El Arte del Reino Unido se refiere a todas las formas de arte visual en el Reino Unido o asociadas con él desde la formación del Reino de Gran Bretaña en 1707 y abarca el arte inglés , el arte escocés , el arte galés y el arte irlandés , y forma parte del arte occidental. historia del Arte . Durante el siglo XVIII, Gran Bretaña comenzó a recuperar el lugar destacado que Inglaterra había desempeñado anteriormente en el arte europeo durante la Edad Media , siendo especialmente fuerte en el retrato y el paisaje .
La mayor prosperidad británica en ese momento condujo a un gran aumento de la producción tanto de bellas artes como de artes decorativas , estas últimas a menudo se exportaban. El período romántico fue el resultado de talentos muy diversos, entre ellos los pintores William Blake , JMW Turner , John Constable y Samuel Palmer . El período victoriano vio una gran diversidad de arte y se creó una cantidad mucho mayor que antes. Gran parte del arte victoriano ha perdido el favor de la crítica, y el interés se concentra en los prerrafaelitas y los movimientos innovadores de finales del siglo XVIII.
La formación de artistas, que había sido descuidada durante mucho tiempo, comenzó a mejorar en el siglo XVIII a través de iniciativas privadas y gubernamentales, y se expandió enormemente en el siglo XIX. Las exposiciones públicas y la posterior apertura de museos acercaron el arte a un público más amplio, especialmente en Londres. En el siglo XIX, el arte religioso exhibido públicamente volvió a ser popular después de una virtual ausencia desde la Reforma y, como en otros países, movimientos como la Hermandad Prerrafaelita y la Escuela de Glasgow se enfrentaron al arte académico establecido .
La contribución británica al arte modernista temprano fue relativamente pequeña, pero desde la Segunda Guerra Mundial los artistas británicos han tenido un impacto considerable en el arte contemporáneo , especialmente con el trabajo figurativo, y Gran Bretaña sigue siendo un centro clave de un mundo del arte cada vez más globalizado. [ cita necesaria ]
El arte británico más antiguo que se conserva incluye Stonehenge de alrededor del 2600 a. C. y obras de arte de estaño y oro producidas por el pueblo Beaker de alrededor del 2150 a. El estilo de arte celta de La Tène llegó a las Islas Británicas bastante tarde, no antes del año 400 a. C., y desarrolló un estilo particular "celta insular" que se ve en objetos como el Escudo de Battersea y una serie de espejos de bronce decorados con intrincados motivos. patrones de curvas, espirales y formas de trompeta. Sólo en las Islas Británicas se puede ver que el estilo decorativo celta sobrevivió a lo largo del período romano , como se muestra en objetos como la sartén de Staffordshire Moorlands y el resurgimiento de motivos celtas, ahora mezclados con elementos entrelazados germánicos y mediterráneos, en el arte insular cristiano . Este tuvo un breve pero espectacular florecimiento en todos los países que hoy forman el Reino Unido en los siglos VII y VIII, en obras como el Libro de Kells y el Libro de Lindisfarne . El estilo insular fue influyente en todo el norte de Europa, y especialmente en el arte anglosajón posterior , aunque recibió nuevas influencias continentales.
La contribución inglesa al arte románico y al arte gótico fue considerable, especialmente en manuscritos iluminados y esculturas monumentales para iglesias, aunque los otros países eran ahora esencialmente provincianos, y en el siglo XV Gran Bretaña luchó por mantenerse al día con los avances de la pintura en el continente. Han sobrevivido algunos ejemplos de pintura inglesa de alta calidad en paredes o paneles anteriores a 1500, incluido el Retablo de Westminster , el Díptico de Wilton y algunos restos de pinturas de la Abadía de Westminster y el Palacio de Westminster . [1]
Las Reformas Protestantes de Inglaterra y Escocia fueron especialmente destructivas del arte religioso existente y prácticamente cesó la producción de nuevas obras. Los artistas de la Corte Tudor fueron en su mayoría importados de Europa, estableciendo un patrón que continuaría hasta el siglo XVIII. El retrato de Isabel I ignoró los modelos renacentistas europeos contemporáneos para crear imágenes icónicas que rayan en el arte ingenuo . Los retratistas Hans Holbein y Anthony van Dyck fueron los más distinguidos e influyentes de un gran número de artistas que pasaron largos períodos en Gran Bretaña, eclipsando generalmente a talentos locales como Nicolas Hilliard , el pintor de retratos en miniatura , Robert Peake el Viejo , William Larkin , William Dobson y John Michael Wright , un escocés que trabajaba principalmente en Londres. [2]
La pintura de paisajes todavía estaba poco desarrollada en Gran Bretaña en la época de la Unión, pero el padre y el hijo , ambos llamados Willem van de Velde, habían establecido una tradición de arte marino , quienes habían sido los principales pintores marítimos holandeses hasta que se mudaron a Londres. en 1673, en plena Tercera Guerra Anglo-Holandesa . [3]
Las llamadas Actas de Unión de 1707 se produjeron en medio del largo período de dominación en Londres de Sir Godfrey Kneller , un retratista alemán que finalmente había sucedido como principal pintor de la corte al holandés Sir Peter Lely , cuyo estilo había adoptado para sus enormes y una producción formulada, de calidad muy variable, que a su vez fue repetida por un ejército de pintores menores. Su homólogo en Edimburgo, Sir John Baptist Medina , nacido en Bruselas de padres españoles, había muerto poco antes de que se produjera la Unión, y fue uno de los últimos caballeros escoceses en crearse. Medina había trabajado por primera vez en Londres, pero a mitad de su carrera se trasladó al entorno menos competitivo de Edimburgo, donde dominó los retratos de la élite escocesa. Sin embargo, después de la Unión el movimiento iba a ir en la otra dirección, y los aristócratas escoceses se resignaron a pagar más para que sus retratos fueran pintados en Londres, aunque fueran pintores escoceses como el alumno de Medina William Aikman , que se mudó allí en 1723. o Allan Ramsay . [4]
Existía en el retrato británico una tradición alternativa, más directa, a la de Lely y Kneller, que se remontaba a William Dobson y al alemán u holandés Gerard Soest , quienes formaron a John Riley , a quien sólo se atribuyen firmemente unas pocas obras y que a su vez entrenó a Jonathan Richardson , un artista plástico que entrenó a Thomas Hudson, quien entrenó a Joshua Reynolds y Joseph Wright de Derby. Richardson también formó al retratista irlandés más notable de la época, Charles Jervas, quien disfrutó de éxito social y financiero en Londres a pesar de sus claras limitaciones como artista. [5]
Una excepción al predominio de los " géneros inferiores " de la pintura fue Sir James Thornhill (1675/76-1734), quien fue el primer y último pintor inglés importante de grandes esquemas decorativos alegóricos barrocos , y el primer pintor nativo en ser nombrado caballero. Su trabajo más conocido se encuentra en el Hospital de Greenwich , el Palacio de Blenheim y la cúpula de la Catedral de San Pablo, Londres . Sus dibujos muestran un gusto por el realismo fuertemente dibujado en la dirección que su yerno William Hogarth iba a seguir, pero esto se anula en gran medida en las obras terminadas, y para Greenwich se tomó muy en serio su cuidadosa lista de "Objeciones que surgirán". de la sencilla representación del desembarco del Rey tal como fue en realidad y con la forma y vestimenta modernas" y pintó una glorificación barroca convencional. [6] Al igual que Hogarth, jugó la carta nacionalista al promocionarse y finalmente venció a Sebastiano Ricci en suficientes encargos que en 1716 él y su equipo se retiraron a Francia, habiendo abandonado ya Giovanni Antonio Pellegrini en 1713. Una vez que los otros pintores extranjeros destacados de alegóricos, Antonio Verrio y Louis Laguerre , habían muerto en 1707 y 1721 respectivamente, Thornhill tenía el campo para él solo, aunque al final de su vida los encargos para grandes proyectos se habían agotado debido a los cambios de gusto. [7]
