Un proscenio ( griego : προσκήνιον , proskḗnion ) es el plano vertical metafórico del espacio en un teatro, generalmente rodeado en la parte superior y los lados por un arco de proscenio físico (sea o no verdaderamente "arqueado") y en la parte inferior por el propio piso del escenario. , que sirve como marco en el que el público observa desde un ángulo más o menos unificado los acontecimientos que tienen lugar en el escenario durante una representación teatral. El concepto de la cuarta pared del espacio escénico del teatro que mira al público es esencialmente el mismo.
Puede considerarse como una construcción social que divide a los actores y su mundo escénico del público que ha venido a presenciarlo. Pero dado que el telón suele bajar justo detrás del arco del proscenio, tiene una realidad física cuando el telón está bajado, ocultando el escenario de la vista. En el mismo plano se incluye también el descenso, en los teatros tradicionales de la época moderna, desde el nivel del escenario hasta el nivel de la "plata" del público, que era el significado original del proscaenium en los teatros romanos , donde se le dio más carácter arquitectónico a esta minifachada. énfasis que en los teatros modernos. Un escenario de proscenio es estructuralmente diferente de un escenario de empuje o de un escenario de arena , como se explica a continuación.
En los teatros griegos helenísticos posteriores , el proskenion (προσκήνιον) era un escenario elevado bastante estrecho donde actuaban actores solistas, mientras que el coro y los músicos griegos permanecían en la "orquesta" delante y debajo de él, y a menudo había otras áreas para actuar desde arriba y detrás del proskenion, sobre y detrás del skene . Skene es la palabra griega (que significa "tienda") para la tienda, y más tarde el edificio, en la parte trasera del escenario desde donde entraban los actores, y que a menudo sostenía escenarios pintados. En el período helenístico se convirtió en una estructura de piedra cada vez más grande y elaborada, a menudo de tres plantas. En el teatro griego, que a diferencia del romano incluía escenografía pintada, el proskenion también podía representar escenografía. [1]
En la antigua Roma, el área del escenario frente a los scaenae frons (equivalente al skene griego) se conocía como pulpitum , y el frente vertical que descendía desde el escenario hasta el piso de la orquesta , a menudo en piedra y decorado, como proscaenium . que significa "frente al skene ".
En el teatro griego y romano no existía ningún arco de proscenio, en el sentido moderno, y el espacio de actuación estaba siempre a la vista del público. Sin embargo, los teatros romanos eran similares a los teatros de proscenio modernos en el sentido de que toda la audiencia tenía un rango restringido de vistas en el escenario, todas ellas desde el frente, en lugar de los lados o la parte trasera.
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El teatro cubierto más antiguo de la era moderna, el Teatro Olímpico de Vicenza (1585), a veces se denomina incorrectamente como el primer ejemplo de teatro de proscenio. El Teatro Olímpico fue una reconstrucción académica de un teatro romano. Tiene un proscaenio sencillo en la parte delantera del escenario, que desciende hasta el nivel de la orquesta y que ahora suele contener asientos de "plata", pero sin arco de proscenio.
Sin embargo, la réplica exacta del Teatro Olímpico del escenario romano abierto y accesible fue la excepción y no la regla en el diseño teatral del siglo XVI. Los grabados sugieren que el arco del proscenio ya se utilizaba en 1560 en una producción en Siena . [2]
El primer arco de proscenio verdadero que ha sobrevivido en un teatro permanente es el Teatro Farnese de Parma (1618), habiéndose perdido muchos de estos teatros anteriores. Parma tiene una "boccascena", o boca de escena, como la llaman los italianos, claramente definida, más parecida a un marco de cuadro que a un arco, pero que cumple el mismo propósito: delimitar el escenario y separar al público de su acción. [ cita necesaria ]
Si bien el arco del proscenio se convirtió en una característica importante del teatro tradicional europeo, llegando a menudo a ser muy grande y elaborado, el frente del proscenio original debajo del escenario se volvió más sencillo.
La introducción de un foso de orquesta para músicos durante la época barroca devaluó aún más el proscaenium , llevando el nivel más bajo de la vista del público hacia el frente del foso, donde una barrera, típicamente de madera, protegía el foso. Lo que los romanos habrían llamado proscaenium , en los teatros modernos con foso de orquesta, normalmente está pintado de negro para que no llame la atención.
