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Una película artística , un cine artístico o una película de autor es típicamente una película independiente , dirigida a un nicho de mercado más que a un público de masas . [1] Está "destinado a ser una obra artística seria, a menudo experimental y no diseñada para atraer a las masas", [2] "hecha principalmente por razones estéticas más que para fines de lucro comercial", [3] y que contiene "poco convencional o altamente simbólico". contenido". [4]
Los críticos de cine y los estudiosos de los estudios cinematográficos suelen definir una película de arte como poseedora de "cualidades formales que la diferencian de las películas convencionales de Hollywood". [5] Estas cualidades pueden incluir (entre otros elementos): un sentido de realismo social ; un énfasis en la expresividad autoral del director; y un enfoque en los pensamientos, sueños o motivaciones de los personajes, en lugar del desarrollo de una historia clara y basada en objetivos. Los estudiosos del cine David Bordwell y Barry Keith Grant describen el cine artístico como "un género cinematográfico , con sus propias convenciones distintas". [6] [7]
Los productores de cine artístico suelen presentar sus películas en salas especiales ( cines de repertorio o, en EE. UU., cines de autor) y en festivales de cine . El término película artística se utiliza mucho más en América del Norte, el Reino Unido y Australia, en comparación con Europa continental , donde en su lugar se utilizan los términos películas de autor y cine nacional (por ejemplo, cine nacional alemán). Dado que están dirigidas a audiencias pequeñas y de nichos de mercado, las películas artísticas rara vez obtienen el respaldo financiero que permitiría los grandes presupuestos de producción asociados con películas de gran éxito de estreno . Los directores de cine artístico compensan estas limitaciones creando un tipo diferente de película, una que normalmente utiliza actores de cine menos conocidos o incluso actores aficionados, y decorados modestos para hacer películas que se centran mucho más en desarrollar ideas, explorar nuevas técnicas narrativas y intentar nuevas convenciones cinematográficas.
Estas películas contrastan marcadamente con las películas taquilleras convencionales , que suelen estar más orientadas a la narración lineal y al entretenimiento convencional. El crítico de cine Roger Ebert calificó a Chungking Express , una película artística de 1994 aclamada por la crítica, como "en gran medida una experiencia cerebral" que uno disfruta "debido a lo que sabes sobre cine". [8] Dicho esto, algunas películas artísticas pueden ampliar su atractivo al ofrecer ciertos elementos de géneros más familiares, como el documental o la biografía . Para su promoción, las películas artísticas dependen de la publicidad generada a partir de las reseñas de los críticos de cine; discusión de la película por parte de columnistas, comentaristas y blogueros de arte; y promoción de boca en boca por parte de los miembros de la audiencia. Dado que las películas artísticas tienen pequeños costos de inversión inicial, sólo necesitan atraer a una pequeña porción del público general para volverse financieramente viables.
Los precursores del cine artístico incluyen el cine mudo italiano L'Inferno (1911), Intolerancia (1916) de DW Griffith y las obras del cineasta ruso Sergei Eisenstein , que influyó en el desarrollo de los movimientos cinematográficos europeos durante décadas. [9] [10] [11] La película de Eisenstein El acorazado Potemkin (1925) fue una película de propaganda revolucionaria que utilizó para probar sus teorías sobre el uso de la edición cinematográfica para producir la mayor respuesta emocional de la audiencia. El renombre internacional de la crítica que Eisenstein obtuvo gracias a esta película le permitió dirigir Octubre como parte de la gran celebración del décimo aniversario de la Revolución de Octubre de 1917. Posteriormente dirigió The General Line en 1929. La película de Alexander Dovzhenko Earth (1930), filmada bajo la influencia de Eisenstein, es definido por algunos críticos como la cúspide del cine artístico. [12]
Las películas de arte también fueron influenciadas por películas de creadores de vanguardia españoles , como Luis Buñuel y Salvador Dalí (que hicieron L'Age d'Or en 1930), y por el dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau , cuya película de vanguardia de 1932 La sangre de un poeta utiliza imágenes oníricas en todas partes, incluidos modelos de cabeza humana con alambre giratorio y máscaras giratorias de doble cara. En la década de 1920, las sociedades cinematográficas comenzaron a defender la noción de que las películas podían dividirse en "cine de entretenimiento dirigido a un público masivo y cine artístico serio dirigido a un público intelectual". En Inglaterra, Alfred Hitchcock e Ivor Montagu formaron una sociedad cinematográfica e importaron películas que consideraban "logros artísticos", como "películas soviéticas de montaje dialéctico y las películas expresionistas de los estudios Universum Film AG (UFA) en Alemania". [9]
Cinéma pur , un movimiento cinematográfico de vanguardia francés de las décadas de 1920 y 1930, también influyó en el desarrollo de la idea de cine artístico. El movimiento cinematográfico incluyó a varios artistas dadaístas notables . Los dadaístas utilizaron el cine para trascender las convenciones narrativas, las tradiciones burguesas y las nociones aristotélicas convencionales del tiempo y el espacio mediante la creación de un montaje flexible de tiempo y espacio.
El movimiento cinematográfico estuvo influenciado por cineastas alemanes "absolutos" como Hans Richter , Walter Ruttmann y Viking Eggeling . Richter afirmó falsamente que su película de 1921 Rhythmus 21 fue la primera película abstracta jamás creada. De hecho, fue precedido por los futuristas italianos Bruno Corra y Arnaldo Ginna entre 1911 y 1912 [13] (como se informa en el Manifiesto futurista del cine [13] ), así como por su colega artista alemán Walter Ruttmann, quien produjo Lichtspiel Opus. 1 en 1920. Sin embargo, la película de Richter Rhythmus 21 se considera una importante película abstracta temprana.
