El Reino Unido cuenta con una importante industria cinematográfica desde hace más de un siglo. Si bien la producción cinematográfica alcanzó un máximo histórico en 1936, [6] se suele pensar que la "edad de oro" del cine británico tuvo lugar en la década de 1940, durante la cual los directores David Lean , [7] Michael Powell , [8] y Carol Reed [9] produjo sus obras más aclamadas por la crítica. Muchos actores británicos han conseguido éxito de crítica y reconocimiento mundial, como Audrey Hepburn , Olivia de Havilland , Vivien Leigh , Glynis Johns , Maggie Smith , Laurence Olivier , Michael Caine , [10] Sean Connery , [11] Ian Mckellen , Joan Collins , Judi Dench , Julie Andrews , Daniel Day-Lewis , Gary Oldman , Emma Thompson , Anthony Hopkins y Kate Winslet . [12] Algunas de las películas con mayores ganancias de taquilla de la historia se han realizado en el Reino Unido, incluidas la cuarta y quinta franquicias cinematográficas más taquilleras ( Harry Potter y James Bond ). [13]
La identidad de la industria cinematográfica británica, particularmente en lo que se refiere a Hollywood , ha sido a menudo objeto de debate. Su historia se ha visto a menudo afectada por los intentos de competir con la industria estadounidense. La carrera del productor Alexander Korda estuvo marcada por este objetivo, la Rank Organization lo intentó en los años 40 y Goldcrest en los 80. Numerosos directores de origen británico, entre ellos Alfred Hitchcock , Christopher Nolan y Ridley Scott , [14] e intérpretes, como Charlie Chaplin [15] y Cary Grant , han alcanzado el éxito principalmente gracias a su trabajo en los Estados Unidos.
En 2009, las películas británicas recaudaron alrededor de 2.000 millones de dólares en todo el mundo y alcanzaron una cuota de mercado de alrededor del 7% a nivel mundial y del 17% en el Reino Unido. [16] La recaudación en taquilla del Reino Unido ascendió a 1.100 millones de libras esterlinas en 2012, [17] con 172,5 millones de entradas. [18]
El British Film Institute ha elaborado una encuesta que clasifica las que consideran las 100 mejores películas británicas de todos los tiempos, el BFI Top 100 British films . [19] Los premios BAFTA anuales organizados por la Academia Británica de Artes Cinematográficas y Televisivas se consideran el equivalente británico de los Premios de la Academia . [20]
La primera película del mundo fue filmada en Leeds por Louis Le Prince en 1888 [21] [22] y las primeras películas reveladas en película de celuloide fueron realizadas en Hyde Park, Londres, en 1889 por el inventor británico William Friese Greene , [23] quien patentó el proceso en 1890.
Las primeras personas en construir y operar una cámara funcional de 35 mm en Gran Bretaña fueron Robert W. Paul y Birt Acres . Hicieron la primera película británica Incidente en Clovelly Cottage en febrero de 1895, poco antes de pelearse por la patente de la cámara. Pronto se abrieron varias compañías cinematográficas británicas para satisfacer la demanda de nuevas películas, como Mitchell y Kenyon en Blackburn .
Aunque las primeras películas británicas trataban de acontecimientos cotidianos, a principios del siglo XX aparecieron los cortometrajes narrativos, principalmente comedias y melodramas. Las primeras películas tenían a menudo un tono melodramático y había una clara preferencia por tramas ya conocidas por el público, en particular, adaptaciones de obras de Shakespeare y novelas de Dickens .
Los hermanos Lumière llevaron su espectáculo a Londres por primera vez en 1896. En 1898, el productor estadounidense Charles Urban amplió la Warwick Trading Company, con sede en Londres , para producir películas británicas, principalmente documentales y noticias.
En 1898, se fundó Gaumont-British Picture Corp. como filial de la francesa Gaumont Film Company , y en 1915 se construyeron los estudios Lime Grove en el oeste de Londres , el primer edificio construido en Gran Bretaña exclusivamente para la producción cinematográfica. También en 1898, Cecil Hepworth fundó Hepworth Studios en Lambeth , al sur de Londres , los Bamforth comenzaron a producir películas en Yorkshire y William Haggar comenzó a producir películas en Gales .
Dirigida por Walter R. Booth en 1901, Scrooge, o el fantasma de Marley es la primera adaptación cinematográfica de la novela festiva de Charles Dickens, Un cuento de Navidad . [24] La mano del artista (1906) de Booth ha sido descrita como la primera película animada británica. [25] [26]
En 1902, Will Barker fundó Ealing Studios , convirtiéndose en el estudio de cine en funcionamiento continuo más antiguo del mundo.
En 1902 se realizó la primera película en color del mundo; Como otras películas realizadas en la época, trata de acontecimientos cotidianos. En 2012, fue encontrado por el Museo Nacional de Ciencia y Medios de Bradford después de permanecer olvidado en una lata vieja durante 110 años. Se pensaba que el título anterior de la primera película en color, que utilizaba el proceso inferior Kinemacolor de Urban , databa de 1909. Las películas redescubiertas fueron realizadas por el pionero Edward Raymond Turner de Londres, quien patentó su proceso el 22 de marzo de 1899. [27]
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En 1909, Urban formó la Natural Color Kinematograph Company , que produjo las primeras películas en color utilizando su proceso patentado Kinemacolor. Más tarde, Greene impugnó esto ante los tribunales, lo que provocó que la empresa cerrara en 1914. [28]
En 1903, Cecil Hepworth y Percy Stow dirigieron Alicia en el país de las maravillas , la primera adaptación cinematográfica del libro infantil de Lewis Carroll Alicia en el país de las maravillas . [29]
En 1903, Frank Mottershaw de Sheffield produjo la película A Daring Daylight Robbery , que lanzó el género de las persecuciones.
En 1911, se fundó Ideal Film Company en Soho, Londres , distribuyendo casi 400 películas en 1934 y produciendo 80.
En 1913, el director de escena Maurice Elvey comenzó a dirigir películas británicas, convirtiéndose en el director de cine más prolífico de Gran Bretaña, con casi 200 en 1957.
En 1914, se fundaron los estudios Elstree , que fueron adquiridos en 1928 por el alemán Ludwig Blattner , quien inventó un sistema de grabación en cinta magnética de acero que fue adoptado por la BBC en 1930.
En 1915, se formó la Sociedad de Inquilinos de Cinematógrafos de Gran Bretaña e Irlanda para representar a las empresas de distribución de películas . Es el organismo comercial cinematográfico más antiguo del mundo. Era conocida como Sociedad de Distribuidores de Películas hasta que volvió a cambiar su nombre por el de Asociación de Distribuidores de Películas (FDA). [30]
En 1920, Gaumont abrió Islington Studios , donde Alfred Hitchcock comenzó, vendiéndose a Gainsborough Pictures en 1927. También en 1920, Sir Oswald Stoll fundó Cricklewood Studios , convirtiéndose en el estudio cinematográfico más grande de Gran Bretaña, conocido por las series de películas de Fu Manchu y Sherlock Holmes. .
