La película más antigua que se conserva (de 1888) se rodó en el Reino Unido, así como las primeras películas en color. Aunque la producción cinematográfica alcanzó su máximo histórico en 1936, [6] se suele pensar que la "edad de oro" del cine británico se produjo en la década de 1940, durante la cual los directores David Lean , [7] Michael Powell , [8] y Carol Reed [9] produjeron sus obras más aclamadas por la crítica. Muchos actores británicos han obtenido éxito de crítica y reconocimiento mundial, como Audrey Hepburn , Olivia de Havilland , Vivien Leigh , Glynis Johns , Maggie Smith , Laurence Olivier , Michael Caine , [10] Sean Connery , [11] Ian Mckellen , Joan Collins , Judi Dench , Julie Andrews , Daniel Day-Lewis , Gary Oldman , Emma Thompson , Anthony Hopkins , Peter O'Toole y Kate Winslet . [12] Algunas de las películas con mayores ingresos de taquilla de la historia se han realizado en el Reino Unido, incluidas la cuarta y la quinta franquicia cinematográfica más taquillera ( Harry Potter y James Bond ). [13]
La identidad de la industria cinematográfica británica, en particular en lo que se refiere a Hollywood , ha sido a menudo objeto de debate. Su historia se ha visto a menudo afectada por los intentos de competir con la industria estadounidense. La carrera del productor Alexander Korda estuvo marcada por este objetivo, la Organización Rank intentó hacerlo en la década de 1940, y Goldcrest en la de 1980. Numerosos directores nacidos en Gran Bretaña, entre ellos Alfred Hitchcock , Christopher Nolan y Ridley Scott , [14] e intérpretes, como Charlie Chaplin [15] y Cary Grant , han alcanzado el éxito principalmente a través de su trabajo en los Estados Unidos.
En 2009, las películas británicas recaudaron alrededor de 2 mil millones de dólares en todo el mundo y alcanzaron una cuota de mercado de alrededor del 7% a nivel mundial y del 17% en el Reino Unido. [16] La recaudación de taquilla en el Reino Unido totalizó £1.1 mil millones en 2012, [17] con 172,5 millones de entradas. [18]
El British Film Institute ha elaborado una encuesta que clasifica las que ellos consideran las 100 mejores películas británicas de todos los tiempos, el BFI Top 100 British films . [19] Los premios anuales BAFTA organizados por la Academia Británica de Cine y Televisión se consideran el equivalente británico de los Premios de la Academia . [20]
La primera película en movimiento del mundo fue filmada en Leeds por Louis Le Prince en 1888 [21] [22] y las primeras películas en movimiento reveladas en celuloide fueron realizadas en Hyde Park, Londres en 1889 por el inventor británico William Friese Greene , [23] quien patentó el proceso en 1890.
Los primeros en construir y utilizar una cámara de 35 mm en funcionamiento en Gran Bretaña fueron Robert W. Paul y Birt Acres . Hicieron la primera película británica, Incident at Clovelly Cottage, en febrero de 1895, poco antes de pelearse por la patente de la cámara. Pronto se abrieron varias compañías cinematográficas británicas para satisfacer la demanda de nuevas películas, como Mitchell and Kenyon en Blackburn . Los hermanos Lumière llevaron su espectáculo por primera vez a Londres en 1896. En 1898, el productor estadounidense Charles Urban amplió la Warwick Trading Company, con sede en Londres , para producir películas británicas, principalmente documentales y noticias.
Aunque las primeras películas británicas trataban de hechos cotidianos, a principios del siglo XX aparecieron los cortometrajes narrativos, principalmente comedias y melodramas. Las primeras películas solían tener un tono melodramático y había una marcada preferencia por las tramas ya conocidas por el público, en particular, las adaptaciones de obras de Shakespeare y novelas de Dickens .
En 1898, se fundó Gaumont-British Picture Corp. como subsidiaria de la francesa Gaumont Film Company , y en 1915 se construyeron los estudios Lime Grove en el oeste de Londres , el primer edificio construido en Gran Bretaña exclusivamente para la producción cinematográfica. También en 1898, Cecil Hepworth fundó los estudios Hepworth en Lambeth , al sur de Londres ; los Bamforth comenzaron a producir películas en Yorkshire y William Haggar comenzó a producir películas en Gales .
Dirigida por Walter R. Booth en 1901, Scrooge, o el fantasma de Marley es la primera adaptación cinematográfica de la novela festiva de Charles Dickens Un cuento de Navidad . [24] La mano del artista (1906) de Booth ha sido descrita como la primera película animada británica. [25] [26]
En 1902, Will Barker fundó Ealing Studios , que se ha convertido en el estudio cinematográfico en funcionamiento más antiguo del mundo.
En 1902 se fabricó la primera película en color del mundo, que captaba acontecimientos cotidianos. En 2012, el Museo Nacional de Ciencia y Medios de Comunicación de Bradford la encontró después de haber permanecido olvidada en una lata vieja durante 110 años. Se creía que el título anterior de la película en color más antigua, que utilizaba el proceso inferior Kinemacolor de Urban , databa de 1909. Las películas redescubiertas fueron fabricadas por el pionero Edward Raymond Turner de Londres, que patentó su proceso el 22 de marzo de 1899. [27]
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En 1909, Urban fundó la Natural Color Kinematograph Company , que producía las primeras películas en color utilizando su proceso patentado Kinemacolor. Más tarde, Greene impugnó esta medida en los tribunales, lo que provocó que la empresa cerrara en 1914. [28]
En 1903, Cecil Hepworth y Percy Stow dirigieron Alicia en el país de las maravillas , la primera adaptación cinematográfica del libro infantil Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll . [29] También en 1903, Frank Mottershaw de Sheffield produjo la película A Daring Daylight Robbery , que lanzó el género de persecución.
En 1911 se fundó en Soho, Londres , la Ideal Film Company , que hasta 1934 distribuyó casi 400 películas y produjo 80.
En 1913, el director de escena Maurice Elvey comenzó a dirigir películas británicas, convirtiéndose en el director de cine más prolífico de Gran Bretaña, con casi 200 películas en 1957.
En 1914 se fundó Elstree Studios , que en 1928 fue adquirido por el alemán Ludwig Blattner , que inventó un sistema de grabación en cinta de acero magnética que fue adoptado por la BBC en 1930.
En 1915 se creó la Kinematograph Renters' Society of Great Britain and Ireland para representar a las empresas de distribución cinematográfica . Es el organismo comercial cinematográfico más antiguo del mundo. Se conocía como Society of Film Distributors hasta que cambió de nombre nuevamente a Film Distributors' Association (FDA). [30]
En 1920, Gaumont abrió Islington Studios , donde Alfred Hitchcock comenzó, vendiéndolo a Gainsborough Pictures en 1927. También en 1920, Sir Oswald Stoll fundó Cricklewood Studios , convirtiéndose en el estudio cinematográfico más grande de Gran Bretaña, conocido por las series de películas Fu Manchu y Sherlock Holmes .
