La pintura india tiene una tradición e historia muy larga en el arte indio . [1] Las primeras pinturas indias fueron las pinturas rupestres de tiempos prehistóricos , como los petroglifos encontrados en lugares como los refugios rocosos de Bhimbetka . Algunas de las pinturas rupestres de la Edad de Piedra encontradas entre los refugios rocosos de Bhimbetka tienen aproximadamente 10.000 años de antigüedad. Debido a las condiciones climáticas del subcontinente indio , muy pocos ejemplos tempranos sobreviven hoy en día.
La antigua literatura hindú y budista de la India contiene numerosas menciones de palacios y otros edificios decorados con pinturas ( chitra ), [2] pero las pinturas de las cuevas de Ajanta son las más significativas de las pocas que sobreviven. Probablemente también se practicaron pinturas a menor escala en manuscritos en este período, aunque las primeras supervivencias son del período medieval. [1] Un nuevo estilo surgió en la era mogol como una fusión de la miniatura persa con tradiciones indias más antiguas, y a partir del siglo XVII su estilo se difundió por las cortes principescas indias de todas las religiones, cada una desarrollando un estilo local. Se hicieron pinturas de empresas para clientes británicos bajo el raj británico , que a partir del siglo XIX también introdujo escuelas de arte de líneas occidentales. Esto condujo a la pintura india moderna, que cada vez está volviendo más a sus raíces indias.
Las pinturas indias pueden clasificarse en general como murales, miniaturas y pinturas sobre tela. Los murales son obras de gran tamaño ejecutadas en las paredes de estructuras sólidas, como en las cuevas de Ajanta y el templo de Kailashnath. Las pinturas en miniatura se ejecutan a muy pequeña escala para libros o álbumes sobre materiales perecederos como papel y tela. Hay rastros de murales, en técnicas similares a los frescos , en varios sitios con arquitectura india excavada en la roca , que se remontan al menos a 2000 años, pero los restos de los siglos I y V en las cuevas de Ajanta son los más significativos. [3]
Las pinturas sobre tela se producían a menudo en un contexto más popular, a menudo como arte popular , utilizadas por ejemplo por recitadores itinerantes de poesía épica, como los Bhopas de Rajastán y Chitrakathi en otros lugares, y compradas como recuerdos de peregrinaciones. Muy pocos supervivientes tienen más de 200 años, pero está claro que las tradiciones son mucho más antiguas. Algunas tradiciones regionales todavía producen obras. [4]
Parece claro que la pintura en miniatura, que a menudo ilustra manuscritos, tiene una historia muy larga, [5] pero las miniaturas jainistas de alrededor del siglo XII, en su mayoría de la India occidental, y las budistas ligeramente anteriores del Imperio Pala en el este son las más antiguas que sobreviven. [6] Sobreviven ilustraciones hindúes similares de alrededor del siglo XV en Occidente y del siglo XVI en la India oriental, [7] momento en el que la miniatura mogol bajo Akbar también ilustraba a veces traducciones al persa de las epopeyas hindúes y otros temas. [8]
El gran período de la pintura de la corte mogol comienza con el regreso de Humayun del exilio en Persia en 1555, trayendo consigo a artistas persas. Termina durante el reinado de Aurangzeb , que desaprobaba la pintura por razones religiosas y disolvió el gran taller imperial, quizás hacia 1670. Los artistas se dispersaron en cortes principescas más pequeñas, tanto musulmanas como hindúes, y el estilo "post-mogol" se desarrolló en muchas variantes locales. [9] Estas incluían diferentes escuelas de pintura de Rajastán, como Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar y Mewar. Las pinturas de Ragamala también pertenecen a esta escuela, al igual que la pintura posterior de la Compañía producida para clientes británicos a partir de mediados del siglo XVIII.
El arte indio moderno ha presenciado el surgimiento de la Escuela de Arte de Bengala en la década de 1930, seguida de muchas formas de experimentación en estilos europeos e indios. Entre los artistas importantes de la Escuela de Arte de Bengala se incluyen Abanindranath Tagore , Nandlal Bose , Rabindranath Tagore y Asit Kumar Haldar . Surgió como un movimiento poderoso que buscaba revivir las prácticas artísticas tradicionales de la India y forjar una identidad nacional única. [10]
Tras la independencia de la India, se desarrollaron muchos nuevos géneros artísticos de la mano de importantes artistas como Jamini Roy, MF Husain , Francis Newton Souza y Vasudeo S. Gaitonde . Con el progreso de la economía, las formas y estilos del arte también sufrieron muchos cambios. En la década de 1990, la economía india se liberalizó y se integró a la economía mundial, lo que llevó al libre flujo de información cultural dentro y fuera. Entre los artistas se incluyen Subodh Gupta , Atul Dodiya , Devajyoti Ray , Bose Krishnamachari y Jitish Kallat, cuyas obras se subastaron en los mercados internacionales. Bharti Dayal ha optado por tratar la pintura tradicional Mithila de la forma más contemporánea y ha creado su propio estilo a través de los ejercicios de su propia imaginación, que parecen frescos e inusuales.