En 1920, el actor Leslie Howard (también productor y director) y su amigo y editor de historias Adrian Brunel fundaron en Londres la efímera compañía Minerva Films . Algunas de sus primeras películas incluyen cuatro escritas por AA Milne , entre ellas The Bump , protagonizada por C. Aubrey Smith ; Dos veces dos ; Recompensa de cinco libras ; y Ratones de biblioteca . [31]
A mediados de la década de 1920, la industria cinematográfica británica estaba perdiendo frente a la fuerte competencia de los Estados Unidos, a la que ayudaba su mercado interno mucho más grande: en 1914, el 25% de las películas proyectadas en el Reino Unido eran británicas, pero en 1926 esa cifra se había reducido a 5%. [32] La crisis de 1924 provocó el cierre de muchos estudios cinematográficos británicos, lo que provocó la aprobación de la Ley de películas cinematográficas de 1927 para impulsar la producción local, exigiendo que los cines proyectaran un cierto porcentaje de películas británicas. La ley fue técnicamente un éxito, ya que el público de las películas británicas superó la cuota requerida, pero tuvo el efecto de crear un mercado para películas de baja calidad y bajo costo, realizadas para satisfacer la cuota. Los historiadores suelen culpar a las "cuotas rápidas", como se las conoció, de frenar el desarrollo de la industria. Sin embargo, algunos cineastas británicos, como Michael Powell , aprendieron su oficio haciendo este tipo de películas. La ley fue modificada con la Ley de Películas Cinematográficas de 1938 que ayudó a la industria cinematográfica británica al especificar que solo las películas realizadas y filmadas en Gran Bretaña se incluirían en la cuota, una ley que redujo gravemente la producción cinematográfica canadiense y australiana.
Irónicamente, la mayor estrella de la era del cine mudo, el comediante inglés Charlie Chaplin , vivía en Hollywood . [33]
El abogado escocés John Maxwell fundó British International Pictures (BIP) en 1927. Con sede en los antiguos estudios British National Pictures en Elstree, los propietarios originales de las instalaciones, incluido el productor y director Herbert Wilcox , habían atravesado dificultades financieras. [34] Una de las primeras películas de la compañía, Chantaje (1929), de Alfred Hitchcock , a menudo se considera la primera película sonora británica. [35] [36] Era un medio sonoro con partitura sincronizada y efectos de sonido. A principios de 1929, se estrenó el primer largometraje británico totalmente hablado, The Clue of the New Pin . Se basó en una novela de Edgar Wallace , protagonizada por Donald Calthrop, Benita Home y Fred Raines, que fue realizada por British Lion en sus Beaconsfield Studios . BIP de John Maxwell se convirtió en Associated British Picture Corporation (ABPC) en 1933. [37] Los estudios de ABPC en Elstree llegaron a ser conocidos como la "fábrica de gachas", según Lou Alexander, "por razones más probablemente relacionadas con la cantidad de películas". que resultó la empresa, que su calidad". [38] Elstree (estrictamente hablando, casi todos los estudios estaban en el vecino Borehamwood ) se convirtió en el centro de la industria cinematográfica británica, con seis complejos cinematográficos a lo largo de los años, todos muy próximos entre sí. [39]
En 1927, las cadenas de cines más grandes del Reino Unido contaban con alrededor de 20 salas, pero al año siguiente Gaumont-British se expandió significativamente hasta convertirse en la más grande, controlando 180 salas en 1928 y hasta 300 en 1929. Maxwell formó ABC Cinemas en 1927, que se convirtió en una filial de BIP y llegó a convertirse en una de las más grandes del país, junto con Odeon Cinemas , fundada por Oscar Deutsch , quien abrió su primer cine en 1928. En 1937, estas tres cadenas controlaban casi una cuarta parte de todos los cines del país. país. La contratación de una de estas cadenas era indispensable para el éxito de cualquier película británica. [32]
Con la llegada de las películas sonoras, muchos actores extranjeros tuvieron menos demanda, y la pronunciación recibida en inglés era comúnmente utilizada; por ejemplo, la voz de la actriz checa Anny Ondra en Chantaje fue sustituida por Joan Barry fuera de cámara durante las escenas de Ondra.
A partir de Drifters de John Grierson (también 1929), el período vio el surgimiento de la escuela del Movimiento de Cine Documental realista , asociado desde 1933 con la GPO Film Unit . Fue Grierson quien acuñó el término " documental " para describir una película de no ficción, y produjo las primeras películas más famosas del movimiento, Night Mail (1936), escrita y dirigida por Basil Wright y Harry Watt , e incorporando el poema de WH. Auden hacia el final del corto.
Los music halls también resultaron influyentes en las películas de comedia de este período, y surgieron varias personalidades populares, entre ellas George Formby , Gracie Fields , Jessie Matthews y Will Hay . Estas estrellas solían hacer varias películas al año y sus producciones siguieron siendo importantes para fines morales durante la Segunda Guerra Mundial .
Muchas de las películas británicas con mayores presupuestos durante la década de 1930 fueron producidas por London Films , fundada por el emigrado húngaro Alexander Korda . El éxito de La vida privada de Enrique VIII (1933), realizada en los estudios británicos y Dominions Elstree , persuadió a United Artists y The Prudential a invertir en los Denham Film Studios de Korda , que se inauguraron en mayo de 1936, pero ambos inversores sufrieron pérdidas como resultado. [40] Las películas de Korda antes de la guerra incluyeron Things to Come , Rembrandt (ambas de 1936) y Knight Without Armor (1937), así como las primeras películas en tecnicolor The Drum (1938) y The Four Feathers (1939). Estos habían seguido de cerca a Wings of the Morning (1937), el primer largometraje en tecnicolor de tres tiras del Reino Unido, realizado por la filial local de 20th Century Fox . Aunque algunas de las películas de Korda se permitieron "ondear implacablemente la bandera pro-Imperio", aquellas en las que aparecía Sabu lo convirtieron en "una gran estrella internacional"; [41] "Durante muchos años" tuvo el perfil más alto de cualquier actor de origen indio. [42] Paul Robeson también fue elegido para papeles principales cuando "apenas había oportunidades" para que los afroamericanos "desempeñaran papeles desafiantes" en las producciones de su propio país. [43]
En 1933, el British Film Institute se estableció como la principal organización cinematográfica en el Reino Unido. [44] Crearon la Filmoteca Nacional en 1935 (ahora conocida como Archivo Nacional BFI), con Ernest Lindgren como su curador.
En 1934, J. Arthur Rank se convirtió en cofundador de British National Films Company y ayudaron a crear Pinewood Studios , que se inauguró en 1936. También en 1936, Rank se hizo cargo de General Film Distributors y en 1937, Rank fundó The Rank Organization . En 1938, General Film Distributors se afilió a Odeon Cinemas.
El aumento del gasto y las expectativas demasiado optimistas de expansión en el mercado americano provocaron una crisis financiera en 1937, [45] después de que en 1936 se estrenara un máximo histórico de 192 películas. De las 640 productoras británicas registradas entre 1925 y 1936, sólo 20 todavía estaban activas en 1937. Además, la Ley de Películas de 1927 estaba pendiente de renovación. La sustitutiva Ley de Películas Cinematográficas de 1938 proporcionó incentivos, mediante una " prueba de calidad ", para que las empresas del Reino Unido hicieran menos películas, pero de mayor calidad, y eliminaran las "cuotas rápidas". Influenciado por la política mundial, fomentó las inversiones y las importaciones estadounidenses. Un resultado fue la creación de MGM-British , filial inglesa del mayor estudio estadounidense, que produjo cuatro películas antes de la guerra, entre ellas Goodbye, Mr. Chips (1939).
La nueva empresa se basó inicialmente en Denham Studios. El propio Korda perdió el control de las instalaciones en 1939 ante la Organización Rank. [46] Las circunstancias obligaron a que Korda, El ladrón de Bagdad (1940), una espectacular película de fantasía, se completara en California, donde Korda continuó su carrera cinematográfica durante la guerra.