En 1920, el actor Leslie Howard (también productor y director) y su amigo y editor de guiones Adrian Brunel fundaron en Londres la efímera compañía Minerva Films . Algunas de sus primeras películas incluyen cuatro escritas por AA Milne , entre ellas The Bump , protagonizada por C. Aubrey Smith ; Twice Two ; Five Pound Reward ; y Bookworms . [31]
A mediados de la década de 1920, la industria cinematográfica británica estaba perdiendo terreno ante la dura competencia de los Estados Unidos, a la que ayudó su mercado interno mucho más grande: en 1914, el 25% de las películas proyectadas en el Reino Unido eran británicas, pero en 1926 esta cifra había caído al 5%. [32] Una caída en 1924 provocó el cierre de muchos estudios cinematográficos británicos, [ cita requerida ] lo que dio lugar a la aprobación de la Ley de Películas Cinematográficas de 1927 para impulsar la producción local, exigiendo que los cines proyectaran un cierto porcentaje de películas británicas. La ley fue técnicamente un éxito, ya que las audiencias de las películas británicas superaron la cuota requerida, pero tuvo el efecto de crear un mercado para películas de mala calidad y bajo coste, realizadas para satisfacer la cuota. Los historiadores suelen culpar a las "cuotas rápidas", como se las conoció, de frenar el desarrollo de la industria. Sin embargo, algunos cineastas británicos, como Michael Powell , aprendieron su oficio haciendo este tipo de películas. La ley se modificó con la Ley de Películas Cinematográficas de 1938 que ayudó a la industria cinematográfica británica al especificar que solo las películas realizadas y filmadas en Gran Bretaña se incluirían en la cuota, una ley que redujo severamente la producción cinematográfica canadiense y australiana.
La estrella más grande de la era del cine mudo, el comediante inglés Charlie Chaplin , vivía en Hollywood . [33]
El abogado escocés John Maxwell fundó British International Pictures (BIP) en 1927. Con sede en los antiguos estudios British National Pictures en Elstree, los propietarios originales de las instalaciones, incluido el productor y director Herbert Wilcox , habían atravesado dificultades financieras. [34] Una de las primeras películas de la compañía, Blackmail (1929) de Alfred Hitchcock , a menudo se considera el primer largometraje sonoro británico. [35] [36] Era una película parcialmente hablada con una banda sonora sincronizada y efectos de sonido. A principios de 1929, se estrenó el primer largometraje británico totalmente hablado, The Clue of the New Pin . Estaba basada en una novela de Edgar Wallace , protagonizada por Donald Calthrop, Benita Home y Fred Raines, que fue realizada por British Lion en sus estudios Beaconsfield . La BIP de John Maxwell se convirtió en la Associated British Picture Corporation (ABPC) en 1933. [37] Los estudios de la ABPC en Elstree llegaron a ser conocidos como la "fábrica de gachas", según Lou Alexander, "por razones que probablemente tenían que ver más con la cantidad de películas que producía la compañía que con su calidad". [38] Elstree (estrictamente hablando, casi todos los estudios estaban en el vecino Borehamwood ) se convirtió en el centro de la industria cinematográfica británica, con seis complejos cinematográficos a lo largo de los años, todos muy cerca unos de otros. [39]
En 1927, las cadenas de cine más grandes del Reino Unido constaban de alrededor de 20 cines, pero al año siguiente Gaumont-British se expandió significativamente para convertirse en la más grande, controlando 180 cines en 1928 y hasta 300 en 1929. Maxwell formó ABC Cinemas en 1927, que se convirtió en una subsidiaria de BIP y se convirtió en una de las más grandes del país, junto con Odeon Cinemas , fundada por Oscar Deutsch , quien abrió su primer cine en 1928. En 1937, estas tres cadenas controlaban casi una cuarta parte de todos los cines del país. Una reserva por parte de una de estas cadenas era indispensable para el éxito de cualquier película británica. [32]
Con la llegada del cine sonoro, muchos actores extranjeros tuvieron menos demanda y se empezó a utilizar la pronunciación inglesa ; por ejemplo, la voz de la actriz checa Anny Ondra en Blackmail fue sustituida por la de Joan Barry fuera de cámara durante las escenas de Ondra.
A partir de Drifters (también de 1929) de John Grierson , este período vio surgir la escuela del Movimiento de Cine Documental realista , a partir de 1933, asociada a la Unidad de Cine de la GPO . Fue Grierson quien acuñó el término " documental " para describir una película de no ficción, y produjo las primeras películas más célebres del movimiento, Night Mail (1936), escrita y dirigida por Basil Wright y Harry Watt , e incorporando el poema de WH Auden hacia el final del corto.
Los music halls también tuvieron influencia en las películas de comedia de este período y surgieron varias personalidades populares, entre ellas George Formby , Gracie Fields , Jessie Matthews y Will Hay . Estas estrellas solían hacer varias películas al año y sus producciones siguieron siendo importantes para levantar la moral durante la Segunda Guerra Mundial .
Muchas de las películas británicas con mayores presupuestos durante la década de 1930 fueron producidas por London Films , fundada por el emigrado húngaro Alexander Korda . El éxito de La vida privada de Enrique VIII (1933), realizada en los estudios Elstree de British and Dominions , persuadió a United Artists y The Prudential a invertir en los estudios cinematográficos Denham de Korda , que abrieron en mayo de 1936, pero ambos inversores sufrieron pérdidas como resultado. [40] Las películas de Korda antes de la guerra incluyeron El porvenir , Rembrandt (ambas de 1936) y Caballero sin armadura (1937), así como las primeras películas en tecnicolor El tambor (1938) y Las cuatro plumas (1939). Estas habían seguido de cerca a Alas del amanecer (1937), el primer largometraje en tecnicolor de tres tiras del Reino Unido, realizado por la filial local de 20th Century Fox . Aunque algunas de las películas de Korda se entregaban a un "ondeo implacable de la bandera pro-Imperio", aquellas en las que aparecía Sabu lo convirtieron en "una gran estrella internacional"; [41] "durante muchos años" tuvo el perfil más alto de cualquier actor de origen indio. [42] Paul Robeson también fue elegido para papeles protagónicos cuando "apenas había oportunidades" para que los afroamericanos "interpretaran papeles desafiantes" en las producciones de su propio país. [43]
En 1933 se creó el Instituto de Cine Británico como la organización líder en materia de cine en el Reino Unido. [44] En 1935 crearon la Biblioteca Nacional de Cine (ahora conocida como Archivo Nacional del BFI), con Ernest Lindgren como su curador.
En 1934, J. Arthur Rank se convirtió en cofundador de British National Films Company y ayudó a crear Pinewood Studios , que abrió en 1936. También en 1936, Rank se hizo cargo de General Film Distributors y en 1937, Rank fundó The Rank Organisation . En 1938, General Film Distributors se afilió a Odeon Cinemas.
El aumento del gasto y las expectativas demasiado optimistas de expansión en el mercado estadounidense provocaron una crisis financiera en 1937, [45] después de que se estrenaran 192 películas en 1936, un récord histórico. De las 640 compañías de producción británicas registradas entre 1925 y 1936, solo 20 seguían activas en 1937. Además, la Ley de películas de 1927 estaba a punto de renovarse. La Ley de películas cinematográficas de 1938 que la sustituyó proporcionó incentivos, a través de una " prueba de calidad ", para que las compañías del Reino Unido hicieran menos películas, pero de mayor calidad, y eliminaran las "cuotas rápidas". Influenciada por la política mundial, alentó la inversión y las importaciones estadounidenses. Un resultado fue la creación de MGM-British , una subsidiaria inglesa del estudio estadounidense más grande, que produjo cuatro películas antes de la guerra, incluida Goodbye, Mr. Chips (1939).