El primer "cine de arte" británico fue inaugurado temporalmente en el Palais de Luxe de Londres en 1929 por Elsie Cohen . Luego estableció una ubicación permanente en el Academy Cinema en Oxford Street en 1931. [14]
En las décadas de 1930 y 1940, las películas de Hollywood podían dividirse en las aspiraciones artísticas de adaptaciones literarias como The Informer (1935) de John Ford y The Long Voyage Home (1940) de Eugene O'Neill , y las películas "populares" para hacer dinero. "películas de género", como los thrillers de gánsteres. William Siska sostiene que las películas neorrealistas italianas de mediados y finales de la década de 1940, como Open City (1945), Paisa (1946) y Bicycle Thieves , pueden considerarse otro "movimiento cinematográfico de arte consciente". [9]
A finales de la década de 1940, la percepción del público estadounidense de que las películas neorrealistas italianas y otras películas europeas serias eran diferentes de las películas convencionales de Hollywood se vio reforzada por el desarrollo de "cines de autor" en las principales ciudades y pueblos universitarios de Estados Unidos. Después de la Segunda Guerra Mundial, "... un segmento cada vez mayor del público cinematográfico estadounidense estaba cansado de las películas convencionales de Hollywood", y acudían a las salas de cine artístico recién creadas para ver "alternativas a las películas que se proyectaban en las calles principales". palacios de cine". [5] Las películas proyectadas en estos cines artísticos incluían "películas británicas, de lenguas extranjeras y estadounidenses independientes, así como documentales y reposiciones de clásicos de Hollywood". Películas como Open City de Rossellini y Tight Little Island ( Whisky Galore! ) de Mackendrick , Ladrones de bicicletas y Los zapatos rojos se proyectaron ante un importante público estadounidense. [5]
A finales de la década de 1950, los cineastas franceses comenzaron a producir películas que estaban influenciadas por el neorrealismo italiano [15] y el cine clásico de Hollywood , [15] un estilo que los críticos denominaron la Nueva Ola francesa . Aunque nunca fueron un movimiento formalmente organizado, los cineastas de la Nueva Ola estaban unidos por su rechazo consciente de la forma cinematográfica clásica y su espíritu de iconoclasia juvenil , y sus películas son un ejemplo del cine artístico europeo . [16] Muchos también se involucraron en su trabajo con los trastornos sociales y políticos de la época, haciendo que sus experimentos radicales con la edición, el estilo visual y la narrativa fueran parte de una ruptura general con el paradigma conservador. Algunos de los pioneros más destacados del grupo, incluidos François Truffaut , Jean-Luc Godard , Éric Rohmer , Claude Chabrol y Jacques Rivette , comenzaron como críticos de la revista de cine Cahiers du cinéma . La teoría del autor sostiene que el director es el "autor" de sus películas, con una firma personal visible de una película a otra.
El movimiento de la Nueva Ola francesa continuó hasta los años 1960. Durante la década de 1960, el término "película artística" comenzó a utilizarse mucho más en Estados Unidos que en Europa. En los EE. UU., el término a menudo se define de manera muy amplia para incluir películas de "autor" en lenguas extranjeras (no inglesas) , películas independientes , películas experimentales , documentales y cortometrajes. En la década de 1960, "película artística" se convirtió en un eufemismo en Estados Unidos para referirse a las picantes películas de serie B italianas y francesas . En la década de 1970, el término se utilizaba para describir películas europeas sexualmente explícitas con estructura artística, como la película sueca I Am Curious (Yellow) . En los EE. UU., el término "película artística" puede referirse a películas de artistas estadounidenses modernos, incluido Andy Warhol con su película Blue Movie de 1969 , [17] [18] [19] , pero a veces se usa de manera muy vaga para referirse a una amplia gama. de películas proyectadas en salas de repertorio o "cines de autor". Con este enfoque, una amplia gama de películas, como una película de Hitchcock de los años 1960 , una película underground experimental de los años 1970, una película de autor europea, una película "independiente" estadounidense e incluso una película convencional en lengua extranjera (con subtítulos) podrían caer en la lista. bajo la rúbrica de "películas de autor".
En las décadas de 1980 y 1990, el término "película artística" se confundió con "película independiente" en Estados Unidos, que comparte muchos de los mismos rasgos estilísticos. Empresas como Miramax Films distribuyeron películas independientes que se consideraron comercialmente viables. Cuando los principales estudios cinematográficos notaron el atractivo de nicho de las películas independientes, crearon divisiones especiales dedicadas a películas no convencionales, como la división Fox Searchlight Pictures de Twentieth Century Fox , la división Focus Features de Universal , la división Sony Pictures Classics de Sony Pictures Entertainment y la división Paramount Vantage de Paramount . Los críticos de cine han debatido si las películas de estas divisiones pueden considerarse "películas independientes", dado que cuentan con el respaldo financiero de los principales estudios.
En 2007, la profesora Camille Paglia argumentó en su artículo "Películas de arte: RIP" que "[a]parte de la serie El Padrino de Francis Ford Coppola , con sus hábiles flashbacks y su crudo realismo social,...[no hay].. . una sola película producida durante los últimos 35 años que posiblemente tenga el mismo peso filosófico o virtuosismo de ejecución que El séptimo sello o Persona de Bergman . Paglia afirma que los jóvenes de la década de 2000 no "tienen paciencia para las tomas largas y lentas en las que alguna vez se especializaron los directores europeos de pensamiento profundo", un enfoque que brindaba "un escrutinio lujoso de las más pequeñas expresiones faciales o el barrido frío de una habitación esterilizada". o paisaje desolador". [20]
Según el director, productor y distribuidor Roger Corman , "las décadas de 1950 y 1960 fueron la época de mayor influencia del cine artístico. Después de eso, la influencia disminuyó. Hollywood absorbió las lecciones de las películas europeas y las incorporó a sus películas". Corman afirma que "los espectadores pudieron ver algo de la esencia del cine artístico europeo en las películas de Hollywood de los años setenta... [y así], el cine artístico, que nunca fue sólo una cuestión del cine europeo, se convirtió cada vez más en un cine mundial real. —Aunque tuvo dificultades para obtener un amplio reconocimiento". Corman señala que "Hollywood mismo ha ampliado radicalmente su gama estética... porque la gama de temas en cuestión se ha ampliado para incluir las condiciones mismas de la creación de imágenes, de la producción cinematográfica, de la experiencia nueva y prismática mediada por los medios". de la modernidad. Hay una nueva audiencia que ha aprendido sobre películas artísticas en el videoclub". Corman afirma que "actualmente existe la posibilidad de un renacimiento" del cine artístico estadounidense. [21]
