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Arte conceptual

Marcel Duchamp , Fuente , 1917. Fotografía de Alfred Stieglitz
Robert Rauschenberg , Retrato de Iris Clert , 1961
Arte y lenguaje , Arte-lenguaje Vol. 3 Nr. 1, 1974

El arte conceptual , también conocido como conceptualismo , es un arte en el que los conceptos o ideas involucradas en la obra tienen la misma prioridad o más que las preocupaciones estéticas , técnicas y materiales tradicionales. Algunas obras de arte conceptual pueden ser construidas por cualquier persona simplemente siguiendo un conjunto de instrucciones escritas. [1] Este método fue fundamental para la definición de arte conceptual del artista estadounidense Sol LeWitt , uno de los primeros en aparecer impreso:

En el arte conceptual, la idea o el concepto es el aspecto más importante de la obra. Cuando un artista utiliza una forma de arte conceptual, significa que toda la planificación y las decisiones se toman de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que crea el arte. [2]

Tony Godfrey, autor de Conceptual Art (Art & Ideas) (1998), afirma que el arte conceptual cuestiona la naturaleza del arte, [3] una noción que Joseph Kosuth elevó a una definición del arte en sí mismo en su seminal y temprano manifiesto del arte conceptual, Art after Philosophy (1969). La noción de que el arte debe examinar su propia naturaleza ya era un aspecto potente de la visión del arte moderno del influyente crítico de arte Clement Greenberg durante la década de 1950. Sin embargo, con el surgimiento de un arte exclusivamente basado en el lenguaje en la década de 1960, artistas conceptuales como Art & Language , Joseph Kosuth (que se convirtió en el editor estadounidense de Art-Language ) y Lawrence Weiner comenzaron una interrogación mucho más radical del arte de lo que era posible anteriormente (ver más abajo). Una de las primeras y más importantes cosas que cuestionaron fue la suposición común de que el papel del artista era crear tipos especiales de objetos materiales . [4] [5] [6]

A través de su asociación con los Young British Artists y el Premio Turner durante la década de 1990, en el uso popular, particularmente en el Reino Unido, el término "arte conceptual" pasó a denotar todo el arte contemporáneo que no practica las técnicas tradicionales de la pintura y la escultura . [7] Una de las razones por las que el término "arte conceptual" ha llegado a asociarse con varias prácticas contemporáneas muy alejadas de sus objetivos y formas originales radica en el problema de definir el término en sí. Como sugirió el artista Mel Bochner ya en 1970, al explicar por qué no le gusta el epíteto "conceptual", no siempre está del todo claro a qué se refiere "concepto", y corre el riesgo de confundirse con "intención". Por lo tanto, al describir o definir una obra de arte como conceptual es importante no confundir lo que se denomina "conceptual" con la "intención" de un artista.

Precursores

El artista francés Marcel Duchamp abrió el camino a los conceptualistas, proporcionándoles ejemplos de obras prototípicamente conceptuales, como los readymades . El más famoso de los readymades de Duchamp fue Fountain (1917), un lavabo-urinario estándar firmado por el artista con el seudónimo "R. Mutt", y presentado para su inclusión en la exposición anual sin jurado de la Society of Independent Artists de Nueva York (que lo rechazó). [8] La tradición artística no ve un objeto común (como un urinario) como arte porque no está hecho por un artista o con intención de ser arte, ni es único o hecho a mano. La relevancia e importancia teórica de Duchamp para los futuros "conceptualistas" fue reconocida más tarde por el artista estadounidense Joseph Kosuth en su ensayo de 1969, Art after Philosophy , cuando escribió: "Todo arte (después de Duchamp) es conceptual (por naturaleza) porque el arte solo existe conceptualmente".

En 1956, el fundador del letrismo , Isidore Isou , desarrolló la noción de una obra de arte que, por su propia naturaleza, nunca podría ser creada en la realidad, pero que, sin embargo, podría proporcionar recompensas estéticas al ser contemplada intelectualmente. Este concepto, también llamado Art esthapériste (o "estética del infinito"), derivó de los infinitesimales de Gottfried Wilhelm Leibniz : cantidades que en realidad no podrían existir excepto conceptualmente. La encarnación actual (a partir de 2013 ) del movimiento isouiano, el excoordismo, se autodefine como el arte de lo infinitamente grande y lo infinitamente pequeño.

