El cine negro ( / nwɑːr / ; francés: [ film nwaʁ] ) es un término cinematográfico utilizado principalmente para describir los dramas policiales estilizados de Hollywood , en particular aquellos que enfatizan actitudes y motivaciones cínicas . Las décadas de 1940 y 1950 generalmente se consideran el "período clásico" del cine negro estadounidense . El cine negro de esta era se asocia con un estilo visual discreto y en blanco y negro que tiene raíces en la cinematografía del expresionismo alemán . Muchas de las historias y actitudes prototípicas expresadas en el cine negro clásico derivan de la escuela dura de ficción policial que surgió en los Estados Unidos durante la Gran Depresión . [1]
El término film noir , que en francés significa 'película negra' (literalmente) o 'película oscura' (significado más cercano), [2] fue aplicado por primera vez a las películas de Hollywood por el crítico francés Nino Frank en 1946, pero no fue reconocido por la mayoría de los profesionales de la industria cinematográfica estadounidense de esa época. [3] Se cree que Frank se inspiró en el sello editorial literario francés Série noire , fundado en 1945.
Los historiadores y críticos de cine definieron la categoría retrospectivamente. Antes de que el concepto se adoptara ampliamente en la década de 1970, muchas de las películas clásicas de cine negro [a] se denominaban " melodramas ". Si el cine negro se puede considerar un género distinto o si se lo debe considerar un estilo cinematográfico es un tema de intenso debate entre los estudiosos del cine.
El cine negro abarca una variedad de tramas; los protagonistas arquetípicos comunes incluyen un investigador privado ( El sueño eterno ), un policía vestido de civil ( Los sofocados ), un boxeador envejecido ( El engaño ), un estafador desventurado ( Night and the City ), un ciudadano respetuoso de la ley atraído a una vida de delincuencia ( Gun Crazy ), una mujer fatal ( Gilda ) o simplemente una víctima de las circunstancias ( DOA ). Aunque el cine negro se asoció originalmente con producciones estadounidenses, el término se ha utilizado para describir películas de todo el mundo. Muchas películas estrenadas a partir de la década de 1960 comparten atributos con el cine negro del período clásico y, a menudo, tratan sus convenciones de manera autorreferencial . Las obras más recientes suelen denominarse neo-noir . Los clichés del cine negro han inspirado la parodia desde mediados de la década de 1940. [4]
La cuestión de qué define al cine negro y qué tipo de categoría es provoca un debate continuo. [5] "Seríamos simplificar demasiado las cosas si llamáramos al cine negro onírico , extraño, erótico, ambivalente y cruel..."—este conjunto de atributos constituye el primero de muchos intentos de definir el cine negro realizados por los críticos franceses Raymond Borde y Étienne Chaumeton en su libro de 1955 Panorama du film noir américain 1941–1953 ( Un panorama del cine negro americano ), el tratamiento extendido original y seminal del tema.
[6] Destacan que no todas las películas negras encarnan los cinco atributos en igual medida: una puede ser más onírica, otra particularmente brutal. [7] Las advertencias de los autores y sus repetidos esfuerzos por encontrar una definición alternativa han encontrado eco en trabajos posteriores, pero en palabras del historiador de cine Mark Bould, el cine negro sigue siendo un "fenómeno elusivo". [8]
Aunque el cine negro se identifica a menudo con un estilo visual que enfatiza la iluminación discreta y las composiciones desequilibradas , [9] las películas que comúnmente se identifican como noir evidencian una variedad de enfoques visuales, incluidos algunos que encajan cómodamente dentro de la corriente principal de Hollywood. [10] El cine negro también abarca una variedad de géneros, desde la película de gánsteres hasta el procedimiento policial , el romance gótico y la película de problemas sociales , cualquier ejemplo de los años 1940 y 1950, ahora vistos como la era clásica del cine negro, probablemente se describía como un melodrama en ese momento. [11]
Siempre es de noche. El héroe entra en un laberinto en busca de algo. Está solo y desequilibrado. Puede estar desesperado, en fuga, o calculando fríamente, imaginando que es el perseguidor en lugar del perseguido.
Una mujer invariablemente se une a él en un momento crítico, cuando él es más vulnerable. Su eventual traición a él (o a sí misma) es tan ambigua como sus sentimientos hacia él.
Nicholas Christopher , En algún lugar de la noche (1997) [12]
Aunque muchos críticos se refieren al cine negro como un género en sí mismo, otros sostienen que no puede serlo. [13] Foster Hirsch define un género como determinado por "convenciones de estructura narrativa, caracterización, tema y diseño visual". Hirsch, como alguien que ha tomado la posición de que el cine negro es un género, sostiene que estos elementos están presentes "en abundancia". Hirsch señala que existen características unificadoras de tono, estilo visual y narrativa suficientes para clasificar al cine negro como un género distinto. [14]
Otros sostienen que el cine negro no es un género. A menudo se asocia con un entorno urbano, pero muchos noirs clásicos tienen lugar en pequeñas ciudades, suburbios, áreas rurales o en la carretera; el entorno no es un determinante, como en el caso del western . De manera similar, mientras que el detective privado y la mujer fatal son tipos de personajes estereotipados que se identifican convencionalmente con el cine negro, la mayoría de las películas del género no presentan ninguno de ellos. El cine negro tampoco se basa en nada tan evidente como los elementos monstruosos o sobrenaturales del cine de terror , los saltos especulativos del cine de ciencia ficción o las rutinas de canto y baile del musical . [15]
Un caso análogo es el de la comedia alocada , ampliamente aceptada por los historiadores del cine como constituyente de un "género": la comedia alocada se define no por un atributo fundamental, sino por una disposición general y un grupo de elementos, algunos de los cuales (pero rara vez y quizás nunca todos) se encuentran en cada una de las películas del género. [16] Debido a la diversidad del cine negro (mucho mayor que la de la comedia alocada), ciertos estudiosos del campo, como el historiador del cine Thomas Schatz, lo tratan no como un género sino como un "estilo".
[17] Alain Silver , el crítico estadounidense especializado en estudios de cine negro con más publicaciones, se refiere al cine negro como un "ciclo" [18] y un "fenómeno", [19] aunque sostiene que tiene, como ciertos géneros, un conjunto consistente de códigos visuales y temáticos. [20] El guionista Eric R. Williams etiqueta tanto al cine negro como a la comedia disparatada como un "camino" en su taxonomía de guionistas; explicando que un camino tiene dos partes: 1) la forma en que la audiencia se conecta con el protagonista y 2) la trayectoria que la audiencia espera que siga la historia. [21] Otros críticos tratan el cine negro como un "estado de ánimo", [22] una "serie", [23] o simplemente un conjunto elegido de películas que consideran pertenecientes al "canon" del cine negro. [24] No hay consenso sobre el asunto. [25]
.png/1280px-Marlene_Dietrich_circa_1930_(cropped).png)
La estética del cine negro estuvo influenciada por el expresionismo alemán , un movimiento artístico de las décadas de 1910 y 1920 que involucró teatro, música, fotografía, pintura, escultura y arquitectura, así como cine. Las oportunidades ofrecidas por la floreciente industria cinematográfica de Hollywood y luego la amenaza del nazismo llevaron a la emigración de muchos artistas de cine que trabajaban en Alemania y que habían estado involucrados en el movimiento expresionista o estudiado con sus practicantes. [26] M (1931), filmada solo unos años antes de la partida del director Fritz Lang de Alemania, se encuentra entre las primeras películas policiales de la era sonora en unir un estilo visual característicamente noir con una trama de tipo noir, en la que el protagonista es un criminal (al igual que sus perseguidores más exitosos). Directores como Lang, Jacques Tourneur , Robert Siodmak y Michael Curtiz trajeron consigo un estilo de iluminación dramáticamente sombreado y un enfoque psicológicamente expresivo de la composición visual ( mise-en-scène ) a Hollywood, donde hicieron algunos de los noirs clásicos más famosos. [27]
En 1931, Curtiz ya llevaba media década en Hollywood, haciendo hasta seis películas al año. Películas suyas como 20.000 años en Sing Sing (1932) y Detective privado 62 (1933) se encuentran entre las primeras películas sonoras de Hollywood que podrían clasificarse como noir; el académico Marc Vernet ofrece esta última como prueba de que fechar el inicio del cine negro en 1940 o cualquier otro año es "arbitrario". [28] Los cineastas orientados al expresionismo tuvieron rienda suelta estilística en películas de terror de Universal como Drácula (1931), La momia (1932) —la primera fotografiada y la segunda dirigida por Karl Freund , formado en Berlín— y El gato negro (1934), dirigida por el emigrado austríaco Edgar G. Ulmer . [29] La película de terror de Universal que más se acerca al cine negro, en cuanto a historia y sensibilidad, es El hombre invisible (1933), dirigida por el inglés James Whale y fotografiada por el estadounidense Arthur Edeson . Edeson más tarde fotografió El halcón maltés (1941), considerada ampliamente como la primera película negra importante de la era clásica. [30]
