur. The galleries overlooking the garden are arranged by theme, tomb sculpture, portraiture, garden sculpture and mythology. There is also a section that covers late 19th-century and early 20th-century sculpture, which includes work by Rodin and other French sculptors such as Dalou who spent several years in Britain where he taught sculpture.[164]
Smaller-scale works are displayed in the Gilbert Bayes gallery, covering medieval especially English alabaster sculpture, bronzes, wooden sculptures and has demonstrations of various techniques such as bronze casting using lost-wax casting.
The majority of the Medieval and Renaissance sculpture is displayed in the new Medieval and Renaissance galleries (opened December 2009).
One of the largest objects in the collection is the rood loft from St. John's Cathedral ('s-Hertogenbosch),[165] from the Netherlands, dated 1610–1613 this is as much a work of architecture as sculpture, 10.4 metres wide, 7.8 metres high, the architectural framework is of various coloured marbles including columns, arches and balustrade, against which are statues and bas-reliefs and other carvings in alabaster, the work of sculptor Conrad van Norenberch.
The collection of textiles consists of more than 53,000 examples, mainly western European though all populated continents are represented, dating from the 1st century AD to the present, this is the largest such collection in the world. Techniques represented include weaving, printing, quilting embroidery, lace, tapestry and carpets. These are classified by technique, countries of origin and date of production. The collections are well represented in these areas: early silks from the Near East, lace, European tapestries and English medieval church embroidery.
The tapestry collection includes a fragment of the Cloth of St Gereon, the oldest known surviving European tapestry. A highlight of the collection is the four Devonshire Hunting Tapestries,[166] very rare 15th-century tapestries, woven in the Netherlands, depicting the hunting of various animals; not just their age but their size make these unique. Both of the major English centres of tapestry weaving of the 16th and 17th centuries respectively, Sheldon & Mortlake are represented in the collection by several examples. Also included are tapestries from John Vanderbank's workshop which was the leading English tapestry manufactory in the late 17th century and early 18th century. Some of the finest tapestries are examples from the Gobelins workshop, including a set of 'Jason and the Argonauts' dating from the 1750s. Other continental centres of tapestry weaving with work in the collection include Brussels, Tournai, Beauvais, Strasbourg and Florence.
One of the earliest surviving examples of European quilting, the late 14th-century Sicilian Tristan Quilt, is also held by the collection. The collection has numerous examples of various types of textiles designed by William Morris,[167] including, embroidery, woven fabrics, tapestries (including The Forest tapestry of 1887), rugs and carpets, as well as pattern books and paper designs. The art deco period is covered by rugs and fabrics designed by Marion Dorn. From the same period there is a rug designed by Serge Chermayeff.
The collection also includes the Oxburgh Hangings, which were made by Mary, Queen of Scots and Bess of Hardwick.[168] However, the Oxburgh Hangings are on permanent long-term loan at Oxburgh Hall.[168]
The V&A holds the national collection of performing arts in the UK, including drama, dance, opera, circus, puppetry, comedy, musical theatre, costume, set design, pantomime, popular music and other forms of live entertainment.[170]
The Theatre & Performance collections were founded in the 1920s when private collector, Gabrielle Enthoven, donated her collection of theatrical memorabilia to the V&A. In 1974 two further independent collections were compiled to form a comprehensive performing arts collection at the V&A.[171] The collections were displayed at the Theatre Museum, which operated from Covent Garden until closing in 2007.[172] Theatre & Performance galleries opened at South Kensington in March 2009 [173] tracing the production process of performance and include a temporary exhibition space. Types of objects displayed include costumes, set models, wigs, prompt books, and posters.
The department holds significant archives documenting current practice and the history of performing arts. These include the English Stage Company at the Royal Court Theatre, D'Oyly Carte and the design collection of the Arts Council. Notable personal archives include Vivien Leigh, Peter Brook, Henry Irving and Ivor Novello.
Rock and pop are well represented with the Glastonbury Festival archive,[174] Harry Hammond photographic collection[175] and Jamie Reid archive documenting punk. Costumes include those worn by John Lennon, Mick Jagger, Elton John, Adam Ant, Chris Martin, Iggy Pop, Prince, Shirley Bassey and the stage outfit worn by Roger Daltrey at Woodstock.[176]
The education department[177] has wide-ranging responsibilities. It provides information for the casual visitor as well as for school groups, including integrating learning in the museum with the National Curriculum; it provides research facilities for students at degree level and beyond, with information and access to the collections. It also oversees the content of the museum's website in addition to publishing books and papers on the collections, research and other aspects of the museum.
Several areas of the collection have dedicated study rooms, these allow access to objects in the collection that are not currently on display, but in some cases require an appointment to be made.[178]
The new Sackler education suite, occupying the two lower floors of the Henry Cole Wing opened in September 2008. This includes lecture rooms and areas for use by schools, which will be available during school holidays for use by families, and will enable direct handling of items from the collection.