La nueva empresa se instaló inicialmente en los estudios Denham. El propio Korda perdió el control de las instalaciones en 1939, en manos de la Organización Rank. [46] Las circunstancias obligaron a que El ladrón de Bagdad (1940), una espectacular película de fantasía, se completara en California, donde Korda continuó su carrera cinematográfica durante la guerra.
Alfred Hitchcock, que ya había sido contratado por Gaumont British, se había decidido por el género del thriller a mediados de los años 30 con El hombre que sabía demasiado (1934), Los 39 escalones (1935) y La dama desaparece (1938). Elogiado en Gran Bretaña, donde la revista Picturegoer lo apodó "Alfredo el Grande" , la reputación de Hitchcock comenzaba a desarrollarse en el extranjero, y un periodista del New York Times afirmó: "Tres instituciones únicas y valiosas que los británicos tienen y que nosotros en Estados Unidos no tenemos. La Carta Magna , el Puente de la Torre y Alfred Hitchcock, el mejor director de melodramas cinematográficos del mundo". [47] Hitchcock firmó entonces un contrato de siete años con Selznick y se mudó a Hollywood .
"La idea de una nación de cinéfilos devotos está inextricablemente ligada a la cantidad de películas clásicas estrenadas durante los años de guerra. Esta fue la 'edad de oro' del cine británico, un período en el que cineastas como Humphrey Jennings, David Lean, Powell y Pressburger y Carol Reed cobraron protagonismo." [48]
Publicada en The Times el 5 de septiembre de 1939, dos días después de que Gran Bretaña declarara la guerra a Alemania, la carta de George Bernard Shaw protestaba contra una orden gubernamental de cerrar todos los lugares de entretenimiento, incluidos los cines. «¿Qué agente del canciller Hitler es el que ha sugerido que todos deberíamos encogernos de miedo y escondernos en la oscuridad y el terror «durante todo el tiempo»?». En las dos semanas siguientes a la orden, se reabrieron los cines de las provincias, seguidos por los del centro de Londres en el plazo de un mes. [48] En 1940, las cifras de entradas de cine aumentaron, hasta poco más de mil millones al año, y continuaron aumentando hasta superar los mil quinientos millones en 1943, 1944 y 1945. [48]
Humphrey Jennings comenzó su carrera como cineasta documental justo antes de la guerra, en algunos casos trabajando en colaboración con codirectores. London Can Take It (con Harry Wat , 1940) detalló el Blitz , mientras que Listen to Britain (con Stewart McAllister , 1942) se centró en el frente interno. [49] La Crown Film Unit , [49] parte del Ministerio de Información, asumió las responsabilidades de la GPO Film Unit en 1940. Paul Rotha y Alberto Cavalcanti fueron colegas de Jennings. Las películas británicas comenzaron a hacer uso de técnicas documentales; Cavalcanti se unió a Ealing para Went the Day Well? (1942),
Muchas otras películas ayudaron a dar forma a la imagen popular de la nación en guerra. Entre las más conocidas se encuentran In Which We Serve (1942), We Dive at Dawn (1943), Millions Like Us (1943) y The Way Ahead (1944). Los años de guerra también vieron surgir la colaboración de The Archers entre el director Michael Powell y el guionista y productor húngaro Emeric Pressburger con películas como The Life and Death of Colonel Blimp (1943) y A Canterbury Tale (1944).
Two Cities Films , una productora independiente que lanzaba sus películas a través de una subsidiaria de Rank, también hizo algunas películas importantes, incluidas las colaboraciones de Noël Coward y David Lean This Happy Breed (1944) y Blithe Spirit (1945), así como Henry V (1944) de Laurence Olivier . En ese momento, Gainsborough Studios estaba lanzando su serie de melodramas de época ridiculizados por la crítica pero inmensamente populares, incluidos The Man in Grey (1943) y The Wicked Lady (1945). Nuevas estrellas, como Margaret Lockwood y James Mason , surgieron en las películas de Gainsborough.
A finales de la década de 1940, la Organización Rank se convirtió en la fuerza dominante detrás de la producción cinematográfica británica, tras haber adquirido una serie de estudios británicos y la cadena Gaumont (en 1941) para añadirla a sus cines Odeon. La grave crisis financiera de Rank en 1949, una pérdida y una deuda sustanciales, dieron lugar a la contracción de su producción cinematográfica. [50] En la práctica, Rank mantuvo un duopolio industrial con ABPC (posteriormente absorbida por EMI) durante muchos años.
Por el momento, la industria alcanzó nuevas cotas de creatividad en los años inmediatamente posteriores a la guerra. Entre las películas más significativas producidas durante este período se encuentran Breve encuentro (1945) de David Lean y sus adaptaciones de Dickens Grandes esperanzas (1946) y Oliver Twist (1948), la comedia de Ken Annakin Miranda (1948) protagonizada por Glynis Johns , los thrillers de Carol Reed Odd Man Out (1947) y El tercer hombre (1949), y Una cuestión de vida y muerte (1946), Narciso negro (1947) y Las zapatillas rojas (1948) de Powell y Pressburger , la película de mayor éxito comercial de su año en los Estados Unidos. Hamlet (también de 1948), de Laurence Olivier, fue la primera película no estadounidense en ganar el premio de la Academia a la mejor película . Los estudios Ealing (financiados por Rank) comenzaron a producir sus comedias más famosas, y tres de las películas más recordadas, Whisky Galore (1948), Kind Hearts and Coronets y Passport to Pimlico (ambas de 1949), se estrenaron casi simultáneamente. Su película de terror Dead of Night (1945) también es particularmente valorada.
En virtud de la Ley de Derechos de Importación de 1932 , el Tesoro de Su Majestad impuso un arancel del 75% a todas las importaciones de películas el 6 de agosto de 1947, que se conoció como el Impuesto Dalton (en honor a Hugh Dalton, entonces Ministro de Hacienda ). El impuesto entró en vigor el 8 de agosto y se aplicó a todas las películas importadas, de las cuales la gran mayoría provenía de los Estados Unidos; los ingresos de los estudios cinematográficos estadounidenses procedentes del Reino Unido habían superado los 68 millones de dólares en 1946. Al día siguiente, el 9 de agosto, la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos anunció que no se suministrarían más películas a los cines británicos hasta nuevo aviso. El Impuesto Dalton finalizó el 3 de mayo de 1948 y los estudios estadounidenses volvieron a exportar películas al Reino Unido, aunque el Plan Marshall prohibía a las compañías cinematográficas estadounidenses sacar divisas de los países en los que se proyectaban sus películas. [51]
A raíz de la Ley de Préstamos Especiales para la Producción Cinematográfica de Películas de 1949, se creó la Corporación Nacional de Financiamiento Cinematográfico (NFFC) como agencia de financiación cinematográfica británica.
El impuesto Eady Levy , que lleva el nombre de Sir Wilfred Eady, era un impuesto sobre los ingresos de taquilla en el Reino Unido destinado a apoyar a la industria cinematográfica británica. Se estableció en 1950 y entró en vigor en 1957. Un pago gubernamental directo a los productores con sede en Gran Bretaña habría sido considerado un subsidio según los términos del Acuerdo General sobre Aranceles Aduaneros y Comercio y habría provocado objeciones por parte de los productores cinematográficos estadounidenses . Un impuesto indirecto no se consideraba un subsidio, por lo que era una forma adecuada de proporcionar financiación adicional a la industria cinematográfica del Reino Unido y, al mismo tiempo, evitar las críticas del extranjero.
