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El cine musical es un género cinematográfico en el que las canciones de los personajes se entrelazan en la narrativa, en ocasiones acompañadas de bailes. Las canciones suelen avanzar en la trama o desarrollar los personajes de la película, pero en algunos casos sirven simplemente como pausas en la trama, a menudo como "números de producción" elaborados.
El cine musical fue un desarrollo natural del musical escénico tras la aparición de la tecnología del cine sonoro. Por lo general, la mayor diferencia entre el cine y los musicales escénicos es el uso de lujosos escenarios de fondo y ubicaciones que no serían prácticos en un teatro. Las películas musicales contienen característicamente elementos que recuerdan al teatro; Los artistas a menudo tratan sus números de canciones y bailes como si estuvieran mirando una audiencia en vivo. En cierto sentido, el espectador se convierte en audiencia diegética , ya que el intérprete mira directamente a la cámara y actúa ante ella.
Con la llegada del sonido a finales de la década de 1920, los musicales ganaron popularidad entre el público y están ejemplificados por las películas de Busby Berkeley , un coreógrafo conocido por sus distintivas y elaboradas piezas en las que participan múltiples coristas. Estos fastuosos números de producción se caracterizan por su trabajo coreográfico en 42nd Street , Gold Diggers of 1933 , Footlight Parade (todos de 1933). Durante la década de 1930, las películas musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers se convirtieron en elementos culturales masivos a los ojos del público estadounidense. Estas películas incluyeron Top Hat (1935), Follow the Fleet , Swing Time (ambas de 1936) y Shall We Dance (1937). El mago de Oz (1939) de Victor Fleming se convertiría en un hito del cine musical ya que experimentaba con nuevas tecnologías como el Technicolor .
Durante las décadas de 1940 y 1950, se estrenaban regularmente películas musicales de los musicales de MGM . Estos trabajos incluyeron: Meet Me in St. Louis (1944), Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Singin' in the Rain (1952), The Band Wagon (1953). , Alta sociedad (1956) y Gigi (1958). Durante este tiempo, las películas fuera de la unidad Arthur Freed en MGM incluyeron Holiday Inn (1942), White Christmas (1954) y Funny Face (1957), así como Oklahoma. (1955), El rey y yo (1956), Carrusel y Pacífico Sur (1958). Estas películas de la época generalmente dependían del poder estelar de estrellas de cine como Fred Astaire , Gene Kelly , Bing Crosby , Frank Sinatra , Judy Garland , Ann Miller , Kathryn Grayson y Howard Keel . También confiaron en directores de cine como Stanley Donen y Vincente Minnelli , así como en los compositores Comden y Green , Rodgers y Hammerstein , Irving Berlin , Cole Porter y los hermanos Gershwin .
Durante la década de 1960, las películas basadas en musicales teatrales continuaron siendo éxitos de crítica y taquilla. Estas películas incluyeron West Side Story (1961), Gypsy (1962), The Music Man (1962), Bye Bye Birdie (1963), My Fair Lady , Mary Poppins (ambas de 1964), The Sound of Music (1965), A. Algo curioso sucedió de camino al foro , Cómo tener éxito en los negocios sin intentarlo realmente , Millie completamente moderna (todo 1967), ¡Oliver! y Funny Girl (ambos de 1968). En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la cambiante demografía de los cinéfilos pusieron mayor énfasis en el realismo crudo, mientras que el entretenimiento puro y la teatralidad de los musicales de Hollywood de la era clásica se consideraban anticuados. A pesar de ello, Willy Wonka y la fábrica de chocolate (1971), El violinista en el tejado (1971), Cabaret (1972), 1776 (1972), Bedknobs and Broomsticks de Disney (1971) y Pete's Dragon (1977), así como Grease y The Wiz (ambos de 1978), fueron musicales más tradicionales estrechamente adaptados de espectáculos teatrales y obtuvieron un gran éxito entre la crítica y el público. A lo largo de las décadas de 1980 y 1990, los musicales tendían a provenir principalmente de las películas animadas de Disney de la época, de los compositores y letristas Howard Ashman , Alan Menken y Stephen Schwartz . El renacimiento de Disney comenzó con La Sirenita de 1989 , seguida por La Bella y la Bestia (1991), Aladdin (1992), El Rey León (1994), Pocahontas (1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997). ) y Mulán (1998).
Desde el siglo XXI, el género musical se rejuveneció con musicales más oscuros, películas biográficas musicales, remakes musicales, musicales de drama épico y musicales de comedia dramática como Moulin Rouge. (2001), Chicago (2002), El fantasma de la ópera (2004), Rent (2005), Dreamgirls , Idlewild (ambas de 2006), Across the Universe , Enchanted , Hairspray , Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street (todas 2007), ¡Madre mía! (2008), Nine (2009), The Muppets (2011), Les Misérables (2012), Into the Woods , Muppets Most Wanted (ambas de 2014), La La Land (2016), La Bella y la Bestia , The Greatest Showman (ambas 2017), ¡Madre mía! ¡Aquí vamos de nuevo! , Ha nacido una estrella , El regreso de Mary Poppins , Bohemian Rhapsody (todos 2018), Aladdin , Rocketman , El rey león (todos 2019), In the Heights , Dear Evan Hansen , Cyrano , Tic, Tic… ¡Boom! , West Side Story (todo 2021), Elvis , Spirited , Disenchanted , Matilda the Musical , Whitney Houston: Quiero bailar con alguien (todo 2022), La Sirenita , Dicks: The Musical , Wonka , The Color Purple (todo 2023) , Mean Girls y Bob Marley: One Love (ambos de 2024).