En esta recreación moderna temprana de un teatro romano, parece que se ha introducido confusión en el uso del término revivido en italiano. Esta emulación del modelo romano se extendió hasta referirse al área del escenario como "proscenio", y algunos escritores se han referido incorrectamente a los scaenae frons del teatro como un proscenio, e incluso han sugerido que el arco central en medio de los scaenae frons era la inspiración para el desarrollo posterior del arco del proscenio de tamaño completo. [3] No hay evidencia alguna para esta suposición (de hecho, las ilustraciones contemporáneas de representaciones en el Teatro Olímpico muestran claramente que la acción tuvo lugar frente a las scaenae frons y que los actores rara vez estaban enmarcados por el arco central). [ cita necesaria ]
La palabra italiana para scaenae frons es " proscenio ", un cambio importante del latín. Un traductor moderno explica el problema de redacción que surge aquí: "[En esta traducción del italiano] conservamos el proscenio italiano en el texto; no se puede traducir proscenio por razones obvias; y no hay un equivalente en inglés... También sería posible conservar el clásico frons scaenae . El italiano "arco Scenico" ha sido traducido como "arco de proscenio" .
En la práctica, sin embargo, el escenario del Teatro Olímpico va de un extremo a otro de la zona de asientos, y el artesonado del techo sobre el escenario y las paredes divisorias en las esquinas del escenario sólo crean un efecto de encuadre muy limitado. donde la zona de asientos linda con las tablas del suelo. El resultado es que en este teatro "los espacios arquitectónicos para el público y la acción... son distintos en su tratamiento pero unidos por su yuxtaposición; ningún arco de proscenio los separa". [5]
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Un arco de proscenio crea una "ventana" alrededor del escenario y los artistas. Las ventajas son que brinda a todos los miembros de la audiencia una buena vista porque los artistas solo necesitan concentrarse en una dirección en lugar de moverse continuamente por el escenario para ofrecer una buena vista desde todos los lados. Un diseño de teatro con proscenio también simplifica el ocultamiento y oscurecimiento de objetos de la vista del público (decorados, artistas que no actúan actualmente y tecnología teatral). Todo lo que no debe ser visto simplemente se coloca fuera de la "ventana" creada por el arco del proscenio, ya sea en las alas o en el espacio elevado sobre el escenario. La frase "romper el proscenio" o "romper la cuarta pared" se refiere a cuando un intérprete se dirige directamente al público como parte de la producción dramática.
Los teatros proscenio han caído en desgracia en algunos círculos teatrales porque perpetúan el concepto de la cuarta pared. La puesta en escena en teatros de proscenio a menudo implica que los personajes que actúan en el escenario lo hacen en un entorno de cuatro paredes, siendo invisible la "pared" que mira al público. Muchos teatros modernos intentan eliminar el concepto de la cuarta pared y, en cambio, se diseñan con un escenario de empuje que se proyecta fuera del arco del proscenio y "llega" al público (técnicamente, esto todavía puede denominarse teatro de proscenio porque todavía contiene un arco de proscenio, pero el término etapa de empuje es más específico y se usa más ampliamente). [ cita necesaria ]
En la historia de la danza , el uso del arco del proscenio ha afectado a la danza de diferentes maneras. Antes del uso de escenarios de proscenio, los primeros ballets de la corte se llevaban a cabo en grandes salas donde el público se sentaba alrededor y encima del espacio de danza. Los artistas, a menudo encabezados por la reina o el rey, se centraban en figuras simétricas y patrones de significado simbólico. Estaban naciendo los patrones coreográficos del ballet. Además, como el baile se consideraba una forma de socializar, la mayoría de los ballets de la corte terminaban con un 'gran ballet' seguido de un baile en el que el público se sumaba a la actuación.
Posteriormente, el uso del escenario del proscenio para las actuaciones estableció una separación entre el público y los artistas. Por lo tanto, se puso más devoción en los artistas y en lo que ocurría en el 'espectáculo'. Fue el comienzo de la danza-espectáculo como forma de entretenimiento tal como la conocemos hoy. Desde el uso de los escenarios del proscenio, las danzas se han desarrollado y evolucionado hacia figuras, patrones y movimientos más complejos. En este punto, no sólo era muy importante cómo los artistas llegaban a una determinada forma en el escenario durante una actuación, sino también con qué gracia ejecutaban su tarea. Además, estos escenarios permitieron el uso de efectos escénicos generados por ingeniosas maquinarias. Fue el inicio del diseño de escenografía, y quizás también fue el origen del uso de personal detrás del escenario o "stagehands". [ cita necesaria ]