El Barroco ( Reino Unido : / b ə ˈ r ɒ k / bə- ROK , EE. UU. : /- ˈ r oʊ k / - ROHK ; francés: [baʁɔk] ) es un estilo occidental de arquitectura , música , danza , pintura y escultura. , poesía y otras artes que florecieron desde principios del siglo XVII hasta la década de 1750. [1] Siguió el arte renacentista y el manierismo y precedió al estilo rococó (en el pasado a menudo denominado "barroco tardío") y neoclásico . Fue alentado por la Iglesia católica como un medio para contrarrestar la simplicidad y austeridad de la arquitectura, el arte y la música protestantes , aunque el arte barroco luterano también se desarrolló en algunas partes de Europa. [2]
El estilo barroco utilizó el contraste, el movimiento, los detalles exuberantes, el color profundo, la grandeza y la sorpresa para lograr una sensación de asombro. El estilo comenzó a principios del siglo XVII en Roma y luego se extendió rápidamente al resto de Italia, Francia, España y Portugal, luego a Austria, el sur de Alemania y Polonia. En la década de 1730, había evolucionado hacia un estilo aún más extravagante, llamado rocaille o rococó , que apareció en Francia y Europa Central hasta mediados y finales del siglo XVIII. En los territorios de los imperios español y portugués, incluida la Península Ibérica, continuó, junto con nuevos estilos, hasta la primera década del siglo XIX.
En las artes decorativas , el estilo emplea ornamentación abundante e intrincada. El alejamiento del clasicismo renacentista tiene sus formas en cada país. Pero una característica general es que en todas partes se parte de los elementos ornamentales introducidos por el Renacimiento . El repertorio clásico está abarrotado, denso, superpuesto, cargado, para provocar efectos de shock. Los nuevos motivos introducidos por el Barroco son: la cartela , trofeos y armas, cestas de frutas o flores, y otros, realizados en marquetería , estuco o tallados. [3]
La palabra inglesa barroco proviene directamente del francés . Algunos estudiosos afirman que la palabra francesa se originó a partir del término portugués barroco 'una perla defectuosa', apuntando al latín verruca 'verruga', [4] o a una palabra con el sufijo romance -ǒccu (común en la Iberia prerromana ). [5] [6] Otras fuentes sugieren un término latino medieval usado en lógica, baroco , como la fuente más probable. [7]
En el siglo XVI, la palabra latina medieval baroco superó la lógica escolástica y empezó a utilizarse para caracterizar cualquier cosa que pareciera absurdamente compleja. El filósofo francés Michel de Montaigne (1533-1592) ayudó a darle al término baroco (escrito por él Barroco ) el significado de "extraño, inútilmente complicado". [8] Otras fuentes antiguas asocian el barroco con la magia, la complejidad, la confusión y el exceso. [7]
La palabra barroco también se asociaba con perlas irregulares antes del siglo XVIII. El barroco francés y el barroco portugués eran términos frecuentemente asociados con la joyería. Un ejemplo de 1531 utiliza el término para describir las perlas en un inventario de los tesoros de Carlos V de Francia . [9] Más tarde, la palabra aparece en una edición de 1694 de Le Dictionnaire de l'Académie Française , que describe el barroco como "utilizado sólo para perlas que son imperfectamente redondas". [10] Un diccionario portugués de 1728 describe de manera similar barroco como relacionado con una "perla tosca y desigual". [11]
Una derivación alternativa de la palabra barroco apunta al nombre del pintor italiano Federico Barocci (1528-1612). [12]
En el siglo XVIII se empezó a utilizar el término para describir la música, y no de forma halagadora. En una reseña satírica anónima del estreno de Hippolyte et Aricie de Jean-Philippe Rameau en octubre de 1733, impresa en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico escribió que la novedad de esta ópera era " du barocque ", quejándose que la música carecía de una melodía coherente, era implacable en disonancias, cambiaba constantemente de clave y métrica y repasaba rápidamente todos los recursos compositivos. [13]
En 1762, Le Dictionnaire de l'Académie Française registró que el término podría describir en sentido figurado algo "irregular, extraño o desigual". [14]
Jean-Jacques Rousseau , que fue músico y compositor además de filósofo, escribió en la Encyclopédie en 1768: "La música barroca es aquella en la que la armonía está confusa, y cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos." [8] [15]
En 1788 Quatremère de Quincy definió el término en la Encyclopédie Méthodique como "un estilo arquitectónico muy adornado y atormentado". [dieciséis]
Los términos franceses estilo barroco y música barroca aparecieron en Le Dictionnaire de l'Académie Française en 1835. [17] A mediados del siglo XIX, los críticos e historiadores de arte habían adoptado el término barroco como una forma de ridiculizar el arte posrenacentista. Este era el sentido de la palabra utilizado en 1855 por el destacado historiador del arte Jacob Burckhardt , quien escribió que los artistas barrocos "despreciaban y abusaban de los detalles" porque carecían de "respeto por la tradición". [18]
En 1888, el historiador del arte Heinrich Wölfflin publicó el primer trabajo académico serio sobre el estilo, Renaissance und Barock , que describía las diferencias entre la pintura, la escultura y la arquitectura del Renacimiento y el Barroco. [19]
El estilo arquitectónico barroco fue el resultado de las doctrinas adoptadas por la Iglesia Católica en el Concilio de Trento en 1545-1563, en respuesta a la Reforma Protestante . La primera fase de la Contrarreforma había impuesto un estilo severo y académico a la arquitectura religiosa, que había atraído a los intelectuales pero no a la masa de feligreses. En cambio, el Concilio de Trento decidió atraer a un público más popular y declaró que las artes debían comunicar temas religiosos con una participación directa y emocional. [21] [22] De manera similar, el arte barroco luterano se desarrolló como un marcador confesional de identidad, en respuesta a la Gran Iconoclasia de los calvinistas . [23]
Las iglesias barrocas fueron diseñadas con un gran espacio central, donde los fieles podían estar cerca del altar, con una cúpula en lo alto, permitiendo que la luz iluminara la iglesia de abajo. La cúpula era uno de los elementos simbólicos centrales de la arquitectura barroca que ilustraba la unión entre el cielo y la tierra. El interior de la cúpula estaba profusamente decorado con pinturas de ángeles y santos, y con estatuillas de ángeles en estuco, dando la impresión a los que estaban abajo de estar mirando al cielo. [24] Otra característica de las iglesias barrocas es la cuadratura ; En el techo hay trampantojos con marcos de estuco, reales o pintados, llenos de pinturas de santos y ángeles y conectados por detalles arquitectónicos con las balaustradas y las consolas. Las pinturas en cuadratura de Atlantes debajo de las cornisas parecen sostener el techo de la iglesia. A diferencia de los techos pintados de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina , que combinaban diferentes escenas, cada una con su propia perspectiva, para ser vistas una a la vez, las pinturas del techo barroco fueron creadas cuidadosamente para que el espectador desde el piso de la iglesia pudiera ver el Todo el techo en perspectiva correcta, como si las figuras fueran reales.
Los interiores de las iglesias barrocas se volvieron cada vez más ornamentados en el Alto Barroco y se centraron en torno al altar, generalmente colocado debajo de la cúpula. Las obras decorativas barrocas más famosas del Alto Barroco son la Cátedra de San Pedro (1647-1653) y el Baldaquino de San Pedro (1623-1634), ambos de Gian Lorenzo Bernini , en la Basílica de San Pedro de Roma. El Baldequín de San Pedro es un ejemplo del equilibrio de opuestos en el arte barroco; las gigantescas proporciones de la pieza, con la aparente ligereza de la marquesina; y el contraste entre las sólidas columnas retorcidas, bronce, oro y mármol de la pieza con los drapeados fluidos de los ángeles en el dosel. [25] La Frauenkirche de Dresde es un ejemplo destacado del arte barroco luterano, que se completó en 1743 después de haber sido encargada por el ayuntamiento luterano de Dresde y fue "comparada por observadores del siglo XVIII con San Pedro en Roma". [2]
La columna retorcida en el interior de las iglesias es una de las características distintivas del barroco. Da una sensación de movimiento y también una nueva y espectacular forma de reflejar la luz.
La cartela fue otro elemento característico de la decoración barroca. Se trataba de grandes placas talladas en mármol o piedra, generalmente ovaladas y de superficie redondeada, que llevaban imágenes o textos en letras doradas, y se colocaban como decoración interior o encima de las puertas de los edificios, transmitiendo mensajes a los de abajo. Mostraron una gran variedad de inventos y se encontraron en todo tipo de edificios, desde catedrales y palacios hasta pequeñas capillas. [26]
Los arquitectos barrocos a veces utilizaban la perspectiva forzada para crear ilusiones. Para el Palazzo Spada en Roma, Francesco Borromini utilizó columnas de tamaño cada vez menor, un piso cada vez más estrecho y una estatua en miniatura en el jardín posterior para crear la ilusión de que un pasillo tenía treinta metros de largo, cuando en realidad solo tenía siete metros de largo. Una estatua al final del pasillo parece de tamaño natural, aunque sólo mide sesenta centímetros de alto. Borromini diseñó la ilusión con la ayuda de un matemático.
El primer edificio de Roma que tuvo una fachada barroca fue la Iglesia del Gesù en 1584; era sencillo para los estándares barrocos posteriores, pero marcaba una ruptura con las tradicionales fachadas renacentistas que lo precedieron. El interior de esta iglesia permaneció muy austero hasta el alto barroco, cuando fue profusamente ornamentado.