Las pinturas prehistóricas se realizaban generalmente sobre rocas y estos grabados rupestres se denominaban petroglifos . Estas pinturas suelen representar animales como bisontes, osos, tigres, etc. [11] Las pinturas indias más antiguas son arte rupestre en cuevas que tienen alrededor de 30.000 años de antigüedad, como las pinturas rupestres de Bhimbetka . [12]
Existen numerosos tratados indios importantes dedicados a la pintura, tradicionalmente llamados chitra . Algunos de ellos son capítulos dentro de textos más grandes, similares a enciclopedias. Datan de entre el siglo IV y el XIII d. C. Entre ellos se incluyen: [13] [14]
Estos y otros textos sobre pintura abordan las ideas indias, la teoría y la práctica de la pintura, su relación con otras artes, métodos de preparación del lienzo o la pared, recetas para hacer pigmentos de color y otros temas. [14] [19] [15]
La historia de los murales indios se remonta a la Antigüedad y la Alta Edad Media, desde el siglo II a. C. hasta el siglo VIII y X d. C. Se conocen más de 20 lugares en toda la India que contienen murales de este período, principalmente cuevas naturales y cámaras excavadas en la roca. Entre ellos se incluyen las cuevas de Ajanta , Bagh , Sittanavasal , la cueva de Armamalai (Tamil Nadu), el templo Kailasanatha en las cuevas de Ellora , Ramgarh y Sitabinji.
Los murales de este período representan principalmente temas religiosos de las religiones budista, jainista e hindú. Sin embargo, también hay lugares donde las pinturas eran seculares. Esto incluye la cueva y el teatro pintados más antiguos conocidos en Chhattisgarh, las cuevas de Jogimara y Sitabenga , que datan de entre el siglo III y el I a. C. [20] [21]
Las primeras pinturas indias portátiles que se conservan son todas miniaturas de textos (la gran mayoría) u objetos pintados como cajas. A pesar de la considerable evidencia de que existían pinturas más grandes sobre tela (conocidas como pata ), y de que de hecho se han conservado textos que explican cómo hacerlas, no se sabe que sobreviva ni una sola pintura india medieval sobre tela, a menos que se hayan tomado algunas budistas como tibetanas [22] o de Asia central. Algunas de las imágenes recuperadas allí por Sir Aurel Stein son pinturas indias, la mayoría budistas y algunas con deidades hindúes como Ganesha y Shiva [1] . Según Blurton, estas pinturas tempranas no sobrevivieron en gran parte debido al clima perjudicial de la India, así como al "problema añadido de la iconoclasia musulmana" en los siglos posteriores [1] .
El estilo de pintura mural a gran escala que había dominado la escena fue testigo de la llegada de las pinturas en miniatura durante los siglos XI y XII. Este nuevo estilo apareció primero en forma de ilustraciones grabadas en manuscritos hechos con hojas de palma. [ cita requerida ]
En la India oriental, los principales centros de actividades artísticas e intelectuales de la religión budista eran Nalanda, Odantapuri, Vikramshila y Somarpura, situados en el reino de Pala (Bengala y Bihar). La pintura en miniatura de esta región sobrevive desde el siglo X. Estas miniaturas, que representan divinidades budistas y escenas de la vida de Buda, se pintaron en las hojas (de aproximadamente 2,25 por 3 pulgadas) de los manuscritos de hojas de palma, así como en sus cubiertas de madera. Los manuscritos budistas ilustrados más comunes incluyen los textos Astasahasrika Prajnaparamita , [23] Pancharaksa , Karandavyuha y Kalachakra Tantra . Las miniaturas existentes más antiguas se encuentran en un manuscrito de Astasahasrika Prajnaparamita fechado en el sexto año de reinado de Mahipala (c. 993), actualmente posesión de The Asiatic Society , Kolkata. Este estilo desapareció de la India a fines del siglo XII.