Orígenes

En 1961, el filósofo y artista Henry Flynt acuñó el término "arte conceptual" en un artículo con el mismo nombre que apareció en la publicación proto- Fluxus An Anthology of Chance Operations . [9] El arte conceptual de Flynt, sostenía, se derivaba de su noción de "nihilismo cognitivo", en el que se muestran paradojas en la lógica para evacuar conceptos de sustancia. Basándose en la sintaxis de la lógica y las matemáticas, el arte conceptual estaba destinado a reemplazar conjuntamente a las matemáticas y la música formalista que entonces era común en los círculos de la música artística seria . [10] Por lo tanto, Flynt sostenía que, para merecer la etiqueta de arte conceptual , una obra tenía que ser una crítica de la lógica o las matemáticas en la que un concepto lingüístico fuera el material, una cualidad que está ausente del "arte conceptual" posterior. [11]

El término adquirió un significado diferente cuando lo emplearon Joseph Kosuth y el grupo English Art and Language , quienes descartaron el objeto de arte convencional en favor de una investigación crítica documentada, que comenzó en Art-Language: The Journal of Conceptual Art en 1969, sobre el estatus social, filosófico y psicológico del artista. A mediados de la década de 1970, habían producido publicaciones, índices, performances, textos y pinturas con este fin. En 1970, Conceptual Art and Conceptual Aspects , la primera exposición dedicada al arte conceptual, tuvo lugar en el Centro Cultural de Nueva York . [12]

La crítica del formalismo y de la mercantilización del arte

El arte conceptual surgió como movimiento durante la década de 1960, en parte como una reacción contra el formalismo, tal como lo expresó entonces el influyente crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg . Según Greenberg, el arte moderno siguió un proceso de reducción y refinamiento progresivos hacia el objetivo de definir la naturaleza formal esencial de cada medio. Aquellos elementos que iban en contra de esta naturaleza debían ser reducidos. La tarea de la pintura, por ejemplo, era definir con precisión qué tipo de objeto es realmente una pintura: qué la convierte en una pintura y nada más. Como es propio de la naturaleza de las pinturas ser objetos planos con superficies de lienzo sobre las que se aplica pigmento de color, se consideró que elementos como la figuración , la ilusión de perspectiva en 3D y las referencias a temas externos eran ajenos a la esencia de la pintura y debían eliminarse. [13]

Algunos han argumentado que el arte conceptual continuó esta "desmaterialización" del arte al eliminar por completo la necesidad de objetos, [14] mientras que otros, incluidos muchos de los propios artistas, vieron el arte conceptual como una ruptura radical con el tipo de modernismo formalista de Greenberg. Los artistas posteriores siguieron compartiendo una preferencia por el arte autocrítico, así como un desagrado por la ilusión. Sin embargo, a fines de la década de 1960, estaba ciertamente claro que las estipulaciones de Greenberg de que el arte continuara dentro de los confines de cada medio y excluyera temas externos ya no tenían fuerza. [15] El arte conceptual también reaccionó contra la mercantilización del arte; intentó una subversión de la galería o el museo como la ubicación y el determinante del arte, y el mercado del arte como el propietario y distribuidor del arte. Lawrence Weiner dijo: "Una vez que sabes sobre una obra mía, eres dueño de ella. No hay forma de que pueda meterme dentro de la cabeza de alguien y eliminarla". Por lo tanto, el trabajo de muchos artistas conceptuales solo puede conocerse a través de la documentación que se manifiesta en él, por ejemplo, fotografías, textos escritos u objetos expuestos, que algunos podrían argumentar que no son en sí mismos el arte. A veces se reduce (como en el trabajo de Robert Barry , Yoko Ono y el propio Weiner) a un conjunto de instrucciones escritas que describen una obra, pero que no llegan a realizarla realmente, enfatizando la idea como más importante que el artefacto. Esto revela una preferencia explícita por el lado "artístico" de la dicotomía ostensible entre arte y artesanía , donde el arte, a diferencia de la artesanía, tiene lugar dentro del discurso histórico y participa en él: por ejemplo, las "instrucciones escritas" de Ono tienen más sentido junto con otro arte conceptual de la época.