En Roma, en 1605, Pablo V se convirtió en el primero de una serie de papas que encargaron basílicas y edificios de iglesias diseñados para inspirar emoción y asombro a través de una proliferación de formas, una riqueza de colores y efectos dramáticos. [31] Entre los monumentos más influyentes del Barroco temprano se encuentran la fachada de la Basílica de San Pedro (1606-1619) y la nueva nave y logia que conectaban la fachada con la cúpula de Miguel Ángel en la iglesia anterior. El nuevo diseño creó un contraste dramático entre la elevada cúpula y la fachada desproporcionadamente ancha, y el contraste en la fachada misma entre las columnas dóricas y la gran masa del pórtico. [32]
A mediados y finales del siglo XVII, el estilo alcanzó su apogeo, más tarde denominado Alto Barroco. Muchas obras monumentales fueron encargadas por los papas Urbano VIII y Alejandro VII . El escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini diseñó una nueva columnata cuádruple alrededor de la Plaza de San Pedro (1656 a 1667). Las tres galerías de columnas en una elipse gigante equilibran la enorme cúpula y dan a la iglesia y a la plaza una unidad y la sensación de un teatro gigante. [33]
Otro importante innovador del alto barroco italiano fue Francesco Borromini , cuya obra principal fue la Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlos de las Cuatro Fuentes (1634-1646). La sensación de movimiento no la da la decoración, sino los propios muros, que ondulan y los elementos cóncavos y convexos, entre ellos una torre ovalada y un balcón insertado en un travesaño cóncavo. El interior fue igualmente revolucionario; El espacio principal de la iglesia era ovalado, bajo una cúpula ovalada. [33]
Los techos pintados, llenos de ángeles y santos y efectos arquitectónicos trompe-l'œil, fueron una característica importante del Alto Barroco italiano. Las obras principales incluyeron La entrada de San Ignacio al Paraíso de Andrea Pozzo (1685-1695) en la Iglesia de Sant'Ignazio, Roma , y El triunfo del nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli en la Iglesia del Gesù en Roma (1669-1695). 1683), que presentaba figuras que salían del marco del cuadro y una espectacular iluminación oblicua y contrastes de luz y oscuridad. [34]
El estilo se extendió rápidamente desde Roma a otras regiones de Italia: apareció en Venecia en la iglesia de Santa Maria della Salute (1631-1687) de Baldassare Longhena , una forma octogonal muy original coronada con una enorme cúpula . Apareció también en Turín , notablemente en la Capilla de la Sábana Santa (1668-1694) de Guarino Guarini . El estilo también empezó a utilizarse en palacios; Guarini diseñó el Palazzo Carignano en Turín, mientras que Longhena diseñó Ca' Rezzonico en el Gran Canal , (1657), rematado por Giorgio Massari y decorado con pinturas de Giovanni Battista Tiepolo . [35] Una serie de terremotos masivos en Sicilia requirieron la reconstrucción de la mayoría de ellos y varios fueron construidos en el exuberante estilo barroco tardío o rococó .
La Iglesia católica en España, y particularmente los jesuitas , fueron el motor impulsor de la arquitectura barroca española. La primera obra importante de este estilo fue la Capilla de San Isidro de Madrid , iniciada en 1643 por Pedro de la Torre . Contrastó una extrema riqueza de ornamentos en el exterior con la simplicidad en el interior, dividido en múltiples espacios y utilizando efectos de luz para crear una sensación de misterio. [38] La Catedral de Santiago de Compostela fue modernizada con una serie de adiciones barrocas a partir de finales del siglo XVII, comenzando con un campanario muy ornamentado (1680), luego flanqueado por dos torres aún más altas y ornamentadas, llamadas Obradorio . , añadido entre 1738 y 1750 por Fernando de Casas Novoa . Otro hito del barroco español es la torre de la capilla del Palacio de San Telmo de Sevilla obra de Leonardo de Figueroa . [39]
Granada sólo había sido conquistada a los moros en el siglo XV y tenía su propia variedad distintiva de barroco. El pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano diseñó el interior barroco de la Catedral de Granada entre 1652 y su muerte en 1657. Presenta dramáticos contrastes entre las enormes columnas blancas y la decoración dorada.
La arquitectura más ornamental y profusamente decorada del barroco español se llama estilo churrigueresco , que lleva el nombre de los hermanos Churriguera , que trabajaron principalmente en Salamanca y Madrid. Entre sus obras destacan los edificios de la plaza mayor de Salamanca, la Plaza Mayor (1729). [39] Este estilo barroco altamente ornamental fue influyente en muchas iglesias y catedrales construidas por los españoles en América.
Otros arquitectos barrocos españoles notables del Barroco tardío incluyen a Pedro de Ribera , alumno de Churriguera, que diseñó el Real Hospicio de San Fernando en Madrid, y Narciso Tomé , que diseñó el célebre retablo de El Transparente en la Catedral de Toledo (1729-1732), que da la ilusión, bajo cierta luz, de flotar hacia arriba. [39]
Los arquitectos del barroco español tuvieron un efecto mucho más allá de España; su trabajo fue muy influyente en las iglesias construidas en las colonias españolas en América Latina y Filipinas. La iglesia construida por los jesuitas para el Colegio de San Francisco Javier en Tepotzotlán , con su ornamentada fachada y torre barroca, es un buen ejemplo. [40]
De 1680 a 1750, se construyeron muchas catedrales, abadías e iglesias de peregrinación muy ornamentadas en Europa Central, Austria, Bohemia y el suroeste de Polonia. Algunos eran de estilo rococó , un estilo distinto, más extravagante y asimétrico que surgió del barroco y luego lo reemplazó en Europa Central en la primera mitad del siglo XVIII, hasta que fue reemplazado a su vez por el clasicismo. [47]
Los príncipes de la multitud de estados de esa región también eligieron el barroco o el rococó para sus palacios y residencias, y a menudo utilizaron arquitectos formados en Italia para construirlos. [48]
Un ejemplo notable es la Iglesia de San Nicolás (Malá Strana) en Praga (1704-1755), construida por Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer . La decoración cubre todas las paredes del interior de la iglesia. El altar está situado en la nave debajo de la cúpula central y, rodeado de capillas, la luz desciende desde la cúpula superior y desde las capillas circundantes. El altar está completamente rodeado por arcos, columnas, balaustradas curvas y pilastras de piedra de colores, ricamente decoradas con estatuas, creando una confusión deliberada entre la arquitectura real y la decoración. La arquitectura se transforma en un teatro de luz, color y movimiento. [25]
En Polonia, el barroco polaco de inspiración italiana duró desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y enfatizó la riqueza de detalles y colores. El primer edificio barroco de la Polonia actual y probablemente uno de los más reconocibles es la Iglesia de los Santos Pedro y Pablo de Cracovia , diseñada por Giovanni Battista Trevano . La Columna de Segismundo en Varsovia , erigida en 1644, fue el primer monumento barroco secular del mundo construido en forma de columna. [49] El estilo de residencia palaciega fue ejemplificado por el Palacio Wilanów , construido entre 1677 y 1696. [50] El arquitecto barroco más renombrado activo en Polonia fue el holandés Tylman van Gameren y sus obras notables incluyen la Iglesia de San Kazimierz y el Palacio Krasiński de Varsovia . Iglesia de Santa Ana, Cracovia y Palacio Branicki, Białystok . [51] Sin embargo, la obra más célebre del barroco polaco es la Iglesia Poznań Fara , con detalles de Pompeo Ferrari . Después de la Guerra de los Treinta Años, según los acuerdos de la Paz de Westfalia, se construyeron dos estructuras barrocas únicas de adobe : la Iglesia de la Paz en Jawor y la Iglesia de la Paz de la Santísima Trinidad en Świdnica , el templo barroco de madera más grande de Europa.
Los numerosos estados del Sacro Imperio Romano Germánico en el territorio de la actual Alemania parecían representarse con impresionantes edificios barrocos. [52] Los arquitectos notables incluyeron a Johann Bernhard Fischer von Erlach , Lukas von Hildebrandt y Dominikus Zimmermann en Baviera , Balthasar Neumann en Bruhl y Matthäus Daniel Pöppelmann en Dresde. En Prusia , Federico II de Prusia se inspiró en el Gran Trianón del Palacio de Versalles y lo utilizó como modelo para su residencia de verano, Sanssouci , en Potsdam , diseñada para él por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Otra obra de arquitectura palaciega barroca es el Zwinger (Dresde) , la antigua naranjal del palacio de los electores de Sajonia en el siglo XVIII.
Uno de los mejores ejemplos de iglesia rococó es la Basilika Vierzehnheiligen, o Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores , una iglesia de peregrinación situada cerca de la localidad de Bad Staffelstein , cerca de Bamberg, en Baviera, al sur de Alemania. La Basílica fue diseñada por Balthasar Neumann y construida entre 1743 y 1772, su planta es una serie de círculos entrelazados alrededor de un óvalo central con el altar colocado exactamente en el centro de la iglesia. El interior de esta iglesia ilustra la cumbre de la decoración rococó. [53] Otro ejemplo notable del estilo es la Iglesia de Peregrinación de Wies ( en alemán : Wieskirche ). Fue diseñado por los hermanos JB y Dominikus Zimmermann . Está ubicado en las estribaciones de los Alpes , en el municipio de Steingaden en el distrito de Weilheim-Schongau , Baviera, Alemania. La construcción se llevó a cabo entre 1745 y 1754 y el interior estaba decorado con frescos y estucos según la tradición de la escuela Wessobrunner . Ahora es un sitio del Patrimonio Mundial de la UNESCO .
El barroco en Francia se desarrolló de manera muy diferente a las versiones locales, ornamentadas y dramáticas, del barroco de Italia, España y el resto de Europa. Parece severo, más distante y comedido en comparación, adelantándose al neoclasicismo y la arquitectura de la Ilustración . A diferencia de los edificios italianos, los edificios barrocos franceses no tienen frontones rotos ni fachadas curvilíneas. Incluso los edificios religiosos evitaron el intenso drama espacial que se encuentra en la obra de Borromini . El estilo está estrechamente asociado con las obras construidas para Luis XIV (reinado 1643-1715), y por ello, también se le conoce como estilo Luis XIV . Luis XIV invitó al maestro del barroco, Bernini, a presentar un diseño para la nueva ala este del Louvre , pero lo rechazó en favor de un diseño más clásico de Claude Perrault y Louis Le Vau . [65] [66]
Los principales arquitectos del estilo fueron François Mansart (1598-1666), Pierre Le Muet (Iglesia de Val-de-Grâce , 1645-1665) y Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657-1661). Mansart fue el primer arquitecto en introducir el estilo barroco, principalmente el uso frecuente de un orden aplicado y una fuerte oxidación , en el vocabulario arquitectónico francés. El techo abuhardillado no fue inventado por Mansart, pero se ha asociado con él, ya que lo usaba con frecuencia. [67]
El principal proyecto real de la época fue la ampliación del Palacio de Versalles , iniciada en 1661 por Le Vau con decoración del pintor Charles Le Brun . Los jardines fueron diseñados por André Le Nôtre específicamente para complementar y amplificar la arquitectura. La Galerie des Glaces ( Salón de los Espejos ), la pieza central del castillo, con pinturas de Le Brun, fue construida entre 1678 y 1686. Mansart completó el Gran Trianón en 1687. La capilla, diseñada por Robert de Cotte , se terminó en 1710. Tras la muerte de Luis XIV, Luis XV añadió el Petit Trianon, más íntimo , y el teatro, muy ornamentado. Las fuentes de los jardines fueron diseñadas para verse desde el interior y aumentar el efecto dramático. El palacio fue admirado y copiado por otros monarcas de Europa, en particular Pedro el Grande de Rusia, quien visitó Versalles a principios del reinado de Luis XV y construyó su propia versión en el Palacio Peterhof , cerca de San Petersburgo, entre 1705 y 1725. [68]
![Biblioteca Universitaria, Universidad de Coimbra, Coimbra, Portugal, por Gaspar Ferreira, 1716-1728[69]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Biblioteca_Joanina_Universidade_de_Coimbra_IMG_0664.JPG/1280px-Biblioteca_Joanina_Universidade_de_Coimbra_IMG_0664.JPG)
La arquitectura barroca en Portugal duró aproximadamente dos siglos (finales del siglo XVII y siglo XVIII). Los reinados de Juan V y José I incrementaron las importaciones de oro y diamantes, en un período llamado Absolutismo Real, que permitió florecer el Barroco portugués.