La influencia de las pinturas del este de la India se puede ver en varios templos budistas en Bagan , Myanmar, particularmente el templo Abeyadana , que recibió su nombre de la reina consorte de Myanmar, Abeyadana , que tenía raíces indias, y el templo Gubyaukgyi . [24] Las influencias de las pinturas del este de la India también se pueden observar claramente en las pinturas Thangka tibetanas . [25]
Los manuscritos ilustrados que han sobrevivido en la India occidental, principalmente en Gujarat , comienzan alrededor del siglo XI, pero en su mayoría son del siglo XIII en adelante. Los ejemplos que sobrevivieron inicialmente son todos jainistas . En el siglo XV se volvieron cada vez más lujosos, con un gran uso del oro. [26]
El texto manuscrito ilustrado con mayor frecuencia es el Kalpa Sūtra , que contiene las biografías de los Tirthankaras , en particular Parshvanatha y Mahavira . Las ilustraciones son paneles cuadrados colocados en el texto, con "dibujos fibrosos" y "colores brillantes, incluso como joyas". Las figuras siempre se ven en vista de tres cuartos, con distintivas "narices largas y puntiagudas y ojos saltones". Existe una convención por la cual el lado más distante de la cara sobresale, de modo que se ven ambos ojos. [27]
Los textos antiguos definían seis aspectos importantes de la pintura. Estos «seis miembros» se han traducido de la siguiente manera: [28]
El desarrollo posterior de la pintura por parte de los budistas indica que estos "seis miembros" fueron puestos en práctica por los artistas indios y son los principios básicos sobre los que se fundó su arte.
La pintura mogol es un estilo de pintura india, generalmente confinada a ilustraciones en el libro y realizada en miniaturas, y que surgió, se desarrolló y tomó forma durante el período del Imperio mogol entre los siglos XVI y XIX. [29] El estilo mogol estuvo fuertemente influenciado por las miniaturas persas y, a su vez, influyó en varios estilos indios, incluidos los estilos de pintura Rajput , Pahari y Deccan .
Las pinturas mogoles eran una mezcla única de estilos indio, persa e islámico. Como los reyes mogoles querían tener registros visuales de sus hazañas como cazadores y conquistadores, sus artistas los acompañaban en expediciones militares o misiones de estado, o registraban sus proezas como matadores de animales, o los representaban en las grandes ceremonias dinásticas de los matrimonios. [30]
El reinado de Akbar (1556-1605) marcó el comienzo de una nueva era en la pintura en miniatura india. [31] Después de haber consolidado su poder político, construyó una nueva capital en Fatehpur Sikri, donde reunió a artistas de la India y Persia. Fue el primer monarca que estableció en la India un taller bajo la supervisión de dos maestros artistas persas, Mir Sayyed Ali y Abdus Samad . Anteriormente, ambos habían servido bajo el patrocinio de Humayun en Kabul y lo acompañaron a la India cuando recuperó su trono en 1555. Se emplearon más de cien pintores, la mayoría de los cuales eran de Gujarat, Gwalior y Cachemira, que dieron origen a una nueva escuela de pintura, conocida popularmente como la Escuela Mughal de Pinturas en miniatura.
Tuti-Nama fue una de las primeras obras mogoles de mediados del siglo XVI y las similitudes, particularmente en las figuras femeninas, con la escuela indígena de la India occidental son claramente visibles. Mientras que algunos consideran que se trata de una fase de transición en la que se combinaron las características estilísticas de las escuelas indígenas y persas, otros consideran que se trata de una obra de artistas que se formaron en la escuela de la India occidental y que trabajaron en el taller de Akbar para producir arte para la paleta mogol, tal vez bajo la supervisión de maestros persas.
Otra producción temprana de esa escuela de pintura en miniatura fue el manuscrito Akbar Hamzanama , que según el historiador de la corte Badayuni se inició en 1567 y se completó en 1582. El Hamzanama , un relato épico persa de Amir Hamza, un tío del Profeta, fue ilustrado por Mir Sayyid Ali . Las pinturas del Akbar Hamzanama son de gran tamaño, 20 x 27", y fueron pintadas sobre tela. Son de estilo safavi persa. Predominan los colores rojo, azul y verde brillantes; las rocas erosionadas de color rosa y la vegetación, los plátanos y los ciruelos y melocotoneros en flor recuerdan a Persia. El Hamza Nama es muy diferente en estilo al Tuti Nama. Esta diferencia se debió a un grupo diferente de artistas que se formaron en el estilo persa o a un cambio consciente en el estilo a través de la experimentación. De cualquier manera, la pintura mogol evolucionó rápidamente hacia un estilo más fluido y naturalista diferente de la rigidez de las figuras que se veía en pinturas anteriores. Sin embargo, los vínculos con las escuelas de la India occidental todavía estaban presentes al examinarlos de cerca, particularmente en la representación de la figura femenina.
Después de él, Jahangir alentó a los artistas a pintar retratos y escenas durbar. [32] [31] Sus retratistas más talentosos fueron Ustad Mansur , Abul Hasan y Bishandas .
