El barroco ( en inglés : / bəˈrɒk / bə- ROK ; en inglés: / -ˈr oʊk / -ROHK ; en francés : [ baʁɔk] ) es un estilo occidental de arquitectura , música , danza , pintura , escultura , poesía y otras artes que florecieron desde principios del siglo XVII hasta la década de 1750. [1] Siguió al arte renacentista y al manierismo y precedió al rococó (en el pasado a menudo denominado "barroco tardío") y al neoclásico . Fue alentado por la Iglesia católica como un medio para contrarrestar la simplicidad y austeridad de la arquitectura, el arte y la música protestantes , aunque el arte barroco luterano también se desarrolló en partes de Europa. [2]
El estilo barroco utilizó el contraste, el movimiento, los detalles exuberantes, el color profundo, la grandeza y la sorpresa para lograr una sensación de asombro. El estilo comenzó a principios del siglo XVII en Roma, luego se extendió rápidamente al resto de Italia, Francia, España y Portugal, luego a Austria, el sur de Alemania y Polonia. En la década de 1730, había evolucionado hacia un estilo aún más extravagante, llamado rocalla o rococó , que apareció en Francia y Europa central hasta mediados y fines del siglo XVIII. En los territorios de los imperios español y portugués, incluida la península Ibérica, continuó, junto con nuevos estilos, hasta la primera década del siglo XIX.
En las artes decorativas , el estilo emplea una ornamentación abundante e intrincada. La salida del clasicismo renacentista tiene sus propias formas en cada país. Pero una característica general es que en todas partes el punto de partida son los elementos ornamentales introducidos por el Renacimiento . El repertorio clásico es abarrotado, denso, superpuesto, cargado, con el fin de provocar efectos de choque. Los motivos nuevos introducidos por el Barroco son: la cartela , los trofeos y armas, las cestas de frutas o flores, y otros, realizados en marquetería , estuco o tallados. [3]
La palabra inglesa barroco proviene directamente del francés . Algunos estudiosos afirman que la palabra francesa se originó a partir del término portugués barroco 'una perla defectuosa', apuntando al latín verruca 'verruga', [4] o a una palabra con el sufijo romance -ǒccu (común en la Iberia prerromana ). [5] [6] Otras fuentes sugieren un término del latín medieval utilizado en lógica, baroco , como la fuente más probable. [7]
En el siglo XVI, la palabra latina medieval baroco dejó de lado la lógica escolástica y empezó a usarse para caracterizar todo aquello que pareciera absurdamente complejo. El filósofo francés Michel de Montaigne (1533-1592) contribuyó a dar al término baroco (que él deletreó Barroco ) el significado de «extraño, inútilmente complicado». [8] Otras fuentes tempranas asocian el término baroco con la magia, la complejidad, la confusión y el exceso. [7]
La palabra barroco también se asociaba con perlas irregulares antes del siglo XVIII. El francés baroque y el portugués barroco eran términos que a menudo se asociaban con la joyería. Un ejemplo de 1531 utiliza el término para describir perlas en un inventario de los tesoros de Carlos V de Francia . [9] Más tarde, la palabra aparece en una edición de 1694 de Le Dictionnaire de l'Académie Française , que describe barroco como "solo utilizado para perlas que son imperfectamente redondas". [10] Un diccionario portugués de 1728 describe de manera similar barroco como relacionado con una "perla gruesa y desigual". [11]
Una derivación alternativa de la palabra barroco apunta al nombre del pintor italiano Federico Barocci (1528-1612). [12]
En el siglo XVIII, el término empezó a utilizarse para describir la música, y no de forma halagadora. En una reseña satírica anónima del estreno de Hippolyte et Aricie de Jean-Philippe Rameau en octubre de 1733, que se publicó en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico escribió que la novedad de esta ópera era " du barocque ", quejándose de que la música carecía de una melodía coherente, no escatimaba disonancias, cambiaba constantemente de tonalidad y métrica y pasaba rápidamente por todos los recursos compositivos. [13]
En 1762, Le Dictionnaire de l'Académie Française registró que el término podría describir en sentido figurado algo "irregular, extraño o desigual". [14]
Jean-Jacques Rousseau , músico y compositor además de filósofo, escribió en la Encyclopédie en 1768: «La música barroca es aquella en la que la armonía es confusa y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra «baroco» utilizada por los lógicos». [8] [15]
En 1788 Quatremère de Quincy definió el término en la Encyclopédie Méthodique como "un estilo arquitectónico muy adornado y atormentado". [16]
Los términos franceses style baroque y musique baroque aparecieron en Le Dictionnaire de l'Académie Française en 1835. [17] A mediados del siglo XIX, los críticos de arte e historiadores habían adoptado el término barroco como una forma de ridiculizar el arte posrenacentista. Este era el sentido de la palabra tal como lo utilizó en 1855 el destacado historiador de arte Jacob Burckhardt , quien escribió que los artistas barrocos "despreciaban y abusaban del detalle" porque carecían de "respeto por la tradición". [18]
En 1888, el historiador de arte Heinrich Wölfflin publicó el primer trabajo académico serio sobre el estilo, Renaissance und Barrock , que describía las diferencias entre la pintura, la escultura y la arquitectura del Renacimiento y el Barroco. [19]
El estilo arquitectónico barroco fue el resultado de las doctrinas adoptadas por la Iglesia católica en el Concilio de Trento entre 1545 y 1563, en respuesta a la Reforma protestante . La primera fase de la Contrarreforma había impuesto un estilo académico severo en la arquitectura religiosa, que había atraído a los intelectuales pero no a la masa de feligreses. El Concilio de Trento decidió, en cambio, atraer a un público más popular y declaró que las artes debían comunicar temas religiosos con una implicación directa y emocional. [21] [22] De manera similar, el arte barroco luterano se desarrolló como un marcador confesional de identidad, en respuesta a la Gran Iconoclasia de los calvinistas . [23]
Las iglesias barrocas se diseñaron con un gran espacio central, donde los fieles podían estar cerca del altar, con una cúpula alta en lo alto, que permitía que la luz iluminara la iglesia de abajo. La cúpula era una de las características simbólicas centrales de la arquitectura barroca, que ilustraba la unión entre los cielos y la tierra. El interior de la cúpula estaba profusamente decorado con pinturas de ángeles y santos, y con estatuillas de ángeles en estuco, dando la impresión a los que estaban abajo de estar mirando al cielo. [24] Otra característica de las iglesias barrocas son las quadraturas ; pinturas trampantojo en el techo en marcos de estuco, ya sean reales o pintadas, abarrotadas de pinturas de santos y ángeles y conectadas por detalles arquitectónicos con las balaustradas y las consolas. Las pinturas quadratura de Atlantes debajo de las cornisas parecen sostener el techo de la iglesia. A diferencia de los techos pintados de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina , que combinaban diferentes escenas, cada una con su propia perspectiva, para ser vistas una a la vez, las pinturas del techo barroco fueron creadas cuidadosamente para que el espectador en el piso de la iglesia viera todo el techo en la perspectiva correcta, como si las figuras fueran reales.
Los interiores de las iglesias barrocas se volvieron cada vez más ornamentados en el Alto Barroco, y se centraron en el altar, generalmente colocado bajo la cúpula. Las obras decorativas barrocas más famosas del Alto Barroco son la Cátedra de San Pedro (1647-1653) y el Baldaquino de San Pedro (1623-1634), ambos de Gian Lorenzo Bernini , en la Basílica de San Pedro en Roma. El Baldaquino de San Pedro es un ejemplo del equilibrio de opuestos en el arte barroco; las proporciones gigantescas de la pieza, con la aparente ligereza del baldaquino; y el contraste entre las sólidas columnas retorcidas, el bronce, el oro y el mármol de la pieza con los drapeados fluidos de los ángeles en el baldaquino. [25] La Frauenkirche de Dresde es un ejemplo destacado del arte barroco luterano; se completó en 1743 por encargo del ayuntamiento luterano de Dresde y fue "comparada por los observadores del siglo XVIII con San Pedro en Roma". [2]
La columna retorcida en el interior de las iglesias es uno de los rasgos distintivos del barroco. Da una sensación de movimiento y también una forma dramática y novedosa de reflejar la luz.
Otro elemento característico de la decoración barroca fueron las cartelas , unas placas de gran tamaño talladas en mármol o piedra, generalmente ovaladas y de superficie redondeada, que portaban imágenes o textos en letras doradas y que se colocaban como decoración interior o sobre las puertas de los edificios, para transmitir mensajes a los que estaban abajo. Demostraban una gran variedad de inventivas y se encontraban en todo tipo de edificios, desde catedrales y palacios hasta pequeñas capillas. [26]
Los arquitectos barrocos a veces utilizaban la perspectiva forzada para crear ilusiones. Para el Palazzo Spada de Roma, Francesco Borromini utilizó columnas de tamaño decreciente, un suelo que se estrechaba y una estatua en miniatura en el jardín de al lado para crear la ilusión de que un pasadizo tenía treinta metros de largo, cuando en realidad solo tenía siete metros. Una estatua al final del pasadizo parece ser de tamaño natural, aunque solo mide sesenta centímetros de alto. Borromini diseñó la ilusión con la ayuda de un matemático.
El primer edificio de Roma que tuvo una fachada barroca fue la iglesia del Gesù en 1584; era sencilla en comparación con los estándares del barroco posterior, pero marcaba una ruptura con las fachadas renacentistas tradicionales que la precedieron. El interior de esta iglesia se mantuvo muy austero hasta el barroco álgido, cuando fue profusamente ornamentado.