La década de 1930 hasta principios de la de 1950 se considera la época dorada del cine musical, cuando la popularidad del género estaba en su punto más alto en el mundo occidental . Blancanieves y los siete enanitos de Disney , la primera película animada de Disney, fue un musical que ganó un Oscar honorífico para Walt Disney en la undécima edición de los Premios de la Academia .
Lee de Forest realizó cortometrajes musicales en 1923-1924. A partir de 1926, se hicieron miles de cortos de Vitaphone , muchos de ellos con bandas, vocalistas y bailarines. Los primeros largometrajes con sonido sincronizado tenían sólo una banda sonora de música y efectos de sonido ocasionales que se reproducían mientras los actores interpretaban a sus personajes tal como lo hacían en las películas mudas: sin diálogos audibles. [1] The Jazz Singer , lanzado en 1927 por Warner Brothers , fue el primero en incluir una pista de audio que incluía música no diegética y música diegética, pero solo tenía una breve secuencia de diálogo hablado. Este largometraje también fue un musical, con Al Jolson cantando "Dirty Hands, Dirty Face", "Toot, Toot, Tootsie", " Blue Skies " y " My Mammy ". El historiador Scott Eyman escribió: "Cuando terminó la película y los aplausos crecieron con las luces de la casa, Frances, la esposa de Sam Goldwyn, miró a las celebridades entre la multitud. Vio 'terror en todos sus rostros', dijo, como si supieran que "El juego que habían estado jugando durante años finalmente terminó". [2] Aún así, sólo secuencias aisladas presentaban sonido "en vivo"; la mayor parte de la película tenía sólo una partitura musical sincrónica. [1] En 1928, Warner Brothers siguió esto con otro parcial sonoro de Jolson, The Singing Fool , que fue un éxito de taquilla. [1] Los teatros se apresuraron a instalar el nuevo equipo de sonido y contratar compositores de Broadway para escribir musicales para la pantalla. [3] El primer largometraje totalmente hablado, Lights of New York , incluía una secuencia musical en un club nocturno. El entusiasmo del público fue tan grande que en menos de un año todos los grandes estudios hacían exclusivamente películas sonoras. The Broadway Melody (1929) tenía una trama del mundo del espectáculo sobre dos hermanas que competían por un encantador hombre que cantaba y bailaba. Anunciada por MGM como la primera película "All-Talking, All-Singing, All-Dancing", fue un éxito y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en 1929. Los estudios se apresuraron a contratar talentos del escenario. protagonizar versiones magníficamente filmadas de éxitos de Broadway. The Love Parade (Paramount 1929) fue protagonizada por Maurice Chevalier y la recién llegada Jeanette MacDonald , escrita por el veterano de Broadway Guy Bolton . [3]
Warner Brothers produjo la primera opereta cinematográfica, The Desert Song, en 1929. No repararon en gastos y fotografiaron un gran porcentaje de la película en Technicolor . A esto le siguió el primer largometraje musical totalmente hablado y en color, titulado On with the Show (1929). La película más popular de 1929 fue la segunda película a todo color y totalmente hablada, titulada Gold Diggers of Broadway (1929). Esta película rompió todos los récords de taquilla y siguió siendo la película más taquillera jamás producida hasta 1939. De repente, el mercado se inundó de musicales, revistas y operetas. Los siguientes musicales a todo color se produjeron sólo en 1929 y 1930: The Hollywood Revue of 1929 (1929), The Show of Shows (1929), Sally (1929), The Vagabond King (1930), Follow Thru (1930), Bright Luces (1930), Amanecer Dorado (1930), Hold Everything (1930), The Rogue Song (1930), Song of the Flame (1930), Song of the West (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Under a Texas Luna (1930), La novia del regimiento (1930), ¡Vaya! (1930), Rey del jazz (1930), Noches vienesas (1930) y Bésame de nuevo (1930). Además, se publicaron decenas de funciones musicales con secuencias de colores.
Hollywood estrenó más de 100 películas musicales en 1930, pero sólo 14 en 1931. [4] A finales de 1930, el público se había sobresaturado con musicales y los estudios se vieron obligados a eliminar la música de las películas que se estrenaban en ese momento. Por ejemplo, Life of the Party (1930) se produjo originalmente como una comedia musical a todo color y hablada. Sin embargo, antes de su lanzamiento, las canciones fueron eliminadas. Lo mismo ocurrió con Cincuenta millones de franceses (1931) y Manhattan Parade (1932), ambas filmadas íntegramente en Technicolor . Marlene Dietrich cantó canciones con éxito en sus películas, y Rodgers y Hart escribieron algunas películas bien recibidas, pero incluso su popularidad disminuyó en 1932. [4] El público rápidamente llegó a asociar el color con los musicales y, por lo tanto, la disminución de su popularidad también resultó en una disminución en las producciones de color.
El gusto por los musicales revivió nuevamente en 1933, cuando el director Busby Berkeley comenzó a realzar el número de danza tradicional con ideas extraídas de la precisión de los ejercicios que había experimentado como soldado durante la Primera Guerra Mundial . En películas como 42nd Street y Gold Diggers of 1933 (1933), Berkeley coreografió varias películas con su estilo único. Los números de Berkeley generalmente comienzan en un escenario, pero gradualmente trascienden las limitaciones del espacio teatral: sus ingeniosas rutinas, que involucran cuerpos humanos formando patrones como un caleidoscopio, nunca podrían encajar en un escenario real y la perspectiva deseada es ver desde arriba. [5]
Estrellas musicales como Fred Astaire y Ginger Rogers se encontraban entre las personalidades más populares y respetadas de Hollywood durante la era clásica; la pareja de Fred y Ginger tuvo especial éxito, lo que dio lugar a varias películas clásicas, como Top Hat (1935), Swing Time (1936) y Shall We Dance (1937). Muchos actores dramáticos participaron gustosamente en musicales para romper con su encasillamiento. Por ejemplo, el polifacético James Cagney había saltado originalmente a la fama como cantante y bailarín de teatro, pero sus repetidas apariciones en papeles de "tipo duro" y películas de la mafia le dieron pocas oportunidades de mostrar estos talentos. El papel de Cagney, ganador del Oscar , en Yankee Doodle Dandy (1942), le permitió cantar y bailar, y lo consideró uno de sus mejores momentos.