A partir de 1714, la nueva dinastía Hannoveriana dirigió una corte mucho menos ostentosa y se retiró en gran medida del patrocinio de las artes, salvo los retratos necesarios. Afortunadamente, la floreciente economía británica fue capaz de proporcionar riqueza aristocrática y mercantil para reemplazar a la corte, sobre todo en Londres. [8]
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William Hogarth tuvo una gran presencia en el segundo cuarto del siglo, cuyo arte logró lograr un carácter inglés particular, con escenas vívidamente moralistas de la vida contemporánea, llenas de sátira y patetismo, en sintonía con los gustos y prejuicios del protestante medio. -clase, que compró las versiones grabadas de sus pinturas en grandes cantidades. Otros temas sólo se publicaron como grabados, y Hogarth fue el primer grabador británico importante y sigue siendo el más conocido. Muchas obras eran series de cuatro o más escenas, de las cuales las más conocidas son: A Harlot's Progress y A Rake's Progress de la década de 1730 y Marriage à-la-mode de mediados de la década de 1740. De hecho, aunque sólo una vez abandonó brevemente Inglaterra y su propia propaganda afirmó su carácter inglés y a menudo atacaba a los viejos maestros , su experiencia en el grabado , más consciente del arte continental que la mayoría de la pintura británica, y aparentemente su capacidad para absorber rápidamente lecciones de otros pintores, significó que fuera más consciente y utilizara más el arte continental que la mayoría de sus contemporáneos.
Como muchos pintores posteriores, Hogarth quería sobre todo lograr el éxito en la pintura histórica a la gran manera , pero sus pocos intentos no tuvieron éxito y ahora son poco valorados. Sus retratos eran en su mayoría de modelos de clase media mostrados con un aparente realismo que reflejaba simpatía y adulación, e incluían algunos en la forma de moda del tema de conversación , recientemente introducido desde Francia por Philippe Mercier , que seguiría siendo uno de los favoritos en Gran Bretaña. retomado por artistas como Francis Hayman , aunque generalmente abandonado una vez que un artista podía conseguir buenos encargos de una sola figura. [9]
Se reconoció que, incluso más que en el resto de Europa, dada la falta de artistas británicos, la formación de los artistas debía extenderse más allá del taller de los maestros establecidos, y se hicieron varios intentos de establecer academias , comenzando con Kneller en 1711. , de la mano de Pellegrini, en Great Queen Street. Thornhill se hizo cargo de la academia en 1716, pero parece haber quedado inactiva cuando John Vanderbank y Louis Chéron establecieron su propia academia en 1720. Esto no duró mucho, y en 1724/5 Thornhill volvió a intentarlo en su propia casa. , con poco éxito. Hogarth heredó el equipo para esto y lo utilizó para iniciar la Academia St. Martin's Lane en 1735, que fue la más duradera y finalmente fue absorbida por la Royal Academy en 1768. Hogarth también ayudó a resolver el problema de la falta de lugares de exposición en Londres, organizando espectáculos en el Foundling Hospital desde 1746. [10]
El retratista escocés Allan Ramsay trabajó en Edimburgo antes de mudarse a Londres en 1739. Realizó visitas de tres años a Italia al principio y al final de su carrera, y se anticipó a Joshua Reynolds al traer una versión más relajada de "Grand Manner" al retrato británico. , combinado con un manejo muy sensible en sus mejores trabajos, en los que generalmente se acepta que fueron modelos femeninas. Su principal rival en Londres a mediados de siglo, hasta que Reynolds se hizo famoso, fue el maestro de Reynold, el pesado Thomas Hudson . [11]
John Wootton , activo desde aproximadamente 1714 hasta su muerte en 1765, fue el principal pintor deportivo de su época, radicado en la capital de las carreras de caballos inglesas en Newmarket , y produjo un gran número de retratos de caballos y también escenas de batalla y piezas de conversación con un entorno de caza o equitación. Había comenzado su vida como paje de la familia de los duques de Beaufort , quienes en la década de 1720 lo enviaron a Roma, donde adquirió un estilo paisajístico clasicista basado en el de Gaspard Dughet y Claude , que utilizó en algunas pinturas de paisajes puros. así como vistas de casas de campo y temas equinos. Esto introdujo una alternativa a los diversos artistas holandeses y flamencos que previamente habían establecido el estilo paisajístico predominante en Gran Bretaña y, a través de artistas intermediarios como George Lambert , el primer pintor británico que basó su carrera en temas paisajísticos, influyó en gran medida en otros artistas británicos. como Gainsborough. [12] Samuel Scott fue el mejor de los artistas marinos y paisajistas nativos, aunque en esta última especialización no pudo igualar al visitante Canaletto , que estuvo en Inglaterra durante nueve años a partir de 1746, y cuyas vistas venecianas eran un recuerdo favorito del Gran Recorrido . [13]
El anticuario y grabador George Vertue fue una figura en la escena artística de Londres durante la mayor parte del período, y sus copiosos cuadernos fueron adaptados y publicados en la década de 1760 por Horace Walpole como Algunas anécdotas de la pintura en Inglaterra , que sigue siendo una fuente principal para el período. . [14]
Desde su llegada a Londres en 1720, el escultor flamenco John Michael Rysbrack fue el líder en su campo hasta la llegada en 1730 de Louis-François Roubiliac quien tenía un estilo rococó muy eficaz en bustos y pequeñas figuras, aunque en la década siguiente También recibió encargos para obras más importantes. También produjo modelos para la fábrica de porcelana de Chelsea fundada en 1743, una empresa privada que buscaba competir con las fábricas continentales establecidas en su mayoría por gobernantes. El estilo de Roubiliac formó el del principal escultor nativo Sir Henry Cheere y el de su hermano John , que se especializaba en estatuas para jardines. [15]
El fuerte comercio de platería de Londres estaba dominado por los descendientes de refugiados hugonotes como Paul de Lamerie , Paul Crespin, Nicholas Sprimont y la familia Courtauld , así como Georges Wickes. Se recibieron pedidos de lugares tan lejanos como las cortes de Rusia y Portugal, aunque los estilos ingleses todavía estaban liderados por París. [16] La fabricación de seda en Spitalfields en Londres también era un negocio tradicional hugonote, pero desde finales de la década de 1720 el diseño de la seda estuvo dominado por la sorprendente figura de Anna Maria Garthwaite , la hija de un párroco de Lincolnshire que surgió a la edad de 40 años como una diseñador de motivos principalmente florales en estilos rococó. [17]
