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La pintura occidental del siglo XX comienza con la herencia de los pintores de finales del siglo XIX Vincent van Gogh , Paul Cézanne , Paul Gauguin , Georges Seurat , Henri de Toulouse-Lautrec y otros que fueron esenciales para el desarrollo del arte moderno. A principios del siglo XX, Henri Matisse y varios otros artistas jóvenes, incluidos los precubistas Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck , revolucionaron el mundo del arte parisino con paisajes y pinturas de figuras "salvajes", multicolores y expresivos que los críticos llamaron fauvismo . La segunda versión de La danza de Matisse significó un punto clave en su carrera y en el desarrollo de la pintura moderna. [1] Reflejaba la incipiente fascinación de Matisse por el arte primitivo : el intenso color cálido de las figuras contra el fondo azul verdoso frío y la sucesión rítmica de los desnudos danzantes transmiten los sentimientos de liberación emocional y hedonismo .
Inicialmente influenciado por Toulouse-Lautrec, Gauguin y otros innovadores de finales del siglo XIX, Pablo Picasso realizó sus primeras pinturas cubistas basadas en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo , esfera y cono . Con la pintura Les Demoiselles d'Avignon (1907; ver galería) Picasso creó una imagen nueva y radical que representa una escena de burdel cruda y primitiva con cinco prostitutas, mujeres pintadas violentamente, que recuerda a las máscaras tribales africanas y sus propias nuevas invenciones protocubistas . El cubismo analítico , ejemplificado por Violín y candelabro, París , fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Braque desde aproximadamente 1908 hasta 1912. Al cubismo analítico le siguió el cubismo sintético , caracterizado por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage , papier collé y una gran variedad de temas fusionados. [2] [3]
El cubismo de cristal fue una forma destilada del cubismo consistente con un cambio entre 1915 y 1916 hacia un fuerte énfasis en la actividad de superficies planas y grandes planos geométricos superpuestos, practicado por Braque, Picasso, Jean Metzinger , Albert Gleizes , Juan Gris , Diego Rivera , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Alexander Archipenko , Fernand Léger y varios otros artistas en la década de 1920. [4]
Durante los años entre 1910 y el final de la Primera Guerra Mundial y después del apogeo del cubismo, surgieron varios movimientos en París. Giorgio de Chirico se mudó a París en julio de 1911, donde se unió a su hermano Andrea (el poeta y pintor conocido como Alberto Savinio ). A través de su hermano conoció a Pierre Laprade, miembro del jurado del Salón de Otoño , donde exhibió tres de sus obras oníricas: Enigma del oráculo , Enigma de una tarde y Autorretrato . Durante 1913 expuso su trabajo en el Salón de los Independientes y el Salón de Otoño, donde su trabajo fue notado por Pablo Picasso , Guillaume Apollinaire y otros. Sus pinturas convincentes y misteriosas se consideran fundamentales para los inicios del surrealismo . Canción de amor (1914) es una de las obras más famosas de De Chirico y es un ejemplo temprano del estilo surrealista, aunque fue pintada diez años antes de que el movimiento fuera "fundado" por André Breton en 1924. [5]
En las dos primeras décadas del siglo XX, a medida que evolucionaba el cubismo, surgieron otros movimientos importantes: el futurismo ( Giacomo Balla ), el arte abstracto ( Wassily Kandinsky ), Der Blaue Reiter ( Kandinsky y Franz Marc ), la Bauhaus ( Kandinsky y Paul Klee ), el orfismo ( Robert Delaunay y František Kupka ), el sincromismo ( Morgan Russell y Stanton Macdonald-Wright ), De Stijl ( Theo van Doesburg y Piet Mondrian ), el suprematismo ( Kazimir Malevich ), el constructivismo ( Vladimir Tatlin ), el dadaísmo ( Marcel Duchamp , Picabia y Jean Arp ) y el surrealismo ( Giorgio de Chirico , André Breton , Joan Miró , René Magritte , Salvador Dalí y Max Ernst ). La pintura moderna influyó en todas las artes visuales, desde la arquitectura y el diseño modernistas hasta el cine de vanguardia , el teatro y la danza moderna , y se convirtió en un laboratorio experimental para la expresión de la experiencia visual, desde la fotografía y la poesía concreta hasta el arte publicitario y la moda. Las pinturas de Van Gogh ejercieron una gran influencia en el expresionismo del siglo XX , como se puede ver en la obra de los fauvistas , Die Brücke (un grupo liderado por el pintor alemán Ernst Kirchner ) y el expresionismo de Edvard Munch , Egon Schiele , Marc Chagall , Amedeo Modigliani , Chaïm Soutine y otros.
Wassily Kandinsky , pintor, grabador y teórico del arte ruso , es considerado generalmente el primer pintor importante del arte abstracto moderno . Como modernista temprano , en busca de nuevos modos de expresión visual y espiritual, teorizó, al igual que los ocultistas y teósofos contemporáneos , que la abstracción visual pura tenía vibraciones corolarias con el sonido y la música. Postularon que la abstracción pura podría expresar espiritualidad pura. Sus primeras abstracciones generalmente se titulaban (como el ejemplo de la galería anterior) Composición VII , haciendo conexión con el trabajo de los compositores de música. Kandinsky incluyó muchas de sus teorías sobre el arte abstracto en su libro De lo espiritual en el arte . El arte de Piet Mondrian también estaba relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 se interesó en el movimiento teosófico lanzado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creía que era posible alcanzar un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado por medios empíricos, y gran parte del trabajo de Mondrian durante el resto de su vida estuvo inspirado en su búsqueda de ese conocimiento espiritual. Otros pioneros importantes de la abstracción temprana incluyen a la pintora sueca Hilma af Klint , el pintor ruso Kazimir Malevich y el pintor suizo Paul Klee . Robert Delaunay fue un artista francés asociado con el orfismo (que recuerda a un vínculo entre la abstracción pura y el cubismo). [6] Sus obras posteriores fueron más abstractas, recordando a Paul Klee. Sus contribuciones clave a la pintura abstracta se refieren a su uso audaz del color y un claro amor por la experimentación tanto de la profundidad como del tono. Por invitación de Kandinsky, Delaunay y su esposa, la artista Sonia Delaunay , se unieron a El jinete azul ( Der Blaue Reiter ), un grupo de artistas abstractos con sede en Múnich , en 1911, y su arte dio un giro hacia lo abstracto. Otros pioneros importantes de la pintura abstracta incluyen al pintor checo František Kupka , así como a los artistas estadounidenses Stanton Macdonald-Wright y Morgan Russell, quienes, en 1912, fundaron el sincromismo , un movimiento artístico que se asemeja mucho al orfismo . [7] [8]
Los fauvistas (en francés, Las bestias salvajes ) fueron pintores de principios del siglo XX que experimentaron con la libertad de expresión a través del color. El nombre fue dado, en tono de humor y no como un cumplido, al grupo por el crítico de arte Louis Vauxcelles . El fauvismo fue un grupo de artistas efímero y poco definido cuyas obras enfatizaban las cualidades pictóricas y el uso imaginativo del color profundo por encima de los valores figurativos. Los fauvistas hicieron que el tema de la pintura fuera fácil de leer y exageraron las perspectivas. En 1888, Paul Gauguin le expresó a Paul Sérusier una predicción profética sobre los fauvistas :
"¿Cómo ves estos árboles? Son amarillos. Entonces, pónlos en amarillo. Esta sombra, más bien azul, píntala con ultramar puro . ¿Estas hojas rojas? Póntelas en bermellón ".
