- Buda sentado , siglo V d. C., Museo de Sarnath
- Pilar de hierro de Delhi, conocido por su composición de metales resistentes a la oxidación, c. siglo III-IV d.C.
- Fresco de las cuevas de Ajanta
El arte indio se compone de una variedad de formas artísticas, entre las que se incluyen la pintura , la escultura , la cerámica y las artes textiles , como la seda tejida . Geográficamente, se extiende por todo el subcontinente indio , incluidos lo que hoy es la India , Pakistán , Bangladesh , Sri Lanka , Nepal , Bután y, en ocasiones, el este de Afganistán . Un fuerte sentido del diseño es característico del arte indio y se puede observar en sus formas modernas y tradicionales.
El origen del arte indio se remonta a los asentamientos prehistóricos del tercer milenio a. C. En su camino hacia los tiempos modernos, el arte indio ha tenido influencias culturales, así como influencias religiosas como el hinduismo , el budismo , el jainismo , el sijismo y el islam . A pesar de esta compleja mezcla de tradiciones religiosas, por lo general, el estilo artístico predominante en cualquier momento y lugar ha sido compartido por los principales grupos religiosos.
En el arte histórico, la escultura en piedra y metal, principalmente de carácter religioso, ha sobrevivido al clima indio mejor que otros medios y proporciona la mayoría de los mejores restos. Muchos de los hallazgos antiguos más importantes que no están tallados en piedra proceden de las regiones circundantes, más secas, y no de la propia India. Las tradiciones funerarias y filosóficas indias excluyen los ajuares funerarios , que son la principal fuente de arte antiguo en otras culturas.
Históricamente, los estilos de los artistas indios siguieron las religiones indias fuera del subcontinente, y tuvieron una influencia especialmente grande en el Tíbet , el sudeste asiático y China . El arte indio también recibió influencias en ocasiones, especialmente de Asia central e Irán , y Europa.
El arte rupestre de la India incluye relieves , grabados y pinturas, algunos (pero no todos) de la Edad de Piedra del sur de Asia . Se estima que existen alrededor de 1300 sitios de arte rupestre con más de un cuarto de millón de figuras y figurillas. [1] Los primeros grabados rupestres de la India fueron descubiertos por Archibald Carlleyle , doce años antes que la cueva de Altamira en España , [2] aunque su trabajo solo salió a la luz mucho más tarde a través de J Cockburn (1899). [3]
El Dr. V. S. Wakankar descubrió varios refugios rocosos pintados en la India central , situados alrededor de la cordillera de Vindhya . De estos, los aproximadamente 750 sitios que componen los refugios rocosos de Bhimbetka han sido inscritos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO ; las pinturas más antiguas tienen unos 10.000 años de antigüedad. [4] [5] [6] [7] [8] Las pinturas de estos sitios solían representar escenas de la vida humana junto a animales y cacerías con herramientas de piedra. Su estilo variaba según la región y la edad, pero la característica más común era un lavado rojo hecho con un mineral en polvo llamado geru , que es una forma de óxido de hierro ( hematita ). [9]
A pesar de su amplia difusión y sofisticación, la civilización del valle del Indo parece no haber mostrado interés por el arte público a gran escala, a diferencia de muchas otras civilizaciones tempranas. Varias figurillas de oro , terracota y piedra de niñas en poses de baile revelan la presencia de algunas formas de danza . Además, las figurillas de terracota incluían vacas, osos, monos y perros.
La forma más común de arte figurativo encontrada son los pequeños sellos tallados . Se han recuperado miles de sellos de esteatita y su carácter físico es bastante consistente. Su tamaño varía de 3 ⁄ 4 pulgadas a 1 1 ⁄ 2 pulgadas cuadradas. En la mayoría de los casos tienen un saliente perforado en la parte posterior para acomodar un cordón para manipularlos o para usarlos como adorno personal. Se han encontrado sellos en Mohenjo-Daro que representan una figura de pie sobre su cabeza y otra, en el sello Pashupati , sentada con las piernas cruzadas en una pose similar al yoga . Esta figura ha sido identificada de diversas formas. Sir John Marshall identificó un parecido con el dios hindú , Shiva . [10]
El animal representado en la mayoría de los sellos de los yacimientos del periodo maduro no ha sido claramente identificado. Mitad toro, mitad cebra, con un cuerno majestuoso, ha sido fuente de especulación. Hasta el momento, no hay pruebas suficientes para fundamentar las afirmaciones de que la imagen tenía un significado religioso o de culto, pero la prevalencia de la imagen plantea la cuestión de si los animales en las imágenes del IVC son o no símbolos religiosos. [11] La pieza más famosa es la Bailarina de bronce de Mohenjo-Daro , que muestra un modelado notablemente avanzado de la figura humana para esta fecha temprana. [12]
Tras el fin de la civilización del valle del Indo, se observa una sorprendente ausencia de arte de gran sofisticación hasta la era budista. Se cree que esto refleja en parte el uso de materiales orgánicos perecederos como la madera. [13]
El milenio posterior al colapso de la civilización del valle del Indo, que coincidió con la migración indoaria durante el período védico , carece de representaciones antropomórficas . [14] Se ha sugerido que la religión védica primitiva se centraba exclusivamente en la adoración de fuerzas puramente "elementales de la naturaleza mediante sacrificios elaborados", que no se prestaban fácilmente a representaciones antropomorfológicas. [15] [16] Varios artefactos pueden pertenecer a la cultura del Tesoro de Cobre (segundo milenio a. C.), algunos de ellos sugiriendo características antropomorfológicas. [17] Las interpretaciones varían en cuanto al significado exacto de estos artefactos, o incluso la cultura y la periodización a la que pertenecían. [17] Algunos ejemplos de expresión artística también aparecen en diseños de cerámica abstracta durante la cultura de la cerámica negra y roja (1450-1200 a. C.) o la cultura de la cerámica gris pintada (1200-600 a. C.), con hallazgos en una amplia zona, incluida la zona de Mathura. [17]
Después de un intervalo de unos mil años, la mayoría de los primeros hallazgos corresponden a lo que se denomina el "segundo período de urbanización", a mediados del primer milenio a. C. [17] La representación antropomórfica de varias deidades aparentemente comenzó a mediados del primer milenio a. C., posiblemente como consecuencia de la afluencia de estímulos extranjeros iniciados con la conquista aqueménida del valle del Indo y el surgimiento de religiones locales alternativas que desafiaban al vedismo , como el budismo , el jainismo y los cultos populares locales. [14]
El Imperio Maurya del norte de la India floreció desde el 322 a. C. hasta el 185 a. C., y en su máxima extensión controló todo el subcontinente excepto el extremo sur, así como las influencias de las antiguas tradiciones indias y la antigua Persia , [18] como lo demuestra la capital Pataliputra .