A diferencia de Francia y Alemania, la adopción inglesa del estilo rococó fue irregular más que incondicional, y hubo resistencia por motivos nacionalistas, encabezada por Richard Boyle, tercer conde de Burlington y William Kent , quienes promovieron estilos en el diseño de interiores. y muebles para combinar con el paladianismo de la arquitectura que produjeron juntos, comenzando también la influyente tradición británica del jardín paisajístico , [18] según Nikolaus Pevsner "la más influyente de todas las innovaciones inglesas en el arte". [19] El grabador de origen francés Hubert-François Gravelot , que estuvo en Londres de 1732 a 1745, fue una figura clave en la importación del gusto rococó en las ilustraciones de libros y grabados ornamentales para los siguientes artesanos. [20]
En la mente popular moderna, el arte inglés de aproximadamente 1750-1790 (hoy conocido como la "época clásica" de la pintura inglesa) estuvo dominado por Sir Joshua Reynolds (1723-1792), George Stubbs (1724-1806), Thomas Gainsborough ( 1727–1788) y Joseph Wright de Derby (1734–1797). En ese momento, Reynolds era considerado la figura dominante, Gainsborough tenía una gran reputación, pero Stubbs era visto como un simple pintor de animales y una figura menos significativa que muchos otros pintores hoy poco conocidos u olvidados. Durante este período, Gran Bretaña y los artistas británicos continuaron prosperando: "En la década de 1780, los pintores ingleses estaban entre los hombres más ricos del país; sus nombres eran familiares para los lectores de periódicos; sus peleas y cábalas eran la comidilla de la ciudad; sus temas eran conocidos por todos desde los escaparates de las imprentas", según Gerald Reitlinger . [21]
Reynolds regresó de una larga visita a Italia en 1753 y muy rápidamente se ganó la reputación de ser el retratista más de moda de Londres y, al poco tiempo, de figura formidable en la sociedad, líder público de las artes en Gran Bretaña. Había estudiado arte italiano tanto clásico como moderno, y sus composiciones reutilizan discretamente modelos vistos en sus viajes. Podía transmitir una amplia gama de estados de ánimo y emociones, ya fueran militares heroicos o mujeres muy jóvenes, y a menudo unía trasfondo y figura de una manera dramática. [22]
La Sociedad para el fomento de las artes, las manufacturas y el comercio se fundó en 1754, principalmente para proporcionar un lugar para exposiciones. En 1761, Reynolds fue uno de los líderes en la fundación de la rival Sociedad de Artistas de Gran Bretaña , donde los artistas tenían más control. Esto continuó hasta 1791, a pesar de la fundación de la Real Academia de las Artes en 1768, que inmediatamente se convirtió en la organización expositora más importante y la escuela más importante de Londres. Reynolds fue su primer presidente y ocupó el cargo hasta su muerte en 1792. Sus Discursos publicados , pronunciados por primera vez ante los estudiantes, fueron considerados como el primer escrito importante sobre arte en inglés y expusieron la aspiración de un estilo que igualara la grandeza clásica. de la escultura clásica y la pintura del Alto Renacimiento . [23]
Después de que se estableció la academia, los retratos de Reynolds se volvieron más clasicistas y, a menudo, más distantes, hasta que a finales de la década de 1770 volvió a un estilo más íntimo, tal vez influenciado por el éxito de Thomas Gainsborough , [24] quien sólo se estableció en Londres en 1773, después de trabajar en Ipswich y luego en Bath . Si bien la práctica de retratos aristocráticos de Reynolds parece coincidir exactamente con su talento, Gainsborough, si no se hubiera visto obligado a seguir el mercado para su trabajo, bien podría haberse desarrollado como un pintor de paisajes puro, o un retratista en el estilo informal de muchos de sus retratos de Su familia. Continuó pintando paisajes puros, en gran parte por placer, hasta sus últimos años; El pleno reconocimiento de sus paisajes no llegó hasta el siglo XX. Sus principales influencias fueron francesas en sus retratos y holandesas en sus paisajes, más que italianas, y es famoso por el toque brillante y ligero de su pincelada. [25]
George Romney también se hizo prominente alrededor de 1770 y estuvo activo hasta 1799, aunque con una caída en sus últimos años. Sus retratos son en su mayoría imágenes llenas de carácter pero halagadoras de figuras dignas de la sociedad, pero desarrolló una obsesión con la joven y voluble Emma Hamilton de 1781, pintándola unas sesenta veces en poses más extravagantes. [26] Su obra fue especialmente buscada por los coleccionistas estadounidenses a principios del siglo XX y muchas se encuentran ahora en museos estadounidenses. [27] Al final del período, esta generación había sido sucedida por retratistas más jóvenes, entre ellos John Hoppner , Sir William Beechey y el joven Gilbert Stuart , quien sólo se dio cuenta de su estilo maduro después de su regreso a Estados Unidos. [28]
El pintor galés Richard Wilson regresó a Londres después de siete años en Italia en 1757, y durante las dos décadas siguientes desarrolló un estilo paisajístico "sublime" adaptando la tradición franco-italiana de Claude y Gaspard Dughet a los temas británicos. Aunque muy admirados, como los de Gainsborough, sus paisajes eran difíciles de vender y, a veces, recurrió, como se quejaba Reynolds, a la estratagema común de convertirlos en pinturas de historia añadiendo algunas figuras pequeñas, lo que duplicó su precio a unas 80 libras esterlinas. [29] Continuó pintando escenas ambientadas en Italia, así como en Inglaterra y Gales, y su muerte en 1782 se produjo justo cuando un gran número de artistas comenzaron a viajar a Gales, y más tarde al Distrito de los Lagos y Escocia en busca de vistas montañosas. tanto para pinturas al óleo como para acuarelas que ahora comenzaban su largo período de popularidad en Gran Bretaña, tanto entre profesionales como entre aficionados. Paul Sandby , Francis Towne , John Warwick Smith y John Robert Cozens se encontraban entre los principales pintores especializados, y el clérigo y artista aficionado William Gilpin fue un importante escritor que estimuló la popularidad de la pintura amateur de lo pintoresco , mientras que las obras de Alexander Cozens recomendaban formando manchas de tinta aleatorias en composiciones de paisajes; incluso Constable probó esta técnica. [30]
La pintura histórica a lo grande siguió siendo la forma de arte más prestigiosa, aunque no la más fácil de vender, y Reynolds hizo varios intentos, tan infructuosos como los de Hogarth. La naturaleza poco heroica de la vestimenta moderna fue vista como un obstáculo importante en la representación de escenas contemporáneas, y el caballero, artista y marchante de arte escocés Gavin Hamilton prefirió las escenas clásicas, además de pintar algunas basadas en sus viajes al Este, donde sus figuras europeas Pasó el problema vistiendo vestimenta árabe. Pasó la mayor parte de su vida adulta en Roma y tuvo al menos tanta influencia en el neoclasicismo en Europa como en Gran Bretaña. El irlandés James Barry fue una influencia para Blake, pero tuvo una carrera difícil y dedicó años a su ciclo El progreso de la cultura humana en la Gran Sala de la Royal Society of Arts . Los pintores de historia más exitosos, que no temían a los botones ni a las pelucas, fueron ambos estadounidenses afincados en Londres: Benjamin West y John Singleton Copley , aunque en una de sus obras más exitosas, Watson y el tiburón (1778), logró evitarlos en su mayor parte. mostrando un rescate de ahogamiento.
