La historia del cine narra el desarrollo de una forma de arte visual creada utilizando tecnologías cinematográficas que comenzó a finales del siglo XIX.
El advenimiento del cine como medio artístico no está claramente definido. Hubo proyecciones cinematográficas anteriores realizadas por otros, sin embargo, la proyección comercial y pública de diez cortometrajes de los hermanos Lumière en París el 28 de diciembre de 1895 puede considerarse como el gran avance de las películas cinematográficas proyectadas. Las primeras películas eran en blanco y negro, duraban menos de un minuto, no tenían sonido grabado y consistían en una sola toma de una cámara fija. En la primera década, el cine pasó de ser una novedad a una industria de entretenimiento de masas establecida, con compañías de producción cinematográfica y estudios establecidos en todo el mundo. Se desarrollaron convenciones hacia un lenguaje cinematográfico general, y la edición de películas, los movimientos de cámara y otras técnicas cinematográficas contribuyeron a desempeñar papeles específicos en la narrativa de las películas.
Los nuevos medios populares, incluida la televisión (generalizada desde la década de 1950), el video doméstico (década de 1980) e Internet (década de 1990), influyeron en la distribución y el consumo de películas. La producción cinematográfica generalmente respondió con contenido que se adaptaba a los nuevos medios e innovaciones técnicas (incluida la pantalla ancha (década de 1950), el cine 3D y 4D ) y películas más espectaculares para mantener atractivas las proyecciones en salas. Los sistemas que eran más baratos y más fáciles de manejar (incluidas las películas de 8 mm , el video y las cámaras de los teléfonos inteligentes ) permitieron que un número cada vez mayor de personas crearan películas de diversas calidades, para cualquier propósito, incluidas las películas caseras y el videoarte . La calidad técnica generalmente era inferior a las películas profesionales, pero mejoró con el video digital y las cámaras digitales asequibles y de alta calidad . Mejorando con el tiempo, los métodos de producción digital se volvieron más populares durante la década de 1990, lo que resultó en efectos visuales cada vez más realistas y animaciones por computadora de largometraje populares .
A lo largo de la historia del cine han surgido diversos géneros cinematográficos que han gozado de distintos grados de éxito.
El uso del cine como forma de arte tiene sus orígenes en varias tradiciones anteriores en las artes, como la narración oral , la literatura, el teatro y las artes visuales. La cantastoria y otras tradiciones antiguas similares combinaban la narración con una serie de imágenes que se mostraban o indicaban una tras otra. Los predecesores del cine que ya utilizaban la luz y las sombras para crear arte antes de la llegada de la tecnología cinematográfica moderna incluyen la sombragrafía , el teatro de sombras , la cámara oscura y la linterna mágica .
La sombragrafía y el teatro de sombras son ejemplos tempranos de la intención de utilizar imágenes en movimiento para el entretenimiento y la narración de historias. [1] Se cree que esta forma de arte, que se originó en el Lejano Oriente, utilizaba sombras proyectadas por manos u objetos para ayudar en la creación de narrativas. El teatro de sombras gozó de popularidad durante siglos en Asia, especialmente en Java , y finalmente se extendió a Europa durante la Era de las Luces . [2]
En el siglo XVI, los artistas a menudo evocaban imágenes de apariciones fantasmales, utilizando técnicas como la cámara oscura y otras formas de proyección para mejorar sus actuaciones. [3] Los espectáculos de linterna mágica desarrollados en la segunda mitad del siglo XVII parecen haber continuado esta tradición con imágenes de muerte, monstruos y otras figuras aterradoras. [4] Alrededor de 1790, esta práctica se desarrolló en un tipo de espectáculo de fantasmas multimedia conocido como fantasmagoría . Estos espectáculos populares entretenían al público utilizando diapositivas mecánicas, retroproyección, proyectores móviles, superposición , disoluciones , actores en vivo, humo (sobre el que se pueden haber lanzado proyecciones), olores, sonidos e incluso descargas eléctricas. [5] [6] Si bien muchos de los primeros espectáculos de linterna mágica estaban destinados a asustar a los espectadores, los avances de los proyeccionistas permitieron una narración creativa e incluso educativa que podía atraer a un público familiar más amplio. [7] Las técnicas recientemente desarrolladas, como el uso de vistas disueltas y el cromatropo, permitieron transiciones más suaves entre dos imágenes proyectadas y ayudaron a proporcionar narrativas más sólidas. [8]
En 1833, el estudio científico de una ilusión estroboscópica en ruedas de radios por Joseph Plateau , Michael Faraday y Simon Stampfer condujo a la invención del Fantascopio, también conocido como disco estroboscópico o fenaquistiscopio , que fue popular en varios países europeos durante un tiempo. Plateau pensó que podría desarrollarse más para su uso en fantasmagorías y Stampfer imaginó un sistema para escenas más largas con tiras sobre rodillos, así como una versión transparente (probablemente destinada a la proyección). Plateau, Charles Wheatstone , Antoine Claudet y otros intentaron combinar la técnica con el estereoscopio (introducido en 1838) y la fotografía (introducida en 1839) para una ilusión más completa de la realidad, pero durante décadas tales experimentos se vieron obstaculizados principalmente por la necesidad de largos tiempos de exposición, con desenfoque de movimiento alrededor de los objetos que se movían mientras la luz reflejada caía sobre los productos químicos fotosensibles. Unas cuantas personas lograron obtener resultados decentes con las técnicas de stop motion , pero éstas solo se comercializaron muy raramente y ninguna forma de fotografía animada tuvo mucho impacto cultural antes de la llegada de la cronofotografía.
La mayoría de las primeras secuencias fotográficas, conocidas como cronofotografía , no estaban pensadas inicialmente para ser vistas en movimiento y se presentaban típicamente como un método serio, incluso científico, de estudiar la locomoción. Las secuencias involucraban casi exclusivamente a humanos o animales realizando un movimiento simple frente a la cámara. [9] A partir de 1878 con la publicación de las tarjetas de gabinete The Horse in Motion , el fotógrafo Eadweard Muybridge comenzó a realizar cientos de estudios cronofotográficos del movimiento de animales y humanos en tiempo real. Pronto lo siguieron otros cronofotógrafos como Étienne-Jules Marey , Georges Demenÿ , Albert Londe y Ottomar Anschütz . En 1879, Muybridge comenzó a dar conferencias sobre locomoción animal y usó su Zoopraxiscopio para proyectar animaciones de los contornos de sus grabaciones, trazados en discos de vidrio. [10]
En 1887, el inventor y fotógrafo alemán Ottomar Anschütz comenzó a presentar sus grabaciones cronofotográficas en movimiento, utilizando un dispositivo que llamó Elektrischen Schnellseher (también conocido como Electrotachyscope ), que mostraba bucles cortos en una pequeña pantalla de vidrio lechoso. En 1891, había comenzado la producción en masa de un dispositivo de visualización con mirilla más económico, que funcionaba con monedas y que llevaba el mismo nombre y que se exhibió en ferias y exposiciones internacionales. Algunas máquinas se instalaron durante períodos más largos, incluidas algunas en el Crystal Palace de Londres y en varias tiendas de Estados Unidos. Cambiando el enfoque del medio del interés técnico y científico en movimiento al entretenimiento para las masas, grabó luchadores, bailarines, acróbatas y escenas de la vida cotidiana. Casi 34.000 personas pagaron para ver sus espectáculos en el Parque de Exposiciones de Berlín en el verano de 1892. Otros lo vieron en Londres o en la Feria Mundial de Chicago de 1893 . Aunque quedan pocas pruebas de la mayoría de estas grabaciones, algunas escenas probablemente mostraban secuencias cómicas escenificadas. Los registros existentes sugieren que parte de su producción influyó directamente en obras posteriores de la Edison Company, como la película de 1894 Fred Ott's Sneeze . [11]
Los avances en la tecnología de proyección de películas cinematográficas se basaron en la popularidad de las linternas mágicas, las demostraciones cronofotográficas y otras formas de entretenimiento proyectado estrechamente relacionadas, como las canciones ilustradas . Desde octubre de 1892 hasta marzo de 1900, el inventor Émile Reynaud exhibió su sistema cinematográfico Théâtre Optique ("Teatro Óptico") en el Museo Grévin de París. El dispositivo de Reynaud, que proyectaba una serie de historias animadas como Pauvre Pierrot y Autour d'une cabinete , se mostró a más de 500.000 visitantes en el transcurso de 12.800 funciones. [12] [13] El 25, 29 y 30 de noviembre de 1894, Ottomar Anschütz proyectó imágenes en movimiento de discos de electrotaquiscopio en una pantalla grande en el oscuro Gran Auditorio de un edificio de correos en Berlín. Del 22 de febrero al 30 de marzo de 1895 se proyectó en el antiguo Reichstag un programa comercial de una hora y media de duración compuesto por 40 escenas diferentes para un público de 300 personas y recibió alrededor de 4.000 visitantes. [14]
A lo largo de finales del siglo XIX, varios inventores como Wordsworth Donisthorpe , Louis Le Prince , William Friese-Greene y los hermanos Skladanowsky hicieron contribuciones pioneras al desarrollo de dispositivos que pudieran capturar y mostrar imágenes en movimiento, sentando las bases para el surgimiento del cine como medio artístico. Las escenas de estos experimentos sirvieron principalmente para demostrar la tecnología en sí y generalmente se filmaron con familiares, amigos o tráfico que pasaba como sujetos en movimiento. La película más antigua que sobrevivió, conocida hoy como Roundhay Garden Scene (1888), fue capturada por Louis Le Prince y mostraba brevemente a miembros de su familia en movimiento. [15]
En junio de 1889, el inventor estadounidense Thomas Edison asignó a un asistente de laboratorio, William Kennedy Dickson , para ayudar a desarrollar un dispositivo que pudiera producir imágenes para acompañar los sonidos producidos por el fonógrafo . Basándose en máquinas anteriores de Muybridge, Marey, Anschütz y otros, Dickson y su equipo crearon el visor de mirilla Kinetoscopio , con bucles de celuloide que contenían aproximadamente medio minuto de entretenimiento cinematográfico. [16] Después de un preestreno temprano el 20 de mayo de 1891, Edison presentó la máquina en 1893. [17] Muchas de las películas presentadas en el Kinetoscopio mostraban actos de vodevil conocidos que se realizaban en el estudio Black Maria de Edison . [18] El kinetoscopio se convirtió rápidamente en una sensación mundial con múltiples salas de proyección en las principales ciudades en 1895. [17] A medida que la novedad inicial de las imágenes desapareció, la Edison Company tardó en diversificar su repertorio de películas y el menguante interés público hizo que el negocio se desacelerara en la primavera de 1895. Para remediar la disminución de las ganancias, se llevaron a cabo experimentos, como The Dickson Experimental Sound Film , en un intento de lograr el objetivo original del dispositivo de proporcionar acompañamiento visual para grabaciones de sonido. Sin embargo, las limitaciones en la sincronización del sonido con las imágenes impidieron su aplicación generalizada. [19] Durante ese mismo período, los inventores comenzaron a avanzar tecnologías hacia la proyección de películas que eventualmente superarían al formato de mirilla de Edison. [20]
Los hermanos Skladanowsky utilizaron su Bioscop, fabricado por ellos mismos, para mostrar la primera película en movimiento ante un público que pagaba entrada el 1 de noviembre de 1895 en Berlín. Pero no tenían la calidad ni los recursos financieros para adquirir impulso. La mayoría de estas películas nunca pasaron de la etapa experimental y sus esfuerzos obtuvieron poca atención del público hasta que el cine se convirtió en un éxito.