El emperador Ashoka , que murió en el año 232 a. C., adoptó el budismo aproximadamente a la mitad de su reinado de 40 años y patrocinó varias estupas de gran tamaño en lugares clave de la vida de Buda , aunque sobrevive muy poca decoración del período Maurya y es posible que no haya habido mucha en primer lugar. Hay más de varios sitios tempranos de arquitectura india excavada en la roca .
Las supervivencias más famosas son los grandes animales que coronan varios de los pilares de Ashoka , que mostraban un estilo y una artesanía seguros y audazmente maduros y la primera fundición de hierro de su tipo sin óxido hasta la fecha, que estaba en uso por la gente védica en las áreas rurales del país, aunque tenemos muy pocos restos que muestren su desarrollo. [19] El famoso capitel de león independiente de Ashoka , con cuatro animales, fue adoptado como emblema oficial de la India después de la independencia de la India . [20] La escultura y la arquitectura Maurya se caracterizan por un pulido Maurya muy fino dado a la piedra, que rara vez se encuentra en períodos posteriores.
En la arqueología se han recuperado numerosas figurillas populares de terracota de pequeño tamaño , en una gama de estilos a menudo vigorosos aunque algo rudimentarios. Se han encontrado tanto animales como figuras humanas, generalmente mujeres que se supone que son deidades. [21]
Los yakshas parecen haber sido objeto de un culto importante en los primeros períodos de la historia de la India, y muchos de ellos son conocidos como Kubera , rey de los yakshas, Manibhadra o Mudgarpani . [23] Los yakshas son una amplia clase de espíritus de la naturaleza, generalmente benévolos, pero a veces traviesos o caprichosos, relacionados con el agua, la fertilidad, los árboles, el bosque, el tesoro y la naturaleza salvaje, [24] [25] y fueron objeto de adoración popular. [26] Muchos de ellos se incorporaron más tarde al budismo, el jainismo o el hinduismo. [23]
En el siglo II a. C., los Yakshas se convirtieron en el foco de la creación de imágenes de culto colosales, típicamente de alrededor de 2 metros o más de altura, que se consideran probablemente las primeras producciones antropomórficas indias en piedra. [27] [23] Aunque pocas estatuas antiguas de Yaksha permanecen en buenas condiciones, el vigor del estilo ha sido aplaudido y expresa cualidades esencialmente indias. [27] A menudo son barrigones, tienen dos brazos y un aspecto feroz. [23] Los Yakshas a menudo se representan con armas o atributos, como el Yaksha Mudgarpani que en la mano derecha sostiene una maza de mudgar , y en la mano izquierda la figura de un pequeño devoto o niño de pie uniendo las manos en oración. [28] [23] A menudo se sugiere que el estilo de la estatuaria colosal de Yaksha tuvo una influencia importante en la creación de imágenes divinas y figuras humanas posteriores en la India. [29] El equivalente femenino de las Yakshas eran las Yakshinis, a menudo asociadas con árboles y niños, y cuyas voluptuosas figuras se volvieron omnipresentes en el arte indio. [23]
Se ha sugerido cierta influencia helenística , como los pliegues geométricos de los drapeados o la postura al caminar de las estatuas. [27] Según John Boardman , el dobladillo del vestido en las monumentales estatuas tempranas de Yaksha se deriva del arte griego. [27] Al describir el drapeado de una de estas estatuas, John Boardman escribe: "No tiene antecedentes locales y se parece más a un manierismo arcaico tardío griego", y sugiere que posiblemente se derive del arte helenístico de la cercana Bactria , donde se conoce este diseño. [27]
En la producción de colosales estatuas de Yaksha talladas en bulto redondo, que se pueden encontrar en varios lugares del norte de la India, el arte de Mathura se considera el más avanzado en calidad y cantidad durante este período. [30]
Los principales restos de arte budista se remontan al período posterior a los Maurya, del que sobreviven grandes cantidades de esculturas. Algunos de los sitios clave son Sanchi , Bharhut y Amaravati , algunos de los cuales permanecen in situ , mientras que otros se encuentran en museos de la India o de todo el mundo. Las estupas estaban rodeadas de vallas ceremoniales con cuatro toranas o portales ornamentales profusamente tallados que miraban hacia los puntos cardinales. Estos están hechos de piedra, aunque claramente adoptan formas desarrolladas en madera. Tanto ellos como las paredes de la propia estupa pueden estar profusamente decorados con relieves, que en su mayoría ilustran la vida de Buda. Poco a poco se fueron esculpiendo figuras de tamaño natural, inicialmente en relieve profundo, pero luego independientes. [32]
Mathura fue el centro más importante de este desarrollo, que se aplicó tanto al arte hindú y jainista como al budista. [33] Las fachadas e interiores de las salas de oración chaitya excavadas en la roca y los viharas monásticos han sobrevivido mejor que las estructuras independientes similares en otros lugares, que durante mucho tiempo fueron principalmente de madera. Las cuevas de Ajanta , Karle , Bhaja y otros lugares contienen esculturas tempranas, a menudo superadas en número por obras posteriores como figuras icónicas de Buda y bodhisattvas , que no se encontraron antes del año 100 d. C. como mínimo.