Los temas literarios de menor escala también fueron populares, iniciados por Francis Hayman , uno de los primeros en pintar escenas de Shakespeare , y Joseph Highmore , con una serie que ilustra la novela Pamela . Al final del período, la Galería Boydell Shakespeare era un ambicioso proyecto de pinturas y grabados posteriores que ilustraban al "Bardo", tal como se había convertido ahora, al tiempo que exponían las limitaciones de la pintura histórica inglesa contemporánea. [31] Joseph Wright de Derby fue principalmente un retratista y también fue uno de los primeros artistas en representar la Revolución Industrial , además de desarrollar un cruce entre el tema de conversación y la pintura histórica en obras como Un experimento con un pájaro en el aire. Pump (1768) y Un filósofo conferenciando en el planetario (c. 1766), que, como muchas de sus obras, están iluminadas únicamente con velas, lo que da un fuerte efecto de claroscuro . [32]
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Otro subgénero fueron las pinturas que registran escenas del teatro, pintadas entre otros por el alemán Johann Zoffany . Zoffany pintó retratos y temas de conversación, y también pasó más de dos años en la India, pintando los nababs ingleses y escenas locales, y el Imperio Británico en expansión jugó un papel cada vez más importante en el arte británico. [33] La formación en arte se consideraba una habilidad útil en el ejército para dibujar mapas y planos, y muchos oficiales británicos hicieron las primeras imágenes occidentales, a menudo en acuarela, de escenas y lugares de todo el mundo. En la India, el estilo Company se desarrolló como una forma híbrida entre el arte occidental y el indio , producido por indios para el mercado británico.
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Thomas Rowlandson produjo acuarelas y grabados satirizando la vida británica, pero mayoritariamente evitó la política. El maestro de la caricatura política , vendida individualmente por imprentas (que a menudo también actuaban como editores), ya sea coloreada a mano o lisa, fue James Gillray . [34] El énfasis en la pintura de retratos en el arte británico no se debió enteramente a la vanidad de los modelos. Existía un gran mercado de coleccionistas de impresiones de retratos, en su mayoría reproducciones de pinturas, que a menudo estaban montadas en álbumes. Desde mediados de siglo hubo un gran crecimiento en las costosas pero más efectivas reproducciones en mezzotinta , de retratos y otras pinturas, con especial demanda por parte de los coleccionistas de estados de prueba temprana "antes de la letra" (es decir, antes de que se añadieran las inscripciones), que los grabadores imprimieron amablemente en cantidades cada vez mayores. [35]
Este período marcó uno de los puntos culminantes de las artes decorativas británicas. Hacia mediados de siglo se abrieron muchas fábricas de porcelana , incluida Bow en Londres y en las provincias de Lowestoft , Worcester , Royal Crown Derby , Liverpool y Wedgwood , seguida por Spode en 1767. La mayoría se iniciaron como pequeñas empresas, y algunas duraron sólo un algunas décadas, mientras que otras aún sobreviven hoy. Al final del período, los servicios de porcelana británica estaban siendo encargados por la realeza extranjera y los fabricantes británicos eran especialmente expertos en perseguir el mercado internacional de clase media en rápida expansión, desarrollando porcelana china y artículos impresos por transferencia , así como porcelana auténtica pintada a mano. [36]
Los tres principales fabricantes de muebles, Thomas Chippendale (1718–1779), Thomas Sheraton (1751–1806) y George Hepplewhite (1727?–1786), tenían estilos variados y alcanzaron la fama duradera que tienen principalmente como autores de libros de patrones utilizados por otros fabricantes en Gran Bretaña y en el extranjero. De hecho, no está nada claro si los dos últimos nombrados alguna vez dirigieron talleres reales, aunque Chippendale ciertamente tuvo éxito en esto y en lo que ahora llamamos diseño de interiores; a diferencia de Francia, Gran Bretaña había abandonado su sistema gremial y Chippendale pudo emplear especialistas en todos los oficios necesarios para completar una redecoración. [37] Durante el período, el rococó y la chinoiserie dieron paso al neoclasicismo , con el arquitecto y diseñador de interiores escocés Robert Adam (1728-1792) liderando el nuevo estilo.
Finales del siglo XVIII y principios del XIX caracterizados por el movimiento romántico en el arte británico incluyen a Joseph Wright de Derby , James Ward , Samuel Palmer , Richard Parkes Bonington , John Martin y fue quizás el período más radical del arte británico, produciendo también William Blake. (1757–1827), John Constable (1776–1837) y JMW Turner (1775–1851), siendo los dos últimos posiblemente los más influyentes internacionalmente de todos los artistas británicos. [38] [39] El estilo de Turner, basado en la tradición italiana, aunque nunca vio Italia hasta los cuarenta años, pasó por cambios considerables antes de sus últimos paisajes salvajes, casi abstractos, que exploraron los efectos de la luz y fueron una profunda influencia en los impresionistas y otros movimientos posteriores. [40] Constable normalmente pintaba paisajes puros con como máximo unas pocas figuras de género, en un estilo basado en las tradiciones del norte de Europa, pero, al igual que Turner, sus "seis pies" estaban destinados a causar un impacto tan sorprendente como cualquier pintura de historia. [41] Fueron preparados cuidadosamente utilizando estudios y bocetos al óleo de tamaño natural , [42] mientras que Turner era conocido por terminar sus piezas de exposición cuando ya estaban colgadas para su exhibición, ajustándolas libremente para dominar las obras circundantes en las apretadas cuelgas de El dia. [43]
El estilo visionario de Blake fue un gusto minoritario en su vida, pero influyó en el grupo más joven de " Antiguos " de Samuel Palmer, John Linnell , Edward Calvert y George Richmond , que se reunieron en el campo en Shoreham, Kent en la década de 1820, produciendo intensas y líricas. idilios pastorales en condiciones de cierta pobreza. Siguieron carreras artísticas más convencionales y los primeros trabajos de Palmer quedaron completamente olvidados hasta principios del siglo XX. [44] Blake y Palmer se convirtieron en una influencia significativa en los artistas modernistas del siglo XX visto (entre otros) en la pintura de artistas británicos como Dora Carrington , [45] Paul Nash y Graham Sutherland . [46] Blake también tuvo una enorme influencia en los poetas beat de la década de 1950 y la contracultura de la década de 1960 . [47]
Thomas Lawrence ya era un destacado retratista a principios del siglo XX y supo dar un toque romántico a sus retratos de la alta sociedad y de los líderes de Europa reunidos en el Congreso de Viena después de las guerras napoleónicas . Henry Raeburn fue el retratista más importante desde la Unión que permaneció en Edimburgo a lo largo de su carrera, un indicio de la creciente prosperidad escocesa. [48] Pero David Wilkie tomó el camino tradicional hacia el sur, logrando un gran éxito con temas de la vida rural y escenas híbridas de género e historia, como Los pensionistas de Chelsea leyendo el Waterloo Dispatch (1822). [49]
John Flaxman fue el artista neoclásico inglés más profundo. Comenzó como escultor y se hizo más conocido por sus numerosos "dibujos esbozados" de escenas clásicas, a menudo ilustrando literatura, que se reproducían como grabados. Estos imitaban los efectos de los relieves de estilo clásico que también realizó. El alemán-suizo Henry Fuseli también produjo obras en un estilo gráfico lineal, pero sus escenas narrativas, a menudo de la literatura inglesa, eran intensamente románticas y muy dramáticas. [50]
La Hermandad Prerrafaelita (PRB) logró una influencia considerable después de su fundación en 1848 con pinturas que se concentraban en temas religiosos, literarios y de género ejecutados en un estilo colorido y minuciosamente detallado, rechazando la pincelada pictórica suelta de la tradición representada por "Sir Sloshua". "Reynolds. Los artistas del PRB incluyeron a John Everett Millais , William Holman Hunt , Dante Gabriel Rossetti y Ford Madox Brown (nunca oficialmente miembro), y figuras como Edward Burne-Jones y John William Waterhouse fueron más tarde muy influenciadas por aspectos de sus ideas, al igual que el diseñador William Morris . Morris abogó por un retorno a la artesanía en las artes decorativas en lugar de la fabricación industrial que se estaba aplicando rápidamente a todas las artesanías. Sus esfuerzos por hacer que los objetos hermosos fueran asequibles (o incluso gratuitos) para todos llevaron a que sus diseños de papel tapiz y azulejos definieran la estética victoriana e instigaran el movimiento Arts and Crafts .
