El arte conceptual , también conocido como conceptualismo , es un arte en el que los conceptos o ideas involucradas en la obra tienen la misma prioridad o más que las preocupaciones estéticas , técnicas y materiales tradicionales. Algunas obras de arte conceptual pueden ser construidas por cualquier persona simplemente siguiendo un conjunto de instrucciones escritas. [1] Este método fue fundamental para la definición de arte conceptual del artista estadounidense Sol LeWitt , uno de los primeros en aparecer impreso:
En el arte conceptual, la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma de arte conceptual, significa que toda la planificación y las decisiones se toman de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que crea el arte. [2]
Tony Godfrey, autor de Conceptual Art (Art & Ideas) (1998), afirma que el arte conceptual cuestiona la naturaleza del arte, [3] una noción que Joseph Kosuth elevó a una definición del arte en sí mismo en su seminal y temprano manifiesto del arte conceptual, Art after Philosophy (1969). La noción de que el arte debe examinar su propia naturaleza ya era un aspecto potente de la visión del arte moderno del influyente crítico de arte Clement Greenberg durante la década de 1950. Sin embargo, con el surgimiento de un arte exclusivamente basado en el lenguaje en la década de 1960, artistas conceptuales como Art & Language , Joseph Kosuth (que se convirtió en el editor estadounidense de Art-Language ) y Lawrence Weiner comenzaron una interrogación mucho más radical del arte de lo que era posible anteriormente (ver más abajo). Una de las primeras y más importantes cosas que cuestionaron fue la suposición común de que el papel del artista era crear tipos especiales de objetos materiales . [4] [5] [6]
A través de su asociación con los Young British Artists y el Premio Turner durante la década de 1990, en el uso popular, particularmente en el Reino Unido, el término "arte conceptual" pasó a denotar todo el arte contemporáneo que no practica las técnicas tradicionales de la pintura y la escultura . [7] Una de las razones por las que el término "arte conceptual" ha llegado a asociarse con varias prácticas contemporáneas muy alejadas de sus objetivos y formas originales radica en el problema de definir el término en sí. Como sugirió el artista Mel Bochner ya en 1970, al explicar por qué no le gusta el epíteto "conceptual", no siempre está del todo claro a qué se refiere "concepto", y corre el riesgo de confundirse con "intención". Por lo tanto, al describir o definir una obra de arte como conceptual es importante no confundir lo que se denomina "conceptual" con la "intención" de un artista.
Precursores
El artista francés Marcel Duchamp abrió el camino a los conceptualistas, proporcionándoles ejemplos de obras prototípicamente conceptuales, como los readymades . El más famoso de los readymades de Duchamp fue Fountain (1917), un lavabo-urinario estándar firmado por el artista con el seudónimo "R. Mutt", y presentado para su inclusión en la exposición anual sin jurado de la Society of Independent Artists de Nueva York (que lo rechazó). [8] La tradición artística no ve un objeto común (como un urinario) como arte porque no está hecho por un artista o con intención de ser arte, ni es único o hecho a mano. La relevancia e importancia teórica de Duchamp para los futuros "conceptualistas" fue reconocida más tarde por el artista estadounidense Joseph Kosuth en su ensayo de 1969, Art after Philosophy , cuando escribió: "Todo arte (después de Duchamp) es conceptual (por naturaleza) porque el arte solo existe conceptualmente".
En 1956, el fundador del letrismo , Isidore Isou , desarrolló la noción de una obra de arte que, por su propia naturaleza, nunca podría ser creada en la realidad, pero que, sin embargo, podría proporcionar recompensas estéticas al ser contemplada intelectualmente. Este concepto, también llamado Art esthapériste (o "estética del infinito"), derivó de los infinitesimales de Gottfried Wilhelm Leibniz : cantidades que en realidad no podrían existir excepto conceptualmente. La encarnación actual (a partir de 2013 [actualizar]) del movimiento isouiano, el excoordismo, se autodefine como el arte de lo infinitamente grande y lo infinitamente pequeño.