Josef von Sternberg dirigía en Hollywood durante el mismo período. Películas suyas como Shanghai Express (1932) y El diablo es una mujer (1935), con su erotismo de invernadero y su estilo visual barroco anticiparon elementos centrales del cine negro clásico. El éxito comercial y crítico de Underworld (1927), la película muda de Sternberg, fue en gran medida responsable de estimular una tendencia de películas de gánsteres en Hollywood. [31] Películas exitosas en ese género como Little Caesar (1931), The Public Enemy (1931) y Scarface (1932) demostraron que había una audiencia para los dramas policiales con protagonistas moralmente reprobables. [32] Un antecedente cinematográfico importante, posiblemente influyente, del cine negro clásico fue el realismo poético francés de la década de 1930 , con su actitud romántica y fatalista y la celebración de los héroes condenados. [33] La sensibilidad del movimiento se refleja en el drama de Warner Bros. Soy un fugitivo de una pandilla de ladrones (1932), un precursor del cine negro. [34] Entre las películas no consideradas noir, tal vez ninguna tuvo un efecto mayor en el desarrollo del género que Ciudadano Kane (1941), dirigida por Orson Welles . Su complejidad visual y su estructura narrativa compleja con voces en off se reflejan en docenas de películas clásicas del cine negro. [35]
El neorrealismo italiano de la década de 1940, con su énfasis en la autenticidad cuasi documental , fue una influencia reconocida en las tendencias que surgieron en el cine negro estadounidense. The Lost Weekend (1945), dirigida por Billy Wilder , otro autor estadounidense nacido en Viena y formado en Berlín , cuenta la historia de un alcohólico de una manera evocadora del neorrealismo. [36] También ejemplifica el problema de la clasificación: una de las primeras películas estadounidenses en ser descrita como cine negro, ha desaparecido en gran medida de las consideraciones del campo. [37] El director Jules Dassin de The Naked City (1948) señaló a los neorrealistas como inspiradores de su uso de la fotografía de locaciones con extras no profesionales. Este enfoque semidocumental caracterizó una cantidad sustancial de películas negras a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950. Junto con el neorrealismo, el estilo tuvo un precedente estadounidense citado por Dassin, en La casa en la calle 92 (1945) del director Henry Hathaway , que demostró la influencia paralela del noticiero cinematográfico. [38]
La principal influencia literaria en el cine negro fue la escuela de novela negra estadounidense de detectives y novela negra , liderada en sus primeros años por escritores como Dashiell Hammett (cuya primera novela, Red Harvest , se publicó en 1929) y James M. Cain (cuyo El cartero siempre llama dos veces apareció cinco años después), y popularizada en revistas pulp como Black Mask . Los clásicos del cine negro El halcón maltés (1941) y La llave de cristal (1942) se basaron en novelas de Hammett; las novelas de Cain proporcionaron la base para Perdición (1944), Mildred Pierce (1945), El cartero siempre llama dos veces (1946) y Slightly Scarlet (1956; adaptada de Love's Lovely Counterfeit ). Una década antes de la era clásica, una historia de Hammett fue la fuente del melodrama de gángsters City Streets (1931), dirigido por Rouben Mamoulian y fotografiado por Lee Garmes , quien trabajó regularmente con Sternberg. Estrenada el mes anterior a M de Lang , City Streets tiene el mérito de ser la primera película negra importante; tanto su estilo como su historia tenían muchas características del cine negro. [40]
Raymond Chandler , que debutó como novelista con El sueño eterno en 1939, pronto se convirtió en el autor más famoso de la escuela de novelas duras. Las novelas de Chandler no solo se convirtieron en grandes novelas negras —Murder , My Sweet (1944; adaptada de Farewell, My Lovely ), El sueño eterno (1946) y La dama del lago (1947)—, sino que también fue un guionista importante en el género, produciendo los guiones de Double Indemnity , La dalia azul (1946) y Extraños en un tren (1951). Mientras que Chandler, como Hammett, centró la mayoría de sus novelas e historias en el personaje del detective privado, Cain presentó protagonistas menos heroicos y se centró más en la exposición psicológica que en la resolución de crímenes; [41] el enfoque de Cain ha llegado a identificarse con un subconjunto del género de novelas duras denominado " ficción negra ". Durante gran parte de la década de 1940, uno de los autores más prolíficos y exitosos de este tipo de relato de suspenso, a menudo de tono melancólico, fue Cornell Woolrich (a veces bajo el seudónimo de George Hopley o William Irish). Ningún trabajo publicado de ningún escritor sirvió de base para más películas negras del período clásico que las de Woolrich: trece en total, entre ellas Black Angel (1946), Deadline at Dawn (1946) y Fear in the Night (1947). [42]
Otra fuente literaria crucial para el cine negro fue W. R. Burnett , cuya primera novela publicada fue Little Caesar , en 1929. Se convirtió en un éxito para Warner Bros. en 1931; al año siguiente, Burnett fue contratado para escribir el diálogo de Scarface , mientras que The Beast of the City (1932) fue adaptada de una de sus historias. Al menos una obra de referencia importante identifica a esta última como una película negra a pesar de su fecha temprana. [43] El enfoque narrativo característico de Burnett se encontraba en algún lugar entre el de los escritores duros por excelencia y sus compatriotas de ficción negra: sus protagonistas a menudo eran heroicos a su manera, que resultó ser la del gángster. Durante la era clásica, su trabajo, ya sea como autor o guionista, fue la base de siete películas ahora ampliamente consideradas como noir, incluidas tres de las más famosas: High Sierra (1941), This Gun for Hire (1942) y The Asphalt Jungle (1950). [44]
Los años 1940 y 1950 se consideran generalmente como el período clásico del cine negro estadounidense. Mientras que City Streets y otros melodramas policiales anteriores a la Segunda Guerra Mundial como Fury (1936) y You Only Live Once (1937), ambos dirigidos por Fritz Lang, se clasifican como cine negro en toda regla en la enciclopedia de cine negro de Alain Silver y Elizabeth Ward, otros críticos tienden a describirlos como "proto-noir" o en términos similares. [45]
La película que ahora se cita con más frecuencia como el primer cine negro "verdadero" es Stranger on the Third Floor (1940), dirigida por Boris Ingster , nacido en Letonia y entrenado en la Unión Soviética . [46] El emigrado húngaro Peter Lorre , que había protagonizado M de Lang , fue el protagonista principal, aunque no interpretó el papel principal. (Más tarde interpretó papeles secundarios en varios otros noirs estadounidenses formativos). Aunque de presupuesto modesto, en el extremo superior de la escala de películas B , Stranger on the Third Floor aún perdió a su estudio, RKO , 56.000 dólares (equivalentes a 1.217.900 dólares en 2023), casi un tercio de su costo total. [47] La revista Variety encontró el trabajo de Ingster: "...demasiado estudiado y, cuando es original, carece del brillo [ sic ] para mantener la atención. Es una película demasiado artística para el público promedio y demasiado monótona para otros". [48] Stranger on the Third Floor no fue reconocido como el comienzo de una tendencia, y mucho menos de un nuevo género, durante muchas décadas. [46]
Quienquiera que fuera al cine con cierta regularidad durante 1946 se vio atrapado en medio de la profunda afición de Hollywood por el drama morboso después de la guerra. De enero a diciembre, sombras profundas, manos que se agarraban, revólveres que estallaban, villanos sádicos y heroínas atormentadas por enfermedades mentales profundamente arraigadas desfilaron por la pantalla en una exhibición jadeante de psiconeurosis, sexo no sublimado y asesinatos de lo más repugnante.
Donald Marshman, Life (25 de agosto de 1947) [49]
La mayoría de las películas de cine negro del período clásico eran películas de bajo presupuesto y modestas dimensiones sin grandes estrellas: películas de serie B, ya sea en sentido literal o en espíritu. En este contexto de producción, los guionistas, directores, directores de fotografía y otros artesanos estaban relativamente libres de las típicas limitaciones de las grandes películas. Había más experimentación visual que en el cine de Hollywood en general: el expresionismo, que ahora se asocia estrechamente con el cine negro, y el estilo semidocumental que surgió más tarde representan dos tendencias muy diferentes. Las estructuras narrativas a veces implicaban flashbacks enrevesados poco comunes en las producciones comerciales no noir. En términos de contenido, la aplicación del Código de Producción garantizaba que ningún personaje cinematográfico pudiera literalmente salirse con la suya tras un asesinato o ser visto compartiendo la cama con alguien que no fuera su cónyuge; sin embargo, dentro de esos límites, muchas películas que ahora se identifican como noir presentan elementos de la trama y diálogos que eran muy atrevidos para la época. [50]
En cuanto a la temática, las películas negras fueron excepcionales por la relativa frecuencia con la que se centraron en retratos de mujeres de dudosa virtud, un enfoque que se había vuelto poco común en las películas de Hollywood después de mediados de la década de 1930 y el final de la era anterior al Código . La película emblemática en este sentido fue Double Indemnity , dirigida por Billy Wilder; la que estableció el molde fue la femme fatale de Barbara Stanwyck , Phyllis Dietrichson, un aparente guiño a Marlene Dietrich , que había construido su extraordinaria carrera interpretando esos personajes para Sternberg. Una película de nivel A, el éxito comercial de la película y sus siete nominaciones al Oscar la convirtieron probablemente en la más influyente de las primeras películas negras. [51] Siguieron una serie de "chicas malas" del cine negro, ahora famosas, como las interpretadas por Rita Hayworth en Gilda (1946), Lana Turner en El cartero siempre llama dos veces (1946), Ava Gardner en The Killers (1946) y Jane Greer en Retorno al pasado (1947). La contraparte icónica del cine negro de la femme fatale, la detective privada, saltó a la palestra en películas como El halcón maltés (1941), con Humphrey Bogart como Sam Spade , y Un crimen, mi dulce (1944), con Dick Powell como Philip Marlowe .