Los prerrafaelitas, como Turner, contaron con el apoyo del autorizado crítico de arte John Ruskin , él mismo un excelente artista aficionado. A pesar de toda su innovación técnica, eran a la vez tradicionales y victorianos en su adhesión a la pintura histórica como la forma más elevada de arte , y su tema estaba completamente en sintonía con el gusto victoriano y, de hecho, "todo lo que los editores de grabados en acero acogieron con agrado". , [51] permitiéndoles incorporarse fácilmente a la corriente principal en sus carreras posteriores. [52]
Si bien los prerrafaelitas tuvieron una recepción turbulenta y dividida, los pintores más populares y caros del período incluyeron a Edwin Landseer , que se especializó en temas sentimentales de animales, que eran los favoritos de la reina Victoria y el príncipe Alberto . En la última parte del siglo, los artistas podían ganar grandes sumas vendiendo los derechos de reproducción de sus pinturas a editoriales impresas, y las obras de Landseer, especialmente su Monarch of the Glen (1851), un retrato de un ciervo de las Highlands, estaban entre las más popular. Al igual que Bubbles de Millais (1886), se utilizó durante décadas en envases y anuncios de marcas de whisky y jabón, respectivamente. [53]
Durante la última época victoriana en Gran Bretaña, las pinturas académicas, algunas de enorme tamaño, de Lord Leighton y del holandés Lawrence Alma-Tadema fueron enormemente populares, y ambas presentaban a menudo bellezas ligeramente vestidas en escenarios exóticos o clásicos, mientras que las obras alegóricas de GF Watts coincidía con el sentido victoriano de alto propósito. Las damas clásicas de Edward Poynter y Albert Moore usaron más ropa y tuvieron bastante menos éxito. William Powell Frith pintó escenas muy detalladas de la vida social, que generalmente incluyen todas las clases de la sociedad, que incluyen elementos cómicos y morales y tienen una deuda reconocida con Hogarth, aunque reveladoramente diferentes de su trabajo. [54]
Para todos estos artistas, la Exposición de Verano de la Royal Academy fue una plataforma esencial, reseñada extensamente en la prensa, que a menudo alternaba el ridículo y los elogios extravagantes al discutir sus obras. El último y muy raro elogio se produjo cuando hubo que colocar una barandilla delante de un cuadro para protegerlo de la multitud ansiosa; hasta 1874, esto solo les había sucedido a Chelsea Pensioners de Wilkie, The Derby Day y Salon d'Or de Frith , Homburg y The Casual Ward de Luke Filde (ver más abajo). [55] Un gran número de artistas trabajaron año tras año con la esperanza de lograr un éxito allí, a menudo trabajando de maneras para las que su talento no era realmente adecuado, un tropo ejemplificado por el suicidio en 1846 de Benjamin Haydon , un amigo de Keats y Dickens y mejor escritor que pintor, dejando su sangre salpicada sobre su inacabada El rey Alfredo y el primer jurado británico . [56]
La historia británica era un tema muy común, siendo la Edad Media, Isabel I, María, Reina de Escocia y la Guerra Civil Inglesa fuentes de temas especialmente populares. Muchos pintores mencionados en otros lugares pintaron temas históricos, incluidos Millais ( La infancia de Raleigh y muchos otros), Ford Madox Brown ( Cromwell en su granja ), David Wilkie, Watts y Frith, y West, Bonington y Turner en décadas anteriores. El irlandés Daniel Maclise, residente en Londres, y Charles West Cope pintaron escenas para el nuevo Palacio de Westminster . Lady Jane Grey era, como María Reina de Escocia, una mujer cuyos sufrimientos atrajeron a muchos pintores, aunque ninguno igualaba La ejecución de Lady Jane Grey , uno de los muchos temas históricos británicos del francés Paul Delaroche . [57] Los pintores se enorgullecían de la creciente precisión de los escenarios de su época en términos de vestimenta y objetos, estudiando las colecciones del nuevo Victoria and Albert Museum y los libros, y despreciando las aproximaciones desenfadadas de generaciones anteriores de artistas. [58]
La pintura victoriana desarrolló el tema social hogarthiano, repleto de detalles moralizantes y la tradición de ilustrar escenas de la literatura, en una variedad de tipos de pintura de género, muchas de ellas con sólo unas pocas figuras, otras con escenas grandes y abarrotadas como las obras más conocidas de Frith. El despertar de la conciencia (1853) de Holman Hunt y la serie Pasado y presente (1858) de Augustus Egg son del primer tipo y ambos tratan de las "mujeres caídas", una eterna preocupación victoriana. Como señala Peter Conrad , se trataba de pinturas diseñadas para ser leídas como novelas, cuyo significado emergía después de que el espectador había hecho el trabajo de descifrarlo. [59] Otras escenas "anecdóticas" tenían un humor más ligero y tendían a ser caricaturas de Punch sin subtítulos .
Hacia finales del siglo XIX, la imagen problemática dejaba deliberadamente ambiguos los detalles de la acción narrativa, invitando al espectador a especular sobre ella utilizando la evidencia que tenía ante sí, pero sin proporcionar una respuesta final (los artistas aprendieron a sonreír enigmáticamente cuando se les preguntaba). . En ocasiones, esto provocó debates sobre temas sociales delicados, que generalmente involucraban a mujeres, que podrían haber sido difíciles de plantear directamente. Eran enormemente populares; Los periódicos organizaron concursos para que los lectores supieran el significado del cuadro. [60]
Muchos artistas participaron en el resurgimiento del grabado artístico original generalmente conocido como resurgimiento del grabado , aunque también se realizaron grabados en muchas otras técnicas. Esto comenzó en la década de 1850 y continuó hasta que las consecuencias del desplome de Wall Street de 1929 provocaron un colapso en los altísimos precios que habían estado alcanzando los artistas más de moda.