Shah Jahan (1627-1658) continuó con el patrocinio de la pintura. [32] Algunos de los artistas famosos de la época fueron Mohammad Faqirullah Khan, Mir Hashim, Muhammad Nadir, Bichitr , Chitarman, Anupchhatar, Manohar y Honhar. [33] [31]
Aurangzeb no tenía gusto por las bellas artes, probablemente debido a su conservadurismo islámico. [32] Debido a la falta de mecenazgo, los artistas emigraron al Deccan y a las cortes hindúes de Rajputana , influyendo enormemente en los estilos de estos centros.
La pintura del Decán se produjo en la región del Decán de la India central , en las diversas capitales musulmanas de los sultanatos del Decán que surgieron tras la desintegración del sultanato bahmaní en 1520. Estas fueron Bijapur , Golkonda , Ahmadnagar , Bidar y Berar . El período principal fue entre finales del siglo XVI y mediados del XVII, [35] [36] con algo de resurgimiento a mediados del siglo XVIII, para entonces centrado en Hyderabad .
En comparación con la pintura mogol primitiva que se desarrolló al mismo tiempo en el norte, [37] la pintura del Decán supera en "la brillantez de su color, la sofisticación y el arte de su composición, y un aire general de lujo decadente". [38] Otras diferencias incluyen la pintura de rostros, no muy hábilmente modelados, en vista de tres cuartos, en lugar de principalmente de perfil como en el estilo mogol, y "mujeres altas con cabezas pequeñas" que visten saris. Hay muchos retratos reales, aunque carecen de las semejanzas precisas de sus equivalentes mogoles. Los edificios se representan como "paneles totalmente planos como pantallas". [39]
Las pinturas de ragamala , conjuntos que ilustran (evocando sus estados de ánimo) las diversas formas musicales del raga , parecen haber sido una innovación del Decán. Además de los retratos e ilustraciones habituales de las obras literarias, a veces hay crónicas ilustradas, como el Tuzuk-i-Asafiya . Una especialidad del Decán (que a veces también se encuentra en otros medios, como el marfil ) [40] es el "animal compuesto", un animal grande formado por muchas imágenes más pequeñas de otros animales.
Las primeras escuelas Mewar y Malwa, a veces también conocidas colectivamente como la escuela de la India occidental, se desarrollaron alrededor de este período y son estilísticamente similares y están vinculadas al estilo de representación de los textos de Gujarat de los siglos XIV y XV. Los ojos grandes, las figuras rígidas, las caderas y los pechos prominentes son una característica común. El grupo de pinturas Kulhadar se considera una de las mejores obras ejecutadas pertenecientes a la escuela de la India occidental. Realizadas a principios del siglo XVI, las pinturas de este grupo se caracterizaban por los hombres que llevaban un gorro cónico (Kulha) sobre el que se llevaban turbantes. El grupo de pinturas Kulhadar estaba formado por Chaurapanchasika (Cincuenta versos del ladrón) de Bilhan, el Gita Govinda, el Bhagavata Purana y el Ragamala.
A mediados y finales del siglo XVI, impulsada por las conquistas islámicas, la influencia de Asia central comenzó a introducirse en la representación artística india. El uso de láminas de oro y azul ultramar derivado del lapizlázuli importado fueron dos de esas influencias persas que se adoptaron en la pintura india. Los manuscritos de Laur Chanda que se conservan en el Museo Nacional son un ejemplo de esa influencia.
Desde finales del siglo XVI en adelante, se desarrollaron varios estilos diferentes de pintura Rajput en las cortes reales hindúes de Rajputana . [41] [42] Cada reino Rajput desarrolló un estilo distinto, pero con ciertas características comunes. Las pinturas Rajput representan una serie de temas, eventos de epopeyas como el Ramayana y el Mahabharata , la vida de Krishna, hermosos paisajes y humanos. Muchas miniaturas eran piezas de álbumes individuales, pero también hay libros ilustrados y, al mismo tiempo, hubo algunas pinturas murales en las paredes de palacios, fortalezas y havelis . Esto especialmente así en la región de Shekhawati , donde los empresarios marwari , principalmente activos en las grandes ciudades, competían por tener exteriores pintados de colores brillantes de las casas que mantenían en su región de origen.
La pintura Rajput consta de cuatro grupos principales:
La pintura Pahari es la extensión más septentrional del estilo Rajput, pero normalmente se trata por separado.