En la segunda mitad de 1895, los hermanos Auguste y Louis Lumière filmaron una serie de escenas cortas con su invento, el cinematógrafo . El 28 de diciembre de 1895, los hermanos dieron su primera proyección comercial en París (aunque existen evidencias de demostraciones del dispositivo para pequeñas audiencias ya en octubre de 1895). [21] La proyección consistió en diez películas y duró aproximadamente 20 minutos. El programa consistió principalmente en películas de actualidad como Trabajadores saliendo de la fábrica Lumière como documentos veraces del mundo, pero el espectáculo también incluyó la comedia escenificada L'Arroseur Arrosé . [22] La demostración más avanzada de proyección de películas hasta el momento, el cinematógrafo fue un éxito instantáneo, recaudando un promedio de 2500 a 3000 francos diarios a fines de enero de 1896. [17] Después de la primera proyección, el orden y la selección de películas se cambiaron a menudo. [20]
Los intereses comerciales principales de los hermanos Lumière eran la venta de cámaras y equipos cinematográficos a los exhibidores, no la producción propiamente dicha de películas. A pesar de ello, los cineastas de todo el mundo se inspiraron en el potencial del cine, ya que los exhibidores llevaban sus producciones a nuevos países. Esta era de la cinematografía, apodada por el historiador de cine Tom Gunning como "el cine de atracciones", ofrecía una forma relativamente barata y sencilla de proporcionar entretenimiento a las masas. En lugar de centrarse en las historias, sostiene Gunning, los cineastas se basaban principalmente en la capacidad de deleitar al público mediante el "poder ilusorio" de ver secuencias en movimiento, de forma muy similar a lo que hicieron en la era del kinetoscopio que la precedió. [23] A pesar de ello, sí se produjo una experimentación temprana con el cine de ficción (tanto en el cine real como en otros géneros). Las películas se proyectaban principalmente en espacios temporales en escaparates, en carpas de exhibidores itinerantes en ferias o como actos "tontos" en programas de vodevil. [24] Durante este período, antes de que el proceso de posproducción estuviera claramente definido, los exhibidores podían ejercer su libertad creativa en sus presentaciones. Para mejorar la experiencia de los espectadores, algunas proyecciones estaban acompañadas por músicos en vivo en una orquesta, un órgano de teatro, efectos de sonido en vivo y comentarios del showman o proyeccionista. [25] [26]
Los experimentos en edición cinematográfica, efectos especiales, construcción narrativa y movimiento de cámara durante este período por parte de cineastas en Francia, Inglaterra y Estados Unidos se volvieron influyentes en el establecimiento de una identidad para el cine en el futuro. Tanto en los estudios Edison como en los Lumière, las narrativas sueltas como la película de Edison de 1895, Washday Troubles, establecieron dinámicas de relaciones cortas y tramas simples. [27] En 1896, se estrenó por primera vez La Fée aux Choux ( El hada de las coles ) . Dirigida y editada por Alice Guy , la historia es posiblemente la película narrativa más antigua de la historia, así como la primera película dirigida por una mujer. [28] Ese mismo año, Edison Manufacturing Company estrenó The May Irwin Kiss en mayo con un gran éxito financiero. La película, que presentó el primer beso en la historia del cine, dio lugar a los primeros llamados conocidos a la censura cinematográfica . [29]
Otro de los primeros productores cinematográficos fue el Limelight Department de Australia . A partir de 1898, fue operado por el Ejército de Salvación en Melbourne , Australia. El Limelight Department produjo material evangelístico para uso del Ejército de Salvación, incluidas diapositivas de linterna desde 1891, así como contratos privados y gubernamentales. En sus diecinueve años de funcionamiento, el Limelight Department produjo alrededor de 300 películas de diversas duraciones, lo que lo convirtió en uno de los mayores productores cinematográficos de su tiempo. El Limelight Department hizo una película de 1904 de Joseph Perry llamada Bushranging en el norte de Queensland , que se cree que es la primera película sobre bushrangers.
En sus inicios, el cine rara vez fue reconocido como una forma de arte por los presentadores o el público. Consideradas por la clase alta como una forma "vulgar" y "de baja calidad" de entretenimiento barato, las películas atraían en gran medida a la clase trabajadora y a menudo eran demasiado cortas para tener un potencial narrativo fuerte. [30] Los anuncios iniciales promocionaban las tecnologías utilizadas para proyectar películas en lugar de las películas en sí. A medida que los dispositivos se volvieron más familiares para el público, su potencial para capturar y recrear eventos se explotó principalmente en forma de noticieros y actualidades. [31] Durante la creación de estas películas, los directores de fotografía a menudo recurrieron a valores estéticos establecidos por formas de arte pasadas, como el encuadre y la colocación intencional de la cámara en la composición de su imagen. [32] En un artículo de 1955 para The Quarterly of Film Radio and television, el productor de cine e historiador Kenneth Macgowan afirmó que la puesta en escena y la recreación intencional de eventos para noticieros "llevó la narración a la pantalla". [33]
Con la publicidad de las tecnologías cinematográficas por encima del contenido, las actualidades comenzaron inicialmente como una "serie de vistas" que a menudo contenían tomas de lugares hermosos y animados o actos escénicos. [32] Tras el éxito de su proyección en 1895, los hermanos Lumière establecieron una empresa y enviaron camarógrafos a todo el mundo para capturar nuevos temas para su presentación. Después de que el director de fotografía filmara las escenas, a menudo exhibían sus grabaciones localmente y luego las enviaban de regreso a la fábrica de la empresa en Lyon para hacer copias duplicadas para venderlas a quien las quisiera. [34] En el proceso de filmar actualidades, especialmente las de eventos reales, los cineastas descubrieron y experimentaron con múltiples técnicas de cámara para adaptarse a su naturaleza impredecible. [35] Debido a la corta duración (a menudo solo una toma) de muchas actualidades, los registros del catálogo indican que las compañías de producción comercializaban a los exhibidores promocionando múltiples actualidades con temas relacionados que podían comprarse para complementarse entre sí. Los exhibidores que compraban las películas a menudo las presentaban en un programa y proporcionaban acompañamiento hablado para explicar la acción en pantalla a la audiencia. [32]
El primer público que pagó por ver una película se reunió en el Madison Square Garden para ver una realidad escenificada que pretendía ser una pelea de boxeo filmada por Woodville Latham utilizando un dispositivo llamado Eidoloscope el 20 de mayo de 1895. Por encargo de Latham, el inventor francés Eugene Augustin Lauste creó el dispositivo con la experiencia adicional de William Kennedy Dickson y elaboró un mecanismo que llegó a conocerse como el bucle Latham , que permitía tiempos de ejecución continuos más prolongados y era menos abrasivo para la película de celuloide. [36]
En los años siguientes, la proyección de noticieros y programas de actualidad resultó rentable. En 1897 se estrenó The Corbett-Fitzsimmons Fight , una película que era una grabación completa de un combate de boxeo por el campeonato mundial de peso pesado en Carson City, Nevada . Generó más ingresos en taquilla que en taquilla y fue la película más larga producida en ese momento. El público probablemente se sintió atraído por la película de Corbett-Fitzsimmons en masa porque James J. Corbett (también conocido como Gentleman Jim) se había convertido en un ídolo de las matinés desde que interpretó una versión ficticia de sí mismo en una obra de teatro. [37]
A partir de 1910, se exhibieron noticieros regulares y pronto se convirtieron en una forma popular de descubrir las noticias antes de la llegada de la televisión: la Expedición Antártica Británica al Polo Sur se filmó para los noticieros, al igual que las manifestaciones de las sufragistas que estaban sucediendo al mismo tiempo. F. Percy Smith fue uno de los pioneros del documental sobre la naturaleza que trabajó para Charles Urban cuando fue pionero en el uso de lapsos de tiempo y microcinematografía en su documental de 1910 sobre el crecimiento de las flores. [38] [39]
Tras la exitosa exhibición del Cinématographe, el desarrollo de una industria cinematográfica se aceleró rápidamente en Francia. Numerosos cineastas experimentaron con la tecnología mientras trabajaban para lograr el mismo éxito que los hermanos Lumière tuvieron con su exhibición. Estos cineastas establecieron nuevas compañías como Star Film Company , Pathé Frères y Gaumont Film Company .
El progenitor más citado del cine narrativo es el cineasta francés Georges Méliès . Méliès era un ilusionista que había utilizado previamente proyecciones de linternas mágicas para mejorar su acto de magia. En 1895, Méliès asistió a la demostración del Cinematographe y reconoció el potencial del dispositivo para ayudar a su acto. Intentó comprar un dispositivo a los hermanos Lumière, pero se negaron. [40] Meses después, compró una cámara a Robert W. Paul y comenzó a experimentar con el dispositivo creando realidades. Durante este período de experimentación, Méliès descubrió e implementó varios efectos especiales, incluido el truco de la parada , la exposición múltiple y el uso de disoluciones en sus películas. [16] A fines de 1896, Méliès estableció la Star Film Company y comenzó a producir, dirigir y distribuir un cuerpo de trabajo que eventualmente contendría más de 500 cortometrajes. [41] Reconociendo el potencial narrativo que ofrecía la combinación de su experiencia teatral con los efectos recién descubiertos para la cámara, Méliès diseñó un elaborado escenario que contenía trampillas y un sistema de moscas . [33] La construcción del escenario y las técnicas de edición permitieron el desarrollo de historias más complejas, como la película de 1896, Le Manoir du Diable ( La casa del diablo ) , considerada como una novedad en el género del cine de terror, y la película de 1899 Cendrillon ( La Cenicienta ) . [42] [43] En las películas de Méliès, basó la colocación de la cámara en la construcción teatral del encuadre del proscenio , el plano metafórico o cuarta pared que divide a los actores y al público. [44] A lo largo de su carrera, Méliès colocó constantemente la cámara en una posición fija y finalmente cayó en desgracia ante el público a medida que otros cineastas experimentaban con técnicas más complejas y creativas. [45] Méliès es más conocido hoy en día por su película de 1902, Le Voyage Dans La Lune (Un viaje a la Luna) , donde utilizó su experiencia en efectos y construcción narrativa para crear la primera película de ciencia ficción . [46]
En 1900, Charles Pathé comenzó la producción cinematográfica bajo la marca Pathé-Frères , y contrató a Ferdinand Zecca para dirigir el proceso creativo. [47] Antes de centrarse en la producción, Pathé se había involucrado en la industria exhibiendo y vendiendo lo que probablemente eran versiones falsificadas del kinetoscopio en su tienda de fonógrafos. Con el liderazgo creativo de Zecca y la capacidad de producir copias en masa de las películas a través de una asociación con una empresa francesa de fabricación de herramientas, Charles Pathé buscó convertir a Pathé-Frères en el principal productor de películas del país. En los siguientes años, Pathé-Frères se convirtió en el estudio cinematográfico más grande del mundo, con oficinas satélite en las principales ciudades y una selección cada vez mayor de películas disponibles para su presentación. [48] Las películas de la compañía tenían un contenido variado, y los directores se especializaban en varios géneros para presentaciones en ferias a lo largo de principios del siglo XX. [47]
La Gaumont Film Company fue el principal rival regional de Pathé-Frères. Fundada en 1895 por Léon Gaumont , la firma vendió inicialmente equipos fotográficos y comenzó la producción cinematográfica en 1897, bajo la dirección de Alice Guy , la primera directora femenina de la industria. [49] Sus películas anteriores comparten muchas características y temas con sus competidoras contemporáneas, como los Lumières y Méliès . Exploró la danza y las películas de viajes, a menudo combinando las dos, como Le Boléro interpretado por Miss Saharet (1905) y Tango (1905). Muchas de las primeras películas de danza de Guy fueron populares en las atracciones del music-hall, como las películas de danza serpentina , también un elemento básico de los catálogos de películas de Lumières y Thomas Edison . [50] En 1906, hizo La vida de Cristo , una producción de gran presupuesto para la época, que incluyó 300 extras.
El inventor y magnate cinematográfico alemán Oskar Messter fue una figura importante en los primeros años del cine. Su empresa Messter Film fue una de las productoras alemanas dominantes antes del surgimiento de UFA, con la que finalmente se fusionó. Messter fue el primero en añadir un motor de Ginebra a los proyectores para provocar un movimiento intermitente y oscilante que hiciera avanzar los fotogramas de la película y montó el primer estudio cinematográfico en Alemania en 1900.
A partir de 1896, Messter se interesó por la búsqueda de un método de reproducción y sincronización de los efectos sonoros de la interpretación cinematográfica en la época del cine mudo . Así, Messter inventó el Tonbilder Biophon para proyectar películas, en el que un gramófono tocaba Unter den Linden acompañando la proyección de imágenes animadas, pero no se trataba de un simple añadido sino de hacer coincidir con precisión la serie de piezas musicales con las imágenes en movimiento. En efecto, para añadir sonido al cine mudo, era necesario resolver problemas de sincronización, ya que la imagen y el sonido se grababan y reproducían mediante aparatos separados, que eran difíciles de iniciar y de mantener manipulados. El 31 de agosto de 1903, Messter realizó la primera proyección sonora que tuvo lugar en Alemania en el Teatro "Apollo" de Berlín.
Tanto Cecil Hepworth como Robert W. Paul experimentaron con el uso de diferentes técnicas de cámara en sus películas. La "Cinematograph Camera No. 1" de Paul de 1895 fue la primera cámara que incluía el sistema de manivela inversa, que permitía exponer varias veces el mismo metraje de película, creando así exposiciones múltiples . Esta técnica se utilizó por primera vez en su película de 1901 Scrooge, or, Marley's Ghost . Ambos cineastas experimentaron con las velocidades de la cámara para generar nuevos efectos. Paul filmó escenas de On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus (1899) haciendo girar la cámara muy lentamente. [51] Cuando la película se proyectaba a los 16 fotogramas por segundo habituales, el paisaje parecía pasar a gran velocidad. Hepworth utilizó el efecto opuesto en The Indian Chief and the Seidlitz Powder (1901). Los movimientos del Jefe se aceleran girando la cámara mucho más rápido que 16 fotogramas por segundo, lo que produce lo que el público moderno llamaría un efecto de " cámara lenta ". [52]
Las primeras películas que pasaron de tomas individuales a escenas sucesivas comenzaron a principios del siglo XX. Debido a la pérdida de muchas películas tempranas , puede ser difícil determinar un cambio concluyente de tomas singulares estáticas a una serie de escenas. A pesar de estas limitaciones, Michael Brooke, del British Film Institute, atribuye la continuidad cinematográfica real, que implica que la acción se mueve de una secuencia a otra, a la película de Robert W. Paul de 1898, Come Along, Do!. Hoy en día solo se conserva un fotograma de la segunda toma. [53] Estrenada en 1901, la película británica Attack on a China Mission fue una de las primeras películas en mostrar una continuidad de acción a lo largo de múltiples escenas. [33] El uso del intertítulo para explicar acciones y diálogos en pantalla comenzó a principios del siglo XX. Los intertítulos filmados se utilizaron por primera vez en la película de Robert W. Paul, Scrooge, or Marley's Ghost. [54] En la mayoría de los países, los intertítulos comenzaron a usarse gradualmente para proporcionar diálogo y narración a la película, eliminando así la necesidad de que los exhibidores proporcionaran narración.