El budismo desarrolló un énfasis cada vez mayor en las estatuas de Buda, que fue muy influenciado por el arte figurativo religioso hindú y jainista, las figuras de este período que también fueron influenciadas por el arte greco-budista de los siglos posteriores a las conquistas de Alejandro Magno . Esta fusión se desarrolló en el extremo noroeste de la India, especialmente Gandhara en el Afganistán y Pakistán modernos . [34] El Imperio indio Kushan se extendió desde Asia Central para incluir el norte de la India en los primeros siglos d.C., y encargó brevemente grandes estatuas que eran retratos de la dinastía real. [35]
Con la caída del Imperio Maurya , el control de la India volvió a manos de las antiguas dinastías regionales, una de las más importantes de las cuales fue la dinastía Shunga (c. 185 a. C. - 72 a. C.) de la India central. Durante este período, así como durante la dinastía Satavahana, que se produjo simultáneamente con la dinastía Shunga en el sur de la India, se creó parte de la arquitectura budista temprana más importante. Podría decirse que la arquitectura más importante de esta dinastía es la estupa, un monumento religioso que suele albergar una reliquia sagrada del budismo. Estas reliquias a menudo, pero no siempre, estaban directamente relacionadas de alguna manera con el Buda. Debido a que estas estupas contenían restos del propio Buda, cada estupa era venerada como una extensión del cuerpo del Buda, su iluminación y su logro del nirvana. La forma en que los budistas veneran la estupa es caminando alrededor de ella en el sentido de las agujas del reloj. [36]
Uno de los ejemplos más notables de la estupa budista de la dinastía Shunga es la Gran Estupa de Sanchi, que se cree que fue fundada por el emperador Maurya Ashoka c. 273 a. C. - 232 a. C. durante el Imperio Maurya. [37] La Gran Estupa se amplió a su diámetro actual de 120 pies, se cubrió con una carcasa de piedra, se remató con un balcón y una sombrilla, y se rodeó con una barandilla de piedra durante la dinastía Shunga c. 150 a. C. - 50 a. C.
Además de la arquitectura, otra forma de arte significativa de la dinastía Shunga son las elaboradas placas de terracota moldeadas. Como se ha visto en ejemplos anteriores del Imperio Maurya, un estilo en el que los detalles superficiales, la desnudez y la sensualidad se mantienen en las placas de terracota de la dinastía Shunga. Las representaciones figurativas más comunes que se ven en estas placas son mujeres, algunas de las cuales se cree que son diosas, que en su mayoría se muestran con el torso desnudo y con elaborados tocados. [38]
La dinastía Satavahana gobernó en la India central y patrocinó muchos grandes monumentos budistas, estupas , templos y salas de oración, incluida la estupa Amaravati , las cuevas de Karla y la primera fase de las cuevas de Ajanta . [39]
Las estupas son monumentos religiosos construidos sobre túmulos funerarios, que contienen reliquias debajo de una cúpula sólida. Las estupas en diferentes áreas de la India pueden variar en estructura, tamaño y diseño; sin embargo, sus significados representativos son bastante similares. Están diseñadas en base a un mandala , un gráfico del cosmos específico del budismo. Una estupa tradicional tiene una barandilla que proporciona un camino sagrado para que los seguidores budistas practiquen la circunvalación devocional en entornos rituales. Además, los antiguos indios consideraban las cuevas como lugares sagrados ya que estaban habitadas por hombres santos y monjes. Una chaitya se construía a partir de una cueva. [36]
Las esculturas en relieve de figuras budistas y los epígrafes escritos en caracteres Brahmi se encuentran a menudo en lugares divinos específicos del budismo. [40] Para celebrar lo divino, los Satavahana también hacían imágenes de piedra como decoración en las arquitecturas budistas. Basándose en el conocimiento de la geometría y la geología, creaban imágenes ideales utilizando un conjunto de técnicas y herramientas complejas como cinceles, martillos y brújulas con puntas de hierro. [41]
Además, las delicadas monedas Satavahana muestran la capacidad de crear arte en ese período. Los Satavahanas emitieron monedas principalmente en cobre, plomo y potin . Más tarde, la plata comenzó a utilizarse para producir monedas. Las monedas suelen tener retratos detallados de gobernantes e inscripciones escritas en los idiomas tamil y telugu . [40]
Oficialmente establecido por Kujula Kadphises , el primer emperador kushan que unió a las tribus yuezhi , el imperio kushan fue un imperio sincrético en el centro y sur de Asia, incluidas las regiones de Gandhara y Mathura en el norte de la India. Desde 127 a 151 d. C., Gandharan alcanzó su apogeo bajo el reinado de Kanishka el Grande. En este período, el arte kushan heredó el arte grecobudista . [42] El budismo mahayana floreció y las representaciones de Buda como una forma humana aparecieron por primera vez en el arte. Buda, que vestía una túnica de monje y una larga tela que le cubría el hombro izquierdo y el cuerpo, fue representado con 32 lakshanas (marcas distintivas) importantes, incluyendo un cuerpo de color dorado, una ushnisha (una protuberancia) en la parte superior de su cabeza, pesados pendientes, lóbulos de las orejas alargados, brazos largos, la impresión de un chakra (rueda) en las palmas de sus manos y las plantas de sus pies, y la urna (una marca entre sus cejas). [36]
Una de las características distintivas del arte gandhariano es su relación con el naturalismo del arte helenístico . Las características naturalistas que se encuentran en las esculturas gandharianas incluyen el tratamiento tridimensional de los drapeados, con pliegues no regularizados que forman patrones realistas de forma y grosor aleatorios. La forma física del Buda y sus bodhisattvas está bien definida, es sólida y musculosa, con pechos, brazos y abdomen abultados. [43] El budismo y el arte budista se extendieron a Asia central y al Lejano Oriente a través de Bactria y Sogdia , donde el Imperio Kushan se encontró con la dinastía Han de China. [44]
El período Gupta se considera generalmente como el punto culminante del arte del norte de la India para todos los grupos religiosos importantes. Aunque la pintura estaba evidentemente muy extendida y sobrevive en las cuevas de Ajanta , las obras que sobreviven son casi todas esculturas religiosas.
En este período surgieron las icónicas deidades talladas en piedra del arte hindú, así como las figuras de Buda y las tirthankaras jainistas , estas últimas a menudo de gran tamaño. Los principales centros de escultura fueron Mathura Sarnath y Gandhara , este último el centro del arte grecobudista .