Orígenes
En 1961, el filósofo y artista Henry Flynt acuñó el término "arte conceptual" en un artículo con el mismo nombre que apareció en la publicación proto- Fluxus An Anthology of Chance Operations . [9] El arte conceptual de Flynt, sostenía, se derivaba de su noción de "nihilismo cognitivo", en el que se muestran paradojas en la lógica para evacuar conceptos de sustancia. Basándose en la sintaxis de la lógica y las matemáticas, el arte conceptual estaba destinado a reemplazar conjuntamente a las matemáticas y la música formalista que entonces era común en los círculos de la música artística seria . [10] Por lo tanto, Flynt sostenía que, para merecer la etiqueta de arte conceptual , una obra tenía que ser una crítica de la lógica o las matemáticas en la que un concepto lingüístico fuera el material, una cualidad que está ausente del "arte conceptual" posterior. [11]
El término adquirió un significado diferente cuando lo emplearon Joseph Kosuth y el grupo English Art and Language , quienes descartaron el objeto de arte convencional en favor de una investigación crítica documentada, que comenzó en Art-Language: The Journal of Conceptual Art en 1969, sobre el estatus social, filosófico y psicológico del artista. A mediados de la década de 1970, habían producido publicaciones, índices, performances, textos y pinturas con este fin. En 1970, Conceptual Art and Conceptual Aspects , la primera exposición dedicada al arte conceptual, tuvo lugar en el Centro Cultural de Nueva York . [12]
La crítica del formalismo y de la mercantilización del arte
El arte conceptual surgió como movimiento durante la década de 1960, en parte como una reacción contra el formalismo, tal como lo expresó entonces el influyente crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg . Según Greenberg, el arte moderno siguió un proceso de reducción y refinamiento progresivos hacia el objetivo de definir la naturaleza formal esencial de cada medio. Aquellos elementos que iban en contra de esta naturaleza debían ser reducidos. La tarea de la pintura, por ejemplo, era definir con precisión qué tipo de objeto es realmente una pintura: qué la convierte en una pintura y nada más. Como es propio de la naturaleza de las pinturas ser objetos planos con superficies de lienzo sobre las que se aplica pigmento de color, se consideró que elementos como la figuración , la ilusión de perspectiva en 3D y las referencias a temas externos eran ajenos a la esencia de la pintura y debían eliminarse. [13]
Algunos han argumentado que el arte conceptual continuó esta "desmaterialización" del arte al eliminar por completo la necesidad de objetos, [14]
mientras que otros, incluidos muchos de los propios artistas, vieron el arte conceptual como una ruptura radical con el tipo de modernismo formalista de Greenberg. Los artistas posteriores siguieron compartiendo una preferencia por el arte autocrítico, así como un desagrado por la ilusión. Sin embargo, a fines de la década de 1960, estaba ciertamente claro que las estipulaciones de Greenberg de que el arte continuara dentro de los confines de cada medio y excluyera temas externos ya no tenían fuerza. [15]
El arte conceptual también reaccionó contra la mercantilización del arte; intentó una subversión de la galería o el museo como la ubicación y el determinante del arte, y el mercado del arte como el propietario y distribuidor del arte. Lawrence Weiner dijo: "Una vez que sabes sobre una obra mía, eres dueño de ella. No hay forma de que pueda meterme dentro de la cabeza de alguien y eliminarla". Por lo tanto, el trabajo de muchos artistas conceptuales solo puede conocerse a través de la documentación que se manifiesta en él, por ejemplo, fotografías, textos escritos u objetos expuestos, que algunos podrían argumentar que no son en sí mismos el arte. A veces se reduce (como en el trabajo de Robert Barry , Yoko Ono y el propio Weiner) a un conjunto de instrucciones escritas que describen una obra, pero que no llegan a realizarla realmente, enfatizando la idea como más importante que el artefacto. Esto revela una preferencia explícita por el lado "artístico" de la dicotomía ostensible entre arte y artesanía , donde el arte, a diferencia de la artesanía, tiene lugar dentro del discurso histórico y participa en él: por ejemplo, las "instrucciones escritas" de Ono tienen más sentido junto con otro arte conceptual de la época.