La prevalencia del detective privado como personaje principal disminuyó en el cine negro de la década de 1950, un período durante el cual varios críticos describen la forma como cada vez más centrada en psicologías extremas y más exagerada en general. [52] Un excelente ejemplo es Kiss Me Deadly (1955); basada en una novela de Mickey Spillane , el más vendido de todos los autores de hardboiled, aquí el protagonista es un detective privado, Mike Hammer . Como lo describe Paul Schrader , " la dirección burlona de Robert Aldrich lleva al cine negro a su forma más sórdida y perversamente erótica. Hammer revuelve el inframundo en busca del 'gran qué' [que] resulta ser, broma de bromas, una bomba atómica en explosión". [53] La barroca Sed de mal (1958) de Orson Welles se cita con frecuencia como el último cine negro del período clásico. [54] Algunos académicos creen que el cine negro nunca terminó realmente, sino que continuó transformándose incluso cuando el estilo visual característico del cine negro comenzó a parecer anticuado y las condiciones de producción cambiantes llevaron a Hollywood en diferentes direcciones; en esta visión, las películas posteriores a la década de 1950 en la tradición del cine negro se ven como parte de una continuidad con el cine negro clásico. [55] Sin embargo, la mayoría de los críticos consideran que las películas comparables realizadas fuera de la era clásica son algo más que cine negro genuino. Consideran que el verdadero cine negro pertenece a un ciclo o período temporal y geográficamente limitado, tratando las películas posteriores que evocan los clásicos como fundamentalmente diferentes debido a los cambios generales en el estilo de realización cinematográfica y la conciencia posterior del cine negro como una fuente histórica de alusión . [56] Estas películas posteriores a menudo se denominan neo-noir .
Aunque el incipiente noir, Stranger on the Third Floor , fue una película de serie B dirigida por un prácticamente desconocido, muchas de las películas noir que aún se recuerdan fueron producciones de primera línea de cineastas conocidos. Tras debutar como director con El halcón maltés (1941), John Huston siguió con Key Largo (1948) y La jungla de asfalto (1950). La opinión está dividida sobre el estatus noir de varios thrillers de Alfred Hitchcock de la época; al menos cuatro califican por consenso: La sombra de una duda (1943), Notorious (1946), Extraños en un tren (1951) y El hombre equivocado (1956), [57] El éxito de Otto Preminger con Laura (1944) le dio un nombre y ayudó a demostrar la adaptabilidad del noir a una presentación de alto brillo de 20th Century-Fox . [58] Entre los directores más célebres de Hollywood de la época, posiblemente ninguno trabajó con más frecuencia en un modo noir que Preminger; Entre sus otras películas negras se incluyen Fallen Angel (1945), Whirlpool (1949), Where the Sidewalk Ends (1950) (todas para Fox) y Angel Face (1952). Media década después de Double Indemnity y The Lost Weekend , Billy Wilder hizo Sunset Boulevard (1950) y Ace in the Hole (1951), películas negras que no eran tanto dramas criminales como sátiras sobre Hollywood y los medios de comunicación respectivamente. In a Lonely Place (1950) fue el gran avance de Nicholas Ray ; entre sus otras películas negras se incluyen su debut, They Live by Night (1948) y On Dangerous Ground (1952), conocidas por su tratamiento inusualmente comprensivo de personajes alienados de la corriente social dominante. [59]
Orson Welles tuvo notorios problemas de financiación, pero sus tres películas de cine negro tenían un buen presupuesto: La dama de Shanghai (1947) recibió un respaldo de "prestigio" de primer nivel, mientras que El extranjero (1946), su película más convencional, y Sed de mal (1958), una obra inequívocamente personal, fueron financiadas a niveles inferiores pero aún acordes con los estrenos principales. [60] Al igual que El extranjero , La mujer en la ventana (1944) de Fritz Lang fue una producción de la independiente International Pictures. La continuación de Lang, Scarlet Street (1945), fue uno de los pocos noirs clásicos que fueron censurados oficialmente: lleno de insinuaciones eróticas, fue prohibido temporalmente en Milwaukee, Atlanta y el estado de Nueva York. [61] Scarlet Street fue una película semiindependiente, copatrocinada por Universal y Diana Productions de Lang, de la que la coprotagonista de la película, Joan Bennett , era la segunda mayor accionista. Lang, Bennett y su marido, el veterano de Universal y jefe de producción de Diana Walter Wanger , hicieron Secret Beyond the Door (1948) de manera similar. [62]
Antes de abandonar los Estados Unidos mientras estaba sujeto a la lista negra de Hollywood , Jules Dassin hizo dos películas negras clásicas que también se encontraban en la línea de las grandes productoras/independientes: Brute Force (1947) y la influyente película de estilo documental The Naked City (1948) fueron desarrolladas por el productor Mark Hellinger , que tenía un contrato "interno/externo" con Universal similar al de Wanger. [63] Años antes, trabajando en Warner Bros., Hellinger había producido tres películas para Raoul Walsh , las proto-negras They Drive by Night (1940), Manpower (1941) y High Sierra (1941), ahora consideradas como una obra seminal en el desarrollo del cine negro. [64] Walsh no tenía un gran nombre durante su medio siglo como director, pero sus películas negras The Man I Love (1947), White Heat (1949) y The Enforcer (1951) tuvieron estrellas de primera línea y se consideran ejemplos importantes del ciclo. [65] Otros directores asociados con películas noir de primer nivel en Hollywood incluyen a Edward Dmytryk ( Murder, My Sweet (1944), Crossfire (1947)), el primer director noir importante en caer presa de la lista negra de la industria, así como Henry Hathaway ( The Dark Corner (1946), Kiss of Death (1947)) y John Farrow ( The Big Clock (1948), Night Has a Thousand Eyes (1948)).
La mayoría de las películas de Hollywood consideradas como noirs clásicos caen en la categoría de películas B. [66] Algunas eran B en el sentido más preciso, producidas para funcionar en el fondo de los programas dobles por una unidad de bajo presupuesto de uno de los principales estudios o por uno de los equipos más pequeños de Poverty Row , desde el relativamente adinerado Monogram hasta empresas más inestables como Producers Releasing Corporation (PRC) . Jacques Tourneur había hecho más de treinta películas B de Hollywood (algunas ahora muy valoradas, la mayoría olvidadas) antes de dirigir la de nivel A Out of the Past , descrita por el académico Robert Ottoson como "el non plus ultra del cine negro de los cuarenta". [67] Las películas con presupuestos un paso más arriba en la escala, conocidas como "intermedias" por la industria, podrían ser tratadas como películas A o B dependiendo de las circunstancias. Monogram creó Allied Artists a fines de la década de 1940 para centrarse en este tipo de producción. Robert Wise ( Born to Kill [1947], The Set-Up [1949]) y Anthony Mann ( T-Men [1947] y Raw Deal [1948]) realizaron cada uno una serie de impresionantes películas intermedias, muchas de ellas noirs, antes de graduarse para trabajar de manera constante en producciones de gran presupuesto. Mann hizo algunos de sus trabajos más célebres con el director de fotografía John Alton , un especialista en lo que James Naremore llamó "momentos hipnóticos de luz en la oscuridad". [68] He Walked by Night (1948), filmada por Alton aunque acreditada únicamente a Alfred Werker, dirigida en gran parte por Mann, demuestra su maestría técnica y ejemplifica la tendencia de finales de la década de 1940 de los dramas policiales de " procedimiento policial ". Fue estrenada, como otras películas noirs de Mann-Alton, por la pequeña compañía Eagle-Lion ; Fue la inspiración para la serie Dragnet , que debutó en radio en 1949 y en televisión en 1951. [69]
Varios directores asociados con el cine negro construyeron obras muy respetadas en su mayoría de nivel B/intermedio. Las películas brutales y visualmente enérgicas de Samuel Fuller como Pickup on South Street (1953) y Underworld USA (1961) le valieron una reputación única; sus defensores lo elogian como "primitivo" y "bárbaro". [71] [72] Joseph H. Lewis dirigió películas negras tan diversas como Gun Crazy (1950) y The Big Combo (1955). La primera, cuyo guion fue escrito por Dalton Trumbo , incluido en la lista negra , disfrazado por una fachada, presenta una secuencia de asalto a un banco mostrada en una toma ininterrumpida de más de tres minutos que fue influyente. [73] The Big Combo fue filmada por John Alton y llevó el estilo oscuro del cine negro a sus límites extremos. [74] Las películas más distintivas de Phil Karlson ( The Phenix City Story [1955] y The Brothers Rico [1957]) cuentan historias de vicio organizado a una escala monstruosa. [75] El trabajo de otros directores en este nivel de la industria, como Felix E. Feist ( The Devil Thumbs a Ride [1947], Tomorrow Is Another Day [1951]), se ha vuelto oscuro. Edgar G. Ulmer pasó la mayor parte de su carrera en Hollywood trabajando en estudios B y de vez en cuando en proyectos que alcanzaron un estatus intermedio; en su mayor parte, en inconfundibles B. En 1945, mientras estaba en PRC, dirigió un clásico de culto del cine negro, Detour . [76] Otros noirs de Ulmer incluyen Strange Illusion (1945), también para PRC; Ruthless (1948), para Eagle-Lion, que había adquirido PRC el año anterior y Murder Is My Beat (1955), para Allied Artists.