El período Gupta marcó la "edad de oro" del hinduismo clásico, [45] y vio la arquitectura de templos hindúes construidos más tempranos , aunque las supervivencias no son numerosas.
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Durante este período, la arquitectura de los templos hindúes maduró y dio lugar a una serie de estilos regionales, y una gran parte del registro histórico artístico de este período consiste en esculturas de templos, muchas de las cuales aún se conservan en su lugar. La historia política de los reinos medios de la India vio a la India dividida en muchos estados, y dado que gran parte de los edificios más grandiosos fueron encargados por los gobernantes y su corte, esto contribuyó al desarrollo de las diferencias regionales. La pintura, tanto a gran escala en las paredes como en formas en miniatura, sin duda fue una práctica muy extendida, pero los restos son escasos. Los bronces medievales que han sobrevivido con mayor frecuencia proceden del sur tamil o de las estribaciones del Himalaya.
Las inscripciones en los pilares de Ashoka mencionan la coexistencia de los reinos del norte con el triunvirato de las dinastías tamiles Chola , Chera y Pandya , situadas al sur de las montañas Vindhya . [46] El período medieval fue testigo del ascenso y caída de estos reinos, en conjunción con otros reinos de la zona. Es durante el declive y resurgimiento de estos reinos que el hinduismo se renovó. Fomentó la construcción de numerosos templos y esculturas.
El Templo de la Costa en Mamallapuram construido por los Pallavas simboliza la arquitectura hindú temprana , con su relieve de roca monolítica y esculturas de deidades hindúes. Fueron sucedidos por gobernantes Chola que fueron prolíficos en su búsqueda de las artes . Los Grandes Templos Chola Vivientes de este período son conocidos por su madurez, grandeza y atención al detalle, y han sido reconocidos como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO . [47] El período Chola también es conocido por sus esculturas de bronce, la técnica de fundición a la cera perdida y las pinturas al fresco . Gracias a los reyes hindúes de la dinastía Chalukya , el jainismo floreció junto con el islam, evidenciado por el cuarto de los templos de la cueva de Badami que es jainista en lugar de védico . Los reinos del sur de la India continuaron gobernando sus tierras hasta las invasiones musulmanas que establecieron sultanatos allí y destruyeron gran parte de los templos y maravillosos ejemplos de arquitecturas y esculturas.
Otros estados hindúes son conocidos principalmente por sus templos supervivientes y sus esculturas anexas. Entre ellos se encuentran la arquitectura Badami Chalukya (siglos V y VI), la arquitectura Chalukya occidental (siglos XI y XII) y la arquitectura Hoysala (siglos XI y XIV), todas ellas centradas en el Karnataka moderno .
En el este de la India, Odisha y Bengala Occidental , la arquitectura Kalinga era el estilo general de templo, con variantes locales, antes de la conquista musulmana.
En la antigüedad, Bengala fue pionera en la pintura en Asia bajo el Imperio Pala. La pintura en miniatura y en pergaminos floreció durante el Imperio mogol. La pintura Kalighat o Kalighat Pat se originó en la Bengala del siglo XIX, en las cercanías del templo Kalighat Kali de Calcuta, y de ser objetos de recuerdo que llevaban los visitantes del templo Kali, con el tiempo las pinturas se desarrollaron como una escuela distinta de la pintura india. A partir de la representación de dioses hindúes y otros personajes mitológicos, las pinturas Kalighat evolucionaron para reflejar una variedad de temas.
Aunque las conquistas islámicas en la India se produjeron ya en la primera mitad del siglo X, no fue hasta el Imperio mogol cuando se empezó a observar a emperadores que patrocinaran las bellas artes. El emperador Humayun , durante el restablecimiento del sultanato de Delhi en 1555, trajo consigo a Mir Sayyid Ali y Abd al-Samad , dos de los mejores pintores del famoso taller del persa Shah Tahmasp .
Durante el reinado de Akbar (1556-1605), el número de pintores creció de alrededor de 30 durante la creación del Hamzanama a mediados de la década de 1560, a alrededor de 130 a mediados de la década de 1590. [48] Según el historiador de la corte Abu'l-Fazal , Akbar era práctico en su interés por las artes, inspeccionaba a sus pintores regularmente y recompensaba a los mejores. [49] Fue durante este tiempo que los artistas persas se sintieron atraídos por traer su estilo único al imperio. Los elementos indios estuvieron presentes en sus obras desde el principio, con la incorporación de la flora y fauna indias locales que de otro modo estaban ausentes del estilo persa tradicional. Las pinturas de esta época reflejaron la vitalidad e inclusión del reino de Akbar, con la producción de miniaturas persas , las pinturas Rajput (incluida la escuela Kangra ) y el estilo Pahari del norte de la India. También influyeron en las pinturas de acuarela de estilo Company creadas durante el dominio británico muchos años después.
Con la muerte de Akbar, su hijo Jahangir (1605-1627) tomó el trono. Prefirió que cada pintor trabajara en una sola pieza en lugar de la colaboración fomentada durante la época de Akbar. Este período marca el surgimiento de estilos individuales distintos, en particular Bishan Das , Manohar Das , Abu al-Hasan , Govardhan y Daulat. [50] El propio Jahangir tenía la capacidad de identificar la obra de cada artista individual, incluso si la obra no tenía nombre. El Razmnama (traducción persa de la epopeya hindú Mahabharata ) y una memoria ilustrada de Jahangir, llamada Tuzuk-i Jahangiri , fueron creados bajo su gobierno. Jahangir fue sucedido por Shah Jahan (1628-1658), cuya contribución arquitectónica más notable es el Taj Mahal . Las pinturas bajo su gobierno eran más formales, presentando escenas de la corte, en contraste con los estilos personales de la época de su predecesor. Aurangzeb (1658-1707), que sostenía creencias sunitas cada vez más ortodoxas, arrebató por la fuerza el trono a su padre Shah Jahan. Con la prohibición de la música y la pintura en 1680, su reinado vio el declive del mecenazgo mogol de las artes.