El estilo Pahari, también conocido como estilo de las colinas de Punjab, se desarrolló y floreció durante los siglos XVII al XIX y se extendió desde Jammu hasta Almora y Garhwal , en la India subhimalaya , a través de Himachal Pradesh . [43] Las pinturas Pahari se pueden agrupar en dos grupos: la escuela Jammu o Dogra; y la escuela Basholi y Kangra. [44] Cada una creó marcadas variaciones dentro del género, que van desde la intensa y audaz pintura Basohli , originaria de Basohli en Jammu y Cachemira , hasta las delicadas y líricas pinturas Kangra , que se convirtieron en sinónimo del estilo antes de que se desarrollaran otras escuelas de pintura. [43] [42]
Una nueva tendencia en la ilustración de manuscritos fue marcada por un manuscrito del Nimatnama pintado en Mandu, durante el reinado de Nasir Shah (1500-1510). Este representa una síntesis del estilo indígena y el estilo persa, aunque fue este último el que dominó los manuscritos de Mandu. [ cita requerida ] Hubo otro estilo de pintura conocido como Lodi Khuladar que floreció en el dominio del sultanato del norte de la India, que se extendió desde Delhi hasta Jaunpur. [ cita requerida ]
La pintura de Mysore es una forma importante de pintura clásica del sur de la India que se originó en la ciudad de Mysore en Karnataka. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores apagados y atención al detalle. Los temas de la mayoría de estas pinturas son dioses y diosas hindúes y escenas de la mitología hindú . En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.
El proceso de realización de una pintura de Mysore consta de varias etapas. La primera etapa consiste en realizar un boceto preliminar de la imagen sobre la base. La base consiste en papel de calco pegado sobre una base de madera. Se prepara una pasta de óxido de zinc y goma arábiga llamada "pasta de yeso". Con la ayuda de un pincel fino se pintan todas las joyas y partes del trono o del arco que tengan algún relieve para dar un efecto de tallado ligeramente elevado. Se deja secar. Sobre esta fina lámina de oro se pega. A continuación, se pinta el resto del dibujo con acuarelas. Se utilizan únicamente colores apagados.
La pintura de Tanjore es una forma importante de pintura clásica del sur de la India originaria de la ciudad de Tanjore en Tamil Nadu. La forma de arte se remonta a principios del siglo IX, un período dominado por los gobernantes Chola , que fomentaron el arte y la literatura. Estas pinturas son conocidas por su elegancia, colores intensos y atención al detalle. Los temas de la mayoría de estas pinturas son dioses y diosas hindúes y escenas de la mitología hindú . En los tiempos modernos, estas pinturas se han convertido en un recuerdo muy buscado durante las ocasiones festivas en el sur de la India.
El proceso de realización de una pintura de Tanjore implica muchas etapas. La primera etapa implica la realización del boceto preliminar de la imagen sobre la base. La base consiste en una tela pegada sobre una base de madera. Luego se mezcla tiza en polvo u óxido de zinc con adhesivo soluble en agua y se aplica sobre la base. Para hacer que la base sea más suave, a veces se utiliza un abrasivo suave . Después de realizado el dibujo, se realiza la decoración de las joyas y las prendas de la imagen con piedras semipreciosas. También se utilizan cordones o hilos para decorar las joyas. Sobre esto, se pegan las láminas de oro. Finalmente, se utilizan tintes para agregar colores a las figuras de las pinturas.
Pattachitra se refiere a la pintura clásica de Odisha y Bengala Occidental , en la región oriental de la India. 'Patta' en sánscrito significa 'Vastra' o 'ropa' y 'chitra' significa pinturas.