La arquitectura barroca en Portugal goza de una situación especial y una línea temporal diferente a la del resto de Europa.
Está condicionado por varios factores políticos, artísticos y económicos, que originan varias fases y diferentes tipos de influencias externas, dando como resultado una mezcla única, [73] a menudo incomprendida por quienes buscan arte italiano, pero encuentran formas y caracteres específicos que darle una variedad exclusivamente portuguesa. Otro factor clave es la existencia de la arquitectura jesuítica, también llamada "estilo llano" (Estilo Chão o Estilo Plano) [74] que, como su nombre evoca, es más sencilla y parece algo austera.
Los edificios son basílicas de una sola habitación, capilla mayor profunda, capillas laterales (con pequeñas puertas de comunicación), sin decoración interior ni exterior, portal sencillo y ventanas. Es un edificio práctico, que permite construirlo en todo el imperio con pequeños ajustes, y prepararlo para ser decorado más adelante o cuando se disponga de recursos económicos.
De hecho, el primer barroco portugués no carece de construcción porque el "estilo simple" es fácil de transformar mediante decoración (pintura, alicatados, etc.), convirtiendo los espacios vacíos en escenarios barrocos pomposos y elaborados. Lo mismo podría aplicarse al exterior. Posteriormente, es fácil adaptar el edificio al gusto de la época y del lugar, y añadirle nuevas prestaciones y detalles. Práctico y económico.
Con más habitantes y mejores recursos económicos, el norte, particularmente las zonas de Oporto y Braga , [75] [76] [77] fueron testigos de una renovación arquitectónica, visible en la gran lista de iglesias, conventos y palacios construidos por la aristocracia.
Oporto es la ciudad del barroco en Portugal. Su centro histórico forma parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO . [78]
Muchas de las obras barrocas en la zona histórica de la ciudad y más allá pertenecen a Nicolau Nasoni, un arquitecto italiano que vive en Portugal, que diseñó edificios originales con emplazamientos escenográficos como la iglesia y la torre de los Clérigos , [79] la logia de la Catedral de Oporto. , la iglesia de la Misericordia, el Palacio de São João Novo , [80] el Palacio de Freixo , [81] el Palacio Episcopal ( portugués : Paço Episcopal do Porto ) [82] junto con muchos otros.
El debut del barroco ruso, o barroco petrino , se produjo tras una larga visita de Pedro el Grande a Europa occidental en 1697-1698, donde visitó los castillos de Fontainebleau y Versalles , así como otros monumentos arquitectónicos. A su regreso a Rusia, decidió construir monumentos similares en San Petersburgo , que se convirtió en la nueva capital de Rusia en 1712. Los primeros monumentos importantes del barroco petrino incluyen la Catedral de Pedro y Pablo y el Palacio Ménshikov .
Durante el reinado de Ana e Isabel , la arquitectura rusa estuvo dominada por el lujoso estilo barroco del italiano Francesco Bartolomeo Rastrelli , que se convirtió en el barroco isabelino . Los edificios emblemáticos de Rastrelli incluyen el Palacio de Invierno , el Palacio de Catalina y la Catedral Smolny . Otros monumentos distintivos del barroco isabelino son el campanario de Troitse-Sergiyeva Lavra y la Puerta Roja . [86]
En Moscú , el barroco Naryshkin se generalizó, especialmente en la arquitectura de las iglesias ortodoxas orientales a finales del siglo XVII. Era una combinación del barroco de Europa occidental con los estilos folclóricos tradicionales rusos .
Debido a la colonización de América por los países europeos, el Barroco se trasladó naturalmente al Nuevo Mundo , encontrando terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal , siendo ambos países monarquías centralizadas e irreductiblemente católicas, sujetas por extensión a Roma y adeptos de la Contrarreforma Barroca . Los artistas europeos emigraron a América e hicieron escuelas, y junto con la penetración generalizada de los misioneros católicos , muchos de los cuales eran artistas expertos, crearon un barroco multiforme a menudo influenciado por el gusto popular. Los artesanos criollos e indígenas hicieron mucho para darle características únicas a este barroco. Los principales centros de cultivo del barroco americano, que aún se mantienen en pie, son (por este orden) México , Perú , Brasil , Cuba , Ecuador , Colombia , Bolivia , Guatemala , Nicaragua , Puerto Rico y Panamá .
De particular interés es el llamado "Barroco Misionero", desarrollado en el marco de las reducciones españolas en áreas que se extienden desde México y porciones del suroeste de los actuales Estados Unidos hasta el sur de Argentina y Chile, asentamientos indígenas organizados por católicos españoles. misioneros con el fin de convertirlos a la fe cristiana y aculturarlos en la vida occidental, formando un barroco híbrido influenciado por la cultura nativa, donde florecieron criollos y muchos artesanos y músicos indígenas, incluso alfabetizados, algunos de gran habilidad y talento propio. Los relatos de los misioneros repiten a menudo que el arte occidental, especialmente la música, tenía un impacto hipnótico en los forestales y que se consideraba que las imágenes de los santos tenían grandes poderes. Muchos nativos se convirtieron y se creó una nueva forma de devoción, de intensidad apasionada, cargada de misticismo, superstición y teatralidad, que se deleitaba en misas festivas, conciertos sagrados y misterios. [94] [95]
La arquitectura barroca colonial en la América española se caracteriza por una profusa decoración (portal de la Iglesia de La Profesa , Ciudad de México; fachadas cubiertas con azulejos estilo Puebla , como en la Iglesia de San Francisco Acatepec en San Andrés Cholula y la Iglesia Conventual de San Francisco , Puebla ), que se exacerbará en el llamado estilo churrigueresco (Fachada del Sagrario de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México , de Lorenzo Rodríguez; Iglesia de San Francisco Javier, Tepotzotlán ; Iglesia de Santa Prisca de Taxco ). En el Perú, las construcciones mayoritariamente desarrolladas en las ciudades de Lima , Cusco , Arequipa y Trujillo , desde 1650 muestran características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y columnas salomónicas ( Iglesia de la Compañía de Jesús , Cusco ; Basílica y Convento de San Francisco, Lima ). [96] Otros países incluyen: la Catedral Metropolitana de Sucre en Bolivia; Catedral Basílica de Esquipulas en Guatemala; Catedral de Tegucigalpa en Honduras; Catedral de León en Nicaragua; la Iglesia de la Compañía de Jesús, Quito , Ecuador; la Iglesia de San Ignacio, Bogotá, Colombia; la Catedral de Caracas en Venezuela; el Cabildo de Buenos Aires en Argentina; la Iglesia de Santo Domingo en Santiago , Chile; y la Catedral de La Habana en Cuba. También cabe recordar la calidad de las iglesias de las Misiones Jesuíticas Españolas en Bolivia , Misiones Jesuíticas Españolas en Paraguay , las Misiones Jesuíticas Españolas en México y las Misiones Franciscanas Españolas en California . [97]
En Brasil , como en la metrópoli Portugal , la arquitectura tiene cierta influencia italiana , generalmente de tipo borrominisco , como se puede comprobar en la Concatedral de Recife (1784) y la Iglesia de Nossa Senhora da Glória do Outeiro en Río de Janeiro. Janeiro (1739). En la región de Minas Gerais , destacó la obra de Aleijadinho , autor de un conjunto de iglesias que se destacan por su planimetría curva, fachadas con efectos dinámicos cóncavo-convexos y un tratamiento plástico de todos los elementos arquitectónicos ( Iglesia de São Francisco de Assis, Ouro Preto , 1765-1788).
En las colonias portuguesas de la India ( Goa , Daman y Diu ) floreció un estilo arquitectónico de formas barrocas mezcladas con elementos hindúes, como la Catedral Sé y la Basílica del Buen Jesús de Goa, que alberga la tumba de San Francisco Javier . El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1986.
En Filipinas , que fue colonia española durante más de tres siglos, se conservan un gran número de construcciones barrocas . Cuatro de ellos, así como la ciudad barroca y neoclásica de Vigan , son Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO ; y aunque carecen de clasificación formal, la ciudad amurallada de Manila junto con la ciudad de Tayabas contienen una parte significativa de la arquitectura del barroco español.
![Columnas torcidas y barandillas del Palacio Mogoșoaia, Mogoșoaia, arquitecto desconocido, principios del siglo XVIII[101]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Mogosoaia_Museum_(128813769).jpeg/1280px-Mogosoaia_Museum_(128813769).jpeg)
Como vimos, el Barroco es un estilo occidental, nacido en Italia. A través de las relaciones comerciales y culturales de los italianos con los países de la península balcánica , incluidos Moldavia y Valaquia , llegan influencias barrocas a Europa del Este. Estas influencias no fueron muy fuertes, ya que suelen tener lugar en la arquitectura y en los ornamentos esculpidos en piedra, y también se mezclan intensamente con detalles tomados del arte bizantino e islámico .