Los líderes del movimiento fueron Henri Matisse y André Derain, rivales amistosos de una especie, cada uno con sus propios seguidores. En última instancia, Matisse se convirtió en el yang del yin de Picasso en el siglo XX. Entre los pintores fauvistas se encontraban Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , el pintor holandés Kees van Dongen y el compañero de Picasso en el cubismo, Georges Braque , entre otros. [9]
El fauvismo, como movimiento, no tenía teorías concretas y tuvo una vida corta, comenzando en 1905 y terminando en 1907. Los fauvistas tuvieron solo tres exposiciones. Matisse fue visto como el líder del movimiento, debido a su antigüedad y su anterior autoestablecimiento en el mundo del arte académico. Su retrato de 1905 de Madame Matisse, La línea verde (arriba), causó sensación en París cuando se exhibió por primera vez. Dijo que quería crear arte para deleitar; el arte como decoración era su propósito y se puede decir que su uso de colores brillantes intenta mantener la serenidad de la composición. En 1906, por sugerencia de su comerciante Ambroise Vollard , André Derain fue a Londres y produjo una serie de pinturas como Puente de Charing Cross, Londres (arriba) en estilo fauvista, parafraseando la famosa serie del pintor impresionista Claude Monet . [10]
En 1907, el fauvismo ya no era un movimiento nuevo y chocante; pronto fue reemplazado por el cubismo en el radar de los críticos como el último desarrollo del arte contemporáneo de la época. En 1907, Apollinaire , comentando sobre Matisse en un artículo publicado en La Falange, dijo: "No estamos ante una empresa extravagante o extremista: el arte de Matisse es eminentemente razonable". [11]
Der Blaue Reiter fue un movimiento alemán que duró desde 1911 hasta 1914, fundamental para el expresionismo, junto con Die Brücke , un grupo de artistas expresionistas alemanes formado en Dresde en 1905. Los miembros fundadores de Die Brücke fueron Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff . Los miembros posteriores incluyeron a Max Pechstein , Otto Mueller y otros. Este fue un grupo seminal, que a su debido tiempo tuvo un gran impacto en la evolución del arte moderno en el siglo XX y creó el estilo del expresionismo . [12]
Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , cuya pintura psíquicamente expresiva del bailarín ruso Retrato de Alexander Sakharoff , 1909 se encuentra en la galería de arriba, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger y otros fundaron el grupo Der Blaue Reiter en respuesta al rechazo de la pintura de Kandinsky Juicio Final de una exposición. Der Blaue Reiter carecía de un manifiesto artístico central, pero se centraba en Kandinsky y Marc. Los artistas Gabriele Münter y Paul Klee también estuvieron involucrados.
El nombre del movimiento proviene de un cuadro de Kandinsky pintado en 1903. También se afirma que el nombre podría derivar del entusiasmo de Marc por los caballos y del amor de Kandinsky por el color azul. Para Kandinsky, el azul es el color de la espiritualidad: cuanto más oscuro es el azul, más despierta el deseo humano por lo eterno. [13]
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El expresionismo y el simbolismo son amplias rúbricas que abarcan varios movimientos importantes y relacionados en la pintura del siglo XX que dominaron gran parte del arte de vanguardia que se hizo en Europa occidental, oriental y septentrional. Las obras expresionistas se pintaron en gran parte entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, principalmente en Francia, Alemania, Noruega, Rusia, Bélgica y Austria. Los estilos expresionistas están relacionados con los del surrealismo y el simbolismo y cada uno es único y algo excéntricamente personal. El fauvismo , Die Brücke y Der Blaue Reiter son tres de los grupos más conocidos de pintores expresionistas y simbolistas. Artistas tan interesantes y diversos como Marc Chagall , cuya pintura Yo y la aldea , (arriba) cuenta una historia autobiográfica que examina la relación entre el artista y sus orígenes, con un léxico de simbolismo artístico . Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard Munch , Emil Nolde , Chaïm Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Yitzhak Frenkel Frenel , Max Beckmann , Franz Marc , Käthe Schmidt Kollwitz , Georges Rouault , Amedeo Modigliani y algunos de los estadounidenses en el extranjero como Marsden Hartley y Stuart Davis , fueron considerados pintores expresionistas influyentes. Aunque Alberto Giacometti es considerado principalmente como un escultor surrealista intenso , también hizo intensas pinturas expresionistas. En los EE. UU., Durante el período entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, los pintores tendían a ir a Europa en busca de reconocimiento. Los artistas modernistas como Marsden Hartley , Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy y Stuart Davis , crearon reputación en el extranjero. Mientras que Patrick Henry Bruce , [14] creó pinturas relacionadas con el cubismo en Europa, tanto Stuart Davis como Gerald Murphy hicieron pinturas que fueron inspiraciones tempranas para el arte pop estadounidense [15] [16] [17] y Marsden Hartley experimentó con el expresionismo . Durante la década de 1920, el fotógrafoAlfred Stieglitz expuso a Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Alfred Henry Maurer , Charles Demuth , John Marin y otros artistas, incluidos los maestros europeos Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau , Paul Cézanne y Pablo Picasso , en su galería de la ciudad de Nueva York , la 291. [18] En Europa, maestros como Henri Matisse y Pierre Bonnard continuaron desarrollando sus estilos narrativos independientemente de cualquier movimiento.
Marcel Duchamp alcanzó fama internacional a raíz del New York City Armory Show en 1913, donde su Desnudo bajando una escalera se convirtió en la causa célebre . Posteriormente creó La novia desnudada por sus solteros, incluso , Gran vidrio . El Gran vidrio llevó el arte de la pintura a nuevos límites radicales al ser en parte pintura, en parte collage, en parte construcción. Duchamp (que pronto renunciaría a la creación artística por el ajedrez ) se asoció estrechamente con el movimiento Dada que comenzó en la neutral Zúrich, Suiza , durante la Primera Guerra Mundial y alcanzó su apogeo entre 1916 y 1920. El movimiento involucraba principalmente artes visuales, literatura (poesía, manifiestos de arte, teoría del arte), teatro y diseño gráfico, y concentró su política contra la guerra a través de un rechazo de los estándares prevalecientes en el arte a través de obras culturales antiarte . Francis Picabia , Man Ray , Kurt Schwitters , Tristan Tzara , Hans Richter , Jean Arp , Sophie Taeuber-Arp , Duchamp y muchos otros están asociados con el movimiento dadaísta. Duchamp y varios dadaístas también están asociados con el surrealismo, el movimiento que dominó la pintura europea en las décadas de 1920 y 1930. [19]
En 1924, André Breton publicó el Manifiesto surrealista . El movimiento surrealista en la pintura se convirtió en sinónimo de vanguardia y presentó artistas cuyas obras variaban desde lo abstracto hasta lo superrealista. Con obras sobre papel como La máquina gira rápidamente (arriba), Francis Picabia continuó su participación en el movimiento dadaísta hasta 1919 en Zúrich y París, antes de separarse de él después de desarrollar un interés en el arte surrealista . Yves Tanguy , René Magritte y Salvador Dalí son particularmente conocidos por sus representaciones realistas de imágenes de sueños y manifestaciones fantásticas de la imaginación. El campo cultivado de Joan Miró de 1923-1924 raya en la abstracción, esta temprana pintura de un complejo de objetos y figuras, y disposiciones de personajes sexualmente activos; fue la primera obra maestra surrealista de Miró . [20] Los más abstractos Joan Miró , Jean Arp , André Masson y Max Ernst fueron muy influyentes, especialmente en los Estados Unidos durante la década de 1940.
A lo largo de la década de 1930, el surrealismo siguió haciéndose más visible para el público en general. Se formó un grupo surrealista en Gran Bretaña y, según Breton, su Exposición Surrealista Internacional de Londres de 1936 fue un punto culminante de la época y se convirtió en el modelo para las exposiciones internacionales. Los grupos surrealistas en Japón, y especialmente en América Latina , el Caribe y México, produjeron obras innovadoras y originales.
Dalí y Magritte crearon algunas de las imágenes más reconocidas del movimiento. La pintura Esto no es una pipa de Magritte, de 1928/1929, es el tema de un libro de Michel Foucault de 1973, Esto no es una pipa (edición en inglés, 1991), que analiza la pintura y su paradoja. Dalí se unió al grupo en 1929 y participó en el rápido establecimiento del estilo visual entre 1930 y 1935.
