Los niños de Graham es una pintura al óleo terminada por William Hogarth en 1742. Es un retrato grupal que representa a los cuatro hijos de Daniel Graham , boticario del rey Jorge II . El niño más pequeño había muerto cuando se terminó la pintura.
La pintura era propiedad de Richard Robert Graham , representado en el extremo derecho de la pintura, al menos hasta su muerte en 1816. Luego tuvo varios propietarios antes de ser adquirida por Lord Duveen , quien la presentó a la Galería Nacional Británica en 1934. [ 2]
The Graham Children es una pieza de conversación , [3] un retrato grupal informal de familiares o amigos, a menudo envueltos en una conversación o algún otro tipo de actividad, [4] aunque la pintura es más grande que una obra típica de ese tipo. De izquierda a derecha en la imagen están Thomas, nacido en 1740 y vestido con faldas como era típico de los niños pequeños hasta que llevaban pantalones , Henrietta, Anna Maria y Richard . [nota 1]
La mortalidad infantil en Gran Bretaña era alta en el siglo XVIII, incluso entre los hijos de los ricos, y Thomas había muerto antes de que se terminara la pintura. [1] [5] Hogarth utilizó un estudio, probablemente completado después de la muerte de Thomas, como base para su imagen. Con sus numerosas referencias a la muerte y el paso del tiempo, es posible que la pintura sea una forma de homenaje a Tomás. [5]
Los niños están pintados a tamaño natural, rodeados de lujosos muebles y telas que reflejan la riqueza de la familia. Una jaula de pájaros dorada está suspendida de una cuerda y Thomas está sentado en un carrito de bebé adornado con un frutero de plata fina a sus pies. Richard toca una melodía en un órgano para pájaros , aparentemente haciendo cantar al pájaro.
El rococó francés estuvo en su apogeo en la década de 1730 y su influencia se puede ver en la pintura a pesar de que Hogarth no visitó Francia hasta 1743. [6] William Gaunt pensó que Hogarth estaba más familiarizado con la pintura francesa actual de lo que le gustaba admitir. [7] Los delantales de la niña forman S serpenteantes , verticalmente en la niña mayor, terminando cuando cae sobre su brazo, y horizontalmente en la niña más joven. Se puede ver una forma similar en el telón que cae a la derecha. Las cabezas de los niños y del gato crean otra notable forma de S. El frutero, un tema común en el arte rococó, ha sido descrito como una "bravura de pintura de naturaleza muerta" atípica de la obra de Hogarth. [2]
David Bindman describió Los niños de Graham como un tema digno de una pintura de historia . [8] Hogarth convirtió lo que podría haber sido una simple escena familiar, incluso una con un toque trágico, en una parábola sobre el “paso del tiempo y la vulnerabilidad de la inocencia”. [2] La imagen juega con el tiempo con diferentes partes moviéndose a diferentes velocidades. Los niños son capturados en pleno movimiento, como el gato y el pájaro, mientras que las niñas parecen estar completamente quietas, de modo que la imagen es a la vez una instantánea de un momento fugaz y un retrato estático. La mayor, Henrietta, sujeta la muñeca de la menor, quizás indicando su futuro papel como madre, pero no con fuerza y ni intercambian miradas, pero tampoco ninguno de los niños. Henrietta, en cambio, mira al espectador, indicando su conciencia del mundo adulto al que pronto se incorporará. Los demás niños, sin embargo, permanecen en la inocente burbuja de la infancia. [2]