El desarrollo de la acción continua a lo largo de múltiples tomas fue promovido en Inglaterra por un grupo de pioneros del cine vagamente asociados denominados colectivamente "la Escuela de Brighton ". Estos cineastas incluyeron a George Albert Smith y James Williamson , entre otros. Smith y Williamson experimentaron con la continuidad de la acción y probablemente fueron los primeros en incorporar el uso de insertos y primeros planos entre tomas. [33] Una técnica básica para la cinematografía con trucos era la doble exposición de la película en la cámara. El efecto fue iniciado por Smith en la película de 1898, Photographing a Ghost . Según los registros del catálogo de Smith, la película (ahora perdida ) narra la lucha de un fotógrafo por capturar un fantasma en la cámara. Usando la doble exposición de la película, Smith superpuso una figura fantasmal transparente sobre el fondo de una manera cómica para burlarse del fotógrafo. [55] La película The Corsican Brothers de Smith fue descrita en el catálogo de la Warwick Trading Company en 1900: "Mediante una fotografía extremadamente cuidadosa, el fantasma aparece *bastante transparente*. Después de indicar que ha sido asesinado por una estocada de espada y pedir venganza, desaparece. Luego aparece una 'visión' que muestra el duelo fatal en la nieve". [56] Smith también inició la técnica de efectos especiales de movimiento inverso . Lo hizo repitiendo la acción una segunda vez, mientras la filmaba con una cámara invertida, y luego uniendo la cola del segundo negativo con la del primero. [57] Las primeras películas realizadas con este dispositivo fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter . El primer ejemplo sobreviviente de esta técnica es The House That Jack Built de Smith , realizada antes de septiembre de 1900. Cecil Hepworth llevó esta técnica más allá al imprimir los negativos del movimiento hacia adelante en reversa cuadro por cuadro, produciendo una copia en la que la acción original estaba exactamente invertida. Para ello, construyó una impresora especial en la que el negativo que pasaba por un proyector se proyectaba en la compuerta de una cámara a través de una lente especial, lo que daba una imagen del mismo tamaño. Este dispositivo pasó a llamarse "impresora de proyección" y, con el tiempo, " impresora óptica ". [58]
En 1898, George Albert Smith experimentó con primeros planos, filmando tomas de un hombre bebiendo cerveza y una mujer esnifando tabaco. [33] Al año siguiente, Smith hizo El beso en el túnel , una secuencia que consta de tres tomas: un tren entra en un túnel; un hombre y una mujer intercambian un breve beso en la oscuridad y luego regresan a sus asientos; el tren sale del túnel. Smith creó el escenario en respuesta al éxito de un género conocido como viaje fantasma . En una película de viaje fantasma, las cámaras capturarían el movimiento y los alrededores desde el frente de un tren en movimiento. [59] [60] Las tomas separadas, cuando se editaban juntas, formaban una secuencia distinta de eventos y establecían causalidad de una toma a la siguiente. [61] Después de El beso en el túnel , Smith experimentó más definitivamente con la continuidad de la acción en tomas sucesivas y comenzó a usar insertos en sus películas, como Grandma's Reading Glass y Mary Jane's Mishap . [33] En 1900, Smith realizó As Seen Through a Telescope . La toma principal muestra una escena callejera con un joven atando los cordones de los zapatos y luego acariciando el pie de su novia, mientras un anciano observa esto a través de un telescopio. Luego hay un corte a un primer plano de las manos en el pie de la niña que se muestran dentro de una máscara circular negra, y luego un corte de regreso a la continuación de la escena original. [62]
James Williamson perfeccionó las técnicas de construcción narrativa en su película de 1900, Attack on a China Mission . La película, que el historiador de cine John Barnes describió más tarde como la que tenía "la narrativa más desarrollada de cualquier película hecha en Inglaterra hasta ese momento", comienza con la primera toma que muestra a los rebeldes boxeadores chinos en la puerta; luego corta a la familia misionera en el jardín, donde se produce una pelea. La esposa hace señales a los marineros británicos desde el balcón, quienes vienen a rescatarlos. [63] La película también utilizó el primer corte de "ángulo inverso" en la historia del cine. [64] Al año siguiente, Williamson creó The Big Swallow . En la película, un hombre se irrita por la presencia del cineasta y "se traga" la cámara y su operador mediante el uso de primeros planos interpolados. [65] Combinó estos efectos, junto con superposiciones, el uso de transiciones de barrido para denotar un cambio de escena y otras técnicas para crear un lenguaje cinematográfico o " gramática cinematográfica ". [66] [67] El uso de la acción continua por parte de James Williamson en su película de 1901, Stop Thief!, estimuló un género cinematográfico conocido como "película de persecución". [68] En la película, un vagabundo le roba una pierna de cordero al hijo del carnicero en la primera toma, es perseguido por el hijo del carnicero y varios perros en la siguiente toma, y finalmente es atrapado por los perros en la tercera toma. [68]
La ejecución de María Estuardo , producida en 1895 por la Edison Company para su visualización con kinetoscopio , mostraba a María Estuardo, reina de Escocia , siendo ejecutada a plena vista de la cámara. El efecto, conocido como el truco de la parada , se logró reemplazando al actor por un maniquí para la toma final. [69] [70] La técnica utilizada en la película se considera uno de los primeros usos conocidos de los efectos especiales en el cine. [71]
El cineasta estadounidense Edwin S. Porter comenzó a hacer películas para la Edison Company en 1901. Un ex proyeccionista contratado por Thomas Edison para desarrollar su nuevo modelo de proyección conocido como Vitascope , Porter se inspiró en parte en las obras de Méliès, Smith y Williamson y se basó en sus técnicas recién creadas para promover el desarrollo de la narrativa continua a través de la edición. [16] Cuando comenzó a hacer películas más largas en 1902, puso una disolución entre cada toma, tal como ya lo estaba haciendo Georges Méliès, y con frecuencia repetía la misma acción en las disoluciones.
En 1902, Porter filmó Life of an American Fireman para la Edison Manufacturing Company y distribuyó la película al año siguiente. En la película, Porter combinó imágenes de archivo de películas anteriores de Edison con imágenes recién filmadas y las unió para contar una historia dramática sobre el rescate de una mujer y su hijo por parte de heroicos bomberos. [16]
La película de Porter, El gran robo del tren (1903), tenía una duración de doce minutos, con veinte tomas separadas y diez lugares interiores y exteriores diferentes. La película se considera una pionera en el género del cine western y es significativa por el uso de tomas que sugieren una acción simultánea que ocurre en diferentes lugares. [16] El uso que Porter hizo de entornos exteriores tanto reales como escenificados ayudó a crear una sensación de espacio, mientras que la colocación de la cámara en un plano más amplio estableció profundidad y permitió una duración prolongada del movimiento en la pantalla. [72] El gran robo del tren sirvió como uno de los vehículos que lanzaría el medio cinematográfico a la popularidad masiva. [40] [73] Ese mismo año, los hermanos Miles abrieron la primera bolsa de películas en el país, que permitía a los exhibidores permanentes alquilar películas de la empresa a un costo menor que los productores que vendían sus películas directamente. [74]
John P. Harris abrió el primer teatro permanente dedicado exclusivamente a la presentación de películas, el nickelodeon , en 1905 en Pittsburgh, Pensilvania. La idea despegó rápidamente y en 1908, había alrededor de 8000 salas nickelodeon en todo el país. [75] Con la llegada del nickelodeon, la demanda de la audiencia de una mayor cantidad de películas de historias con una variedad de temas y ubicaciones llevó a la necesidad de contratar más talento creativo y provocó que los estudios invirtieran en diseños de escenarios más elaborados. [74]
En 1908, Thomas Edison encabezó la creación de un fideicomiso corporativo entre las principales compañías cinematográficas de Estados Unidos, conocido como Motion Picture Patents Company (MPPC), para limitar la infracción de sus patentes. Los miembros del fideicomiso controlaban todos los aspectos del proceso cinematográfico, desde la creación de material cinematográfico, la producción de películas y la distribución a los cines mediante acuerdos de licencia. El fideicomiso condujo a una mayor calidad cinematográfica impulsada por la competencia interna y puso límites a la cantidad de películas extranjeras para fomentar el crecimiento de la industria cinematográfica estadounidense, pero también desalentó la creación de largometrajes. En 1915, la MPPC había perdido la mayor parte de su control sobre la industria cinematográfica a medida que las compañías avanzaban hacia una producción más amplia de largometrajes. [46]
Con el auge mundial del cine, más países se unieron a Gran Bretaña, Francia, Alemania y Estados Unidos en la producción cinematográfica seria. En Italia, la producción se distribuyó en varios centros, Turín fue el primer centro de producción cinematográfica importante, y Milán y Nápoles dieron origen a las primeras revistas de cine. [76] En Turín, Ambrosio fue la primera empresa en el campo en 1905, y siguió siendo la más grande del país durante este período. Su rival más importante fue Cines en Roma, que comenzó a producir en 1906. La gran fortaleza de la industria italiana eran las epopeyas históricas, con grandes elencos y escenarios masivos. Ya en 1911, La Caduta di Troia ( La caída de Troya ) de Giovanni Pastrone en dos carretes causó una gran impresión en todo el mundo, y fue seguida por producciones aún más grandes como Quo Vadis? (1912), que duró 90 minutos, y Cabiria de Pastrone de 1914, que duró dos horas y media. [77]
Las compañías italianas también tuvieron una fuerte línea de comedia slapstick, con actores como André Deed , conocido localmente como "Cretinetti", y en otros lugares como "Foolshead" y "Gribouille", alcanzando fama mundial con sus gags casi surrealistas.