Varias películas negras de bajo y modesto presupuesto fueron realizadas por compañías independientes, a menudo propiedad de actores, que contrataban a estudios más grandes para su distribución. Como productor, escritor, director e intérprete de primer nivel, Hugo Haas hizo películas como Pickup (1951), The Other Woman (1954) y Jacques Tourneur, The Fearmakers (1958) . Fue de esta manera que la consumada actriz negra Ida Lupino se estableció como la única directora femenina en Hollywood durante fines de la década de 1940 y gran parte de la década de 1950. No aparece en la película más conocida que dirigió, The Hitch-Hiker (1953), desarrollada por su compañía, The Filmakers, con el apoyo y la distribución de RKO. [77] Es una de las siete películas negras clásicas producidas en gran parte fuera de los grandes estudios que han sido elegidas para el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos . De las otras, una fue un estreno de un pequeño estudio: Detour . Cuatro fueron producciones independientes distribuidas por United Artists , el "estudio sin estudio": Gun Crazy ; Kiss Me Deadly ; DOA (1950), dirigida por Rudolph Maté y Sweet Smell of Success (1957), dirigida por Alexander Mackendrick . Una fue una producción independiente distribuida por MGM , el líder de la industria: Force of Evil (1948), dirigida por Abraham Polonsky y protagonizada por John Garfield , ambos incluidos en la lista negra en la década de 1950. [78] La producción independiente generalmente significaba circunstancias restringidas, pero Sweet Smell of Success , a pesar de los planes del equipo de producción, claramente no se hizo de manera barata, aunque como muchas otras apreciadas películas negras de presupuesto A, podría decirse que tiene alma de película B. [79]
Tal vez ningún director mostró mejor ese espíritu que el alemán Robert Siodmak , que ya había hecho una veintena de películas antes de su llegada a Hollywood en 1940. Trabajando principalmente en largometrajes de clase A, hizo ocho películas que ahora se consideran noir de la era clásica (una cifra igualada solo por Lang y Mann). [80] Además de The Killers , el debut de Burt Lancaster y una coproducción de Hellinger/Universal, otras contribuciones importantes de Siodmak al género incluyen Phantom Lady de 1944 (una adaptación de primera clase de B y Woolrich), la irónicamente titulada Christmas Holiday (1944) y Cry of the City (1948). Criss Cross (1949), con Lancaster nuevamente como protagonista, ejemplifica cómo Siodmak trajo las virtudes de la película B al noir A. Además de las restricciones relativamente más laxas sobre los personajes y el mensaje en presupuestos más bajos, la naturaleza de la producción B se prestó al estilo noir por razones económicas: la iluminación tenue ahorraba electricidad y ayudaba a camuflar los decorados baratos (la niebla y el humo también contribuían a la causa). El rodaje nocturno a menudo se vio obligado por los apresurados cronogramas de producción. Las tramas con motivaciones oscuras y transiciones intrigantemente elípticas eran a veces la consecuencia de guiones escritos apresuradamente. No siempre había suficiente tiempo o dinero para rodar todas las escenas. En Criss Cross , Siodmak logró estos efectos, envolviéndolos alrededor de Yvonne De Carlo , que interpretó a la más comprensible de las mujeres fatales; Dan Duryea , en uno de sus muchos papeles de villano carismático; y Lancaster como un trabajador común convertido en ladrón armado, condenado por una obsesión romántica. [81]
Algunos críticos consideran que el cine negro clásico es un ciclo exclusivo de los Estados Unidos; Alain Silver y Elizabeth Ward, por ejemplo, sostienen que "con el western, el cine negro comparte la distinción de ser una forma indígena estadounidense... un estilo cinematográfico totalmente estadounidense". [83] Sin embargo, aunque el término "cine negro" se acuñó originalmente para describir las películas de Hollywood, fue un fenómeno internacional. [84] Incluso antes del comienzo del período clásico generalmente aceptado, hubo películas hechas lejos de Hollywood que pueden verse en retrospectiva como películas negras, por ejemplo, las producciones francesas Pépé le Moko (1937), dirigida por Julien Duvivier , y Le Jour se lève (1939), dirigida por Marcel Carné . [85] Además, México experimentó un vibrante período de cine negro desde aproximadamente 1946 hasta 1952, que fue aproximadamente la misma época en que el cine negro florecía en los Estados Unidos. [86]
Durante el período clásico, hubo muchas películas producidas en Europa, particularmente en Francia, que comparten elementos de estilo, tema y sensibilidad con las películas noir estadounidenses y pueden incluirse en el canon del género. En ciertos casos, la interrelación con el cine negro de Hollywood es obvia: el director nacido en Estados Unidos Jules Dassin se mudó a Francia a principios de la década de 1950 como resultado de la lista negra de Hollywood , e hizo una de las películas negras francesas más famosas, Rififi (1955). Otras películas francesas conocidas que a menudo se clasifican como noir incluyen Quai des Orfèvres (1947) y Les Diaboliques (1955), ambas dirigidas por Henri-Georges Clouzot ; Casque d'Or (1952), Touchez pas au grisbi (1954) y Le Trou (1960) dirigidas por Jacques Becker ; y Ascenseur pour l'échafaud (1958), dirigida por Louis Malle . El director francés Jean-Pierre Melville es ampliamente reconocido por sus películas negras trágicas y minimalistas: Bob le flambeur (1955), del período clásico, fue seguida por Le Doulos (1962), Le deuxième souffle (1966), Le Samouraï (1967) y Le Cercle rouge (1970). [87] En la década de 1960, las películas negras griegas " El secreto del manto rojo " [88] y " El miedo " permitieron al público una lectura anticapacitista que desafiaba los estereotipos de la discapacidad. [89]
El académico Andrew Spicer sostiene que el cine negro británico evidencia una mayor deuda con el realismo poético francés que con el modo expresionista estadounidense del cine negro. [90] Los ejemplos de cine negro británico (a veces descrito como "Brit noir") del período clásico incluyen Brighton Rock (1947), dirigida por John Boulting ; They Made Me a Fugitive (1947), dirigida por Alberto Cavalcanti ; The Small Back Room (1948), dirigida por Michael Powell y Emeric Pressburger ; The October Man (1950), dirigida por Roy Ward Baker ; y Cast a Dark Shadow (1955), dirigida por Lewis Gilbert . Terence Fisher dirigió varios thrillers de bajo presupuesto en modo noir para Hammer Film Productions , incluyendo The Last Page (también conocida como Man Bait ; 1952), Stolen Face (1952) y Murder by Proxy (también conocida como Blackout ; 1954). Antes de partir hacia Francia, Jules Dassin se había visto obligado por presiones políticas a rodar su última película en inglés del período del cine negro clásico en Gran Bretaña: La noche y la ciudad (1950). Aunque fue concebida en los Estados Unidos y no solo fue dirigida por un estadounidense, sino que también está protagonizada por dos actores estadounidenses ( Richard Widmark y Gene Tierney ), técnicamente es una producción del Reino Unido, financiada por la filial británica de 20th Century-Fox . La más famosa de las películas negras clásicas británicas es El tercer hombre (1949) de la directora Carol Reed , a partir de un guion de Graham Greene . Ambientada en Viena inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, también está protagonizada por dos actores estadounidenses, Joseph Cotten y Orson Welles , que habían aparecido juntos en Ciudadano Kane . [91]
Por otra parte, el director italiano Luchino Visconti adaptó El cartero siempre llama dos veces de Cain como Ossessione (1943), considerada tanto como una de las grandes películas negras como una película seminal en el desarrollo del neorrealismo. [92] (Esta ni siquiera fue la primera versión cinematográfica de la novela de Cain, habiendo sido precedida por la francesa Le Dernier Tournant en 1939.) [93] En Japón, el célebre Akira Kurosawa dirigió varias películas reconocibles como películas negras, incluyendo El ángel borracho (1948), Perro callejero (1949), Los malos duermen bien (1960) y Alto y bajo (1963). [94] La novela La ciudad perdida de la autora española Mercedes Formica fue adaptada al cine en 1960. [95]
Entre las primeras películas neo-noir importantes (el término que se aplica a menudo a las películas que hacen referencia consciente a la tradición del cine negro clásico) se encuentra la francesa Tirez sur le pianiste (1960), dirigida por François Truffaut a partir de una novela de uno de los escritores estadounidenses de ficción negra más sombríos, David Goodis . [96] En muchos países del área posclásica se han producido películas policiales y melodramas de cine negro. Algunas de ellas son neo-noirs autoconscientes por excelencia, por ejemplo, Il conformista (1969; Italia), Der Amerikanische Freund (1977; Alemania), The Element of Crime (1984; Dinamarca) y El Aura (2005; Argentina). Otras simplemente comparten elementos narrativos y una versión de la sensibilidad dura asociada con el cine negro clásico, como El castillo de arena (1974; Japón), Insomnia (1997; Noruega), Croupier (1998; Reino Unido) y Blind Shaft (2003; China). [97]
El género cinematográfico neo-noir se desarrolló a mediados de la Guerra Fría. Esta tendencia cinematográfica reflejaba en gran medida el cinismo y la posibilidad de aniquilación nuclear de la época. Este nuevo género introdujo innovaciones que no estaban disponibles en las películas negras anteriores. La violencia también era más potente. [98]
Si bien es difícil trazar una línea entre algunas de las películas noir de principios de la década de 1960, como Blast of Silence (1961) y Cape Fear (1962) y las películas noir de finales de la década de 1950, surgieron nuevas tendencias en la era posclásica. The Manchurian Candidate (1962), dirigida por John Frankenheimer , Shock Corridor (1963), dirigida por Samuel Fuller , y Brainstorm (1965), dirigida por el experimentado actor de personajes noir William Conrad , todas tratan el tema de la desposesión mental dentro de marcos estilísticos y tonales derivados del cine negro clásico. [99] The Manchurian Candidate examinó la situación de los prisioneros de guerra estadounidenses (POW) durante la Guerra de Corea . Los incidentes que ocurrieron durante la guerra, así como los de la posguerra, funcionaron como inspiración para un subgénero de "Noir de la Guerra Fría". [100] [101] La serie de televisión El Fugitivo (1963-1967) trajo temas y atmósferas clásicas del cine negro a la pantalla chica durante un período prolongado. [99]
En otro orden de cosas, empezaron a aparecer películas que reconocían conscientemente las convenciones del cine negro clásico como arquetipos históricos que había que revivir, rechazar o reimaginar. Estos esfuerzos tipifican lo que llegó a conocerse como neo-noir. [103] Aunque varias películas negras clásicas tardías, Kiss Me Deadly (1955) en particular, eran profundamente conscientes de sí mismas y postradicionales en su concepción, ninguna mostró sus cartas de manera tan evidente como para que los críticos estadounidenses de la época la destacaran. [104] La primera película importante que trabajó abiertamente este ángulo fue À bout de souffle ( Sin aliento ; 1960) del director francés Jean-Luc Godard , que rinde homenaje literal a Bogart y sus películas policiales al tiempo que blande un nuevo estilo audaz para una nueva época. [105] En los Estados Unidos, Arthur Penn ( Mickey One de 1965 , inspirada en Tirez sur le pianiste de Truffaut y otras películas de la Nouvelle vague francesa ), John Boorman ( Point Blank de 1967 , que también se puso al día, aunque en las aguas más profundas de la Nouvelle vague ) y Alan J. Pakula ( Klute de 1971 ) dirigieron películas que se relacionaban deliberadamente con las películas negras originales, invitando al público a participar del juego. [106]
Una afiliación manifiesta con las tradiciones del cine negro —que, por su naturaleza, permite inferir diferentes tipos de comentarios sobre ellas— también puede proporcionar la base para críticas explícitas de esas tradiciones. En 1973, el director Robert Altman se burló de la piedad del cine negro con The Long Goodbye . Basada en la novela de Raymond Chandler, presenta a uno de los personajes más famosos de Bogart, pero de manera iconoclasta : Philip Marlowe, el detective duro prototípico, es reinterpretado como un inadaptado desventurado, casi risiblemente fuera de contacto con las costumbres y la moralidad contemporáneas. [107] Si bien la subversión de Altman del mito del cine negro fue tan irreverente que escandalizó a algunos críticos contemporáneos, [108] por la misma época Woody Allen estaba rindiendo un homenaje afectuoso, en algunos puntos idólatra, al modo clásico con Play It Again, Sam (1972). La película de " blaxploitation " Shaft (1971), en la que Richard Roundtree interpreta al detective privado afroamericano John Shaft , toma convenciones del cine negro clásico.