En 1951, el National Film Theatre se inauguró inicialmente en un edificio temporal en el Festival of Britain . Se trasladó a su ubicación actual en South Bank en Londres para el primer Festival de Cine de Londres el 16 de octubre de 1957 organizado por el BFI. [52]
Durante la década de 1950, la industria británica comenzó a concentrarse en comedias populares y dramas de la Segunda Guerra Mundial dirigidos más directamente al público local. Las películas de guerra a menudo se basaban en historias reales y se hacían con un estilo discreto similar al de sus predecesoras en tiempos de guerra. Ayudaron a convertir en estrellas a actores como John Mills , Jack Hawkins y Kenneth More . Algunas de las más exitosas fueron The Cruel Sea (1953), The Dam Busters (1954), The Colditz Story (1955) y Reach for the Sky (1956).
La Rank Organisation produjo algunos éxitos cómicos, como Genevieve (1953). El equipo de guionistas, directores y productores formado por los hermanos gemelos John y Roy Boulting también produjo una serie de sátiras de éxito sobre la vida y las instituciones británicas, comenzando con Private's Progress (1956), y continuando con (entre otras) Brothers in Law (1957), Carlton-Browne of the FO (1958) y I'm All Right Jack (1959). Por su papel protagonista en School for Scoundrels (1960), el British Film Institute consideró que Terry-Thomas era "sobresaliente como un clásico bribón británico". [53]
Entre las series de comedia más populares se encuentra la serie "Doctor", que comenzó con Doctor in the House (1954). La serie originalmente estaba protagonizada por Dirk Bogarde , probablemente la estrella más popular de la industria británica en la década de 1950, aunque películas posteriores tuvieron a Michael Craig y Leslie Phillips en papeles principales. La serie Carry On comenzó en 1958 con entregas regulares que aparecieron durante los siguientes veinte años. El director y productor italiano Mario Zampi también realizó una serie de exitosas comedias negras , entre ellas Laughter in Paradise (1951), The Naked Truth (1957) y Too Many Crooks (1958). Ealing Studios había continuado su racha de comedias exitosas, entre ellas The Lavender Hill Mob (1951) y The Ladykillers (1955), pero la compañía cesó la producción en 1958, después de que los estudios ya habían sido comprados por la BBC .
La censura menos restrictiva de finales de los años 50 animó a la productora cinematográfica Hammer Films a embarcarse en su serie de películas de terror de gran éxito comercial. Empezando con las adaptaciones de los seriales de ciencia ficción de la BBC de Nigel Kneale The Quatermass Experiment (1955) y Quatermass II (1957), Hammer pasó rápidamente a The Curse of Frankenstein (1957) y Drácula (1958), ambas engañosamente suntuosas y las primeras películas de terror gótico en color. El estudio produjo numerosas secuelas y variantes, con los actores ingleses Peter Cushing y Christopher Lee como protagonistas más habituales. Peeping Tom (1960), un thriller hoy muy valorado, con elementos de terror, ambientado en el período contemporáneo, fue mal recibido por los críticos en su momento y acabó de manera efectiva con la carrera de Michael Powell, su director.
Los cineastas británicos de la nouvelle vague intentaron producir películas de realismo social (véase también " realismo de fregadero de cocina "), y en sus largometrajes comerciales estrenados entre 1959 y 1963 intentaron transmitir narrativas sobre un espectro más amplio de personas en Gran Bretaña que las películas anteriores del país. Estos individuos, principalmente Karel Reisz , Lindsay Anderson y Tony Richardson , también estuvieron involucrados en la efímera revista de cine de Oxford Sequence y en el movimiento de cine documental " Free Cinema ". La declaración de 1956 de Free Cinema, nombre acuñado por Anderson, afirmaba: "Ninguna película puede ser demasiado personal. La imagen habla. Los sonidos amplifican y comentan. El tamaño es irrelevante. La perfección no es un objetivo. Una actitud significa un estilo. Un estilo significa una actitud". Anderson, en particular, despreciaba la industria cinematográfica comercial. Sus películas documentales incluían Every Day Except Christmas de Anderson , entre varias patrocinadas por Ford of Britain , y Momma Don't Allow de Richardson . Otro miembro de este grupo, John Schlesinger , realizó documentales para la serie de artes Monitor de la BBC .
Junto con el futuro coproductor de James Bond Harry Saltzman , el dramaturgo John Osborne y Tony Richardson establecieron la compañía Woodfall Films para producir sus primeros largometrajes. Estos incluyeron adaptaciones de las producciones teatrales de Richardson de Look Back in Anger (1959) de Osborne, con Richard Burton , y The Entertainer (1960) con Laurence Olivier , ambas a partir de los propios guiones de Osborne. Películas como Saturday Night and Sunday Morning (también de 1960) de Reisz, A Taste of Honey (1961) de Richardson , A Kind of Loving (1962) y Billy Liar (1963) de Schlesinger , y This Sporting Life (1963) de Anderson a menudo se asocian con una nueva apertura sobre la vida de la clase trabajadora o temas que antes eran tabú.
El equipo de Basil Dearden y Michael Relph , de una generación anterior, "investigó los problemas sociales que ahora enfrentaban la estabilidad social y el establecimiento del consenso prometido en tiempos de paz". [54] Pool of London (1950). [55] y Sapphire (1959) fueron intentos tempranos de crear narrativas sobre las tensiones raciales y una Gran Bretaña multicultural emergente. [56] Victim (1961) de Dearden y Relph trataba sobre el chantaje a los homosexuales. Influenciada por el informe Wolfenden de cuatro años antes, que abogaba por la despenalización de la actividad sexual homosexual, esta fue "la primera película británica que abordó explícitamente la homosexualidad". [57] Sin embargo, a diferencia de los cineastas de la Nouvelle Vague, las respuestas críticas al trabajo de Dearden y Relph no han sido generalmente positivas. [54] [58]
A medida que avanzaba la década de 1960, los estudios estadounidenses volvieron a apoyar económicamente las películas británicas, especialmente las que sacaron provecho de la imagen del " Londres vibrante " propagada por la revista Time en 1966. Películas como Darling , The Knack... y How to Get It (ambas de 1965), Alfie y Georgy Girl (ambas de 1966) exploraron este fenómeno. Blowup (también de 1966) y, más tarde, Women in Love (1969), mostraron por primera vez desnudez frontal completa femenina y, después, masculina en las películas británicas convencionales.
Al mismo tiempo, los productores cinematográficos Harry Saltzman y Albert R. Broccoli combinaron sexo con lugares exóticos, violencia casual y humor autorreferencial en la exitosa serie James Bond con Sean Connery en el papel principal. La primera película Dr. No (1962) fue un éxito inesperado en el Reino Unido y la segunda, Desde Rusia con amor (1963), un éxito mundial. En el momento de la tercera película, Goldfinger (1964), la serie se había convertido en un fenómeno global, alcanzando su pico comercial con Operación Trueno al año siguiente. El éxito de la serie condujo a un auge de las películas de espías con muchas imitaciones de Bond. El coproductor de Bond, Saltzman, también instigó una serie rival de películas de espías más realistas basadas en las novelas de Len Deighton . Michael Caine protagonizó al espía con gafas Harry Palmer en The Ipcress File (1965), y dos secuelas en los años siguientes. Otras películas de espionaje más pesimistas fueron adaptadas de novelas de John le Carré , como El espía que surgió del frío (1965) y Un asunto mortal (1966).