El estudioso del cine David Bordwell esbozó la definición académica de "película de arte" en un artículo de 1979 titulado "El cine de arte como modo de práctica cinematográfica", que contrasta las películas de arte con las películas convencionales del cine clásico de Hollywood. Las películas convencionales al estilo de Hollywood utilizan una forma narrativa clara para organizar la película en una serie de "eventos relacionados causalmente que tienen lugar en el espacio y el tiempo", y cada escena conduce hacia una meta. La trama de las películas convencionales está impulsada por un protagonista bien definido, desarrollado con personajes claros y fortalecido con "lógica de preguntas y respuestas, rutinas de resolución de problemas [y] estructuras argumentales de fechas límite". Luego, la película se une con un ritmo rápido, una banda sonora musical para generar las emociones apropiadas de la audiencia y una edición ajustada y fluida. [6]
Por el contrario, Bordwell afirma que "el cine artístico motiva su narrativa por dos principios: realismo y expresividad autoral". Las películas de arte se desvían de las principales normas "clásicas" de la realización cinematográfica en el sentido de que normalmente tratan con estructuras narrativas más episódicas con un "aflojamiento de la cadena de causa y efecto". [6]
Las películas convencionales también abordan dilemas morales o crisis de identidad, pero estas cuestiones suelen resolverse al final de la película. En las películas artísticas, los dilemas se exploran e investigan de forma pensativa, pero normalmente sin una resolución clara al final de la película. [22]
La historia en una película artística a menudo tiene un papel secundario frente al desarrollo de los personajes y la exploración de ideas a través de largas secuencias de diálogo. Si una película artística tiene una historia, suele ser una secuencia a la deriva de episodios vagamente definidos o ambiguos. Puede haber lagunas inexplicables en la película, secuencias deliberadamente poco claras o secuencias extrañas que no están relacionadas con escenas anteriores, que obligan al espectador a hacer subjetivamente su propia interpretación del mensaje de la película. Las películas de arte a menudo "llevan las marcas de un estilo visual distintivo" y el enfoque autoral del director. [23] Una película de cine artístico a menudo se niega a proporcionar una "conclusión fácil de responder", y en lugar de eso impone al espectador la tarea de pensar "¿cómo se cuenta la historia? ¿Por qué contar la historia de esta manera?" [24]
Bordwell afirma que "el cine artístico en sí mismo es un género [cinematográfico], con sus propias convenciones distintas". [7] El teórico del cine Robert Stam también sostiene que el "cine artístico" es un género cinematográfico. Afirma que una película se considera una película de arte en función del estatus artístico, de la misma manera que los géneros cinematográficos pueden basarse en aspectos de las películas como sus presupuestos ( películas de gran éxito o películas de serie B ) o sus intérpretes estrella ( películas de Adam Sandler ). . [25]
Hay estudiosos que señalan que las películas de mercado masivo, como las producidas en Hollywood, atraen a un público menos exigente. [26] Este grupo luego recurre a los críticos de cine como una élite cultural que puede ayudarlos a orientarlos hacia películas más reflexivas y de mayor calidad. Para cerrar la desconexión entre el gusto popular y la alta cultura, se espera que estos críticos de cine expliquen conceptos desconocidos y los hagan atractivos para cultivar un público cinéfilo más exigente. Por ejemplo, un crítico de cine puede ayudar a la audiencia, a través de sus reseñas, a pensar seriamente sobre las películas proporcionándoles los términos de análisis de estas películas artísticas. [27] Adoptando un marco artístico de análisis y reseña de películas, estos críticos de cine brindan a los espectadores una forma diferente de apreciar lo que están viendo. Entonces, cuando se exploran temas controvertidos, el público no descartará ni atacará inmediatamente la película cuando los críticos le informen sobre el valor de la película, por ejemplo, cómo representa el realismo. Aquí, los teatros o casas de arte que exhiben películas artísticas son vistos como "lugares de iluminación cultural" que atraen tanto a críticos como a audiencias intelectuales. Sirve como un lugar donde estos críticos pueden experimentar la cultura y una atmósfera artística donde pueden extraer ideas y material.
La siguiente lista es una pequeña muestra parcial de películas con cualidades de "película artística", compilada para dar una idea general de qué directores y películas se consideran que tienen características de "película artística". Las películas de esta lista demuestran una o más de las características de las películas artísticas: una película seria, no comercial o realizada de forma independiente que no está dirigida a un público masivo. Algunas de las películas de esta lista también se consideran películas de "autor", películas independientes o películas experimentales . En algunos casos, los críticos no están de acuerdo sobre si una película es popular o no. Por ejemplo, mientras que algunos críticos calificaron My Own Private Idaho (1991) de Gus Van Sant como un "ejercicio de experimentación cinematográfica" de "alta calidad artística", [28] The Washington Post la calificó como una película convencional ambiciosa. [29] Algunas películas de esta lista tienen la mayoría de estas características; otras películas son películas comerciales, producidas por estudios convencionales, que, sin embargo, llevan las características del estilo "de autor" de un director o que tienen un carácter experimental. Las películas de esta lista se destacan porque ganaron importantes premios o elogios de críticos de cine influyentes, o porque introdujeron una narrativa o una técnica cinematográfica innovadora.
En las décadas de 1920 y 1930, los cineastas no se propusieron hacer "películas de arte" y los críticos de cine no utilizaron el término "película de arte". Sin embargo, hubo películas que tenían objetivos estéticos sofisticados, como La pasión de Juana de Arco (1928) y Vampyr (1932) de Carl Theodor Dreyer , películas surrealistas como Un chien andalou (1929) de Luis Buñuel y L'Âge d 'O (1930), o incluso películas que tratan de relevancia política y de actualidad, como la famosa e influyente obra maestra de Sergei Eisenstein El acorazado Potemkin . La película estadounidense Sunrise: A Song of Two Humans (1927) del director expresionista alemán FW Murnau utiliza un diseño artístico distorsionado y una cinematografía innovadora para crear un mundo exagerado, parecido a un cuento de hadas, rico en simbolismo e imágenes. La película de Jean Renoir Las reglas del juego (1939) es una comedia costumbrista que trasciende las convenciones de su género al crear una sátira mordaz y trágica de la sociedad de clase alta francesa en los años previos a la Segunda Guerra Mundial; Una encuesta de críticos de Sight & Sound la clasificó como la cuarta mejor película de la historia, ubicándola detrás de Vertigo , Citizen Kane y Tokyo Story . [30]
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Algunas de estas primeras películas de orientación artística fueron financiadas por personas adineradas en lugar de compañías cinematográficas, especialmente en los casos en que el contenido de la película era controvertido o era poco probable que atrajera al público. A finales de la década de 1940, el director británico Michael Powell y Emeric Pressburger hicieron The Red Shoes (1948), una película sobre ballet que se destacó entre las películas de género convencional de la época. En 1945, David Lean dirigió Brief Encounter , una adaptación de la obra de Noël Coward Still Life , que observa una apasionada historia de amor entre un hombre de clase alta y una mujer de clase media en medio de los problemas sociales y económicos que enfrentaba Gran Bretaña en ese momento. .