La más aclamada de las películas neo-noir de la época fue Chinatown (1974) del director Roman Polanski . [109] Escrita por Robert Towne , está ambientada en Los Ángeles de los años 30, un escenario habitual del cine negro retrocedido unos años de una manera que hace que la pérdida fundamental de la inocencia en la historia sea aún más cruel. Mientras que Polanski y Towne elevaron el cine negro a un apogeo negro al volverse hacia atrás, el director Martin Scorsese y el guionista Paul Schrader trajeron la actitud del cine negro a la actualidad con Taxi Driver (1976), un brillo chispeante y sangriento sobre los Estados Unidos del bicentenario. [110] En 1978, Walter Hill escribió y dirigió The Driver (El conductor) , una película de persecución como podría haber sido imaginada por Jean-Pierre Melville en un tono especialmente abstracto. [111]
Hill ya era una figura central en el cine negro de los años 70 de una manera más directa, habiendo escrito el guion de The Getaway (1972) del director Sam Peckinpah , adaptando una novela del maestro del pulp Jim Thompson , así como de dos películas duras de detectives privados: un guion original para Hickey & Boggs (1972) y una adaptación de una novela de Ross Macdonald , el principal descendiente literario de Hammett y Chandler, para The Drowning Pool (1975). De hecho, algunas de las películas negras más fuertes de los años 70 fueron remakes sin guiños de los clásicos, "neo" en su mayoría por defecto: la desgarradora Thieves Like Us (1974), dirigida por Altman a partir de la misma fuente que They Live by Night de Ray , y Farewell, My Lovely (1975), el cuento de Chandler convertido clásicamente como Murder, My Sweet , rehecho aquí con Robert Mitchum en su último papel notable en el cine negro. [112] Las series de detectives, frecuentes en la televisión estadounidense durante el período, actualizaron la tradición del género duro de diferentes maneras, pero el programa que evocaba el tono más noir era un crossover de terror con un toque de humor peludo, al estilo de Long Goodbye : Kolchak: The Night Stalker (1974-75), con un periodista de un periódico de Chicago que investiga sucesos extraños, generalmente sobrenaturales. [113]
El cambio de década trajo consigo Toro salvaje (1980) de Scorsese, en blanco y negro , coescrita por Schrader. Una obra maestra reconocida (en 2007, el American Film Institute la clasificó como la mejor película estadounidense de la década de 1980 y la cuarta mejor de todos los tiempos), cuenta la historia de la autodestrucción moral de un boxeador que recuerda tanto en el tema como en el ambiente visual a dramas noir como Cuerpo y alma (1947) y Campeón (1949). [115] De 1981, Calor en el cuerpo , escrita y dirigida por Lawrence Kasdan , invoca un conjunto diferente de elementos clásicos del cine negro, esta vez en un entorno húmedo y eróticamente cargado de Florida. Su éxito confirmó la viabilidad comercial del neo-noir en un momento en el que los principales estudios de Hollywood se estaban volviendo cada vez más reacios al riesgo. La incorporación del neo-noir a la corriente principal es evidente en películas como Viuda negra (1987), Destrozada (1991) y Análisis final (1992). [116] Pocas películas neo-noir han ganado más dinero o actualizado de manera más ingeniosa la tradición del doble sentido del noir que Instinto básico (1992), dirigida por Paul Verhoeven y escrita por Joe Eszterhas . [117] La película también demuestra cómo la paleta policromada del neo-noir puede reproducir muchos de los efectos expresionistas del noir clásico en blanco y negro. [114]
Al igual que Chinatown , su predecesora más compleja, LA Confidential (1997), de Curtis Hanson , ganadora del Óscar y basada en la novela de James Ellroy , demuestra la tendencia opuesta: el cine negro deliberadamente retro; su historia de policías corruptos y mujeres fatales parece sacada directamente de una película de 1953, el año en el que está ambientada. [118] El director David Fincher siguió al inmensamente exitoso neo-noir Seven (1995) con una película que se convirtió en una favorita de culto después de su estreno original y decepcionante: Fight Club (1999), una mezcla sui generis de estética noir, comedia perversa, contenido especulativo e intención satírica. [119]
Trabajando generalmente con presupuestos mucho más pequeños, los hermanos Joel y Ethan Coen han creado una de las obras más extensas influenciadas por el noir clásico, con películas como Sangre fácil (1984) [121] y Fargo (1996), esta última considerada por algunos una obra suprema en la modalidad neo-noir. [122] Los Coen cruzan el noir con otras tradiciones genéricas en el drama de gángsters Miller's Crossing (1990) —basado libremente en las novelas de Dashiell Hammett Red Harvest y The Glass Key —y la comedia The Big Lebowski (1998), un tributo a Chandler y un homenaje a la versión de Altman de The Long Goodbye . [123] El trabajo característico de David Lynch combina tropos del cine negro con escenarios impulsados por personajes perturbados como el criminal sociópata interpretado por Dennis Hopper en Blue Velvet (1986) y el protagonista delirante de Lost Highway (1997). El ciclo Twin Peaks , tanto la serie de televisión (1990-91) como la película Fire Walk with Me (1992), plantean una trama policiaca a través de una sucesión de espasmos extraños. David Cronenberg también mezcla el surrealismo y el cine negro en Naked Lunch (1991), inspirada en la novela de William S. Burroughs .
Tal vez ninguna película neo-noir estadounidense refleje mejor el espíritu clásico del cine negro de serie B que las del director y guionista Quentin Tarantino . [124] Las películas neo-noir suyas, como Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994), muestran una sensibilidad implacablemente autorreflexiva, a veces irónica, similar al trabajo de los directores de la Nouvelle Vague y los Coen. Otras películas de la época fácilmente identificables como neo-noir (algunas retro, algunas más au courant) incluyen Kill Me Again (1989), Red Rock West (1992) y The Last Seduction (1993) del director John Dahl ; cuatro adaptaciones de novelas de Jim Thompson: The Kill-Off (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Grifters (1990) y la nueva versión de The Getaway (1994); y muchos más, incluyendo adaptaciones de la obra de otros importantes escritores de ficción negra: The Hot Spot (1990), de Hell Hath No Fury , de Charles Williams ; Miami Blues (1990), de la novela de Charles Willeford ; y Out of Sight (1998), de la novela de Elmore Leonard . [125] Varias películas del director y guionista David Mamet involucran elementos noir: House of Games (1987), Homicide (1991), [126] The Spanish Prisoner (1997) y Heist (2001). [127] En televisión, Moonlighting (1985-89) rindió homenaje al noir clásico al tiempo que demostró una apreciación inusual del sentido del humor que a menudo se encuentra en el ciclo original. [125] Entre 1983 y 1989, el detective privado Mike Hammer, interpretado por Mickey Spillane , fue interpretado con irónico gusto por Stacy Keach en una serie y varias películas de televisión independientes (un resurgimiento sin éxito siguió en 1997-98). La miniserie británica The Singing Detective (1986), escrita por Dennis Potter , cuenta la historia de un escritor de misterio llamado Philip Marlow; ampliamente considerada como una de las mejores películas neo-noirs en cualquier medio, algunos críticos la clasifican entre las mejores producciones televisivas de todos los tiempos. [128]
Entre los autores de gran presupuesto, Michael Mann ha trabajado con frecuencia en un estilo neo-noir, con películas como Thief (1981) [126] y Heat (1995) y las series de televisión Miami Vice (1984-1989) y Crime Story (1986-1988). La producción de Mann ejemplifica una corriente primaria de neo-noir, o como se le llama cariñosamente, "neon noir", [129] [130] en la que los temas y tropos clásicos se revisan en un entorno contemporáneo con un estilo visual actualizado y una banda sonora musical basada en el rock o el hip hop . [131]
El cine neo-noir toma prestadas y refleja muchas de las características del cine negro: la presencia de crimen y violencia, personajes y tramas complejas, misterio y ambivalencia moral, todo lo cual entra en juego en el subgénero neon-noir. Pero más que simplemente exhibir los rasgos superficiales del género, el neon-noir enfatiza la sociocrítica del cine negro, recordando las dimensiones socioculturales específicas de los años de entreguerras cuando los noirs comenzaron a destacarse; una época de crisis existencial global, depresión y el movimiento masivo de la población rural a las ciudades. Los planos generales o montajes de paisajes urbanos, a menudo retratados como oscuros y amenazantes, sugieren lo que Dueck denominó una "perspectiva social sombría", [132] proporcionando una crítica al capitalismo global y al consumismo . Otras características incluyen el uso de técnicas de iluminación altamente estilizadas como el claroscuro , y letreros de neón y edificios muy iluminados que brindan una sensación de alienación y atrapamiento .