El país productor de cine más importante del norte de Europa hasta la Primera Guerra Mundial fue Dinamarca. [77] [78] La compañía Nordisk fue fundada allí en 1906 por Ole Olsen , un showman de feria, y después de un breve período imitando los éxitos de cineastas franceses y británicos, en 1907 produjo 67 películas, la mayoría dirigidas por Viggo Larsen, con temas sensacionales como Den hvide Slavinde (La esclava blanca) , Isbjørnejagt (La caza del oso polar) y Løvejagten (La caza del león) . En 1910, nuevas compañías danesas más pequeñas comenzaron a unirse al negocio, y además de hacer más películas sobre la trata de blancas , aportaron otros temas nuevos. El más importante de estos descubrimientos fue Afgrunden (El abismo) , dirigida por Urban Gad para Kosmorama, de Asta Nielsen . Esta película combinaba circo, sexo, celos y asesinato, todo ello presentado con gran convicción, y empujó a los demás cineastas daneses a seguir en esta dirección. En 1912, las compañías cinematográficas danesas se multiplicaban rápidamente. [77]
La industria cinematográfica sueca era más pequeña y más lenta en sus comienzos que la danesa. En 1909, Charles Magnusson , camarógrafo de noticieros de la cadena de cines Svenskabiografteatern , comenzó a producir películas de ficción para ellos, dirigiendo él mismo varias de ellas. La producción aumentó en 1912, cuando la compañía contrató a Victor Sjöström y Mauritz Stiller como directores. Comenzaron imitando los temas preferidos por la industria cinematográfica danesa, pero en 1913 ya estaban produciendo su propio trabajo sorprendentemente original, que se vendió muy bien. [77]
Rusia inició su industria cinematográfica en 1908 con Pathé, que filmó allí algunos temas de ficción, y luego con la creación de verdaderas compañías cinematográficas rusas por parte de Aleksandr Drankov y Aleksandr Khanzhonkov . La compañía Khanzhonkov se convirtió rápidamente en la compañía cinematográfica rusa más grande y se mantuvo así hasta 1918. [77]
En Alemania, Oskar Messter había estado involucrado en la producción cinematográfica desde 1896, pero no hizo una cantidad significativa de películas por año hasta 1910. Cuando comenzó el auge cinematográfico mundial, él y las pocas personas que trabajaban en el negocio cinematográfico alemán continuaron vendiendo copias de sus propias películas directamente, lo que los puso en desventaja. Fue solo cuando Paul Davidson , el propietario de una cadena de cines, trajo a Asta Nielsen y Urban Gad a Alemania desde Dinamarca en 1911 y estableció una compañía de producción, Projektions-AG "Union" ( PAGU ), que comenzó un cambio hacia el alquiler de copias. [77] Messter respondió con una serie de películas más largas protagonizadas por Henny Porten, pero aunque tuvieron un buen desempeño en el mundo de habla alemana, no tuvieron un éxito particular a nivel internacional, a diferencia de las películas de Asta Nielsen. Otro de los productores cinematográficos alemanes en crecimiento justo antes de la Primera Guerra Mundial fue la sucursal alemana de la compañía francesa Éclair , Deutsche Éclair. El gobierno alemán la expropió y, cuando comenzó la guerra, se convirtió en DECLA. Pero, en conjunto, los productores alemanes sólo tenían una pequeña parte del mercado alemán en 1914. [ cita requerida ]
En general, desde aproximadamente 1910, las películas estadounidenses tenían la mayor participación del mercado en todos los países europeos excepto Francia, e incluso en Francia, las películas estadounidenses acababan de desplazar a la producción local del primer lugar en vísperas de la Primera Guerra Mundial. [ cita requerida ] Pathé Frères expandió y dio forma significativa al negocio cinematográfico estadounidense, creando muchas "primicias" en la industria cinematográfica, como agregar títulos y subtítulos a las películas por primera vez, lanzar pergaminos por primera vez, introducir carteles de películas por primera vez, producir imágenes en color por primera vez, sacar facturas comerciales por primera vez, contactar exhibidores y estudiar sus necesidades por primera vez. El proveedor de películas más grande del mundo, Pathé , está limitado al mercado estadounidense, que ha alcanzado un nivel de saturación, por lo que Estados Unidos busca ganancias adicionales en los mercados extranjeros. Las películas se definen como un fenómeno estadounidense "puro" en los Estados Unidos. [79]
Las nuevas técnicas cinematográficas que se introdujeron en este período incluyen el uso de iluminación artificial, efectos de fuego e iluminación tenue (es decir, iluminación en la que la mayor parte del cuadro está oscuro) para mejorar la atmósfera durante las escenas siniestras. [77]
La continuidad de la acción de plano a plano también se refinó, como en Le Cheval emballé (El caballo fugitivo) (1907) de Pathé, donde se utilizan montajes cruzados entre acciones paralelas . DW Griffith también comenzó a utilizar montajes cruzados en la película La hora fatal , realizada en julio de 1908. Otro desarrollo fue el uso del plano en punto de vista , utilizado por primera vez en 1910 en Back to Nature de Vitagraph . Los planos insertados también se utilizaron con fines artísticos; la película italiana La mala planta (La planta malvada) , dirigida por Mario Caserini, tenía un plano insertado de una serpiente deslizándose sobre la "planta malvada". [ cita requerida ] En 1914, se sostenía ampliamente en la industria cinematográfica estadounidense que el montaje cruzado era más útil en general porque hacía posible la eliminación de partes poco interesantes de la acción que no desempeñan ningún papel en el avance del drama. [80]
En 1909, el formato de 35 mm se convirtió en el formato cinematográfico reconocido internacionalmente. [46]
A medida que las películas se hicieron más largas, se contrataron escritores especializados para simplificar historias más complejas derivadas de novelas u obras de teatro en un formato que pudiera caber en un solo rollo. Los géneros comenzaron a usarse como categorías; la división principal era en comedia y drama, pero estas categorías se subdividieron aún más. [77]
Los intertítulos que contenían líneas de diálogo comenzaron a usarse de manera consistente a partir de 1908, [81] como en An Auto Heroine; or, The Race for the Vitagraph Cup and How It Was Won de Vitagraph. El diálogo finalmente se insertó en el medio de la escena y se volvió algo común en 1912. La introducción de títulos de diálogo transformó la naturaleza de la narrativa cinematográfica. Cuando los títulos de diálogo comenzaron a cortarse siempre en una escena justo después de que un personaje comenzara a hablar, y luego se dejaban con un corte al personaje justo antes de que terminara de hablar, entonces uno tenía algo que era efectivamente el equivalente de una película sonora actual . [77]
Los años de la Primera Guerra Mundial fueron un período de transición complejo para la industria cinematográfica. La exhibición de películas pasó de programas cortos de una sola bobina a largometrajes. Los lugares de exhibición se hicieron más grandes y comenzaron a cobrar precios más altos. [77]
En los Estados Unidos, estos cambios trajeron la destrucción a muchas compañías cinematográficas, siendo la compañía Vitagraph una excepción. La producción cinematográfica comenzó a trasladarse a Los Ángeles durante la Primera Guerra Mundial. La Universal Film Manufacturing Company se formó en 1912 como una empresa paraguas. Entre los nuevos participantes se encontraban Jesse Lasky Feature Play Company y Famous Players, ambas formadas en 1913 y que más tarde se fusionaron en Famous Players-Lasky . El mayor éxito de estos años fue El nacimiento de una nación (1915) de David Wark Griffith . A esto le siguió Intolerancia (1916), aún más grande, pero, debido a la alta calidad de las películas producidas en los EE. UU., el mercado para sus películas era alto. [77]
En Francia, la producción cinematográfica se detuvo debido a la movilización militar general del país al comienzo de la guerra. Aunque la producción cinematográfica se reanudó en 1915, fue a escala reducida y las compañías más grandes se retiraron gradualmente de la producción. La producción cinematográfica italiana se mantuvo mejor, aunque las llamadas "películas de divas", protagonizadas por mujeres angustiadas, fueron un fracaso comercial. En Dinamarca, la compañía Nordisk aumentó tanto su producción en 1915 y 1916 que no pudo vender todas sus películas, lo que provocó un declive muy pronunciado de la producción danesa y el fin de la importancia de Dinamarca en la escena cinematográfica mundial. [77]
La industria cinematográfica alemana se vio seriamente debilitada por la guerra. El más importante de los nuevos productores cinematográficos de la época fue Joe May , que realizó una serie de películas de suspense y aventuras durante los años de guerra, pero Ernst Lubitsch también saltó a la fama con una serie de comedias y dramas de gran éxito. [77]
En esa época, los estudios se oscurecían para que los rodajes no se vieran afectados por los cambios de luz solar. Esto se sustituyó por focos y proyectores. La adopción generalizada del irisado hacia dentro y hacia fuera para empezar y terminar las escenas se hizo popular en este período. Esta es la revelación de una película filmada en una máscara circular, que gradualmente se hace más grande hasta expandirse más allá del marco. Se utilizaron otras rendijas con formas, incluidas aberturas verticales y diagonales. [77]
Una nueva idea que se adoptó de la fotografía fija fue el " enfoque suave ". Esto comenzó en 1915, con algunas tomas que se desenfocaban intencionalmente para lograr un efecto expresivo, como en la película Fanchon the Cricket protagonizada por Mary Pickford . [77]
Fue durante este período cuando realmente comenzaron a establecerse los efectos de cámara destinados a transmitir los sentimientos subjetivos de los personajes de una película. Estos ahora podían hacerse como tomas desde el punto de vista ( POV ), como en La historia del guante (1915) de Sidney Drew, donde una toma tambaleante hecha con la cámara en la mano de una puerta y su cerradura representa el punto de vista de un hombre borracho. El uso de imágenes anamórficas (en el sentido general de forma distorsionada) aparece por primera vez en estos años cuando Abel Gance dirigió La Folie du Docteur Tube (La locura del Dr. Tube) . En esta película, el efecto de una droga administrada a un grupo de personas se sugería filmando las escenas reflejadas en un espejo deformante del tipo de los de feria. [77]
Los efectos simbólicos tomados de la tradición literaria y artística convencional siguieron haciendo algunas apariciones en películas durante estos años. En La conciencia vengadora (1914) de D. W. Griffith, el título "El nacimiento del pensamiento maligno" precede a una serie de tres tomas del protagonista mirando una araña y hormigas comiendo un insecto. El arte y la literatura simbolistas de finales de siglo también tuvieron un efecto más general en un pequeño número de películas realizadas en Italia y Rusia. La aceptación supina de la muerte resultante de la pasión y los anhelos prohibidos fue una característica principal de este arte, y los estados de delirio en los que se habló mucho también fueron importantes. [77]
El uso de planos de inserción , es decir, primeros planos de objetos distintos de las caras, ya había sido establecido por la escuela de Brighton, pero se usaban con poca frecuencia antes de 1914. En realidad, es solo con La conciencia vengadora de Griffith que comienza una nueva fase en el uso del plano de inserción. [77] Además de los insertos simbólicos ya mencionados, la película también hizo un uso extensivo de un gran número de grandes planos de primeros planos de manos agarradas y pies golpeando como un medio para enfatizar esas partes del cuerpo como indicadores de tensión psicológica. [81]
Los insertos atmosféricos se desarrollaron en Europa a fines de la década de 1910. [ cita requerida ] Este tipo de toma es una escena en la que no aparece ninguno de los personajes de la historia, ni es una toma desde el punto de vista visto por uno de ellos. Un ejemplo temprano es cuando Maurice Tourneur dirigió El orgullo del clan (1917), en la que hay una serie de tomas de olas golpeando una costa rocosa para demostrar las duras vidas de los pescadores. Nelson; The Story of England's Immortal Naval Hero (1919) de Maurice Elvey tiene una secuencia simbólica que se disuelve desde una imagen del Kaiser Wilhelm II a un pavo real, y luego a un acorazado. [81]
En 1914, el cine de continuidad era el modo establecido del cine comercial. Una de las técnicas de continuidad avanzadas implicaba una transición precisa y suave de una toma a otra. [77] El corte en diferentes ángulos dentro de una escena también se convirtió en una técnica bien establecida para diseccionar una escena en tomas en las películas estadounidenses. [81] Si la dirección de la toma cambia en más de noventa grados, se denomina corte en ángulo inverso. [82] La figura principal en el desarrollo completo del corte en ángulo inverso fue Ralph Ince en sus películas, como The Right Girl and His Phantom Sweetheart . [81]
El uso de estructuras de flash-back continuó desarrollándose en este período, siendo la forma habitual de entrar y salir de un flash-back a través de una disolución. [ cita requerida ] The Man That Might Have Been ( William J. Humphrey , 1914), de The Vitagraph Company , es aún más complejo, con una serie de ensoñaciones y flash-backs que contrastan el paso real del protagonista por la vida con lo que podría haber sido, si su hijo no hubiera muerto.
Después de 1914, se empezó a utilizar el montaje cruzado entre acciones paralelas, más en las películas estadounidenses que en las europeas. El montaje cruzado se utilizó para conseguir nuevos efectos de contraste, como la secuencia de corte cruzado en El coro susurrante (1918) de Cecil B. DeMille , en la que un marido supuestamente muerto mantiene una relación con una prostituta china en un fumadero de opio, mientras que al mismo tiempo su esposa, que no lo sabe, se vuelve a casar en la iglesia. [81]
El teñido de las películas mudas también ganó popularidad durante estos períodos. El teñido ámbar significaba día o una noche muy iluminada, los tintes azules significaban amanecer o una noche tenue, el tinte rojo representaba escenas de fuego, el tinte verde significaba una atmósfera misteriosa y los tintes marrones (también conocidos como tono sepia ) se usaban generalmente para películas de larga duración en lugar de escenas individuales. La innovadora epopeya de D. W. Griffiths, El nacimiento de una nación , la famosa película de 1920 El doctor Jekyll y Mr. Hyde y la epopeya de Robert Wiene del mismo año, El gabinete del doctor Caligari , son algunos ejemplos notables de películas mudas teñidas. [ cita requerida ]
El Fotodrama de la Creación , que se mostró por primera vez al público en 1914, fue el primer guión cinematográfico importante que incorporó sonido sincronizado, película en movimiento y diapositivas en color. [83] Hasta 1927, la mayoría de las películas se producían sin sonido. Este período se conoce comúnmente como la era muda del cine. [84] [85]
La tendencia general en el desarrollo del cine, liderada por los Estados Unidos, fue hacia el uso de los nuevos dispositivos específicamente fílmicos desarrollados para la expresión del contenido narrativo de las historias cinematográficas, y la combinación de esto con las estructuras dramáticas estándar que ya se usaban en el teatro comercial. [ cita requerida ] DW Griffith tenía el más alto prestigio entre los directores estadounidenses en la industria, debido a la emoción dramática que transmitía a la audiencia a través de sus películas. The Cheat (1915) de Cecil B. DeMille , sacó a la luz los dilemas morales que enfrentaban sus personajes de una manera más sutil que Griffith. DeMille también estaba en contacto más cercano con la realidad de la vida estadounidense contemporánea. Maurice Tourneur también fue altamente calificado por las bellezas pictóricas de sus películas, junto con la sutileza de su manejo de la fantasía, mientras que al mismo tiempo fue capaz de obtener un mayor naturalismo de sus actores en los momentos apropiados, como en A Girl's Folly (1917). [77]
Sidney Drew fue el líder en el desarrollo de la "comedia educada", mientras que el slapstick fue refinado por Fatty Arbuckle y Charles Chaplin , quienes comenzaron con la compañía Keystone de Mack Sennett . Redujeron el ritmo frenético habitual de las películas de Sennett para darle al público la oportunidad de apreciar la sutileza y delicadeza de sus movimientos y la inteligencia de sus gags. En 1917, Chaplin también estaba introduciendo una trama más dramática en sus películas y mezclando la comedia con el sentimiento. [77]
En Rusia, Yevgeni Bauer le puso al cine una intensidad de actuación lenta combinada con matices simbolistas de una manera única. [77]
En Suecia, Victor Sjöström realizó una serie de películas que combinaban las realidades de la vida de las personas con su entorno de una manera sorprendente, mientras que Mauritz Stiller desarrolló la comedia sofisticada a un nuevo nivel. [77]
En Alemania, Ernst Lubitsch se inspiró en el trabajo teatral de Max Reinhardt , tanto en la comedia burguesa como en el espectáculo, y lo aplicó a sus películas, culminando en Die Puppe ( La muñeca ), Die Austernprinzessin ( La princesa ostra ) y Madame DuBarry . [77]
Al comienzo de la Primera Guerra Mundial , el cine francés e italiano eran los más populares a nivel mundial. La guerra supuso una interrupción devastadora para las industrias cinematográficas europeas.