Los directores estadounidenses trabajaron regularmente en Londres durante la década, pero varios se convirtieron en residentes permanentes en el Reino Unido. Joseph Losey , incluido en la lista negra de Estados Unidos, tuvo una influencia significativa en el cine británico en la década de 1960, en particular con sus colaboraciones con el dramaturgo Harold Pinter y el protagonista Dirk Bogarde , incluidas The Servant (1963) y Accident (1967). Los exiliados voluntarios Richard Lester y Stanley Kubrick también estuvieron activos en el Reino Unido. Lester tuvo grandes éxitos con la película de The Beatles A Hard Day's Night (1964) y The Knack...and How to Get It (1965) y Kubrick con Dr. Strangelove (1963) y 2001: A Space Odyssey (1968). Si bien Kubrick se estableció en Hertfordshire a principios de la década de 1960 y permanecería en Inglaterra durante el resto de su carrera, estas dos películas conservaron una fuerte influencia estadounidense. Otras películas de esta época involucraron a destacados cineastas de otras partes de Europa: Repulsión (1965) y Blowup (1966) fueron las primeras películas en inglés del director polaco Roman Polanski y del italiano Michelangelo Antonioni respectivamente.
Películas históricas tan diversas como Lawrence de Arabia (1962), Tom Jones (1963) y Un hombre para la eternidad (1966) se beneficiaron de la inversión de los estudios estadounidenses. Películas importantes como Becket (1964), Jartum (1966) y La carga de la brigada ligera (1968) se rodaron con regularidad, mientras que películas de menor escala, como Accident (1967), fueron grandes éxitos de crítica. Cuatro de los ganadores del Oscar a la mejor película de la década fueron producciones británicas, incluidos seis Oscar para el musical cinematográfico Oliver! (1968), basado en la novela de Charles Dickens Oliver Twist .
Tras dirigir varias colaboraciones en la serie antológica Wednesday Play de la BBC, Ken Loach comenzó su carrera cinematográfica con las películas de realismo social Poor Cow (1967) y Kes (1969). Mientras tanto, la controversia en torno a The War Game (1965) de Peter Watkins , que ganó el Oscar a la mejor película documental en 1967, pero que había sido suprimida por la BBC que la había encargado, acabaría llevando a Watkins a trabajar exclusivamente fuera de Gran Bretaña.
Los estudios estadounidenses redujeron las producciones británicas y, en muchos casos, dejaron de financiarlas por completo. Se siguieron haciendo películas financiadas por intereses estadounidenses, incluida La vida privada de Sherlock Holmes (1970) de Billy Wilder , pero durante un tiempo fue difícil conseguir fondos.
Una censura más relajada también trajo consigo varias películas controvertidas, entre ellas Performance de Nicolas Roeg y Donald Cammell , The Devils (1971) de Ken Russell , Straw Dogs (1971) de Sam Peckinpah y La naranja mecánica (1971) de Stanley Kubrick , protagonizada por Malcolm McDowell como el líder de una banda de matones en una Gran Bretaña distópica del futuro. [59]
Otras películas durante la década de 1970 incluyeron el drama eduardiano The Go-Between (1971), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes , el thriller sobrenatural ambientado en Venecia de Nicolas Roeg Don't Look Now (1973) y el drama de gángsters de Mike Hodges Get Carter (1971) protagonizado por Michael Caine . Alfred Hitchcock regresó a Gran Bretaña para rodar Frenzy (1972). Otras producciones como Young Winston (1972) de Richard Attenborough y A Bridge Too Far (1977) tuvieron un éxito comercial mixto. El ciclo de películas de terror británicas asociadas con Hammer Film Productions, Amicus y Tigon llegó a su fin, a pesar de los intentos de Hammer de condimentar la fórmula con desnudez y sangre añadidas. Aunque hubo algunos intentos de ampliar la gama de películas de terror británicas, como con The Wicker Man (1973), estas películas tuvieron poco impacto en la taquilla. En 1976, British Lion, que produjo The Wicker Man , fue finalmente absorbida por la división cinematográfica de EMI , que se había hecho cargo de ABPC en 1969. El duopolio en la exhibición de cine británico, a través de Rank y ahora EMI, continuó.
A principios de la década de 1970, el gobierno redujo su financiación a la Corporación Nacional de Financiamiento Cinematográfico, por lo que la NFFC comenzó a operar como un consorcio, incluso con bancos, lo que los llevó a utilizar criterios más comerciales para financiar películas británicas en lugar de centrarse en la calidad o en nuevos talentos, pasando a financiar películas basadas en programas de televisión como Up Pompeii (1971). [60]
Algunos otros productores británicos, incluido Hammer, recurrieron a la televisión en busca de inspiración, y las versiones para la pantalla grande de comedias de situación populares como On the Buses (1971) y Steptoe and Son (1972) resultaron exitosas con el público nacional; la primera tuvo mayores retornos de taquilla nacionales en su año que la película de Bond, Diamonds Are Forever y en 1973, un actor británico establecido, Roger Moore, fue elegido como Bond en, Vive y deja morir , fue un éxito comercial y Moore continuaría con el papel durante los siguientes 12 años. Las comedias sexuales británicas de bajo presupuesto incluyeron la serie Confesiones de ... protagonizada por Robin Askwith , comenzando con Confesiones de un limpiador de ventanas (1974). Las películas de comedia más elevadas vinieron del equipo Monty Python , también de la televisión. Sus dos películas más exitosas fueron Monty Python y el Santo Grial (1975) y La vida de Brian de Monty Python (1979), esta última un gran éxito comercial, probablemente al menos en parte debido a la controversia en ese momento en torno a su tema.
Algunas producciones estadounidenses volvieron a los grandes estudios británicos entre 1977 y 1979, entre ellas la original Star Wars (1977) en Elstree Studios , Superman (1978) en Pinewood y Alien (1979) en Shepperton . En la década de las novelas de Agatha Christie se realizaron adaptaciones exitosas, como Asesinato en el Orient Express (1974) y Muerte en el Nilo (1978). La entrada de la compañía de Lew Grade, ITC, en la producción cinematográfica en la segunda mitad de la década trajo consigo solo unos pocos éxitos de taquilla y una cantidad insostenible de fracasos.
En 1980, sólo se hicieron 31 películas británicas, [6] un descenso del 50% respecto del año anterior y el número más bajo desde 1914, y la producción cayó de nuevo en 1981 a 24 películas. [6] La industria sufrió más golpes por la caída de la asistencia al cine, que alcanzó un mínimo histórico de 54 millones en 1984, y la eliminación del Eady Levy de 1957 , una concesión fiscal, en el mismo año. La concesión había hecho posible que una compañía cinematográfica con sede en el extranjero amortizara una gran parte de sus costes de producción filmando en el Reino Unido; esto fue lo que atrajo una sucesión de producciones estadounidenses de gran presupuesto a los estudios británicos en la década de 1970. [ cita requerida ] Estos factores llevaron a cambios significativos en la industria, con la rentabilidad de las películas británicas ahora "cada vez más dependiente de mercados secundarios como el vídeo y la televisión, y el Canal 4 ... [se convirtió] en una parte crucial de la ecuación de financiación". [61]
Con la eliminación del impuesto, se introdujeron los multicines en el Reino Unido con la apertura de un cine de diez pantallas por parte de AMC Cinemas en The Point en Milton Keynes en 1985 y el número de pantallas en el Reino Unido aumentó en alrededor de 500 a lo largo de la década, lo que llevó a un aumento de la asistencia de casi 100 millones para el final de la década. [62] [63]
La década de 1980 pronto vio un optimismo renovado, liderado por compañías de producción independientes más pequeñas como Goldcrest , HandMade Films y Merchant Ivory Productions .