El surrealismo como movimiento visual había encontrado un método: exponer la verdad psicológica despojando a los objetos ordinarios de su significado normal, con el fin de crear una imagen convincente que estuviera más allá de la organización formal y la percepción ordinarias, a veces evocando empatía en el espectador, a veces risa y a veces indignación y desconcierto. [21]
1931 fue un año en el que varios pintores surrealistas produjeron obras que marcaron puntos de inflexión en su evolución estilística: en un ejemplo, las formas líquidas se convirtieron en la marca registrada de Dalí, particularmente en su La persistencia de la memoria , que presenta la imagen de relojes que se comban como si se estuvieran derritiendo. Evocaciones del tiempo y su misterio y absurdo convincentes. [22]
Las características de este estilo –una combinación de lo representativo, lo abstracto y lo psicológico– llegaron a representar la alienación que muchas personas sintieron en el período modernista , combinada con la sensación de llegar más profundamente a la psique, de "estar completos con la propia individualidad". [23] [24]
Max Ernst estudió filosofía y psicología en Bonn y se interesó por las realidades alternativas que experimentaban los locos. Sus pinturas, como Murdering Airplane (1920), pueden haberse inspirado en el estudio del psicoanalista Sigmund Freud sobre los delirios de un paranoico, Daniel Paul Schreber. Freud identificó la fantasía de Schreber de convertirse en mujer como un complejo de castración . La imagen central de dos pares de piernas hace referencia a los deseos hermafroditas de Schreber. La inscripción de Ernst en la parte posterior de la pintura dice: La imagen es curiosa por su simetría. Los dos sexos se equilibran entre sí. [25]
Durante la década de 1920, la obra de André Masson ejerció una enorme influencia en el joven artista Joan Miró, que encontró sus raíces en la nueva pintura surrealista. Miró reconoció en cartas a su marchante Pierre Matisse la importancia de Masson como ejemplo para él en sus primeros años en París.
Mucho después de que las tensiones personales, políticas y profesionales hayan fragmentado al grupo surrealista en el aire y el éter, Magritte, Miró, Dalí y los demás surrealistas siguen definiendo un programa visual en las artes. Otros artistas surrealistas destacados incluyen a Giorgio de Chirico , Méret Oppenheim , Toyen , Grégoire Michonze , Roberto Matta , Kay Sage , Leonora Carrington , Dorothea Tanning y Leonor Fini , entre otros.
Durante las décadas de 1920, 1930 y la Gran Depresión , la escena artística europea se caracterizó por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus , De Stijl , Dada, Neue Sachlichkeit y el expresionismo; y estuvo ocupada por pintores modernistas de color magistrales como Henri Matisse y Pierre Bonnard .
La pintura de escena americana y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían comentarios políticos y sociales dominaron el mundo del arte en los EE. UU. Artistas como Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes. En América Latina, además del pintor uruguayo Joaquín Torres García y Rufino Tamayo de México, el movimiento muralista con Diego Rivera , David Siqueiros , José Orozco , Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo comenzaron un renacimiento de las artes para la región, con un uso del color y mensajes históricos y políticos. Las obras simbolistas de Frida Kahlo también se relacionan fuertemente con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en la literatura. El drama psicológico en muchos de los autorretratos de Kahlo (arriba) subraya la vitalidad y relevancia de sus pinturas para los artistas del siglo XXI.
En Alemania surgió la Neue Sachlichkeit ("Nueva Objetividad") cuando Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz y otros asociados con la Secesión de Berlín politizaron sus pinturas. La obra de estos artistas surgió del expresionismo y fue una respuesta a las tensiones políticas de la República de Weimar , y a menudo era marcadamente satírica. [26]
Diego Rivera es quizás más conocido por el público por su mural de 1933, El hombre en la encrucijada , en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center . Cuando su mecenas Nelson Rockefeller descubrió que el mural incluía un retrato de Lenin y otras imágenes comunistas , despidió a Rivera, y el trabajo inacabado fue finalmente destruido por el personal de Rockefeller. La película Cradle Will Rock incluye una dramatización de la controversia. Las obras de Frida Kahlo (la esposa de Rivera) a menudo se caracterizan por sus crudas representaciones del dolor. De sus 143 pinturas, 55 son autorretratos , que con frecuencia incorporan representaciones simbólicas de sus heridas físicas y psicológicas. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo que es evidente en los colores brillantes y el simbolismo dramático de sus pinturas. Los temas cristianos y judíos también se representan a menudo en su trabajo; combinó elementos de la tradición religiosa clásica mexicana, que a menudo eran sangrientos y violentos, con representaciones surrealistas . Si bien sus pinturas no son abiertamente cristianas (ella era una comunista declarada), ciertamente contienen elementos del macabro estilo cristiano mexicano de pinturas religiosas.
Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo , incluido Pablo Picasso . [27] El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española , la ciudad vasca de Gernika fue escenario del « Bombardeo de Gernika » por parte de la Legión Cóndor de la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al Gobierno Vasco y al gobierno republicano español. La ciudad fue devastada, aunque la asamblea vizcaína y el Roble de Gernika sobrevivieron. Picasso pintó su mural Guernica para conmemorar los horrores del bombardeo.
En su forma final, Guernica es un inmenso mural en blanco y negro de 3,5 metros de alto y 7,8 metros de ancho pintado al óleo. El mural presenta una escena de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia sin retratar sus causas inmediatas. La elección de pintar en blanco y negro contrasta con la intensidad de la escena representada e invoca la inmediatez de una fotografía de periódico. [28] Picasso pintó la pintura del tamaño de un mural llamada Guernica en protesta por el bombardeo. La pintura se exhibió por primera vez en París en 1937, luego en Escandinavia, luego en Londres en 1938 y finalmente en 1939, a pedido de Picasso, la pintura fue enviada a los Estados Unidos en un préstamo extendido (para su custodia) en el MoMA . La pintura realizó una gira por museos de todo Estados Unidos hasta su regreso final al Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, donde se exhibió durante casi treinta años. Finalmente, de acuerdo con el deseo de Picasso de regalar el cuadro al pueblo español, éste fue enviado a España en 1981.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930, hasta los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escenas estadounidenses (como se ve arriba) en la obra de Grant Wood , Edward Hopper , Ben Shahn , Thomas Hart Benton y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No solo es la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles en el arte estadounidense. Actualmente se encuentra en la colección del Art Institute of Chicago . La escena se inspiró en un restaurante (desde entonces demolido) en Greenwich Village , el barrio natal de Hopper en Manhattan . Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor . Después de este evento hubo una gran sensación de tristeza en el país, un sentimiento que se retrata en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y dentro ninguno de los tres clientes aparentemente está mirando o hablando con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía y solitaria es un tema común en toda la obra de Hopper.
American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Retrata a un granjero con una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo gótico carpintero . Es una de las imágenes más conocidas en el arte estadounidense del siglo XX . Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura, como Gertrude Stein y Christopher Morley , asumieron que la pintura estaba destinada a ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto, se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de Winesburg, Ohio de 1919 de Sherwood Anderson , Main Street de 1920 de Sinclair Lewis y La condesa tatuada de Carl Van Vechten en la literatura. [29] Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura llegó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York anunció el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense , un movimiento modernista que combinó lecciones aprendidas de Henri Matisse , Pablo Picasso , el surrealismo, Joan Miró , el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros en Estados Unidos como Hans Hofmann y John D. Graham . Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian , Fernand Léger , Max Ernst y el grupo de André Breton , la galería de Pierre Matisse y la galería The Art of This Century de Peggy Guggenheim , así como de otros factores.
La pintura estadounidense posterior a la Segunda Guerra Mundial, llamada expresionismo abstracto, incluyó a artistas como Jackson Pollock , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Mark Rothko , Hans Hofmann , Clyfford Still , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Barnett Newman , Mark Tobey , James Brooks , Philip Guston , Robert Motherwell , Conrad Marca-Relli , Jack Tworkov , William Baziotes , Richard Pousette-Dart , Ad Reinhardt , Esteban Vicente , Hedda Sterne , Jimmy Ernst , Bradley Walker Tomlin y Theodoros Stamos , entre otros. El expresionismo abstracto estadounidense recibió su nombre en 1946 del crítico de arte Robert Coates . Se considera que combina la intensidad emocional y la abnegación de los expresionistas alemanes con la estética antifigurativa de las escuelas abstractas europeas como el futurismo , la Bauhaus y el cubismo sintético. El expresionismo abstracto, la pintura de acción y la pintura de campos de color son sinónimos de la Escuela de Nueva York .