Alfred Hitchcock, ahora contratado por Gaumont British, se había decidido por el género del thriller a mediados de la década de 1930 con El hombre que sabía demasiado (1934), Los 39 pasos (1935) y La dama desaparece (1938). Elogiado en Gran Bretaña, donde la revista Picturegoer lo apodó "Alfred el Grande" , la reputación de Hitchcock estaba comenzando a desarrollarse en el extranjero, como afirmó un articulista del New York Times ; "Los británicos tienen tres instituciones únicas y valiosas que nosotros en Estados Unidos no tenemos. La Carta Magna , el Tower Bridge y Alfred Hitchcock, el mayor director de melodramas cinematográficos del mundo". [47] Hitchcock luego firmó un contrato de siete años con Selznick y se mudó a Hollywood .
"La idea de una nación de cinéfilos devotos está indisolublemente ligada al número de películas clásicas estrenadas durante los años de la guerra. Esta fue la 'edad de oro' del cine británico, un período en el que cineastas como Humphrey Jennings, David Lean, Powell y Pressburger y Carol Reed pasaron a primer plano." [48]
Publicada en The Times el 5 de septiembre de 1939, dos días después de que Gran Bretaña declarara la guerra a Alemania, la carta de George Bernard Shaw protestaba contra una orden gubernamental de cerrar todos los lugares de entretenimiento, incluidos los cines. "¿Qué agente del Canciller Hitler es el que ha sugerido que todos deberíamos encogernos en la oscuridad y el terror "mientras dure"?". Dos semanas después de la orden se reabrieron los cines de las provincias, seguidos por los del centro de Londres al cabo de un mes. [48] En 1940, las cifras de entradas al cine aumentaron, a poco más de mil millones por año, y continuaron aumentando hasta más de 1,5 mil millones en 1943, 1944 y 1945. [48]
Humphrey Jennings comenzó su carrera como realizador de documentales justo antes de la guerra, en algunos casos trabajando en colaboración con codirectores. London Can Take It (con Harry Wat , 1940) detalló el Blitz, mientras que Listen to Britain (con Stewart McAllister , 1942) analizó el frente interno. [49] La Crown Film Unit , [49] parte del Ministerio de Información asumió las responsabilidades de la GPO Film Unit en 1940. Paul Rotha y Alberto Cavalcanti eran colegas de Jennings. Las películas británicas empezaron a utilizar técnicas documentales; Cavalcanti se unió a Ealing para ¿Fue bien el día? (1942),
Muchas otras películas ayudaron a dar forma a la imagen popular de la nación en guerra. Entre las más conocidas se encuentran In Which We Serve (1942), We Dive at Dawn (1943), Millions Like Us (1943) y The Way Ahead (1944). Los años de la guerra también vieron el surgimiento de la asociación The Archers entre el director Michael Powell y el escritor y productor de origen húngaro Emeric Pressburger con películas como La vida y muerte del coronel Blimp (1943) y Un cuento de Canterbury (1944).
Two Cities Films , una productora independiente que estrena sus películas a través de una filial de Rank, también realizó algunas películas importantes, incluidas las colaboraciones de Noël Coward y David Lean This Happy Breed (1944) y Blithe Spirit (1945), así como Henry de Laurence Olivier . V (1944). En ese momento, Gainsborough Studios estaba lanzando su serie de melodramas de época inmensamente populares pero ridiculizados por la crítica, incluidos The Man in Grey (1943) y The Wicked Lady (1945). Nuevas estrellas, como Margaret Lockwood y James Mason , surgieron en las películas de Gainsborough.
Hacia finales de la década de 1940, la Rank Organization se convirtió en la fuerza dominante detrás del cine británico, habiendo adquirido varios estudios británicos y la cadena Gaumont (en 1941) para añadirlos a sus cines Odeon. La grave crisis financiera de Rank en 1949, una pérdida sustancial y una deuda, provocaron la contracción de su producción cinematográfica. [50] En la práctica, Rank mantuvo un duopolio industrial con ABPC (luego absorbido por EMI) durante muchos años.
Por el momento, la industria alcanzó nuevas alturas de creatividad en los años inmediatos a la posguerra. Entre las películas más importantes producidas durante este período se encuentran Brief Encounter (1945) de David Lean y sus adaptaciones de Dickens Great Expectations (1946) y Oliver Twist (1948), la comedia Miranda (1948) de Ken Annakin protagonizada por Glynis Johns y Carol Reed. Los thrillers de Odd Man Out (1947) y The Third Man (1949), y A Matter of Life and Death (1946) de Powell y Pressburger, Black Narcissus (1947) y The Red Shoes (1948), la película de mayor éxito comercial de su año en los Estados Unidos. Hamlet de Laurence Olivier (también 1948), fue la primera película no estadounidense en ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película . Ealing Studios (respaldado financieramente por Rank) comenzó a producir sus comedias más famosas, y tres de las películas más recordadas, Whiskey Galore (1948), Kind Hearts and Coronets y Passport to Pimlico (ambas de 1949), se estrenaron casi simultáneamente. Su película de terror Dead of Night (1945) también goza de gran prestigio.
En virtud de la Ley de Derechos de Importación de 1932 , HM Treasury impuso un arancel del 75% a todas las importaciones de películas el 6 de agosto de 1947, que pasó a ser conocido como Dalton Duty (en honor a Hugh Dalton, entonces Ministro de Hacienda ). El impuesto entró en vigor el 8 de agosto y se aplica a todas las películas importadas, de las cuales la inmensa mayoría procedía de los Estados Unidos; Los ingresos de los estudios cinematográficos estadounidenses procedentes del Reino Unido superaron los 68 millones de dólares en 1946. Al día siguiente, 9 de agosto, la Motion Picture Association of America anunció que no se suministrarían más películas a los cines británicos hasta nuevo aviso. El Dalton Duty terminó el 3 de mayo de 1948 y los estudios estadounidenses volvieron a exportar películas al Reino Unido, aunque el Plan Marshall prohibía a las compañías cinematográficas estadounidenses sacar divisas de los países en los que se proyectaban sus películas .
A raíz de la Ley de producción cinematográfica (préstamos especiales) de 1949, se estableció la Corporación Nacional de Financiación Cinematográfica (NFFC) como agencia británica de financiación cinematográfica.
El Eady Levy , que lleva el nombre de Sir Wilfred Eady , era un impuesto sobre los ingresos de taquilla en el Reino Unido con el fin de apoyar a la industria cinematográfica británica. Se estableció en 1950 y entró en vigor en 1957. Un pago gubernamental directo a los productores con sede en Gran Bretaña habría calificado como un subsidio según los términos del Acuerdo General sobre Aranceles Aduaneros y Comercio , y habría dado lugar a objeciones de los productores cinematográficos estadounidenses . Un impuesto indirecto no se consideraba una subvención y, por tanto, era una forma adecuada de proporcionar financiación adicional a la industria cinematográfica del Reino Unido evitando al mismo tiempo las críticas del extranjero.
En 1951, el Teatro Nacional de Cine se inauguró inicialmente en un edificio temporal en el Festival de Gran Bretaña . Se trasladó a su ubicación actual en el South Bank de Londres para el primer Festival de Cine de Londres el 16 de octubre de 1957 dirigido por el BFI. [52]
Durante la década de 1950, la industria británica comenzó a concentrarse en comedias populares y dramas de la Segunda Guerra Mundial dirigidos más directamente al público nacional. Las películas de guerra a menudo se basaban en historias reales y se hacían con un estilo discreto similar al de sus predecesoras en tiempos de guerra. Ayudaron a convertir en estrellas a actores como John Mills , Jack Hawkins y Kenneth More . Algunos de los más exitosos fueron The Cruel Sea (1953), The Dam Busters (1954), The Colditz Story (1955) y Reach for the Sky (1956).