Antes y después de la caída del Imperio Bizantino , todo el arte de Valaquia y Moldavia estuvo influenciado principalmente por el de Constantinopla . Hasta finales del siglo XVI, con pequeñas modificaciones, los planos de las iglesias y monasterios, los murales y los ornamentos tallados en piedra siguen siendo los mismos que antes. A partir de un período que comenzó con los reinados de Matei Basarab (1632-1654) y Vasile Lupu (1634-1653), que coincidió con la popularización del barroco italiano, se añadieron nuevos adornos y cambió el estilo del mobiliario religioso. Esto no fue en absoluto aleatorio. Los elementos y principios decorativos fueron traídos de Italia, a través de Venecia o de las regiones dálmatas , y fueron adoptados por arquitectos y artesanos de Oriente. Los marcos de ventanas y puertas, las pisanies con dedicatoria, las lápidas, las columnas y barandillas, y una parte del mobiliario de bronce, plata o madera, recibieron un papel más importante que el que tenían antes. También existían antes, inspirados en la tradición bizantina, pero adquirieron un aspecto más realista, mostrando delicados motivos florales. El relieve que existía antes también se acentuó, adquiriendo volumen y consistencia. Antes de este período, los relieves de Valaquia y Moldavia, como los de Oriente, tenían sólo dos niveles, a poca distancia uno del otro, uno en la superficie y el otro en profundidad. Grandes flores, tal vez rosas , peonías o cardos , hojas gruesas, de acanto u otra planta similar, se retorcían en columnas o rodeaban puertas y ventanas. Un lugar donde el barroco tuvo fuerte influencia fueron las columnas y las barandillas . Los capiteles estaban más decorados que antes con follaje. Las columnas a menudo tienen fustes retorcidos, una reinterpretación local de la columna salomónica . Entre estas columnas se colocan barandillas maximalistas , decoradas con rinceaux . Algunos de los del Palacio Mogoșoaia también están decorados con delfines. A veces también se utilizan cartuchos , sobre todo en lápidas, como la de Constantin Brâncoveanu . Este movimiento se conoce como estilo Brâncovenesc , en honor a Constantin Brâncoveanu , un gobernante de Valaquia cuyo reinado (1654-1714) está muy asociado con este tipo de arquitectura y diseño. El estilo también está presente durante el siglo XVIII, y en parte del XIX. Muchas de las iglesias y residencias erigidas por boyardos y voivodasde estos períodos son Brâncovenesc. Aunque se pueden ver claramente influencias barrocas, el estilo Brâncovenesc se inspira mucho más en la tradición local.
A medida que pasó el siglo XVIII, con los fanariotas (miembros de prominentes familias griegas en Fanar , Estambul) reinando en Valaquia y Moldavia, las influencias barrocas también provienen de Estambul. También llegaron antes, durante el siglo XVII, pero con los fanariotas, motivos más barrocos occidentales que llegaron al Imperio Otomano tuvieron su destino final en la actual Rumanía. En Moldavia, los elementos barrocos también provienen de Rusia, donde la influencia del arte italiano fue fuerte. [102]
![El triunfo de Baco; por Michaelina Wautier; antes de 1659; óleo sobre lienzo; 270x354cm; Museo Kunsthistorisches[110]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Michaelina_wautier-triunfo_de_baco.JPG/1280px-Michaelina_wautier-triunfo_de_baco.JPG)
Los pintores barrocos trabajaron deliberadamente para diferenciarse de los pintores del Renacimiento y del manierismo posterior. En su paleta utilizaron colores intensos y cálidos, y en particular hicieron uso de los colores primarios rojo, azul y amarillo, frecuentemente acercando los tres. [112] Evitaron la iluminación uniforme de la pintura renacentista y utilizaron fuertes contrastes de luz y oscuridad en ciertas partes de la imagen para dirigir la atención a las acciones o figuras centrales. En su composición evitaron las escenas tranquilas de las pinturas renacentistas y eligieron los momentos de mayor movimiento y dramatismo. A diferencia de los rostros tranquilos de las pinturas renacentistas, los rostros de las pinturas barrocas expresaban claramente sus emociones. A menudo utilizaban la asimetría, con la acción ocurriendo lejos del centro de la imagen, y creaban ejes que no eran ni verticales ni horizontales, sino inclinados hacia la izquierda o hacia la derecha, dando una sensación de inestabilidad y movimiento. Realzaban esta impresión de movimiento haciendo que los trajes de los personajes fueran arrastrados por el viento o movidos por sus propios gestos. Las impresiones generales fueron movimiento, emoción y dramatismo. [113] Otro elemento esencial de la pintura barroca fue la alegoría; cada pintura contaba una historia y tenía un mensaje, a menudo cifrado en símbolos y personajes alegóricos, que se esperaba que un espectador educado conociera y leyera. [114]
Las primeras pruebas de las ideas del barroco italiano en la pintura se produjeron en Bolonia, donde Annibale Carracci , Agostino Carracci y Ludovico Carracci intentaron devolver las artes visuales al clasicismo ordenado del Renacimiento. Su arte, sin embargo, también incorporó ideas centrales de la Contrarreforma; estos incluían emociones intensas e imágenes religiosas que apelaban más al corazón que al intelecto. [115]
Otro pintor influyente de la época barroca fue Michelangelo Merisi da Caravaggio . Su aproximación realista a la figura humana, pintada directamente del natural y dramáticamente iluminada sobre un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Otros pintores importantes asociados estrechamente con el estilo barroco incluyen a Artemisia Gentileschi , Elisabetta Sirani , Giovanna Garzoni , Guido Reni , Domenichino , Andrea Pozzo y Paolo de Matteis en Italia; Francisco de Zurbarán , Bartolomé Esteban Murillo y Diego Velázquez en España; Adam Elsheimer en Alemania; y Nicolas Poussin y Georges de La Tour en Francia (aunque Poussin pasó la mayor parte de su vida laboral en Italia). Poussin y de La Tour adoptaron un estilo barroco "clásico" con menos atención a la emoción y mayor atención a la línea de las figuras del cuadro que al color.
Peter Paul Rubens fue el pintor más importante del estilo barroco flamenco . Las composiciones altamente cargadas de Rubens hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco único e inmensamente popular enfatizó el movimiento, el color y la sensualidad, que siguió el estilo artístico inmediato y dramático promovido en la Contrarreforma . Rubens se especializó en la realización de retablos, retratos, paisajes y pinturas históricas de temas mitológicos y alegóricos.
Un dominio importante de la pintura barroca fue la Quadratura , o pinturas en trompe-l'œil , que literalmente "engañaban a la vista". Generalmente estaban pintados en el estuco de los techos o en las paredes superiores y en las balaustradas, y daban la impresión a quienes estaban en el suelo mirando hacia arriba como si estuvieran viendo los cielos poblados de multitudes de ángeles, santos y otras figuras celestiales, contrapuestos a cielos pintados y Arquitectura imaginaria. [47]
En Italia, los artistas colaboraban a menudo con los arquitectos en la decoración de interiores; Pietro da Cortona fue uno de los pintores del siglo XVII que empleó esta forma ilusionista de pintar. Entre sus encargos más importantes se encuentran los frescos que pintó para el Palazzo Barberini (1633-1639), para glorificar el reinado del Papa Urbano VIII . Las composiciones de Pietro da Cortona fueron los frescos decorativos más grandes ejecutados en Roma desde la obra de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina . [116]
François Boucher fue una figura importante del más delicado estilo rococó francés, que apareció durante el período del Barroco tardío. Diseñó tapices, alfombras y decoración teatral además de pintura. Su trabajo fue extremadamente popular entre Madame de Pompadour , la amante del rey Luis XV . Sus pinturas presentaban temas mitológicos románticos y ligeramente eróticos. [117]
En Hispanoamérica las primeras influencias fueron del tenebrismo sevillano , principalmente de Zurbarán —algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú— como se puede comprobar en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano. Melchor Pérez de Holguín. La Escuela de Pintura Cusqueña surgió tras la llegada del pintor italiano Bernardo Bitti en 1583, quien introdujo el Manierismo en América. Destacó la obra de Luis de Riaño , discípulo del italiano Angelino Medoro , autor de los murales de la Iglesia de San Pedro, Andahuaylillas. También destacó a los pintores indios ( quechua ) Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Pumacallao , así como a Marcos Zapata , autor de los cincuenta grandes lienzos que cubren los altos arcos de la Catedral del Cusco . En Ecuador , se formó la Escuela de Quito , representada principalmente por el mestizo Miguel de Santiago y el criollo Nicolás Javier de Goríbar.
En el siglo XVIII los retablos escultóricos comenzaron a ser sustituidos por pinturas, desarrollándose notablemente la pintura barroca en América. Asimismo, creció la demanda de obras civiles, principalmente retratos de las clases aristocráticas y de la jerarquía eclesiástica. La principal influencia fue el murillesco , y en algunos casos –como en el criollo Cristóbal de Villalpando– la de Juan de Valdés Leal . La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas dulces y suaves. Entre sus defensores se encuentran Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos en Colombia, y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.
La figura dominante de la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini . Bajo el patrocinio del Papa Urbano VIII , realizó una notable serie de estatuas monumentales de santos y figuras cuyos rostros y gestos expresaban vívidamente sus emociones, así como retratos bustos de un realismo excepcional y obras altamente decorativas para el Vaticano como la imponente Silla. de San Pedro bajo la cúpula de la Basílica de San Pedro . Además, diseñó fuentes con grupos escultóricos monumentales para decorar las principales plazas de Roma. [120]
La escultura barroca se inspiró en las antiguas estatuas romanas, en particular en la famosa estatua de Laocoonte y sus hijos del siglo I d.C. , que fue desenterrada en 1506 y expuesta en la galería del Vaticano. Cuando visitó París en 1665, Bernini se dirigió a los estudiantes de la Academia de Pintura y Escultura. Aconsejó a los estudiantes que trabajaran a partir de modelos clásicos, en lugar de hacerlo a partir de la naturaleza. Les dijo a los estudiantes: "Cuando tuve problemas con mi primera estatua, consulté a Antínoo como si fuera un oráculo". [121] Esa estatua de Antinoo se conoce hoy como el Hermes del Museo Pio-Clementino .
Entre los escultores barrocos franceses tardíos notables se encuentran Étienne Maurice Falconet y Jean Baptiste Pigalle . Federico el Grande encargó a Pigalle que hiciera estatuas para la propia versión de Federico de Versalles en Sanssouci en Potsdam , Alemania. Falconet también recibió un importante encargo extranjero, creando la famosa estatua del Jinete de Bronce de Pedro el Grande encontrada en San Petersburgo .