Técnicamente, el surrealismo fue un predecesor importante del expresionismo abstracto, con su énfasis en la creación espontánea, automática o subconsciente. La técnica de goteo de pintura de Jackson Pollock sobre un lienzo colocado en el suelo tiene sus raíces en la obra de André Masson . Otra manifestación temprana importante de lo que llegó a ser el expresionismo abstracto es la obra del artista del noroeste estadounidense Mark Tobey , especialmente sus lienzos de "escritura blanca", que, aunque generalmente no son de gran escala, anticipan el aspecto "por todas partes" de las pinturas de goteo de Pollock.
Además, el expresionismo abstracto tiene una imagen de ser rebelde, anárquico, altamente idiosincrásico y, algunos sienten, más bien nihilista. En la práctica, el término se aplica a un número de artistas que trabajan (en su mayoría) en Nueva York que tenían estilos bastante diferentes, e incluso se aplica a un trabajo que no es especialmente abstracto ni expresionista. Las enérgicas " pinturas de acción " de Pollock, con su sensación "ocupada", son diferentes tanto técnica como estéticamente, a la violenta y grotesca serie Mujeres de Willem de Kooning . Como se ve arriba en la galería, Mujer V es una de una serie de seis pinturas realizadas por de Kooning entre 1950 y 1953 que representan una figura femenina de tres cuartos de cuerpo. Comenzó la primera de estas pinturas, Colección Mujer I : Museo de Arte Moderno , Ciudad de Nueva York, en junio de 1950, cambiando y pintando repetidamente la imagen hasta enero o febrero de 1952, cuando la pintura fue abandonada sin terminar. El historiador de arte Meyer Schapiro vio la pintura en el estudio de De Kooning poco después y animó al artista a persistir. La respuesta de De Kooning fue comenzar otras tres pinturas sobre el mismo tema: Mujer II , The Museum of Modern Art , Nueva York, Mujer III , Tehran Museum of Contemporary Art , Mujer IV , Nelson-Atkins Museum of Art , Kansas City, Missouri . Durante el verano de 1952, pasado en East Hampton , De Kooning exploró más el tema a través de dibujos y pasteles. Es posible que haya terminado el trabajo en Mujer I a fines de junio, o posiblemente tan tarde como noviembre de 1952, y probablemente los otros tres cuadros de mujeres se concluyeron casi al mismo tiempo. [30] La serie Mujer son pinturas decididamente figurativas . Otro artista importante es Franz Kline , que como lo demuestra su pintura High Street, 1950, al igual que Jackson Pollock y otros expresionistas abstractos, fue etiquetado como un pintor de acción debido a su estilo aparentemente espontáneo e intenso, centrándose menos, o nada, en las figuras o imágenes, sino en las pinceladas reales y el uso del lienzo.
Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb y los bloques de color serenamente brillantes de la obra de Mark Rothko (que no es lo que normalmente se llamaría expresionismo y que Rothko negó que fuera abstracta) se clasifican como expresionistas abstractos, aunque de lo que Clement Greenberg denominó la dirección del campo de color del expresionismo abstracto. Tanto Hans Hofmann como Robert Motherwell (galería) pueden describirse cómodamente como practicantes de la pintura de acción y la pintura de campos de color .
El expresionismo abstracto tiene muchas similitudes estilísticas con los artistas rusos de principios del siglo XX, como Wassily Kandinsky . Si bien es cierto que la espontaneidad o la impresión de espontaneidad caracterizaron muchas de las obras de los expresionistas abstractos, la mayoría de estas pinturas implicaron una planificación cuidadosa, especialmente porque su gran tamaño lo exigía. Una excepción podrían ser las pinturas de goteo de Pollock. Por qué este estilo ganó aceptación general en la década de 1950 es un tema de debate. El realismo social estadounidense había sido la corriente principal en la década de 1930. Había sido influenciado no solo por la Gran Depresión sino también por los realistas sociales de México como David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera . El clima político después de la Segunda Guerra Mundial no toleró por mucho tiempo las protestas sociales de esos pintores. El expresionismo abstracto surgió durante la Segunda Guerra Mundial y comenzó a exhibirse a principios de la década de 1940 en galerías de Nueva York como The Art of This Century Gallery . A finales de la década de 1940 y mediados de la de 1950 se inició la era McCarthy . Fue después de la Segunda Guerra Mundial y una época de conservadurismo político y censura artística extrema en los Estados Unidos. Algunas personas han conjeturado que, dado que el tema era a menudo totalmente abstracto, el expresionismo abstracto se convirtió en una estrategia segura para que los artistas adoptaran este estilo. El arte abstracto podía considerarse apolítico. O si el arte era político, el mensaje estaba principalmente dirigido a los iniciados. Sin embargo, esos teóricos son una minoría. Como primera escuela de pintura verdaderamente original en Estados Unidos, el expresionismo abstracto demostró la vitalidad y la creatividad del país en los años de posguerra, así como su capacidad (o necesidad) de desarrollar un sentido estético que no estuviera limitado por los estándares europeos de belleza.
Aunque el expresionismo abstracto se extendió rápidamente por todo Estados Unidos, los principales centros de este estilo fueron la ciudad de Nueva York y California, especialmente en la Escuela de Nueva York , y el área de la Bahía de San Francisco. Las pinturas del expresionismo abstracto comparten ciertas características, incluido el uso de lienzos grandes, un enfoque "integral" , en el que todo el lienzo se trata con la misma importancia (en lugar de que el centro sea de mayor interés que los bordes). El lienzo como escenario se convirtió en un credo de la pintura de acción , mientras que la integridad del plano de la imagen se convirtió en un credo de los pintores de campos de color. Muchos otros artistas comenzaron a exhibir sus pinturas relacionadas con el expresionismo abstracto durante la década de 1950, incluidos Alfred Leslie , Sam Francis , Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Cy Twombly , Milton Resnick , Michael Goldberg , Norman Bluhm , Ray Parker , Nicolas Carone , Grace Hartigan , Friedel Dzubas y Robert Goodnough , entre otros.
Durante la década de 1950, la pintura Color Field inicialmente se refería a un tipo particular de expresionismo abstracto , especialmente el trabajo de Mark Rothko , Clyfford Still , Barnett Newman , Robert Motherwell y Adolph Gottlieb . Básicamente implicaba pinturas abstractas con grandes extensiones planas de color que expresaban los sentimientos y propiedades sensuales y visuales de grandes áreas de superficie matizada. El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura Color Field como relacionada con la pintura de acción, pero diferente de ella. La extensión general y la gestalt de la obra de los primeros pintores de campos de color hablan de una experiencia casi religiosa, asombrada ante un universo en expansión de sensualidad, color y superficie. Durante la primera mitad de la década de 1960, la pintura Color Field pasó a referirse a los estilos de artistas como Jules Olitski , Kenneth Noland y Helen Frankenthaler , cuyas obras estaban relacionadas con el expresionismo abstracto de segunda generación, y a artistas más jóvenes como Larry Zox y Frank Stella , todos moviéndose en una nueva dirección. Artistas como Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox y otros solían utilizar referencias muy reducidas a la naturaleza y pintaban con un uso del color muy articulado y psicológico. En general, estos artistas eliminaron las imágenes reconocibles. En Montañas y mar , de 1952, una obra seminal de la pintura Colorfield de Helen Frankenthaler, la artista utilizó la técnica de la mancha por primera vez.