Muchas comedias (y algunos dramas) incluían sus propios números musicales. Las películas de los hermanos Marx incluyeron un número musical en casi todas las películas, lo que permitió a los hermanos resaltar sus talentos musicales. Su última película, titulada Love Happy (1949), contó con Vera-Ellen , considerada entre sus colegas y profesionales la mejor bailarina del medio siglo.
De manera similar, el comediante de vodevil WC Fields unió fuerzas con la actriz cómica Martha Raye y el joven comediante Bob Hope en la antología musical de Paramount Pictures The Big Broadcast de 1938 . La película también mostró el talento de varios artistas musicales reconocidos internacionalmente, entre ellos: Kirsten Flagstad (soprano de ópera noruega), Wilfred Pelletier (director canadiense de la Metropolitan Opera Orchestra ), Tito Guizar (tenor mexicano), Shep Fields dirigiendo su Rippling Rhythm Jazz Orchestra y John Serry Sr. (acordeonista italoamericano). [6] Además del Premio de la Academia a la Mejor Canción Original (1938), la película obtuvo un Premio de Cine y Televisión de la ASCAP (1989) por la canción característica de Bob Hope " Thanks for the Memory ". [7]
A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, una unidad de producción de Metro-Goldwyn-Mayer encabezada por Arthur Freed hizo la transición de películas musicales anticuadas, cuya fórmula se había vuelto repetitiva, a algo nuevo. (Sin embargo, también produjeron remakes en tecnicolor de musicales como Show Boat , que se había filmado anteriormente en la década de 1930). En 1939, Freed fue contratado como productor asociado de la película Babes in Arms . A partir de 1944 con Meet Me in St. Louis , Freed Unit trabajó de manera algo independiente de su propio estudio para producir algunos de los ejemplos más populares y conocidos del género. Los productos de esta unidad incluyen Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Singin' in the Rain (1952), The Band Wagon (1953) y Gigi (1958). Los musicales del estudio Non-Freed incluyeron Seven Brides for Seven Brothers en 1954 y High Society en 1956, y el estudio distribuyó Guys and Dolls de Samuel Goldwyn en 1955.
En esta era, las estrellas musicales se convirtieron en nombres muy conocidos, incluidos Judy Garland , Gene Kelly , Ann Miller , Donald O'Connor , Cyd Charisse , Mickey Rooney , Vera-Ellen , Jane Powell , Howard Keel y Kathryn Grayson . Fred Astaire también fue convencido de que dejara su retiro para el Desfile de Pascua e hizo un regreso permanente.
Los otros estudios de Hollywood demostraron ser igualmente hábiles a la hora de abordar el género en esta época, especialmente en los años cincuenta. Cuatro adaptaciones de los programas de Rodgers y Hammerstein : ¡ Oklahoma! , The King and I , Carousel y South Pacific fueron todos éxitos, mientras que Paramount Pictures estrenó White Christmas y Funny Face , dos películas que utilizaron música previamente escrita por Irving Berlin y los Gershwin, respectivamente. Warner Bros. produjo Calamity Jane y Ha nacido una estrella ; la primera película fue un vehículo para Doris Day , mientras que la segunda supuso el regreso a la pantalla grande de Judy Garland, que había estado fuera del foco de atención desde 1950. Mientras tanto, el director Otto Preminger , más conocido por sus "imágenes con mensaje", hizo Carmen Jones. y Porgy and Bess , ambas protagonizadas por Dorothy Dandridge , considerada la primera estrella de cine afroamericana de primer nivel. El célebre director Howard Hawks también incursionó en el género con Los caballeros las prefieren rubias .
En las décadas de 1960, 1970 y hasta hoy, la película musical se convirtió en un género menos rentable en el que se podía confiar para obtener éxitos seguros. El público para ellos disminuyó y se produjeron menos películas musicales a medida que el género se volvió menos convencional y más especializado.
En la década de 1960, el éxito de crítica y taquilla de las películas West Side Story , Gypsy , The Music Man , Bye Bye Birdie , My Fair Lady , Mary Poppins , The Sound of Music , A Funny Thing Happened on the Way to the Forum , El libro de la selva , Millie completamente moderna , Oliver! , y Funny Girl sugirieron que el musical tradicional gozaba de buena salud, mientras que los musicales de jazz del cineasta francés Jacques Demy Los paraguas de Cherburgo y Las jóvenes de Rochefort fueron populares entre la crítica internacional. Sin embargo, los gustos musicales populares se estaban viendo fuertemente afectados por el rock and roll y la libertad y la juventud asociadas a él, y de hecho, Elvis Presley hizo algunas películas que han sido equiparadas con los antiguos musicales en términos de forma. ¡Una noche de día duro y ayuda! , protagonizada por los Beatles , fueron audaces. La mayoría de las películas musicales de las décadas de 1950 y 1960, como Oklahoma! y The Sound of Music fueron adaptaciones sencillas o reescenificaciones de producciones teatrales exitosas. Los musicales más exitosos de la década de 1960 creados específicamente para el cine fueron Mary Poppins y El libro de la selva , dos de los mayores éxitos de Disney de todos los tiempos.