En la década de 1950, algunas de las películas más conocidas con sensibilidad artística incluyen La Strada (1954), una película sobre una joven que se ve obligada a trabajar para un artista de circo cruel e inhumano para mantener a su familia, y finalmente llega a términos con su situación; Ordet (1955), de Carl Theodor Dreyer , centrada en una familia con falta de fe, pero con un hijo que cree que es Jesucristo y está convencido de que es capaz de realizar milagros; Las noches de Cabiria (1957), de Federico Fellini , que trata sobre los intentos fallidos de una prostituta por encontrar el amor, su sufrimiento y su rechazo; Fresas salvajes (1957), de Ingmar Bergman, cuya narrativa trata de un anciano médico, que también es profesor, cuyas pesadillas le llevan a reevaluar su vida; y Los 400 golpes (1959) de François Truffaut, cuyo personaje principal es un joven que intenta alcanzar la mayoría de edad a pesar del abuso de sus padres, maestros y la sociedad, esta película es el primer gran paso en la Nueva Ola francesa y para el cine. demostró que se pueden hacer películas con poco dinero, actores aficionados y un equipo pequeño. En Polonia, el deshielo de Khrushchev permitió cierta relajación de las políticas culturales del régimen, y producciones como Una generación , Kanal , Cenizas y diamantes , Lotna (1954-1959), todas dirigidas por Andrzej Wajda , mostraron el estilo de la Escuela de Cine Polaca .
En la India , hubo un movimiento de cine artístico en el cine bengalí conocido como " Cine Paralelo " o "Nueva Ola India". Esta era una alternativa al cine comercial convencional. Era conocido por su contenido serio, realismo y naturalismo, con una gran atención al clima sociopolítico de la época. Este movimiento es distinto del cine comercial convencional y comenzó aproximadamente al mismo tiempo que la Nueva Ola francesa y japonesa . Los cineastas más influyentes involucrados en este movimiento fueron Satyajit Ray , Mrinal Sen y Ritwik Ghatak . Algunas de las películas más aclamadas internacionalmente realizadas en ese período fueron The Apu Trilogy (1955-1959), un trío de películas que cuentan la historia del crecimiento de un niño rural pobre hasta la edad adulta, y Distant Thunder (1973) de Satyajit Ray , que Cuenta la historia de un granjero durante una hambruna en Bengala . [31] [32] Otros cineastas bengalíes aclamados involucrados en este movimiento incluyen a Rituparno Ghosh , Aparna Sen y Goutam Ghose .
Los cineastas japoneses produjeron varias películas que rompieron con las convenciones. Rashomon (1950), de Akira Kurosawa , la primera película japonesa que se proyectó ampliamente en Occidente, describe los relatos contradictorios de cuatro testigos sobre una violación y un asesinato. En 1952, Kurosawa dirigió Ikiru , una película sobre un burócrata de Tokio que lucha por encontrar un sentido a su vida. Tokyo Story (1953), de Yasujirō Ozu , explora los cambios sociales de la época contando la historia de una pareja de ancianos que viaja a Tokio para visitar a sus hijos mayores, pero descubre que los niños están demasiado ensimismados para pasar mucho tiempo con ellos. Seven Samurai (1954), de Kurosawa, cuenta la historia de un pueblo agrícola que contrata a siete samuráis sin amo para combatir a los bandidos. Fuegos en la llanura (1959), de Kon Ichikawa , explora la experiencia japonesa en la Segunda Guerra Mundial al representar a un soldado japonés enfermo que lucha por mantenerse con vida. Ugetsu (1953), de Kenji Mizoguchi , es una historia de fantasmas ambientada a finales del siglo XVI, que cuenta la historia de unos campesinos cuya aldea se encuentra en el camino del avance de un ejército. Un año después, Mizoguchi dirigió Sansho the Bailiff (1954), que cuenta la historia de dos niños aristocráticos vendidos como esclavos; Además de abordar temas serios como la pérdida de libertad, la película presenta bellas imágenes y planos largos y complicados.
La década de 1960 fue un período importante en el cine artístico, con el estreno de una serie de películas innovadoras que dieron origen al cine artístico europeo. À bout de souffle ( Sin aliento ) (1960) de Jean-Luc Godard utilizó técnicas visuales y de edición innovadoras, como cortes de salto y trabajo de cámara en mano . Godard, una figura destacada de la Nueva Ola francesa, continuaría haciendo películas innovadoras a lo largo de la década, proponiendo un estilo cinematográfico completamente nuevo. Tras el éxito de Sin aliento , Godard hizo dos películas más muy influyentes, El desprecio en 1963, en la que mostraba su visión del sistema cinematográfico de estudio, la hermosa toma larga y la película dentro de la película, y Pierrot le fou en 1965, que es una mezcla de mezcla de películas policiales y románticas con su estilo anti Hollywood. Jules et Jim , de François Truffaut, deconstruyó una relación compleja de tres personas a través de técnicas innovadoras de escritura de guiones, edición y cámara. El director italiano Michelangelo Antonioni ayudó a revolucionar el cine con películas como L'Avventura (1960), influyente por su fotografía de paisajes y técnicas de encuadre, sigue la desaparición de una joven de clase alta durante un viaje en barco y la posterior búsqueda por parte de su amante y su mejor amigo; La Notte (1961), un examen complejo de un matrimonio fallido que abordaba cuestiones como la anomia y la esterilidad; Eclipse (1962), sobre una joven que es incapaz de formar una relación sólida con su novio debido a su naturaleza materialista; Desierto Rojo (1964), su primera película en color, que aborda la necesidad de adaptarse al mundo moderno; y Blowup (1966), su primera película en inglés, que examina cuestiones de percepción y realidad mientras sigue el intento de un joven fotógrafo de descubrir si había fotografiado un asesinato.
El director sueco Ingmar Bergman comenzó la década de 1960 con piezas de cámara como Winter Light (1963) y The Silence (1963), que abordan temas como el aislamiento emocional y la falta de comunicación. Sus películas de la segunda mitad de la década, como Persona (1966), Shame (1968) y A Passion (1969), abordan la idea del cine como artificio. Las películas intelectuales y visualmente expresivas de Tadeusz Konwicki , como Día de los Difuntos ( Zaduszki , 1961) y Salto (1962), inspiraron debates sobre la guerra y plantearon cuestiones existenciales en nombre de sus protagonistas comunes y corrientes.