A medida que la pintura declinaba en la corte imperial, los artistas y la influencia general de la pintura mogol se extendieron a las cortes principescas y las ciudades del norte de la India, donde tanto el retrato como la ilustración de las epopeyas indias y la pintura religiosa hindú se desarrollaron en muchas escuelas y estilos locales. Entre ellos, destacan las escuelas de pintura Rajput , Pahari , Deccan y Kangra .
El último imperio del sur de la India ha dejado espectaculares restos de la arquitectura Vijayanagara , especialmente en Hampi, Karnataka , a menudo profusamente decorada con esculturas. Estas dieron origen a la tradición Chola. Después de la conquista mogol, la tradición de los templos continuó desarrollándose, principalmente en la expansión de los templos existentes, a los que se añadieron nuevos muros exteriores con gopurams cada vez más grandes , que a menudo empequeñecían los edificios más antiguos del centro. Estos solían estar cubiertos por estatuas de yeso de deidades y otras figuras religiosas, cuya pintura de colores brillantes debía renovarse a intervalos para que no se erosionara.
En el centro-sur de la India, a finales del siglo XV, después de los reinos medios, el sultanato de Bahmani se desintegró en los sultanatos del Decán centrados en Bijapur , Golconda , Ahmadnagar , Bidar y Berar . Utilizaron técnicas védicas de fundición de metales, tallado de piedra y pintura, así como un estilo arquitectónico distintivo con la adición de ciudadelas y tumbas de la arquitectura mogol. Por ejemplo, la dinastía Baridi (1504-1619) de Bidar vio la invención de la cerámica bidri , que fue adoptada de los pilares ashoka del período védico y Maurya de zinc mezclado con cobre, estaño y plomo e incrustado con plata o latón, luego cubierto con una pasta de barro que contenía sal amoniacal , que volvió negro el metal base, resaltando el color y el brillo del metal incrustado. Sólo después de la conquista mogol de Ahmadnagar en 1600 la influencia persa patrocinada por los mogoles turco-mongoles comenzó a afectar el arte del Decán.
El dominio colonial británico tuvo un gran impacto en el arte indio, especialmente desde mediados del siglo XIX en adelante. Muchos antiguos mecenas del arte se volvieron menos ricos e influyentes, y el arte occidental más omnipresente a medida que el Imperio británico establecía escuelas de arte en las principales ciudades. La más antigua, la Escuela Superior de Bellas Artes del Gobierno, Chennai , se estableció en 1850. En las principales ciudades con muchos europeos, el estilo de la Compañía de pequeñas pinturas se volvió común, creado por artistas indios que trabajaban para mecenas europeos de la Compañía de las Indias Orientales . El estilo utilizaba principalmente acuarela, para transmitir texturas y tonos suaves, en un estilo que combinaba influencias de grabados occidentales y pintura mogol. [51] En 1858 , el gobierno británico asumió la tarea de administración de la India bajo el Raj británico . Muchos encargos de príncipes indios ahora eran total o parcialmente en estilos occidentales, o la arquitectura híbrida indo-sarracena . La fusión de las tradiciones indias con el estilo europeo de esta época es evidente en las pinturas al óleo de Raja Ravi Varma , que muestran mujeres vestidas con saris de manera elegante.
La Escuela de Arte de Bengala , comúnmente conocida como Escuela de Bengala, fue un movimiento artístico y un estilo de pintura india que se originó en Bengala , principalmente en Calcuta y Shantiniketan, y floreció en todo el subcontinente indio, durante el Raj británico a principios del siglo XX. También conocida como "estilo indio de pintura" en sus inicios, se asoció con el nacionalismo indio (swadeshi) y fue liderada por Abanindranath Tagore (1871-1951), pero también fue promovida y apoyada por administradores de arte británicos como EB Havell, director del Government College of Art and Craft, Calcuta desde 1896; finalmente condujo al desarrollo de la pintura india moderna.
Más tarde, Tagore intentó desarrollar vínculos con artistas japoneses como parte de una aspiración de construir un modelo de arte panasiático . A través de las pinturas de 'Bharat Mata', Abanindranath estableció el patrón de patriotismo. Los pintores y artistas de la escuela bengalí fueron Nandalal Bose , MAR Chughtai, Sunayani Devi (hermana de Abanindranath Tagore), Manishi Dey, Mukul Dey, Kalipada Ghoshal, Asit Kumar Haldar, Sudhir Khastgir , Kshitindranath Majumdar, Sughra Rababi, Sukhvir Sanghal. [52]
Entre 1920 y 1925, Gaganendranath fue pionero en la experimentación con la pintura modernista. Partha Mitter lo describe como "el único pintor indio antes de la década de 1940 que utilizó el lenguaje y la sintaxis del cubismo en su pintura". A partir de 1925, el artista desarrolló un estilo poscubista complejo.
En 1905, cuando el movimiento Swadeshi empezó a cobrar impulso, los artistas indios intentaron resucitar las identidades culturales suprimidas por los británicos, rechazando el estilo romántico de las pinturas de la Compañía y el trabajo amanerado de Raja Ravi Varma y sus seguidores. Así se creó lo que hoy se conoce como la Escuela de Arte de Bengala, liderada por los estilos asiáticos reelaborados (con énfasis en el nacionalismo indio) de Abanindranath Tagore (1871-1951), a quien se ha considerado el padre del arte indio moderno. [53] Otros artistas de la familia Tagore, como Rabindranath Tagore (1861-1941) y Gaganendranath Tagore (1867-1938), así como nuevos artistas de principios del siglo XX como Amrita Sher-Gil (1913-1941), fueron responsables de introducir los estilos occidentales de vanguardia en el arte indio. Muchos otros artistas, como Jamini Roy y más tarde SH Raza, se inspiraron en las tradiciones populares . En 1944, KCS Paniker fundó la Asociación de Pintores Progresistas (PPA), dando así origen al "movimiento madrás" en el arte. [54]
En 1947, la India se independizó del dominio británico. Un grupo de seis artistas – KH Ara , SK Bakre , HA Gade , MF Husain , SH Raza y Francis Newton Souza – fundó el Grupo de Artistas Progresistas de Bombay en el año 1952, para establecer nuevas formas de expresión de la India en la era poscolonial. Aunque el grupo se disolvió en 1956, fue profundamente influyente en el cambio del idioma del arte indio. Casi todos los artistas más importantes de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que son bien conocidos hoy en día son Bal Chabda, Manishi Dey , VS Gaitonde, Krishen Khanna , Ram Kumar , Tyeb Mehta , KG Subramanyan , A. Ramachandran , Devender Singh , Akbar Padamsee, John Wilkins , Himmat Shah y Manjit Bawa . [55] El arte indio actual es más variado que nunca. Entre los artistas más conocidos de la nueva generación se incluyen Bose Krishnamachari y Bikash Bhattacharjee .