The Rank Organization produjo algunos éxitos cómicos, como Genevieve (1953). El equipo de guionistas, directores y productores formado por los hermanos gemelos John y Roy Boulting también produjo una serie de sátiras exitosas sobre la vida y las instituciones británicas, comenzando con Private's Progress (1956) y continuando con (entre otras) Brothers in Law (1957), Carlton -Browne del FO (1958), y I'm All Right Jack (1959). Protagonizada por School for Scoundrels (1960), el British Film Institute pensó que Terry-Thomas era "sobresaliente como un clásico británico". [53]
La serie de comedia popular incluyó la serie "Doctor", comenzando con Doctor in the House (1954). La serie originalmente fue protagonizada por Dirk Bogarde , probablemente la estrella más popular de la industria británica de la década de 1950, aunque películas posteriores tuvieron a Michael Craig y Leslie Phillips en papeles principales. La serie Carry On comenzó en 1958 con entregas regulares que aparecieron durante los siguientes veinte años. El director y productor italiano Mario Zampi también realizó varias comedias negras de éxito , entre ellas La risa en el paraíso (1951), La verdad desnuda (1957) y Demasiados ladrones (1958). Ealing Studios había continuado su serie de comedias exitosas, incluidas The Lavender Hill Mob (1951) y The Ladykillers (1955), pero la compañía cesó la producción en 1958, después de que la BBC ya había comprado los estudios .
Una censura menos restrictiva a finales de la década de 1950 animó al productor cinematográfico Hammer Films a embarcarse en su serie de películas de terror de éxito comercial. Comenzando con adaptaciones de las series de ciencia ficción de la BBC de Nigel Kneale The Quatermass Experiment (1955) y Quatermass II (1957), Hammer rápidamente pasó a The Curse of Frankenstein (1957) y Dracula (1958), ambas engañosamente lujosas y el primer horror gótico. películas en color. El estudio produjo numerosas secuelas y variantes, siendo los actores ingleses Peter Cushing y Christopher Lee los protagonistas más habituales. Peeping Tom (1960), un thriller ahora muy apreciado, con elementos de terror, ambientado en el período contemporáneo, fue mal recibido por la crítica de la época y acabó efectivamente con la carrera de Michael Powell, su director.
Los cineastas británicos de la Nueva Ola intentaron producir películas de realismo social (ver también ' realismo del fregadero de la cocina ') intentaron en largometrajes comerciales estrenados entre 1959 y 1963 aproximadamente transmitir narrativas sobre un espectro más amplio de personas en Gran Bretaña que las películas anteriores del país. . Estos individuos, principalmente Karel Reisz , Lindsay Anderson y Tony Richardson , también participaron en la breve revista de cine de Oxford Sequence y en el movimiento de cine documental " Free Cinema ". La declaración de 1956 de Free Cinema, cuyo nombre fue acuñado por Anderson, afirmaba: "Ninguna película puede ser demasiado personal. La imagen habla. Los sonidos se amplifican y comentan. El tamaño es irrelevante. La perfección no es un objetivo. Una actitud significa un estilo. estilo significa actitud." Anderson, en particular, despreciaba la industria del cine comercial. Sus documentales incluyeron Every Day Except Christmas de Anderson , entre varios patrocinados por Ford of Britain , y Momma Don't Allow de Richardson . Otro miembro de este grupo, John Schlesinger , realizó documentales para la serie de artes Monitor de la BBC .
Junto con el futuro coproductor de James Bond, Harry Saltzman , el dramaturgo John Osborne y Tony Richardson fundaron la empresa Woodfall Films para producir sus primeros largometrajes. Estas incluyeron adaptaciones de las producciones teatrales de Richardson de Look Back in Anger (1959) de Osborne, con Richard Burton , y The Entertainer (1960) con Laurence Olivier , ambas basadas en guiones del propio Osborne. Películas como Saturday Night and Sunday Morning (también de 1960) de Reisz, A Taste of Honey (1961) de Richardson, A Kind of Loving (1962) y Billy Liar (1963) de Schlesinger y This Sporting Life (1963) de Anderson se asocian a menudo con una nueva apertura sobre la vida de la clase trabajadora o sobre cuestiones que antes eran tabú.
El equipo de Basil Dearden y Michael Relph , de una generación anterior, "investigó las cuestiones sociales que ahora enfrentaban la estabilidad social y el establecimiento del consenso prometido en tiempos de paz". [54] Piscina de Londres (1950). [55] y Sapphire (1959) fueron los primeros intentos de crear narrativas sobre las tensiones raciales y una Gran Bretaña multicultural emergente. [56] Victim de Dearden y Relph (1961), trataba sobre el chantaje a los homosexuales. Influenciada por el informe Wolfenden de cuatro años antes, que defendía la despenalización de la actividad sexual homosexual, esta fue "la primera película británica que trata explícitamente la homosexualidad". [57] Sin embargo, a diferencia de los cineastas de la Nueva Ola, las respuestas críticas al trabajo de Dearden y Relph no han sido generalmente positivas. [54] [58]
A medida que avanzaba la década de 1960, los estudios estadounidenses volvieron a apoyar financieramente las películas británicas, especialmente aquellas que capitalizaban la imagen del " Londres oscilante " propagada por la revista Time en 1966. Películas como Darling , The Knack... y How to Get It (ambas de 1965). , Alfie y Georgy Girl (ambos de 1966), exploraron este fenómeno. Blowup (también 1966), y más tarde Women in Love (1969), mostraron por primera vez desnudez frontal femenina y luego masculina en la pantalla de las principales películas británicas.
Al mismo tiempo, los productores de cine Harry Saltzman y Albert R. Broccoli combinaron sexo con lugares exóticos, violencia casual y humor autorreferencial en la exitosa serie de James Bond con Sean Connery en el papel principal. La primera película Dr. No (1962) fue un éxito inesperado en el Reino Unido y la segunda, Desde Rusia con amor (1963), un éxito mundial. En el momento de la tercera película, Goldfinger (1964), la serie se había convertido en un fenómeno global, alcanzando su pico comercial con Thunderball al año siguiente. El éxito de la serie provocó un auge de las películas de espías con muchas imitaciones de Bond. El coproductor de Bond, Saltzman, también instigó una serie rival de películas de espías más realistas basadas en las novelas de Len Deighton . Michael Caine interpretó al espía con gafas Harry Palmer en The Ipcress File (1965) y dos secuelas en los años siguientes. Otras películas de espionaje más pesimistas fueron adaptadas de novelas de John le Carré , como El espía que vino del frío (1965) y El asunto mortal (1966).
Los directores estadounidenses trabajaron regularmente en Londres durante toda la década, pero varios se convirtieron en residentes permanentes en el Reino Unido. Joseph Losey , incluido en la lista negra de Estados Unidos, tuvo una influencia significativa en el cine británico de la década de 1960, particularmente con sus colaboraciones con el dramaturgo Harold Pinter y el protagonista Dirk Bogarde , incluidas The Servant (1963) y Accident (1967). Los exiliados voluntarios Richard Lester y Stanley Kubrick también estuvieron activos en el Reino Unido. Lester tuvo grandes éxitos con la película de The Beatles A Hard Day's Night (1964) y The Knack...and How to Get It (1965) y Kubrick con Dr. Strangelove (1963) y 2001: A Space Odyssey (1968). Si bien Kubrick se instaló en Hertfordshire a principios de la década de 1960 y permanecería en Inglaterra durante el resto de su carrera, estas dos películas conservaron una fuerte influencia estadounidense. Otras películas de esta época involucraron a destacados cineastas de otras partes de Europa, Repulsion (1965) y Blowup (1966) fueron las primeras películas en inglés del director polaco Roman Polanski y el italiano Michelangelo Antonioni , respectivamente.