Handmade Films, que era en parte propiedad de George Harrison , se formó originalmente para hacerse cargo de la producción de La vida de Brian de Monty Python , después de que Bernard Delfont (hermano de Lew Grade) de EMI se retirara. Handmade también compró y lanzó el drama de gángsters The Long Good Friday (1980), producido por una subsidiaria de Lew Grade, después de que sus patrocinadores originales se volvieran cautelosos. Los miembros del equipo de Python participaron en otras comedias durante la década, incluidas las películas de fantasía de Terry Gilliam Time Bandits (1981) y Brazil (1985), la comedia negra Withnail & I (1987) y el éxito de John Cleese A Fish Called Wanda (1988), mientras que Michael Palin protagonizó A Private Function (1984), a partir del primer guion de Alan Bennett para la pantalla de cine. [64]
El productor de Goldcrest, David Puttnam, ha sido descrito como "lo más cercano a un magnate que ha tenido el cine británico en el último cuarto del siglo XX". [65] Bajo la dirección de Puttnam, surgió una generación de directores británicos que hicieron películas populares con distribución internacional. Algunos de los talentos respaldados por Puttnam ( Hugh Hudson , Ridley Scott , Alan Parker y Adrian Lyne ) habían filmado comerciales; el propio Puttnam había comenzado su carrera en la industria publicitaria. Cuando Carros de fuego (1981) de Hudson ganó 4 premios de la Academia en 1982, incluido el de Mejor Película, su guionista Colin Welland declaró "¡vienen los británicos!". [66] Cuando Gandhi (1982), otra película de Goldcrest, ganó un Oscar a la Mejor Película, parecía que tenía razón.
Esto dio lugar a un ciclo de películas de época, algunas de ellas con un gran presupuesto para una película británica, como la última película de David Lean , A Passage to India (1984), junto con las adaptaciones de menor presupuesto de Merchant Ivory de las obras de E. M. Forster , como A Room with a View (1986). Pero los intentos posteriores de hacer producciones "grandes" para el mercado estadounidense terminaron en fracaso, ya que Goldcrest perdió su independencia después de Revolution (1985) y Absolute Beginners (1986) fueron fracasos comerciales y de crítica. Otra película de Goldcrest, The Mission (también de 1986) de Roland Joffé , ganó la Palma de Oro en 1986 , pero tampoco fue rentable. La anterior película de Joffé, The Killing Fields (1984), había sido un éxito tanto de crítica como financiero. Estas fueron las dos primeras películas de Joffé y se encontraban entre las producidas por Puttnam.
Durante la década de 1970, los cineastas de los nuevos países de la Commonwealth habían comenzado a surgir, principalmente fuera del sector comercial. Pressure (1975), de Horace Ové , había sido financiada por el British Film Institute, al igual que A Private Enterprise (1974), siendo estas las primeras películas británicas negras y británicas asiáticas , respectivamente. Sin embargo, la década de 1980 vio una ola de nuevos talentos, con películas como Babylon (1980), de Franco Rosso , Burning an Illusion (1981), de Menelik Shabazz , y Ping Pong (1986), de Po-Chih Leong , una de las primeras películas sobre la comunidad china de Gran Bretaña. Muchas de estas películas recibieron la ayuda del recién formado Channel 4 , que tenía el cometido oficial de atender a las "audiencias minoritarias". El éxito comercial se logró por primera vez con My Beautiful Laundrette (1985), que trataba cuestiones raciales y homosexuales y se desarrolló a partir del primer guion cinematográfico de Hanif Kureishi . En My Beautiful Laundrette, Daniel Day-Lewis tiene un papel protagonista. Day-Lewis y otros jóvenes actores británicos que se estaban convirtiendo en estrellas, como Gary Oldman , Colin Firth , Tim Roth y Rupert Everett , fueron apodados como el Brit Pack . [67]
Con la participación de Channel 4 en la producción cinematográfica, los talentos de la televisión se trasladaron a los largometrajes con Stephen Frears ( My Beautiful Laundrette ) y Mike Newell con Dance with a Stranger (1985). John Boorman , que había estado trabajando en los EE. UU., fue alentado a regresar al Reino Unido para hacer Hope and Glory (1987). Channel Four también se convirtió en un patrocinador importante de la Junta de Producción del Instituto de Cine Británico, que respaldó a tres de los cineastas británicos más aclamados por la crítica: Derek Jarman ( The Last of England , 1987), Terence Davies ( Distant Voices, Still Lives , 1988) y Peter Greenaway ; el último de los cuales obtuvo un sorprendente éxito comercial con The Draughtsman's Contract (1982) y The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989). La compañía de Stephen Woolley , Palace Pictures , también produjo algunas películas de éxito, entre ellas The Company of Wolves (1984) y Mona Lisa (1986) de Neil Jordan , antes de desmoronarse en medio de una serie de películas fallidas. Entre las otras películas británicas de la década se encuentran Gregory's Girl (1981) y Local Hero (1983) de Bill Forsyth , Educating Rita (1983) de Lewis Gilbert , The Dresser (1983) de Peter Yates y el debut como director de Kenneth Branagh , Henry V (1989).
En comparación con la década de 1980, la inversión en la producción cinematográfica aumentó drásticamente. En 1989, la inversión anual era de unos magros 104 millones de libras esterlinas. En 1996, esta cifra había ascendido a 741 millones de libras esterlinas. [68] Sin embargo, la dependencia de la financiación de cadenas de televisión como la BBC y Channel 4 significaba que los presupuestos eran a menudo bajos y la producción autóctona estaba muy fragmentada: la industria cinematográfica dependía principalmente de la inversión interna de Hollywood. Según el crítico Neil Watson, se esperaba que los 90 millones de libras esterlinas repartidos por la nueva Lotería Nacional entre tres franquicias (The Film Consortium, Pathé Pictures y DNA) llenaran el vacío, pero "la financiación corporativa y de capital para la industria de producción cinematográfica del Reino Unido sigue siendo escasa y la mayoría de las empresas de producción que operan en el sector siguen estando descapitalizadas sin remedio". [69]
Estos problemas fueron compensados en su mayoría por PolyGram Filmed Entertainment , un estudio cinematográfico cuya filial británica Working Title Films estrenó una comedia con guión de Richard Curtis , Cuatro bodas y un funeral (1994). Recaudó 244 millones de dólares en todo el mundo e introdujo a Hugh Grant a la fama mundial, generó un renovado interés e inversión en películas británicas y estableció un patrón para las comedias románticas ambientadas en Gran Bretaña, incluidas Sliding Doors (1998) y Notting Hill (1999). Otras películas de Working Titles incluyeron Bean (1997), Elizabeth (1998) y La mandolina del capitán Corelli (2001). PFE finalmente se vendió y se fusionó con Universal Pictures en 1999, las esperanzas y expectativas de "construir una compañía con sede en Gran Bretaña que pudiera competir con Hollywood en su mercado local [habían] finalmente colapsado". [70]
Los incentivos fiscales permitieron a los productores estadounidenses invertir cada vez más en la producción cinematográfica con sede en el Reino Unido a lo largo de la década de 1990, incluidas películas como Entrevista con el vampiro (1994), Misión: Imposible (1996), Salvar al soldado Ryan (1998), Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma (1999) y La momia (1999). Miramax también distribuyó el aclamado thriller de Neil Jordan The Crying Game (1992), que generalmente fue ignorado en su lanzamiento inicial en el Reino Unido, pero fue un éxito considerable en los Estados Unidos. La misma compañía también disfrutó de cierto éxito lanzando el drama de época de la BBC Enchanted April (1992) y The Wings of the Dove (1997).