En España, el escultor Francisco Salzillo trabajó exclusivamente sobre temas religiosos, utilizando madera policromada. Algunas de las mejores artesanías escultóricas barrocas se encontraron en los altares de estuco dorado de las iglesias de las colonias españolas del Nuevo Mundo, hechos por artesanos locales; ejemplos incluyen la Capilla del Rosario, Puebla, (México), 1724-1731.
![Cariátides barrocas de un gabinete; c.1675; ébano, palo real, marquetería de piedras duras, bronce dorado, peltre, vidrio, espejo tintado y cuerno; dimensiones desconocidas; Museo de Artes Decorativas, Estrasburgo, Francia[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3b/Antichambre_du_prince-%C3%A9v%C3%AAque_(Palais_Rohan,_Strasbourg)_cabinet.JPG/1280px-Antichambre_du_prince-%C3%A9v%C3%AAque_(Palais_Rohan,_Strasbourg)_cabinet.JPG)
Los principales motivos utilizados son: cuernos de la abundancia , festones , angelitos , cabezas de león que sostienen un anillo de metal en la boca, rostros femeninos rodeados de guirnaldas, cartelas ovaladas , hojas de acanto , columnas clásicas , cariátides , frontones y otros elementos de la arquitectura clásica. esculpidos en algunas partes de muebles, [128] cestos con frutas o flores, conchas, armaduras y trofeos, cabezas de Apolo o Baco , y volutas en forma de C. [129]
Durante el primer período del reinado de Luis XIV, los muebles seguían el estilo anterior de Luis XIII , eran macizos y profusamente decorados con esculturas y dorados. Después de 1680, gracias en gran parte al diseñador de muebles André-Charles Boulle , apareció un estilo más original y delicado, a veces conocido como obra Boulle . Se basó en incrustaciones de ébano y otras maderas raras, una técnica utilizada por primera vez en Florencia en el siglo XV, que fue refinada y desarrollada por Boulle y otros que trabajaban para Luis XIV. Los muebles estaban incrustados con placas de ébano, cobre y maderas exóticas de diferentes colores. [130]
Aparecieron tipos de muebles nuevos y, a menudo, duraderos; la cómoda , con dos o cuatro cajones, reemplazó al antiguo cofre o cómoda. Apareció el canapé , o sofá, en forma de combinación de dos o tres sillones. Aparecieron nuevos tipos de sillones, incluido el fauteuil en confesionale o "sillón confesional", que tenía cojines acolchados a ambos lados del respaldo de la silla. La mesa consola también hizo su primera aparición; Fue diseñado para ser colocado contra una pared. Otro nuevo tipo de mobiliario fue la table à gibier , una mesa con tapa de mármol para guardar la vajilla. Aparecieron las primeras variedades de escritorio; El escritorio Mazarino tenía un tramo central retranqueado, colocado entre dos columnas de cajones, con cuatro pies en cada columna. [130]
El término barroco también se utiliza para designar el estilo de música compuesto durante un período que se superpone con el del arte barroco. Los primeros usos del término "barroco" para la música fueron críticas. En una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Jean-Philippe Rameau , impresa en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico dio a entender que la novedad de esta ópera era "du barrocque", quejándose de que la música carecía de una melodía coherente, estaba llena de incesantes disonancias, cambiaba constantemente de tono y compás y recorría rápidamente todos los recursos compositivos. [131] Jean-Jacques Rousseau , músico y destacado compositor además de filósofo, hizo una observación muy similar en 1768 en la famosa Encyclopédie de Denis Diderot : "La música barroca es aquella en la que la armonía se confunde y está cargada de Modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos. [15]
El uso común del término para la música de la época comenzó recién en 1919, por Curt Sachs , [132] y no fue hasta 1940 que se utilizó por primera vez en inglés en un artículo publicado por Manfred Bukofzer . [131]
El barroco fue un período de experimentación e innovación musical lo que explica la cantidad de ornamentos e improvisación realizados por los músicos. Se inventaron nuevas formas, entre ellas el concierto y la sinfonía . La ópera nació en Italia a finales del siglo XVI (con Dafne , casi perdida, de Jacopo Peri , producida en Florencia en 1598) y pronto se extendió por el resto de Europa: Luis XIV creó la primera Real Academia de Música . En 1669, el poeta Pierre Perrin inauguró una academia de ópera en París, el primer teatro de ópera en Francia abierto al público, y estrenó Pomone , la primera gran ópera en francés, con música de Robert Cambert , en cinco actos, elaborada maquinaria escénica. y un ballet. [133] Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII.
Durante este período se introdujeron varios instrumentos nuevos, incluido el piano . La invención del piano se atribuye a Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padua , Italia, quien fue empleado por Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana , como guardián de los instrumentos. [134] [135] Cristofori nombró al instrumento un cimbalo di cipresso di piano e forte ("un teclado de ciprés con suave y fuerte"), abreviado con el tiempo como pianoforte , fortepiano y, más tarde, simplemente, piano. [136]
El ballet clásico también se originó en la época barroca. El estilo de danza de la corte fue traído a Francia por María de Médicis , y al principio los propios miembros de la corte eran los bailarines. El propio Luis XIV actuó en público en varios ballets. En marzo de 1662, el rey fundó la Académie Royale de Danse . Fue la primera escuela y compañía de danza profesional y estableció los estándares y el vocabulario del ballet en toda Europa durante ese período. [133]
Heinrich Wölfflin fue el primero en trasladar el término barroco a la literatura. [137] Los conceptos clave de la teoría literaria barroca, como " presunción " ( concetto ), " ingenio " ( agutezza , ingegno ) y " maravilla " ( meraviglia ), no se desarrollaron completamente en la teoría literaria hasta la publicación de Emanuele Tesauro. 's Il Cannocchiale aristotelico (El telescopio aristotélico) en 1654. Este tratado fundamental, inspirado en la epopeya Adone de Giambattista Marino y la obra del filósofo jesuita español Baltasar Gracián , desarrolló una teoría de la metáfora como lenguaje universal de imágenes y como acto intelectual supremo, a la vez un artificio y un modo epistemológicamente privilegiado de acceso a la verdad. [138]
El Barroco fue una época dorada para el teatro en Francia y España; entre los dramaturgos se encontraban Corneille , Racine y Molière en Francia; y Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca en España.
Durante el período barroco, el arte y el estilo del teatro evolucionaron rápidamente, junto con el desarrollo de la ópera y el ballet. El diseño de teatros más nuevos y más grandes, la invención, el uso de maquinaria más elaborada, el uso más amplio del arco del proscenio , que enmarcaba el escenario y ocultaba la maquinaria al público, fomentaron más efectos escénicos y espectáculo. [139]
El Barroco tuvo en España un carácter católico y conservador, siguiendo un modelo literario italiano durante el Renacimiento. [140] El teatro barroco hispánico pretendía un contenido público con una realidad ideal que manifestara tres sentimientos fundamentales: religión católica, monárquica y orgullo y honor nacional provenientes del mundo caballeresco. [141]
En el teatro barroco español se conocen dos periodos , produciéndose la división en 1630. El primer periodo está representado principalmente por Lope de Vega , pero también por Tirso de Molina , Gaspar Aguilar , Guillén de Castro , Antonio Mira de Amescua , Luis Vélez de Guevara , Juan Ruiz de Alarcón , Diego Jiménez de Enciso , Luis Belmonte Bermúdez , Felipe Godínez , Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán . El segundo período está representado por Pedro Calderón de la Barca y sus compañeros dramaturgos Antonio Hurtado de Mendoza , Álvaro Cubillo de Aragón , Jerónimo de Cáncer , Francisco de Rojas Zorrilla , Juan de Matos Fragoso , Antonio Coello y Ochoa , Agustín Moreto y Francisco Bances Candamo. . [142] Estas clasificaciones son vagas porque cada autor se salió con la suya y en ocasiones pudo adherirse a la fórmula establecida por Lope. Incluso puede ser que la "manera" de Lope fuera más liberal y estructurada que la de Calderón. [143]
Lope de Vega introdujo a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la comedia nueva . Estableció una nueva fórmula dramática que rompía las tres unidades aristotélicas de la escuela italiana de poesía (acción, tiempo y lugar) y una cuarta unidad de Aristóteles que tiene que ver con el estilo, mezcla de elementos trágicos y cómicos mostrando diferentes tipos de versos y estrofas. sobre lo representado. [144] Aunque Lope tiene un gran conocimiento de las artes plásticas, no las utilizó durante la mayor parte de su carrera ni en teatro ni en escenografía. La comedia de Lope concedió un segundo papel a los aspectos visuales de la representación teatral. [145]
Tirso de Molina, Lope de Vega y Calderón fueron los dramaturgos más importantes de la España del Siglo de Oro. Sus obras, conocidas por su sutil inteligencia y profunda comprensión de la humanidad de una persona, podrían considerarse un puente entre la comedia primitiva de Lope y la comedia más elaborada de Calderón. Tirso de Molina es mejor conocido por dos obras, Las sospechas condenadas y El embaucador de Sevilla , una de las primeras versiones del mito de Don Juan . [146]
A su llegada a Madrid, Cosimo Lotti trajo a la corte española las técnicas teatrales más avanzadas de Europa. Sus técnicas y conocimientos de mecánica fueron aplicados en exposiciones palaciegas llamadas "Fiestas" y en fastuosas exhibiciones de ríos o fuentes artificiales llamadas " Naumaquias ". Fue el encargado del diseño de los Jardines del Buen Retiro , de la Zarzuela , y de Aranjuez y de la construcción del edificio teatral del Coliseo del Buen Retiro. [147] Las fórmulas de Lope comienzan con un verso que resulta inadecuado para la fundación del teatro palaciego y el nacimiento de nuevos conceptos que iniciaron la carrera de algunos dramaturgos como Calderón de la Barca. Marcando las principales innovaciones de la Nueva Comedia Lopesiana, el estilo de Calderón marcó muchas diferencias, con mucho cuidado constructivo y atención a su estructura interna. La obra de Calderón es de perfección formal y de un lenguaje muy lírico y simbólico. La libertad, la vitalidad y la apertura de Lope dieron un paso a la reflexión intelectual y la precisión formal de Calderón. En su comedia reflejó sus intenciones ideológicas y doctrinales: por encima de la pasión y la acción, la obra de Autos sacramentales alcanzó altos rangos. [148] El género de la Comedia es político, multiartístico y, en cierto sentido, híbrido. El texto poético entrelazó medios y recursos provenientes de la arquitectura, la música y la pintura liberando el engaño que hay en la comedia lopesiana, se compuso a partir de la falta de escenografía y entabló el diálogo de la acción. [149]
El dramaturgo alemán más conocido fue Andreas Gryphius , que utilizó el modelo jesuita de los holandeses Joost van den Vondel y Pierre Corneille . También estuvo Johannes Velten, quien combinó las tradiciones de los comediantes ingleses y la commedia dell'arte con el teatro clásico de Corneille y Molière . Su compañía de giras fue quizás la más significativa e importante del siglo XVII.