El orientalismo británico , aunque no tan común como en Francia en la misma época, tuvo numerosos especialistas, entre ellos John Frederick Lewis , que vivió durante nueve años en El Cairo , David Roberts , un escocés que realizó litografías de sus viajes por Oriente Medio e Italia, el escritor de disparates Edward Lear , un viajero continuo que llegó hasta Ceilán , y Richard Dadd . Holman Hunt también viajó a Palestina para obtener escenarios auténticos para sus fotografías bíblicas. El francés James Tissot , que huyó a Londres tras la caída de la Comuna de París , dividió su tiempo entre escenas de acontecimientos sociales de la alta sociedad y una enorme serie de ilustraciones bíblicas, realizadas en acuarela para su publicación reproductiva. [61] Frederick Goodall se especializó en escenas del Antiguo Egipto.
Las pinturas más grandes relacionadas con las condiciones sociales de los pobres tendían a concentrarse en escenas rurales, de modo que la miseria de las figuras humanas quedaba al menos compensada por un paisaje. Entre los pintores de estos se encontraban Frederick Walker , Luke Fildes (aunque se hizo famoso en 1874 con Solicitantes de admisión a un pabellón informal ; véase más arriba), Frank Holl , George Clausen y el alemán Hubert von Herkomer . [64]
William Bell Scott , amigo de los Rossetti, pintó escenas históricas y otros tipos de obras, pero también fue uno de los pocos artistas que representó escenas de la industria pesada. Sus memorias son una fuente útil para la época, y fue uno de los varios artistas que trabajaron durante un tiempo en el sistema enormemente ampliado de escuelas de arte gubernamentales, dirigidas por el administrador Henry Cole (el inventor de la tarjeta navideña ) y empleó a Richard Redgrave , Edward Poynter , Richard Burchett , el diseñador escocés Christopher Dresser y muchos otros. Burchett fue director de las "Escuelas de South Kensington", ahora el Royal College of Art , que gradualmente reemplazó a la Royal Academy School como la principal escuela de arte británica, aunque a principios del siglo XX la Slade School of Fine Art produjo muchas de las artistas con visión de futuro. [sesenta y cinco]
Al principio, la Real Academia no era tan conservadora y restrictiva como el Salón de París , y los prerrafaelitas aceptaron la mayoría de sus propuestas para exposiciones, aunque, como todos los demás, se quejaron de la posición que se les daba a sus pinturas. Fueron especialmente bienvenidos en la Academia de Artes de Liverpool , una de las organizaciones expositoras regionales más grandes; La Real Academia Escocesa se fundó en 1826 y abrió su gran edificio nuevo en la década de 1850. Existieron ubicaciones alternativas en Londres como la British Institution , y a medida que el conservadurismo de la Royal Academy fue aumentando gradualmente, a pesar de los esfuerzos de Lord Leighton cuando era presidente, se abrieron nuevos espacios, destacando la Grosvenor Gallery en Bond Street , de 1877, que se convirtió en la casa de El movimiento estético. El New English Art Club expuso a partir de 1885 numerosos artistas de tendencias impresionistas, utilizando inicialmente el Salón Egipcio , frente a la Royal Academy, que también acogió numerosas exposiciones de arte extranjero. El retratista estadounidense John Singer Sargent (1856-1925) pasó la mayor parte de su carrera laboral en Europa y mantuvo su estudio en Londres (donde murió) de 1886 a 1907.
Alfred Sisley , que era francés de nacimiento pero tenía nacionalidad británica, pintó en Francia como uno de los impresionistas ; Walter Sickert y Philip Wilson Steer al comienzo de sus carreras también estuvieron fuertemente influenciados, pero a pesar de que el marchante Paul Durand-Ruel trajo muchas exposiciones a Londres, el movimiento tuvo poco impacto en Inglaterra hasta décadas después. [66] Algunos miembros de la Escuela Newlyn de paisajes y escenas de género adoptaron una técnica cuasi impresionista, mientras que otros utilizaron niveles de acabado realistas o más tradicionales.
A finales del siglo XIX también se produjo el movimiento decadente en Francia y el movimiento estético británico . El pintor estadounidense radicado en Gran Bretaña James Abbott McNeill Whistler , Aubrey Beardsley y los ex prerrafaelitas Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones están asociados con esos movimientos; los últimos Burne-Jones y Beardsley son admirados en el extranjero y representan los más cercanos. Acercamiento británico al simbolismo europeo . [67] En 1877, James McNeill Whistler demandó al crítico de arte John Ruskin por difamación después de que el crítico condenara su pintura Nocturno en negro y oro: el cohete que cae . Ruskin acusó a Whistler de "pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público". [62] [63] El jurado llegó a un veredicto a favor de Whistler, pero le concedió sólo un cuarto de penique por daños nominales y las costas judiciales se dividieron. [68] El costo del caso, junto con las enormes deudas por la construcción de su residencia ("La Casa Blanca" en Tite Street , Chelsea , diseñada con EW Godwin , 1877-8), llevó a Whistler a la quiebra en mayo de 1879, [69] lo que resultó en una subasta de su obra, colecciones y casa. Stansky [70] señala la ironía de que la Sociedad de Bellas Artes de Londres , que había organizado una colección para pagar los costos legales de Ruskin, lo apoyara en el grabado de "las piedras de Venecia" (y en la exhibición de la serie en 1883), lo que ayudó a recuperar el arte de Whistler. costos.
El arte escocés estaba recuperando ahora un mercado interno adecuado, lo que le permitió desarrollar un carácter distintivo, del cual los " Glasgow Boys " fueron una expresión, a caballo entre el impresionismo en pintura, el Art Nouveau , el japonismo y el renacimiento celta en diseño, con el arquitecto y El diseñador Charles Rennie Mackintosh ahora es su miembro más conocido. Los pintores incluyeron a Thomas Millie Dow , George Henry , Joseph Crawhall y James Guthrie .
La nueva tecnología de impresión trajo una gran expansión en la ilustración de libros y las ilustraciones para libros infantiles proporcionaron gran parte de las obras más recordadas de la época. Entre los artistas especializados se encontraban Randolph Caldecott , Walter Crane , Kate Greenaway y, desde 1902, Beatrix Potter .