Películas históricas tan diversas como Lawrence de Arabia (1962), Tom Jones (1963) y Un hombre para todas las estaciones (1966) se beneficiaron de la inversión de los estudios estadounidenses. Se montaban regularmente películas importantes como Becket (1964), Khartoum (1966) y The Charge of the Light Brigade (1968), mientras que películas de menor escala, incluida Accident (1967), fueron grandes éxitos de crítica. Cuatro de las ganadoras del Premio de la Academia a la mejor película de la década fueron producciones británicas, incluidos seis premios Oscar por la película musical Oliver! (1968), basada en la novela de Charles Dickens Oliver Twist .
Después de dirigir varias contribuciones a la serie de antología Wednesday Play de la BBC , Ken Loach comenzó su carrera cinematográfica con la realista social Poor Cow (1967) y Kes (1969). Mientras tanto, la polémica en torno a Peter Watkins The War Game (1965), que ganó el Oscar a la mejor película documental en 1967, pero que había sido suprimida por la BBC que lo había encargado, llevaría finalmente a Watkins a trabajar exclusivamente fuera de Gran Bretaña.
Los estudios estadounidenses recortaron las producciones británicas y, en muchos casos, retiraron por completo su financiación. Todavía se hacían películas financiadas por intereses estadounidenses, incluida La vida privada de Sherlock Holmes (1970) de Billy Wilder , pero durante un tiempo resultó difícil conseguir fondos.
Una censura más relajada también trajo consigo varias películas controvertidas, entre ellas Performance de Nicolas Roeg y Donald Cammell , The Devils (1971) de Ken Russell , Straw Dogs (1971) de Sam Peckinpah y A Clockwork Orange (1971) de Stanley Kubrick . Protagonizada por Malcolm McDowell como el líder de una banda de matones en una Gran Bretaña futura distópica . [59]
Otras películas de principios de la década de 1970 incluyeron el drama eduardiano The Go-Between (1971), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , el thriller sobrenatural de Nicolas Roeg ambientado en Venecia Don't Look Now (1973) y Mike Hodges . drama de gánsteres Get Carter (1971) protagonizado por Michael Caine . Alfred Hitchcock regresó a Gran Bretaña para rodar Frenzy (1972). Otras producciones como Young Winston (1972) de Richard Attenborough y A Bridge Too Far (1977) tuvieron un éxito comercial desigual. El ciclo de cine de terror británico asociado con Hammer Film Productions, Amicus y Tigon llegó a su fin, a pesar de los intentos de Hammer de darle vida a la fórmula con más desnudez y sangre. Aunque se hicieron algunos intentos de ampliar la gama de películas de terror británicas, como The Wicker Man (1973), estas películas tuvieron poco impacto en la taquilla. En 1976, British Lion, que produjo The Wicker Man , finalmente fue absorbida por la división cinematográfica de EMI , que se había hecho cargo de ABPC en 1969. Continuó el duopolio en la exhibición de cine británico, a través de Rank y ahora EMI.
A principios de la década de 1970, el gobierno redujo su financiación a la National Film Finance Corporation, por lo que la NFFC comenzó a operar como un consorcio, incluso con bancos, lo que los llevó a utilizar criterios más comerciales para financiar películas británicas en lugar de centrarse en la calidad o los nuevos talentos. , pasando a financiar películas basadas en programas de televisión como Up Pompeii (1971). [60]
Algunos otros productores británicos, incluido Hammer, recurrieron a la televisión en busca de inspiración, y las versiones en pantalla grande de comedias populares como On the Buses (1971) y Steptoe and Son (1972) tuvieron éxito entre el público nacional; la primera tuvo mayores retornos de taquilla nacional en Su año que la película de Bond, Diamonds Are Forever y en 1973, un actor británico establecido, Roger Moore, fue elegido para interpretar a Bond en Live and Let Die . Fue un éxito comercial y Moore continuaría en el papel durante los siguientes 12 años. Las comedias sexuales británicas de bajo presupuesto incluyeron la serie Confesiones de... protagonizada por Robin Askwith , comenzando con Confesiones de un limpiador de ventanas (1974). Películas de comedia más elevadas vinieron del equipo Monty Python , también de la televisión. Sus dos películas más exitosas fueron Monty Python and the Holy Grail (1975) y Monty Python's Life of Brian (1979), esta última un gran éxito comercial, probablemente al menos en parte debido a la controversia en ese momento en torno a su tema.
Algunas producciones estadounidenses regresaron a los principales estudios británicos entre 1977 y 1979, incluida la original Star Wars (1977) en Elstree Studios , Superman (1978) en Pinewood y Alien (1979) en Shepperton . En la década se realizaron adaptaciones exitosas de las novelas de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express (1974) y Muerte en el Nilo (1978). La entrada de la empresa ITC de Lew Grade en la producción cinematográfica en la segunda mitad de la década trajo sólo unos pocos éxitos de taquilla y un número insostenible de fracasos.
En 1980, sólo se hicieron 31 películas británicas, [6] una disminución del 50% respecto al año anterior y la cifra más baja desde 1914, y la producción volvió a caer en 1981 a 24 películas. [6] La industria sufrió nuevos golpes por la caída de la asistencia al cine, que alcanzó un mínimo histórico de 54 millones en 1984, y la eliminación del Eady Levy de 1957 , una concesión fiscal, en el mismo año. La concesión había hecho posible que una compañía cinematográfica con sede en el extranjero amortizara una gran cantidad de sus costos de producción filmando en el Reino Unido; esto fue lo que atrajo una sucesión de producciones estadounidenses de gran presupuesto a los estudios británicos en los años 1970. [ cita necesaria ] Estos factores llevaron a cambios significativos en la industria, y la rentabilidad de las películas británicas ahora "depende cada vez más de los mercados secundarios como el video y la televisión, y el Canal 4 ... [se convirtió] en una parte crucial de la ecuación de financiación. " [61]
Con la eliminación del impuesto, se introdujeron los multicines en el Reino Unido con la apertura de un cine de diez salas por parte de AMC Cinemas en The Point en Milton Keynes en 1985 y el número de pantallas en el Reino Unido aumentó en alrededor de 500 durante la década. lo que llevó a un aumento de asistencia de casi 100 millones al final de la década. [62] [63]
La década de 1980 pronto vio un optimismo renovado, liderado por productoras independientes más pequeñas como Goldcrest , HandMade Films y Merchant Ivory Productions .
Handmade Films, que era en parte propiedad de George Harrison , se formó originalmente para hacerse cargo de la producción de Life of Brian de Monty Python , después de que Bernard Delfont de EMI (hermano de Lew Grade) se retirara. Handmade también compró y estrenó el drama de gánsteres The Long Good Friday (1980), producido por una filial de Lew Grade, después de que sus patrocinadores originales se volvieran cautelosos. Los miembros del equipo de Python participaron en otras comedias durante la década, incluidas las películas de fantasía de Terry Gilliam Time Bandits (1981) y Brazil (1985), la comedia negra Withnail & I (1987) y el éxito de John Cleese A Fish. Llamada Wanda (1988), mientras que Michael Palin protagonizó Una función privada (1984), del primer guión de Alan Bennett para la pantalla cinematográfica. [64]
El productor de Goldcrest, David Puttnam, ha sido descrito como "lo más parecido a un magnate que ha tenido el cine británico en el último cuarto del siglo XX". [65] Bajo Puttnam, surgió una generación de directores británicos haciendo películas populares con distribución internacional. Algunos de los talentos respaldados por Puttnam ( Hugh Hudson , Ridley Scott , Alan Parker y Adrian Lyne ) habían filmado comerciales; El propio Puttnam había comenzado su carrera en la industria publicitaria. Cuando Carros de fuego (1981) de Hudson ganó cuatro premios de la Academia en 1982, incluida la de Mejor Película, su escritor Colin Welland declaró "¡los británicos vienen!". [66] Cuando Gandhi (1982), otra película de Goldcrest, obtuvo el Oscar a la Mejor Película, parecía que tenía razón.