En Europa se dieron continuidades al surrealismo, al cubismo, al dadaísmo y a las obras de Matisse . También en Europa, el tachismo (el equivalente europeo del expresionismo abstracto) y el informalismo se apoderaron de la generación más nueva. Serge Poliakoff , Nicolas de Staël , Georges Mathieu , Vieira da Silva , Jean Dubuffet , Yves Klein y Pierre Soulages, entre otros, son considerados figuras importantes de la pintura europea de posguerra.
Con el tiempo, la pintura abstracta en Estados Unidos evolucionó hacia movimientos como el neodadaísmo , la pintura de campos de color, la abstracción post pictórica , el arte óptico , la pintura de bordes duros , el arte minimalista , la pintura sobre lienzo con formas , la abstracción lírica , el neoexpresionismo y la continuación del expresionismo abstracto. Como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, surgieron imágenes a través de varios movimientos nuevos, en particular el arte pop .
Durante la década de 1930 a la de 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como el expresionismo abstracto , la pintura de campos de color, la abstracción post pictórica , el arte óptico , la pintura de bordes duros , el arte minimalista , la pintura sobre lienzo con formas y la abstracción lírica . Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, permitiendo que las imágenes continuaran a través de varios contextos nuevos, como el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía en la década de 1950 y nuevas formas de expresionismo desde la década de 1940 hasta la de 1960. En Italia durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el principal pintor de naturalezas muertas, explorando una amplia variedad de enfoques para representar botellas y utensilios de cocina cotidianos. [31] A lo largo del siglo XX, muchos pintores practicaron el realismo y utilizaron imágenes expresivas; practicando la pintura paisajística y figurativa con temas contemporáneos y una técnica sólida, y una expresividad única como Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Andrew Wyeth , Balthus , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Leon Kossoff , Philip Pearlstein , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Grace Hartigan , Robert De Niro, Sr. , Elaine de Kooning y otros. Junto con Henri Matisse , Pablo Picasso , Pierre Bonnard , Georges Braque y otros maestros del siglo XX. La obra figurativa de Francis Bacon , Frida Kahlo , Edward Hopper , Lucian Freud, Andrew Wyeth y otros sirvió como una especie de alternativa al expresionismo abstracto. Una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX es la pintura de Wyeth, Christina's World , actualmente en la colección del Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Representa a una mujer tendida en el suelo en un campo sin árboles, mayormente rojizo, mirando hacia arriba y arrastrándose hacia una casa gris en el horizonte; un granero y varias otras pequeñas dependencias están adyacentes a la casa. Esta obra al temple , realizada en un estilo realista , casi siempre se exhibe en elMuseo de Arte Moderno de Nueva York. [32]
El retrato que Arshile Gorky hizo de su posible amigo Willem de Kooning (izquierda) es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto a partir del contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo . Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham, Gorky creó composiciones figurativas abstractas y con formas biomórficas que, en la década de 1940, evolucionaron hasta convertirse en pinturas totalmente abstractas. La obra de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.
Estudio según el Retrato del Papa Inocencio X de Velázquez , 1953 es una pintura del artista nacido en Irlanda Francis Bacon y es un ejemplo del expresionismo europeo posterior a la Segunda Guerra Mundial . La obra muestra una versión distorsionada del Retrato de Inocencio X pintado por el artista español Diego Velázquez en 1650. La obra es una de una serie de variantes de la pintura de Velázquez que Bacon ejecutó a lo largo de la década de 1950 y principios de la de 1960, en un total de cuarenta y cinco obras. [33] Cuando se le preguntó por qué se vio obligado a volver a tratar el tema con tanta frecuencia, Bacon respondió que no tenía nada en contra de los Papas, que simplemente "quería una excusa para usar estos colores, y no se puede dar a la ropa común ese color púrpura sin caer en una especie de falso estilo fauve ". [34] El Papa en esta versión hierve de ira y agresión, y los colores oscuros le dan a la imagen una apariencia grotesca y de pesadilla. [35] Las cortinas plisadas del fondo se vuelven transparentes y parecen caer a través del rostro del Papa. [36]
Después de la Segunda Guerra Mundial, el término Escuela de París a menudo se refería al tachismo , el equivalente europeo del expresionismo abstracto estadounidense y esos artistas también están relacionados con Cobra . En 1952, Michel Tapié escribió el libro Un Autre art que dio nombre y voz al informalismo . Los defensores importantes fueron Jean Dubuffet , Pierre Soulages , Nicolas de Staël , Hans Hartung , Serge Poliakoff y Georges Mathieu , entre varios otros. A principios de la década de 1950 , Dubuffet (que siempre fue un artista figurativo) y de Staël abandonaron la abstracción y regresaron a la imaginería a través de la figuración y el paisaje. El trabajo de De Staël fue rápidamente reconocido dentro del mundo del arte de posguerra y se convirtió en uno de los artistas más influyentes de la década de 1950. Su regreso a la representación (paisajes marinos, futbolistas, músicos de jazz, gaviotas) a principios de la década de 1950 puede verse como un precedente influyente para el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía estadounidense , ya que muchos de esos pintores abstractos como Richard Diebenkorn , David Park , Elmer Bischoff , Wayne Thiebaud , Nathan Oliveira , Joan Brown y otros hicieron un movimiento similar; volviendo a la imaginería a mediados de la década de 1950. Gran parte del trabajo tardío de de Staël, en particular sus paisajes abstractos al óleo sobre lienzo diluidos y diluidos de mediados de la década de 1950, predicen la pintura de campos de color y la abstracción lírica de las décadas de 1960 y 1970. El color audaz e intensamente vívido de Nicolas de Staël en sus últimas pinturas predice la dirección de gran parte de la pintura contemporánea que vino después de él, incluido el arte pop de la década de 1960.
El arte pop en Estados Unidos se inspiró en gran medida en las obras de Jasper Johns , Larry Rivers y Robert Rauschenberg . Aunque las pinturas de Gerald Murphy , Stuart Davis y Charles Demuth durante las décadas de 1920 y 1930 sentaron las bases para el arte pop en Estados Unidos. En la ciudad de Nueva York, a mediados de la década de 1950, Robert Rauschenberg y Jasper Johns crearon obras de arte que al principio parecían ser continuaciones de la pintura expresionista abstracta . En realidad, sus obras y la obra de Larry Rivers fueron desviaciones radicales del expresionismo abstracto, especialmente en el uso de imágenes banales y literales y la inclusión y combinación de materiales mundanos en su trabajo. Las innovaciones del uso específico de Johns de varias imágenes y objetos como sillas, números, objetivos, latas de cerveza y la bandera estadounidense ; Las pinturas de Rivers sobre temas extraídos de la cultura popular, como George Washington cruzando el río Delaware , y sus inclusiones de imágenes de anuncios como el camello de los cigarrillos Camel , y las sorprendentes construcciones de Rauschenberg utilizando inclusiones de objetos e imágenes extraídos de la cultura popular, ferreterías, depósitos de chatarra, las calles de la ciudad y la taxidermia dieron lugar a un nuevo movimiento radical en el arte estadounidense . Finalmente, en 1963, el movimiento llegó a ser conocido en todo el mundo como arte pop.