La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini describe una sucesión de noches y amaneceres en Roma presenciados por un periodista cínico; esta película es un puente entre su estilo neorrealista italiano anterior y su estilo surrealista posterior . En 1963, Fellini realizó 8½ , una exploración de las dificultades creativas, maritales y espirituales, filmada en blanco y negro por el director de fotografía Gianni di Venanzo . La película de 1961 El año pasado en Marienbad del director Alain Resnais examina la percepción y la realidad, utilizando grandes travellings que se volvieron muy influyentes. Au Hasard Balthazar (1966) y Mouchette (1967) de Robert Bresson destacan por su estilo naturalista y elíptico. El director español Luis Buñuel también contribuyó en gran medida al arte del cine con impactantes sátiras surrealistas como Viridiana (1961) y El ángel exterminador (1962).
La película del director ruso Andrei Tarkovsky Andrei Rublev (1966) es un retrato del pintor de iconos medieval ruso del mismo nombre. La película también trata sobre la libertad artística y la posibilidad y necesidad de hacer arte para y frente a una autoridad represiva. Una versión cortada de la película se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 1969 , donde ganó el premio FIPRESCI . [33] A finales de la década, 2001: Una odisea en el espacio (1968) de Stanley Kubrick cautivó al público con su realismo científico, su uso pionero de efectos especiales y sus imágenes visuales inusuales. En 1969, Andy Warhol estrenó Blue Movie , la primera película de arte para adultos que representa sexo explícito que se estrenó ampliamente en los cines de los Estados Unidos. [17] [18] [19] Según Warhol, Blue Movie fue una gran influencia en la realización de El último tango en París , una película de arte erótico controvertida internacionalmente, dirigida por Bernardo Bertolucci y estrenada unos años después de que se hiciera Blue Movie . [19] En la Armenia soviética , El color de las granadas de Sergei Parajanov , en la que la actriz georgiana Sofiko Chiaureli interpreta cinco personajes diferentes, fue prohibida por las autoridades soviéticas, no estuvo disponible en Occidente durante un largo período y elogiada por el crítico Mikhail Vartanov como " revolucionario"; [34] y a principios de la década de 1980, Les Cahiers du Cinéma colocó la película en su lista de los 10 primeros. [35] En 1967, en la Georgia soviética , el influyente director de cine georgiano Tengiz Abuladze dirigió Vedreba (Entreaty), que se basó en los motivos de las obras literarias de Vaja-Pshavela , donde la historia se cuenta en un estilo narrativo poético, lleno de elementos simbólicos. Escenas con significados filosóficos. En Irán, La vaca (1969), de Dariush Mehrjui , sobre un hombre que se vuelve loco tras la muerte de su amada vaca, desató la nueva ola del cine iraní .
El titiritero Jim Henson tuvo un éxito artístico con su corto no Muppet Time Piece, nominado al Oscar en 1965 . [36]
A principios de la década de 1970, los directores sorprendieron al público con películas violentas como La naranja mecánica (1971), la brutal exploración de las pandillas juveniles futuristas de Stanley Kubrick, y El último tango en París (1972), la película sexualmente explícita y rompedora de tabúes de Bernardo Bertolucci. Película controvertida. Al mismo tiempo, otros directores hicieron películas más introspectivas, como la película meditativa de ciencia ficción Solaris (1972) de Andrei Tarkovsky , supuestamente pensada como una respuesta soviética a 2001 . En 1975 y 1979 respectivamente, Tarkovsky dirigió otras dos películas, que obtuvieron elogios de la crítica en el extranjero: Mirror y Stalker . Terrence Malick , quien dirigió Badlands (1973) y Days of Heaven (1978), compartía muchos rasgos con Tarkovsky, como sus tomas largas y persistentes de belleza natural, imágenes evocadoras y estilo narrativo poético.
Otra característica de las películas artísticas de la década de 1970 fue el regreso a la prominencia de personajes e imágenes extraños; que abundan en el atormentado y obsesionado personaje principal de Aguirre, la ira de Dios (1973), del director alemán de la Nueva Ola Werner Herzog , y en películas de culto como la psicodélica La montaña sagrada (1973) de Alejandro Jodorowsky , sobre un ladrón y un Alquimista que busca la mítica Isla del Loto . [37] La película Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese , continúa los temas que exploró La naranja mecánica : una población alienada que vive en una sociedad violenta y en decadencia. La violencia descarnada y la furia hirviente de la película de Scorsese contrastan con otras películas estrenadas en el mismo período, como el clásico onírico, surrealista e industrial en blanco y negro de David Lynch, Eraserhead (1977). [38] En 1974, John Cassavetes ofreció un agudo comentario sobre la vida obrera estadounidense en Una mujer bajo la influencia , que presenta a una ama de casa excéntrica que desciende lentamente hacia la locura. [39]
También en la década de 1970, Radley Metzger dirigió varias películas de arte para adultos , como Barbara Broadcast (1977), que presentaba una atmósfera surrealista "buñelliana", [40] y The Opening of Misty Beethoven (1976), basada en la obra Pigmalión de George Bernard Shaw (y su derivado, My Fair Lady ), que fue considerada, según el galardonado autor Toni Bentley , la "joya de la corona" de la Edad de Oro del porno , [41] [42] una era en la cultura estadounidense moderna. cultura que fue inaugurada con el estreno de Blue Movie (1969) de Andy Warhol y que presentó el fenómeno del " porno chic " [43] [44] en el que las películas eróticas para adultos comenzaron a obtener un amplio estreno, fueron discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ) [45] y tomados en serio por los críticos de cine (como Roger Ebert ). [46] [47]
En 1980, el director Martin Scorsese ofreció al público, que se había acostumbrado a las exitosas aventuras escapistas de Steven Spielberg y George Lucas , el realismo crudo y crudo de su película Toro Salvaje . En esta película, el actor Robert De Niro llevó el método de actuación al extremo para retratar el declive de un boxeador desde un joven luchador premiado hasta un ex propietario de un club nocturno con sobrepeso. Blade Runner (1982) de Ridley Scott también podría verse como una película de ciencia ficción, junto con 2001: Una odisea en el espacio (1968). Blade Runner explora temas de existencialismo o lo que significa ser humano. Un fracaso de taquilla, la película se hizo popular en el circuito de cine de autor como una rareza de culto después de que el lanzamiento de una "versión del director" se convirtiera en un éxito a través del vídeo casero VHS . A mediados de la década, el director japonés Akira Kurosawa utilizó el realismo para retratar la violencia brutal y sangrienta de la guerra samurái japonesa del siglo XVI en Ran (1985). Ran siguió la trama de El rey Lear , en la que un rey anciano es traicionado por sus hijos. Sergio Leone también contrastó la violencia brutal con la sustancia emocional en su historia épica de la vida mafiosa en Érase una vez en América .