Entre las películas británicas de mayor éxito se encuentran las producciones de Merchant Ivory Howards End (1992) y The Remains of the Day (1993), Shadowlands (1993) de Richard Attenborough y las adaptaciones de Shakespeare de Kenneth Branagh . The Madness of King George (1994) demostró que todavía había un mercado para los dramas de época británicos , y le siguieron otras películas de época, entre ellas Sense and Sensibility (1995), Restoration (1995), Emma (1996), Mrs. Brown (1997), Basil (1998), Shakespeare in Love (1998) y Topsy-Turvy (1999).
Después de una pausa de seis años por razones legales, las películas de James Bond volvieron a la producción con la película número 17 de Bond, GoldenEye . Con sus estudios Pinewood Studios completamente reservados, se creó un nuevo estudio para la película en una antigua fábrica de motores aeronáuticos Rolls-Royce en Leavesden en Hertfordshire . [71]
Mike Leigh emergió como una figura importante en el cine británico en la década de 1990, con una serie de películas financiadas por Channel 4 sobre la vida trabajadora y de clase media en la Inglaterra moderna, incluyendo Life Is Sweet (1991), Naked (1993) y su mayor éxito Secrets & Lies (1996), que ganó la Palma de Oro en Cannes.
Otros nuevos talentos que surgieron durante la década incluyeron al equipo de guionista, director y productor John Hodge , Danny Boyle y Andrew Macdonald, responsables de Shallow Grave (1994) y Trainspotting (1996). Esta última película generó interés en otras producciones "regionales", incluidas las películas escocesas Small Faces (1996), Ratcatcher (1999) y My Name Is Joe (1998).
La primera década del siglo XXI fue relativamente exitosa para la industria cinematográfica británica. Muchas películas británicas encontraron una amplia audiencia internacional gracias a la financiación de BBC Films, Film 4 y el UK Film Council, y algunas productoras independientes, como Working Title, consiguieron acuerdos de financiación y distribución con importantes estudios estadounidenses. Working Title consiguió tres grandes éxitos internacionales, todos protagonizados por Hugh Grant y Colin Firth, con las comedias románticas El diario de Bridget Jones (2001), que recaudó 254 millones de dólares en todo el mundo; la secuela Bridget Jones: Al borde de la razón , que recaudó 228 millones de dólares; y el debut como director de Richard Curtis, Love Actually (2003), que recaudó 239 millones de dólares. La más exitosa de todas, Mamma Mia! (2008), de Phyllida Lloyd , recaudó 601 millones de dólares.
La nueva década vio una nueva e importante serie de películas de Harry Potter, comenzando con Harry Potter y la piedra filosofal en 2001. La compañía de David Heyman, Heyday Films, ha producido siete secuelas, con el título final lanzado en dos partes: Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 1 en 2010 y Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte 2 en 2011. Todas fueron filmadas en Leavesden Studios en Inglaterra. [72]
Nick Park , de Aardman Animations , creador de Wallace y Gromit y de la serie Creature Comforts, produjo su primer largometraje, Chicken Run , en 2000. Codirigida con Peter Lord, la película fue un gran éxito en todo el mundo y una de las películas británicas más exitosas de su año. La continuación de Park, Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit , fue otro éxito mundial: recaudó 56 millones de dólares en la taquilla de Estados Unidos y 32 millones de libras en el Reino Unido. También ganó el premio Oscar de la Academia a la mejor película de animación en 2005.
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Sin embargo, fue generalmente a través de largometrajes financiados con fondos nacionales a lo largo de la década que los directores y películas británicos ganaron premios en los principales festivales de cine internacionales. En 2003, Michael Winterbottom ganó el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín por In This World . En 2004, Mike Leigh dirigió Vera Drake , un relato de una ama de casa que lleva una doble vida como proveedora de abortos en el Londres de los años 50. La película ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. En 2006, Stephen Frears dirigió The Queen basada en los eventos que rodearon la muerte de la Princesa Diana, que ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Venecia y los Premios de la Academia y el BAFTA a la Mejor Película. En 2006, Ken Loach ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes con su relato de la lucha por la Independencia de Irlanda en The Wind That Shakes the Barley . La adaptación de Joe Wright de la novela de Ian McEwan Atonement fue nominada a 7 Premios de la Academia, incluida la Mejor Película y ganó el Globo de Oro y el BAFTA a la Mejor Película. Slumdog Millionaire se filmó íntegramente en Bombay con un reparto mayoritariamente indio, aunque con un director ( Danny Boyle ), un productor ( Christian Colson ), un guionista ( Simon Beaufoy ) y una estrella (Dev Patel) británicos; la película fue financiada íntegramente por británicos a través de Film4 y Celador. Ha recibido elogios de la crítica mundial. Ha ganado cuatro Globos de Oro, siete premios BAFTA y ocho premios de la Academia, incluidos Mejor Director y Mejor Película. El discurso del rey , que cuenta la historia de los intentos del rey Jorge VI de superar su impedimento del habla, fue dirigida por Tom Hooper y filmada casi íntegramente en Londres. Recibió cuatro premios de la Academia (incluidos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor y Mejor Guion) en 2011.
A principios del siglo XXI, el cine británico asiático se impuso en la taquilla, comenzando con East Is East (1999) y continuando con Bend It Like Beckham (2002). Otras películas británicas asiáticas notables de este período incluyen My Son the Fanatic (1997), Ae Fond Kiss... (2004) , Mischief Night (2006) , Yasmin (2004) y Four Lions (2010). Algunos sostienen que ha traído actitudes más flexibles hacia la selección de actores británicos negros y asiáticos, con Robbie Gee y Naomie Harris en papeles protagonistas en Underworld y 28 Days Later respectivamente.
En 2005 surgió el British Urban Film Festival , una oportuna incorporación al calendario de festivales de cine, que reconoció la influencia de las películas urbanas y negras en el público del Reino Unido y, en consecuencia, comenzó a mostrar un perfil creciente de películas de un género que antes no se veía regularmente en los cines de la capital. Luego, en 2006, Kidulthood , una película que retrata a un grupo de adolescentes que crecen en las calles del oeste de Londres, tuvo un estreno limitado. Esto fue seguido con éxito por una secuela Adulthood (2008) que fue escrita y dirigida por el actor Noel Clarke . El éxito de Kidulthood y Adulthood llevó al estreno de varias otras películas en las décadas de 2000 y 2010, como Bullet Boy (2004), Life and Lyrics (2006), The Intent (2016), su secuela The Intent 2: The Come Up (2018), Blue Story y Rocks (ambas de 2019), todas protagonizadas por actores negros británicos.