En Roma, en 1605, Pablo V se convirtió en el primero de una serie de papas que encargaron basílicas y edificios eclesiásticos diseñados para inspirar emoción y asombro mediante una proliferación de formas, una riqueza de colores y efectos dramáticos. [31] Entre los monumentos más influyentes del Barroco temprano se encuentran la fachada de la Basílica de San Pedro (1606-1619) y la nueva nave y logia que conectaban la fachada con la cúpula de Miguel Ángel en la iglesia anterior. El nuevo diseño creó un contraste dramático entre la elevada cúpula y la fachada desproporcionadamente ancha, y el contraste en la propia fachada entre las columnas dóricas y la gran masa del pórtico. [32]
Entre mediados y finales del siglo XVII, el estilo alcanzó su máximo apogeo, denominado más tarde Alto Barroco. Los papas Urbano VIII y Alejandro VII encargaron numerosas obras monumentales . El escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini diseñó una nueva columnata cuádruple alrededor de la plaza de San Pedro (1656-1667). Las tres galerías de columnas en una elipse gigante equilibran la cúpula de gran tamaño y dan a la iglesia y a la plaza una unidad y la sensación de un teatro gigante. [33]
Otro gran innovador del alto barroco italiano fue Francesco Borromini , cuya obra principal fue la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlos de las Cuatro Fuentes (1634-1646). La sensación de movimiento no la da la decoración, sino los propios muros, que ondulan, y los elementos cóncavos y convexos, incluida una torre ovalada y un balcón insertados en un travesaño cóncavo. El interior fue igualmente revolucionario; el espacio principal de la iglesia era ovalado, bajo una cúpula ovalada. [33]
Los techos pintados, repletos de ángeles y santos y con efectos arquitectónicos de trampantojo, fueron una característica importante del Alto Barroco italiano. Entre las obras más importantes se encuentran La entrada de San Ignacio en el paraíso de Andrea Pozzo (1685-1695) en la iglesia de San Ignacio, Roma , y El triunfo del nombre de Jesús de Giovanni Battista Gaulli en la iglesia del Gesù en Roma (1669-1683), que presentaba figuras que salían del marco de la imagen y una dramática iluminación oblicua y contrastes de luz y oscuridad. [34]
El estilo se extendió rápidamente desde Roma a otras regiones de Italia: apareció en Venecia en la iglesia de Santa Maria della Salute (1631-1687) de Baldassare Longhena , una forma octogonal muy original coronada con una enorme cúpula . Apareció también en Turín , en particular en la Capilla del Santo Sudario (1668-1694) de Guarino Guarini . El estilo también comenzó a usarse en palacios; Guarini diseñó el Palazzo Carignano en Turín, mientras que Longhena diseñó el Ca' Rezzonico en el Gran Canal (1657), terminado por Giorgio Massari y decorado con pinturas de Giovanni Battista Tiepolo . [35] Una serie de terremotos masivos en Sicilia requirió la reconstrucción de la mayoría de ellos y varios fueron construidos en el exuberante estilo barroco tardío o rococó .
La Iglesia católica en España, y particularmente los jesuitas , fueron la fuerza impulsora de la arquitectura barroca española. La primera obra importante en este estilo fue la Capilla de San Isidro en Madrid , iniciada en 1643 por Pedro de la Torre . Contrastaba una extrema riqueza de ornamentación en el exterior con la simplicidad en el interior, dividido en múltiples espacios y utilizando efectos de luz para crear una sensación de misterio. [38] La Catedral de Santiago de Compostela fue modernizada con una serie de añadidos barrocos a partir de finales del siglo XVII, empezando por un campanario muy ornamentado (1680), luego flanqueado por dos torres aún más altas y ornamentadas, llamadas el Obradorio , añadidas entre 1738 y 1750 por Fernando de Casas Novoa . Otro hito del barroco español es la torre de la capilla del Palacio de San Telmo en Sevilla de Leonardo de Figueroa . [39]
Granada había sido conquistada a los moros recién en el siglo XV y tenía su propia variedad distintiva de barroco. El pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano diseñó el interior barroco de la Catedral de Granada entre 1652 y su muerte en 1657. Presenta dramáticos contrastes entre las enormes columnas blancas y la decoración dorada.
La arquitectura más ornamental y profusamente decorada del barroco español se denomina estilo churrigueresco , en honor a los hermanos Churriguera , que trabajaron principalmente en Salamanca y Madrid. Entre sus obras se incluyen los edificios de la plaza principal de Salamanca, la Plaza Mayor (1729). [39] Este estilo barroco altamente ornamental influyó en muchas iglesias y catedrales construidas por los españoles en América.
Otros notables arquitectos barrocos españoles del Barroco tardío incluyen a Pedro de Ribera , alumno de Churriguera, que diseñó el Real Hospicio de San Fernando en Madrid, y Narciso Tomé , que diseñó el célebre retablo de El Transparente en la Catedral de Toledo (1729-1732) que da la ilusión, bajo cierta luz, de flotar hacia arriba. [39]
Los arquitectos del barroco español tuvieron una influencia que trascendió mucho más allá de España; su obra fue muy influyente en las iglesias construidas en las colonias españolas de América Latina y Filipinas. La iglesia construida por los jesuitas para el Colegio de San Francisco Javier en Tepotzotlán , con su ornamentada fachada y torre barrocas, es un buen ejemplo. [40]
Entre 1680 y 1750 se construyeron en Europa central, Austria, Bohemia y el suroeste de Polonia numerosas catedrales, abadías e iglesias de peregrinación muy ornamentadas. Algunas eran de estilo rococó , un estilo distintivo, más extravagante y asimétrico que surgió del barroco y lo reemplazó en Europa central en la primera mitad del siglo XVIII, hasta que a su vez fue reemplazado por el clasicismo. [47]
Los príncipes de los numerosos estados de esa región también eligieron el estilo barroco o rococó para sus palacios y residencias, y a menudo utilizaron arquitectos formados en Italia para construirlos. [48]
Un ejemplo notable es la iglesia de San Nicolás (Malá Strana) en Praga (1704-1755), construida por Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer . La decoración cubre todas las paredes del interior de la iglesia. El altar está situado en la nave bajo la cúpula central y rodeado de capillas; la luz desciende desde la cúpula superior y desde las capillas circundantes. El altar está completamente rodeado de arcos, columnas, balaustradas curvas y pilastras de piedra coloreada, que están ricamente decoradas con estatuas, creando una confusión deliberada entre la arquitectura real y la decoración. La arquitectura se transforma en un teatro de luz, color y movimiento. [25]
En Polonia, el barroco polaco de inspiración italiana duró desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y enfatizó la riqueza de los detalles y el color. El primer edificio barroco en la Polonia actual y probablemente uno de los más reconocibles es la Iglesia de los Santos Pedro y Pablo, Cracovia , diseñada por Giovanni Battista Trevano . La Columna de Segismundo en Varsovia , erigida en 1644, fue el primer monumento barroco secular del mundo construido en forma de columna. [49] El estilo de residencia palaciega fue ejemplificado por el Palacio de Wilanów , construido entre 1677 y 1696. [50] El arquitecto barroco más famoso activo en Polonia fue el holandés Tylman van Gameren y sus obras notables incluyen la Iglesia de San Casimiro de Varsovia y el Palacio Krasiński , la Iglesia de Santa Ana, Cracovia y el Palacio Branicki, Białystok . [51] Sin embargo, la obra más famosa del barroco polaco es la Iglesia de Fara en Poznań , con detalles de Pompeo Ferrari . Después de la Guerra de los Treinta Años, en virtud de los acuerdos de la Paz de Westfalia , se construyeron dos estructuras barrocas únicas en su tipo: la Iglesia de la Paz en Jawor y la Iglesia de la Santísima Trinidad de la Paz en Świdnica, el templo barroco de madera más grande de Europa.
Los numerosos estados dentro del Sacro Imperio Romano Germánico en el territorio de la actual Alemania buscaron representarse a sí mismos con impresionantes edificios barrocos. [52] Entre los arquitectos notables se encuentran Johann Bernhard Fischer von Erlach , Lukas von Hildebrandt y Dominikus Zimmermann en Baviera , Balthasar Neumann en Bruhl y Matthäus Daniel Pöppelmann en Dresde. En Prusia , Federico II de Prusia se inspiró en el Gran Trianón del Palacio de Versalles y lo utilizó como modelo para su residencia de verano, Sanssouci , en Potsdam , diseñada para él por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Otra obra de arquitectura palaciega barroca es el Zwinger (Dresde) , la antigua orangerie del palacio de los electores de Sajonia en el siglo XVIII.
Uno de los mejores ejemplos de una iglesia rococó es la Basilika Vierzehnheiligen, o Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores , una iglesia de peregrinación ubicada cerca de la ciudad de Bad Staffelstein cerca de Bamberg, en Baviera, al sur de Alemania. La basílica fue diseñada por Balthasar Neumann y se construyó entre 1743 y 1772, su planta es una serie de círculos entrelazados alrededor de un óvalo central con el altar colocado en el centro exacto de la iglesia. El interior de esta iglesia ilustra la cumbre de la decoración rococó. [53] Otro ejemplo notable del estilo es la Iglesia de Peregrinación de Wies ( en alemán : Wieskirche ). Fue diseñada por los hermanos JB y Dominikus Zimmermann . Está ubicada en las estribaciones de los Alpes , en el municipio de Steingaden en el distrito de Weilheim-Schongau , Baviera, Alemania. La construcción se llevó a cabo entre 1745 y 1754 y el interior fue decorado con frescos y estucos siguiendo la tradición de la escuela de Wessobrunner . Actualmente es Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO .
El barroco en Francia se desarrolló de manera bastante diferente a las versiones locales adornadas y dramáticas del barroco de Italia, España y el resto de Europa. Parece severo, más distante y sobrio en comparación, adelantando al neoclasicismo y la arquitectura de la Ilustración . A diferencia de los edificios italianos, los edificios barrocos franceses no tienen frontones rotos ni fachadas curvilíneas. Incluso los edificios religiosos evitaron el intenso drama espacial que se encuentra en la obra de Borromini . El estilo está estrechamente asociado con las obras construidas para Luis XIV (reinado 1643-1715), y debido a esto, también se lo conoce como el estilo Luis XIV . Luis XIV invitó al maestro del barroco, Bernini, a presentar un diseño para la nueva ala este del Louvre , pero lo rechazó a favor de un diseño más clásico de Claude Perrault y Louis Le Vau . [65] [66]
Entre los principales arquitectos de este estilo se encuentran François Mansart (1598-1666), Pierre Le Muet (Iglesia de Val-de-Grâce , 1645-1665) y Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657-1661). Mansart fue el primer arquitecto en introducir el estilo barroco, principalmente el uso frecuente de un orden aplicado y una almohadillación pesada , en el vocabulario arquitectónico francés. El techo abuhardillado no fue inventado por Mansart, pero se ha asociado con él, ya que lo utilizó con frecuencia. [67]
El principal proyecto real de la época fue la ampliación del Palacio de Versalles , iniciada en 1661 por Le Vau con decoración del pintor Charles Le Brun . Los jardines fueron diseñados por André Le Nôtre específicamente para complementar y amplificar la arquitectura. La Galerie des Glaces ( Galería de los Espejos ), la pieza central del castillo, con pinturas de Le Brun, se construyó entre 1678 y 1686. Mansart completó el Gran Trianón en 1687. La capilla, diseñada por Robert de Cotte , se terminó en 1710. Tras la muerte de Luis XIV, Luis XV añadió el más íntimo Petit Trianon y el teatro muy ornamentado. Las fuentes de los jardines fueron diseñadas para ser vistas desde el interior y para añadir un efecto dramático. El palacio fue admirado y copiado por otros monarcas de Europa, particularmente Pedro el Grande de Rusia, quien visitó Versalles a principios del reinado de Luis XV y construyó su propia versión en el Palacio Peterhof , cerca de San Petersburgo, entre 1705 y 1725. [68]
![Biblioteca Universitaria, Universidad de Coimbra, Coimbra, Portugal, por Gaspar Ferreira, 1716-1728[69]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Biblioteca_Joanina_Universidade_de_Coimbra_IMG_0664.JPG/1280px-Biblioteca_Joanina_Universidade_de_Coimbra_IMG_0664.JPG)
La arquitectura barroca en Portugal duró cerca de dos siglos (finales del siglo XVII y siglo XVIII). Los reinados de Juan V y José I aumentaron las importaciones de oro y diamantes, en un período llamado absolutismo real, que permitió el florecimiento del barroco portugués.