El lenguaje fue una preocupación central para la primera ola de artistas conceptuales de la década de 1960 y principios de la de 1970. Aunque la utilización del texto en el arte no era en absoluto novedosa, recién en la década de 1960 los artistas Lawrence Weiner , Edward Ruscha , [16] Joseph Kosuth , Robert Barry y Art & Language comenzaron a producir arte por medios exclusivamente lingüísticos. Donde antes el lenguaje se presentaba como un tipo de elemento visual junto con otros, y subordinado a una composición general (por ejemplo , el cubismo sintético ), los artistas conceptuales usaron el lenguaje en lugar del pincel y el lienzo, y le permitieron significar por derecho propio. [17] Sobre las obras de Lawrence Weiner, Anne Rorimer escribe: "El contenido temático de las obras individuales deriva únicamente de la importancia del lenguaje empleado, mientras que los medios de presentación y la ubicación contextual juegan papeles cruciales, aunque separados". [18]
El filósofo y teórico del arte conceptual británico Peter Osborne sugiere que entre los muchos factores que influyeron en la gravitación hacia el arte basado en el lenguaje, un papel central para el conceptualismo provino del giro hacia las teorías lingüísticas del significado tanto en la filosofía analítica angloamericana como en la filosofía continental estructuralista y posestructuralista durante la mitad del siglo XX. Este giro lingüístico "reforzó y legitimó" la dirección que tomaron los artistas conceptuales. [19] Osborne también señala que los primeros conceptualistas fueron la primera generación de artistas en completar una formación universitaria en arte. [20] Osborne más tarde hizo la observación de que el arte contemporáneo es posconceptual [21] en una conferencia pública pronunciada en la Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota en Como el 9 de julio de 2010. Es una afirmación hecha a nivel de la ontología de la obra de arte (en lugar de, digamos, a nivel descriptivo del estilo o el movimiento).
El historiador de arte estadounidense Edward A. Shanken señala el ejemplo de Roy Ascott , que "demuestra poderosamente las intersecciones significativas entre el arte conceptual y el arte y la tecnología, haciendo estallar la autonomía convencional de estas categorías histórico-artísticas". Ascott, el artista británico más estrechamente asociado con el arte cibernético en Inglaterra, no fue incluido en Cybernetic Serendipity porque su uso de la cibernética era principalmente conceptual y no utilizaba explícitamente la tecnología. Por el contrario, aunque su ensayo sobre la aplicación de la cibernética al arte y la pedagogía del arte, "The Construction of Change" (1964), fue citado en la página de dedicatoria (a Sol LeWitt) de Six Years: The Dematerialization of the Art Object from 1966 to 1972 , de Lucy R. Lippard , la anticipación y contribución de Ascott a la formación del arte conceptual en Gran Bretaña ha recibido escaso reconocimiento, tal vez (e irónicamente) porque su trabajo estaba demasiado relacionado con el arte y la tecnología. Otra intersección vital fue explorada en el uso que Ascott hizo del tesauro en Conexiones telemáticas:: línea de tiempo de 1963, que trazó un paralelo explícito entre las cualidades taxonómicas de los lenguajes verbales y visuales, un concepto que sería retomado en Segunda investigación, Proposición 1 (1968) de Joseph Kosuth y Elementos de un mapa incompleto (1968) de Mel Ramsden .
Historia contemporánea
El protoconceptualismo tiene sus raíces en el auge del modernismo con, por ejemplo, Manet (1832-1883) y más tarde Marcel Duchamp (1887-1968). La primera ola del movimiento de "arte conceptual" se extendió aproximadamente desde 1967 [22]
hasta 1978. Los primeros artistas "conceptuales" como Henry Flynt (1940-), Robert Morris (1931-2018) y Ray Johnson (1927-1995) influyeron en el movimiento posterior, ampliamente aceptado, del arte conceptual. Artistas conceptuales como Dan Graham , Hans Haacke y Lawrence Weiner han demostrado ser muy influyentes en artistas posteriores, y artistas contemporáneos conocidos como Mike Kelley o Tracey Emin a veces son etiquetados [¿ por quién? ] como conceptualistas "de segunda o tercera generación", o artistas " posconceptuales " (el prefijo Post- en arte puede interpretarse con frecuencia como "debido a").