Esto impulsó un ciclo de películas de época, algunas con un gran presupuesto para una película británica, como la última película de David Lean , A Passage to India (1984), junto con las adaptaciones de menor presupuesto de Merchant Ivory de las obras de EM Forster , como como Una habitación con vistas (1986). Pero otros intentos de realizar "grandes" producciones para el mercado estadounidense terminaron en fracaso, y Goldcrest perdió su independencia después de que Revolution (1985) y Absolute Beginners (1986) fueran fracasos comerciales y críticos. Otra película de Goldcrest, La misión de Roland Joffé (también de 1986), ganó la Palma de Oro de 1986 , pero tampoco obtuvo beneficios. La anterior obra de Joffé, The Killing Fields (1984), había sido un éxito tanto de crítica como financiero. Estos fueron los dos primeros largometrajes de Joffé y se encontraban entre los producidos por Puttnam.
Principalmente fuera del sector comercial, durante los años setenta habían comenzado a surgir cineastas de los nuevos países de la Commonwealth. Presión (1975) de Horace Ové había sido financiada por el British Film Institute al igual que A Private Enterprise (1974), siendo estas las primeras películas británicas negras y británicas asiáticas , respectivamente. Sin embargo, la década de 1980 vio una ola de nuevos talentos, con películas como Babylon (1980) de Franco Rosso , Burning an Illusion (1981) de Menelik Shabazz y Ping Pong (1986) de Po-Chih Leong ; una de las primeras películas sobre la comunidad china de Gran Bretaña). Muchas de estas películas contaron con la ayuda del recién formado Canal 4 , que tenía el cometido oficial de atender a "audiencias minoritarias". El éxito comercial se logró por primera vez con My Beautiful Laundrette (1985). Trata sobre cuestiones raciales y homosexuales y se desarrolló a partir del primer guión cinematográfico de Hanif Kureishi . My Beautiful Laundrette presenta a Daniel Day-Lewis en un papel principal. Day-Lewis y otros jóvenes actores británicos que se estaban convirtiendo en estrellas, como Gary Oldman , Colin Firth , Tim Roth y Rupert Everett , fueron apodados el Brit Pack . [67]
Con la participación de Channel 4 en la producción cinematográfica, los talentos de la televisión pasaron al cine con Stephen Frears ( My Beautiful Laundrette ) y Mike Newell con Dance with a Stranger (1985). John Boorman , que había estado trabajando en los EE. UU., fue animado a regresar al Reino Unido para hacer Hope and Glory (1987). Channel Four también se convirtió en uno de los principales patrocinadores de la Junta de Producción del Instituto Británico de Cine, que respaldó a tres de los cineastas británicos más aclamados por la crítica: Derek Jarman ( El último de Inglaterra , 1987), Terence Davies ( Distant Voices, Still Lives , 1988) y Peter Vía verde ; el último obtuvo un sorprendente éxito comercial con The Draughtsman's Contract (1982) y The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989). La compañía Palace Pictures de Stephen Woolley también produjo algunas películas exitosas, incluidas The Company of Wolves (1984) y Mona Lisa (1986) de Neil Jordan , antes de colapsar en medio de una serie de películas fallidas. Entre las otras películas británicas de la década se encuentran Gregory's Girl ( 1981) y Local Hero (1983) de Bill Forsyth , Educating Rita (1983) de Lewis Gilbert , The Dresser (1983) de Peter Yates y el debut como director de Kenneth Branagh . , Enrique V (1989).
En comparación con la década de 1980, la inversión en la producción cinematográfica aumentó espectacularmente. En 1989, la inversión anual fue de unos escasos 104 millones de libras esterlinas. En 1996, esta cifra se había disparado a 741 millones de libras esterlinas. [68] Sin embargo, la dependencia de la financiación de emisoras de televisión como la BBC y el Canal 4 significó que los presupuestos eran a menudo bajos y la producción local estaba muy fragmentada: la industria cinematográfica dependía principalmente de la inversión interna de Hollywood. Según el crítico Neil Watson, se esperaba que los 90 millones de libras repartidos por la nueva Lotería Nacional entre tres franquicias (The Film Consortium, Pathé Pictures y DNA) llenaran el vacío, pero "la financiación corporativa y de capital para la producción cinematográfica del Reino Unido La industria sigue siendo escasa y la mayoría de las empresas de producción que operan en el sector siguen estando irremediablemente subcapitalizadas." [69]
Estos problemas fueron compensados en su mayor parte por PolyGram Filmed Entertainment , un estudio cinematográfico cuya filial británica Working Title Films estrenó una comedia con guión de Richard Curtis Four Weddings and a Funeral (1994). Recaudó 244 millones de dólares en todo el mundo e introdujo a Hugh Grant a la fama mundial, generó un renovado interés e inversión en películas británicas y marcó un patrón para las comedias románticas ambientadas en Gran Bretaña, incluidas Sliding Doors (1998) y Notting Hill (1999). Otras películas de Working Titles incluyeron Bean (1997), Elizabeth (1998) y Captain Corelli's Mandolin (2001). PFE finalmente se vendió y se fusionó con Universal Pictures en 1999, las esperanzas y expectativas de "construir una empresa con sede en Gran Bretaña que pudiera competir con Hollywood en su mercado local finalmente se habían derrumbado". [70]
Los incentivos fiscales permitieron a los productores estadounidenses invertir cada vez más en la producción cinematográfica del Reino Unido a lo largo de la década de 1990, incluidas películas como Entrevista con el vampiro (1994), Misión imposible (1996), Salvar al soldado Ryan (1998), Star Wars: Episodio I. La amenaza fantasma (1999) y La momia (1999). Miramax también distribuyó el aclamado thriller de Neil Jordan The Crying Game (1992), que fue generalmente ignorado en su estreno inicial en el Reino Unido, pero que tuvo un éxito considerable en los Estados Unidos. La misma compañía también disfrutó de cierto éxito al lanzar el drama de época de la BBC Enchanted April (1992) y The Wings of the Dove (1997).
Entre las películas británicas de mayor éxito se encuentran las producciones de Merchant Ivory , Howards End (1992) y The Remains of the Day (1993), Shadowlands (1993) de Richard Attenborough y las adaptaciones de Shakespeare de Kenneth Branagh . La locura del rey Jorge (1994) demostró que todavía había mercado para los dramas de época británicos , y le siguieron otras películas de época, como Sentido y sensibilidad (1995), Restauración (1995), Emma (1996), Sra. Brown (1997), Basil (1998), Shakespeare enamorado (1998) y Topsy-Turvy (1999).
Después de una pausa de seis años por razones legales, las películas de James Bond regresaron a la producción con la película número 17 de Bond, GoldenEye . Con su tradicional casa Pinewood Studios completamente reservada, se creó un nuevo estudio para la película en una antigua fábrica de motores de avión Rolls-Royce en Leavesden , Hertfordshire . [71]
Mike Leigh surgió como una figura importante del cine británico en la década de 1990, con una serie de películas financiadas por Channel 4 sobre la vida trabajadora y de clase media en la Inglaterra moderna, incluidas Life Is Sweet (1991), Naked (1993) y su mayor éxito Secrets. & Lies (1996), que ganó la Palma de Oro en Cannes.
Otros nuevos talentos que surgieron durante la década incluyeron el equipo de escritor, director y productor formado por John Hodge , Danny Boyle y Andrew Macdonald , responsables de Shallow Grave (1994) y Trainspotting (1996). Esta última película generó interés en otras producciones "regionales", incluidas las películas escocesas Small Faces (1996), Ratcatcher (1999) y My Name Is Joe (1998).