El principal trágico barroco italiano fue Federico Della Valle . Su actividad literaria se resume en las cuatro obras que escribió para el teatro cortesano: la tragicomedia Adelonda di Frigia (1595) y, especialmente, sus tres tragedias, Judit (1627), Esther (1627) y La reina di Scotia (1628). Della Valle tuvo numerosos imitadores y seguidores que combinaron en sus obras el gusto barroco y los objetivos didácticos de los jesuitas ( Francesco Sforza Pallavicino , Girolamo Graziani , etc.)
En el zarismo de Rusia , el desarrollo de la versión rusa del barroco no tomó forma hasta la segunda mitad del siglo XVII, principalmente debido a la iniciativa del zar Alexis de Rusia , que quería abrir un teatro de la corte en 1672. Su director y El dramaturgo fue Johann Gottfried Gregorii, un pastor luterano germano-ruso, que escribió, en particular, una obra de diez horas La acción de Artajerjes . La dramaturgia de Simeón de Polotsk y Demetrio de Rostov se convirtió en una contribución clave al barroco ruso. [150]
Siguiendo la evolución marcada desde España, a finales del siglo XVI, las compañías de cómicos, esencialmente trashumantes, comenzaron a profesionalizarse. Con la profesionalización vino la regulación y la censura: como en Europa, el teatro oscilaba entre la tolerancia e incluso la protección gubernamental y el rechazo (con excepciones) o la persecución por parte de la Iglesia. El teatro fue útil a las autoridades como instrumento para difundir las conductas y modelos deseados, el respeto al orden social y a la monarquía, escuela de dogmas religiosos. [151]
Los corrales fueron administrados en beneficio de los hospitales que compartían los beneficios de las representaciones. Las compañías itinerantes (o "de la liga "), que llevaban el teatro en escenarios improvisados al aire libre por las regiones que no contaban con locales fijos, requerían de licencia virreinal para funcionar, cuyo precio o pinción se destinaba a limosnas y obras piadosas. . [151] Para las empresas que trabajaban de manera estable en las capitales y grandes ciudades, una de sus principales fuentes de ingresos era la participación en las festividades del Corpus Christi , lo que les proporcionaba no sólo beneficios económicos, sino también reconocimiento y prestigio social. Las representaciones en el palacio virreinal y las mansiones de la aristocracia, donde representaban tanto las comedias de su repertorio como montajes especiales con grandes efectos de iluminación, escenografía y escena, fueron también una importante fuente de trabajos bien remunerados y de prestigio. [151]
Nacido en el Virreinato de Nueva España [152] pero luego radicado en España, Juan Ruiz de Alarcón es la figura más destacada del teatro barroco novohispano. A pesar de su acomodación a la nueva comedia de Lope de Vega, se han señalado su "marcado laicismo", su discreción y moderación, y una aguda capacidad de "penetración psicológica" como rasgos distintivos de Alarcón frente a sus contemporáneos españoles. Destaca entre sus obras La verdad sospechosa , una comedia de personajes que reflejaba su constante propósito moralizador. [151] La producción dramática de Sor Juana Inés de la Cruz la sitúa como la segunda figura del teatro barroco hispanoamericano. Cabe mencionar entre sus obras el auto sacramental El divino Narciso y la comedia Los empeños de una casa .
![Jardines del Palacio Het Loo, Países Bajos, arquitecto desconocido, 1689[155]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Het_Loo_Hauptachse.JPG/1280px-Het_Loo_Hauptachse.JPG)
El jardín barroco, también conocido como jardín à la française o jardín formal francés , apareció por primera vez en Roma en el siglo XVI y luego, de manera más famosa, en Francia en el siglo XVII en los jardines de Vaux le Vicomte y el Palacio de Versalles . Los jardines barrocos fueron construidos por reyes y príncipes de Alemania, Países Bajos, Austria, España, Polonia, Italia y Rusia hasta mediados del siglo XVIII, cuando empezaron a transformarse en jardines paisajísticos ingleses, más naturales .
El propósito del jardín barroco era ilustrar el poder del hombre sobre la naturaleza y la gloria de su constructor. Los jardines barrocos estaban dispuestos con patrones geométricos, como las habitaciones de una casa. Por lo general, se veían mejor desde el exterior y mirando hacia abajo, ya sea desde un castillo o una terraza. Los elementos de un jardín barroco incluían parterres de macizos de flores o setos bajos adornados con ornamentados diseños barrocos, y carriles rectos y callejones de grava que dividían y atravesaban el jardín. Se colocaron terrazas, rampas, escaleras y cascadas donde había desniveles y sirvieron de miradores. Estanques o cuencas de agua circulares o rectangulares eran escenarios de fuentes y estatuas. Bosquets o arboledas cuidadosamente podadas o hileras de árboles idénticos daban la apariencia de muros de vegetación y servían de telón de fondo para estatuas. En los bordes, los jardines solían contar con pabellones, invernaderos y otras estructuras donde los visitantes podían refugiarse del sol o la lluvia. [157]
Los jardines barrocos requirieron una enorme cantidad de jardineros, podas continuas y agua abundante. En la última parte del período barroco, los elementos formales comenzaron a ser reemplazados por características más naturales, incluidos senderos sinuosos, arboledas de árboles variados que se dejaron crecer sin podar; arquitectura rústica y estructuras pintorescas, como templos romanos o pagodas chinas, así como "jardines secretos" en los bordes del jardín principal, llenos de vegetación, donde los visitantes podían leer o tener conversaciones tranquilas. A mediados del siglo XVIII, la mayoría de los jardines barrocos se transformaron total o parcialmente en variaciones del jardín paisajístico inglés . [157]
Además de Versalles y Vaux-le-Vicomte, los célebres jardines barrocos que aún conservan gran parte de su apariencia original incluyen el Palacio Real de Caserta, cerca de Nápoles; Palacio de Nymphenburg y Palacios de Augustusburg y Falkenlust, Brühl en Alemania; Palacio Het Loo , Países Bajos; el Palacio Belvedere de Viena ; Palacio Real de La Granja de San Ildefonso , España; y el Palacio Peterhof en San Petersburgo, Rusia. [157]
Las ciudades europeas de los siglos XVI al XIX fueron testigos de un gran cambio en los principios de diseño y planificación urbanos que remodelaron los paisajes y el entorno construido. Roma, París y otras ciudades importantes se transformaron para dar cabida a poblaciones en crecimiento mediante mejoras en la vivienda, el transporte y los servicios públicos. A lo largo de este tiempo, el estilo barroco estuvo en pleno apogeo, y las influencias de estilos arquitectónicos elaborados, dramáticos y artísticos se extendieron al tejido urbano a través de lo que se conoce como planificación urbana barroca. La experiencia de vivir y caminar en las ciudades pretende complementar las emociones del estilo barroco. Este estilo de planificación a menudo incluía mostrar la riqueza y la fuerza de los poderes gobernantes, y los edificios importantes servían como centro visual y simbólico de las ciudades. [158]
La replanificación de la ciudad de Roma bajo el gobierno del Papa Sixto V revivió y amplió la ciudad en el siglo XVI. Se agregaron muchas grandes plazas como espacios públicos para contribuir al efecto dramático del estilo barroco. Las plazas presentaban fuentes y otros elementos decorativos para encarnar las emociones de la época. Un factor importante en la planificación del estilo barroco fue conectar iglesias, estructuras gubernamentales y plazas en una refinada red de ejes. Esto permitió que los hitos importantes de la Iglesia Católica se convirtieran en los puntos focales de la ciudad. [159]
Como otro ejemplo de planificación urbana barroca, París necesitaba desesperadamente un renacimiento urbano en el siglo XIX. La ciudad experimentó un cambio dramático dentro de su tejido urbano gracias a la ayuda del barón Haussmann . Bajo el gobierno de Napoleón III , Haussmann fue designado para reconstruir París añadiendo una nueva red de calles, parques, trenes y servicios públicos. Algunas de las características del diseño de Haussmann incluyen bulevares anchos y rectos bordeados de árboles y acceso corto a parques y espacios verdes. [160] El plano destaca algunos edificios importantes, como la Ópera de París .
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Más características del urbanismo barroco se plasman en Barcelona. El distrito del Eixample , diseñado por Ildefons Cerdà , presenta amplias avenidas en un sistema de cuadrícula con algunos bulevares diagonales. Los cruces son singulares con manzanas octogonales , que dotan a las calles de gran visibilidad y luminosidad. [161] Muchas obras en este distrito provienen del arquitecto Antoni Gaudí , quien muestra un estilo único. Centrada en el diseño del distrito del Eixample se encuentra la Sagrada Familia de Gaudí, que tiene una gran importancia para la ciudad.
![Sala Vieux-Laque, Palacio de Schönbrunn, Viena, Austria, decorada con paneles chinos de laca negra, por Nikolaus Pacassi, 1743-1763[164]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5f/Vienna_(124619801).jpeg/1280px-Vienna_(124619801).jpeg)
The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.
There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.
One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th century aristocrats had for East Asia. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.
The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.[168]
The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.[citation needed]
Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795-1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.[176]
This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830-1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852-1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.[177]
Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.
The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848-1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.[178]
The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volues on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like the one of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.[179]
Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.
At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.
![St. Peter's Basilica, Rome, by Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno and others, completed in 1615[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b5/Via_della_Conciliazione_at_dawn.JPG/1280px-Via_della_Conciliazione_at_dawn.JPG)
![Dolphin Hotel, Orlando, Florida, US, with urn tops that are reminiscent of urns that decorate corners, tops and roof railings of buildings and furniture from the reign of Louis XIV, by Michael Graves, 1989[182]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Downtown_Disney_05.JPG/1280px-Downtown_Disney_05.JPG)
![Herengracht no. 120, Amsterdam, unknown architect, c.1625[185]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/46/WLM2011_-_Amsterdam_-_Herengracht_120.JPG/1280px-WLM2011_-_Amsterdam_-_Herengracht_120.JPG)
Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past.
empr. au port. barroco « rocher granitique » et « perle irrégulière », attesté dep. le xiiie s. sous la forme barroca (Inquisitiones, p. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 sqq. dans Mach.), d'orig. obsc., prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le territoire ibérique
But Klein suggests the name may be from Italian painter Federico Barocci (1528–1612), whose work influenced the style.