Los artistas contemporáneos han retomado muchas de las preocupaciones del movimiento del arte conceptual, aunque puedan o no autodenominarse "artistas conceptuales". Ideas como la antimercantilización, la crítica social y/o política y las ideas/información como medio siguen siendo aspectos del arte contemporáneo, especialmente entre los artistas que trabajan con el arte de instalación , el arte de performance , la intervención artística , el net.art y el arte electrónico / digital . [23] [ necesita cita para verificar ]
1913: Rueda de bicicleta (Roue de bicyclette) de Marcel Duchamp . Readymade asistido. Rueda de bicicleta montada por su horquilla sobre un taburete de madera pintada. El primer readymade, aunque no tuvo la idea de los readymades hasta dos años después. El original se perdió. También se reconoce como la primera escultura cinética. [24]
1914: Botellero (también llamado Egouttoir o Porte - bouteilles o Hérisson ) de Marcel Duchamp . Readymade. Un escurridor de botellas de hierro galvanizado que Duchamp compró como una escultura "ya hecha", pero que acumuló polvo en un rincón de su estudio de París. Dos años después, en 1916, en correspondencia desde Nueva York con su hermana, Suzanne Duchamp en Francia, expresa su deseo de convertirlo en un readymade. Suzanne, que se ocupa de su estudio de París, ya se ha deshecho de él.
1915: En prevision du bras cassé (Adelanto del brazo roto) de Marcel Duchamp . Readymade. Pala de nieve en la que Duchamp pintó cuidadosamente su título. La primera pieza que el artista calificó oficialmente de "readymade".
1917: Perchero para sombreros , c . 1917 , de Marcel Duchamp . Readymade. Perchero de madera. [26]
1919: LHOOQ de Marcel Duchamp . Readymade rectificado. Lápiz sobre una reproducción de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci en la que dibujó una perilla y un bigote titulados con un juego de palabras burdo. [27]
1921: ¿Por qué no estornudar, Rose Sélavy? de Marcel Duchamp . Readymade asistido. Cubos de mármol en forma de terrones de azúcar con un termómetro y huesos de sepia en una pequeña jaula para pájaros.
1953: Robert Rauschenberg produce Erased De Kooning Drawing , un dibujo de Willem de Kooning que Rauschenberg borró. Planteó muchas preguntas sobre la naturaleza fundamental del arte, desafiando al espectador a considerar si borrar la obra de otro artista podría ser un acto creativo, así como si la obra era solo "arte" porque el famoso Rauschenberg la había hecho.
1955: Rhea Sue Sanders crea sus primeras piezas de texto de la serie pièces de complices , combinando el arte visual con la poesía y la filosofía, e introduciendo el concepto de complicidad: el espectador debe realizar el arte en su imaginación. [30]
1958: George Brecht inventa la Partitura de Eventos [31] , que se convertiría en una característica central de Fluxus. Brecht, Dick Higgins , Allan Kaprow , Al Hansen , Jackson MacLow y otros estudiaron con John Cage entre 1958 y 1959 en la New School, lo que condujo directamente a la creación de Happenings , Fluxus y el arte conceptual de Henry Flynt . Las Partituras de Eventos son instrucciones simples para completar tareas cotidianas que se pueden realizar en público, en privado o no realizarse en absoluto.
1958: Wolf Vostell Das Theatre ist auf der Straße / El teatro está en la calle . El primer Happening en Europa. [32]
1961: Piero Manzoni expuso "Mierda de artista" , unas latas que supuestamente contenían sus propias heces (aunque nadie ha podido afirmarlo con seguridad, ya que la obra se destruiría si se abriera). Puso las latas a la venta por su propio peso en oro. También vendió su propio aliento (encerrado en globos) como "Cuerpos de aire" , y firmó los cuerpos de las personas, declarándolos así obras de arte vivientes, ya sea para siempre o por períodos específicos (esto dependía de cuánto estuvieran dispuestos a pagar). Marcel Broodthaers y Primo Levi se encuentran entre las "obras de arte" designadas.
1962: El artista Barrie Bates cambia su nombre por el de Billy Apple , borrando su identidad original para continuar su exploración de la vida cotidiana y el comercio como arte. En esta etapa, muchas de sus obras son fabricadas por terceros. [33]
1962: Yves Klein presenta Sensibilidad pictórica inmaterial en varias ceremonias a orillas del Sena. Ofrece vender su propia "sensibilidad pictórica" (fuera lo que fuese, no la define) a cambio de pan de oro. En estas ceremonias, el comprador entrega a Klein el pan de oro a cambio de un certificado. Como la sensibilidad de Klein era inmaterial, el comprador debe quemar el certificado mientras Klein arroja la mitad del pan de oro al Sena. (Hubo siete compradores.)