Thomas está fascinado por las relucientes cerezas que sostiene su hermana, que en la iconografía cristiana representan el fruto del Paraíso y el antídoto contra el pecado original , y para Henrietta simbolizan los desafíos que pronto enfrentará cuando entre en la edad adulta. Anna Maria practica los pasos de baile y las reverencias que se le exigirán en sociedad, y Richard disfruta de la interpretación musical del pinzón. Su órgano de pájaro lleva una imagen de Orfeo de la mitología griega, en referencia a la armonía temporal entre el hombre y la naturaleza que no puede durar. [9] [10] En el reloj se encuentra una pequeña figura alada con una guadaña y un reloj de arena que representa el paso del tiempo, mientras que el gato sonriente mira al pájaro enjaulado, en referencia a la fragilidad de la vida. Un pájaro de madera adorna el carrito del bebé, como el pájaro enjaulado que no puede emprender el vuelo. Las flores cruzadas a los pies del bebé se refieren a la leyenda cristiana de que los claveles rosados brotaron de la tierra en el lugar donde cayeron las lágrimas de María después de ver a Jesús cargando la cruz, haciendo así de la flor un símbolo del amor maternal. [11]
El pájaro representado es un jilguero , que durante siglos había simbolizado la Redención , apropiado aquí debido a la muerte de Tomás. [12] [13] [nota 2]
Hogarth incluyó ingenio y patetismo en la misma escena al colocar audazmente al gato depredador en un rincón y al niño recientemente fallecido en el otro. Se desconoce la reacción de los padres de Thomas ante esta combinación, que podría haber sido considerada de mal gusto. La pintura permaneció en posesión de Richard Graham hasta al menos 1816. [2]
Los niños de Graham invitaban a compararlo con Los cinco hijos mayores de Carlos I (1637), de Anthony van Dyck . [14] Ambos incluyeron animales para lograr un efecto cómico y se encargaron de darle a cada niño un personaje individual. Sin embargo, mientras que el rey Carlos I encargó a Van Dyck (1599-1641) pintar a la realeza, los retratos de Hogarth eran principalmente de la clase media en ascenso y nunca logró convertirse en pintor de la corte. A diferencia de los hijos de Carlos I, no hay nada aristocrático en Los niños Graham , a pesar de su riqueza, y la alusión a la obra anterior puede haber sido un intento deliberado de Hogarth de halagar a su cliente de clase media. [2]
Alrededor de la década de 1730, Hogarth desarrolló un género de piezas de conversación lúdicas muy alejadas de las grandes pinturas históricas que realmente quería producir pero para las que no tenía encargos. [15] Estaba trabajando en un contexto de lo que se ha llamado un "nuevo mundo" de la infancia donde la actitud hacia los niños se estaba volviendo más liberal. Los grupos familiares en la pintura se volvieron menos formales y comenzaron a mostrar a padres e hijos disfrutando juntos de actividades recreativas. Los retratos de niños individuales se volvieron más comunes que en el siglo XVII y la idea de la "inocencia" de la infancia comenzó a arraigar basada en la visión de que el niño era una pizarra en blanco incorrupta, como defendía John Locke en su libro Some Pensamientos sobre la educación (1693). [16] [17] Sin embargo, si el niño ahora era inocente, la imagen seguía siendo el producto de una transacción comercial entre el cliente y el artista y continuaba cumpliendo una función social de demostrar la vida familiar feliz y el estatus social del que disfrutaba el cliente. . También se inscribía en una tradición de retratos de adultos y niños que tenía convenciones bien establecidas. [18]
En 1730, Hogarth había producido el par "antes y después", The House of Cards y The Tea Party , donde ocurren varios percances menores relacionados con un castillo de naipes y una fiesta de té de muñecas. Numerosas pistas en ambos trabajos sugieren un mensaje más serio sobre la pérdida y las esperanzas matrimoniales rotas, pero se desconocen los hechos completos. [19]
La familia Cholmondeley de 1732 también incluía ingredientes similares de desastre inminente: un niño juguetón empuja una pila de libros mientras la generación mayor se sienta, congelada, para ser reanimada cuando los libros caen. Pero en esta obra es la madre la que está incluida a pesar de haber fallecido antes. Estanterías bien surtidas se alinean en el fondo que los adultos pueden utilizar para civilizar a los niños salvajes. [20]