Otros directores de la década de 1980 eligieron un camino más intelectual, explorando cuestiones filosóficas y éticas como El hombre de hierro (1981) de Andrzej Wajda , una crítica al gobierno comunista polaco, que ganó la Palma de Oro de 1981 en el Festival de Cine de Cannes . Otro director polaco, Krzysztof Kieślowski , realizó El Decálogo para televisión en 1988, una serie de películas que explora cuestiones éticas y enigmas morales. Dos de estas películas se estrenaron en cines como Un cortometraje sobre el amor y Un cortometraje sobre matar . En 1989, Woody Allen hizo, en palabras del crítico del New York Times Vincent Canby , su película más "seguramente seria y divertida hasta la fecha", Crimes and Misdemeanors , que involucra múltiples historias de personas que intentan encontrar la simplicidad moral y espiritual mientras enfrentando problemas y pensamientos terribles relacionados con las decisiones que toman. El director francés Louis Malle eligió otro camino moral para explorar con la dramatización de sus experiencias infantiles de la vida real en Au revoir les enfants , que describe la deportación de judíos franceses a campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial por parte del gobierno ocupante nazi.
Otra película artística de esta época elogiada por la crítica, [48] la road movie de Wim Wenders Paris, Texas (1984), también ganó la Palma de Oro. [49] [50] [51]
Kieślowski no fue el único director que trascendió la distinción entre cine y televisión. Ingmar Bergman realizó Fanny y Alexander (1982), que se mostró por televisión en una versión ampliada de cinco horas. En el Reino Unido, Channel 4 , un nuevo canal de televisión, financió, total o parcialmente, numerosas películas estrenadas en salas a través de su filial Film 4 . Wim Wenders ofreció otro enfoque de la vida desde un punto de vista espiritual en su película de 1987 Wings of Desire , una representación de un "ángel caído" que vive entre hombres, que ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes .
En 1982, el director experimental Godfrey Reggio lanzó el sorprendente éxito artístico Koyaanisqatsi ; una película sin diálogo, que enfatiza la cinematografía (que consiste principalmente en cinematografía en cámara lenta y lapso de tiempo de ciudades y paisajes naturales, que da como resultado un poema tonal visual ) y la ideología filosófica sobre la tecnología y el medio ambiente. [52] [53] [54]
Otro enfoque utilizado por los directores en la década de 1980 fue crear mundos alternativos extraños y surrealistas. After Hours (1985) de Martin Scorsese es una comedia y suspenso que describe las desconcertantes aventuras de un hombre en un mundo nocturno surrealista de encuentros casuales con personajes misteriosos. Blue Velvet (1986) de David Lynch , un thriller de misterio al estilo del cine negro lleno de simbolismos y metáforas sobre mundos polarizados y habitados por personajes distorsionados que se esconden en el sórdido inframundo de una pequeña ciudad, tuvo un éxito sorprendente considerando su inquietante tema en cuestion. The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989) de Peter Greenaway es una comedia negra y de fantasía sobre el canibalismo y la violencia extrema con un tema intelectual: una crítica de la "cultura de élite" en la Gran Bretaña thatcheriana .
Según Raphaël Bassan , en su artículo " El ángel : un météore dans le ciel de l'animation", [55] El ángel de Patrick Bokanowski , proyectada en el Festival de cine de Cannes de 1982 , puede considerarse el comienzo de la animación contemporánea. Las máscaras de los personajes borran toda personalidad humana y dan la impresión de un control total sobre la "materia" de la imagen y su composición óptica, utilizando áreas distorsionadas, visiones oscuras, metamorfosis y objetos sintéticos.
En 1989, Una ciudad de tristeza, de Hou Hsiao-hsien , se convirtió en la primera película taiwanesa en recibir el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia . La película muestra la historia de Taiwán a través de una familia y marca otro paso de la Nueva Ola Taiwanesa, que tiende a representar la vida realista y con los pies en la tierra tanto en el Taiwán urbano como en el rural.
En la década de 1990, los directores se inspiraron en el éxito de Blue Velvet (1986) de David Lynch y The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989) de Peter Greenaway y crearon películas con extraños mundos alternativos y elementos de surrealismo. . Dreams (1990) , del director japonés Akira Kurosawa, describió sus ensueños imaginativos en una serie de viñetas que van desde idílicos paisajes rurales pastorales hasta horribles visiones de demonios atormentados y un arruinado paisaje posguerra nuclear. Barton Fink (1991), de los hermanos Coen, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , presenta varias alusiones literarias en una historia enigmática sobre un escritor que se encuentra con una variedad de personajes extraños, incluido un novelista alcohólico y abusivo y un asesino en serie. Lost Highway (1997), del mismo director que Blue Velvet , es un thriller psicológico que explora mundos de fantasía, extrañas transformaciones espacio-temporales y crisis mentales utilizando imágenes surrealistas.
Otros directores de la década de 1990 exploraron cuestiones y temas filosóficos como la identidad, el azar, la muerte y el existencialismo. My Own Private Idaho (1991) de Gus Van Sant y Chungking Express (1994) de Wong Kar-wai exploraron el tema de la identidad. La primera es una road movie independiente sobre dos jóvenes estafadores callejeros, que explora el tema de la búsqueda de un hogar y una identidad. Se calificó como "un punto culminante en el cine independiente de los noventa", [56] una "meditación cruda y poética", [57] y un "ejercicio de experimentación cinematográfica" [58] de "alta calidad artística". [28] Chungking Express [59] explora temas de identidad, desconexión, soledad y aislamiento en la "jungla de cemento metafórica" del Hong Kong moderno. Todd Haynes exploró la vida de un ama de casa suburbana y su eventual muerte a causa de materiales tóxicos en el éxito crítico de 1995, Safe . [60]
En 1991, otra película importante de Edward Yang , un director de la Nueva Ola taiwanesa, Un día de verano más brillante es el retrato de la vida normal de un adolescente que fue evacuado de China a Taiwán, afectado por la situación política, la situación escolar y la situación familiar que lo convierten en un protagonista principal. Al final asesina a una chica. En 1992, Rebels of the Neon God , primer largometraje de Tsai Ming-liang , segunda generación de la Nueva Ola Taiwanesa, tiene su estilo cinematográfico único como la alienación, el movimiento lento del actor (su reparto recurrente, Lee Kang-sheng ), ritmo lento y pocos diálogos.