A lo largo de los primeros años del siglo XX, los artistas cinematográficos siguieron aprendiendo a trabajar con cámaras y a crear ilusiones utilizando el espacio y el tiempo en sus tomas. Esta nueva forma de creatividad dio paso a que un nuevo grupo de personas se lanzara al estrellato, entre ellas David W. Griffith, que se hizo famoso con su película de 1915, El nacimiento de una nación . En 1920, se produjeron dos cambios importantes en la industria cinematográfica: la introducción del sonido y la creación de sistemas de estudio. En la década de 1920, los talentos que habían estado trabajando de forma independiente comenzaron a unirse a los estudios y a trabajar con otros actores y directores. En 1927, se estrenó El cantante de jazz , que trajo el sonido a la industria cinematográfica.
El cine alemán , marcado por aquellos tiempos, vio la era del movimiento cinematográfico expresionista alemán . Berlín fue su centro con el Filmstudio Babelsberg . [91] [92] Las primeras películas expresionistas compensaron la falta de presupuestos suntuosos utilizando diseños de escenarios con ángulos tremendamente irreales y geométricamente absurdos, junto con diseños pintados en paredes y pisos para representar luces, sombras y objetos. Las tramas e historias de las películas expresionistas a menudo trataban sobre la locura, la demencia , la traición y otros temas "intelectuales" desencadenados por las experiencias de la Primera Guerra Mundial. Películas como El gabinete del doctor Caligari (1920), Nosferatu (1922) y M (1931) tuvieron una gran influencia internacional que todavía se puede reconocer en las obras de cineastas, diseñadores de juegos y artistas actuales. [93]
Películas como Metrópolis (1927) y La mujer en la luna (1929) crearon en parte el género de películas de ciencia ficción [94] y Lotte Reiniger se convirtió en pionera en la animación, produciendo largometrajes animados como Las aventuras del príncipe Achmed , la película animada más antigua que se conserva y la más antigua hecha en Europa.
Muchos directores, actores, escritores y otros alemanes y residentes en Alemania emigraron a los EE. UU. cuando los nazis llegaron al poder, lo que le dio a Hollywood y a la industria cinematográfica estadounidense la ventaja final en su competencia con otros países productores de películas. [95]
La industria norteamericana, o "Hollywood", como se la empezó a conocer a partir de su nuevo centro geográfico en California , ganó la posición que ha mantenido, más o menos, desde entonces: fábrica de películas para el mundo y exportadora de sus productos a la mayoría de los países del planeta.
En la década de 1920, Estados Unidos alcanzó lo que todavía es su época de mayor producción, con una producción media de 800 largometrajes al año, [96] o el 82% del total mundial (Eyman, 1997). Las comedias de Charlie Chaplin y Buster Keaton , las aventuras de capa y espada de Douglas Fairbanks y los romances de Clara Bow , por citar sólo algunos ejemplos, hicieron que los rostros de estos artistas fueran muy conocidos en todos los continentes. La norma visual occidental que se convertiría en el montaje de continuidad clásico se desarrolló y exportó, aunque su adopción fue más lenta en algunos países no occidentales sin fuertes tradiciones realistas en el arte y el teatro, como Japón .
Este desarrollo fue contemporáneo con el crecimiento del sistema de estudios y su mayor método de publicidad, el star system , que caracterizó al cine estadounidense durante décadas y proporcionó modelos para otras industrias cinematográficas. El eficiente control de arriba hacia abajo de los estudios sobre todas las etapas de su producto permitió un nuevo y cada vez mayor nivel de producción suntuosa y sofisticación técnica. Al mismo tiempo, la reglamentación comercial del sistema y el enfoque en el escapismo glamoroso desalentaron la osadía y la ambición más allá de cierto grado, un excelente ejemplo de ello fue la breve pero aún legendaria carrera como director del iconoclasta Erich von Stroheim a fines de la década de 1910 y en la de 1920.
En 1924, Sam Goldwyn , Louis B. Mayer y Metro Pictures Corporation crean MGM . [46]
A finales de 1927, Warner lanzó The Jazz Singer , que era mayoritariamente muda pero contenía lo que generalmente se considera como el primer diálogo sincronizado (y canto) en un largometraje; [97] pero este proceso en realidad lo logró primero Charles Taze Russell en 1914 con la película de larga duración The Photo-Drama of Creation . Este drama consistía en diapositivas de imágenes e imágenes en movimiento sincronizadas con grabaciones fonográficas de conversaciones y música. Los primeros procesos de sonido en disco como Vitaphone pronto fueron reemplazados por métodos de sonido en película como Fox Movietone , DeForest Phonofilm y RCA Photophone . La tendencia convenció a los industriales, en gran medida reacios, de que las "imágenes habladas", o "talkies", eran el futuro. Se hicieron muchos intentos antes del éxito de The Jazz Singer , que se puede ver en la Lista de sistemas de sonido de películas . Y en 1926, Warner Bros. estrena la película Don Juan con efectos de sonido y música sincronizados. [46]
El cambio fue notablemente rápido. A finales de 1929, Hollywood era casi todo sonoro, con varios sistemas de sonido en competencia (que pronto se estandarizarían). El cambio total fue ligeramente más lento en el resto del mundo, principalmente por razones económicas. Las razones culturales también fueron un factor en países como China y Japón , donde el cine mudo coexistió con éxito con el sonoro hasta bien entrada la década de 1930, produciendo de hecho lo que serían algunos de los clásicos más venerados en esos países, como La diosa de Wu Yonggang (China, 1934) y Nací, pero... de Yasujirō Ozu (Japón, 1932). Pero incluso en Japón, una figura como el benshi , el narrador en vivo que fue una parte importante del cine mudo japonés, vio que su carrera como actor estaba terminando.
El sonido consolidó aún más el control de los grandes estudios en numerosos países: el enorme gasto de la transición abrumó a los competidores más pequeños, mientras que la novedad del sonido atrajo audiencias mucho más grandes para los productores que permanecieron. En el caso de los EE. UU., algunos historiadores atribuyen al sonido el mérito de salvar el sistema de estudios de Hollywood frente a la Gran Depresión (Parkinson, 1995). Así comenzó lo que ahora se suele llamar "La edad de oro de Hollywood", que se refiere aproximadamente al período que comienza con la introducción del sonido hasta fines de la década de 1940. El cine estadounidense alcanzó su apogeo de glamour producido de manera eficiente y atractivo global durante este período. Los mejores actores de la época ahora se consideran las estrellas de cine clásicas, como Clark Gable , Katharine Hepburn , Humphrey Bogart , Greta Garbo y la mayor atracción de taquilla de la década de 1930, la actriz infantil Shirley Temple .
Sin embargo, la rápida transición fue difícil en términos creativos y, en cierto modo, el cine volvió brevemente a las condiciones de sus primeros días. Los últimos años de la década de 1920 estuvieron llenos de películas sonoras estáticas y teatrales, en las que los artistas, delante y detrás de la cámara, luchaban con las estrictas limitaciones de los primeros equipos de sonido y con su propia incertidumbre sobre cómo utilizar el nuevo medio. Muchos actores, directores y guionistas teatrales se familiarizaron con el cine cuando los productores buscaron personal con experiencia en la narración basada en diálogos. Muchos directores y actores importantes del cine mudo no pudieron adaptarse y vieron sus carreras severamente limitadas o incluso terminadas.
Este período incómodo duró poco. 1929 fue un año decisivo: William Wellman con Chinatown Nights y The Man I Love , Rouben Mamoulian con Applause , Alfred Hitchcock con Blackmail (el primer largometraje sonoro británico), estuvieron entre los directores que aportaron mayor fluidez al cine sonoro y experimentaron con el uso expresivo del sonido (Eyman, 1997). En este sentido, ambos se beneficiaron de los avances técnicos en micrófonos y cámaras, y de las capacidades para editar y postsincronizar el sonido (en lugar de grabar todo el sonido directamente en el momento de la filmación).
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Las películas sonoras enfatizaron la historia negra y beneficiaron a diferentes géneros en mayor medida que las mudas. La más obvia fue el nacimiento del cine musical ; el primer musical de estilo clásico de Hollywood fue The Broadway Melody (1929), y la forma encontraría su primer creador importante en el coreógrafo/director Busby Berkeley ( 42nd Street , 1933, Dames , 1934). En Francia, el director de vanguardia René Clair hizo un uso surrealista de la canción y la danza en comedias como Bajo los tejados de París (1930) y Le Million (1931). Universal Pictures comenzó a estrenar películas de terror gótico como Drácula y Frankenstein (ambas de 1931). En 1933, RKO Pictures estrenó la clásica película de "monstruos gigantes" de Merian C. Cooper King Kong . La tendencia prosperó mejor en la India , donde la influencia del drama tradicional de canción y danza del país hizo del musical la forma básica de la mayoría de las películas sonoras (Cook, 1990); Aunque durante décadas el mundo occidental prácticamente no se percató de este cine popular indio, se convertiría sin embargo en el más prolífico del mundo ( véase también Bollywood ) .
En esa época, las películas de gánsteres estadounidenses como Little Caesar y The Public Enemy de Wellman (ambas de 1931) se hicieron populares. El diálogo ahora tenía prioridad sobre el slapstick en las comedias de Hollywood: las bromas ingeniosas y de ritmo rápido de The Front Page (1931) o It Happened One Night (1934), los dobles sentidos sexuales de Mae West ( She Done Him Wrong , 1933), o las tonterías a menudo subversivamente anárquicas de los Hermanos Marx ( Duck Soup , 1933). Walt Disney , que anteriormente había estado en el negocio de los dibujos animados cortos, se adentró en los largometrajes con el primer largometraje animado en inglés Blancanieves y los siete enanitos , estrenado por RKO Pictures en 1937. 1939, un año importante para el cine estadounidense, trajo películas como El mago de Oz y Lo que el viento se llevó .
Alrededor del 80 por ciento de las películas de la década de 1890 a la de 1920 tenían colores. [98] Muchas utilizaban baños de tinte para teñir películas monocromáticas , algunas tenían los marcos pintados a mano en múltiples colores transparentes y desde 1905 había un proceso mecanizado con plantillas ( Pathécolor ).
Kinemacolor , el primer proceso de color cinematográfico comercialmente exitoso, produjo películas en dos colores (rojo y cian) entre 1908 y 1914.
El proceso de color natural de tres bandas de Technicolor se introdujo con gran éxito en 1932 con el cortometraje animado de Walt Disney ganador del premio Oscar " Flores y árboles ", dirigido por Burt Gillett . Al principio, el Technicolor se utilizó principalmente para musicales como " El mago de Oz " (1939), en películas de época como " Las aventuras de Robin Hood " y en animación. Poco después de que la televisión se generalizara a principios de la década de 1950, el color se convirtió más o menos en el estándar para las películas de cine.
El deseo de propaganda en tiempos de guerra contra la oposición creó un renacimiento en la industria cinematográfica en Gran Bretaña, con dramas de guerra realistas como 49th Parallel (1941), Went the Day Well? (1942), The Way Ahead (1944) y la célebre película naval de Noël Coward y David Lean In Which We Serve en 1942, que ganó un premio especial de la Academia . Estas existieron junto a películas más extravagantes como The Life and Death of Colonel Blimp (1943), A Canterbury Tale (1944) y A Matter of Life and Death (1946) de Michael Powell y Emeric Pressburger , así como la película Henry V de Laurence Olivier de 1944 , basada en la historia de Shakespeare Henry V. El éxito de Blancanieves y los siete enanitos permitió a Disney realizar más películas animadas como Pinocho (1940), Fantasía (1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942).