La pintura y la escultura siguieron siendo importantes en la segunda mitad del siglo XX, aunque en la obra de artistas destacados como Nalini Malani , Subodh Gupta , Narayanan Ramachandran, Vivan Sundaram , Jitish Kallat , GR Iranna , Bharati Kher, Chittravanu Muzumdar, a menudo encontraron nuevas direcciones radicales. Bharti Dayal ha optado por tratar la pintura tradicional Mithila de la forma más contemporánea y ha creado su propio estilo a través de los ejercicios de su propia imaginación, que parecen frescos e inusuales.
El aumento del discurso sobre el arte indio, tanto en inglés como en las lenguas vernáculas de la India, cambió la forma en que se percibía el arte en las escuelas de arte. El enfoque crítico se volvió riguroso; críticos como Geeta Kapur , R. Siva Kumar , [56] [57] Shivaji K. Panikkar, Ranjit Hoskote , entre otros, contribuyeron a repensar la práctica del arte contemporáneo en la India.
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La primera escultura conocida en el subcontinente indio es de la civilización del valle del Indo (3300-1700 a. C.), encontrada en yacimientos de Mohenjo-Daro y Harappa en el actual Pakistán . Entre ellas se encuentra el famoso pequeño bailarín de bronce Nataraja . Sin embargo, estas figuras de bronce y piedra son raras y son superadas en gran número por las figurillas de cerámica y los sellos de piedra, a menudo de animales o deidades muy bien representados. Después del colapso de la civilización del valle del Indo, hay pocos registros de esculturas hasta la era budista, aparte de un tesoro de figuras de cobre de (algo controvertido) alrededor del 1500 a. C. de Daimabad . [58]
La gran tradición de la escultura monumental india en piedra parece comenzar relativamente tarde, con el reinado de Ashoka de 270 a 232 a. C., y los pilares de Ashoka que erigió alrededor de la India, llevando sus edictos y rematados con famosas esculturas de animales, en su mayoría leones, de los cuales seis sobreviven. [59] Grandes cantidades de esculturas figurativas, en su mayoría en relieve, sobreviven de las primeras estupas de peregrinación budista, sobre todo Sanchi ; estas probablemente se desarrollaron a partir de una tradición que utilizaba madera. [60] De hecho, la madera continuó siendo el principal medio escultórico y arquitectónico en Kerala a lo largo de todos los períodos históricos hasta las décadas recientes. [61]
Durante el siglo II al I a. C. en el extremo norte de la India , en el arte greco-budista de Gandhara , en lo que hoy es el sur de Afganistán y el norte de Pakistán , las esculturas se volvieron más explícitas, representando episodios de la vida y las enseñanzas de Buda. Aunque la India tenía una larga tradición escultórica y un dominio de la rica iconografía, Buda nunca fue representado en forma humana antes de esta época, sino solo a través de algunos de sus símbolos. Esto puede deberse a que la escultura budista gandhariana en el Afganistán moderno muestra influencia artística griega y persa . Artísticamente, se dice que la escuela de escultura gandhariana contribuyó con el cabello ondulado, los drapeados que cubren ambos hombros, los zapatos y las sandalias, las decoraciones de hojas de acanto, etc.
Las esculturas hindúes, jainistas y budistas de arenisca rosa de Mathura de los siglos I al III d.C. reflejaban tanto las tradiciones indias nativas como las influencias occidentales recibidas a través del arte grecobudista de Gandhara, y establecieron efectivamente la base para la escultura religiosa india posterior. [60] El estilo se desarrolló y difundió por la mayor parte de la India bajo el Imperio Gupta (c. 320-550), que sigue siendo un período "clásico" para la escultura india, que abarca las cuevas de Ellora anteriores , [62] aunque las cuevas de Elefanta son probablemente un poco posteriores. [63] La escultura posterior a gran escala sigue siendo casi exclusivamente religiosa, y generalmente bastante conservadora, a menudo volviendo a poses simples de pie frontales para las deidades, aunque los espíritus asistentes, como las apsaras y los yakshi, a menudo tienen poses sensualmente curvas. La talla suele ser muy detallada, con un intrincado respaldo detrás de la figura principal en alto relieve. Los famosos bronces a la cera perdida de la dinastía Chola (c. 850-1250) del sur de la India , muchos de ellos diseñados para ser llevados en procesiones, incluyen la forma icónica de Shiva como Nataraja , [64] con las enormes tallas de granito de Mahabalipuram que datan de la dinastía Pallava anterior. [65] El período Chola también es notable por sus esculturas y bronces. [66] Entre los especímenes existentes en los diversos museos del mundo y en los templos del sur de la India se pueden ver muchas bellas figuras de Siva en varias formas, Vishnu y su esposa Lakshmi , santos de Siva y muchos más. [67]
La tradición y los métodos de la pintura sobre acantilados de la India evolucionaron gradualmente a lo largo de miles de años; se han encontrado múltiples lugares con arte prehistórico. Las primeras cuevas incluían rocas colgantes decoradas con arte tallado en la roca y el uso de cuevas naturales durante el período Mesolítico (6000 a. C.). Su uso ha continuado en algunas áreas hasta tiempos históricos. [68] Los refugios rocosos de Bhimbetka están en el borde de la meseta del Decán , donde la erosión profunda ha dejado enormes afloramientos de arenisca . Las numerosas cuevas y grutas que se encuentran allí contienen herramientas primitivas y pinturas rupestres decorativas que reflejan la antigua tradición de la interacción humana con su paisaje, una interacción que continúa hasta el día de hoy. [69]
Los frescos más antiguos que se conservan del período histórico se han conservado en las cuevas de Ajanta , y la cueva 10 tiene algunos del siglo I d. C., aunque los grupos más grandes y famosos son del siglo V. A pesar de las condiciones climáticas que tienden a trabajar en contra de la supervivencia de las pinturas más antiguas, en total se conocen más de 20 lugares en la India con pinturas y rastros de pinturas anteriores de la época antigua y medieval temprana (hasta los siglos VIII al X d. C.), [70] aunque estos son solo una pequeña fracción de lo que alguna vez habría existido. Los frescos más significativos del período antiguo y medieval temprano se encuentran en las cuevas de Ajanta, Bagh , Ellora y Sittanavasal , siendo el último jainista de los siglos VII al X. Aunque muchos muestran evidencia de haber sido realizados por artistas utilizados principalmente para decorar palacios, no sobreviven pinturas murales seculares tempranas. [71]
Las pinturas al fresco Chola fueron descubiertas en 1931 dentro del pasaje circunvalatorio del Templo Brihadisvara en Thanjavur , Tamil Nadu , y son los primeros ejemplares Chola descubiertos. Los investigadores han descubierto la técnica utilizada en estos frescos. Se aplica una capa suave de mezcla de piedra caliza sobre las piedras, que tarda de dos a tres días en fraguar. En ese breve lapso, se pintaron pinturas tan grandes con pigmentos orgánicos naturales. Durante el período Nayak , se pintó encima de las pinturas Chola. Los frescos Chola que se encuentran debajo expresan un ardiente espíritu de saivismo . Probablemente se sincronizaron con la finalización del templo por parte de Rajaraja Cholan el Grande.