Acentuando el uso de iluminación artificial y de neón en las películas negras de los años 40 y 50, las películas negras de neón acentúan esta estética con colores electrizantes y luz manipulada para resaltar sus críticas socioculturales y sus referencias a la cultura contemporánea y pop. Al hacerlo, las películas negras de neón presentan los temas de la decadencia urbana, la decadencia consumista y el capitalismo, el existencialismo , la sexualidad y las cuestiones de raza y violencia en la cultura contemporánea, no solo en Estados Unidos, sino en el mundo globalizado en general.
Los neon-noirs buscan traer el noir contemporáneo, algo diluido bajo el paraguas del neo-noir, de vuelta a la exploración de la cultura: clase, raza, género, patriarcado y capitalismo. Los neon-noirs presentan una exploración existencial de la sociedad en un mundo hipertecnológico y globalizado. Ilustrando la sociedad como decadente y consumista , y la identidad como confusa y ansiosa, los neon-noirs reposicionan el noir contemporáneo en el escenario de la decadencia urbana , a menudo presentando escenas ambientadas en lugares subterráneos de la ciudad: burdeles, clubes nocturnos, casinos, bares de striptease, casas de empeño, lavanderías.
Los neon-noirs se popularizaron en los años 70 y 80 con películas como Taxi Driver (1976), Blade Runner (1982), [133] y películas de David Lynch , como Blue Velvet (1986) y más tarde, Lost Highway (1997). Otros títulos de esta época incluyen Blow Out (1981) de Brian De Palma y el debut de los hermanos Coen Blood Simple (1984). [134] [135] Más actualmente, películas como la altamente provocativa Spring Breakers (2012) de Harmony Korine , [136] y Trance (2013) de Danny Boyle han sido especialmente conocidas por su representación del cine negro con neón; Mientras que Trance fue celebrada por "agitar los ingredientes (del noir) como arena de colores en un frasco", Spring Breakers produjo notoriamente una serie de críticas [137] que se referían a su estética de "sueño febril" y a su "explosión de exceso cubierta de neón" (Kohn). [138] Otro noir neón dotado de la estética de "sueño febril" es The Persian Connection , expresamente vinculado a la estética lynchiana como un noir contemporáneo empapado de neón. [139]
El neo-noir puede verse como una respuesta al uso excesivo del término neo-noir. Si bien el término neo-noir funciona para introducir el género negro en el panorama contemporáneo, a menudo ha sido criticado por su dilución del género negro. El autor Robert Arnett comentó sobre su alcance "amorfo": "cualquier película que presente a un detective o un crimen califica". [140] El neon-noir, más específicamente, busca revivir las sensibilidades del cine negro de una manera más específica, centrando el comentario sociocultural y una estética hiperestilizada.
Los hermanos Coen vuelven a hacer referencia a la tradición del cine negro con El hombre que nunca estuvo allí (2001), un melodrama policial en blanco y negro ambientado en 1949; presenta una escena aparentemente montada para reflejar una de Retorno al pasado . Mulholland Drive (2001) de Lynch continuó en su línea característica, haciendo del escenario clásico del cine negro de Los Ángeles el escenario para un rompecabezas psicológico con inflexiones noir. El debut en blanco y negro del director británico Christopher Nolan , Following (1998), fue un homenaje abierto al cine negro clásico. Durante la primera década del nuevo siglo, fue uno de los principales directores de cine negro de Hollywood con la aclamada Memento (2000) y la nueva versión de Insomnia (2002). [141]
La película The Pledge (2001) del director Sean Penn , aunque adaptada de una novela muy autorreflexiva de Friedrich Dürrenmatt , es una película negra comparativamente directa, con un efecto devastador [ se discute la neutralidad ] . [142] El guionista David Ayer actualizó el clásico cuento negro de policía malo, tipificado por Shield for Murder (1954) y Rogue Cop (1954), con sus guiones para Training Day (2001) y, adaptando una historia de James Ellroy, Dark Blue (2002); más tarde escribió y dirigió la aún más oscura Harsh Times (2006). Collateral (2004) de Michael Mann cuenta con una actuación de Tom Cruise como un asesino en el linaje de Le Samouraï . Los tormentos de The Machinist (2004), dirigida por Brad Anderson , evocan tanto a Fight Club como a Memento . [143] En 2005, Shane Black dirigió Kiss Kiss Bang Bang , basando su guion en parte en una novela policial de Brett Halliday , quien publicó sus primeras historias en la década de 1920. La película juega con una conciencia no solo del noir clásico sino también de la reflexividad neo-noir en sí. [144]
Con películas ultra violentas como Sympathy for Mr. Vengeance (2002) y Thirst (2009), Park Chan-wook de Corea del Sur ha sido el director más destacado fuera de los Estados Unidos en trabajar regularmente en un modo noir en el nuevo milenio. [145] El neo-noir de mayor éxito comercial de este período ha sido Sin City (2005), dirigida por Robert Rodríguez en un blanco y negro extravagantemente estilizado con toques de color. [146] La película está basada en una serie de cómics creados por Frank Miller (acreditado como codirector de la película), que a su vez están abiertamente en deuda con las obras de Spillane y otros autores de misterio pulp . [147] [148] De manera similar, las novelas gráficas proporcionan la base para Road to Perdition (2002), dirigida por Sam Mendes , y A History of Violence (2005), dirigida por David Cronenberg ; esta última fue votada como la mejor película del año en la encuesta anual de Village Voice . [149] La película del guionista y director Rian Johnson , Brick (2005), en la que aparecen estudiantes de secundaria actuales hablando una versión del argot duro de los años 30, ganó el Premio Especial del Jurado a la Originalidad de la Visión en el Festival de Cine de Sundance . La serie de televisión Veronica Mars (2004-07, 2019) y la película Veronica Mars (2014) también aportaron un giro orientado a los jóvenes al cine negro. Algunos ejemplos de este tipo de crossover genérico se han denominado "teen noir". [150] [151]
Las películas neo-noir estrenadas en la década de 2010 incluyen I Saw the Devil (2010) de Kim Jee-woon , Point Blank (2010) de Fred Cavaye, The Yellow Sea (2010) de Na Hong-jin , Drive ( 2011) de Nicolas Winding Refn , [152] Bastards ( 2013) de Claire Denis [153] [154] y Nightcrawler (2014) de Dan Gilroy .
El Science Channel transmitió la serie documental científica de 2021 Killers of the Cosmos en un formato que describe como "space noir". En la serie, el actor Aidan Gillen en forma animada se desempeña como presentador de la serie mientras interpreta a un investigador privado que asume "casos" en los que "caza" amenazas letales para la humanidad planteadas por el cosmos . Las secuencias animadas combinan las características del cine negro con las de una novela gráfica de ficción pulp ambientada a mediados del siglo XX, y vinculan segmentos documentales de acción en vivo convencionales en los que los expertos describen los fenómenos potencialmente mortales. [155] [156] [157] [158]
En la era posclásica, una tendencia significativa en los crossovers noir ha involucrado la ciencia ficción . En Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard, Lemmy Caution es el nombre del detective privado de la vieja escuela en la ciudad del mañana. The Groundstar Conspiracy (1972) se centra en otro investigador implacable y un amnésico llamado Welles. Soylent Green (1973), el primer gran ejemplo estadounidense, retrata un mundo distópico, de futuro cercano a través de una trama de detección noir; protagonizada por Charlton Heston (el protagonista de Sed de mal ), también cuenta con clásicos del noir como Joseph Cotten, Edward G. Robinson y Whit Bissell . La película fue dirigida por Richard Fleischer , quien dos décadas antes había dirigido varios noirs B fuertes, incluyendo Armored Car Robbery (1950) y The Narrow Margin (1952). [161]
La perspectiva cínica y estilizada del cine negro clásico tuvo un efecto formativo en el género ciberpunk de ciencia ficción que surgió a principios de la década de 1980; la película más directamente influyente en el ciberpunk fue Blade Runner (1982), dirigida por Ridley Scott , que rinde un homenaje evocador al modo noir clásico [162] (Scott dirigió posteriormente el conmovedor melodrama criminal negro de 1987 Someone to Watch Over Me ). El académico Jamaluddin Bin Aziz ha observado cómo "la sombra de Philip Marlowe persiste" en otras películas "noir futuras" como 12 Monkeys (1995), Dark City (1998) y Minority Report (2002). [163] El debut cinematográfico de Fincher fue Alien 3 (1992), que evocaba la clásica película negra carcelaria Brute Force .