El inicio de la participación de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial también trajo consigo una proliferación de películas que tenían tanto carácter patriota como propagandístico. Entre las películas propagandísticas estadounidenses se encuentran Viaje desesperado (1942), La señora Miniver (1942), Por siempre y un día (1943) y ¡ Objetivo, Birmania! (1945). Entre las películas estadounidenses más destacadas de los años de guerra se incluyen la antinazi Vigilancia en el Rin (1943), con guion de Dashiell Hammett ; La sombra de una duda (1943), dirigida por Hitchcock a partir de un guion de Thornton Wilder ; la película biográfica de George M. Cohan , Yankee Doodle Dandy (1942), protagonizada por James Cagney , y la inmensamente popular Casablanca , con Humphrey Bogart . Bogart protagonizaría 36 películas entre 1934 y 1942, incluida El halcón maltés (1941) de John Huston , una de las primeras películas que ahora se consideran un clásico del cine negro . En 1941, RKO Pictures estrenó Ciudadano Kane, de Orson Welles . A menudo se la considera la mejor película de todos los tiempos. Sentó las bases para el cine moderno, ya que revolucionó la forma de contar historias en el cine.
Las restricciones de la guerra también generaron un interés por temas más fantásticos. Entre ellos se encontraban los melodramas británicos de Gainsborough (entre ellos, The Man in Grey y The Wicked Lady ) y películas como Here Comes Mr. Jordan , Heaven Can Wait , I Married a Witch y Blithe Spirit . Val Lewton también produjo una serie de películas de terror atmosféricas e influyentes de bajo presupuesto, siendo algunos de los ejemplos más famosos Cat People , Isle of the Dead y The Body Snatcher . La década probablemente también vio las llamadas " películas de mujeres ", como Now, Voyager , Random Harvest y Mildred Pierce en la cima de su popularidad.
En 1946, RKO Radio estrenó Qué bello es vivir, dirigida por el cineasta italiano Frank Capra . Los soldados que regresaban de la guerra proporcionarían la inspiración para películas como Los mejores años de nuestra vida , y muchos de los que trabajaban en la industria cinematográfica habían servido de alguna manera durante la guerra. Las experiencias de Samuel Fuller en la Segunda Guerra Mundial influirían en sus películas en gran parte autobiográficas de décadas posteriores, como The Big Red One . El Actors Studio fue fundado en octubre de 1947 por Elia Kazan , Robert Lewis y Cheryl Crawford , y el mismo año Oskar Fischinger filmó Motion Painting No. 1 .
En 1943 se estrenó en Italia Ossessione , que marcó el inicio del neorrealismo italiano . Entre las principales películas de este tipo durante la década de 1940 se encuentran Ladrón de bicicletas , Roma, ciudad abierta y La terra trema . En 1952 se estrenó Umberto D , considerada habitualmente la última película de este tipo.
A finales de la década de 1940, en Gran Bretaña, Ealing Studios se embarcó en su serie de comedias célebres, entre las que se incluyen Whisky Galore!, Pasaporte a Pimlico , Kind Hearts and Coronets y The Man in the White Suit , y Carol Reed dirigió sus influyentes thrillers Odd Man Out , The Fallen Idol y The Third Man . David Lean también se estaba convirtiendo rápidamente en una fuerza en el cine mundial con Brief Encounters y sus adaptaciones de Dickens Great Expectations y Oliver Twist , y Michael Powell y Emeric Pressburger experimentarían lo mejor de su asociación creativa con películas como Black Narcissus y The Red Shoes .
El Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes investigó Hollywood a principios de la década de 1950. Las audiencias, protestadas por los Diez de Hollywood ante el comité, dieron como resultado la inclusión en la lista negra de muchos actores, escritores y directores, incluidos Chayefsky, Charlie Chaplin y Dalton Trumbo , y muchos de ellos huyeron a Europa, especialmente al Reino Unido.
El espíritu de la época de la Guerra Fría se tradujo en un tipo de casi paranoia manifestada en temas como ejércitos invasores de alienígenas malvados ( La invasión de los ladrones de cuerpos , La guerra de los mundos ) y quintacolumnistas comunistas ( El mensajero del miedo ).
Durante los años inmediatamente posteriores a la guerra, la industria cinematográfica también se vio amenazada por la televisión, y la creciente popularidad del medio provocó la quiebra de algunas salas de cine y el cierre de las mismas. La desaparición del "sistema de estudios" estimuló el autocomentario de películas como Sunset Boulevard (1950) y The Bad and the Beautiful (1952).
En 1950, los vanguardistas letristas provocaron disturbios en el Festival de Cine de Cannes , cuando se proyectó el Tratado sobre el limo y la eternidad de Isidore Isou . Después de sus críticas a Charlie Chaplin y su ruptura con el movimiento, los ultraletristas continuaron causando disturbios cuando mostraron sus nuevas técnicas hipergráficas . La película más notoria es Aullidos para Sade de Guy Debord de 1952. Afligidos por el creciente número de cines cerrados, los estudios y las compañías encontrarían formas nuevas e innovadoras de atraer al público. Estas incluyeron intentos de ampliar su atractivo con nuevos formatos de pantalla. Cinemascope , que seguiría siendo una distinción de 20th Century Fox hasta 1967, se anunció con The Robe de 1953. VistaVision , Cinerama y Todd-AO se jactaron de un enfoque de "cuanto más grande, mejor" para comercializar películas para una audiencia estadounidense cada vez menor. Esto resultó en el resurgimiento de películas épicas para aprovechar los nuevos formatos de pantalla grande. Algunos de los ejemplos más exitosos de estos espectáculos bíblicos e históricos incluyen Los diez mandamientos (1956), Los vikingos (1958), Ben-Hur (1959), Espartaco (1960) y El Cid (1961). También durante este período se produjeron otras películas importantes en Todd-AO , desarrolladas por Mike Todd poco antes de su muerte, entre ellas Oklahoma! (1955), La vuelta al mundo en 80 días (1956), Pacífico Sur (1958) y Cleopatra (1963), entre muchas más.
Los trucos también proliferaron para atraer al público. La moda de las películas en 3D duraría sólo dos años, entre 1952 y 1954, y ayudó a vender La casa de cera y El monstruo de la laguna negra . El productor William Castle promocionaría películas con "Emergo" y "Percepto", la primera de una serie de trucos que seguirían siendo herramientas de marketing populares para Castle y otros durante la década de 1960.
En 1954, Dorothy Dandridge fue nominada a los Oscar como mejor actriz por su papel en la película Carman Jones. Se convirtió en la primera mujer negra en ser nominada a este premio. [100]
En Estados Unidos, la tendencia posterior a la Segunda Guerra Mundial a cuestionar el orden establecido y las normas sociales y el activismo temprano del movimiento por los derechos civiles se reflejó en películas de Hollywood como Blackboard Jungle (1955), On the Waterfront (1954), Marty de Paddy Chayefsky y 12 Angry Men de Reginald Rose (1957). Disney continuó haciendo películas animadas, en particular; Cenicienta (1950), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955) y La bella durmiente (1959). Sin embargo, comenzó a involucrarse más en películas de acción real, produciendo clásicos como 20.000 leguas de viaje submarino (1954) y Old Yeller (1957). La televisión comenzó a competir seriamente con las películas proyectadas en los cines, pero sorprendentemente promovió más la asistencia al cine en lugar de reducirla.
Limelight es probablemente una película única en al menos un aspecto interesante. Sus dos protagonistas, Charlie Chaplin y Claire Bloom , estuvieron en la industria en no menos de tres siglos diferentes. En el siglo XIX, Chaplin hizo su debut teatral a la edad de ocho años, en 1897, en una compañía de baile de zuecos, The Eight Lancaster Lads. En el siglo XXI, Bloom sigue disfrutando de una carrera completa y productiva, habiendo aparecido en docenas de películas y series de televisión producidas hasta 2022 inclusive. Recibió especial aclamación por su papel en El discurso del rey (2010).
Tras el final de la Segunda Guerra Mundial en la década de 1940, la década siguiente, la de 1950, marcó una «edad de oro» para el cine mundial no inglés , [101] [102] especialmente para el cine asiático . [103] [104] Muchas de las películas asiáticas más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante esta década, incluyendo Historia de Tokio (1953) de Yasujirō Ozu , La trilogía de Apu ( 1955-1959) y Jalsaghar (1958) de Satyajit Ray , Ugetsu (1954) y Sansho the Bailiff (1954) de Kenji Mizoguchi , Awaara (1951) de Raj Kapoor , Nubes flotantes (1955) de Mikio Naruse , Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959) de Guru Dutt , y las películas de Akira Kurosawa Rashomon (1950), Ikiru (1952), Los siete samuráis (1954) y Trono de sangre (1957). [103] [104]
Durante la «Edad de Oro» del cine japonés de la década de 1950, las películas de éxito incluyeron Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954) y La fortaleza escondida (1958) de Akira Kurosawa , así como Historias de Tokio (1953) de Yasujirō Ozu y Godzilla (1954) de Ishirō Honda . [105] Estas películas han tenido una profunda influencia en el cine mundial. En particular, Los siete samuráis de Kurosawa ha sido rehecha varias veces como películas occidentales , como Los siete magníficos (1960) y Batalla más allá de las estrellas (1980), y también ha inspirado varias películas de Bollywood , como Sholay (1975) y China Gate (1998). Rashomon también fue rehecha como The Outrage (1964), e inspiró películas con métodos narrativos de " efecto Rashomon ", como Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) y Hero (2002). The Hidden Fortress también fue una inspiración detrás de Star Wars (1977) de George Lucas . Otros cineastas japoneses famosos de este período incluyen a Kenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki y Nagisa Oshima . [103] El cine japonés más tarde se convirtió en una de las principales inspiraciones detrás del movimiento New Hollywood de la década de 1960 a 1980.
Durante la "Edad de Oro" del cine indio , en la década de 1950, se producían 200 películas al año, mientras que las películas independientes indias ganaban mayor reconocimiento a través de festivales de cine internacionales . Una de las más famosas fue La trilogía de Apu (1955-1959) del aclamado director de cine bengalí Satyajit Ray , cuyas películas tuvieron una profunda influencia en el cine mundial, con directores como Akira Kurosawa, [106] Martin Scorsese , [107] [108] James Ivory , [109] Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut , [110] Steven Spielberg , [111] [112] Carlos Saura , [113] Jean-Luc Godard , [114] Isao Takahata , [115] Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson [116] y Danny Boyle [117] siendo influenciados por su estilo cinematográfico. Según Michael Sragow de The Atlantic Monthly , los " dramas juveniles sobre la mayoría de edad que han inundado las salas de arte desde mediados de los años cincuenta tienen una deuda enorme con la trilogía de Apu". [118] La técnica cinematográfica de Subrata Mitra de iluminación rebotada también se origina en La trilogía de Apu . [119] Otros famosos cineastas indios de este período incluyen a Guru Dutt , [103] Ritwik Ghatak , [104] Mrinal Sen , Raj Kapoor , Bimal Roy , K. Asif y Mehboob Khan . [120]
El cine de Corea del Sur también experimentó una «Edad de Oro» en la década de 1950, que comenzó con el remake tremendamente exitoso de Chunhyang-jon (1955) del director Lee Kyu-hwan. [121] Ese año también se estrenó Yangsan Province del reconocido director Kim Ki-young , lo que marcó el comienzo de su productiva carrera. Tanto la calidad como la cantidad de la producción cinematográfica habían aumentado rápidamente a fines de la década de 1950. Las películas surcoreanas, como la comedia de Lee Byeong-il de 1956 Sijibganeun nal (El día de la boda) , habían comenzado a ganar premios internacionales. En contraste con el comienzo de la década de 1950, cuando solo se hacían 5 películas por año, en 1959 se produjeron 111 películas en Corea del Sur. [122]
La década de 1950 también fue una «época dorada» para el cine filipino , con el surgimiento de películas más artísticas y maduras, y una mejora significativa en las técnicas cinematográficas entre los cineastas. El sistema de estudios produjo una actividad frenética en la industria cinematográfica local, ya que se hicieron muchas películas anualmente y varios talentos locales comenzaron a ganar reconocimiento en el extranjero. Los principales directores filipinos de la época incluyeron a Gerardo de León , Gregorio Fernández, Eddie Romero , Lamberto Avellana y Cirio Santiago . [123] [124]
Durante la década de 1960, el sistema de estudios de Hollywood decayó, porque muchas películas se rodaban en locaciones de otros países o en estudios extranjeros, como Pinewood en el Reino Unido y Cinecittà en Roma. Las películas "hollywoodenses" seguían estando dirigidas en gran medida al público familiar y, a menudo, eran las películas más tradicionales las que producían los mayores éxitos de los estudios. Producciones como Mary Poppins (1964), My Fair Lady (1964) y The Sound of Music (1965) estuvieron entre las que más dinero generaron en la década. El crecimiento de productores y compañías de producción independientes y el aumento del poder de los actores individuales también contribuyeron al declive de la producción tradicional de los estudios de Hollywood.