La arquitectura barroca en Portugal goza de una situación especial y una cronología diferente al resto de Europa.
Está condicionada por diversos factores políticos, artísticos y económicos, que originan varias fases y diferentes tipos de influencias externas, dando como resultado una mezcla única, [73] a menudo mal entendida por aquellos que buscan arte italiano, que encuentran en cambio formas y caracteres específicos que le dan una variedad únicamente portuguesa. Otro factor clave es la existencia de la arquitectura jesuítica, también llamada "estilo llano" (Estilo Chão o Estilo Plano) [74] que, como su nombre evoca, es más simple y parece algo austera.
Los edificios son basilicales de una sola estancia, capilla mayor profunda, capillas laterales (con pequeñas puertas de comunicación), sin decoración interior ni exterior, portal y ventanas sencillas. Es un edificio práctico, lo que permitió construirlo en todo el imperio con pequeños ajustes, y prepararlo para ser decorado posteriormente o cuando se dispusiera de recursos económicos.
De hecho, el primer barroco portugués no carece de edificación, ya que el "estilo sobrio" es fácil de transformar, mediante la decoración (pintura, alicatado, etc.), convirtiendo espacios vacíos en pomposos y elaborados escenarios barrocos. Lo mismo se puede aplicar al exterior. Posteriormente, es fácil adaptar el edificio al gusto de la época y del lugar, y añadirle nuevos elementos y detalles. Práctico y económico.
Con más habitantes y mejores recursos económicos, el norte, especialmente las zonas de Porto y Braga , [75] [76] [77] conoció una renovación arquitectónica, visible en la gran lista de iglesias, conventos y palacios construidos por la aristocracia.
Oporto es la ciudad barroca de Portugal. Su centro histórico forma parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO . [78]
Muchas de las obras barrocas en la zona histórica de la ciudad y más allá pertenecen a Nicolau Nasoni , un arquitecto italiano que vive en Portugal, que diseñó edificios originales con emplazamientos escenográficos como la iglesia y la torre de los Clérigos , [79] la logia de la Catedral de Oporto. , la iglesia de la Misericordia, el Palacio de São João Novo , [80] el Palacio de Freixo , [81] el Palacio Episcopal ( portugués : Paço Episcopal do Porto ) [82] junto con muchos otros.
El debut del barroco ruso, o barroco petrino , se produjo tras una larga visita de Pedro el Grande a Europa occidental en 1697-1698, donde visitó los castillos de Fontainebleau y Versalles , así como otros monumentos arquitectónicos. A su regreso a Rusia, decidió construir monumentos similares en San Petersburgo , que se convirtió en la nueva capital de Rusia en 1712. Entre los primeros monumentos importantes del barroco petrino se encuentran la catedral de Pedro y Pablo y el palacio Ménshikov .
Durante el reinado de Ana e Isabel , la arquitectura rusa estuvo dominada por el lujoso estilo barroco del italiano Francesco Bartolomeo Rastrelli , que se convirtió en el barroco isabelino . Los edificios emblemáticos de Rastrelli incluyen el Palacio de Invierno , el Palacio de Catalina y la Catedral Smolny . Otros monumentos distintivos del barroco isabelino son el campanario de la Laura de la Trinidad y la Puerta Roja . [86]
En Moscú , el barroco de Naryshkin se generalizó, especialmente en la arquitectura de las iglesias ortodoxas orientales a finales del siglo XVII. Era una combinación del barroco de Europa occidental con estilos populares rusos tradicionales .
Debido a la colonización de América por países europeos, el Barroco se trasladó naturalmente al Nuevo Mundo , encontrando terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal , ambos países siendo monarquías centralizadas e irreductiblemente católicas, por extensión sujetas a Roma y adeptas a la Contrarreforma barroca . Los artistas europeos emigraron a América e hicieron escuela, y junto con la penetración generalizada de los misioneros católicos , muchos de los cuales eran artistas hábiles, crearon un Barroco multiforme a menudo influido por el gusto popular. Los artesanos criollos e indígenas hicieron mucho para dar a este Barroco características únicas. Los principales centros de cultivo del Barroco americano, que aún se mantienen en pie, son (en este orden) México , Perú , Brasil , Cuba , Ecuador , Colombia , Bolivia , Guatemala , Nicaragua , Puerto Rico y Panamá .
De particular interés es el llamado "Barroco misionero", desarrollado en el marco de las reducciones españolas en áreas que se extendían desde México y porciones sudoeste de los actuales Estados Unidos hasta el sur de Argentina y Chile, asentamientos indígenas organizados por misioneros católicos españoles con el fin de convertirlos a la fe cristiana y aculturarlos en la vida occidental, formando un barroco híbrido influido por la cultura nativa, donde florecieron criollos y muchos artesanos y músicos indígenas, incluso alfabetizados, algunos de gran capacidad y talento propio. Los relatos de los misioneros suelen repetir que el arte occidental, especialmente la música, tuvo un impacto hipnótico en los forestales, y las imágenes de los santos fueron consideradas como poseedoras de grandes poderes. Muchos nativos se convirtieron, y se creó una nueva forma de devoción, de intensidad apasionada, cargada de misticismo, superstición y teatralidad, que se deleitaba con misas festivas, conciertos sacros y misterios. [94] [95]
La arquitectura barroca colonial en la América española se caracteriza por una profusa decoración (portada de la Iglesia de la Profesa , Ciudad de México; fachadas cubiertas con azulejos poblanos , como en la Iglesia de San Francisco Acatepec en San Andrés Cholula e Iglesia Conventual de San Francisco, Puebla ), que se exacerbará en el llamado estilo churrigueresco (Fachada del Sagrario de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México , de Lorenzo Rodríguez; Iglesia de San Francisco Javier, Tepotzotlán ; Iglesia de Santa Prisca de Taxco ). En Perú, las construcciones desarrolladas mayoritariamente en las ciudades de Lima , Cusco , Arequipa y Trujillo , desde 1650 muestran características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de muros almohadillados y columnas salomónicas ( Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco ; Basílica y Convento de San Francisco, Lima ). [96] Otros países incluyen: la Catedral Metropolitana de Sucre en Bolivia; Catedral Basílica de Esquipulas en Guatemala; Catedral de Tegucigalpa en Honduras; Catedral de León en Nicaragua; la Iglesia de la Compañía de Jesús, Quito , Ecuador; la Iglesia de San Ignacio, Bogotá, Colombia; la Catedral de Caracas en Venezuela; el Cabildo de Buenos Aires en Argentina; la Iglesia de Santo Domingo en Santiago , Chile; y la Catedral de La Habana en Cuba. También cabe recordar la calidad de las iglesias de las Misiones Jesuíticas Españolas en Bolivia , Misiones Jesuíticas Españolas en Paraguay , las Misiones Jesuíticas Españolas en México y las Misiones Franciscanas Españolas en California . [97]
En Brasil , así como en la metrópoli de Portugal , la arquitectura tiene cierta influencia italiana , generalmente de tipo borrominesco , como se puede observar en la Concatedral de Recife (1784) y la Iglesia de Nossa Senhora da Glória do Outeiro en Río de Janeiro (1739). En la región de Minas Gerais , destacó la obra de Aleijadinho , autor de un grupo de iglesias que se destacan por su planimetría curva, fachadas con efectos dinámicos cóncavo-convexos y un tratamiento plástico de todos los elementos arquitectónicos ( Iglesia de São Francisco de Assis, Ouro Preto , 1765-1788).
En las colonias portuguesas de la India ( Goa , Damán y Diu ) floreció un estilo arquitectónico de formas barrocas mezcladas con elementos hindúes, como la Catedral Sé y la Basílica del Buen Jesús de Goa, que alberga la tumba de San Francisco Javier . El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1986.
En Filipinas , que fue colonia española durante más de tres siglos, se conservan numerosas construcciones barrocas . Cuatro de ellas, así como la ciudad barroca y neoclásica de Vigan, son Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO ; y aunque carecen de clasificación formal, la Ciudad Amurallada de Manila y la ciudad de Tayabas contienen una importante cantidad de arquitectura de la época del barroco español.
![Columnas retorcidas y barandillas del Palacio Mogoșoaia, Mogoșoaia, arquitecto desconocido, principios del siglo XVIII[101]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8d/Mogosoaia_Museum_(128813769).jpeg/1280px-Mogosoaia_Museum_(128813769).jpeg)
Como hemos visto, el barroco es un estilo occidental, nacido en Italia. A través de las relaciones comerciales y culturales de los italianos con países de la península balcánica , entre ellos Moldavia y Valaquia , llegan a Europa del Este influencias barrocas. Estas influencias no fueron muy fuertes, ya que suelen darse en la arquitectura y en los ornamentos esculpidos en piedra, y también se mezclan intensamente con detalles tomados del arte bizantino e islámico .
Antes y después de la caída del Imperio bizantino , todo el arte de Valaquia y Moldavia estuvo influenciado principalmente por el de Constantinopla . Hasta finales del siglo XVI, con pequeñas modificaciones, los planos de las iglesias y monasterios, los murales y los adornos tallados en piedra siguen siendo los mismos que antes. A partir de un período que comienza con los reinados de Matei Basarab (1632-1654) y Vasile Lupu (1634-1653), que coincidió con la popularización del barroco italiano, se añadieron nuevos adornos y cambió el estilo del mobiliario religioso. Esto no fue en absoluto casual. Los elementos y principios decorativos se trajeron de Italia, a través de Venecia , o de las regiones dálmatas , y fueron adoptados por arquitectos y artesanos de Oriente. Los marcos de ventanas y puertas, las pisanie con dedicatorias, las lápidas, las columnas y barandillas, y una parte del mobiliario de bronce, plata o madera, recibieron un papel más importante que el que tenían antes. También existían antes, inspirados en la tradición bizantina, pero adquirieron un aspecto más realista, mostrando delicados motivos florales. El relieve que existía antes también se volvió más acentuado, teniendo volumen y consistencia. Antes de este período, los relieves de Valaquia y Moldavia, como los de Oriente, tenían solo dos niveles, a poca distancia uno del otro, uno en la superficie y el otro en profundidad. Grandes flores, tal vez rosas , peonías o cardos , hojas gruesas, de acanto u otra planta similar, se retorcían en las columnas, o rodeaban puertas y ventanas. Un lugar donde el barroco tuvo una fuerte influencia fueron las columnas y las barandillas . Los capiteles estaban más decorados que antes con follaje. Las columnas tienen a menudo fustes retorcidos, una reinterpretación local de la columna salomónica . Entre estas columnas se colocan barandillas maximalistas , decoradas con rinceaux . Algunas de las del Palacio Mogoșoaia también están decoradas con delfines. Los cartuchos también se utilizan a veces, sobre todo en lápidas, como en la de Constantin Brâncoveanu . Este movimiento se conoce como el estilo Brâncovenesc , en honor a Constantin Brâncoveanu , un gobernante de Valaquia cuyo reinado (1654-1714) está muy asociado con este tipo de arquitectura y diseño. El estilo también está presente durante el siglo XVIII y en parte del XIX. Muchas de las iglesias y residencias erigidas por boyardos y voivodasDe estos períodos, el estilo brancovenesc es claramente visible. Aunque se pueden ver claramente influencias barrocas, el estilo brancovenesc se inspira mucho más en la tradición local.