El arte pop está ejemplificado por artistas como Andy Warhol , Claes Oldenburg , Wayne Thiebaud , James Rosenquist , Jim Dine , Tom Wesselmann y Roy Lichtenstein, entre otros. Lichtenstein utilizó óleo y pintura Magna en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que fue apropiada de la historia principal de Secret Hearts #83 de DC Comics . ( Drowning Girl ahora está en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York . [37] ) También presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day para representar ciertos colores, como si fueran creados por reproducción fotográfica. Lichtenstein diría de su propio trabajo: Los expresionistas abstractos "pusieron cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo parece completamente diferente, pero la naturaleza de poner líneas es prácticamente la misma; las mías simplemente no parecen caligráficas, como las de Pollock o Kline". [38] El arte pop fusiona la cultura popular y de masas con las bellas artes, a la vez que inyecta humor, ironía e imágenes y contenidos reconocibles a la mezcla. En octubre de 1962, la galería Sidney Janis montó The New Realists, la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte del centro de la ciudad de Nueva York. Sidney Janis montó la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería en 15 E. 57th Street. La muestra causó conmoción en la Escuela de Nueva York y repercutió en todo el mundo. A principios del otoño de 1962, una exposición históricamente importante e innovadora de arte pop, New Painting of Common Objects , comisariada por Walter Hopps en el Museo de Arte de Pasadena, causó conmoción en todo el oeste de los Estados Unidos. Campbell's Soup Cans (a veces denominada 32 Campbell's Soup Cans ) es el título de una obra de arte de Andy Warhol que se produjo en 1962. Consta de treinta y dos lienzos, cada uno de 20 pulgadas de alto x 16 pulgadas de ancho (50,8 x 40,6 cm) y cada uno consiste en una pintura de una lata de sopa Campbell's , una de cada variedad de sopa enlatada que la compañía ofrecía en ese momento. Las pinturas individuales se produjeron con un proceso de serigrafía semimecanizado , utilizando un estilo no pictórico . Ayudaron a marcar el comienzo del arte pop como un movimiento artístico importante que se basó en temas de Cultura popular . Estas obras de Andy Warhol son repetitivas y están realizadas de una manera no pictórica y comercial.
Anteriormente, en Inglaterra, en 1956, Lawrence Alloway utilizó el término Pop Art para las pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico, en favor del arte que representaba, y a menudo celebraba, la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. [39] Las primeras obras de David Hockney , cuyas pinturas surgieron en Inglaterra durante la década de 1960, como A Bigger Splash , y las obras de Richard Hamilton , Peter Blake y Eduardo Paolozzi , se consideran ejemplos seminales del movimiento.
Mientras que en la escena del centro de la ciudad en las galerías de la calle 10 del East Village de Nueva York , los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su escaparate, y la Green Gallery en la calle 57 comenzó a mostrar a Tom Wesselmann y James Rosenquist . Más tarde, Leo Castelli expuso a otros artistas estadounidenses, incluida la mayor parte de las carreras de Andy Warhol y Roy Lichtenstein y su uso de puntos Benday, una técnica utilizada en la reproducción comercial y que se ve en los cómics ordinarios y en pinturas como Drowning Girl , 1963, en la galería de arriba. Existe una conexión entre las obras radicales de Duchamp y Man Ray , los dadaístas rebeldes, con sentido del humor; y artistas pop como Alex Katz (que se hizo conocido por sus parodias de la fotografía de retratos y la vida suburbana), Claes Oldenburg , Andy Warhol , Roy Lichtenstein y los demás.
Durante las décadas de 1950 y 1960, la pintura abstracta en América y Europa evolucionó hacia movimientos como la pintura Color Field , la abstracción postpictórica , el arte óptico , la pintura de bordes duros , el arte minimalista , la pintura sobre lienzo con formas , la abstracción lírica y la continuación del expresionismo abstracto . Otros artistas reaccionaron como respuesta a la tendencia hacia la abstracción con el Art brut , [40] como se ve en Court les rues, 1962, de Jean Dubuffet , Fluxus , Neo-Dada , Nuevo Realismo , permitiendo que las imágenes resurgieran a través de varios contextos nuevos como el arte pop , el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía (un excelente ejemplo es Cityscape I de Diebenkorn, (Paisaje No. 1), 1963, óleo sobre lienzo, 60 1/4 x 50 1/2 pulgadas, colección: Museo de Arte Moderno de San Francisco ), y más tarde en la década de 1970 , el neoexpresionismo . El Movimiento Figurativo del Área de la Bahía, del que David Park , Elmer Bischoff , Nathan Oliveira y Richard Diebenkorn, cuyo cuadro Cityscape 1, 1963 es un ejemplo típico, fueron miembros influyentes, floreció durante los años 1950 y 1960 en California . Aunque a lo largo del siglo XX los pintores continuaron practicando el realismo y el uso de imágenes, practicando la pintura de paisajes y figuración con temas contemporáneos y una técnica sólida, y una expresividad única como Milton Avery , Edward Hopper , Jean Dubuffet , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Philip Pearlstein y otros. Los pintores más jóvenes practicaron el uso de imágenes de formas nuevas y radicales. Yves Klein , Martial Raysse , Niki de Saint Phalle , David Hockney , Alex Katz , Antoni Tàpies , Malcolm Morley , Ralph Goings , Audrey Flack , Richard Estes , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl , John Baeder y Vija CelminsFueron algunos los que se hicieron destacados entre los años 1960 y 1980. Fairfield Porter fue en gran medida autodidacta y produjo obras figurativas en medio del movimiento expresionista abstracto . Sus temas eran principalmente paisajes, interiores domésticos y retratos de familiares, amigos y compañeros artistas, muchos de ellos afiliados a la Escuela de escritores de Nueva York, incluidos John Ashbery , Frank O'Hara y James Schuyler . Muchas de sus pinturas estaban ambientadas en la casa de verano familiar en Great Spruce Head Island, Maine , o en sus alrededores .
El neodadaísmo es un movimiento que comenzó en los años 1950 y 1960 y que se relacionaba con el expresionismo abstracto solo con imágenes. Presentaba la aparición de artículos manufacturados combinados, con materiales de artista, alejándose de las convenciones anteriores de la pintura. Esta tendencia en el arte está ejemplificada por el trabajo de Jasper Johns y Robert Rauschenberg , cuyos "combines" en la década de 1950 fueron precursores del arte pop y el arte de instalación , e hicieron uso del ensamblaje de grandes objetos físicos, incluidos animales disecados, pájaros y fotografías comerciales. Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine y Edward Kienholz , entre otros, fueron pioneros importantes tanto de la abstracción como del arte pop; crearon nuevas convenciones de creación artística; hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical de materiales improbables como partes de sus obras de arte.
Durante las décadas de 1960 y 1970, la pintura abstracta continuó desarrollándose en Estados Unidos a través de diversos estilos. La abstracción geométrica , el arte óptico, la pintura de bordes duros , la pintura Color Field y la pintura minimalista fueron algunas direcciones interrelacionadas para la pintura abstracta avanzada, así como algunos otros movimientos nuevos. Morris Louis fue un pionero importante en la pintura Colorfield avanzada ; su trabajo puede servir como puente entre el expresionismo abstracto , la pintura Colorfield y el arte minimalista . Dos maestros influyentes, Josef Albers y Hans Hofmann, introdujeron a una nueva generación de artistas estadounidenses a sus teorías avanzadas del color y el espacio. Josef Albers es mejor recordado por su trabajo como pintor y teórico abstraccionista geométrico . Los más famosos son los cientos de pinturas y grabados que componen la serie Homenaje al cuadrado . En esta rigurosa serie, iniciada en 1949, Albers exploró las interacciones cromáticas con cuadrados de colores planos dispuestos concéntricamente en el lienzo. Las teorías de Albers sobre el arte y la educación fueron formativas para la siguiente generación de artistas. Sus propias pinturas forman la base tanto de la pintura de bordes duros como del arte óptico.
Josef Albers , Hans Hofmann , Ilya Bolotowsky , Burgoyne Diller , Victor Vasarely , Bridget Riley , Richard Anuszkiewicz , Frank Stella , Morris Louis , Kenneth Noland , [41] Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Larry Poons , Ronald Davis , John Hoyland , Larry Zox y Al Held son artistas estrechamente asociados con la abstracción geométrica , el arte óptico, la pintura de campos de color y, en el caso de Hofmann y Newman, también el expresionismo abstracto. Agnes Martin , Robert Mangold , Brice Marden , Jo Baer , Robert Ryman , Richard Tuttle , Neil Williams, David Novros y Paul Mogenson son ejemplos de artistas asociados con el minimalismo y (con excepción de Martin, Baer y Marden) el uso del lienzo con formas también durante el período que comienza a principios de los años 1960. Muchos artistas abstractos geométricos , minimalistas y pintores de bordes duros optaron por utilizar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso del lienzo con formas se asocia principalmente con pinturas de las décadas de 1960 y 1970 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, de bordes marcadamente afilados o de carácter minimalista . La galería Bykert y la galería Park Place fueron importantes escaparates del minimalismo y la pintura sobre lienzo con formas en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960.