En Estados Unidos, durante este período, también se produjo una creciente conciencia del cine en lengua extranjera. A finales de los años 50 y 60, los directores de la Nouvelle Vague francesa, como François Truffaut y Jean-Luc Godard, produjeron películas como Les quatre cents coups , Breathless y Jules et Jim, que rompieron las reglas de la estructura narrativa del cine de Hollywood . Asimismo, el público empezó a conocer películas italianas como La dolce vita (1960) de Federico Fellini , 8½ (1963) y los crudos dramas del sueco Ingmar Bergman .
En Gran Bretaña, el "cine libre" de Lindsay Anderson , Tony Richardson y otros dio lugar a un grupo de dramas realistas e innovadores, entre los que se incluyen Saturday Night and Sunday Morning , A Kind of Loving y This Sporting Life . Otras películas británicas como Repulsion , Darling , Alfie , Blowup y Georgy Girl (todas ellas de 1965-1966) ayudaron a reducir las prohibiciones de sexo y desnudez en la pantalla, mientras que el sexo casual y la violencia de las películas de James Bond , comenzando con Dr. No en 1962, harían que la serie fuera popular en todo el mundo.
En los años 60, Ousmane Sembène produjo varias películas en francés y wolof y se convirtió en el "padre" del cine africano . En América Latina, el predominio del modelo "hollywoodense" fue cuestionado por muchos cineastas. Fernando Solanas y Octavio Getino abogaron por un tercer cine comprometido políticamente en contraposición a Hollywood y al cine de autor europeo .
En Egipto , la edad de oro del cine egipcio continuó en la década de 1960 de la mano de muchos directores, y el cine egipcio apreciaba mucho a las mujeres en ese momento, como Soad Hosny . Los hermanos Zulfikar; Ezz El-Dine Zulfikar , Salah Zulfikar y Mahmoud Zulfikar estuvieron en una cita con muchas producciones, [125] incluyendo El río del amor (1960) de Ezz El Dine Zulfikar , [126] Manos suaves (1964) de Mahmoud Zulfikar , y Más querido que mi vida (1965) protagonizada por Salah Zulfikar y la producción de Salah Zulfikar Films ; Mi esposa, la directora general (1966) [127] así como Saladino (1963) de Youssef Chahine . [128] [129]
Además, la paranoia nuclear de la época y la amenaza de un intercambio nuclear apocalíptico (como el incidente de 1962 con la URSS durante la Crisis de los Misiles de Cuba ) provocaron también una reacción en la comunidad cinematográfica. Películas como Dr. Strangelove de Stanley Kubrick y Fail Safe con Henry Fonda se produjeron en un Hollywood que en su día fue conocido por su patriotismo manifiesto y su propaganda en tiempos de guerra.
En el cine documental, los años sesenta vieron el florecimiento del cine directo , un estilo de observación de la realización cinematográfica, así como la llegada de películas más abiertamente partidistas como En el año del cerdo sobre la guerra de Vietnam de Emile de Antonio . Sin embargo, a finales de la década de 1960, los cineastas de Hollywood estaban empezando a crear películas más innovadoras y rompedoras que reflejaban la revolución social que se había apoderado de gran parte del mundo occidental, como Bonnie y Clyde (1967), El graduado (1967), 2001: Una odisea del espacio (1968), La semilla del diablo (1968), Cowboy de medianoche (1969), Easy Rider (1969) y Grupo salvaje (1969). Bonnie y Clyde se considera a menudo el comienzo del llamado Nuevo Hollywood .
En el cine japonés, el director ganador del Oscar Akira Kurosawa produjo Yojimbo (1961), que, al igual que sus películas anteriores, también tuvo una profunda influencia en todo el mundo. La influencia de esta película es más evidente en Por un puñado de dólares (1964) de Sergio Leone y El último hombre en pie (1996) de Walter Hill . Yojimbo también fue el origen de la tendencia del " hombre sin nombre ".
El Nuevo Hollywood fue el período posterior a la decadencia del sistema de estudios durante las décadas de 1950 y 1960 y el fin del código de producción (que fue reemplazado en 1968 por el sistema de clasificación de películas de la MPAA ). Durante la década de 1970, los cineastas mostraron cada vez más contenido sexual explícito y mostraron escenas de tiroteos y batallas que incluían imágenes gráficas de muertes sangrientas; un ejemplo notable de esto es La última casa a la izquierda (1972) de Wes Craven .
El cine posclásico es el cambio en los métodos de narración de historias de los productores del Nuevo Hollywood. Los nuevos métodos de drama y caracterización jugaron con las expectativas de la audiencia adquiridas durante el período clásico/de la Edad de Oro: la cronología de la historia puede estar desordenada, las líneas argumentales pueden presentar " finales inesperados " inquietantes, los personajes principales pueden comportarse de una manera moralmente ambigua y las líneas entre el antagonista y el protagonista pueden estar difusas. Los comienzos de la narración posclásica se pueden ver en las películas de cine negro de los años 1940 y 1950 , en películas como Rebelde sin causa (1955) y en Psicosis de Hitchcock . 1971 marcó el estreno de películas controvertidas como Perros de paja , La naranja mecánica , The French Connection y Harry el sucio . Esto desató una acalorada controversia sobre la percepción de una escalada de violencia en el cine.
Durante la década de 1970, surgió un nuevo grupo de cineastas estadounidenses, como Martin Scorsese , Francis Ford Coppola , George Lucas , Woody Allen , Terrence Malick y Robert Altman . Esto coincidió con la creciente popularidad de la teoría del autor en la literatura cinematográfica y los medios de comunicación, que postulaba que las películas de un director de cine expresan su visión personal y sus ideas creativas. El desarrollo del estilo de cine de autor ayudó a dar a estos directores un control mucho mayor sobre sus proyectos del que hubiera sido posible en épocas anteriores. Esto condujo a algunos grandes éxitos críticos y comerciales, como Taxi Driver de Scorsese, las películas de El Padrino de Coppola , El exorcista de William Friedkin , Nashville de Altman , Annie Hall y Manhattan de Allen , Badlands y Days of Heaven de Malick y Chinatown del inmigrante polaco Roman Polanski . Sin embargo, también tuvo como resultado algunos fracasos, entre ellos At Long Last Love , de Peter Bogdanovich , y la costosísima epopeya western Heaven's Gate , de Michael Cimino , que contribuyeron a la desaparición de su patrocinador, United Artists .
El desastre financiero de La puerta del cielo marcó el fin de los visionarios directores de "autor" del "Nuevo Hollywood", que tenían una libertad creativa y financiera sin límites para desarrollar películas. El éxito fenomenal en la década de 1970 de Tiburón de Spielberg originó el concepto de la " superproducción " moderna. Sin embargo, el enorme éxito de la película de George Lucas de 1977 La guerra de las galaxias condujo a mucho más que la popularización de la realización de películas de gran éxito. El uso revolucionario de los efectos especiales, la edición de sonido y la música en la película la habían llevado a ser ampliamente considerada como una de las películas más importantes de la historia del medio, así como la película más influyente de la década de 1970. Los estudios de Hollywood se centraron cada vez más en producir un número menor de películas de gran presupuesto con campañas masivas de marketing y promoción. Esta tendencia ya había sido prefigurada por el éxito comercial de películas de desastres como La aventura del Poseidón y El coloso en llamas .
A mediados de los años 70, se establecieron más salas pornográficas, eufemísticamente llamadas "cines para adultos", y comenzó la producción legal de películas pornográficas duras . Películas porno como Garganta profunda y su estrella Linda Lovelace se convirtieron en una especie de fenómeno de la cultura popular y dieron lugar a una avalancha de películas de sexo similares. Los cines porno finalmente se extinguieron durante los años 80, cuando la popularización del VCR doméstico y las cintas de vídeo pornográficas permitieron al público ver películas de sexo en casa. A principios de los años 70, el público de habla inglesa se hizo más consciente del nuevo cine de Alemania Occidental , con Werner Herzog , Rainer Werner Fassbinder y Wim Wenders entre sus principales exponentes.
En el cine mundial , la década de 1970 vio un aumento dramático en la popularidad de las películas de artes marciales , en gran parte debido a su reinvención por parte de Bruce Lee , quien se apartó del estilo artístico de las películas de artes marciales tradicionales chinas y les agregó un sentido mucho mayor de realismo con su estilo Jeet Kune Do. Esto comenzó con The Big Boss (1971), que fue un gran éxito en toda Asia . Sin embargo, no ganó fama en el mundo occidental hasta poco después de su muerte en 1973, cuando se estrenó Enter the Dragon . La película se convirtió en la película de artes marciales más exitosa en la historia del cine, popularizó el género cinematográfico de artes marciales en todo el mundo y consolidó el estatus de Bruce Lee como un ícono cultural. El cine de acción de Hong Kong , sin embargo, estaba en declive debido a una ola de películas de " Bruceploitation ". Esta tendencia finalmente llegó a su fin en 1978 con las películas de comedia de artes marciales , Snake in the Eagle's Shadow y Drunken Master , dirigidas por Yuen Woo-ping y protagonizadas por Jackie Chan , que sentaron las bases para el surgimiento del cine de acción de Hong Kong en la década de 1980.
Mientras que el género de películas musicales había declinado en Hollywood en ese momento, las películas musicales estaban ganando popularidad rápidamente en el cine de la India , donde el término " Bollywood " fue acuñado para la creciente industria cinematográfica hindi en Bombay (ahora Mumbai) que terminó dominando el cine del sur de Asia , superando en popularidad a la industria cinematográfica bengalí más aclamada por la crítica . Los cineastas hindi combinaron la fórmula musical de Hollywood con las convenciones del antiguo teatro indio para crear un nuevo género cinematográfico llamado " Masala ", que dominó el cine indio a lo largo de finales del siglo XX. [130] Estas películas "Masala" retrataban acción, comedia, drama , romance y melodrama a la vez, con rutinas de canciones y bailes " filmi " incluidas. Esta tendencia comenzó con películas dirigidas por Manmohan Desai y protagonizadas por Amitabh Bachchan , quien sigue siendo una de las estrellas de cine más populares del sur de Asia. La película india más popular de todos los tiempos fue Sholay (1975), una película "Masala" inspirada en un bandido de la vida real, así como en Los siete samuráis de Kurosawa y los spaghetti westerns .
A finales de la década se produjo la primera comercialización internacional importante del cine australiano, cuando las películas de Peter Weir Picnic at Hanging Rock y The Last Wave y The Chant of Jimmie Blacksmith de Fred Schepisi obtuvieron elogios de la crítica. En 1979, el cineasta australiano George Miller también obtuvo atención internacional por su película de acción violenta y de bajo presupuesto Mad Max .
Durante la década de 1980, el público comenzó a ver cada vez más películas en sus videograbadoras domésticas . A principios de esa década, los estudios cinematográficos intentaron emprender acciones legales para prohibir la posesión de videograbadoras en el hogar por considerar que constituían una violación de los derechos de autor , pero no tuvieron éxito. Con el tiempo, la venta y el alquiler de películas en formato de video doméstico se convirtieron en un "segundo lugar" importante para la exhibición de películas y en una fuente adicional de ingresos para las industrias cinematográficas. Los mercados de video directo (nicho) solían ofrecer producciones baratas y de menor calidad que no se consideraban muy adecuadas para el público general de los estrenos en televisión y cine.
La combinación Lucas - Spielberg dominaría el cine "Hollywood" durante gran parte de la década de 1980 y daría lugar a muchas imitaciones. Dos secuelas de La guerra de las galaxias , tres de Tiburón y tres películas de Indiana Jones ayudaron a que las secuelas de películas exitosas fueran una expectativa más que nunca. Lucas también lanzó THX Ltd , una división de Lucasfilm en 1982, [131] mientras que Spielberg disfrutó de uno de los mayores éxitos de la década en ET el extraterrestre el mismo año. 1982 también vio el lanzamiento de Tron de Disney, que fue una de las primeras películas de un estudio importante en usar gráficos de computadora de manera extensiva. El cine independiente estadounidense tuvo más dificultades durante la década, aunque Toro salvaje (1980), After Hours (1985) y El rey de la comedia (1983) de Martin Scorsese ayudaron a establecerlo como uno de los cineastas estadounidenses más aclamados por la crítica de la época. También durante 1983 se estrenó Scarface , que fue muy rentable y dio lugar a una fama aún mayor para su actor principal Al Pacino . La versión de 1989 de Tim Burton de la creación de Bob Kane , Batman , vio la interpretación de Jack Nicholson del demente Joker , que le valió entre 60 y 90 millones de dólares después de incluir su porcentaje de los ingresos brutos. [132]
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El cine británico recibió un impulso a principios de los años 80 con la llegada de la compañía Goldcrest Films de David Puttnam . Las películas Carros de fuego , Gandhi , Los gritos del silencio y Una habitación con vistas atrajeron a un público "mediocre" que cada vez estaba siendo más ignorado por los grandes estudios de Hollywood. Si bien las películas de los años 70 habían ayudado a definir las películas de gran éxito modernas , la forma en que "Hollywood" estrenaba sus películas ahora cambiaría. Las películas, en su mayoría, se estrenarían en un mayor número de salas, aunque, hasta el día de hoy, algunas películas todavía se estrenan utilizando la ruta del sistema de estreno limitado/roadshow . Contra algunas expectativas, el auge de los multicines no permitió que se exhibieran películas menos convencionales, sino que simplemente permitió que los grandes éxitos de taquilla tuvieran un número aún mayor de proyecciones. Sin embargo, las películas que habían sido pasadas por alto en los cines cada vez tenían una segunda oportunidad en el video doméstico.