El Patachitra de Bengala se refiere a la pintura de Bengala Occidental . Es una herencia mitológica y tradicional de Bengala Occidental . El Patachitra de Bengala se divide en algunos aspectos diferentes como Durga Pat , Chalchitra , Tribal Patachitra , Medinipur Patachitra , Kalighat Patachitra , etc. [45] El tema del Patachitra de Bengala es principalmente mitológico, historias religiosas, folclore y social. El Kalighat Patachitra, la última tradición del Patachitra de Bengala, fue desarrollado por Jamini Roy . El artista del Patachitra de Bengala se llama Patua . [46]
La tradición de Orisha Pattachitra está estrechamente vinculada con el culto al Señor Jagannath . Aparte de la evidencia fragmentaria de pinturas en las cuevas de Khandagiri y Udayagiri y los murales de Sitabhinji del siglo VI d. C., las primeras pinturas indígenas de Odisha son las Pattachitra realizadas por los Chitrakars (los pintores se llaman Chitrakars). [47] El tema de la pintura Oriya se centra en la secta Vaishnava . Desde el comienzo de la cultura Pattachitra, el Señor Jagannath, que era una encarnación del Señor Krishna, fue la principal fuente de inspiración. El tema de Patta Chitra es principalmente mitológico, historias religiosas y folclore. Los temas se centran principalmente en el Señor Jagannath y Radha - Krishna , diferentes "Vesas" de Jagannath , Balabhadra y Subhadra , actividades del templo, las diez encarnaciones de Vishnu basadas en el " Gita Govinda " de Jayadev , Kama Kujara Naba Gunjara, Ramayana , Mahabharata . También se pintan cuadros individuales de dioses y diosas. Los pintores utilizan colores vegetales y minerales sin recurrir a colores de carteles fabricados en fábrica. Preparan sus propios colores. El color blanco se obtiene a partir de las conchas de caracol mediante pulverización, ebullición y filtrado en un proceso muy peligroso. Requiere mucha paciencia. Pero este proceso da brillo y permanencia al tono . 'Hingula', un color mineral, se utiliza para el rojo. 'Haritala', el rey de los ingredientes de piedra para el amarillo, y 'Ramaraja', una especie de índigo para el azul. Se utiliza negro puro de humo o negro preparado a partir de la quema de cáscaras de coco. Los pinceles que utilizan estos 'Chitrakaras' también son autóctonos y están hechos de pelo de animales domésticos. Un mechón de pelo atado al extremo de una vara de bambú forma el pincel. Es realmente asombroso cómo estos pintores logran trazar líneas de tal precisión y acabado con la ayuda de estos pinceles rudimentarios. Esa antigua tradición de la pintura oriya todavía sobrevive hoy en las hábiles manos de los Chitrakaras (pintores tradicionales) en Puri , Raghurajpur , Paralakhemundi , Chikiti y Sonepur .
La pintura de Assam se desarrolló como respuesta al movimiento neovaisnavismo que comenzó en el siglo XV e incluso recibió el patrocinio real de varias clases reales anteriores. La pintura manuscrita de Assam continuó floreciendo hasta la decadencia del reino Ahom .
La pintura Madhubani es un estilo de pintura que se practica en la región Mithila del estado de Bihar. [48] Los temas giran en torno a los dioses y la mitología hindú, junto con escenas de la corte real y eventos sociales como bodas. Generalmente no se deja ningún espacio vacío; los huecos se llenan con pinturas de flores, animales, pájaros e incluso diseños geométricos. En estas pinturas, los artistas usan hojas, hierbas y flores para crear el color que se usa para dibujar las pinturas.
Cuando la Compañía comenzó a gobernar la India en el siglo XVIII, un gran número de europeos emigraron a ese país. El estilo de la Compañía es un término que designa un estilo híbrido indoeuropeo de pinturas realizadas en la India por artistas indios y europeos, muchos de los cuales trabajaron para mecenas europeos en la Compañía Británica de las Indias Orientales u otras compañías extranjeras en los siglos XVIII y XIX. [49] [31] El estilo combinaba elementos tradicionales de la pintura rajput y mogol con un tratamiento más occidental de la perspectiva, el volumen y la recesión.
A principios del siglo XVIII, la pintura al óleo y al caballete comenzó en la India, donde muchos artistas europeos, como Zoffany , Kettle , Hodges , Thomas y William Daniell , Joshua Reynolds , Emily Eden y George Chinnery llegaron a la India en busca de fama y fortuna. Las cortes de los estados principescos de la India eran un atractivo importante para los artistas europeos debido a su patrocinio de las artes visuales y escénicas. Para los artistas indios, esta influencia occidental, en gran medida resultado del colonialismo, se consideraba como "un medio para la autosuperación", y estos artistas académicos occidentales que visitaban la India proporcionaban el modelo. [50] Sin embargo, no proporcionaban la formación. Según R. Siva Kumar, "Esta tarea, que recayó en las diversas escuelas de arte establecidas en la década de 1850, dio un marco institucional a la occidentalización del arte indio". [50]
Las primeras escuelas de arte formales en la India fueron fundadas, a saber, la Escuela Superior Gubernamental de Bellas Artes de Madrás (1850), la Escuela Superior Gubernamental de Arte y Artesanía de Calcuta (1854) y la Escuela de Arte Sir JJ de Bombay (1857). [51]
Raja Ravi Varma fue un pionero de la pintura india moderna. Se inspiró en las tradiciones y técnicas occidentales, como la pintura al óleo y la pintura de caballete, y sus temas eran puramente indios, como deidades hindúes y episodios de las epopeyas y los Puranas . Otros pintores indios destacados nacidos en el siglo XIX son Mahadev Vishwanath Dhurandhar (1867-1944), AX Trindade (1870-1935), [52] MF Pithawalla (1872-1937), [53] Sawlaram Lakshman Haldankar (1882-1968) y Hemen Majumdar (1894-1948).