Crash (1996) de David Cronenberg , una adaptación de la novela especulativa de J. G. Ballard , ha sido descrita como un "film noir en tonos moretones". [164] El héroe es el objetivo de la investigación en Gattaca (1997), que fusiona motivos de cine negro con un escenario en deuda con Un mundo feliz . The Thirteenth Floor (1999), al igual que Blade Runner , es un homenaje explícito al cine negro clásico, en este caso involucrando especulaciones sobre la realidad virtual . La ciencia ficción, el cine negro y el anime se unen en las películas japonesas de los años 90 Ghost in the Shell (1995) y Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), ambas dirigidas por Mamoru Oshii . [165] The Animatrix (2003), basada y ambientada en el mundo de la trilogía cinematográfica Matrix , contiene un cortometraje de anime en estilo noir clásico titulado "A Detective Story". [166] Las series de televisión de anime con temas de ciencia ficción negra incluyen Noir (2001) [165] y Cowboy Bebop (1998). [167]
La película de 2015 Ex Machina le da un giro de cine negro discreto al mito de Frankenstein , con la androide sensible Ava como una potencial femme fatale , su creador Nathan encarnando el tropo del marido o padre abusivo, y su posible salvador Caleb como un "vagabundo despistado" cautivado por Ava. [168]
El cine negro ha sido parodiado muchas veces de muchas maneras. En 1945, Danny Kaye protagonizó lo que parece ser la primera parodia intencional del cine negro, Wonder Man . [169] Ese mismo año, Deanna Durbin fue la cantante principal en la comedia negra Lady on a Train , que se burla del melancólico miserabilismo de la marca Woolrich. Bob Hope inauguró la parodia del cine negro de detectives privados con My Favorite Brunette (1947), interpretando a un fotógrafo de bebés que es confundido con un detective de puño de hierro. [169] También en 1947, The Bowery Boys apareció en Hard Boiled Mahoney , que tenía una trama de identidad equivocada similar; parodiaron el género una vez más en Private Eyes (1953). Dos producciones de RKO protagonizadas por Robert Mitchum llevan el cine negro al límite de la autoparodia: The Big Steal (1949), dirigida por Don Siegel , y His Kind of Woman (1951). [b] El ballet "Girl Hunt" en The Band Wagon (1953) de Vincente Minnelli es una destilación de diez minutos de, y juego con, el cine negro en danza. [170] The Cheap Detective (1978), protagonizada por Peter Falk , es una amplia parodia de varias películas, incluidos los clásicos de Bogart El halcón maltés y Casablanca . Dead Men Don't Wear Plaid (1982) en blanco y negro de Carl Reiner se apropia de fragmentos de películas negras clásicas para un pastiche ridículo , mientras que Fatal Instinct (1993) se burla del clásico negro ( Double Indemnity ) y el neo-noir ( Bajos instintos ). ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) , de Robert Zemeckis, desarrolla una trama noir ambientada en Los Ángeles en la década de 1940 y en torno a una serie de personajes de dibujos animados. [171]
Las parodias del cine negro también se presentan en tonos más oscuros. Murder by Contract (1958), dirigida por Irving Lerner , es una broma inexpresiva sobre el cine negro, con un desenlace tan sombrío como el de cualquiera de las películas que ridiculiza. Una producción de Columbia Pictures de presupuesto ultrabajo , puede calificarse como el primer ejemplo intencional de lo que ahora se llama una película neo-noir; probablemente fue una fuente de inspiración tanto para Le Samouraï de Melville como para Taxi Driver de Scorsese . [172] Contrariando su vena paródica, el acto final de The Long Goodbye es seriamente grave. Taxi Driver deconstruye cáusticamente la película policial "oscura", llevándola a un extremo absurdo y luego ofreciendo una conclusión que logra burlarse de cada final anticipado posible (triunfante, trágico, ingeniosamente ambivalente) mientras es cada uno de ellos a la vez. [173] Coqueteando con el estatus de salpicadura aún más descaradamente, Blood Simple de los Coen es a la vez un pastiche exigente y una exageración grosera del noir clásico. [174] Adaptada por el director Robinson Devor de una novela de Charles Willeford , The Woman Chaser (1999) se burla no solo del modo noir sino de todo el proceso de realización cinematográfica de Hollywood, con cada toma aparentemente escenificada como el equivalente visual de un mordaz comentario ingenioso de Marlowe. [175]
En otros medios, la serie de televisión Sledge Hammer! (1986-88) satiriza el cine negro, junto con temas como la pena capital , el fetichismo de las armas y Harry el sucio . Barrio Sésamo (1969-actual) ocasionalmente presenta a la rana Gustavo como detective privado; los sketches hacen referencia a algunos de los motivos típicos de las películas negras, en particular la voz en off. El programa de radio de Garrison Keillor A Prairie Home Companion presenta al personaje recurrente Guy Noir , un detective duro cuyas aventuras siempre desvían hacia la farsa (Guy también aparece en la película dirigida por Altman basada en el programa de Keillor). Nick Danger de Firesign Theatre ha recorrido las mismas calles no tan malas, tanto en la radio como en álbumes de comedia. Dibujos animados como Garfield's Babes and Bullets (1989) y personajes de tiras cómicas como Tracer Bullet de Calvin y Hobbes han parodiado tanto el cine negro como la tradición hardboiled, una de las fuentes de las que surgió el cine negro y que ahora eclipsa. [176] It's Always Sunny in Philadelphia parodió el género negro en su episodio de la temporada 14 "The Janitor Always Mops Twice" (El conserje siempre limpia dos veces). [177] [178]
En su canon original de cine negro de 1955, Raymond Borde y Etienne Chaumeton identificaron veintidós películas de Hollywood estrenadas entre 1941 y 1952 como ejemplos centrales; enumeraron otras cincuenta y nueve películas estadounidenses de la época como significativamente relacionadas con el campo del cine negro. [181] Medio siglo después, los historiadores y críticos de cine habían llegado a un acuerdo sobre un canon de aproximadamente trescientas películas de 1940 a 1958. [182] Sin embargo, siguen existiendo muchas diferencias de opinión sobre si otras películas de la época, entre ellas varias muy conocidas, califican como películas negras o no. Por ejemplo, La noche del cazador (1955), protagonizada por Robert Mitchum en una actuación aclamada, es tratada como una película negra por algunos críticos, pero no por otros. [183] Algunos críticos incluyen Sospecha (1941), dirigida por Alfred Hitchcock, en sus catálogos de cine negro; otros la ignoran. [184] En lo que respecta a las películas realizadas antes o después del período clásico, o fuera de los Estados Unidos en cualquier momento, el consenso es aún más raro.
Para apoyar su categorización de ciertas películas como noirs y su rechazo de otras, muchos críticos se refieren a un conjunto de elementos que ven como ejemplos distintivos de la modalidad. La cuestión de qué constituye el conjunto de características identificativas del noir es una fuente fundamental de controversia. Por ejemplo, los críticos tienden a definir el modelo de cine negro como aquel que tiene una conclusión trágica o sombría, [185] pero muchos clásicos reconocidos del género tienen finales claramente felices (por ejemplo, Stranger on the Third Floor, The Big Sleep , Dark Passage y The Dark Corner ), mientras que el tono de muchos otros desenlaces del noir es ambivalente. [186] Algunos críticos perciben el sello distintivo del noir clásico como un estilo visual distintivo. Otros, observando que en realidad hay una considerable variedad estilística entre los noirs, enfatizan en cambio la trama y el tipo de personaje. Aún otros se centran en el estado de ánimo y la actitud. Por lo tanto, ningún estudio de las características identificativas del noir clásico puede considerarse definitivo. En las décadas de 1990 y 2000, los críticos han centrado cada vez más su atención en ese campo diverso de películas llamadas neo-noir; una vez más, hay incluso menos consenso sobre los atributos definitorios de dichas películas realizadas fuera del período clásico. [187] Roger Ebert ofreció "Una guía para el cine negro", escribiendo que "El cine negro es...
Los esquemas de iluminación de bajo perfil de muchas películas clásicas del cine negro se asocian con fuertes contrastes de luz/oscuridad y patrones de sombras dramáticos, un estilo conocido como claroscuro (un término adoptado de la pintura renacentista). [c] Las sombras de las persianas venecianas o las barras de la barandilla, proyectadas sobre un actor, una pared o un escenario entero, son una imagen icónica del cine negro y ya se habían convertido en un cliché mucho antes de la era neo-noir. Los rostros de los personajes pueden estar parcial o totalmente oscurecidos por la oscuridad, una rareza relativa en el cine convencional de Hollywood. Si bien muchos consideran que la cinematografía en blanco y negro es uno de los atributos esenciales del cine negro clásico, las películas en color Leave Her to Heaven (1945) y Niagara (1953) se incluyen rutinariamente en las filmografías del cine negro, mientras que Slightly Scarlet (1956), Party Girl (1958) y Vertigo (1958) son clasificadas como cine negro por un número variable de críticos. [189]
El cine negro también es conocido por su uso de planos contrapicados , gran angulares y planos inclinados u holandeses . Otros recursos de desorientación relativamente comunes en el cine negro incluyen planos de personas reflejadas en uno o más espejos, planos a través de vidrio curvo o esmerilado u otros objetos distorsionantes (como durante la escena de estrangulamiento en Extraños en un tren ) y secuencias de efectos especiales de naturaleza a veces extraña. A menudo se empleaban rodajes noche por noche , a diferencia de la norma hollywoodense de día por noche . [190] Desde mediados de la década de 1940 en adelante, los rodajes en exteriores se volvieron cada vez más frecuentes en el cine negro. [191]
En un análisis del enfoque visual de Kiss Me Deadly , un ejemplo tardío y conscientemente estilizado de cine negro clásico, el crítico Alain Silver describe cómo las decisiones cinematográficas enfatizan los temas y el estado de ánimo de la historia. En una escena, los personajes, vistos a través de una "confusión de formas angulares", parecen "atrapados en un vórtice tangible o encerrados en una trampa". Silver defiende cómo "se utiliza la luz lateral... para reflejar la ambivalencia de los personajes", mientras que las tomas de los personajes en las que están iluminados desde abajo "se ajustan a una convención de expresión visual que asocia las sombras proyectadas hacia arriba del rostro con lo antinatural y siniestro". [192]
Las películas noir tienden a tener líneas argumentales inusualmente enrevesadas, que frecuentemente incluyen flashbacks y otras técnicas de edición que interrumpen y a veces oscurecen la secuencia narrativa . Enmarcar toda la narrativa principal como un flashback también es un recurso estándar. La narración en off, a veces utilizada como un recurso estructurante, llegó a ser vista como un sello distintivo del cine negro; mientras que el cine negro clásico generalmente se asocia con la narración en primera persona (es decir, por el protagonista), Stephen Neale señala que la narración en tercera persona es común entre los cines negros de estilo semidocumental. [194] Neo-noirs tan variados como The Element of Crime (surrealista), After Dark, My Sweet (retro) y Kiss Kiss Bang Bang (meta) han empleado la combinación de flashback/voz en off.