La primera década del siglo XXI fue relativamente exitosa para la industria cinematográfica británica. Muchas películas británicas encontraron una amplia audiencia internacional gracias a la financiación de BBC Films, Film 4 y el UK Film Council, y algunas productoras independientes, como Working Title, consiguieron financiación y acuerdos de distribución con los principales estudios estadounidenses. Working Title obtuvo tres grandes éxitos internacionales, todos protagonizados por Hugh Grant y Colin Firth, con las comedias románticas Bridget Jones's Diary (2001), que recaudó 254 millones de dólares en todo el mundo; la secuela Bridget Jones: The Edge of Reason , que recaudó 228 millones de dólares; y el debut como director de Richard Curtis, Love Actually (2003), que recaudó 239 millones de dólares. El más exitoso de todos, Mamma Mia! de Phyllida Lloyd . (2008), recaudó 601 millones de dólares.
La nueva década vio una nueva e importante serie cinematográfica de las películas de Harry Potter, comenzando con Harry Potter y la piedra filosofal en 2001. La compañía de David Heyman, Heyday Films, ha producido siete secuelas, y el título final se estrenó en dos partes: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 1 en 2010 y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte – Parte 2 en 2011. Todos fueron filmados en Leavesden Studios en Inglaterra. [72]
Nick Park de Aardman Animations , creador de Wallace y Gromit y la serie Creature Comforts, produjo su primer largometraje, Chicken Run en 2000. Codirigida con Peter Lord, la película fue un gran éxito en todo el mundo y una de las más películas británicas de éxito de su año. La continuación de Park, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit fue otro éxito mundial: recaudó 56 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos y 32 millones de libras esterlinas en el Reino Unido. También ganó el Premio de la Academia de 2005 a la Mejor Película de Animación.
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Sin embargo, a lo largo de la década, los directores y películas británicos ganaron premios en los principales festivales de cine internacionales a través de largometrajes financiados con fondos nacionales. En 2003, Michael Winterbottom ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín por In This World . En 2004, Mike Leigh dirigió Vera Drake , un relato de un ama de casa que lleva una doble vida como proveedora de abortos en el Londres de los años cincuenta. La película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. En 2006 Stephen Frears dirigió The Queen basada en los acontecimientos que rodearon la muerte de la princesa Diana, que ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia y los Premios de la Academia y el BAFTA a la Mejor Película. En 2006, Ken Loach ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con su relato de la lucha por la independencia irlandesa en El viento que sacude la cebada . La adaptación de Joe Wright de la novela de Ian McEwan Atonement fue nominada a 7 premios de la Academia, incluido el de Mejor Película, y ganó el Globo de Oro y el BAFTA a la Mejor Película. Slumdog Millionaire se rodó íntegramente en Mumbai con un reparto mayoritariamente indio, aunque con un director británico ( Danny Boyle ), un productor ( Christian Colson ), un guionista ( Simon Beaufoy ) y una estrella (Dev Patel). La película fue financiada totalmente por británicos a través de Film4. y Celador. Ha recibido elogios de la crítica mundial. Ha ganado cuatro Globos de Oro, siete premios BAFTA y ocho premios de la Academia, incluidos Mejor Director y Mejor Película. El discurso del rey , que cuenta la historia de los intentos del rey Jorge VI de superar su impedimento del habla, fue dirigida por Tom Hooper y filmada casi en su totalidad en Londres. Recibió cuatro premios de la Academia (incluidos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor y Mejor Guión) en 2011.
A comienzos del siglo XXI, el cine británico asiático se afirma en las taquillas, empezando por East Is East (1999) y continuando con Bend It Like Beckham (2002). Otras películas británicas asiáticas notables de este período incluyen My Son the Fanatic (1997), Ae Fond Kiss... (2004) , Mischief Night (2006) , Yasmin (2004) y Four Lions (2010). Algunos argumentan que ha traído actitudes más flexibles a la hora de elegir actores británicos negros y asiáticos, con Robbie Gee y Naomie Harris asumiendo papeles principales en Underworld y 28 días después, respectivamente.
2005 vio el surgimiento del Festival de Cine Urbano Británico , una adición oportuna al calendario de festivales de cine, que reconoció la influencia de las películas urbanas y negras en las audiencias del Reino Unido y, en consecuencia, comenzó a mostrar un perfil cada vez mayor de películas en un género que antes no se veía regularmente. en los cines de la capital. Luego, en 2006, Kidulthood , una película que representa a un grupo de adolescentes que crecen en las calles del oeste de Londres, tuvo un estreno limitado. A esto le siguió con éxito una secuela Adulthood (2008) escrita y dirigida por el actor Noel Clarke . El éxito de Kidulthood and Adulthood llevó al lanzamiento de varias otras películas en las décadas de 2000 y 2010, como Bullet Boy (2004), Life and Lyrics (2006), The Intent (2016), su secuela The Intent 2: The Come Up ( 2018), Blue Story y Rocks (ambos de 2019), todos protagonizados por actores negros-británicos.
Al igual que en la década de 1960, esta década vio muchas películas británicas dirigidas por talentos importados. El estadounidense Woody Allen rodó Match Point (2005) [73] [74] y tres películas posteriores en Londres. El director mexicano Alfonso Cuarón dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) y Los hijos de los hombres (2006); La cineasta neozelandesa Jane Campion realizó Bright Star (2009), una película ambientada en el Londres del siglo XIX; El director danés Nicolas Winding Refn realizó Bronson (2008), una película biográfica sobre el criminal inglés Michael Gordon Peterson ; el cineasta español Juan Carlos Fresnadillo dirigió 28 semanas después (2007), secuela de una película de terror británica; y dos adaptaciones de John le Carré también fueron dirigidas por extranjeros: El jardinero fiel del brasileño Fernando Meirelles y Tinker Tailor Soldier Spy del sueco Tomas Alfredson . En la década también el actor inglés Daniel Craig se convirtió en el nuevo James Bond con Casino Royale , la entrada número 21 de la serie oficial de Eon Productions.
A pesar de la creciente competencia de los estudios cinematográficos de Australia y Europa del Este, los estudios británicos como Pinewood , Shepperton y Leavesden siguieron teniendo éxito en albergar producciones importantes, incluidas Finding Neverland , Closer , Batman Begins , Charlie and the Chocolate Factory , United 93 , The Phantom of the Ópera , Sweeney Todd , El fantástico Sr. Fox , Robin Hood , X-Men: Primera generación , Hugo y War Horse .
En febrero de 2007, el Reino Unido se convirtió en el hogar de los primeros cines multiplex totalmente digitales compatibles con DCI de Europa con el lanzamiento de Odeon Hatfield y Odeon Surrey Quays (en Londres), con un total de 18 pantallas digitales.
En noviembre de 2010, Warner Bros. completó la adquisición de Leavesden Film Studios , convirtiéndose en el primer estudio de Hollywood desde la década de 1940 en tener una base permanente en el Reino Unido, y anunció planes para invertir £100 millones en el sitio. [75] [76]
Un estudio del British Film Institute publicado en diciembre de 2013 encontró que de las 613 películas británicas rastreadas estrenadas entre 2003 y 2010, solo el 7% obtuvo ganancias. Las películas con presupuestos bajos, aquellas cuya producción costó menos de 500.000 libras esterlinas, tenían incluso menos probabilidades de obtener un retorno del desembolso. De estas películas, sólo el 3,1% salió positivo. En el extremo superior de los presupuestos de la industria británica, menos de una quinta parte de las películas que costaron £10 millones obtuvieron ganancias. [77]
El 26 de julio de 2010 se anunció que el UK Film Council, que era el principal organismo responsable del desarrollo de la promoción del cine británico durante la década de 2000, sería abolido, y muchas de las funciones del organismo abolido serían asumidas por el British Film Institute. . Actores y profesionales, incluidos James McAvoy , Emily Blunt , Pete Postlethwaite , Damian Lewis , Timothy Spall , Daniel Barber e Ian Holm , hicieron campaña contra la abolición del Consejo. [79] [80] La medida también llevó al actor y director estadounidense Clint Eastwood (que había filmado De aquí en adelante en Londres) a escribir al ministro de Hacienda británico, George Osborne, en agosto de 2010 para protestar por la decisión de cerrar el Consejo. Eastwood advirtió a Osborne que el cierre podría dar lugar a que menos empresas de producción extranjeras decidieran trabajar en el Reino Unido. [81] [82] Se lanzó una campaña popular en línea [83] y los partidarios del Consejo formularon una petición.