El fenomenal desempeño en taquilla de The Sound of Music dio a los principales estudios de Hollywood más confianza para producir musicales extensos y de gran presupuesto. A pesar del éxito rotundo de algunas de estas películas, Hollywood también produjo un gran número de fracasos musicales a finales de los años sesenta y principios de los setenta que parecieron juzgar seriamente mal el gusto del público. Las películas que no tuvieron éxito comercial y/o crítico incluyeron Camelot , Finian's Rainbow , Hello Dolly! , Dulce caridad , Doctor Dolittle , Medio seis peniques , El millonario más feliz , ¡Estrella! , Querida Lili , Adiós, Mr. Chips , Pinta tu carro , Canción de Noruega , En un día claro se puede ver para siempre , El hombre de la Mancha , Horizonte perdido , y Mame . Colectiva e individualmente, estos fracasos afectaron la viabilidad financiera de varios estudios importantes.
En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la cambiante demografía de los cinéfilos pusieron mayor énfasis en el realismo crudo, mientras que el entretenimiento puro y la teatralidad de los musicales de Hollywood de la era clásica se consideraban anticuados. A pesar de esto, El violinista en el tejado y Cabaret fueron musicales más tradicionales estrechamente adaptados de espectáculos teatrales y obtuvieron un gran éxito entre la crítica y el público. Los cambios en las costumbres culturales y el abandono del Código Hays en 1968 también contribuyeron al cambio de gustos del público cinematográfico. La película de 1973 de Jesucristo Superestrella de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice recibió algunas críticas por parte de grupos religiosos, pero fue bien recibida. A mediados de la década de 1970, los cineastas evitaron el género y utilizaron música de bandas populares de rock o pop como música de fondo, en parte con la esperanza de vender un álbum de banda sonora a sus fans. The Rocky Horror Picture Show se estrenó originalmente en 1975 y fue un fracaso crítico hasta que comenzó a proyectarse a medianoche en la década de 1980, donde alcanzó el estatus de culto. Ese mismo año también se estrenó la película Train Ride to Hollywood de la banda de R&B Bloodstone , pero los problemas en la distribución hicieron que apenas obtuviera un estreno simbólico en cines. [8] El año 1976 vio el lanzamiento del musical cómico de bajo presupuesto, The First Nudie Musical , lanzado por Paramount. La versión cinematográfica de Grease de 1978 fue un gran éxito; sus canciones eran composiciones originales realizadas en un estilo pop de los años cincuenta. Sin embargo, la secuela Grease 2 (estrenada en 1982) fracasó en taquilla. Se produjeron películas sobre artistas que incorporaban drama descarnado y números musicales entrelazados como parte diegética de la trama, como Lady Sings the Blues , All That Jazz y New York, New York . Algunos musicales realizados en Gran Bretaña experimentaron con esta forma, como Oh ! What a Lovely War (estrenada en 1969), Bugsy Malone de Alan Parker y Tommy and Lisztomania de Ken Russell .
Todavía se estaban realizando una serie de películas musicales que tuvieron menos éxito financiero y/o crítico que en su apogeo. Incluyen 1776 , The Wiz , At Long Last Love , Mame , Man of La Mancha , Lost Horizon , Godspell , Phantom of the Paradise , Funny Lady ( secuela de Funny Girl de Barbra Streisand ), A Little Night Music y Hair , entre otras. otros. La ira de la crítica contra At Long Last Love , en particular, fue tan fuerte que nunca se lanzó en vídeo casero. Las películas musicales de fantasía Scrooge , The Blue Bird , The Little Prince , Willy Wonka & the Chocolate Factory , Pete's Dragon y Bedknobs and Broomsticks de Disney también se estrenaron en la década de 1970; esta última ganó el Premio de la Academia a los mejores efectos visuales .
En la década de 1980, los financieros tenían cada vez más confianza en el género musical, en parte impulsados por la relativa salud del musical en Broadway y el West End de Londres . Las producciones de las décadas de 1980 y 1990 incluyeron The Apple , Xanadu , The Blues Brothers , Annie , The Meaning of Life de Monty Python , The Best Little Whorehouse in Texas , Victor/Victoria , Footloose , Fast Forward , A Chorus Line , Little Shop of Horrors , Zona Prohibida , Principiantes Absolutos , Laberinto , Evita y Todos dicen te quiero . Sin embargo, Can't Stop the Music , protagonizada por Village People , fue un intento calamitoso de resucitar el musical de estilo antiguo y se estrenó ante la indiferencia del público en 1980. Little Shop of Horrors se basó en una adaptación musical fuera de Broadway de un musical de 1960. Película de Roger Corman, precursora de adaptaciones cinematográficas posteriores, incluida The Producers .
Muchas películas animadas de la época, predominantemente de Disney , incluían números musicales tradicionales. Howard Ashman , Alan Menken y Stephen Schwartz tenían experiencia previa en teatro musical y escribieron canciones para películas animadas durante este tiempo, suplantando a los caballos de batalla de Disney, los Sherman Brothers . A partir de La Sirenita de 1989 , el Renacimiento de Disney dio nueva vida a la película musical. Otros musicales animados exitosos incluyeron Aladdin , El jorobado de Notre Dame y Pocahontas de Disney, Pesadilla antes de Navidad de la división de Disney Touchstone Pictures, El príncipe de Egipto de DreamWorks, Anastasia de Fox y Don Bluth, Ocho noches locas de Columbia y South Park: más grande, más largo y sin cortes de Paramount. La Bella y la Bestia , El Rey León y otras fueron adaptadas al teatro después de su gran éxito.