En la época clásica, se intentaron a veces experimentos audaces en la narración cinematográfica: La dama del lago , por ejemplo, está filmada enteramente desde el punto de vista del protagonista Philip Marlowe; el rostro de la estrella (y director) Robert Montgomery se ve solo en espejos. [195] The Chase (1946) toma el onirismo y el fatalismo como base para su sistema narrativo fantástico, que recuerda a ciertas historias de terror, pero con pocos precedentes en el contexto de un género supuestamente realista. A su manera, tanto Sunset Boulevard como DOA son historias contadas por hombres muertos. El cine negro moderno ha estado a la vanguardia de la experimentación estructural en el cine popular, como lo ejemplifican películas como Tiempos violentos , El club de la lucha y Memento . [196]
El crimen, generalmente el asesinato, es un elemento de casi todas las películas negras; además de la codicia, la envidia es con frecuencia la motivación criminal. Una investigación criminal (por parte de un detective privado, un detective de policía (a veces actuando solo) o un aficionado preocupado) es la trama básica más frecuente, pero está lejos de ser dominante. En otras tramas comunes, los protagonistas están implicados en robos o estafas , o en conspiraciones asesinas que a menudo incluyen relaciones adúlteras. Las falsas sospechas y acusaciones de delito son elementos frecuentes de la trama, al igual que las traiciones y los engaños. Según J. David Slocum, "los protagonistas asumen las identidades literales de hombres muertos en casi el quince por ciento de todo el cine negro". [197] La amnesia es bastante epidémica: "la versión negra del resfriado común", en palabras del historiador de cine Lee Server . [198]
Las películas negras tienden a girar en torno a héroes con más defectos y moralmente cuestionables que la norma, a menudo cabezas de turco de un tipo u otro. Muchos críticos describen a los protagonistas característicos del cine negro como " alienados "; [200] en palabras de Silver y Ward, "llenos de amargura existencial ". [201] Ciertos personajes arquetípicos aparecen en muchas películas negras: detectives duros, mujeres fatales, policías corruptos, maridos celosos, intrépidos liquidadores de siniestros y escritores en decadencia. Entre los personajes de todo tipo, el tabaquismo es rampante. [202] Desde los comentaristas históricos hasta las películas neo-noir y los efímeros de la cultura pop, el detective privado y la mujer fatal han sido adoptados como las figuras por excelencia del cine negro, aunque no aparecen en la mayoría de las películas que ahora se consideran noir clásico. De las veintiséis películas negras del National Film Registry, solo en cuatro la estrella interpreta a un detective privado: El halcón maltés , El sueño eterno , Retorno al pasado y Bésame mortal . Solo otras cuatro pueden calificarse fácilmente como historias de detectives: Laura , The Killers , La ciudad desnuda y Sed de mal . Suele haber un elemento de consumo de drogas o alcohol, en particular como parte del método del detective para resolver el crimen, como ejemplo el personaje de Mike Hammer en la película de 1955 Bésame mortal , que entra en un bar diciendo "Dame un bourbon doble y deja la botella". Chaumeton y Borde han argumentado que el cine negro surgió de la "literatura de drogas y alcohol". [203]
El cine negro suele asociarse a un entorno urbano, y unas pocas ciudades (Los Ángeles, San Francisco, Nueva York y Chicago, en particular) son el lugar de rodaje de muchas de las películas clásicas. A los ojos de muchos críticos, la ciudad se presenta en el cine negro como un "laberinto" o "entramado". [204] Los bares, salones, clubes nocturnos y casas de juego son con frecuencia el escenario de la acción. Los clímax de una cantidad considerable de películas negras tienen lugar en entornos visualmente complejos, a menudo industriales, como refinerías, fábricas, patios de trenes, centrales eléctricas (la más famosa es la explosiva conclusión de White Heat , ambientada en una planta química). [205] En la imaginación popular (y, con bastante frecuencia, crítica), en el cine negro siempre es de noche y siempre llueve. [206]
Una tendencia importante dentro del cine negro de los últimos tiempos, apodada "film soleil" por el crítico DK Holm, se dirige precisamente en la dirección opuesta, con historias de engaño, seducción y corrupción que explotan escenarios brillantes y soleados, estereotípicamente el desierto o el mar abierto, con un efecto abrasador. Los predecesores significativos de las eras clásica y posclásica temprana incluyen La dama de Shanghai ; la película de Robert Ryan Inferno (1953); la adaptación francesa de El talentoso Sr. Ripley de Patricia Highsmith , Plein soleil ( Pure Soleil en los Estados Unidos, traducida con mayor precisión en otros lugares como Blazing Sun o Full Sun ; 1960); y la versión del director Don Siegel de The Killers (1964). La tendencia alcanzó su apogeo a finales de los años 1980 y 1990, con películas como Dead Calm (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Hot Spot (1990), Delusion (1991), Red Rock West (1993) y la serie de televisión Miami Vice . [207]
El cine negro suele describirse como esencialmente pesimista. [208] Las historias negras que se consideran más características hablan de personas atrapadas en situaciones no deseadas (que, en general, no causaron pero son responsables de exacerbar), que luchan contra un destino aleatorio e indiferente y que con frecuencia están condenadas. Las películas se consideran como la representación de un mundo inherentemente corrupto. [209] Muchos críticos han asociado el cine negro clásico con el paisaje social estadounidense de la época, en particular, con una sensación de mayor ansiedad y alienación que se dice que siguió a la Segunda Guerra Mundial. En opinión del autor Nicholas Christopher , "es como si la guerra y las erupciones sociales posteriores hubieran desatado demonios que habían estado embotellados en la psique nacional". [210] A menudo se dice que las películas negras, especialmente las de la década de 1950 y el apogeo del miedo rojo , reflejan la paranoia cultural; Kiss Me Deadly es la película negra que se utiliza con más frecuencia como prueba de esta afirmación. [211]
Se suele decir que el cine negro se define por su "ambigüedad moral", [212] pero el Código de Producción obligaba a casi todos los noirs clásicos a velar por que la virtud inquebrantable fuera recompensada en última instancia y el vicio, en ausencia de vergüenza y redención, castigado severamente (por más dramáticamente increíble que pudiera ser la ejecución final de la justicia obligatoria). Un número considerable de noirs de la actualidad burlan tales convenciones: el vicio emerge triunfante en películas tan variadas como la sombría Chinatown y la obscena Hot Spot . [213]
El tono del cine negro es generalmente considerado como deprimente; algunos críticos lo experimentan como aún más oscuro: "abrumadoramente negro", según Robert Ottoson. [214] El influyente crítico (y cineasta) Paul Schrader escribió en un ensayo seminal de 1972 que " el cine negro se define por el tono", un tono que parece percibir como "desesperanzador". [215] Al describir la adaptación de Double Indemnity, el analista de cine negro Foster Hirsch describe el "tono desesperanzado requerido" logrado por los cineastas, que parece caracterizar su visión del cine negro en su conjunto. [216] Por otro lado, las películas negras definitivas como El sueño eterno , La dama de Shanghái , Scarlet Street y Double Indemnity son famosas por su réplica dura, a menudo imbuida de insinuaciones sexuales y humor autorreflexivo. [217]
La música del cine negro era típicamente orquestal, según la norma de Hollywood, pero a menudo con disonancia añadida. [218] Muchos de los principales compositores, como los directores y camarógrafos, eran emigrados europeos, por ejemplo, Max Steiner ( El sueño eterno , Mildred Pierce ), Miklós Rózsa ( Perdición , The Killers , Criss Cross ) y Franz Waxman ( Furia , El atardecer de los bueyes , La noche y la ciudad ). Perdición es una banda sonora seminal, inicialmente desagradada al director musical de Paramount por su dureza, pero fuertemente respaldada por el director Billy Wilder y el jefe de estudio Buddy DeSylva . [219] Existe una impresión popular generalizada de que el saxofón de jazz "sórdido" y el bajo pizzicato constituyen el sonido del cine negro, pero esas características surgieron mucho más tarde, como en la música de finales de la década de 1950 de Henry Mancini para Sed de mal y Peter Gunn de televisión . La partitura de Bernard Herrmann para Taxi Driver hace un uso intensivo del saxofón. [ cita requerida ]
Forma(s) con inflexión: plural film noirs \-'nwär(z)\ o films noir o films noirs \-'nwär\
Medios relacionados con Cine negro en Wikimedia Commons
