El despertar de la conciencia (1853) es una pintura al óleo sobre lienzo del artista inglés William Holman Hunt , uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita , que representa a una mujer levantándose de su posición en el regazo de un hombre y mirando fijamente hacia el cielo. ventana de la habitación.
La pintura está en la colección de la Tate Britain de Londres.
Inicialmente, la pintura parece representar un desacuerdo momentáneo entre marido y mujer, pero el título y una serie de símbolos dentro de la pintura dejan claro que se trata de una amante y su amante. Las manos entrelazadas de la mujer proporcionan un punto focal y la posición de su mano izquierda enfatiza la ausencia de un anillo de bodas, aunque los anillos se usan en cada dos dedos. Alrededor de la habitación hay recordatorios de su estado de "mantenida" y de su vida desperdiciada: el gato debajo de la mesa jugando con un pájaro; el reloj escondido bajo un cristal; un tapiz que cuelga inacabado sobre el piano; los hilos que yacen desenredados en el suelo; la impresión de Cross Purposes de Frank Stone en la pared; El arreglo musical de Alfred de Edward Lear , el poema de Lord Tennyson de 1847 " Tears, Idle Tears " que yace tirado en el suelo, y la música en el piano, "Oft in the Stilly Night" de Thomas Moore , las palabras de que hablan de oportunidades perdidas y recuerdos tristes de un pasado más feliz. El guante y el sombrero de copa tirados sobre la mesa sugieren una cita apresurada.
La habitación está demasiado desordenada y llamativa para estar en una casa familiar victoriana; los colores brillantes, la alfombra impecable y los muebles impecables y muy pulidos hablan de una habitación recientemente amueblada para una amante. La historiadora de arte Elizabeth Prettejohn señala que aunque el interior ahora se considera "victoriano", todavía rezuma la "vulgaridad de los nuevos ricos" que habría hecho que el entorno fuera desagradable para los espectadores contemporáneos. [1] El marco de la pintura está decorado con otros símbolos: campanas (para advertir), caléndulas (para el dolor) y una estrella sobre la cabeza de la niña (un signo de revelación espiritual). También lleva un verso del Libro de Proverbios (25:20): "Como el que se quita el vestido cuando hace frío, así es el que canta canciones con el corazón triste". [2]
El espejo de la pared trasera ofrece una tentadora visión de la escena. La ventana, que da a un jardín primaveral, en contraste directo con las imágenes de atrapamiento dentro de la habitación, está inundada de luz solar. El rostro de la mujer no muestra una expresión de shock por haber sido sorprendida con su amante; todo lo que la atrae está fuera tanto de la habitación como de su relación. El Athenæum comentó en 1854:
El autor de "El Puente de los Suspiros" no podría haber concebido un rostro más doloroso. Los detalles del cuadro, el reflejo de los árboles primaverales en el espejo, el piano, el bronce bajo la lámpara, son maravillosamente ciertos, pero los índigos y rojos apagados del cuadro lo hacen melancólico y apropiado, y de tono poco agradable. El sentimiento es el de la Escuela Ernest Maltravers : para quienes tienen afinidad por ella, doloroso; para los que no lo tienen, repulsivo. [3] [nota 1]
En cierto modo, esta pintura acompaña a la pintura cristiana de Hunt La luz del mundo , una imagen de Cristo sosteniendo una linterna mientras llama a una puerta sin manija cubierta de maleza que, según Hunt, representaba "la mente obstinadamente cerrada". [4] La joven aquí podría estar respondiendo a esa imagen, con la conciencia removida por algo externo a ella. Hunt pretendía que esta imagen fuera la "contraparte material de La Luz del Mundo en una imagen que representa en la vida real la manera en que el llamado del espíritu del amor celestial llama a un alma a abandonar una vida inferior". [5] En Pre-Raphaelitism and the Pre-Raphaelite Brotherhood Hunt escribió que la búsqueda de Peggotty de Emily en David Copperfield le había dado la idea para la composición y comenzó a visitar "diferentes guaridas de chicas caídas " en busca de un escenario adecuado. No planeaba recrear ninguna escena particular de David Copperfield , e inicialmente quería capturar algo más general: "el amoroso buscador de la chica caída encontrando el objeto de su búsqueda". [5] Pero lo reconsideró, decidiendo que tal encuentro engendraría en la chica emociones diferentes a las del arrepentimiento que quería mostrar. Finalmente se decidió por la idea de que el compañero de la chica podría estar cantando una canción que de repente le recordara su vida anterior y, por lo tanto, actuara como el catalizador inconsciente de su epifanía. [6]
El modelo para la mujer fue Annie Miller , que posó para muchos de los prerrafaelitas y con quien Hunt estuvo comprometido hasta 1859. La figura masculina puede estar basada en Thomas Seddon o Augustus Egg , ambos pintores amigos de Hunt.