However, the writings of theologians can go only so far towards explaining the evolution of confessional consciousness and the shaping of religious identity. Lutheran attachment to religious images was a result not only of Luther's own cautious endorsement of their use, but also of the particular religious and political context in which his Reformation unfolded. After the reformer's death in 1546, the image question was fiercely contested once again. But as Calvinism, with its iconoclastic tendencies, spread, Germany's Lutherans responded by reaffirming their commitment to the proper use of religious images. In 1615, Berlin's Lutheran citizens even rioted when their Calvinist rulers removed images from the city's Cathedral.
![Basílica de San Pedro, Roma, de Donato Bramante, Miguel Ángel, Carlo Maderno y otros, terminada en 1615[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6a/Basilique_Saint_Pierre_-_Vatican_(VA)_-_2021-08-25_-_4.jpg/1280px-Basilique_Saint_Pierre_-_Vatican_(VA)_-_2021-08-25_-_4.jpg)
![Santa Maria della Salute, Venecia, por Baldassare Longhena, 1631-1687[28]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e9/Santa_Maria_della_Salute_from_Hotel_Monaco.jpg/1280px-Santa_Maria_della_Salute_from_Hotel_Monaco.jpg)
![Fontana dei Quattro Fiumi, Roma, por Gian Lorenzo Bernini, 1648-1651[29]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a5/Obelisco_Fontana_dei_Fiumi_Piazza_Navona_Roma.jpg/1280px-Obelisco_Fontana_dei_Fiumi_Piazza_Navona_Roma.jpg)
![Plaza de San Pedro, Roma, por Gian Lorenzo Bernini, 1656-1667[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/St_Peter's_Square,_Vatican_City_-_April_2007.jpg/1280px-St_Peter's_Square,_Vatican_City_-_April_2007.jpg)
![Santa Maria della Pace, Roma, por Pietro da Cortona, 1656-1667[30]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/09/%C3%89glise_Santa_Maria_Pace_-_Rome_(IT62)_-_2021-08-28_-_3.jpg/1280px-%C3%89glise_Santa_Maria_Pace_-_Rome_(IT62)_-_2021-08-28_-_3.jpg)
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![Palacio Real de Madrid, por Jean Bautista Sachetti, 1735-1764[36]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fd/Palacio_Real_de_Madrid_-_13.jpg/1280px-Palacio_Real_de_Madrid_-_13.jpg)
![Fachada de la Catedral de Santiago de Compostela, España, por Fernando de Casas Novoa, 1738[37]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a3/Catedral_de_Santiago_de_Compostela_agosto_2018_(cropped).jpg/1280px-Catedral_de_Santiago_de_Compostela_agosto_2018_(cropped).jpg)
![Palacio de Wilanów, Varsovia, Polonia, arquitecto desconocido, 1677-1679[41]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7b/281012_Detail_of_the_Wilan%C3%B3w_Palace_-_19.jpg/1280px-281012_Detail_of_the_Wilan%C3%B3w_Palace_-_19.jpg)
![Columna de la peste, Viena, Austria, por Matthias Rauchmiller y Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1682 y 1694[42]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/Wien_Graben_Pests%C3%A4ule_Ostseite.jpg/1280px-Wien_Graben_Pests%C3%A4ule_Ostseite.jpg)
![Iglesia de San Nicolás, Praga, República Checa, por Christoph Dientzenhofer, 1703-1711[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4a/St._Nikolaus_auf_der_Kleinseite_Innenraum_1.jpg/1280px-St._Nikolaus_auf_der_Kleinseite_Innenraum_1.jpg)
![Exterior de la Karlskirche de Viena, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737[44]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/81/Karlskirche_Wien_September_2016.jpg/1280px-Karlskirche_Wien_September_2016.jpg)
![Interior de la Karlskirche, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737[44]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Iglesia_de_San_Carlos_Borromeo,_Viena,_Austria,_2020-01-31,_DD_49-51_HDR.jpg/1280px-Iglesia_de_San_Carlos_Borromeo,_Viena,_Austria,_2020-01-31,_DD_49-51_HDR.jpg)
![Alto Belvedere, Viena, por Johann Lukas von Hildebrandt, 1717-1723[45]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d4/Palacio_Belvedere,_Viena,_Austria,_2020-02-01,_DD_87-89_HDR.jpg/1280px-Palacio_Belvedere,_Viena,_Austria,_2020-02-01,_DD_87-89_HDR.jpg)
![Palacio Rogalin, Rogalin, Polonia, arquitecto desconocido, 1768-1774[46]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/db/Pa%C5%82ac_w_Rogalinie_od_strony_ogrodu_02.jpg/1280px-Pa%C5%82ac_w_Rogalinie_od_strony_ogrodu_02.jpg)
![Castillo de Maisons, Francia, por François Mansart, 1630-1651[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/52/Ch%C3%A2teau_de_Maisons-Laffitte_001.jpg/1280px-Ch%C3%A2teau_de_Maisons-Laffitte_001.jpg)
![Galerie d'Apollon, Palacio del Louvre, París, por Louis Le Vau y Charles Le Brun, después de 1661[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4a/Galerie_d'Apollon_du_Louvre_d%C3%A9serte_1.jpg/1280px-Galerie_d'Apollon_du_Louvre_d%C3%A9serte_1.jpg)
![Frente este del Palacio del Louvre, París, por Claude Perrault y Louis Le Vau, 1665-1680[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Louvre-facade-est.jpg/1280px-Louvre-facade-est.jpg)
![Capilla del Palacio de Versalles, Versalles, Francia, 1696-1710[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Versailles_Chapel_-_July_2006_edit.jpg/1280px-Versailles_Chapel_-_July_2006_edit.jpg)
![Porte Saint-Denis, París, por François Blondel, 1672[58]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b4/Porte_Saint-Denis_01.jpg/1280px-Porte_Saint-Denis_01.jpg)
![Dôme des Invalides, París, por Jules Hardouin-Mansart, 1677-1706[59]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4e/Cath%C3%A9drale_Saint-Louis-des-Invalides,_140309_2.jpg/1280px-Cath%C3%A9drale_Saint-Louis-des-Invalides,_140309_2.jpg)
![Salón de los Espejos del Palacio de Versalles, 1678-1684[60]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f1/Chateau_Versailles_Galerie_des_Glaces.jpg/1280px-Chateau_Versailles_Galerie_des_Glaces.jpg)
![Fachada del jardín del Palacio de Versalles, por Jules Hardouin-Mansart, 1678-1688[61]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Palace_of_Versailles_June_2010.jpg/1280px-Palace_of_Versailles_June_2010.jpg)
![Patio de mármol del Palacio de Versalles, 1680[62]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e8/Cour_de_Marbre_du_Ch%C3%A2teau_de_Versailles_October_5,_2011.jpg/1280px-Cour_de_Marbre_du_Ch%C3%A2teau_de_Versailles_October_5,_2011.jpg)
![Place Vendôme, París, por Jules Hardouin-Mansart, 1699-1706[63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/Place_Vendome,_Paris_20_April_2011.jpg/1280px-Place_Vendome,_Paris_20_April_2011.jpg)
![Hôtel de Rothelin-Charolais, París, por Pierre Cailleteau, 1700-1704[64]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/59/H%C3%B4tel_de_Rothelin_-_fa%C3%A7ade_cour.jpg/1280px-H%C3%B4tel_de_Rothelin_-_fa%C3%A7ade_cour.jpg)
![Palacio de Mafra, Mafra, Portugal, por João Frederico Ludovice, 1717-1755[70]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4b/Mafra_(27595630149)_(cropped).jpg/1280px-Mafra_(27595630149)_(cropped).jpg)
![Azulejo en los claustros del Monasterio de São Vicente de Fora, Lisboa, Portugal, con una escena basada en un grabado de Jean Le Pautre, arquitecto o artesano desconocido, 1730-1735[71]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Patriarcato_di_Lisbona_(3093346552).jpg/1280px-Patriarcato_di_Lisbona_(3093346552).jpg)
![Gran Escalera del Santuario de Bom Jesus do Monte, Braga, Portugal, por Carlos Luís Ferreira Amarante y otros, c. 1784[72]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Bom_Jesus_2017_(10).jpg/1280px-Bom_Jesus_2017_(10).jpg)
![Jardines Peterhof, San Petersburgo, Rusia, arquitecto desconocido, 1746-1758[83]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/2019-08-02-3847-Saint_Petersburg.jpg/1280px-2019-08-02-3847-Saint_Petersburg.jpg)
![Convento Smolny, San Petersburgo, por Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1748[84]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/Smolny_Cathedral_SPB_02.jpg/1280px-Smolny_Cathedral_SPB_02.jpg)
![Tsarskoe Selo, Pushkin, Rusia, por Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1749-1756[85]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/Catherine_Palace_in_Tsarskoe_Selo.jpg/1280px-Catherine_Palace_in_Tsarskoe_Selo.jpg)
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![Basílica de San Francisco de Asís, La Habana, Cuba, arquitecto desconocido, 1548-1738[87]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Basilica_Menor_de_San_Francisco_de_Asis_in_Havana_2016.jpg/1280px-Basilica_Menor_de_San_Francisco_de_Asis_in_Havana_2016.jpg)
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![Iglesia de Santo Domingo, Santiago, Chile, arquitecto desconocido, 1747–1808[88]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e1/Iglesia_de_Santo_Domingo,_Santiago,_2017-09-24.jpg/1280px-Iglesia_de_Santo_Domingo,_Santiago,_2017-09-24.jpg)
![Iglesia de Santa Prisca de Taxco, Taxco, México, por Diego Durán y Cayetano Sigüenza, 1751-1758[89]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Taxco_Santa_Prisca.jpg/1280px-Taxco_Santa_Prisca.jpg)
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![São Paulo en Macao, China, arquitecto desconocido, 1601[98]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e1/Restos_de_la_Catedral_de_San_Pablo,_Macao,_2013-08-08,_DD_05.jpg/1280px-Restos_de_la_Catedral_de_San_Pablo,_Macao,_2013-08-08,_DD_05.jpg)
![São Paulo en Diu, India, arquitecto desconocido, 1601[99]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/54/Eglise_St_Paul.jpg/1280px-Eglise_St_Paul.jpg)
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![Monasterio de Horezu, Horezu, Rumania, con una columna salomónica, arquitecto desconocido, siglos XVII-XVIII[100]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/79/Hurezi_(14572944446).jpg/1280px-Hurezi_(14572944446).jpg)
![Resurrección de Cristo; por Anníbale Carracci; 1593; óleo sobre lienzo; 217x160cm; Louvre[103]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/07/Annibale_Carracci,_Resurrezione,_Louvre.jpg/1280px-Annibale_Carracci,_Resurrezione,_Louvre.jpg)