En el siglo XXI, las películas musicales renacieron con musicales más oscuros, películas biográficas musicales, musicales de drama épico y musicales de comedia dramática como Moulin Rouge. , Chicago , Walk the Line , Dreamgirls , Sweeney Todd: El barbero diabólico de Fleet Street , Los Miserables , La La Land y West Side Story ; todas las cuales ganaron el Globo de Oro a la Mejor Película - Musical o Comedia en sus respectivos años, mientras que películas como El Fantasma de la Ópera , Hairspray , Mamma Mia! , Nueve , Into the Woods , El mejor showman , El regreso de Mary Poppins , Rocketman , Cyrano y Tic, Tic... ¡Boom! sólo fueron nominados. ¡Chicago también fue el primer musical desde Oliver! para ganar Mejor Película en los Premios de la Academia.
El documental de Joshua Oppenheimer , nominado al Premio de la Academia, The Act of Killing, puede considerarse un musical de no ficción. [9]
Una tendencia musical específica fue el creciente número de musicales de máquina de discos basados en música de varios artistas de pop/rock en la pantalla grande, algunos de los cuales basados en espectáculos de Broadway. Ejemplos de películas musicales de máquina de discos basadas en Broadway incluyen ¡Mamma Mia! ( ABBA ), Rock of Ages y Sunshine on Leith ( The Proclaimers ). Los originales incluían Across the Universe ( The Beatles ), Moulin Rouge. (varios éxitos del pop), Idlewild ( Outkast ) y Yesterday ( The Beatles ).
Disney también regresó a los musicales con Encantada , La princesa y el sapo , Enredados , Winnie the Pooh , Los Muppets , Frozen , Muppets Most Wanted , Into the Woods , Moana , El regreso de Mary Poppins , Frozen II , Encanto , Desencantado , Wish , Moana 2 y Mufasa: El Rey León . Después de una serie de éxitos con adaptaciones de fantasía de acción en vivo de varias de sus películas animadas , Disney produjo una versión de acción en vivo de La Bella y la Bestia , la primera de este paquete de adaptación de fantasía de acción en vivo que es un musical completo y presenta nuevas canciones. así como nuevas letras tanto para el número de Gaston como para la repetición de la canción principal. La segunda película de este paquete de adaptación de fantasía de acción real que fue un musical total fue Aladdin y presenta nuevas canciones. La tercera película de este paquete de adaptación de fantasía de acción real que fue un musical total fue El Rey León y presenta nuevas canciones. La cuarta película de este paquete de adaptación de fantasía de acción real que será un musical total fue La Sirenita y presenta nuevas canciones con letra de Lin-Manuel Miranda , en sustitución de Ashman. Pixar también produjo Coco , la primera película musical animada por computadora de la compañía. Otras películas musicales animadas incluyen Rio , Rio 2 , The Book of Life , Trolls , Sing , Smallfoot , UglyDolls , Trolls World Tour , Over the Moon , Vivo , Sing 2 , Under the Boardwalk , Trolls Band Together , Leo , Thelma the Unicorn , y Hechizado .
Las películas biográficas sobre artistas musicales y empresarios también tuvieron gran auge en el siglo XXI. Los ejemplos incluyen 8 Mile ( Eminem ), Ray ( Ray Charles ), Walk the Line ( Johnny Cash y June Carter ), La Vie en Rose ( Édith Piaf ), Notorious ( Biggie Smalls ), Jersey Boys ( The Four Seasons ) Love & Mercy. ( Brian Wilson ), CrazySexyCool: The TLC Story ( TLC ), Aaliyah: La princesa del R&B ( Aaliyah ), Get on Up ( James Brown ), Whitney y quiero bailar con alguien ( Whitney Houston ), Directamente de Compton ( NWA ) , The Greatest Showman ( PT Barnum ), Bohemian Rhapsody ( Freddie Mercury ), The Dirt ( Mötley Crüe ), Judy ( Judy Garland ), Rocketman ( Elton John ), Respect ( Aretha Franklin ) y Elvis ( Elvis Presley ). Con una recaudación de más de 900 millones de dólares en taquilla, Bohemian Rhapsody es la película biográfica musical de mayor éxito comercial. [10]
El director Damien Chazelle creó una película musical llamada La La Land , protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone . Su objetivo era reintroducir el estilo tradicional de jazz de los números de canciones con influencias de la Edad de Oro de Hollywood y los musicales franceses de Jacques Demy, al tiempo que incorporaba una visión contemporánea/moderna de la historia y los personajes con equilibrios entre los números de fantasía y la realidad fundamentada. Recibió 14 nominaciones en la 89ª edición de los Premios de la Academia , empatando el récord de más nominaciones con Eva al desnudo (1950) y Titanic (1997), y ganó los premios a Mejor Director , Mejor Actriz , Mejor Fotografía , Mejor Banda Sonora Original , Mejor Canción Original. y Mejor Diseño de Producción .
En 2013, NBC produjo The Sound of Music Live! como parte de su esfuerzo por ampliar los eventos de entretenimiento en vivo, que se convirtieron en una tradición anual de adaptaciones de musicales escénicos, creados específicamente como eventos televisivos en vivo. ¡Los años siguientes presentaron Peter Pan Live! , ¡El mago en vivo! , Laca para el cabello en vivo! , Jesucristo Superestrella en Vivo! , ¡El musical Grinch del Dr. Seuss en vivo! y Annie en vivo! . ABC y Fox también produjeron eventos similares, incluido Grease Live! , ¡Un Cuento de Navidad en Vivo! , Rent: Live y ¡ La Sirenita en Vivo! . [11]
Una excepción al declive del cine musical es el cine indio , especialmente la industria cinematográfica de Bollywood con sede en Mumbai (antes Bombay), donde la mayoría de las películas han sido, y siguen siendo, musicales. La mayoría de las películas producidas en la industria tamil , con sede en Chennai (antes Madrás), la industria Sandalwood , con sede en Bangalore , la industria telugu , con sede en Hyderabad , y la industria malayalam también son musicales.