La película Seven Servants (1996) de Daryush Shokof es una pieza original de cine de alto arte sobre un hombre que se esfuerza por "unir" las razas del mundo hasta su último aliento. Un año después de Seven Servants , la película de Abbas Kiarostami Taste of Cherry (1997), [61] que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, cuenta una historia similar con un giro diferente; Ambas películas tratan sobre un hombre que intenta contratar a una persona para que lo entierre después de suicidarse. Seven Servants se rodó en un estilo minimalista, con tomas largas, un ritmo pausado y largos periodos de silencio. La película también se destaca por el uso de planos generales y planos generales para crear una sensación de distancia entre la audiencia y los personajes. Las obras de Zhang Yimou de principios de la década de 1990, como Ju Dou (1990), Raise the Red Lantern (1991), The Story of Qiu Ju (1992) y To Live (1994), exploran las emociones humanas a través de narrativas conmovedoras. To Live ganó el Gran Premio del Jurado.
Varias películas de la década de 1990 exploraron temas de orientación existencialista relacionados con la vida, el azar y la muerte. Short Cuts (1993) de Robert Altman explora temas de azar, muerte e infidelidad rastreando 10 historias paralelas y entrelazadas. La película, que ganó el León de Oro y la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia , fue calificada como un "mural de jazz ecléctico polifacético, de muchos estados de ánimo y deslumbrantemente estructurado" por el crítico del Chicago Tribune , Michael Wilmington. La doble vida de Véronique (1991) , de Krzysztof Kieślowski , es un drama sobre el tema de la identidad y una alegoría política sobre la división Este/Oeste en Europa; la película presenta una cinematografía estilizada, una atmósfera etérea y elementos sobrenaturales inexplicables.
La película Pi (1998) de Darren Aronofsky es una "película increíblemente compleja y ambigua llena de un estilo y una sustancia increíbles" sobre la "búsqueda de la paz" de un matemático paranoico. [62] La película crea un " mundo espeluznante parecido a Eraserhead " inspirado en David Lynch [63] filmado en "blanco y negro, que presta una atmósfera de ensueño a todos los procedimientos" y explora temas como "metafísica y espiritualidad". [64] The Cremaster Cycle (1994-2002) de Matthew Barney es un ciclo de cinco películas simbólicas y alegóricas que crean un sistema estético cerrado en sí mismo, destinado a explorar el proceso de creación. Las películas están llenas de alusiones a los órganos reproductivos y al desarrollo sexual, y utilizan modelos narrativos extraídos de la biografía, la mitología y la geología.
En 1997, Terrence Malick regresó de una ausencia de 20 años con The Thin Red Line , una película de guerra que utiliza la poesía y la naturaleza para diferenciarse de las típicas películas de guerra. Estuvo nominada a siete premios de la Academia , incluidos Mejor Película y Mejor Director. [sesenta y cinco]
Algunas películas de los noventa mezclan una atmósfera visual etérea o surrealista con la exploración de cuestiones filosóficas. Sátántangó (1994), del director húngaro Béla Tarr , es una película de 7+Película de media hora de duración, rodada en blanco y negro, que trata sobre el tema favorito de Tarr, la insuficiencia, mientras el estafador Irimias regresa a una aldea en un lugar no especificado en Hungría, presentándose como un líder y figura del Mesías ante el aldeanos crédulos. La trilogía Tres colores de Kieslowski(1993-1994), en particular Azul (1993) y Rojo (1994), tratan de las relaciones humanas y de cómo las personas las afrontan en su vida cotidiana. La trilogía de películas se denominó "exploraciones de espiritualidad y existencialismo" [66] que crearon una "experiencia verdaderamente trascendente". [67] The Guardian incluyó Breaking the Waves (1996) como una de sus 25 mejores películas de autor. El crítico afirmó que "[todos] los ingredientes que han llegado a definir la carrera de Lars von Trier (y, a su vez, gran parte del cine europeo moderno) están presentes aquí: actuación en la cuerda floja, técnicas visuales innovadoras, una heroína que sufre, drama que aborda temas conflictivos y un toque galvanizador de controversia para hacer que todo sea imperdible". [68]
Lewis Beale, de Film Journal International, afirmó que la película occidental del director australiano Andrew Dominik El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007) es "una obra fascinante de base literaria que tiene éxito como película de arte y de género". [69] A diferencia de las películas de acción de Jesse James del pasado, la epopeya poco convencional de Dominik tal vez detalla con mayor precisión la psique abandonada del forajido durante los últimos meses de su vida mientras sucumbe a la paranoia de ser capturado y desarrolla una amistad precaria con su eventual asesino, Robert Ford .
En 2009, el director Paul Thomas Anderson afirmó que su película de 2002 Punch-Drunk Love sobre un adicto a la ira tímido y reprimido era "una película de arte de Adam Sandler ", una referencia a la improbable inclusión del cómico "chico de fraternidad" Sandler en la película. ; El crítico Roger Ebert afirma que Punch Drunk Love "puede ser la clave de todas las películas de Adam Sandler y puede liberar a Sandler para una nueva dirección en su trabajo. No puede seguir haciendo esas estúpidas comedias para siempre, ¿verdad? ¿Quién lo haría? ¿Habías adivinado que tenía profundidades tan inexploradas? [70]
El tío Boonmee de Apichatpong Weerasethakul , que puede recordar sus vidas pasadas , que ganó la Palma de Oro de Cannes en 2010, "une lo que podrían ser simplemente una serie de escenas bellamente filmadas con reflexiones conmovedoras y divertidas sobre la naturaleza de la muerte y la reencarnación, el amor , pérdida y karma". [71] Weerasethakul es un director de cine, guionista y productor de cine independiente, que trabaja fuera de los estrictos límites del sistema de estudios de cine tailandés. Sus películas tratan sobre los sueños, la naturaleza, la sexualidad, incluida su propia homosexualidad, [72] y las percepciones occidentales de Tailandia y Asia. Las películas de Weerasethakul muestran una preferencia por estructuras narrativas no convencionales (como colocar títulos/créditos en la mitad de una película) y por trabajar con personas que no son actores.