Lawrence Weiner . Fragmentos reunidos para presentar una apariencia de un todo, The Walker Art Center, Minneapolis, 2005.
Un roble de Michael Craig-Martin , 1973
Detalle del monumento conmemorativo a las víctimas de la justicia militar nazi, obra del escultor monumental Olaf Nicolai , Ballhausplatz , Viena

El lenguaje y/o como arte

El lenguaje fue una preocupación central para la primera ola de artistas conceptuales de la década de 1960 y principios de la de 1970. Aunque la utilización del texto en el arte no era en absoluto novedosa, recién en la década de 1960 los artistas Lawrence Weiner , Edward Ruscha , [16] Joseph Kosuth , Robert Barry y Art & Language comenzaron a producir arte por medios exclusivamente lingüísticos. Donde antes el lenguaje se presentaba como un tipo de elemento visual junto con otros, y subordinado a una composición general (por ejemplo , el cubismo sintético ), los artistas conceptuales usaron el lenguaje en lugar del pincel y el lienzo, y le permitieron significar por derecho propio. [17] Sobre las obras de Lawrence Weiner, Anne Rorimer escribe: "El contenido temático de las obras individuales deriva únicamente de la importancia del lenguaje empleado, mientras que los medios de presentación y la ubicación contextual juegan papeles cruciales, aunque separados". [18]

El filósofo y teórico del arte conceptual británico Peter Osborne sugiere que entre los muchos factores que influyeron en la gravitación hacia el arte basado en el lenguaje, un papel central para el conceptualismo provino del giro hacia las teorías lingüísticas del significado tanto en la filosofía analítica angloamericana como en la filosofía continental estructuralista y posestructuralista durante la mitad del siglo XX. Este giro lingüístico "reforzó y legitimó" la dirección que tomaron los artistas conceptuales. [19] Osborne también señala que los primeros conceptualistas fueron la primera generación de artistas en completar una formación universitaria en arte. [20] Osborne más tarde hizo la observación de que el arte contemporáneo es posconceptual [21] en una conferencia pública pronunciada en la Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota en Como el 9 de julio de 2010. Es una afirmación hecha a nivel de la ontología de la obra de arte (en lugar de, digamos, a nivel descriptivo del estilo o el movimiento).

El historiador de arte estadounidense Edward A. Shanken señala el ejemplo de Roy Ascott , que "demuestra poderosamente las intersecciones significativas entre el arte conceptual y el arte y la tecnología, haciendo estallar la autonomía convencional de estas categorías histórico-artísticas". Ascott, el artista británico más estrechamente asociado con el arte cibernético en Inglaterra, no fue incluido en Cybernetic Serendipity porque su uso de la cibernética era principalmente conceptual y no utilizaba explícitamente la tecnología. Por el contrario, aunque su ensayo sobre la aplicación de la cibernética al arte y la pedagogía del arte, "The Construction of Change" (1964), fue citado en la página de dedicatoria (a Sol LeWitt) de Six Years: The Dematerialization of the Art Object from 1966 to 1972 , de Lucy R. Lippard , la anticipación y contribución de Ascott a la formación del arte conceptual en Gran Bretaña ha recibido escaso reconocimiento, tal vez (e irónicamente) porque su trabajo estaba demasiado relacionado con el arte y la tecnología. Otra intersección vital fue explorada en el uso que Ascott hizo del tesauro en Conexiones telemáticas:: línea de tiempo de 1963, que trazó un paralelo explícito entre las cualidades taxonómicas de los lenguajes verbales y visuales, un concepto que sería retomado en Segunda investigación, Proposición 1 (1968) de Joseph Kosuth y Elementos de un mapa incompleto (1968) de Mel Ramsden .

Historia contemporánea

El protoconceptualismo tiene sus raíces en el auge del modernismo con, por ejemplo, Manet (1832-1883) y más tarde Marcel Duchamp (1887-1968). La primera ola del movimiento de "arte conceptual" se extendió aproximadamente desde 1967 [22] hasta 1978. Los primeros artistas "conceptuales" como Henry Flynt (1940-), Robert Morris (1931-2018) y Ray Johnson (1927-1995) influyeron en el movimiento posterior, ampliamente aceptado, del arte conceptual. Artistas conceptuales como Dan Graham , Hans Haacke y Lawrence Weiner han demostrado ser muy influyentes en artistas posteriores, y artistas contemporáneos conocidos como Mike Kelley o Tracey Emin a veces son etiquetados [¿ por quién? ] como conceptualistas "de segunda o tercera generación", o artistas " posconceptuales " (el prefijo Post- en arte puede interpretarse con frecuencia como "debido a").