Durante la década de 1980, el cine japonés experimentó un resurgimiento, en gran parte debido al éxito de las películas de anime . A principios de la década de 1980, Space Battleship Yamato (1973) y Mobile Suit Gundam (1979), ambas sin éxito como series de televisión, fueron rehechas como películas y tuvieron un gran éxito en Japón. En particular, Mobile Suit Gundam desencadenó la franquicia Gundam de anime de mechas Real Robot . El éxito de Macross: Do You Remember Love? también desencadenó una franquicia Macross de anime de mechas. Esta fue también la década en la que se fundó Studio Ghibli . El estudio produjo las primeras películas de fantasía de Hayao Miyazaki , Nausicaä del valle del viento (1984) y El castillo en el cielo (1986), así como La tumba de las luciérnagas (1988) de Isao Takahata , todas las cuales tuvieron mucho éxito en Japón y recibieron elogios de la crítica mundial. Las películas de animación en video original (OVA) también comenzaron durante esta década; La más influyente de estas primeras películas OVA fue la película ciberpunk Megazone 23 (1985) de Noboru Ishiguro . La película de anime más famosa de esta década fue la película ciberpunk Akira (1988) de Katsuhiro Otomo , que aunque inicialmente no tuvo éxito en los cines japoneses, se convirtió en un éxito internacional.
El cine de acción de Hong Kong , que se encontraba en un estado de decadencia debido a las interminables películas de Bruceploitation tras la muerte de Bruce Lee , también experimentó un resurgimiento en la década de 1980, en gran parte debido a la reinvención del género cinematográfico de acción por parte de Jackie Chan . Anteriormente había combinado con éxito los géneros cinematográficos de comedia y artes marciales en las películas de 1978 Snake in the Eagle's Shadow y Drunken Master . El siguiente paso que dio fue combinar este género de comedia de artes marciales con un nuevo énfasis en acrobacias elaboradas y altamente peligrosas , que recuerdan a la era del cine mudo. La primera película de este nuevo estilo de cine de acción fue Project A (1983), que vio la formación del Jackie Chan Stunt Team , así como los "Tres Hermanos" (Chan, Sammo Hung y Yuen Biao ). La película agregó acrobacias elaboradas y peligrosas a las peleas y al humor slapstick , y se convirtió en un gran éxito en todo el Lejano Oriente. Como resultado, Chan continuó esta tendencia con películas de acción de artes marciales que contenían acrobacias aún más elaboradas y peligrosas, incluyendo Wheels on Meals (1984), Police Story (1985), Armour of God (1986), Project A Part II (1987), Police Story 2 (1988) y Dragons Forever (1988). Otras nuevas tendencias que comenzaron en la década de 1980 fueron el subgénero de " chicas con armas ", por el que Michelle Yeoh ganó fama; y especialmente el género de " derramamiento de sangre heroico ", que gira en torno a las Tríadas , en gran parte iniciado por John Woo y por el que Chow Yun-fat se hizo famoso. Estas tendencias de acción de Hong Kong fueron adoptadas más tarde por muchas películas de acción de Hollywood en las décadas de 1990 y 2000.
A principios de los años 90 se produjo el desarrollo de un cine independiente de gran éxito comercial en Estados Unidos. Aunque el cine estaba cada vez más dominado por películas de efectos especiales como Terminator 2: el juicio final (1991), Jurassic Park (1993) y Titanic (1997), esta última se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos hasta Avatar (2009), también dirigida por James Cameron, películas independientes como Sex, Lies, and Videotape (1989) de Steven Soderbergh y Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino tuvieron un éxito comercial significativo tanto en el cine como en el vídeo doméstico.
Los cineastas asociados al movimiento cinematográfico danés Dogma 95 presentaron un manifiesto cuyo objetivo era purificar la cinematografía. Sus primeras películas obtuvieron elogios de la crítica mundial, tras lo cual el movimiento fue desapareciendo poco a poco.
Uno de los Nuestros, de Scorsese, se estrenó en 1990. Muchos la consideran una de las mejores películas jamás realizadas, en particular en el género de gánsteres. Se dice que fue el punto más alto de la carrera de Scorsese.
Los principales estudios estadounidenses comenzaron a crear sus propias compañías de producción "independientes" para financiar y producir producciones no convencionales. Una de las independientes más exitosas de la década de 1990, Miramax Films , fue comprada por Disney el año anterior al estreno del gran éxito de Tarantino Pulp Fiction en 1994. El mismo año marcó el comienzo de la distribución de películas y videos en línea. Las películas animadas dirigidas al público familiar también recuperaron su popularidad, con La bella y la bestia (1991), Aladdin (1992) y El rey león (1994) de Disney. Durante 1995, el primer largometraje animado por computadora, Toy Story , fue producido por Pixar Animation Studios y lanzado por Disney. Después del éxito de Toy Story, la animación por computadora crecería hasta convertirse en la técnica dominante para la animación de largometrajes, lo que permitiría a las compañías cinematográficas competidoras como DreamWorks , 20th Century Fox y Warner Bros. competir efectivamente con Disney con sus propias películas exitosas. A finales de los años 90, comenzó otra transición cinematográfica: de la película física a la tecnología del cine digital . Mientras tanto, los DVD se convirtieron en el nuevo estándar para el vídeo de consumo, sustituyendo a las cintas VHS.
Desde finales de la década de 2000, las plataformas de transmisión de medios como YouTube proporcionaron medios para que cualquier persona con acceso a Internet y cámaras (una característica estándar de los teléfonos inteligentes ) publicara videos para el mundo. Además de competir con la creciente popularidad de los videojuegos y otras formas de entretenimiento en el hogar , la industria comenzó una vez más a hacer que los estrenos en salas fueran más atractivos, con nuevas tecnologías 3D y películas épicas (de fantasía y de superhéroes) que se convirtieron en un pilar de los cines.
El cine documental también surgió como género comercial por primera vez, con el éxito de películas como March of the Penguins y Bowling for Columbine y Fahrenheit 9/11 de Michael Moore . Se creó un nuevo género con Voices of Iraq de Martin Kunert y Eric Manes , cuando se distribuyeron 150 cámaras DV económicas en todo Irak, transformando a la gente común en cineastas colaboradores. El éxito de Gladiator condujo a un renacimiento del interés en el cine épico , y Moulin Rouge! renovó el interés en el cine musical . Los sistemas de cine en casa se volvieron cada vez más sofisticados, al igual que algunos de los DVD de edición especial diseñados para mostrarse en ellos. La trilogía de El Señor de los Anillos se lanzó en DVD tanto en la versión cinematográfica como en una versión extendida especial destinada solo al público del cine en casa.
En 2001, comenzó la serie de películas de Harry Potter y cuando finalizó en 2011, se había convertido en la franquicia cinematográfica más taquillera de todos los tiempos hasta que el Universo Cinematográfico de Marvel la superó en 2015.
Gracias a los avances en la tecnología de proyección de películas, ahora se podían estrenar largometrajes simultáneamente en el cine IMAX ; el primero fue la película animada de Disney El planeta del tesoro de 2002; y el primer largometraje de acción real fue The Matrix Revolutions de 2003 y un relanzamiento de The Matrix Reloaded . Más adelante en la década, Batman: el caballero de la noche fue el primer largometraje importante que se filmó al menos parcialmente en tecnología IMAX.
Durante esta década, el cine se ha globalizado cada vez más y las películas en lengua extranjera han ganado popularidad en los mercados de habla inglesa. Entre ellas se encuentran El tigre y el dragón (en mandarín), Amélie (en francés), Lagaan (en hindi), El viaje de Chihiro (en japonés), La ciudad de Dios (en portugués brasileño), La pasión de Cristo (en arameo), Apocalipsis (en maya) y Bastardos sin gloria (en varios idiomas europeos). Italia es el país más premiado en el Óscar a la mejor película en lengua extranjera , con 14 premios ganados, 3 premios especiales y 31 nominaciones .
En 2003, se produjo un resurgimiento de la popularidad de las películas en 3D. La primera de ellas fue Ghosts of the Abyss , de James Cameron , que se estrenó como el primer largometraje en formato IMAX en 3D filmado con el sistema Reality Camera . Este sistema de cámara utilizaba las últimas cámaras de vídeo de alta definición, no películas, y fue construido para Cameron por el director de fotografía nominado al Emmy, Vince Pace, según sus especificaciones. El mismo sistema de cámara se utilizó para filmar Spy Kids 3D: Game Over (2003), Aliens of the Deep IMAX (2005) y The Adventures of Sharkboy and Lavagirl in 3-D (2005).
Después de que la película en 3D de James Cameron, Avatar, se convirtiera en la película más taquillera de todos los tiempos, las películas en 3D ganaron popularidad brevemente con muchas otras películas que se estrenaron en 3D, con los mayores éxitos críticos y financieros estando en el campo de la animación cinematográfica como Despicable Me de Universal Pictures / Illumination Entertainment y Cómo entrenar a tu dragón , Shrek Forever After y Megamind de DreamWorks Animation . Avatar también es notable por ser pionera en el uso altamente sofisticado de la tecnología de captura de movimiento e influir en varias otras películas como Rise of the Planet of the Apes . [133]
En 2011, las industrias cinematográficas más grandes por número de largometrajes producidos fueron las de India, Estados Unidos, China, Nigeria y Japón. [134] En Hollywood, las películas de superhéroes aumentaron enormemente en popularidad y éxito financiero, con películas basadas en Marvel y DC Comics estrenadas cada año. [135] El género de superhéroes fue el más dominante en los ingresos de taquilla estadounidenses .
La lista de películas más taquilleras estuvo dominada por Disney , con 2019 con la mayor cantidad de películas en el top 50. La película de superhéroes de 2019 Avengers: Endgame fue la película más exitosa de todos los tiempos en taquilla. Otras películas que más dinero ganaron fueron Star Wars: El despertar de la fuerza , Avengers: Infinity War y Jurassic World . Los estrenos de Disney fueron con frecuencia las películas más taquilleras anualmente en la segunda mitad de la década, con títulos como Toy Story 3 , The Avengers y Frozen . El éxito de Disney culminó con la adquisición de 21st Century Fox por parte de Disney .
Los principales estudios cinematográficos intentaron emular el éxito del Universo Cinematográfico de Marvel de Disney con sus propias franquicias. Warner Bros. creó franquicias como DC Extended Universe . Disney produjo remakes de acción real o fotorrealistas de sus películas animadas clásicas, como Aladdin y El rey león . Las series de películas basadas en novelas para adultos jóvenes se hicieron populares, pasando de la fantasía a la ciencia ficción distópica. Entre las series notables se encuentran Los juegos del hambre .
The Tale of Princess Kaguya , Summer 1993 , Leave No Trace y Minding the Gap lograron calificaciones del 100% en Rotten Tomatoes . Otras películas aclamadas incluyeron Mad Max: Fury Road , The Social Network y Get Out . Películas como Portrait of a Lady on Fire , The Tree of Life , Moonlight y Parasite fueron incluidas con frecuencia en las encuestas de los críticos como las mejores películas de la década de 2010. En 2010, apareció la primera mujer en ganar el premio a Mejor Director en la historia de los Oscar. The Hurt Locker de Katherine Bigelow ganó seis premios. [136] En 2020, Parasite se convirtió en la primera película en un idioma no inglés en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película .
La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de las salas de cine de todo el mundo como respuesta a las medidas de confinamiento. Muchas películas que se iban a estrenar a principios de la década de 2020 sufrieron retrasos en el desarrollo, la producción y la distribución, y otras se estrenaron en servicios de streaming con poco o ningún plazo de exhibición en las salas. La época fue testigo de una profunda transformación en la forma en que se producen, distribuyen y consumen películas a nivel mundial. La pandemia provocó una rápida aceleración del cambio hacia el streaming como medio principal de distribución de películas. La industria cinematográfica se adaptó y produjo obras notables que reflejaron la dinámica cambiante de la época.
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