En 1965, se realizó una exposición llamada The Responsive Eye , comisariada por William C. Seitz, en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York. Las obras mostradas fueron muy variadas, abarcando el minimalismo de Frank Stella , el arte óptico de Larry Poons, el trabajo de Alexander Liberman , junto con los maestros del movimiento Op Art: Victor Vasarely , Richard Anuszkiewicz , Bridget Riley y otros. La exposición se centró en los aspectos perceptivos del arte, que resultan tanto de la ilusión de movimiento como de la interacción de las relaciones de color. El arte óptico, también conocido como arte óptico, es un estilo presente en algunas pinturas y otras obras de arte que utilizan ilusiones ópticas . El arte óptico también está estrechamente relacionado con la abstracción geométrica y la pintura de bordes duros . Aunque a veces el término que se utiliza para ello es abstracción perceptiva. El arte óptico es un método de pintura que se refiere a la interacción entre la ilusión y el plano del cuadro, entre la comprensión y la visión. [42] Las obras de arte óptico son abstractas y muchas de las más conocidas están realizadas únicamente en blanco y negro. Cuando el espectador las mira, da la impresión de movimiento, imágenes ocultas, destellos y vibraciones, patrones o, alternativamente, de hinchazón o deformación.
La pintura de campos de color claramente apuntaba hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, que se alejaba del expresionismo abstracto . La pintura de campos de color está relacionada con la abstracción pospictórica , el suprematismo , el expresionismo abstracto, la pintura de bordes duros y la abstracción lírica .
La pintura de campos de color buscó librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox y otros a menudo usaban referencias muy reducidas a la naturaleza, y pintaban con un uso muy articulado y psicológico del color. En general, estos artistas eliminaron las imágenes reconocibles. Ciertos artistas hicieron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. Al seguir esta dirección del arte moderno , los artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica. Gene Davis, junto con Kenneth Noland , Morris Louis y varios otros, fue miembro de los pintores de la Escuela de Color de Washington que comenzaron a crear pinturas de Campos de Color en Washington, DC durante los años 1950 y 1960. Black, Grey, Beat es una gran pintura de rayas verticales y típica del trabajo de Gene Davis.
Frank Stella , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman , Ronald Davis , Neil Williams , Robert Mangold , Charles Hinman , Richard Tuttle , David Novros y Al Loving son ejemplos de artistas asociados con el uso del lienzo con formas durante el período que comienza a principios de la década de 1960. Muchos artistas abstractos geométricos , minimalistas y pintores de bordes duros eligieron usar los bordes de la imagen para definir la forma de la pintura en lugar de aceptar el formato rectangular. De hecho, el uso del lienzo con formas se asocia principalmente con pinturas de las décadas de 1960 y 1970 que son fríamente abstractas, formalistas, geométricas, objetivas, racionalistas, de líneas limpias, de bordes descaradamente afilados o minimalistas en carácter. A partir de 1960, Frank Stella produjo pinturas en pintura de aluminio y cobre y son sus primeras obras en las que utiliza lienzos con formas (lienzos en una forma distinta al rectángulo o cuadrado tradicionales), a menudo en forma de L, N, U o T. Estos luego evolucionaron hacia diseños más elaborados, en la serie de Polígonos Irregulares (67), por ejemplo. También en la década de 1960, Stella comenzó a utilizar una gama más amplia de colores, típicamente dispuestos en líneas rectas o curvas. Más tarde comenzó su Serie de Transportadores (71) de pinturas, en la que los arcos , a veces superpuestos, dentro de bordes cuadrados se disponen uno al lado del otro para producir círculos completos y medios círculos pintados en anillos de color concéntrico. Harran II, 1967, es un ejemplo de la Serie de Transportadores . Estas pinturas llevan el nombre de ciudades circulares que había visitado mientras estaba en Oriente Medio a principios de la década de 1960. Los lienzos de Polígonos Irregulares y la serie de Transportadores ampliaron aún más el concepto de lienzo con formas .
La galería Andre Emmerich, la galería Leo Castelli , la galería Richard Feigen y la galería Park Place fueron importantes escaparates de la pintura Color Field, la pintura sobre lienzo con formas y la abstracción lírica en la ciudad de Nueva York durante la década de 1960. Existe una conexión con la abstracción pospictórica , que reaccionó contra el misticismo del expresionismo abstracto, la hipersubjetividad y el énfasis en hacer dramáticamente visible el acto de pintar en sí mismo, así como la aceptación solemne del rectángulo plano como un prerrequisito casi ritual para la pintura seria. Durante la década de 1960, la pintura Color Field y el arte minimalista a menudo se asociaron estrechamente entre sí. En realidad, a principios de la década de 1970, ambos movimientos se volvieron decididamente diversos.
Otro movimiento relacionado de finales de los años 1960, la Abstracción Lírica (término acuñado por Larry Aldrich , el fundador del Museo de Arte Contemporáneo Aldrich , Ridgefield, Connecticut), abarcó lo que Aldrich dijo haber visto en los estudios de muchos artistas en ese momento. [43] También es el nombre de una exposición que se originó en el Museo Aldrich y viajó al Museo Whitney de Arte Estadounidense y otros museos de los Estados Unidos entre 1969 y 1971. [44]
La abstracción lírica de finales de los años 1960 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen , [45] Ronnie Landfield , Peter Young y otros, y junto con el movimiento Fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) [46] buscó expandir los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, los nuevos materiales y las nuevas formas de expresión. El posminimalismo que a menudo incorpora materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, instalación, repetición en serie y, a menudo, con referencias al dadaísmo y al surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse . [46] La abstracción lírica, el arte conceptual , el posminimalismo , el arte de la tierra , el video , el arte de performance , el arte de instalación , junto con la continuación de Fluxus , el expresionismo abstracto, la pintura de campos de color, la pintura de bordes duros , el arte minimalista , el arte óptico, el arte pop, el fotorrealismo y el nuevo realismo extendieron los límites del arte contemporáneo desde mediados de la década de 1960 hasta la de 1970. [47] La abstracción lírica es un tipo de pintura abstracta de libre movimiento que surgió a mediados de la década de 1960 cuando los pintores abstractos regresaron a varias formas de expresionismo pictórico, con un enfoque predominante en el proceso, la gestalt y las estrategias compositivas repetitivas en general. [48] [44]
La abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campos de color y el expresionismo abstracto, especialmente en el uso libre de la pintura, la textura y la superficie. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura aplicada con pincel, salpicada, teñida, escurrida, vertida y salpicada se parecen superficialmente a los efectos que se ven en el expresionismo abstracto y la pintura de campos de color. Sin embargo, los estilos son marcadamente diferentes. Lo que la distingue del expresionismo abstracto y la pintura de acción de los años 1940 y 1950 es el enfoque de la composición y el drama. Como se ve en la pintura de acción, hay un énfasis en las pinceladas, un gran drama compositivo y una tensión compositiva dinámica. Mientras que en la abstracción lírica , como lo ejemplifica la pintura de Ronnie Landfield de 1971, Garden of Delight (arriba), hay una sensación de aleatoriedad compositiva, una composición general, un drama compositivo discreto y relajado y un énfasis en el proceso, la repetición y una sensibilidad general. Durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan poderosos e influyentes como Robert Motherwell , Adolph Gottlieb , Philip Guston , Lee Krasner , Cy Twombly , Robert Rauschenberg , Jasper Johns , Richard Diebenkorn , Josef Albers , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Al Held , Sam Francis , Ellsworth Kelly , Morris Louis , Helen Frankenthaler , Gene Davis , Frank Stella , Kenneth Noland , Joan Mitchell , Friedel Dzubas y artistas más jóvenes como Brice Marden , Robert Mangold , Sam Gilliam , John Hoyland , Sean Scully , Blinky Palermo , Pat Steir , Elizabeth Murray , Larry Poons , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronnie Landfield , Ronald Davis , Dan Christensen , Joan Snyder , Richard Tuttle , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile , Mino Argento y docenas de otros produjeron pinturas vitales e influyentes.