A pesar de esta excepción de que casi todas las películas indias son musicales y de que India produce la mayor cantidad de películas del mundo (formada en 1913), la primera película de Bollywood en ser un musical completo, Dev D (dirigida por Anurag Kashyap ), llegó en 2009. La segunda película musical a seguir fue Jagga Jasoos (dirigida por Anurag Basu ), en 2017.
Los musicales de Bollywood tienen sus raíces en el teatro musical tradicional de la India , como el teatro musical clásico indio , el drama sánscrito y el teatro parsi . Los primeros cineastas de Bombay combinaron estas tradiciones indias del teatro musical con el formato de película musical que surgió de las primeras películas sonoras de Hollywood. [12] Otras influencias tempranas en los cineastas de Bombay incluyeron la literatura urdu y Las mil y una noches . [13]
La primera película sonora india, Alam Ara (1931) de Ardeshir Irani , fue un gran éxito comercial. [14] Era evidente que había un enorme mercado para el cine sonoro y los musicales; Bollywood y todas las industrias cinematográficas regionales rápidamente pasaron a la filmación sonora.
En 1937, Ardeshir Irani, famoso por Alam Ara , hizo la primera película en color en hindi , Kisan Kanya . Al año siguiente, hizo otra película en color, una versión de Madre India . Sin embargo, el color no se convirtió en una característica popular hasta finales de los años cincuenta. En esa época, los lujosos musicales románticos y los melodramas eran la comida básica del cine.
Tras la independencia de la India , el período comprendido entre finales de los años 1940 y principios de los años 1960 es considerado por los historiadores del cine como la "Edad de Oro" del cine hindi . [18] [19] [20] Algunas de las películas hindi más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante este período. Los ejemplos incluyen Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959), dirigida por Guru Dutt y escrita por Abrar Alvi , Awaara (1951) y Shree 420 (1955), dirigida por Raj Kapoor y escrita por Khwaja Ahmad Abbas , y Aan (1952). ), dirigida por Mehboob Khan y protagonizada por Dilip Kumar . Estas películas expresaron temas sociales relacionados principalmente con la vida de la clase trabajadora en la India , particularmente la vida urbana en los dos primeros ejemplos; Awaara presentó la ciudad como una pesadilla y un sueño al mismo tiempo, mientras que Pyaasa criticó la irrealidad de la vida urbana. [21]
Mother India (1957), de Mehboob Khan , una nueva versión de su anterior Aurat (1940), fue la primera película india nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera , que perdió por un solo voto. [22] Madre India también fue una película importante que definió las convenciones del cine hindi durante décadas. [23] [24] [25]
En la década de 1960 y principios de la de 1970, la industria estaba dominada por películas románticas musicales con protagonistas de "héroes románticos", siendo la más popular Rajesh Khanna . [26] Otros actores durante este período incluyen a Shammi Kapoor , Jeetendra , Sanjeev Kumar y Shashi Kapoor , y actrices como Sharmila Tagore , Mumtaz , Saira Banu , Helen y Asha Parekh .
A principios de la década de 1970, el cine hindi experimentaba un estancamiento temático, [27] dominado por películas románticas musicales . [26] La llegada del dúo de guionistas Salim-Javed , formado por Salim Khan y Javed Akhtar , marcó un cambio de paradigma, revitalizando la industria. [27] Comenzaron el género de películas sobre crímenes del inframundo de Bombay, crudas y violentas, a principios de la década de 1970, con películas como Zanjeer (1973) y Deewaar (1975). [28] [29]
La década de 1970 fue también cuando se acuñó el nombre "Bollywood", [30] [31] y cuando se establecieron las convenciones por excelencia de las películas comerciales de Bollywood. [32] La clave para esto fue el surgimiento del género cinematográfico masala , que combina elementos de múltiples géneros ( acción , comedia , romance , drama , melodrama , musical). La película masala fue iniciada a principios de la década de 1970 por el cineasta Nasir Hussain , [33] junto con el dúo de guionistas Salim-Javed, [32] pioneros en el formato de éxito de taquilla de Bollywood . [32] Yaadon Ki Baarat (1973), dirigida por Hussain y escrita por Salim-Javed, ha sido identificada como la primera película masala y la "primera" película esencialmente "Bollywood". [34] [32] Salim-Javed pasó a escribir películas masala más exitosas en las décadas de 1970 y 1980. [32] Las películas de Masala lanzaron a Amitabh Bachchan a la mayor estrella de cine de Bollywood de las décadas de 1970 y 1980. Un hito para el género cinematográfico masala fue Amar Akbar Anthony (1977), [35] [34] dirigida por Manmohan Desai y escrita por Kader Khan . Manmohan Desai explotó con éxito el género en las décadas de 1970 y 1980.