Joseph Kosuth fecha el concepto de One and Three Chairs en el año 1965. La presentación de la obra consta de una silla, su fotografía y una ampliación de una definición de la palabra "silla". Kosuth eligió la definición de un diccionario. Se conocen cuatro versiones con diferentes definiciones.
1966: Concebido en 1966, The Air Conditioning Show of Art & Language se publica como artículo en 1967 en la edición de noviembre de Arts Magazine . [36]
1967: Las primeras pinturas 100% abstractas de Mel Ramsden . La pintura muestra una lista de componentes químicos que constituyen la sustancia de la pintura. [37]
1968: Lawrence Weiner renuncia a la realización física de su obra y formula su "Declaración de intenciones", una de las declaraciones de arte conceptual más importantes [ cita requerida ] después de los "Párrafos sobre el arte conceptual" de LeWitt. La declaración, que subraya su práctica posterior, dice: "1. El artista puede construir la pieza. 2. La pieza puede fabricarse. 3. La pieza no necesita construirse. Siendo ambas iguales y coherentes con la intención del artista, la decisión sobre la condición recae en el receptor en el momento de la administración judicial".
1973-1979: Mary Kelly realiza su Documento posparto , compuesto de seis partes separadas que describen los primeros seis años de cuidado de su hijo. A través de una perspectiva psicoanalítica y feminista, la obra explora la relación madre-hijo y examina la evolución del sentido de sí mismo de su hijo, así como el de ella misma. [40]
1982: La ópera Victorine de Art & Language iba a ser representada en la ciudad de Kassel para la documenta 7 y mostrada junto a Art & Language Studio en 3 Wesley Place Painted by Actors , pero la representación fue cancelada. [41]
1990: Ashley Bickerton y Ronald Jones fueron incluidos en la exposición "Mind Over Matter: Concept and Object" de "artistas conceptuales de tercera generación" en el Museo Whitney de Arte Estadounidense. [42]
1992: Maurizio Bolognini comienza a “sellar” sus Máquinas Programadas: cientos de computadoras son programadas y dejadas funcionando ad infinitum para generar flujos inagotables de imágenes aleatorias que nadie vería. [44]
1999: Tracey Emin es nominada al Premio Turner . Parte de su exposición es My Bed , su cama desordenada, rodeada de desechos como condones, bragas manchadas de sangre, botellas y sus pantuflas.
2003: damali ayo expone en el Centro de Arte Contemporáneo, Seattle, WA Flesh Tone #1: Skinned , un autorretrato colaborativo en el que pidió a mezcladores de pintura de ferreterías locales que crearan pintura para el hogar que combinara con varias partes de su cuerpo, mientras registraba las interacciones. [46]
2005: Simon Starling gana el Premio Turner por Shedboatshed , un cobertizo de madera que había convertido en un barco, flotando por el Rin y convertido nuevamente en cobertizo. [47]
2019: Maurizio Cattelan vende dos ediciones de Comedian , que aparece como un plátano pegado con cinta adhesiva a una pared, por 120.000 dólares cada una, lo que genera una importante atención de los medios. [48]
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Lectura adicional
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Sistemas abiertos: repensando el arte, c. 1970 , catálogo de exposición, Londres: Tate Modern, 2005
Arte y lenguaje inacabados: la colección Philippe Méaille, Editorial MACBA, 2014
Años luz: arte conceptual y fotografía 1964–1977 , catálogo de exposición, Chicago: Art Institute of Chicago, 2011
Enlaces externos
Medios relacionados con Arte conceptual en Wikimedia Commons
Citas relacionadas con el arte conceptual en Wikiquote
Arte y lenguaje inacabado: la colección Philippe Méaille, MACBA
Sitio oficial del Castillo de Montsoreau-Museo de Arte Contemporáneo
Años luz: arte conceptual y fotografía, 1964-1977 en el Art Institute of Chicago
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