En el siglo XIX, según R. Siva Kumar, «la occidentalización selectiva para la superación personal dio paso a una contraposición cultural nacionalista a finales del siglo XIX, lo que, en general, fue el primer paso hacia una resistencia política al dominio colonial». [54] En la práctica, esto se materializó como una asimilación de «diversos elementos asiáticos», que expandió la tradición más que revivirla. [54] El artista más destacado de la época, Abanindranath Tagore (1871-1951), utilizó tanto el realismo de influencia occidental como los elementos asiáticos que lo acercaron «al modernismo temprano». [54]
Una reacción a la influencia occidental condujo a un renacimiento del arte indio histórico y más nacionalista, llamado la escuela de arte de Bengala , que se basó en el rico patrimonio cultural de la India.
La Escuela de Arte de Bengala fue un estilo artístico influyente que floreció en la India durante el Raj británico a principios del siglo XX. Se asoció con el nacionalismo indio, pero también fue promovida y apoyada por muchos administradores de arte británicos.
La escuela de Bengala surgió como un movimiento vanguardista y nacionalista que reaccionaba contra los estilos de arte académico promovidos previamente en la India, tanto por artistas indios como Ravi Varma como en las escuelas de arte británicas. Tras la influencia generalizada de las ideas espirituales indias en Occidente, el profesor de arte británico Ernest Binfield Havel intentó reformar los métodos de enseñanza en la Escuela de Arte de Calcuta alentando a los estudiantes a imitar miniaturas mogoles . Esto causó una inmensa controversia, lo que llevó a una huelga de estudiantes y quejas de la prensa local, incluso de los nacionalistas que lo consideraron un movimiento retrógrado. Havel fue apoyado por el artista Abanindranath Tagore , sobrino del poeta y artista Rabindranath Tagore . [31] [55] Abanindranath pintó una serie de obras influenciadas por el estilo de pintura Ajanta, un estilo que él y Havel creían que expresaba las cualidades espirituales distintivas de la India, en oposición al "materialismo" de Occidente. Su pintura más conocida, Bharat Mata (Madre India), representa a una mujer joven, retratada con cuatro brazos a la manera de las deidades hindúes, sosteniendo objetos simbólicos de las aspiraciones nacionales de la India.
Tagore intentó más tarde desarrollar vínculos con artistas del Lejano Oriente como parte de una aspiración a construir un modelo de arte panasiático . Entre los asociados con este modelo indo-oriental se encontraban Nandalal Bose , Mukul Dey , Kalipada Ghoshal , Benode Behari Mukherjee , Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal , Beohar Rammanohar Sinha y, posteriormente, sus estudiantes A. Ramachandran , Tan Yuan Chameli, Ramananda Bandopadhyay y algunos otros.
La influencia de la escuela bengalí en el panorama artístico indio comenzó a atenuarse gradualmente con la difusión de las ideas modernistas después de la independencia. El papel de KG Subramanyan en este movimiento es significativo.
El término Modernismo Contextual que Siva Kumar utilizó en el catálogo de la exposición surgió como una herramienta crítica poscolonial para la comprensión del arte que habían practicado los artistas de Santiniketan.
Varios términos, entre ellos la contracultura de la modernidad de Paul Gilroy y la modernidad colonial de Tani Barlow , se han utilizado para describir el tipo de modernidad alternativa que surgió en contextos no europeos. El profesor Gall sostiene que el término "modernismo contextual" es más adecuado porque "lo colonial en la modernidad colonial no da cabida a la negativa de muchos en situaciones colonizadas a internalizar la inferioridad. El rechazo de la subordinación de los maestros artistas de Santiniketan incorporó una visión contraria de la modernidad, que buscaba corregir el esencialismo racial y cultural que impulsó y caracterizó la modernidad y el modernismo imperiales occidentales. Esas modernidades europeas, proyectadas a través de una potencia colonial británica triunfante, provocaron respuestas nacionalistas, igualmente problemáticas cuando incorporaron esencialismos similares". [56]
Según R. Siva Kumar , "los artistas de Santiniketan fueron de los primeros que desafiaron conscientemente esta idea del modernismo al optar por salirse tanto del modernismo internacionalista como del indigenismo historicista y trataron de crear un modernismo sensible al contexto". [57] Había estado estudiando el trabajo de los maestros de Santiniketan y pensando en su enfoque del arte desde principios de los años 80. La práctica de subsumir a Nandalal Bose , Rabindranath Tagore , Ram Kinker Baij y Benode Behari Mukherjee bajo la Escuela de Arte de Bengala fue, según Siva Kumar, engañosa. Esto sucedió porque los primeros escritores se guiaron por genealogías de aprendizaje en lugar de sus estilos, visiones del mundo y perspectivas sobre la práctica artística . [57]
El crítico literario Ranjit Hoskote, al reseñar las obras del artista contemporáneo Atul Dodiya , escribe: "La exposición a Santinketan, a través de un desvío literario, abrió los ojos de Dodiya a las circunstancias históricas de lo que el historiador de arte R Siva Kumar ha llamado un "modernismo contextual" desarrollado en el este de la India en los años 1930 y 1940 durante las turbulentas décadas de la Depresión global, la lucha de liberación gandhiana, el renacimiento cultural tagoreano y la Segunda Guerra Mundial". [58]
El modernismo contextual en el pasado reciente ha encontrado su uso en otros campos de estudio relacionados, especialmente en la arquitectura . [59]
Durante la era colonial, las influencias occidentales comenzaron a tener un impacto en el arte indio. Algunos artistas desarrollaron un estilo que utilizaba ideas occidentales de composición, perspectiva y realismo para ilustrar temas indios. Otros, como Jamini Roy , se inspiraron conscientemente en el arte popular. [60] Bharti Dayal ha optado por tratar la pintura tradicional Mithila de la forma más contemporánea y utiliza tanto el realismo como el abstraccionismo en su obra con mucha fantasía mezclada en ambos. Su obra tiene un impecable sentido del equilibrio, la armonía y la gracia.