La pintura mural de Kerala tiene frescos , murales o pinturas murales bien conservadas en las paredes de los templos de Pundarikapuram, Ettumanoor , Aymanam y otros lugares.
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Aunque sobreviven pocas miniaturas indias anteriores al año 1000 d. C., y algunas de los siglos siguientes, es probable que existiera una tradición considerable. Las que sobreviven son inicialmente ilustraciones de textos budistas, seguidas más tarde por sus equivalentes jainistas e hindúes, y la decadencia del budismo, así como el vulnerable material de soporte del manuscrito en hojas de palma, probablemente expliquen la rareza de los primeros ejemplos. [72]
La pintura mogol en miniaturas sobre papel se desarrolló muy rápidamente a finales del siglo XVI a partir de la influencia combinada de la tradición de la miniatura existente y de los artistas formados en la tradición de la miniatura persa importada por la corte del emperador mogol . Los nuevos ingredientes del estilo fueron un realismo mucho mayor, especialmente en los retratos, y un interés por los animales, las plantas y otros aspectos del mundo físico. [73] La pintura del Decán se desarrolló en la misma época en las cortes de los sultanatos del Decán al sur, en algunos aspectos más vital, aunque menos equilibrada y elegante. [74]
Las miniaturas ilustraban libros o eran obras individuales para muraqqas o álbumes de pintura y caligrafía islámica . El estilo se extendió gradualmente en los siguientes dos siglos para influir en la pintura sobre papel tanto en las cortes principescas musulmanas como hindúes, y se desarrolló en una serie de estilos regionales a menudo llamados "submogoles", incluida la pintura rajput , la pintura pahari y, finalmente , la pintura de la compañía , un estilo híbrido de acuarela influenciado por el arte europeo y patrocinado en gran medida por la gente del raj británico . En los centros "pahari" ("montañosos") como el de la pintura de Kangra, el estilo siguió siendo vital y continuó desarrollándose hasta las primeras décadas del siglo XIX. [75] Desde mediados del siglo XIX, las pinturas de caballete de estilo occidental fueron pintadas cada vez más por artistas indios formados en escuelas de arte gubernamentales.
El subcontinente indio posee el legado más largo y continuo de fabricación de joyas, con una historia de más de 5000 años. [76] El uso de joyas como reserva de capital sigue siendo más común en la India que en la mayoría de las sociedades modernas, y el oro parece haber sido siempre el metal preferido. La India y las áreas circundantes eran fuentes importantes de piedras preciosas de alta calidad , y las joyas de la clase dominante se caracterizan por su uso profuso. Uno de los primeros en comenzar a fabricar joyas fue la gente de la civilización del valle del Indo . Los restos tempranos son pocos, ya que no fueron enterrados con sus dueños.
La madera era sin duda muy importante, pero rara vez sobrevive mucho tiempo en el clima indio. Los materiales animales orgánicos como el marfil o el hueso fueron desaconsejados por las religiones dhármicas , aunque existen ejemplos budistas, como los marfiles de Begram , muchos de ellos de fabricación india, pero encontrados en Afganistán , y algunos colmillos tallados relativamente modernos . En los entornos musulmanes son más comunes.
La oscuridad envuelve el período entre la decadencia de los Harappa y el período histórico definido que comienza con los Maurya , y en el período histórico, la religión india más antigua que inspiró los principales monumentos artísticos fue el budismo . Aunque puede haber habido estructuras anteriores en madera que se han transformado en estructuras de piedra, no hay evidencias físicas de esto excepto referencias textuales. Poco después de que los budistas iniciaran las cuevas excavadas en la roca , los hindúes y los jainistas comenzaron a imitarlos en Badami , Aihole , Ellora , Salsette , Elephanta , Aurangabad y Mamallapuram y Mughals . Parece ser una constante en el arte indio que las diferentes religiones compartieran un estilo artístico muy similar en cualquier período y lugar en particular, aunque naturalmente adaptaban la iconografía para que coincidiera con la religión que las encargaba. [77] Probablemente los mismos grupos de artistas trabajaron para las diferentes religiones independientemente de sus propias afiliaciones.
El arte budista se desarrolló por primera vez durante el período Gandhara y el período Amaravati alrededor del siglo I a. C. Continuó floreciendo durante los períodos Gupta y Pala que comprenden la Edad de Oro de la India, incluso cuando los gobernantes se volvieron mayoritariamente hindúes. [78] El arte budista desapareció en gran medida a fines del primer milenio, después de lo cual dinastías hindúes como los imperios Pallava , Chola , Hoysala y Vijayanagara desarrollaron sus propios estilos.