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Artistas como Larry Poons —cuyo trabajo se relacionaba con el Op Art con su énfasis en puntos, óvalos e imágenes residuales que rebotaban a través de campos de color— Ellsworth Kelly , Kenneth Noland , Ralph Humphrey, Robert Motherwell y Robert Ryman también habían comenzado a explorar rayas, monocromías y formatos de borde duro desde finales de la década de 1950 hasta la de 1960. [49]
Debido a la tendencia del minimalismo a excluir lo pictórico, lo ilusionista y lo ficticio en favor de lo literal (como demostró Robert Mangold , que comprendió el concepto de la forma del lienzo y su relación con la objetualidad ), se produjo un movimiento que se alejaba de las preocupaciones pictóricas y se dirigía hacia las escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor y había terminado como creador de objetos. Su ensayo seminal, "Objetos específicos" (publicado en Arts Yearbook 8, 1965), fue una piedra de toque teórica para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense y un rechazo simultáneo de los valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló la evidencia de este desarrollo en las obras de una serie de artistas activos en Nueva York en ese momento, incluidos Jasper Johns, Dan Flavin y Lee Bontecou. De importancia "preliminar" para Judd fue la obra de George Earl Ortman , [50] que había concretado y destilado las formas de la pintura en geometrías contundentes, duras y filosóficamente cargadas. Estos objetos específicos habitaban un espacio que entonces no se podía clasificar cómodamente ni como pintura ni como escultura. El hecho de que la identidad categórica de tales objetos estuviera en cuestión y que evitaran la fácil asociación con convenciones trilladas y demasiado familiares era parte de su valor para Judd.
En un sentido mucho más general, se pueden encontrar raíces europeas del minimalismo en los pintores de abstracciones geométricas de la Bauhaus , en las obras de Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento De Stijl, en los constructivistas rusos y en la obra del escultor rumano Constantin Brâncuși . Pintores estadounidenses como Brice Marden y Cy Twombly muestran una clara influencia europea en su pintura puramente abstracta y minimalista de la década de 1960. Las obras de poliuretano de Ronald Davis de finales de la década de 1960 rinden homenaje a Los cristales rotos de Marcel Duchamp .
Este movimiento fue duramente criticado por los críticos de arte y los historiadores del alto formalismo modernista. Algunos críticos ansiosos pensaron que el arte minimalista representaba un malentendido de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura según la definió el crítico Clement Greenberg , posiblemente el crítico estadounidense dominante de pintura en el período previo a la década de 1960. La crítica más notable del minimalismo fue producida por Michael Fried , un crítico greenbergiano, que se opuso a la obra sobre la base de su "teatralidad". En Art and Objecthood (publicado en Artforum en junio de 1967) declaró que la obra de arte minimalista, particularmente la escultura minimalista, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Argumentó que obras como las de Robert Morris transformaban el acto de ver en un tipo de espectáculo , en el que se revelaba el artificio del acto de observación y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador de un compromiso estético dentro a un evento fuera de la obra de arte como un fracaso del arte minimalista.
Ad Reinhardt , un artista de la generación del expresionismo abstracto , pero cuyos cuadros reduccionistas en negro parecían anticipar el minimalismo, dijo lo siguiente sobre el valor de un enfoque reduccionista del arte: "Cuanto más material hay en una obra de arte, cuanto más recargada está, peor es. Más es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para la visión clara. Desnudarse a uno mismo es obsceno. El arte comienza con la eliminación de la naturaleza".
Otras innovaciones importantes en la pintura abstracta tuvieron lugar durante los años 1960 y 1970, caracterizadas por la pintura monocroma y la pintura de bordes duros inspirada en Ad Reinhardt, Barnett Newman , Milton Resnick y Ellsworth Kelly . Artistas tan diversos como Agnes Martin, Al Held, Larry Zox , Frank Stella , Larry Poons , Brice Marden y otros exploraron el poder de la simplificación. La convergencia de la pintura de campos de color , el arte minimalista , la pintura de bordes duros, la abstracción lírica y el posminimalismo desdibujó la distinción entre los movimientos que se hicieron más evidentes en los años 1980 y 1990. El movimiento neoexpresionista está relacionado con desarrollos anteriores en el expresionismo abstracto , el neo-Dada , la abstracción lírica y la pintura posminimalista.
A finales de los años 1960, el pintor expresionista abstracto Philip Guston contribuyó a liderar una transición del expresionismo abstracto al neoexpresionismo en la pintura, abandonando la llamada "abstracción pura" del expresionismo abstracto en favor de representaciones más caricaturescas de diversos símbolos y objetos personales. Estas obras sirvieron de inspiración a una nueva generación de pintores interesados en un renacimiento de la imaginería expresiva. Su cuadro Painting , Smoking, Eating (Pintura, fumando, comiendo ) (1973), que se ve arriba en la galería, es un ejemplo del retorno final y concluyente de Guston a la representación. [51]
A finales de los años 1970 y principios de los 1980, también hubo un retorno a la pintura que se produjo casi simultáneamente en Italia, Alemania, Francia y Gran Bretaña . Estos movimientos se llamaron Transavantguardia , Neue Wilde , Figuración Libre , [52] Neoexpresionismo , la escuela de Londres y, a finales de los 1990, los Stuckistas , un grupo que surgió a finales de los 1990 respectivamente. Estas pinturas se caracterizaron por grandes formatos, marcas expresivas libres, figuración, mito e imaginación. Todo el trabajo de este género llegó a ser etiquetado como neoexpresionismo . La reacción crítica estuvo dividida. Algunos críticos lo consideraron impulsado por motivaciones de lucro de las grandes galerías comerciales. Este tipo de arte continúa en popularidad en el siglo XXI, incluso después del colapso del arte de finales de los 1980.
A finales de la década de 1970, en Estados Unidos, los pintores que comenzaron a trabajar con superficies revitalizadas y que regresaron a la imaginería como Susan Rothenberg ganaron popularidad, especialmente como se ve arriba en pinturas como Horse 2, 1979. [53] Durante la década de 1980, artistas estadounidenses como Eric Fischl , David Salle , Jean-Michel Basquiat (que comenzó como artista de graffitis ), Julian Schnabel y Keith Haring , y pintores italianos como Mimmo Paladino , Sandro Chia y Enzo Cucchi , entre otros, definieron la idea del neoexpresionismo en Estados Unidos. [54]
El neoexpresionismo fue un estilo de pintura moderna que se hizo popular a finales de la década de 1970 y dominó el mercado del arte hasta mediados de la década de 1980. Se desarrolló en Europa como una reacción contra el arte conceptual y minimalista de las décadas de 1960 y 1970. Los neoexpresionistas volvieron a retratar objetos reconocibles, como el cuerpo humano (aunque a veces de una manera virtualmente abstracta), de una manera áspera y violentamente emocional utilizando colores vivos y armonías de color banales. Los veteranos pintores Philip Guston , Frank Auerbach , Leon Kossoff , Gerhard Richter , AR Penck y Georg Baselitz , junto con artistas ligeramente más jóvenes como Anselm Kiefer , Eric Fischl , Susan Rothenberg , Francesco Clemente , Damien Hirst , Jean-Michel Basquiat , Julian Schnabel , Keith Haring y muchos otros se hicieron conocidos por trabajar en esta intensa vena expresionista de la pintura.
A principios del siglo XXI la pintura contemporánea y el arte contemporáneo en general continúan en varias modalidades contiguas, caracterizadas por la idea del pluralismo . [55] [56]
La pintura convencional ha sido rechazada por los artistas de la era posmoderna en favor del pluralismo artístico . [57] Según el crítico de arte Arthur Danto , prevalece una actitud de todo vale ; un síndrome de "todo pasa" y, en consecuencia, "no pasa nada"; esto crea un atasco estético sin una dirección firme y clara y con todos los carriles de la superautopista artística llenos a su capacidad. [58] [59]
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