En 1947, cuando se produjo la independencia, varias escuelas de arte de la India ofrecían acceso a técnicas e ideas modernas. Se establecieron galerías para exhibir a estos artistas. El arte indio moderno suele mostrar la influencia de los estilos occidentales, pero a menudo se inspira en temas e imágenes indios. Los artistas más importantes están empezando a ganar reconocimiento internacional, inicialmente entre la diáspora india, pero también entre el público no indio.
El Grupo de Artistas Progresistas , establecido poco después de que la India se independizara en 1947, tenía como objetivo establecer nuevas formas de expresión de la India en la era poscolonial. Los fundadores fueron seis artistas eminentes: KH Ara , SK Bakre , HA Gade , MF Husain , SH Raza y FN Souza , aunque el grupo se disolvió en 1956, fue profundamente influyente en el cambio del idioma del arte indio. [61] Casi todos los principales artistas de la India en la década de 1950 estaban asociados con el grupo. Algunos de los que son bien conocidos hoy en día son Bal Chabda, Manishi Dey , VS Gaitonde , Krishen Khanna , Ram Kumar , Tyeb Mehta , Beohar Rammanohar Sinha y Akbar Padamsee . Otros pintores famosos como Jahar Dasgupta , Prokash Karmakar , John Wilkins y Bijon Choudhuri enriquecieron la cultura artística de la India. Se han convertido en el icono del arte indio moderno. Los historiadores del arte, como el profesor Rai Anand Krishna, también han hecho referencia a las obras de artistas modernos que reflejan el espíritu indio.
Además, el aumento del discurso sobre el arte indio, tanto en inglés como en las lenguas vernáculas de la India, se apropió de la forma en que se percibía el arte en las escuelas de arte. El enfoque crítico se volvió riguroso, críticos como Geeta Kapur , [62] [63] R. Siva Kumar , [64] [55] [65] [66] contribuyeron a repensar la práctica del arte contemporáneo en la India. Sus voces representaron el arte indio no solo en la India sino en todo el mundo. Los críticos también tuvieron un papel importante como curadores de exposiciones importantes, redefiniendo el modernismo y el arte indio.
El arte indio recibió un impulso con la liberalización económica del país desde principios de la década de 1990. Artistas de diversos campos comenzaron a traer diversos estilos de trabajo. El arte indio posterior a la liberalización, por lo tanto, funciona no solo dentro de los confines de las tradiciones académicas, sino también fuera de ellas. En esta fase, los artistas han introducido conceptos aún más nuevos que hasta ahora no se habían visto en el arte indio. Devajyoti Ray ha introducido un nuevo género de arte llamado pseudorrealismo . El arte pseudorrealista es un estilo artístico original que se ha desarrollado completamente en suelo indio. El pseudorrealismo tiene en cuenta el concepto indio de abstracción y lo utiliza para transformar escenas habituales de la vida india en imágenes fantásticas.
El arte vernáculo es un arte vivo (arte contemporáneo), basado en el pasado (los mitos, las tradiciones y la religión) y realizado por grupos definidos. El arte vernáculo se basa en la memoria colectiva de ese grupo.
Ejemplos de pintura india vernácula:
Pintura tribal:
Pintura rural:
Las investigaciones realizadas desde entonces han establecido firmemente que muchas de estas pinturas pertenecen a la era mesolítica y es posible que tengan 10 000 años de antigüedad.
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