A medida que transcurría el siglo XVIII, con los reinados de los fanariotas (miembros de importantes familias griegas de Fanar , Estambul) en Valaquia y Moldavia, las influencias barrocas llegaron también desde Estambul. Llegaron antes también, durante el siglo XVII, pero con los fanariotas, más motivos barrocos occidentales que llegaron al Imperio Otomano tuvieron su destino final en la actual Rumanía. En Moldavia, los elementos barrocos también provienen de Rusia, donde la influencia del arte italiano fue fuerte. [102]
![El triunfo de Baco; de Michaelina Wautier; antes de 1659; óleo sobre lienzo; 270 x 354 cm; Kunsthistorisches Museum[110]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Michaelina_wautier-triunfo_de_baco.JPG/1280px-Michaelina_wautier-triunfo_de_baco.JPG)
Los pintores barrocos trabajaron deliberadamente para diferenciarse de los pintores del Renacimiento y del período manierista posterior. En su paleta, utilizaron colores intensos y cálidos, y en particular hicieron uso de los colores primarios rojo, azul y amarillo, a menudo colocando los tres muy cerca. [112] Evitaron la iluminación uniforme de la pintura renacentista y utilizaron fuertes contrastes de luz y oscuridad en ciertas partes del cuadro para dirigir la atención a las acciones o figuras centrales. En su composición, evitaron las escenas tranquilas de las pinturas renacentistas y eligieron los momentos de mayor movimiento y dramatismo. A diferencia de los rostros tranquilos de las pinturas renacentistas, los rostros de las pinturas barrocas expresaban claramente sus emociones. A menudo utilizaron la asimetría, con la acción ocurriendo lejos del centro del cuadro, y crearon ejes que no eran ni verticales ni horizontales, sino inclinados hacia la izquierda o la derecha, dando una sensación de inestabilidad y movimiento. Realzaron esta impresión de movimiento haciendo que los trajes de los personajes fueran soplados por el viento o movidos por sus propios gestos. Las impresiones generales eran movimiento, emoción y dramatismo. [113] Otro elemento esencial de la pintura barroca era la alegoría; cada pintura contaba una historia y tenía un mensaje, a menudo cifrado en símbolos y personajes alegóricos, que se esperaba que un espectador culto conociera y leyera. [114]
Las primeras evidencias de las ideas barrocas italianas en la pintura se dieron en Bolonia, donde Annibale Carracci , Agostino Carracci y Ludovico Carracci intentaron devolver las artes visuales al clasicismo ordenado del Renacimiento. Sin embargo, su arte también incorporó ideas centrales de la Contrarreforma; estas incluían emociones intensas e imágenes religiosas que apelaban más al corazón que al intelecto. [115]
Otro pintor influyente de la época barroca fue Michelangelo Merisi da Caravaggio . Su aproximación realista a la figura humana, pintada directamente del natural y dramáticamente iluminada contra un fondo oscuro, impactó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Otros pintores importantes asociados estrechamente con el estilo barroco incluyen Artemisia Gentileschi , Elisabetta Sirani , Giovanna Garzoni , Guido Reni , Domenichino , Andrea Pozzo y Paolo de Matteis en Italia; Francisco de Zurbarán , Bartolomé Esteban Murillo y Diego Velázquez en España; Adam Elsheimer en Alemania; y Nicolas Poussin y Georges de La Tour en Francia (aunque Poussin pasó la mayor parte de su vida laboral en Italia). Poussin y de La Tour adoptaron un estilo barroco "clásico" con menos enfoque en la emoción y mayor atención a la línea de las figuras en la pintura que al color.
Peter Paul Rubens fue el pintor más importante del estilo barroco flamenco . Las composiciones de Rubens, muy cargadas de energía, hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco único e inmensamente popular enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad, siguiendo el estilo artístico inmediato y dramático promovido en la Contrarreforma . Rubens se especializó en la realización de retablos, retratos, paisajes y pinturas históricas de temas mitológicos y alegóricos.
Un dominio importante de la pintura barroca fue la Quadratura , o pinturas en trampantojo , que literalmente "engañaban a la vista". Estas pinturas se pintaban generalmente sobre el estuco de los techos o las paredes superiores y las balaustradas, y daban la impresión a quienes miraban hacia arriba desde el suelo de que estaban viendo el cielo poblado de multitudes de ángeles, santos y otras figuras celestiales, en contraste con cielos pintados y arquitectura imaginaria. [47]
En Italia, los artistas colaboraban a menudo con los arquitectos en la decoración de interiores; Pietro da Cortona fue uno de los pintores del siglo XVII que emplearon esta forma ilusionista de pintar. Entre sus encargos más importantes se encuentran los frescos que pintó para el Palacio Barberini (1633-1639), para glorificar el reinado del papa Urbano VIII . Las composiciones de Pietro da Cortona fueron los frescos decorativos más grandes ejecutados en Roma desde la obra de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina . [116]
François Boucher fue una figura importante del estilo rococó francés más delicado, que apareció durante el período barroco tardío. Diseñó tapices, alfombras y decoración teatral, además de pinturas. Su trabajo fue extremadamente popular entre Madame de Pompadour , la amante del rey Luis XV . Sus pinturas presentaban temas mitológicos, románticos y ligeramente eróticos. [117]
En la América hispánica las primeras influencias fueron del tenebrismo sevillano , principalmente de Zurbarán —algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú— como se aprecia en la obra de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y del boliviano Melchor Pérez de Holguín. La Escuela cusqueña de pintura surgió tras la llegada en 1583 del pintor italiano Bernardo Bitti , quien introdujo el manierismo en América. Destacó la obra de Luis de Riaño , discípulo del italiano Angelino Medoro , autor de los murales de la Iglesia de San Pedro, Andahuaylillas. También destacaron los pintores indígenas ( quechuas ) Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Pumacallao , así como Marcos Zapata , autor de los cincuenta lienzos de gran tamaño que cubren los altos arcos de la Catedral del Cusco . En Ecuador se formó la Escuela Quiteña , representada principalmente por el mestizo Miguel de Santiago y el criollo Nicolás Javier de Goríbar.
En el siglo XVIII los retablos escultóricos comenzaron a ser sustituidos por pinturas, desarrollándose notablemente la pintura barroca en América. De igual modo, creció la demanda de obras civiles, principalmente retratos de las clases aristocráticas y la jerarquía eclesiástica. La influencia principal fue la murillesca , y en algunos casos —como en el criollo Cristóbal de Villalpando— la de Juan de Valdés Leal . La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas dulces y suaves. Entre sus defensores se encuentran Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos en Colombia, y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.
La figura dominante en la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini . Bajo el patrocinio del papa Urbano VIII , realizó una notable serie de estatuas monumentales de santos y figuras cuyos rostros y gestos expresaban vívidamente sus emociones, así como bustos de excepcional realismo y obras altamente decorativas para el Vaticano, como la imponente Cátedra de San Pedro debajo de la cúpula de la Basílica de San Pedro . Además, diseñó fuentes con grupos monumentales de esculturas para decorar las principales plazas de Roma. [120]
La escultura barroca se inspiró en la estatuaria romana antigua, en particular en la famosa estatua del siglo I d. C. de Laocoonte y sus hijos , que fue desenterrada en 1506 y exhibida en la galería del Vaticano. Cuando visitó París en 1665, Bernini se dirigió a los estudiantes de la academia de pintura y escultura. Aconsejó a los estudiantes que trabajaran a partir de modelos clásicos, en lugar de hacerlo a partir de la naturaleza. Les dijo a los estudiantes: "Cuando tuve problemas con mi primera estatua, consulté a Antinoo como si fuera un oráculo". [121] Esa estatua de Antinoo se conoce hoy como el Hermes del Museo Pio-Clementino .
Entre los escultores franceses del Barroco tardío más destacados se encuentran Étienne Maurice Falconet y Jean Baptiste Pigalle . Federico el Grande encargó a Pigalle que hiciera estatuas para la versión que él mismo hizo de Versalles en Sanssouci , Potsdam (Alemania). Falconet también recibió un importante encargo extranjero: creó la famosa estatua del Jinete de bronce de Pedro el Grande , que se encuentra en San Petersburgo .
En España, el escultor Francisco Salzillo trabajó exclusivamente temas religiosos, utilizando madera policromada. Algunas de las mejores muestras de artesanía escultórica barroca se encuentran en los altares de estuco dorado de las iglesias de las colonias españolas del Nuevo Mundo, realizados por artesanos locales; ejemplos como la Capilla del Rosario, Puebla, (México), 1724-1731.