Los artistas contemporáneos han retomado muchas de las preocupaciones del movimiento del arte conceptual, aunque puedan o no autodenominarse "artistas conceptuales". Ideas como la antimercantilización, la crítica social y/o política y las ideas/información como medio siguen siendo aspectos del arte contemporáneo, especialmente entre los artistas que trabajan con el arte de instalación , el arte de performance , la intervención artística , el net.art y el arte electrónico / digital . [23] [ necesita cita para verificar ]

Renacimiento

El arte neoconceptual describe las prácticas artísticas de la década de 1980 y particularmente de la década de 1990 hasta la fecha que se derivan del movimiento de arte conceptual de las décadas de 1960 y 1970. Estas iniciativas posteriores han incluido a los conceptualistas de Moscú , los neoconceptualistas estadounidenses como Sherrie Levine y los Jóvenes Artistas Británicos , en particular Damien Hirst y Tracey Emin en el Reino Unido .

Ejemplos notables

Jacek Tylicki , Escultura de piedra, Da si puedes, toma si tienes que hacerlo . Isla Palolem, India , 2008
Detalle de la instalación de Barbara Kruger en Melbourne

Artistas conceptuales notables

Véase también

Referencias

  1. ^ "Dibujo mural 811 – Sol LeWitt". Archivado desde el original el 2 de marzo de 2007.
  2. ^ Sol LeWitt "Párrafos sobre arte conceptual", Artforum , junio de 1967.
  3. ^ Godrey, Tony (1988). Arte conceptual (Arte e ideas) . Londres: Phaidon Press Ltd. ISBN 978-0-7148-3388-0.
  4. ^ Joseph Kosuth, El arte después de la filosofía (1969). Reimpreso en Peter Osborne, Arte conceptual: temas y movimientos , Phaidon, Londres, 2002. p. 232
  5. ^ Arte y lenguaje, Arte-lenguaje Revista de arte conceptual : Introducción (1969). Reimpreso en Osborne (2002) p. 230
  6. ^ Ian Burn, Mel Ramsden: "Notes On Analysis" (1970). Reimpreso en Osborne (2003), p. 237. Por ejemplo, "El resultado de gran parte del trabajo 'conceptual' de los últimos dos años ha sido limpiar cuidadosamente el aire de objetos".
  7. ^ "Historia del Premio Turner: arte conceptual". Tate Gallery. tate.org.uk. Consultado el 8 de agosto de 2006.
  8. ^ Tony Godfrey, Arte conceptual, Londres: 1998. p. 28
  9. ^ "Ensayo: Arte conceptual". www.henryflynt.org .
  10. ^ "La cristalización del arte conceptual en 1961". www.henryflynt.org .
  11. ^ Henry Flynt, "Concept-Art (1962)", traducido y presentado por Nicolas Feuillie, Les presses du réel, Avant-gardes, Dijon.
  12. ^ "Arte conceptual (conceptualismo) – Artlex". Archivado desde el original el 16 de mayo de 2013.
  13. ^ Rorimer, pág. 11
  14. ^ Lucy Lippard y John Chandler, "La desmaterialización del arte", Art International 12:2, febrero de 1968. Reimpreso en Osborne (2002), pág. 218
  15. ^ Rorimer, pág. 12
  16. ^ "Ed Ruscha y la fotografía". The Art Institute of Chicago. 1 de marzo – 1 de junio de 2008. Archivado desde el original el 31 de mayo de 2010. Consultado el 14 de septiembre de 2010 .
  17. ^ Anne Rorimer, Nuevo arte en los años sesenta y setenta , Thames & Hudson, 2001; pág. 71
  18. ^ Rorimer, pág. 76
  19. ^ Peter Osborne, Arte conceptual: temas y movimientos, Phaidon, Londres, 2002. p. 28
  20. ^ Osborne (2002), pág. 28
  21. ^ "Copia archivada" (PDF) . Archivado desde el original (PDF) el 6 de diciembre de 2016. Consultado el 18 de julio de 2013 .{{cite web}}: CS1 maint: copia archivada como título ( enlace )
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  23. ^ "Arte conceptual: la historia del arte". theartstory.org . The Art Story Foundation . Consultado el 25 de septiembre de 2014 .
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