Junto con Bachchan, otros actores populares de esta época incluyeron a Feroz Khan , [36] Mithun Chakraborty , Naseeruddin Shah , Jackie Shroff , Sanjay Dutt , Anil Kapoor y Sunny Deol . Las actrices de esta época incluyeron a Hema Malini , Jaya Bachchan , Raakhee , Shabana Azmi , Zeenat Aman , Parveen Babi , Rekha , Dimple Kapadia , Smita Patil , Jaya Prada y Padmini Kolhapure . [37]
A finales de la década de 1980, el cine hindi experimentó otro período de estancamiento, con una disminución en la participación en taquilla, debido al aumento de la violencia, la disminución de la calidad melódica musical y el aumento de la piratería de videos, lo que llevó a que el público familiar de clase media abandonara las salas de cine. El punto de inflexión llegó con Qayamat Se Qayamat Tak (1988), dirigida por Mansoor Khan , escrita y producida por su padre Nasir Hussain , y protagonizada por su primo Aamir Khan junto a Juhi Chawla . Su combinación de juventud, entretenimiento saludable, cocientes emocionales y fuertes melodías atrajo al público familiar de regreso a la pantalla grande. [38] [39] Estableció un nuevo modelo para las películas románticas musicales de Bollywood que definieron el cine hindi en la década de 1990. [39]
El período del cine hindi a partir de la década de 1990 se conoce como cine del "Nuevo Bollywood", [40] vinculado a la liberalización económica en la India a principios de la década de 1990. [41] A principios de la década de 1990, el péndulo había vuelto a girar hacia los musicales románticos centrados en la familia. A Qayamat Se Qayamat Tak le siguieron éxitos de taquilla como Maine Pyar Kiya (1989), Chandni (1989), Hum Aapke Hain Kaun (1994), Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995), Raja Hindustani (1996), Dil To Pagal Hai (1997). ), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) y Kuch Kuch Hota Hai (1998). Surgió una nueva generación de actores populares, como Aamir Khan, Aditya Pancholi , Ajay Devgan , Akshay Kumar , Salman Khan ( hijo de Salim Khan ) y Shahrukh Khan , y actrices como Madhuri Dixit , Sridevi , Juhi Chawla , Meenakshi Seshadri , Manisha . Koirala , Kajol y Karisma Kapoor . [37]
Desde la década de 1990, las tres mayores estrellas del cine de Bollywood han sido los " Tres Khans ": Aamir Khan , Shah Rukh Khan y Salman Khan . [42] [43] Combinados, han protagonizado la mayoría de las diez películas de Bollywood más taquilleras . Los tres Khan han tenido carreras exitosas desde finales de los años 1980, [42] y han dominado la taquilla india desde los años 1990, [44] durante tres décadas. [45]
Baz Luhrmann afirmó que su exitosa película musical Moulin Rouge! (2001) se inspiró directamente en los musicales de Bollywood. [46] La película rinde homenaje a la India, incorporando una obra de teatro de temática india y una secuencia de baile al estilo Bollywood con una canción de la película China Gate . ¡El éxito crítico y financiero del Moulin Rouge! Se renovó el interés en el entonces moribundo género musical occidental de acción en vivo, y posteriormente se produjeron películas como Chicago , The Producers , Rent , Dreamgirls y Hairspray , impulsando un renacimiento del género. [47]
The Guru y The 40-Year-Old Virgin también presentan secuencias de canciones y bailes al estilo indio; el musical de Bollywood Lagaan (2001) fue nominado al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera ; otras dos películas de Bollywood, Devdas (2002) y Rang De Basanti (2006), fueron nominadas al premio BAFTA a la mejor película que no está en idioma inglés ; y Slumdog Millionaire (2008) , ganadora del Premio de la Academia de Danny Boyle, también presenta un número de canto y baile al estilo de Bollywood durante los créditos finales de la película, Tallika (2022) fue la primera película con máximos géneros musicales compuestos por Maharaja y registrada como poseedor del récord mundial en música, [48]
España tiene una historia y tradición de películas musicales que se hicieron independientemente de la influencia de Hollywood. Las primeras películas surgen durante la Segunda República Española de los años 1930 y la llegada del cine sonoro . Algunas zarzuelas ( operetas españolas ) incluso se adaptaron como guiones durante la época del cine mudo. Los inicios del musical español se centraron en arquetipos románticos españoles: pueblos y paisajes andaluces , gitanos, bandoleros, coplas y otras canciones populares incluidas en el desarrollo de la historia. Estas películas tuvieron incluso más éxito de taquilla que los estrenos de Hollywood en España. Las primeras estrellas del cine español procedieron del género musical: Imperio Argentina , Estrellita Castro , Florián Rey (director) y, posteriormente, Lola Flores , Sara Montiel y Carmen Sevilla . El musical español empezó a expandirse y crecer. Aparecen estrellas juveniles y encabezan la taquilla. Marisol , Joselito , Pili & Mili y Rocío Dúrcal fueron las principales figuras del cine musical de los años 1960 a 1970. Debido a la transición española a la democracia y el auge de la " cultura Movida ", el género musical cayó en producción y taquilla, sólo salvado por Carlos Saura y sus películas musicales flamencas .
A diferencia de las películas musicales de Hollywood y Bollywood, popularmente identificadas con el escapismo, el musical soviético fue ante todo una forma de propaganda. Vladimir Lenin decía que el cine era "la más importante de las artes". Su sucesor, Joseph Stalin , también reconoció el poder del cine para difundir eficientemente la doctrina del Partido Comunista. Las películas fueron muy populares en la década de 1920, pero fue el cine extranjero el que dominó el mercado cinematográfico soviético. Las películas de Alemania y Estados Unidos resultaron más entretenidas que los dramas históricos del director soviético Sergei Eisenstein . [49] En la década de 1930 estaba claro que si el cine soviético quería competir con sus homólogos occidentales, tendría que darle al público lo que quería: el glamour y la fantasía que obtenía de Hollywood. [50] La película musical, que surgió en ese momento, encarnaba la combinación ideal de entretenimiento e ideología oficial.