![Gabinete con cariátides; c.1675; ébano, palo rosa, marquetería de piedras duras, bronce dorado, peltre, vidrio, espejo tintado y cuerno; dimensiones desconocidas; Musée des Arts décoratifs, Estrasburgo, Francia[123]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3b/Antichambre_du_prince-%C3%A9v%C3%AAque_(Palais_Rohan,_Strasbourg)_cabinet.JPG/1280px-Antichambre_du_prince-%C3%A9v%C3%AAque_(Palais_Rohan,_Strasbourg)_cabinet.JPG)
Los principales motivos utilizados son: cuernos de la abundancia , festones , angelitos , cabezas de león sosteniendo un anillo de metal en sus bocas, rostros femeninos rodeados de guirnaldas, cartelas ovaladas , hojas de acanto , columnas clásicas , cariátides , frontones y otros elementos de la arquitectura clásica esculpidos en algunas partes de piezas de mobiliario, [128] cestas con frutas o flores, conchas, armaduras y trofeos, cabezas de Apolo o Baco , y volutas en forma de C. [129]
Durante el primer período del reinado de Luis XIV, los muebles seguían el estilo Luis XIII anterior , y eran macizos y profusamente decorados con esculturas y dorados. Después de 1680, gracias en gran parte al diseñador de muebles André-Charles Boulle , apareció un estilo más original y delicado, a veces conocido como obra Boulle . Se basaba en la marquetería de ébano y otras maderas raras, una técnica utilizada por primera vez en Florencia en el siglo XV, que fue refinada y desarrollada por Boulle y otros que trabajaban para Luis XIV. Los muebles estaban incrustados con placas de ébano, cobre y maderas exóticas de diferentes colores. [130]
Aparecieron nuevos y a menudo duraderos tipos de muebles; la cómoda , con dos o cuatro cajones, reemplazó al antiguo cofre o arcón. Apareció el canapé o sofá, en forma de una combinación de dos o tres sillones. Aparecieron nuevos tipos de sillones, incluido el fauteuil en faithionale o "sillón confesional", que tenía cojines acolchados a cada lado del respaldo de la silla. También hizo su primera aparición la mesa consola; estaba diseñada para colocarse contra una pared. Otro nuevo tipo de mobiliario fue la table à gibier , una mesa con cubierta de mármol para colocar platos. Aparecieron las primeras variedades del escritorio; el escritorio Mazarin tenía una sección central retrasada, colocada entre dos columnas de cajones, con cuatro pies en cada columna. [130]
El término barroco también se utiliza para designar el estilo de música compuesta durante un período que se superpone con el del arte barroco. Los primeros usos del término "barroco" para la música fueron críticas. En una reseña anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Jean-Philippe Rameau , impresa en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico insinuó que la novedad de esta ópera era "du barocque", quejándose de que la música carecía de melodía coherente, estaba llena de disonancias incesantes, cambiaba constantemente de tonalidad y métrica y pasaba rápidamente por todos los recursos compositivos. [131] Jean-Jacques Rousseau , músico y compositor destacado además de filósofo, hizo una observación muy similar en 1768 en la famosa Enciclopedia de Denis Diderot : "La música barroca es aquella en la que la armonía es confusa y está cargada de modulaciones y disonancias. El canto es áspero y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra 'baroco' utilizada por los lógicos". [15]
El uso común del término para la música de la época comenzó recién en 1919, por Curt Sachs , [132] y no fue hasta 1940 que se utilizó por primera vez en inglés en un artículo publicado por Manfred Bukofzer . [131]
El barroco fue un período de experimentación e innovación musical que explica la cantidad de ornamentos e improvisaciones interpretadas por los músicos. Se inventaron nuevas formas, incluido el concierto y la sinfonía . La ópera nació en Italia a fines del siglo XVI (con la Dafne de Jacopo Peri , casi perdida , producida en Florencia en 1598) y pronto se extendió por el resto de Europa: Luis XIV creó la primera Real Academia de Música . En 1669, el poeta Pierre Perrin abrió una academia de ópera en París, el primer teatro de ópera en Francia abierto al público, y estrenó Pomone , la primera gran ópera en francés, con música de Robert Cambert , con cinco actos, elaborada maquinaria escénica y un ballet. [133] Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII.
Durante este período se introdujeron varios instrumentos nuevos, incluido el piano . La invención del piano se atribuye a Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padua , Italia, quien fue empleado por Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana , como Guardián de los Instrumentos. [134] [135] Cristofori denominó al instrumento un cimbalo di cipresso di piano e forte ("un teclado de ciprés con notas suaves y fuertes"), abreviado con el tiempo como pianoforte , fortepiano y, más tarde, simplemente, piano. [136]
El ballet clásico también se originó en la era barroca. El estilo de la danza de la corte fue traído a Francia por María de Médici , y al principio los propios miembros de la corte eran los bailarines. El propio Luis XIV actuó en público en varios ballets. En marzo de 1662, el rey fundó la Académie Royale de Danse . Fue la primera escuela y compañía de danza profesional, y estableció los estándares y el vocabulario del ballet en toda Europa durante ese período. [133]
Heinrich Wölfflin fue el primero en transferir el término barroco a la literatura. [137] Los conceptos clave de la teoría literaria barroca, como " concepto " ( concetto ), " ingenio " ( acutezza , ingegno ) y " maravilla " ( meraviglia ), no fueron desarrollados completamente en la teoría literaria hasta la publicación de Il Cannocchiale aristotelico (El telescopio aristotélico) de Emanuele Tesauro en 1654. Este tratado seminal -inspirado en la epopeya Adone de Giambattista Marino y en la obra del filósofo jesuita español Baltasar Gracián- desarrolló una teoría de la metáfora como lenguaje universal de imágenes y como acto intelectual supremo, a la vez un artificio y un modo epistemológicamente privilegiado de acceso a la verdad. [138]
El período barroco fue una época dorada para el teatro en Francia y España; entre los dramaturgos se encontraban Corneille , Racine y Molière en Francia; y Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca en España.
Durante el período barroco, el arte y el estilo del teatro evolucionaron rápidamente, junto con el desarrollo de la ópera y el ballet. El diseño de teatros más nuevos y más grandes, la invención del uso de maquinaria más elaborada, el uso más amplio del arco de proscenio , que enmarcaba el escenario y ocultaba la maquinaria al público, fomentaron más efectos escénicos y espectáculos. [139]
El Barroco tuvo en España un carácter católico y conservador, siguiendo un modelo literario italiano durante el Renacimiento. [140] El teatro barroco hispánico pretendía un contenido público con una realidad ideal que manifestara tres sentimientos fundamentales: la religión católica, el orgullo y el honor monárquico y nacional provenientes del mundo caballeresco. [141]
En el teatro barroco español se conocen dos periodos , produciéndose la división en 1630. El primer periodo está representado principalmente por Lope de Vega , pero también por Tirso de Molina , Gaspar Aguilar , Guillén de Castro , Antonio Mira de Amescua , Luis Vélez de Guevara , Juan Ruiz de Alarcón , Diego Jiménez de Enciso , Luis Belmonte Bermúdez , Felipe Godínez , Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán . El segundo período está representado por Pedro Calderón de la Barca y sus compañeros dramaturgos Antonio Hurtado de Mendoza , Álvaro Cubillo de Aragón , Jerónimo de Cáncer , Francisco de Rojas Zorrilla , Juan de Matos Fragoso , Antonio Coello y Ochoa , Agustín Moreto y Francisco Bances Candamo. . [142] Estas clasificaciones son imprecisas porque cada autor tenía su manera y en ocasiones podía adherirse a la fórmula establecida por Lope. Incluso puede ser que el “estilo” de Lope fuera más liberal y estructurado que el de Calderón. [143]
Lope de Vega introdujo a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la comedia nueva . Estableció una nueva fórmula dramática que rompió las tres unidades aristotélicas de la escuela poética italiana (acción, tiempo y lugar) y una cuarta unidad aristotélica que es la del estilo, mezclando elementos trágicos y cómicos mostrando diferentes tipos de versos y estrofas sobre lo representado. [144] Aunque Lope tenía un gran conocimiento de las artes plásticas, no las utilizó durante la mayor parte de su carrera ni en el teatro ni en la escenografía. La comedia de Lope otorgó un segundo papel a los aspectos visuales de la representación teatral. [145]
Tirso de Molina, Lope de Vega y Calderón fueron los dramaturgos más importantes de la España del Siglo de Oro. Sus obras, conocidas por su sutil inteligencia y profunda comprensión de la humanidad de una persona, podrían considerarse un puente entre la comedia primitiva de Lope y la comedia más elaborada de Calderón. Tirso de Molina es más conocido por dos obras, Las sospechas del condenado y El burlador de Sevilla , una de las primeras versiones del mito de Don Juan . [146]
A su llegada a Madrid, Cosimo Lotti trajo a la corte española las técnicas teatrales más avanzadas de Europa. Sus técnicas y conocimientos mecánicos se aplicaron en las exhibiciones palaciegas llamadas "Fiestas" y en las fastuosas exhibiciones de ríos o fuentes artificiales llamadas " Naumaquias ". Fue el encargado de diseñar los jardines del Buen Retiro , de la Zarzuela y de Aranjuez y de construir el edificio teatral del Coliseo del Buen Retiro. [147] Las fórmulas de Lope comienzan con un verso que no cuadra con la fundación del teatro de palacio y el nacimiento de nuevos conceptos que iniciaron la carrera de algunos dramaturgos como Calderón de la Barca. Marcando las principales innovaciones de la Nueva Comedia Lopesiana, el estilo de Calderón marcó muchas diferencias, con mucho cuidado constructivo y atención a su estructura interna. La obra de Calderón es de perfección formal y de un lenguaje muy lírico y simbólico. La libertad, vitalidad y apertura de Lope dieron paso a la reflexión intelectual y precisión formal de Calderón. En su comedia se reflejaron sus intenciones ideológicas y doctrinales por encima de la pasión y la acción, la obra de los Autos sacramentales alcanzó altos rangos. [148] El género de la Comedia es político, multiartístico y en cierto sentido híbrido. El texto poético se entreteje con medias y recursos provenientes de la arquitectura, la música y la pintura liberando el engaño que en la comedia lopesiana se compensaba con la falta de escenografía y comprometiendo el diálogo de la acción. [149]
El dramaturgo alemán más conocido fue Andreas Gryphius , que utilizó el modelo jesuita de los holandeses Joost van den Vondel y Pierre Corneille . También estuvo Johannes Velten, que combinó las tradiciones de los comediantes ingleses y la commedia dell'arte con el teatro clásico de Corneille y Molière . Su compañía de gira fue quizás la más significativa e importante del siglo XVII.
El trágico barroco italiano más destacado fue Federico Della Valle . Su actividad literaria se resume en las cuatro obras que escribió para el teatro cortesano: la tragicomedia Adelonda di Frigia (1595) y, sobre todo, sus tres tragedias, Judith (1627), Esther (1627) y La reina di Scotia (1628). Della Valle tuvo muchos imitadores y seguidores que combinaron en sus obras el gusto barroco y los fines didácticos de los jesuitas ( Francesco Sforza Pallavicino , Girolamo Graziani , etc.)