La expresión del rostro de la niña en la pintura moderna no es la expresión de dolor y horror que los espectadores vieron cuando la pintura se exhibió por primera vez, y que conmocionó y repudió a muchos de los críticos contemporáneos. La pintura fue encargada por Thomas Fairbairn , un industrial de Manchester y mecenas de los prerrafaelitas, después de que Egg discutiera las ideas de Hunt y posiblemente le mostrara algunos de los bocetos iniciales. [7] Fairbairn pagó a Hunt 350 guineas. La pintura se exhibió en la Real Academia en 1854, junto con La luz del mundo . Fairbairn se sintió incapaz de soportar mirar la expresión de la mujer día a día, por lo que convenció a Hunt para que la suavizara. Hunt comenzó a trabajar, pero enfermó y permitió que la pintura fuera devuelta a Fairbairn para exhibirla en la exposición de la Sociedad de Artistas de Birmingham en 1856 antes de quedar completamente satisfecho con el resultado. Más tarde pudo volver a trabajar en ello y le confió a Edward Lear que pensaba que lo había "mejorado materialmente". [7] [nota 2] Como se indica en las enjutas , Hunt retocó la pintura en 1864 y nuevamente en 1886 cuando reparó algunos trabajos que había realizado un restaurador mientras tanto. [7]
El teórico del arte victoriano John Ruskin elogió The Awakening Conscience como un ejemplo de una nueva dirección en el arte británico en la que la narrativa se creaba a partir de la imaginación del artista en lugar de narrar un evento. La lectura que Ruskin hizo del cuadro también tuvo un fin moral. En una carta de 1854 al Times defendiendo la obra, afirmó que "no hay un solo objeto en toda esa habitación... pero se vuelve trágico si se lee correctamente". [9] Quedó impresionado tanto por el crudo realismo de la habitación (Hunt había alquilado una habitación en una "maison de convenance" (donde los amantes llevarían a sus amantes) para capturar el sentimiento) como por los matices simbólicos y comparó la revelación. de los personajes de los sujetos a través de los interiores favorablemente con el de Marriage à-la-mode de William Hogarth . [9] El interior "común, moderno y vulgar" está abrumado por objetos brillantes y sin uso que nunca formarán parte de un hogar. Para Ruskin, el exquisito detalle del cuadro sólo llamaba la atención sobre la inevitable ruina de la pareja: "El dobladillo mismo del vestido de la pobre muchacha, en el que el pintor ha trabajado tan estrechamente, hilo por hilo, tiene una historia, si lo consideramos". piensa cuán pronto su pura blancura puede ensuciarse de polvo y lluvia, sus pies desechados desfalleciendo en la calle". [10] La idea de un cuento moral visual , basado en un solo momento, influyó en la serie de tres pinturas de Augustus Egg de 1858, Pasado y Presente .
En la novela Brideshead Revisited de Evelyn Waugh de 1945 , una alusión a la pintura refleja el desmoronamiento del romance entre Julia Flyte y el artista Charles Ryder.
La pintura fue heredada por el hijo de Fairbairn, Sir Arthur Henderson Fairbairn, tercer baronet. Se vendió de forma anónima en Christie's en enero de 1946 y Colin Anderson lo compró en 1947. Sir Colin y Lady Anderson lo donaron a la Tate Gallery en 1976. [7]