La experiencia del poder militar, político y económico a partir del ascenso del Imperio Británico , propició un impulso muy específico en la técnica, el gusto y la sensibilidad artística en el Reino Unido. [71] Los británicos utilizaron su arte "para ilustrar su conocimiento y dominio del mundo natural", mientras que los colonos permanentes en la América del Norte británica , Australasia y Sudáfrica "se embarcaron en una búsqueda de una expresión artística distintiva apropiada a su sentido de pertenencia nacional". identidad". [71] El imperio ha estado "en el centro, más que en los márgenes, de la historia del arte británico". [72]
La enorme variedad y producción masiva de las diversas formas de arte decorativo británico durante el período son demasiado complejas para resumirlas fácilmente. El gusto victoriano, hasta los diversos movimientos de las últimas décadas, como Arts and Crafts , está generalmente mal considerado hoy en día, pero se produjeron muchos trabajos excelentes y se ganó mucho dinero. Tanto William Burges como Augustus Pugin fueron arquitectos comprometidos con el Renacimiento gótico , que se expandieron al diseño de muebles, orfebrería, azulejos y objetos en otros medios. Hubo un enorme auge en la regoticización de los accesorios de las iglesias medievales y en la adaptación de otras nuevas en el estilo, especialmente con vidrieras , una industria resucitada de su extinción efectiva . El resurgimiento de los muebles pintados con imágenes fue una característica particular en el segmento superior del mercado. [73]
Desde su apertura en 1875, los grandes almacenes londinenses Liberty & Co. estuvieron especialmente asociados con artículos decorativos importados del Lejano Oriente y productos británicos de los nuevos estilos de finales del siglo XIX. Charles Voysey fue un arquitecto que también realizó muchos trabajos de diseño en textiles, muebles empapelados y otros medios, llevando el movimiento Arts and Crafts al Art Nouveau y más allá; Continuó diseñando hasta la década de 1920. [74] AH Mackmurdo era una figura similar.
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En muchos aspectos, la era victoriana continuó hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, y la Real Academia se volvió cada vez más osificada; la inconfundible figura victoriana tardía de Frank Dicksee fue nombrado presidente en 1924. En fotografía, el pictorialismo pretendía lograr efectos artísticos y pictóricos; El Anillo Vinculado contenía a los principales practicantes. El estadounidense John Singer Sargent fue el retratista londinense de mayor éxito a principios del siglo XX, con John Lavery , Augustus John y William Orpen como figuras en ascenso. La hermana de John, Gwen John, vivía en Francia y sus retratos íntimos fueron relativamente poco apreciados hasta décadas después de su muerte. Las actitudes británicas hacia el arte moderno estaban "polarizadas" a finales del siglo XIX. [75] Los movimientos modernistas fueron apreciados y vilipendiados por artistas y críticos; El impresionismo fue inicialmente considerado por "muchos críticos conservadores" como una "influencia extranjera subversiva", pero quedó "completamente asimilado" en el arte británico a principios del siglo XX. [75] El artista irlandés Jack Butler Yeats (1871-1957), radicado en Dublín, era a la vez un pintor romántico , simbolista y expresionista .
El vorticismo fue una breve reunión de varios artistas modernistas en los años inmediatamente anteriores a 1914; Los miembros incluían a Wyndham Lewis , el escultor Sir Jacob Epstein , David Bomberg , Malcolm Arbuthnot , Lawrence Atkinson , el fotógrafo estadounidense Alvin Langdon Coburn , Frederick Etchells , el escultor francés Henri Gaudier-Brzeska , Cuthbert Hamilton , Christopher Nevinson , William Roberts , Edward Wadsworth , Jessica Dismorr , Helen Saunders y Dorothy Shakespear . El comienzo del siglo XX también incluye el círculo artístico The Sitwells y el Bloomsbury Group , un grupo de escritores, intelectuales, filósofos y artistas en su mayoría ingleses, entre ellos la pintora Dora Carrington , el pintor y crítico de arte Roger Fry , el crítico de arte Clive Bell , la pintora Vanessa Bell , la pintora. Duncan Grant, entre otros. Aunque estaban muy de moda en aquella época, su trabajo en las artes visuales parece menos impresionante hoy en día. [76] El modernismo británico permaneció algo vacilante hasta después de la Segunda Guerra Mundial, aunque figuras como Ben Nicholson se mantuvieron en contacto con los acontecimientos europeos.
Walter Sickert y el Camden Town Group desarrollaron un estilo inglés de impresionismo y postimpresionismo con una fuerte corriente de documental social, que incluía a Harold Gilman , Spencer Frederick Gore , Charles Ginner , Robert Bevan , Malcolm Drummond y Lucien Pissarro (el hijo del impresionista francés) . pintor Camille Pissarro ). [77] Mientras que su colorido es a menudo notoriamente monótono, los coloristas escoceses de hecho utilizaron principalmente luz y color brillantes; algunos, como Samuel Peploe y John Duncan Fergusson , vivían en Francia para encontrar temas adecuados. [78] Inicialmente se inspiraron en Sir William McTaggart (1835-1910), un pintor paisajista escocés asociado con el impresionismo.
La reacción a los horrores de la Primera Guerra Mundial impulsó un retorno a los temas pastorales representados por Paul Nash y Eric Ravilious , principalmente grabador. Stanley Spencer pintó obras místicas, además de paisajes, y el escultor, grabador y tipógrafo Eric Gill produjo formas simples y elegantes en un estilo relacionado con el Art Déco . La Escuela de Euston Road fue un grupo de realistas "progresistas" de finales de la década de 1930, entre ellos el influyente profesor William Coldstream . El surrealismo , con artistas como John Tunnard y los surrealistas de Birmingham , fue brevemente popular en la década de 1930, influyendo en Roland Penrose y Henry Moore . Stanley William Hayter fue un pintor y grabador británico asociado en los años 1930 al surrealismo y a partir de 1940 al expresionismo abstracto . [79] En 1927, Hayter fundó el legendario estudio Atelier 17 en París. Desde su muerte en 1988, se le conoce como Atelier Contrepoint. Hayter se convirtió en uno de los grabadores más influyentes del siglo XX. [80] Los retratistas de moda incluyeron a Meredith Frampton en un clasicismo Art Déco de rostro duro, Augustus John y Sir Alfred Munnings si se trataba de caballos. Munnings fue presidente de la Real Academia entre 1944 y 1949 y encabezó una hostilidad burlona hacia el modernismo. Los fotógrafos de la época incluyen a Bill Brandt , Angus McBean y el cronista Cecil Beaton .
Henry Moore surgió después de la Segunda Guerra Mundial como el principal escultor británico, promovido junto a Victor Pasmore , William Scott y Barbara Hepworth por el Festival de Gran Bretaña . La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, incluidos Francis Bacon , Lucian Freud , Frank Auerbach , Leon Kossoff y Michael Andrews, ha recibido un amplio reconocimiento internacional, [81] mientras que otros pintores como John Minton y John Craxton se caracterizan como neorrománticos . Graham Sutherland , el paisajista romántico John Piper (un litógrafo prolífico y popular), la escultora Elisabeth Frink y los paisajes urbanos industriales de LS Lowry también contribuyeron a la fuerte presencia figurativa en el arte británico de la posguerra.
Según William Grimes de The New York Times "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como La muchacha del perro blanco (1951-52), Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura tradicional europea al servicio de un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que desnudó la fachada social del modelo. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la inspección despiadada del artista. [82] En 1952, en la 26ª Bienal de Venecia, un grupo de jóvenes escultores británicos, incluidos Kenneth Armitage , Reg Butler , Lynn Chadwick , William Turnbull y Eduardo Paolozzi , exhibieron obras que demostraban un expresionismo antimonumental. [83] El pintor escocés Alan Davie creó una gran cantidad de pinturas abstractas durante la década de 1950 que sintetizan y reflejan su interés por la mitología y el zen. [84] El arte abstracto se hizo prominente durante la década de 1950 con Ben Nicholson , Terry Frost , Peter Lanyon y Patrick Heron , quienes formaban parte de la escuela St Ives en Cornwall. [85] En 1958, junto con Kenneth Armitage y William Hayter, William Scott fue elegido por el British Council para el Pabellón Británico en la XXIX Bienal de Venecia.