Una lucha entre la risa por reír y el entretenimiento con un claro mensaje ideológico definiría la época dorada del musical soviético de los años 1930 y 1940. El entonces director de la industria cinematográfica, Boris Shumyatsky, intentó emular el método de producción de cinta transportadora de Hollywood, llegando incluso a sugerir el establecimiento de un Hollywood soviético. [51]
En 1930, el estimado director de cine soviético Sergei Eisenstein viajó a los Estados Unidos con su colega director Grigori Aleksandrov para estudiar el proceso cinematográfico de Hollywood. Las películas americanas influyeron mucho en Aleksandrov, en particular los musicales. [52] Regresó en 1932 y en 1934 dirigió The Jolly Fellows , el primer musical soviético. La película tenía una trama ligera y se centraba más en la comedia y los números musicales. Al principio, los funcionarios del partido recibieron la película con gran hostilidad. Aleksandrov defendió su trabajo argumentando la noción de risa por reír. [53] Finalmente, cuando Aleksandrov le mostró la película a Stalin, el líder decidió que los musicales eran un medio eficaz para difundir propaganda. Mensajes como la importancia del trabajo colectivo y las historias de pobreza a riqueza se convertirían en las tramas de la mayoría de los musicales soviéticos.
El éxito de The Jolly Fellows aseguró un lugar en el cine soviético para el formato musical, pero inmediatamente Shumyatsky estableció pautas estrictas para asegurarse de que las películas promovieran los valores comunistas. El decreto de Shumyatsky "Películas para millones" exigía tramas, personajes y montajes convencionales para retratar con éxito el realismo socialista (la glorificación de la industria y la clase trabajadora) en el cine. [54]
La primera combinación exitosa de mensaje social y entretenimiento fue el Circo de Aleksandrov (1936). Protagonizada por su esposa, Lyubov Orlova (una cantante de ópera que también había aparecido en The Jolly Fellows ), como una artista de circo estadounidense que tiene que emigrar a la URSS desde los EE. UU. porque tiene un hijo mestizo, que tuvo con un negro. hombre. En medio de fastuosas producciones musicales como telón de fondo, finalmente encuentra el amor y la aceptación en la URSS, transmitiendo el mensaje de que la tolerancia racial sólo se puede encontrar en la Unión Soviética.
La influencia de la coreografía de Busby Berkeley en la dirección de Aleksandrov se puede ver en el número musical que precede al clímax. Otra referencia más obvia a Hollywood es el imitador de Charlie Chaplin que brinda un alivio cómico a lo largo de la película. Cuatro millones de personas en Moscú y Leningrado fueron a ver Circus durante su primer mes en los cines. [55]
Otra de las películas más populares de Aleksandrov fue The Bright Path (1940). Esta fue una reelaboración del cuento de hadas Cenicienta ambientada en la Unión Soviética contemporánea. La Cenicienta de la historia volvió a ser Orlova, que en ese momento era la estrella más popular de la URSS. [56] Era un cuento de fantasía, pero la moraleja de la historia era que una vida mejor proviene del trabajo duro. Mientras que en Circus los números musicales implicaban danza y espectáculo, el único tipo de coreografía en Bright Path es el movimiento de las máquinas de la fábrica. La música se limitó al canto de Orlova. Aquí el trabajo proporcionaba el espectáculo.
El otro director de películas musicales fue Ivan Pyryev . A diferencia de Aleksandrov, el foco de las películas de Pyryev era la vida en las granjas colectivas. Sus películas, Tractor Drivers (1939), The Swineherd and the Shepherd (1941) y la más famosa, Cossacks of the Kuban (1949), fueron protagonizadas por su esposa, Marina Ladynina. Como en El camino luminoso de Aleksandrov , la única coreografía era el trabajo que los personajes hacían en la película. Incluso las canciones trataban sobre el placer de trabajar.
En lugar de tener un mensaje específico para cualquiera de sus películas, Pyryev promovió el lema de Stalin "la vida ha mejorado, la vida se ha vuelto más feliz". [57] A veces este mensaje contrastaba marcadamente con la realidad de la época. Durante el rodaje de Los cosacos del Kuban , la Unión Soviética atravesaba una hambruna de posguerra. En realidad, los actores que cantaban sobre una época de prosperidad estaban hambrientos y desnutridos. [58] Las películas, sin embargo, proporcionaron escapismo y optimismo al público espectador.
La película más popular de la breve era de los musicales estalinistas fue la película Volga-Volga de Alexandrov de 1938 . La estrella, nuevamente, fue Lyubov Orlova y la película incluía cantos y bailes, sin tener nada que ver con el trabajo. Es el más inusual de su tipo. La trama gira en torno a una historia de amor entre dos individuos que quieren tocar música. No son representativos de los valores soviéticos porque se centran más en su música que en su trabajo. Los chistes se burlan de las autoridades y la burocracia locales. No hay ninguna glorificación de la industria ya que tiene lugar en un pequeño pueblo rural. Tampoco se glorifica el trabajo, ya que la trama gira en torno a un grupo de aldeanos que aprovechan sus vacaciones para realizar un viaje por el Volga y el Canal de Moscú para actuar en Moscú. La película puede verse como una glorificación del canal de Moscú sin ningún indicio de que el canal fue construido por prisioneros del Gulag .
Volga-Volga siguió los principios estéticos del realismo socialista más que los principios ideológicos. Se convirtió en la película favorita de Stalin y se la regaló al presidente Roosevelt durante la Segunda Guerra Mundial . Es otro ejemplo de una de las películas que reivindicaban que la vida es mejor. Publicado en el apogeo de las purgas de Stalin, proporcionó escapismo y una ilusión reconfortante para el público. [59]
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