![Triunfo de Baco y Adriana (parte de Los amores de los dioses); por Anníbale Carracci; c.1597-1600; fresco; longitud (galería): 20,2 m; Palacio Farnesio, Roma[104]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/The_Triumph_of_Bacchus_and_Ariadne_-_Annibale_Carracci_-_1597_-_Farnese_Gallery,_Rome.jpg/1280px-The_Triumph_of_Bacchus_and_Ariadne_-_Annibale_Carracci_-_1597_-_Farnese_Gallery,_Rome.jpg)
![La vocación de San Mateo; por Caravaggio; c.1602-1604; óleo sobre lienzo; 3x2m; San Luigi dei Francesi, Roma[105]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/48/The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg/1280px-The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg)
![Judit matando a Holofernes; por Artemisia Gentileschi; 1611-1612; óleo sobre lienzo; 163x126cm; Uffizi, Florencia, Italia[106]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Artemisia_Gentileschi_-_Giuditta_decapita_Oloferne_-_Google_Art_Project-Adjust.jpg/1280px-Artemisia_Gentileschi_-_Giuditta_decapita_Oloferne_-_Google_Art_Project-Adjust.jpg)
![El rapto de las sabinas; de Nicolás Poussin; 1634-1635; óleo sobre lienzo; 1,55 × 2,1 m; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York[107]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg/1280px-Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg)
![La ronda de noche; por Rembrandt; 1642; óleo sobre lienzo; 3,63 × 4,37 m; Rijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos[108]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/La_ronda_de_noche,_por_Rembrandt_van_Rijn.jpg/1280px-La_ronda_de_noche,_por_Rembrandt_van_Rijn.jpg)
![Las Meninas; por Diego Velázquez; 1656; óleo sobre lienzo; 3,18 cm × 2,76 m; Museo del Prado, Madrid, España[109]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg/1280px-Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg)
![Naturaleza muerta de Vanitas; de María van Oosterwijck; 1668; óleo sobre lienzo; 73 x 88,5 cm; Museo Kunsthistorisches[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Maria_van_Oosterwijck,_Kunsthistorisches_Museum_Wien,_Gem%C3%A4ldegalerie_-_Vanitas-Stilleben_-_GG_5714.jpg/1280px-Maria_van_Oosterwijck,_Kunsthistorisches_Museum_Wien,_Gem%C3%A4ldegalerie_-_Vanitas-Stilleben_-_GG_5714.jpg)
![Éxtasis de Santa Teresa; de Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; mármol; altura: 3,5 m; Santa María della Vittoria, Roma[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/1280px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg)
![La fama del rey montando a Pegaso; por Antoine Coysevox; 1698-1702; mármol de Carrara; altura: 3,15 m; Louvre[119]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Fame_riding_Pegasus_Coysevox_Louvre_MR1824.jpg/1280px-Fame_riding_Pegasus_Coysevox_Louvre_MR1824.jpg)
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![Cama con dosel del Château d'Effiat; c.1650; nogal natural, terciopelo de seda de Génova cincelado y sedas bordadas; 295 centímetros; Louvre[122]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b9/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_32_D201903_(cropped).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_32_D201903_(cropped).jpg)
![Mesa de muelle; 1685-1690; madera tallada, yesada y dorada, con tapa de mármol; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos[124]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a2/Francia,_tavolo_da_parete,_1685-90_ca.jpg/1280px-Francia,_tavolo_da_parete,_1685-90_ca.jpg)
![Armario; por André Charles Boulle; c.1700; enchapados en ébano y amaranto, maderas policromadas, marquetería de latón, estaño, concha y asta sobre estructura de roble, bronce dorado; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[125]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d2/Armoire_aux_perroquets_du_Louvre.jpg/1280px-Armoire_aux_perroquets_du_Louvre.jpg)
![Cómoda; por André-Charles Boulle; c.1710-1732; nogal chapado con ébano y marquetería de latón grabado y carey, monturas de bronce dorado, tapa de mármol antiguo; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Commode_MET_DP108742.jpg/1280px-Commode_MET_DP108742.jpg)
![Recepción inclinada alemana; por Heinrich Ludwig Rohde o Ferdinand Plitzner; c.1715-1725; marquetería con arce, amaranto, caoba y nogal sobre abeto y roble; 90 × 84 × 44,5 cm; Instituto de Arte de Chicago[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/51/Heinrich_ludwig_rohde_o_ferdinand_plitzner_(attr.),_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg/1280px-Heinrich_ludwig_rohde_o_ferdinand_plitzner_(attr.),_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg)
![Jardines de Vaux-le-Vicomte, Francia, por André Le Nôtre, 1657-1661[153]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0e/Kasteel_van_Vaux-le-Vicomte_-_Maincy_06.jpg/1280px-Kasteel_van_Vaux-le-Vicomte_-_Maincy_06.jpg)
![Jardines de Versalles, de André Le Nôtre, iniciado en 1661[154]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/Vue_a%C3%A9rienne_du_domaine_de_Versailles_le_20_ao%C3%BBt_2014_par_ToucanWings_-_Creative_Commons_By_Sa_3.0_-_22.jpg/1280px-Vue_a%C3%A9rienne_du_domaine_de_Versailles_le_20_ao%C3%BBt_2014_par_ToucanWings_-_Creative_Commons_By_Sa_3.0_-_22.jpg)
![Jardín del Palacio Tessin, Estocolmo, Suecia, por Nicodemus Tessin el Joven, 1692-1700[156]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/1_Tessinska_palatset_tr%C3%A4dg%C3%A5rd_2.jpg/1280px-1_Tessinska_palatset_tr%C3%A4dg%C3%A5rd_2.jpg)
![Observatorio de Meudon, Castillo de Meudon, Meudon, Francia, un ejemplo de un edificio rococó temprano de los últimos años de Luis XIV, arquitecto desconocido, 1706-1709[162]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6a/Meudon_observatoire_2016_(15).jpg/1280px-Meudon_observatoire_2016_(15).jpg)
![Amalienburg, parque del palacio de Nymphenburg, Munich, Alemania, por François de Cuvilliés, 1734-1739[163]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d7/20230209_Amalienburg_Nymphenburg.jpg/1280px-20230209_Amalienburg_Nymphenburg.jpg)
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![Casa china, parque Sanssouci, Potsdam, Alemania, un ejemplo de chinoiserie, de Johann Gottfried Büring, 1755-1764[165]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Chinese_House_Potsdam-,_Germany.jpg/1280px-Chinese_House_Potsdam-,_Germany.jpg)
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![Pagod, basado en figuras asiáticas de Budai, ejemplo de Chinoiserie; de Johann Joachim Kändler; c.1765; porcelana de pasta dura; Museo Metropolitano de Arte[166]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e5/Nodding_pagod,_Meissen,_Germany,_c._1760,_porcelain,_1892.60.325_-_Metropolitan_Museum_of_Art_-_New_York_City_-_DSC07727.jpg/1280px-Nodding_pagod,_Meissen,_Germany,_c._1760,_porcelain,_1892.60.325_-_Metropolitan_Museum_of_Art_-_New_York_City_-_DSC07727.jpg)
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![Gran consola con proyección central; por Benjamín Deguil y Benjamín-Paul Ramillon; 1850-1875; madera dorada y mármol; 100x283x77cm; Apartamentos Napoleón III, Palacio del Louvre, París[170]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_85_(01).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_85_(01).jpg)
![El Gran Salón de los apartamentos del ministro de Estado, actualmente conocidos como Apartamentos Napoleón III, diseñado por Hector Lefuel y decorado con pinturas de Charles Raphaël Maréchal, 1859-1860[171]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Napoleon_III_Apartments_(44883695984).jpg/1280px-Napoleon_III_Apartments_(44883695984).jpg)
![Candelabro de once luces; por Ferdinand Barbedienne; 1861; bronce dorado; altura: 83,7 cm, longitud: 49,4 cm; Apartamentos Napoleón III[172]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/88/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_83_(07).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_83_(07).jpg)
![Exterior del Palacio Garnier, París, un ejemplo de arquitectura Beaux Arts, por Charles Garnier, 1860-1875[173]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg/1280px-Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg)
![Grand foyer of the Palais Garnier, inspired by the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, but with some ornaments taken from other historical styles, like the neo-Renaissance column lower parts, or the Greek Revival lyres at the tops of windows, by Charles Garnier, 1860–1875[173]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c4/Foyer_(51865286672).jpg/1280px-Foyer_(51865286672).jpg)
![Petit Palais, Paris, an example of Beaux Arts architecture, with Ionic columns very similar to those of the reign of Louis XIV, by Charles Giraud, 1900[174]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Petit-Palais-Paris-02-2018.jpg/1280px-Petit-Palais-Paris-02-2018.jpg)
![550 Madison Avenue, New York, with a top broken pediment, reminiscent of those found in Baroque highboys, by Philip Johnson, 1981-1984[180]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d5/Sony_Building_by_David_Shankbone_crop.jpg/1280px-Sony_Building_by_David_Shankbone_crop.jpg)
![Broken pediment of San Marcello al Corso, Rome, by Carlo Fontana, 1682-1683[181]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/33/Chiesa_San_Marcello_al_Corso_(cropped_broken_pediment).jpg/1280px-Chiesa_San_Marcello_al_Corso_(cropped_broken_pediment).jpg)
![Urns that decorate the roof railing of the Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c. 1660–1715[183]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Versailles_roof_details_dormer_windows.jpg/1280px-Versailles_roof_details_dormer_windows.jpg)
![Hotel Zaandam, Amsterdam, the Netherlands, inspired by Dutch 16th and 17th century canal houses, by Wam Architecten, 2010[184]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Zaanstad_Inntel_Hotel_15.jpg/1280px-Zaanstad_Inntel_Hotel_15.jpg)
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