En contrapartida, algunos profesionales, entre ellos Michael Winner y Julian Fellowes , apoyaron la decisión del Gobierno. [84] [85] [86] Varias otras organizaciones respondieron positivamente.
En el cierre del UK Film Council el 31 de marzo de 2011, The Guardian informó que "el presupuesto anual total del UKFC fue de £ 3 millones, mientras que se estima que el costo de cerrarlo y reestructurarlo fue casi cuatro veces esa cantidad". [87] Se estima que una de las últimas películas del UKFC, The King's Speech , costó 15 millones de dólares y recaudó 235 millones de dólares, además de ganar varios premios de la Academia . UKFC invirtió 1,6 millones de dólares para obtener una participación del 34% de las ganancias netas, una valiosa participación que pasará al British Film Institute. [88]
En junio de 2012, Warner abrió el estudio Leavesden remodelado. [90] Los directores británicos de mayor éxito comercial en los últimos años son Paul Greengrass , Mike Newell , Christopher Nolan , Ridley Scott y David Yates . [91]
En enero de 2012, en los estudios Pinewood para visitar empresas relacionadas con el cine, el Primer Ministro del Reino Unido, David Cameron, dijo que su gobierno tenía ambiciones audaces para la industria cinematográfica: "Nuestro papel, y el del BFI, debería ser apoyar al sector para que se convierta en algo aún más más dinámico y emprendedor, ayudando a los productores del Reino Unido a realizar películas comercialmente exitosas que rivalicen en calidad e impacto con las mejores producciones internacionales. Del mismo modo que la British Film Commission ha desempeñado un papel crucial a la hora de atraer a los mejores y más grandes estudios internacionales para producir sus películas aquí, por lo que debemos incentivar a los productores del Reino Unido para que busquen nuevos mercados tanto aquí como en el extranjero". [92]
La industria cinematográfica sigue siendo una importante fuente de ingresos para la economía británica. Según un comunicado de prensa del UK Film Council del 20 de enero de 2011, se gastaron 1.115 millones de libras esterlinas en la producción cinematográfica del Reino Unido durante 2010. Una encuesta de 2014 sugirió que las películas británicas obtuvieron en general mejores calificaciones que las producciones de Hollywood, especialmente si se consideran las de bajo presupuesto del Reino Unido. producciones.
En noviembre de 2022, el director Danny Boyle expresó un sentimiento negativo sobre la industria cinematográfica británica en los últimos años y afirmó que "no estoy seguro de que seamos grandes cineastas, para ser absolutamente honesto. Como nación, nuestras dos formas de arte son el teatro , en un medio -sentido de clase y música pop , porque somos extraordinarios en eso". [93]
Aunque había estado financiando películas experimentales británicas ya en 1952, la fundación por parte del British Film Institute de una junta de producción en 1964 (y un aumento sustancial de la financiación pública a partir de 1971) le permitió convertirse en una fuerza dominante en el desarrollo del cine artístico británico. en los años 1970 y 1980: desde la primera trilogía de Bill Douglas , Mi infancia (1972), y la Trilogía de la infancia, de Terence Davies (1978), pasando por las primeras películas de Peter Greenaway (incluido el sorprendente éxito comercial de El contrato del dibujante ( 1982)) y la defensa del Nuevo Cine Queer por parte de Derek Jarman . El primer largometraje producido bajo el nuevo esquema del BFI fue Winstanley (1975) de Kevin Brownlow y Andrew Mollo , mientras que otros incluyeron Moon Over the Alley (1975), Requiem for a Village (1975), la abiertamente vanguardista Central Bazaar (1973), Pressure (1975) y A Private Enterprise (1974), siendo los dos últimos, respectivamente, los primeros largometrajes británicos negros y asiáticos.
El estreno de Jubilee (1978) , de Derek Jarman , marcó el comienzo de un período exitoso del cine artístico del Reino Unido , que continuó hasta la década de 1980 con cineastas como Sally Potter y Ken McMullen , y productores como Stewart Richards , con éxito en el Festival de Cine de Cannes y en la Academia. Premios . A diferencia de la generación anterior de cineastas británicos que habían irrumpido en la dirección y la producción después de carreras en el teatro o la televisión, los directores de cine artístico eran en su mayoría productos de las escuelas de arte. Muchos de estos cineastas fueron defendidos al principio de su carrera por la London Film Makers Cooperative y su trabajo fue objeto de un análisis teórico detallado en la revista Screen Education . Peter Greenaway fue uno de los primeros pioneros en el uso de imágenes generadas por computadora combinadas con material filmado y también fue uno de los primeros directores en filmar íntegramente en vídeo de alta definición para su estreno en cine.
Con el lanzamiento de Channel 4 y su línea de puesta en servicio Film on Four , Art Cinema se promovió a una audiencia más amplia. Sin embargo, el Canal tuvo un cambio brusco en su política de encargos a principios de los años 1990 y Greenaway y otros se vieron obligados a buscar financiación de coproducción europea.
En las décadas de 1970 y 1980, los estudios británicos se ganaron la reputación de ofrecer excelentes efectos especiales en películas como Superman (1978), Alien (1979) y Batman (1989). Parte de esta reputación se basó en el núcleo de talentos reunidos para el rodaje de 2001: Odisea en el espacio (1968), que posteriormente trabajaron juntos en series y largometrajes para Gerry Anderson . Gracias a Aardman Animations, con sede en Bristol , el Reino Unido sigue siendo reconocido como líder mundial en el uso de la animación stop-motion.
Los técnicos de efectos especiales y diseñadores de producción británicos son conocidos por crear efectos visuales a un costo mucho menor que sus homólogos estadounidenses, como se ve en Time Bandits (1981) y Brazil (1985). Esta reputación ha continuado durante la década de 1990 y hasta el siglo XXI con películas como la serie de James Bond , Gladiator (2000) y la franquicia de Harry Potter .
Desde la década de 1990 hasta la actualidad, ha habido un movimiento progresivo desde la óptica cinematográfica tradicional hacia un entorno cinematográfico digital integrado , con efectos especiales, corte, etalonaje y otras tareas de postproducción que comparten la misma infraestructura totalmente digital. La empresa de efectos visuales con sede en Londres Framestore , con Tim Webber como supervisor de efectos visuales , ha trabajado en algunos de los proyectos más desafiantes técnica y artísticamente, incluidos The Dark Knight (2008) y Gravity (2013), con nuevas técnicas involucradas en Gravity. realizado por Webber y el equipo de Framestore y tardó tres años en completarse. [94]
La disponibilidad de Internet de alta velocidad ha hecho que la industria cinematográfica británica sea capaz de trabajar estrechamente con estudios estadounidenses como parte de producciones distribuidas globalmente. A partir de 2005, se espera que esta tendencia continúe con movimientos hacia la distribución y proyección digital (actualmente experimental) como tecnologías dominantes. La película británica This Is Not a Love Song (2003) fue la primera en transmitirse en vivo por Internet al mismo tiempo que su estreno en el cine .