En el zarismo ruso , el desarrollo de la versión rusa del barroco tomó forma recién en la segunda mitad del siglo XVII, debido principalmente a la iniciativa del zar Alexis de Rusia , quien quería abrir un teatro de la corte en 1672. Su director y dramaturgo fue Johann Gottfried Gregorii, un pastor luterano ruso-alemán, quien escribió, en particular, una obra de diez horas La acción de Artajerjes . La dramaturgia de Simeón de Pólatsk y Demetrio de Rostov se convirtió en una contribución clave al barroco ruso. [150]
Siguiendo la evolución marcada desde España, a finales del siglo XVI, las compañías de comediantes, esencialmente trashumantes, comenzaron a profesionalizarse. Con la profesionalización llegaron la reglamentación y la censura: como en Europa, el teatro osciló entre la tolerancia e incluso la protección gubernamental y el rechazo (con excepciones) o la persecución por parte de la Iglesia. El teatro fue útil a las autoridades como instrumento para difundir los comportamientos y modelos deseados, el respeto al orden social y a la monarquía, la escuela del dogma religioso. [151]
Los corrales eran administrados en beneficio de los hospitales que compartían los beneficios de las representaciones. Las compañías ambulantes (o "de la legua "), que llevaban el teatro en improvisados escenarios al aire libre por las regiones que no contaban con locales fijos, requerían de una licencia virreinal para funcionar, cuyo precio o pinción se destinaba a limosnas y obras piadosas. [151] Para las compañías que funcionaban de manera estable en las capitales y ciudades importantes, una de sus principales fuentes de ingresos era la participación en las festividades del Corpus Christi , que les proporcionaba no sólo beneficios económicos, sino también reconocimiento y prestigio social. Las representaciones en el palacio virreinal y las mansiones de la aristocracia, donde representaban tanto las comedias de su repertorio como producciones especiales con grandes efectos de iluminación, escenografía y escenario, eran también una importante fuente de trabajo bien pagado y prestigioso. [151]
Nacido en el Virreinato de Nueva España [152] pero posteriormente establecido en España, Juan Ruiz de Alarcón es la figura más destacada del teatro barroco novohispano. A pesar de su acomodación a la nueva comedia de Lope de Vega, se han señalado su «marcado laicismo», su discreción y mesura, y una aguda capacidad de «penetración psicológica» como rasgos distintivos de Alarcón frente a sus contemporáneos españoles. Destaca entre sus obras La verdad sospechosa , una comedia de personajes que reflejaba su constante propósito moralizador. [151] La producción dramática de sor Juana Inés de la Cruz la sitúa como la segunda figura del teatro barroco hispanoamericano. Cabe mencionar entre sus obras el auto sacramental El divino Narciso y la comedia Los empeños de una casa .
![Jardines del Palacio Het Loo, Países Bajos, arquitecto desconocido, 1689[155]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/28/Het_Loo_Hauptachse.JPG/1280px-Het_Loo_Hauptachse.JPG)
El jardín barroco, también conocido como jardin à la française o jardín formal francés , apareció por primera vez en Roma en el siglo XVI, y luego, de manera más famosa, en Francia en el siglo XVII en los jardines de Vaux le Vicomte y el Palacio de Versalles . Los jardines barrocos fueron construidos por reyes y príncipes en Alemania, los Países Bajos, Austria, España, Polonia, Italia y Rusia hasta mediados del siglo XVIII, cuando comenzaron a ser remodelados por el jardín paisajístico inglés más natural .
El propósito del jardín barroco era ilustrar el poder del hombre sobre la naturaleza y la gloria de su constructor. Los jardines barrocos se diseñaban siguiendo patrones geométricos, como las habitaciones de una casa. Por lo general, se veían mejor desde el exterior y mirando hacia abajo, ya sea desde un castillo o una terraza. Los elementos de un jardín barroco incluían parterres de flores o setos bajos recortados en diseños barrocos ornamentados, y carriles rectos y callejones de grava que dividían y entrecruzaban el jardín. Se colocaron terrazas, rampas, escaleras y cascadas donde había diferencias de elevación y proporcionaban puntos de observación. Los estanques o cuencas de agua circulares o rectangulares eran el escenario de las fuentes y las estatuas. Los bosquetes o arboledas cuidadosamente podadas o líneas de árboles idénticos daban la apariencia de paredes de vegetación y eran telones de fondo para las estatuas. En los bordes, los jardines generalmente tenían pabellones, naranjales y otras estructuras donde los visitantes podían refugiarse del sol o la lluvia. [157]
Los jardines barrocos requerían una enorme cantidad de jardineros, una poda continua y abundante agua. En la última parte del período barroco, los elementos formales comenzaron a ser reemplazados por características más naturales, incluidos caminos sinuosos, arboledas de árboles variados que se dejaban crecer sin podar; arquitectura rústica y estructuras pintorescas, como templos romanos o pagodas chinas, así como "jardines secretos" en los bordes del jardín principal, llenos de vegetación, donde los visitantes podían leer o tener conversaciones tranquilas. A mediados del siglo XVIII, la mayoría de los jardines barrocos se transformaron parcial o totalmente en variaciones del jardín paisajístico inglés . [157]
Además de Versalles y Vaux-le-Vicomte, los jardines barrocos famosos que aún conservan gran parte de su apariencia original incluyen el Palacio Real de Caserta, cerca de Nápoles; el Palacio de Nymphenburg y los Palacios Augustusburg y Falkenlust, Brühl en Alemania; el Palacio Het Loo , Países Bajos; el Palacio Belvedere en Viena ; el Palacio Real de La Granja de San Ildefonso , España; y el Palacio Peterhof en San Petersburgo, Rusia. [157]
Las ciudades europeas de los siglos XVI al XIX fueron testigos de un gran cambio en los principios de diseño y planificación urbana que reconfiguraron los paisajes y el entorno construido. Roma, París y otras ciudades importantes se transformaron para dar cabida a poblaciones en crecimiento mediante mejoras en la vivienda, el transporte y los servicios públicos. Durante todo este tiempo, el estilo barroco estaba en pleno apogeo y las influencias de estilos arquitectónicos elaborados, dramáticos y artísticos se extendieron al tejido urbano a través de lo que se conoce como planificación urbana barroca. La experiencia de vivir y caminar por las ciudades tiene como objetivo complementar las emociones del estilo barroco. Este estilo de planificación a menudo incluía exhibir la riqueza y la fuerza de los poderes gobernantes, y los edificios importantes servían como centro visual y simbólico de las ciudades. [158]
La replanificación de la ciudad de Roma bajo el gobierno del Papa Sixto V revivió y amplió la ciudad en el siglo XVI. Se añadieron muchas plazas y piazzas grandiosas como espacios públicos para contribuir al efecto dramático del estilo barroco. Las plazas presentaban fuentes y otros elementos decorativos para encarnar las emociones de la época. Un factor importante en la planificación de estilo barroco fue conectar iglesias, estructuras gubernamentales y plazas en una red refinada de ejes. Esto permitió que los puntos de referencia importantes de la Iglesia Católica se convirtieran en los puntos focales de la ciudad. [159]
Como otro ejemplo de planificación urbana barroca, París necesitaba desesperadamente un renacimiento urbano en el siglo XIX. La ciudad experimentó un cambio dramático dentro de su tejido urbano con la ayuda del barón Haussmann . Bajo el gobierno de Napoleón III , Haussmann fue designado para reconstruir París agregando una nueva red de calles, parques, trenes y servicios públicos. Algunas de las características del diseño de Haussmann incluyen bulevares rectos y anchos bordeados de árboles y un acceso corto a parques y espacios verdes. [160] El plan destaca algunos edificios importantes, como la Ópera de París .
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En Barcelona se reflejan más características del urbanismo barroco. El distrito del Eixample , diseñado por Ildefons Cerdà , presenta amplias avenidas en un sistema de cuadrícula con algunos bulevares diagonales. Las intersecciones son únicas con bloques octogonales , que proporcionan a las calles una gran visibilidad y luz. [161] Muchas obras de este distrito provienen del arquitecto Antoni Gaudí , que muestra un estilo único. Centrado en el diseño del distrito del Eixample se encuentra la Sagrada Familia de Gaudí, que plantea un gran significado para la ciudad.
![Sala Vieux-Laque, Palacio de Schönbrunn, Viena, Austria, decorada con paneles de laca negra china, por Nikolaus Pacassi, 1743-1763[164]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5f/Vienna_(124619801).jpeg/1280px-Vienna_(124619801).jpeg)
The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.
There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.
One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th century aristocrats had for East Asia. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.
The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.[168]
The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.[citation needed]
Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795–1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.[176]
This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830–1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852–1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.[177]
Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.
The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848–1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.[178]
The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volues on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like the one of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.[179]
Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.
At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.
![St. Peter's Basilica, Rome, by Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno and others, completed in 1615[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b5/Via_della_Conciliazione_at_dawn.JPG/1280px-Via_della_Conciliazione_at_dawn.JPG)
![Dolphin Hotel, Orlando, Florida, US, with urn tops that are reminiscent of urns that decorate corners, tops and roof railings of buildings and furniture from the reign of Louis XIV, by Michael Graves, 1989[182]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Downtown_Disney_05.JPG/1280px-Downtown_Disney_05.JPG)
![Herengracht no. 120, Amsterdam, unknown architect, c.1625[185]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/46/WLM2011_-_Amsterdam_-_Herengracht_120.JPG/1280px-WLM2011_-_Amsterdam_-_Herengracht_120.JPG)
Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past. Specific references to Baroque are rare, since Postmodernism often included highly simplified elements that were 'quotations' of Classicism in general, like pediments or columns.
More references to Baroque are found in Versace ceramic ware and fashion, decorated with maximalist acanthus rinceaux, very similar to the ones found in Italian Baroque ornament plates and in Boulle work, but also similar to the ones found on Empire objects, especially textiles, from the reign of Napoleon I.
empr. au port. barroco « rocher granitique » et « perle irrégulière », attesté dep. le xiiie s. sous la forme barroca (Inquisitiones, p. 99, Portugaliae Monumenta Historica, 1856 sqq. dans Mach.), d'orig. obsc., prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très répandu sur le territoire ibérique
But Klein suggests the name may be from Italian painter Federico Barocci (1528–1612), whose work influenced the style.
However, the writings of theologians can go only so far towards explaining the evolution of confessional consciousness and the shaping of religious identity. Lutheran attachment to religious images was a result not only of Luther's own cautious endorsement of their use, but also of the particular religious and political context in which his Reformation unfolded. After the reformer's death in 1546, the image question was fiercely contested once again. But as Calvinism, with its iconoclastic tendencies, spread, Germany's Lutherans responded by reaffirming their commitment to the proper use of religious images. In 1615, Berlin's Lutheran citizens even rioted when their Calvinist rulers removed images from the city's Cathedral.