El árbol de la vida (2011) , de Terrence Malick , se estrenó después de décadas de desarrollo y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2011 ; fue muy elogiado por la crítica. En el Teatro Avon en Stamford, Connecticut , se publicó un mensaje sobre la política de no reembolso del teatro debido a "algunos comentarios de los clientes y una respuesta polarizada de la audiencia" a la película. El teatro afirmó que "respalda esta ambiciosa obra de arte y otras películas desafiantes". [73] Drive (2011), dirigida por Nicolas Winding Refn , [74] se llama comúnmente una película de acción de autor . [75] También en 2011, el director Lars von Trier estrenó Melancholia , una película que trata sobre la depresión y otros trastornos mentales y al mismo tiempo muestra la reacción de una familia ante un planeta que se acerca y que podría colisionar con la Tierra. La película fue bien recibida, algunos afirmaron que era la obra maestra de Von Trier y otros destacaron la actuación de Kirsten Dunst , las imágenes y el realismo representados en la película.
Under the Skin de Jonathan Glazer (un ejemplo de " ciencia ficción de autor " [76] ) se proyectó en el Festival de Cine de Venecia de 2013 y se estrenó en cines a través del estudio independiente A24 el año siguiente. La película, protagonizada por Scarlett Johansson , sigue a una extraterrestre con forma humana mientras viaja por Glasgow , recogiendo hombres desprevenidos para tener relaciones sexuales, cosechando su carne y despojándolos de su humanidad. La película, que trata temas como la sexualidad, la humanidad y la cosificación, recibió críticas positivas [77] y fue aclamada por algunos como una obra maestra; [78] El crítico Richard Roeper describió la película como "de lo que hablamos cuando hablamos del cine como arte". [79]
Esta década también vio un resurgimiento del " art horror " [80] con el éxito de películas como Beyond the Black Rainbow (2010), Black Swan (2010), Stoker (2013), Enemy (2013), The Babadook (2014 ). ), Sólo los amantes sobreviven (2014), Una chica regresa sola a casa por la noche (2014), Buenas noches mami (2014), Nightcrawler (2014), It Follows (2015), The Witch (2015), The Wailing (2016), Split (2016), el thriller social Get Out (2017), Mother! (2017), Annihilation (2018), A Quiet Place (2018), Hereditary (2018), Suspiria (2018; una nueva versión de la película homónima de 1977 ), Mandy (2018), The Nightingale (2018), The House That Jack Built (2018), Us (2019), Midsommar (2019), The Lighthouse (2019), Color Out of Space (2019) y la ganadora del Óscar a la mejor película, Parasite (2019). [81] [82] [83] [84] [85]
Roma (2018), es una película de Alfonso Cuarón inspirada en su infancia viviendo en el México de los años 70. Rodada en blanco y negro, trata temas compartidos con películas pasadas de Cuarón, como la mortalidad y la clase. La película se distribuyó a través de Netflix , lo que le valió al gigante del streaming su primeranominación al Premio de la Academia a la Mejor Película . [86]
La animación de autor (con títulos nominados al Oscar como Song of the Sea y Loving Vincent ) también estaba ganando impulso durante esta era como una alternativa a las películas animadas convencionales junto con las obras de los aclamados animadores Satoshi Kon , Don Hertzfeldt y Ari Folman de la década anterior. [87] [88] [89]
Tom Shone dijo sobre el trabajo de Christopher Nolan : "Ha completado once largometrajes, [...] todos cumpliendo los requisitos del entretenimiento de estudio, pero indeleblemente marcados con el tipo de temas y obsesiones personales que son tradicionalmente dominio exclusivo del arte. casa: el paso del tiempo, los fallos de la memoria, nuestras peculiaridades de negación y desviación, el mecanismo íntimo de nuestra vida interior, frente a paisajes en los que las fallas del industrialismo tardío se encuentran con los puntos de fisura y las paradojas de la era de la información . [90]
Las críticas a las películas artísticas incluyen ser demasiado pretenciosas y autoindulgentes para el público general. [91] [92] [93]
El crítico de cine de LA Weekly, Michael Nordine, citó las películas Gummo (1997) como una " película de explotación artística" y Amores Perros (2000) que ejemplifican "el estereotipo artístico de presentar más perros muertos que Where the Red Fern Grows y todos los demás". libro que tenías que leer en la escuela secundaria". [94]
Se ha identificado la televisión artística de calidad , [95] un género o estilo televisivo que comparte algunos de los mismos rasgos que las películas artísticas. Los programas de televisión, como Twin Peaks de David Lynch y The Singing Detective de la BBC , también tienen "una relajación de la causalidad, un mayor énfasis en el realismo psicológico o anecdótico, violaciones de la claridad clásica del espacio y el tiempo, comentarios explícitos del autor y ambigüedad". ". [96]
Como ocurre con muchos de los otros trabajos de Lynch (en particular, la película Blue Velvet ), Twin Peaks explora el abismo entre el barniz de respetabilidad de un pueblo pequeño y las capas más sórdidas de vida que acechan bajo su superficie. El programa es difícil de ubicar en un género televisivo definido; Estilísticamente, toma prestado el tono inquietante y las premisas sobrenaturales de las películas de terror y al mismo tiempo ofrece una parodia extrañamente cómica de las telenovelas estadounidenses con una presentación cursi y melodramática de las actividades moralmente dudosas de sus extravagantes personajes. El espectáculo representa una seria investigación moral que se distingue tanto por un humor extraño como por una profunda veta de surrealismo , incorporando viñetas muy estilizadas, imágenes artísticas surrealistas y a menudo inaccesibles junto con una narrativa de los acontecimientos que de otro modo sería comprensible.
La serie de televisión Black Mirror de Charlie Brooker , ganadora del premio Emmy y centrada en el Reino Unido, explora los temas oscuros y a veces satíricos de la sociedad moderna, particularmente en lo que respecta a las consecuencias imprevistas de las nuevas tecnologías; Si bien se clasificó como "ficción especulativa", más que como televisión artística, recibió críticas muy favorables. The Wire de HBO también podría calificarse como "televisión artística", ya que ha obtenido una mayor atención crítica por parte de los académicos que la que reciben la mayoría de los programas de televisión. Por ejemplo, la revista de teoría cinematográfica Film Quarterly ha incluido el programa en su portada. [97]
Las películas artísticas han sido parte de la cultura popular, desde comedias animadas como Los Simpson [98] y Clone High, parodiándolas y satirizándolas [99] hasta incluso la serie web de reseñas de películas cómicas Brows Held High (presentada por Kyle Kallgren). [100] [101]