No existe una línea de tiempo que divida la creación de templos excavados en la roca y templos independientes construidos con piedra tallada, ya que se desarrollaron en paralelo. La construcción de estructuras independientes comenzó en el siglo V, mientras que los templos excavados en la roca continuaron siendo excavados hasta el siglo XII. Un ejemplo de un templo estructural independiente es el Templo de la Costa , una parte del Sitio de Patrimonio Mundial de Mahabalipuram , con su esbelta torre, construida en la orilla de la Bahía de Bengala con rocas de granito finamente talladas cortadas como ladrillos y que data del siglo VIII. [79] [80]
El arte popular y tribal en la India adopta diferentes manifestaciones a través de diversos medios como la cerámica, la pintura, la metalistería, [81] el arte del papel, el tejido y el diseño de objetos como joyas y juguetes. Estos no son solo objetos estéticos, sino que de hecho tienen un significado importante en la vida de las personas y están vinculados a sus creencias y rituales. Los objetos pueden variar desde esculturas, máscaras (utilizadas en rituales y ceremonias), pinturas, textiles, cestas, objetos de cocina, armas y el propio cuerpo humano ( tatuajes y piercings ). Existe un profundo significado simbólico que se asocia no solo a los objetos en sí, sino también a los materiales y técnicas utilizados para producirlos.
A menudo, los dioses y leyendas puránicos se transforman en formas contemporáneas e imágenes familiares. Las ferias, los festivales, los héroes locales (en su mayoría guerreros) y las deidades locales desempeñan un papel vital en estas artes (por ejemplo, el arte Nakashi de Telangana o la pintura de rollos Cherial ).
El arte popular también incluye las expresiones visuales de los nómadas errantes. Se trata del arte de personas que se ven expuestas a paisajes cambiantes a medida que viajan por los valles y las tierras altas de la India. Llevan consigo las experiencias y los recuerdos de diferentes espacios y su arte consiste en el patrón transitorio y dinámico de la vida. Las artes rurales , tribales y nómadas constituyen la matriz de la expresión popular. Algunos ejemplos de artes populares son:
Aunque la mayoría de las tribus y comunidades de artistas folclóricos tradicionales se han asimilado a la forma familiar de vida civilizada, siguen practicando su arte. Lamentablemente, las fuerzas económicas y del mercado han hecho que el número de estos artistas disminuya. [85] [86] Varias ONG y el Gobierno de la India están haciendo un gran esfuerzo para preservar y proteger estas artes y promoverlas. Varios académicos de la India y de todo el mundo han estudiado estas artes y se dispone de valiosa información sobre ellas. El espíritu folclórico tiene un papel enorme que desempeñar en el desarrollo del arte y en la conciencia general de las culturas indígenas.
El año 1997 fue testigo de dos gestos paralelos de formación de canon. Por un lado, el influyente Grupo Baroda , una coalición cuyos miembros originales incluían a Vivan Sundaram , Ghulam Mohammed Sheikh , Bhupen Khakhar y Nalini Malani —y que había dejado su huella en la historia en forma de la exposición de 1981 “Place for People”— fue definitivamente historicizado en 1997 con la publicación de Arte contemporáneo en Baroda, una antología de ensayos editada por Sheikh. Por otra parte, la exposición de referencia del historiador de arte R. Siva Kumar y la publicación relacionada, A Contextual Modernism , restablecieron a los artistas de Santiniketan —Rabindranath Tagore , Nandalal Bose , Benode Behari Mukherjee y Ramkinkar Baij— en su lugar apropiado como los creadores de un modernismo logrado autóctonamente pero transcultural en la década de 1930, mucho antes de que los progresistas compusieran su manifiesto a fines de la década de 1940. De los artistas de Santiniketan, Siva Kumar observó que "revisaron los antecedentes tradicionales en relación con las nuevas avenidas abiertas por los contactos interculturales. También lo vieron como un imperativo histórico. Se dieron cuenta de que la insularidad cultural tenía que dar paso al eclecticismo y la impureza cultural". [87]
La idea del modernismo contextual surgió en 1997 a partir de Santiniketan: The Making of a Contextual Modernism de R. Siva Kumar como una herramienta crítica poscolonial para la comprensión de un modernismo alternativo en las artes visuales de las antiguas colonias como la India, específicamente el de los artistas de Santiniketan.
Varios términos, entre ellos la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow , se han utilizado para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall sostiene que el término "modernismo contextual" es más adecuado porque "lo colonial en la modernidad colonial no da cabida a la negativa de muchos en situaciones colonizadas a internalizar la inferioridad. El rechazo de la subordinación de los maestros artistas de Santiniketan incorporó una visión contraria de la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsó y caracterizó la modernidad y el modernismo imperiales occidentales. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de una potencia colonial británica triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares". [88]
Según R. Siva Kumar , "los artistas de Santiniketan fueron de los primeros que desafiaron conscientemente esta idea del modernismo al optar por salirse tanto del modernismo internacionalista como del indigenismo historicista y trataron de crear un modernismo sensible al contexto". [89] Había estado estudiando el trabajo de los maestros de Santiniketan y pensando en su enfoque del arte desde principios de los años 80. La práctica de subsumir a Nandalal Bose , Rabindranath Tagore , Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee bajo la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa. Esto sucedió porque los primeros escritores se guiaron por genealogías de aprendizaje en lugar de sus estilos, visiones del mundo y perspectivas sobre la práctica artística . [89]
El modernismo contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos de estudio relacionados, especialmente en la arquitectura . [90]
... Amado de los dioses, el dominio del rey Piyadasi, y entre la gente más allá de las fronteras, los Cholas, los Pandyas, ...
... la globalización ha desencadenado el surgimiento de una macrocultura sintética... está ganando popularidad día a día y silenciosamente está diseñando el desgaste gradual del arte y la cultura tribales y populares.
En la ola de los medios electrónicos, nuestra ... cultura antigua y el arte tribal han estado en decadencia, ..., dijo el investigador de folclore J Srinivasaiah.
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