![Basílica de San Pedro, Roma, de Donato Bramante, Miguel Ángel, Carlo Maderno y otros, terminada en 1615[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6a/Basilique_Saint_Pierre_-_Vatican_(VA)_-_2021-08-25_-_4.jpg/1280px-Basilique_Saint_Pierre_-_Vatican_(VA)_-_2021-08-25_-_4.jpg)
![Santa Maria della Salute, Venecia, por Baldassare Longhena, 1631-1687[28]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e9/Santa_Maria_della_Salute_from_Hotel_Monaco.jpg/1280px-Santa_Maria_della_Salute_from_Hotel_Monaco.jpg)
![Fontana dei Quattro Fiumi, Roma, por Gian Lorenzo Bernini, 1648-1651[29]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a5/Obelisco_Fontana_dei_Fiumi_Piazza_Navona_Roma.jpg/1280px-Obelisco_Fontana_dei_Fiumi_Piazza_Navona_Roma.jpg)
![Plaza de San Pedro, Roma, por Gian Lorenzo Bernini, 1656-1667[27]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d6/St_Peter's_Square,_Vatican_City_-_April_2007.jpg/1280px-St_Peter's_Square,_Vatican_City_-_April_2007.jpg)
![Santa Maria della Pace, Roma, por Pietro da Cortona, 1656-1667[30]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/09/%C3%89glise_Santa_Maria_Pace_-_Rome_(IT62)_-_2021-08-28_-_3.jpg/1280px-%C3%89glise_Santa_Maria_Pace_-_Rome_(IT62)_-_2021-08-28_-_3.jpg)
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![Palacio Real de Madrid, de Jean Bautista Sachetti, 1735-1764[36]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/fd/Palacio_Real_de_Madrid_-_13.jpg/1280px-Palacio_Real_de_Madrid_-_13.jpg)
![Fachada de la Catedral de Santiago de Compostela, España, por Fernando de Casas Novoa, 1738[37]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a3/Catedral_de_Santiago_de_Compostela_agosto_2018_(cropped).jpg/1280px-Catedral_de_Santiago_de_Compostela_agosto_2018_(cropped).jpg)
![Palacio de Wilanów, Varsovia, Polonia, arquitecto desconocido, 1677-1679[41]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7b/281012_Detail_of_the_Wilan%C3%B3w_Palace_-_19.jpg/1280px-281012_Detail_of_the_Wilan%C3%B3w_Palace_-_19.jpg)
![Columna de la peste, Viena, Austria, por Matthias Rauchmiller y Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1682 y 1694[42]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8c/Wien_Graben_Pests%C3%A4ule_Ostseite.jpg/1280px-Wien_Graben_Pests%C3%A4ule_Ostseite.jpg)
![Iglesia de San Nicolás, Praga, República Checa, por Christoph Dientzenhofer, 1703-1711[43]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4a/St._Nikolaus_auf_der_Kleinseite_Innenraum_1.jpg/1280px-St._Nikolaus_auf_der_Kleinseite_Innenraum_1.jpg)
![Exterior de la Karlskirche de Viena, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737[44]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/81/Karlskirche_Wien_September_2016.jpg/1280px-Karlskirche_Wien_September_2016.jpg)
![Interior de la Karlskirche, por Johann Bernhard Fischer von Erlach, 1715-1737[44]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4c/Iglesia_de_San_Carlos_Borromeo,_Viena,_Austria,_2020-01-31,_DD_49-51_HDR.jpg/1280px-Iglesia_de_San_Carlos_Borromeo,_Viena,_Austria,_2020-01-31,_DD_49-51_HDR.jpg)
![Alto Belvedere, Viena, por Johann Lukas von Hildebrandt, 1717-1723[45]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d4/Palacio_Belvedere,_Viena,_Austria,_2020-02-01,_DD_87-89_HDR.jpg/1280px-Palacio_Belvedere,_Viena,_Austria,_2020-02-01,_DD_87-89_HDR.jpg)
![Palacio de Rogalin, Rogalin, Polonia, arquitecto desconocido, 1768-1774[46]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/db/Pa%C5%82ac_w_Rogalinie_od_strony_ogrodu_02.jpg/1280px-Pa%C5%82ac_w_Rogalinie_od_strony_ogrodu_02.jpg)
![Castillo de Maisons, Francia, por François Mansart, 1630-1651[54]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/52/Ch%C3%A2teau_de_Maisons-Laffitte_001.jpg/1280px-Ch%C3%A2teau_de_Maisons-Laffitte_001.jpg)
![Galerie d'Apollon, Palacio del Louvre, París, por Louis Le Vau y Charles Le Brun, después de 1661[55]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4a/Galerie_d'Apollon_du_Louvre_d%C3%A9serte_1.jpg/1280px-Galerie_d'Apollon_du_Louvre_d%C3%A9serte_1.jpg)
![Fachada oriental del Palacio del Louvre, París, obra de Claude Perrault y Louis Le Vau, 1665-1680[56]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Louvre-facade-est.jpg/1280px-Louvre-facade-est.jpg)
![Capilla del Palacio de Versalles, Versalles, Francia, 1696-1710[57]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/37/Versailles_Chapel_-_July_2006_edit.jpg/1280px-Versailles_Chapel_-_July_2006_edit.jpg)
![Porte Saint-Denis, París, por François Blondel, 1672[58]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b4/Porte_Saint-Denis_01.jpg/1280px-Porte_Saint-Denis_01.jpg)
![Dôme des Invalides, París, por Jules Hardouin-Mansart, 1677-1706[59]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4e/Cath%C3%A9drale_Saint-Louis-des-Invalides,_140309_2.jpg/1280px-Cath%C3%A9drale_Saint-Louis-des-Invalides,_140309_2.jpg)
![Salón de los Espejos del Palacio de Versalles, 1678-1684[60]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f1/Chateau_Versailles_Galerie_des_Glaces.jpg/1280px-Chateau_Versailles_Galerie_des_Glaces.jpg)
![Fachada del jardín del Palacio de Versalles, obra de Jules Hardouin-Mansart, 1678-1688[61]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/76/Palace_of_Versailles_June_2010.jpg/1280px-Palace_of_Versailles_June_2010.jpg)
![Patio de mármol del Palacio de Versalles, 1680[62]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e8/Cour_de_Marbre_du_Ch%C3%A2teau_de_Versailles_October_5,_2011.jpg/1280px-Cour_de_Marbre_du_Ch%C3%A2teau_de_Versailles_October_5,_2011.jpg)
![Place Vendôme, París, por Jules Hardouin-Mansart, 1699-1706[63]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7a/Place_Vendome,_Paris_20_April_2011.jpg/1280px-Place_Vendome,_Paris_20_April_2011.jpg)
![Hôtel de Rothelin-Charolais, París, por Pierre Cailleteau, 1700-1704[64]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/59/H%C3%B4tel_de_Rothelin_-_fa%C3%A7ade_cour.jpg/1280px-H%C3%B4tel_de_Rothelin_-_fa%C3%A7ade_cour.jpg)
![Palacio de Mafra, Mafra, Portugal, por João Frederico Ludovice, 1717-1755[70]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4b/Mafra_(27595630149)_(cropped).jpg/1280px-Mafra_(27595630149)_(cropped).jpg)
![Azulejo en los claustros del Monasterio de São Vicente de Fora, Lisboa, Portugal, con una escena basada en un grabado de Jean Le Pautre, arquitecto o artesano desconocido, 1730-1735[71]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Patriarcato_di_Lisbona_(3093346552).jpg/1280px-Patriarcato_di_Lisbona_(3093346552).jpg)
![Gran Escalera del Santuario de Bom Jesus do Monte, Braga, Portugal, por Carlos Luís Ferreira Amarante y otros, c. 1784[72]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Bom_Jesus_2017_(10).jpg/1280px-Bom_Jesus_2017_(10).jpg)
![Jardines de Peterhof, San Petersburgo, Rusia, arquitecto desconocido, 1746-1758[83]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d3/2019-08-02-3847-Saint_Petersburg.jpg/1280px-2019-08-02-3847-Saint_Petersburg.jpg)
![Convento Smolny, San Petersburgo, por Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1748[84]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a1/Smolny_Cathedral_SPB_02.jpg/1280px-Smolny_Cathedral_SPB_02.jpg)
![Tsarskoe Selo, Pushkin, Rusia, por Francesco Bartolomeo Rastrelli, 1749-1756[85]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/Catherine_Palace_in_Tsarskoe_Selo.jpg/1280px-Catherine_Palace_in_Tsarskoe_Selo.jpg)
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![Basílica de San Francisco de Asís, La Habana, Cuba, arquitecto desconocido, 1548-1738[87]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Basilica_Menor_de_San_Francisco_de_Asis_in_Havana_2016.jpg/1280px-Basilica_Menor_de_San_Francisco_de_Asis_in_Havana_2016.jpg)
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![Iglesia de Santo Domingo, Santiago de Chile, arquitecto desconocido, 1747–1808[88]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e1/Iglesia_de_Santo_Domingo,_Santiago,_2017-09-24.jpg/1280px-Iglesia_de_Santo_Domingo,_Santiago,_2017-09-24.jpg)
![Iglesia de Santa Prisca de Taxco, Taxco, México, por Diego Durán y Cayetano Sigüenza, 1751-1758[89]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Taxco_Santa_Prisca.jpg/1280px-Taxco_Santa_Prisca.jpg)
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![São Paulo en Macao, China, arquitecto desconocido, 1601[98]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e1/Restos_de_la_Catedral_de_San_Pablo,_Macao,_2013-08-08,_DD_05.jpg/1280px-Restos_de_la_Catedral_de_San_Pablo,_Macao,_2013-08-08,_DD_05.jpg)
![São Paulo en Diu, India, arquitecto desconocido, 1601[99]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/54/Eglise_St_Paul.jpg/1280px-Eglise_St_Paul.jpg)
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![Monasterio de Horezu, Horezu, Rumania, con una columna salomónica, arquitecto desconocido, siglos XVII-XVIII[100]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/79/Hurezi_(14572944446).jpg/1280px-Hurezi_(14572944446).jpg)
![Resurrección de Cristo; por Annibale Carracci; 1593; óleo sobre lienzo; 217 x 160 cm; Louvre[103]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/07/Annibale_Carracci,_Resurrezione,_Louvre.jpg/1280px-Annibale_Carracci,_Resurrezione,_Louvre.jpg)
![Triunfo de Baco y Adriano (parte de Los amores de los dioses); de Annibale Carracci; c.1597–1600; fresco; longitud (galería): 20,2 m; Palacio Farnese, Roma[104]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0a/The_Triumph_of_Bacchus_and_Ariadne_-_Annibale_Carracci_-_1597_-_Farnese_Gallery,_Rome.jpg/1280px-The_Triumph_of_Bacchus_and_Ariadne_-_Annibale_Carracci_-_1597_-_Farnese_Gallery,_Rome.jpg)
![La vocación de San Mateo; de Caravaggio; c.1602–1604; óleo sobre lienzo; 3 x 2 m; San Luigi dei Francesi, Roma[105]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/48/The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg/1280px-The_Calling_of_Saint_Matthew-Caravaggo_(1599-1600).jpg)