En la década de 1950, se formó el Independent Group , con sede en Londres ; del que surgió el arte pop en 1956 con la exposición en el Instituto de Arte Contemporáneo This Is Tomorrow , como reacción británica al expresionismo abstracto . [86] El Grupo Internacional fue el tema de una conferencia internacional de dos días en la Tate Britain en marzo de 2007. El Grupo Independiente es considerado el precursor del movimiento Pop Art en Gran Bretaña y Estados Unidos. [86] [87] El espectáculo This is Tomorrow contó con el artista escocés Eduardo Paolozzi , Richard Hamilton y el artista John McHale , entre otros, y el grupo también incluía al influyente crítico de arte Lawrence Alloway . [88]
En la década de 1960, Sir Anthony Caro se convirtió en una figura destacada de la escultura británica [89] junto con una generación más joven de artistas abstractos, entre ellos Isaac Witkin , [90] Phillip King y William G. Tucker . [91] John Hoyland , [92] Howard Hodgkin , John Walker , Ian Stephenson , [93] [94] Robyn Denny , John Plumb [95] y William Tillyer [96] fueron pintores británicos que surgieron en aquella época y que reflejaron la Nuevo estilo internacional de pintura Color Field . [97] Durante la década de 1960, otro grupo de artistas británicos ofreció una alternativa radical a la creación artística más convencional y entre ellos se encontraban Bruce McLean , Barry Flanagan , Richard Long y Gilbert y George . Los pintores británicos de arte pop David Hockney , Patrick Caulfield , Derek Boshier , Peter Phillips , Peter Blake (mejor conocido por la portada de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ), Gerald Laing , el escultor Allen Jones formaron parte de la escena artística de los años sesenta. al igual que el pintor estadounidense afincado en Gran Bretaña RB Kitaj . El fotorrealismo de la mano de Malcolm Morley (que recibió el primer Premio Turner en 1984) surgió en los años 1960 al igual que el op-art de Bridget Riley . [98] Michael Craig-Martin fue un profesor influyente de algunos de los jóvenes artistas británicos y es conocido por su trabajo conceptual An Oak Tree (1973). [99]
Se ha dicho que el arte británico contemporáneo posmoderno , en particular el de los Jóvenes Artistas Británicos , se "caracteriza por una preocupación fundamental por la cultura material... percibida como una ansiedad cultural posimperial". [101] El Premio Turner anual , fundado en 1984 y organizado por la Tate, se ha desarrollado como un escaparate muy publicitado para el arte británico contemporáneo. Entre los beneficiados se encuentran varios miembros del movimiento Young British Artists (YBA), entre los que se encuentran Damien Hirst , Rachel Whiteread y Tracey Emin , que saltó a la fama tras la exposición Freeze de 1988, con el respaldo de Charles Saatchi y logró reconocimiento internacional. con su versión del arte conceptual . A menudo presentaba instalaciones , en particular la vitrina de Hirst que contenía un tiburón preservado . La galería Tate y, finalmente, la Royal Academy también les dieron exposición. La influencia del generoso y amplio patrocinio de Saatchi se convertiría en un tema de controversia, al igual que el de Jay Jopling , el galerista londinense más influyente. [ cita necesaria ]
La exposición Sensation de obras de la Colección Saatchi fue controvertida tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, aunque de diferentes maneras. En la Royal Academy, la controversia generada por la prensa se centró en Myra , una imagen muy grande de la asesina Myra Hindley realizada por Marcus Harvey , pero cuando la exposición viajó a la ciudad de Nueva York y se inauguró en el Museo de Brooklyn a finales de 1999, fue recibida con intensas protestas. sobre La Santísima Virgen María de Chris Ofili , que no había provocado esta reacción en Londres. Mientras que la prensa informó que la pieza estaba untada con estiércol de elefante, aunque el trabajo de Ofili en realidad mostraba una Virgen negra cuidadosamente representada y decorada con un trozo de estiércol de elefante cubierto de resina. La figura también está rodeada de pequeños collages de imágenes de genitales femeninos extraídas de revistas pornográficas; estos parecían desde la distancia ser los querubines tradicionales . Entre otras críticas, el alcalde de Nueva York, Rudolph Giuliani , que había visto la obra en el catálogo pero no en la exposición, la calificó de "cosa enfermiza" y amenazó con retirar la subvención anual de 7 millones de dólares del Ayuntamiento al Museo de Brooklyn que alberga la exposición, porque "No tienes derecho a recibir subsidios del gobierno por profanar la religión de otra persona". [102]
En 1999, el grupo de pintura figurativa Stuckists , que incluye a Billy Childish y Charles Thomson, se fundó como reacción a los YBA. [103] En 2004, la Walker Art Gallery presentó The Stuckists Punk Victorian , la primera exposición en un museo nacional del movimiento artístico Stuckist . [104] La Federación de Artistas Británicos organiza exposiciones de pintura figurativa tradicional. [105] Jack Vettriano y Beryl Cook gozan de gran popularidad, pero no del reconocimiento del establishment. [106] [107] [108] Banksy se ganó una reputación con el graffiti callejero y ahora es un artista convencional muy valorado. [109]
Antony Gormley produce esculturas, principalmente en metal y basadas en la figura humana, que incluyen el Ángel del Norte de 20 metros (66 pies) de altura cerca de Gateshead , una de las primeras de una serie de esculturas públicas de gran tamaño producidas en la década de 2000. Otra Lugar y Horizonte de sucesos . El escultor de origen indio Anish Kapoor tiene obras públicas en todo el mundo, entre ellas Cloud Gate en Chicago y Sky Mirror en varios lugares; Como gran parte de su trabajo, estos utilizan superficies de acero curvadas en forma de espejo. Las esculturas ambientales del artista británico Andy Goldsworthy se han creado en muchos lugares del mundo. Utilizando materiales encontrados de forma natural, suelen ser muy efímeros y están registrados en fotografías de las que se han publicado varias colecciones en forma de libros. [110] Grayson Perry trabaja en diversos medios, incluida la cerámica. Mientras que los grabadores más destacados incluyen a Norman Ackroyd , Elizabeth Blackadder , Barbara Rae y Richard Spare .
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![Los hijos de Granville Leveson-Gower, primer marqués de Stafford (1776-177)]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/d/db/Granville_Leveson-Gower%C2%B4s_children.jpg/1280px-Granville_Leveson-Gower%C2%B4s_children.jpg)
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![Paul Nash, The Ypres Salient at Night, 1917-18, pintó algunas de las imágenes más poderosas de la Primera Guerra Mundial realizadas por un artista inglés.[100]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/The_Ypres_Salient_at_Night_Art.IWMART1145.jpg/1280px-The_Ypres_Salient_at_Night_Art.IWMART1145.jpg)