V&A Publishing, within the education department, works to raise funds for the museum by publishing around 30 books and digital items each year. The company has around 180 books in print.[179]
Activity backpacks are available for children. These are free to borrow and include hands-on activities such as puzzles, construction games and stories related to themes of the museum.[180]
The Learning Academy offers adult courses as well as training for professionals in the culture and heritage sector, both nationally and internationally. We also have great facilities in which to teach, study and get closer to our collections.[181]
Research[182] is a very important area of the museum's work, and includes: identification and interpretation of individual objects; other studies contribute to systematic research, this develops the public understanding of the art and artefacts of many of the great cultures of the world; visitor research and evaluation to discover the needs of visitors and their experiences of the museum. Since 1990, the museum has published research reports;[183] these focus on all areas of the collections.
Conservation[184] is responsible for the long-term preservation of the collections, and covers all the collections held by the V&A and the V&A Museum of Childhood. The conservators specialise in particular areas of conservation. Areas covered by the conservator's work include "preventive" conservation this includes: performing surveys, assessments and providing advice on the handling of items, correct packaging, mounting and handling procedures during movement and display to reduce risk of damaging objects. Activities include controlling the museum environment (for example, temperature and light) and preventing pests (primarily insects) from damaging artefacts. The other major category is "interventive" conservation, this includes: cleaning and reintegration to strengthen fragile objects, reveal original surface decoration, and restore shape. Interventive treatment makes an object more stable, but also more attractive and comprehensible to the viewer. It is usually undertaken on items that are to go on public display.
The National Art Library merged with the Prints, Paintings and Drawings department to form the Word and Image Department, which serves curatorial staff of the museum.[185] The library and its reading rooms are located on the second floor of the V&A, though some collections, particularly Archives, are held off-site.[186]
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The V&A works with a small number of partner organisations in Sheffield, Dundee and Blackpool to provide a regional presence.[187][188]
The V&A discussed with the University of Dundee, University of Abertay, Dundee City Council and the Scottish Government in 2007 with a view to opening a new £43 million gallery in Dundee, which would use the V&A brand although it would be funded through and operated independently.[189][190] Costs was estimated at £76 million in 2015, making it the most expensive gallery project ever undertaken in Scotland.[191][192] V&A Dundee opened on 15 September 2018.[9] Dundee City Council pays for a major part of the running costs. The V&A does not contribute financially, but it provides expertise, loans and exhibitions.[192]
Plans for a new gallery in Blackpool are also under consideration.[193] This follows earlier plans to move the theatre collection to a new £60m museum in Blackpool, which failed due to lack of funding.[194] The V&A exhibits twice a year at the Millennium Galleries in partnership with Museums Sheffield.[194]
The V&A is one of 17 museums across Europe and the Mediterranean participating in a project called Discover Islamic Art. Developed by the Brussels-based consortium Museum With No Frontiers, this online "virtual museum" brings together more than 1200 works of Islamic art and architecture into a single database. In 2009, the V&A established an art award, the Jameel Prize, for " contemporary art and design inspired by Islamic tradition" in partnership with Art Jameel.[195]
The museum is a non-departmental public body sponsored by the Department for Digital, Culture, Media and Sport. As with other national British museums, entrance is free.[196][197]
The V&A has large galleries devoted to temporary exhibitions. A typical year will see more than a dozen different exhibitions being staged, covering all areas of the collections. Notable exhibitions of recent years have been:
The V&A came second in London's top paid exhibitions in 2015 with the record-breaking Alexander McQueen show (3,472 a day).[200]
In November 2019 the art photographer Nan Goldin led a "die-in" in the Sackler courtyard entrance of the museum, in protest against the V&A's acceptance of donations from the Sackler family, which owned Purdue Pharma, makers of the addictive opioid painkiller OxyContin.[201] The museum's director, Tristram Hunt, defended the museum's relationship with the Sacklers, saying it was proud to have received support from the family over a number of years.[202]
Also in 2019 the V&A received sponsorship for an exhibition on cars from Bosch, which had been fined 90 million euro over its part in the diesel emissions scandal. A V&A spokeswoman said: "Bosch is at the forefront of innovation, with a focus on delivering sustainable solutions for the mobility of the future."[203]
Extinction Rebellion staged a dirty protest outside the V&A Dundee, in protest against Barclays Bank's sponsorship of the museum's Mary Quant exhibition.[204]
In 2021 plans to cut the museum's costs by reorganising its collections by date rather than by material were abandoned after critics said it would lead to staff cuts and thereby a loss of expertise.[205]
Starting in March 2020 BBC Two transmitted a series of six programmes depicting the back-stage work of the curators and restorers of the museum, entitled Secrets of the Museum.[206]
The Sculpture Gallery featured in the 2023 romantic comedy Red, White & Royal Blue.[207][208][209]
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