![Judith matando a Holofernes; por Artemisia Gentileschi; 1611–1612; óleo sobre lienzo; 163 x 126 cm; Uffizi, Florencia, Italia[106]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Artemisia_Gentileschi_-_Giuditta_decapita_Oloferne_-_Google_Art_Project-Adjust.jpg/1280px-Artemisia_Gentileschi_-_Giuditta_decapita_Oloferne_-_Google_Art_Project-Adjust.jpg)
![El rapto de las sabinas; de Nicolas Poussin; 1634–1635; óleo sobre lienzo; 1,55 × 2,1 m; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York[107]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg/1280px-Nicolas_Poussin_-_L'Enl%C3%A8vement_des_Sabines_(1634-5).jpg)
![La ronda de noche; de Rembrandt; 1642; óleo sobre lienzo; 3,63 × 4,37 m; Rijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos[108]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3a/La_ronda_de_noche,_por_Rembrandt_van_Rijn.jpg/1280px-La_ronda_de_noche,_por_Rembrandt_van_Rijn.jpg)
![Las Meninas; por Diego Velázquez; 1656; óleo sobre lienzo; 3,18 cm × 2,76 m; Museo del Prado, Madrid, España[109]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/31/Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg/1280px-Las_Meninas,_by_Diego_Vel%C3%A1zquez,_from_Prado_in_Google_Earth.jpg)
![Naturaleza muerta de Vanitas; de María van Oosterwijck; 1668; óleo sobre lienzo; 73 x 88,5 cm; Museo Kunsthistorisches[111]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b3/Maria_van_Oosterwijck,_Kunsthistorisches_Museum_Wien,_Gem%C3%A4ldegalerie_-_Vanitas-Stilleben_-_GG_5714.jpg/1280px-Maria_van_Oosterwijck,_Kunsthistorisches_Museum_Wien,_Gem%C3%A4ldegalerie_-_Vanitas-Stilleben_-_GG_5714.jpg)
![Éxtasis de Santa Teresa; de Gian Lorenzo Bernini; 1647–1652; mármol; altura: 3,5 m; Santa María della Vittoria, Roma[118]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6b/Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg/1280px-Ecstasy_of_Saint_Teresa_September_2015-2a.jpg)
![La fama del rey montado en Pegaso; por Antoine Coysevox; 1698–1702; mármol de Carrara; altura: 3,15 m; Louvre[119]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Fame_riding_Pegasus_Coysevox_Louvre_MR1824.jpg/1280px-Fame_riding_Pegasus_Coysevox_Louvre_MR1824.jpg)
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![Cama con dosel del Château d'Effiat; c.1650; nogal natural, terciopelo de seda de Génova cincelado y sedas bordadas; 295 cm; Louvre[122]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b9/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_32_D201903_(cropped).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_32_D201903_(cropped).jpg)
![Mesa de muelle; 1685–1690; madera tallada, enyesada y dorada, con tapa de mármol; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Art Institute of Chicago, EE. UU.[124]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a2/Francia,_tavolo_da_parete,_1685-90_ca.jpg/1280px-Francia,_tavolo_da_parete,_1685-90_ca.jpg)
![Alacena; por André Charles Boulle; c.1700; enchapado de ébano y amaranto, maderas policromadas, marquetería de latón, estaño, concha y cuerno sobre un marco de roble, bronce dorado; 255,5 x 157,5 cm; Louvre[125]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d2/Armoire_aux_perroquets_du_Louvre.jpg/1280px-Armoire_aux_perroquets_du_Louvre.jpg)
![Cómoda; de André-Charles Boulle; c.1710–1732; nogal chapado con ébano y marquetería de latón grabado y carey, monturas de bronce dorado, tapa de mármol antiguo; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)[126]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/97/Commode_MET_DP108742.jpg/1280px-Commode_MET_DP108742.jpg)
![Escritorio alemán con frente inclinado; de Heinrich Ludwig Rohde o Ferdinand Plitzner; c.1715–1725; marquetería con arce, amaranto, caoba y nogal sobre abeto y roble; 90 × 84 × 44,5 cm; Instituto de Arte de Chicago[127]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/51/Heinrich_ludwig_rohde_o_ferdinand_plitzner_(attr.),_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg/1280px-Heinrich_ludwig_rohde_o_ferdinand_plitzner_(attr.),_scrittoio_a_ribalta,_magonza_1720_ca.jpg)
![Jardines de Vaux-le-Vicomte, Francia, por André Le Nôtre, 1657-1661[153]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0e/Kasteel_van_Vaux-le-Vicomte_-_Maincy_06.jpg/1280px-Kasteel_van_Vaux-le-Vicomte_-_Maincy_06.jpg)
![Jardines de Versalles, de André Le Nôtre, iniciado en 1661[154]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5c/Vue_a%C3%A9rienne_du_domaine_de_Versailles_le_20_ao%C3%BBt_2014_par_ToucanWings_-_Creative_Commons_By_Sa_3.0_-_22.jpg/1280px-Vue_a%C3%A9rienne_du_domaine_de_Versailles_le_20_ao%C3%BBt_2014_par_ToucanWings_-_Creative_Commons_By_Sa_3.0_-_22.jpg)
![Jardín del Palacio de Tessin, Estocolmo, Suecia, por Nicodemus Tessin el Joven, 1692-1700[156]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/1_Tessinska_palatset_tr%C3%A4dg%C3%A5rd_2.jpg/1280px-1_Tessinska_palatset_tr%C3%A4dg%C3%A5rd_2.jpg)
![Observatorio de Meudon, Château de Meudon, Meudon, Francia, un ejemplo de un edificio rococó temprano de los últimos años de Luis XIV, arquitecto desconocido, 1706-1709[162]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6a/Meudon_observatoire_2016_(15).jpg/1280px-Meudon_observatoire_2016_(15).jpg)
![Amalienburg, parque del palacio de Nymphenburg, Munich, Alemania, por François de Cuvilliés, 1734-1739[163]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d7/20230209_Amalienburg_Nymphenburg.jpg/1280px-20230209_Amalienburg_Nymphenburg.jpg)
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![Casa china, parque Sanssouci, Potsdam, Alemania, un ejemplo de chinoiserie, de Johann Gottfried Büring, 1755-1764[165]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/dd/Chinese_House_Potsdam-,_Germany.jpg/1280px-Chinese_House_Potsdam-,_Germany.jpg)
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![Pagod, basado en figuras asiáticas de Budai, ejemplo de Chinoiserie; de Johann Joachim Kändler; c.1765; porcelana de pasta dura; Museo Metropolitano de Arte[166]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e5/Nodding_pagod,_Meissen,_Germany,_c._1760,_porcelain,_1892.60.325_-_Metropolitan_Museum_of_Art_-_New_York_City_-_DSC07727.jpg/1280px-Nodding_pagod,_Meissen,_Germany,_c._1760,_porcelain,_1892.60.325_-_Metropolitan_Museum_of_Art_-_New_York_City_-_DSC07727.jpg)
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![Gran consola con saliente central; de Benjamin Deguil y Benjamin-Paul Ramillon; 1850–1875; madera dorada y mármol; 100 x 283 x 77 cm; Apartamentos de Napoleón III, Palacio del Louvre, París[170]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/50/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_85_(01).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_85_(01).jpg)
![El Gran Salón de los apartamentos del Ministro de Estado, actualmente conocidos como los Apartamentos Napoleón III, diseñado por Hector Lefuel y decorado con pinturas de Charles Raphaël Maréchal, 1859-1860[171]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/18/Napoleon_III_Apartments_(44883695984).jpg/1280px-Napoleon_III_Apartments_(44883695984).jpg)
![Candelabro de once luces; de Ferdinand Barbedienne; 1861; bronce dorado; altura: 83,7 cm, longitud: 49,4 cm; Apartamentos de Napoleón III[172]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/88/Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_83_(07).jpg/1280px-Decorative_arts_in_the_Louvre_-_Room_83_(07).jpg)
![Exterior del Palacio Garnier, París, un ejemplo de arquitectura Beaux Arts, por Charles Garnier, 1860-1875[173]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6d/Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg/1280px-Paris_Palais_Garnier_2010-04-06_16.55.07.jpg)
![Grand foyer of the Palais Garnier, inspired by the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, but with some ornaments taken from other historical styles, like the neo-Renaissance column lower parts, or the Greek Revival lyres at the tops of windows, by Charles Garnier, 1860–1875[173]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c4/Foyer_(51865286672).jpg/1280px-Foyer_(51865286672).jpg)
![Petit Palais, Paris, an example of Beaux Arts architecture, with Ionic columns very similar to those of the reign of Louis XIV, by Charles Giraud, 1900[174]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/71/Petit-Palais-Paris-02-2018.jpg/1280px-Petit-Palais-Paris-02-2018.jpg)
![550 Madison Avenue, New York, with a top broken pediment, reminiscent of those found in Baroque highboys, by Philip Johnson, 1981-1984[180]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/d5/Sony_Building_by_David_Shankbone_crop.jpg/1280px-Sony_Building_by_David_Shankbone_crop.jpg)
![Broken pediment of San Marcello al Corso, Rome, by Carlo Fontana, 1682–1683[181]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/33/Chiesa_San_Marcello_al_Corso_(cropped_broken_pediment).jpg/1280px-Chiesa_San_Marcello_al_Corso_(cropped_broken_pediment).jpg)
![Urns that decorate the roof railing of the Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c. 1660–1715[183]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/9/93/Versailles_roof_details_dormer_windows.jpg/1280px-Versailles_roof_details_dormer_windows.jpg)
![Hotel Zaandam, Amsterdam, the Netherlands, inspired by Dutch 16th and 17th century canal houses, by Wam Architecten, 2010[184]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c6/Zaanstad_Inntel_Hotel_15.jpg/1280px-Zaanstad_Inntel_Hotel_15.jpg)
![Baroque rinceaux with putti painted on the boiserie of a room from the Hôtel Colbert de Villacerf, now in the Musée Carnavalet, Paris, unknown architect, sculptor and painter, c.1650[186]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f0/H%C3%B4tel_Colbert_de_Villacerf_3.jpg/1280px-H%C3%B4tel_Colbert_de_Villacerf_3.jpg)
_Armoire_Mus%C3%A9e_des_Arts_D%C3%A9coratifs_Paris_001.jpg/1280px-Nicolas_Sageot_(attr.)_Armoire_Mus%C3%A9e_des_Arts_D%C3%A9coratifs_Paris_001.jpg)
![Empire style rinceaux on a vase, by the Sèvres Porcelain Manufactory, 1814, hard-paste porcelain with platinum background and gilt bronze mounts, Louvre[187]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/f/f4/Pair_of_Spindle_Vases_-_OA_11090_-_Louvre_(08).jpg/1280px-Pair_of_Spindle_Vases_-_OA_11090_-_Louvre_(08).jpg)
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