Al igual que en los años 1960, esta década vio muchas películas británicas dirigidas por talentos importados. El estadounidense Woody Allen filmó Match Point (2005) [73] [74] y tres películas posteriores en Londres. El director mexicano Alfonso Cuarón dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004) y Children of Men (2006); la cineasta neozelandesa Jane Campion hizo Bright Star (2009), una película ambientada en el Londres del siglo XIX; el director danés Nicolas Winding Refn hizo Bronson (2008), una película biográfica sobre el criminal inglés Michael Gordon Peterson ; el cineasta español Juan Carlos Fresnadillo dirigió 28 semanas después (2007), una secuela de una película de terror británica; y dos adaptaciones de John le Carré también fueron dirigidas por extranjeros: El jardinero fiel del brasileño Fernando Meirelles y El topo, el espía del sueco Tomas Alfredson . La década también vio al actor inglés Daniel Craig convertirse en el nuevo James Bond con Casino Royale , la entrega número 21 de la serie oficial de Eon Productions.
A pesar de la creciente competencia de los estudios cinematográficos de Australia y Europa del Este, los estudios británicos como Pinewood , Shepperton y Leavesden siguieron teniendo éxito al albergar producciones importantes, entre ellas Finding Neverland , Closer , Batman Begins , Charlie y la fábrica de chocolate , United 93 , El fantasma de la ópera , Sweeney Todd , Fantastic Mr. Fox , Robin Hood , X-Men: First Class , Hugo y War Horse .
En febrero de 2007, el Reino Unido se convirtió en el hogar de los primeros multicines totalmente digitales compatibles con DCI de Europa con el lanzamiento de Odeon Hatfield y Odeon Surrey Quays (en Londres), con un total de 18 pantallas digitales.
En noviembre de 2010, Warner Bros. completó la adquisición de Leavesden Film Studios , convirtiéndose en el primer estudio de Hollywood desde la década de 1940 en tener una base permanente en el Reino Unido, y anunció planes para invertir £ 100 millones en el sitio. [75] [76]
Un estudio del British Film Institute publicado en diciembre de 2013 concluyó que, de las 613 películas británicas analizadas estrenadas entre 2003 y 2010, solo el 7% generó beneficios. Las películas de bajo presupuesto, aquellas que cuestan menos de 500.000 libras esterlinas, tenían aún menos probabilidades de obtener un retorno de la inversión. De estas películas, solo el 3,1% generó beneficios. En el extremo superior de los presupuestos de la industria británica, menos de una quinta parte de las películas que costaron 10 millones de libras esterlinas generaron beneficios. [77]
El 26 de julio de 2010 se anunció que el Consejo de Cine del Reino Unido, que era el principal organismo responsable del desarrollo de la promoción del cine británico durante la década de 2000, sería abolido, y muchas de las funciones del organismo abolido serían asumidas por el Instituto de Cine Británico . Actores y profesionales, incluidos James McAvoy , Emily Blunt , Pete Postlethwaite , Damian Lewis , Timothy Spall , Daniel Barber e Ian Holm , hicieron campaña contra la abolición del consejo. [79] [80] La medida también llevó al actor y director estadounidense Clint Eastwood (que había filmado Hereafter en Londres) a escribir al Ministro de Hacienda británico George Osborne en agosto de 2010 para protestar por la decisión de cerrar el consejo. Eastwood advirtió a Osborne que el cierre podría resultar en que menos compañías de producción extranjeras elijan trabajar en el Reino Unido. [81] [82] Se lanzó una campaña popular en línea [83] y los partidarios del consejo establecieron una petición.
En contrapartida, algunos profesionales, entre ellos Michael Winner y Julian Fellowes , apoyaron la decisión del Gobierno. [84] [85] [86] Varias otras organizaciones respondieron positivamente.
El 31 de marzo de 2011, cuando se clausuró el UK Film Council, The Guardian informó de que «el presupuesto anual total del UKFC ascendía a 3 millones de libras esterlinas, mientras que se estima que el coste de su cierre y reestructuración fue casi cuatro veces superior». [87] Se estima que una de las últimas películas del UKFC, El discurso del rey , costó 15 millones de dólares y recaudó 235 millones, además de ganar varios premios de la Academia . El UKFC invirtió 1,6 millones de dólares para obtener una participación del 34% de las ganancias netas, una participación valiosa que pasará al British Film Institute. [88]
En junio de 2012, Warner abrió el estudio Leavesden remodelado para fines comerciales. [90] Los directores británicos de mayor éxito comercial en los últimos años son Paul Greengrass , Mike Newell , Christopher Nolan , Ridley Scott y David Yates . [91]
En enero de 2012, en los estudios Pinewood para visitar empresas relacionadas con el cine, el Primer Ministro británico David Cameron dijo que su gobierno tenía ambiciones audaces para la industria cinematográfica: "Nuestro papel, y el del BFI, debería ser apoyar al sector para que se vuelva aún más dinámico y emprendedor, ayudando a los productores británicos a hacer películas comercialmente exitosas que rivalicen en calidad e impacto con las mejores producciones internacionales. Así como la British Film Commission ha desempeñado un papel crucial para atraer a los estudios internacionales más grandes y mejores para que produzcan sus películas aquí, también debemos incentivar a los productores británicos para que busquen nuevos mercados tanto aquí como en el extranjero". [92]
La industria cinematográfica sigue siendo una fuente importante de ingresos para la economía británica. Según un comunicado de prensa del Consejo de Cine del Reino Unido del 20 de enero de 2011, en 2010 se gastaron 1.115 millones de libras en la producción cinematográfica británica. Una encuesta de 2014 sugirió que las películas británicas en general tenían mejores calificaciones que las producciones de Hollywood, especialmente si se consideran las producciones británicas de bajo presupuesto.
En noviembre de 2022, el director Danny Boyle expresó un sentimiento negativo sobre la industria cinematográfica británica en los últimos años, afirmando que "no estoy seguro de que seamos grandes cineastas, para ser absolutamente honesto. Como nación, nuestras dos formas de arte son el teatro , en un sentido de clase media, y la música pop , porque somos extraordinarios en eso". [93]
Las cifras publicadas por el BFI informaron que en 2022 se gastaron 6270 millones de libras en la producción cinematográfica y televisiva de alta gama, de los cuales 173,6 millones fueron en el Reino Unido. Si bien el gasto total alcanzó un récord para el Reino Unido, el gasto en producción cinematográfica independiente en el Reino Unido disminuyó un 31 % desde 2021. [94]
La industria cinematográfica del Reino Unido se vio afectada por la huelga SAG-AFTRA de 2023 y el 80% de los trabajadores detrás de escena encuestados afirmaron que sus trabajos se habían visto afectados. [95]
Aunque ya había financiado películas experimentales británicas en 1952, la fundación de una junta de producción por parte del British Film Institute en 1964 (y un aumento sustancial de la financiación pública a partir de 1971) le permitió convertirse en una fuerza dominante en el desarrollo del cine de arte británico en los años 1970 y 1980: desde la primera de las películas de Bill Douglas , My Childhood (1972), y de Terence Davies , Childhood (1978), pasando por las primeras películas de Peter Greenaway (incluido el sorprendente éxito comercial de The Draughtsman's Contract (1982)) y la defensa del Nuevo Cine Queer por parte de Derek Jarman . El primer largometraje producido bajo el nuevo esquema del BFI fue Winstanley (1975) de Kevin Brownlow y Andrew Mollo , mientras que otros incluyeron Moon Over the Alley (1975), Requiem for a Village (1975), la abiertamente vanguardista Central Bazaar (1973), Pressure (1975) y A Private Enterprise (1974) – las dos últimas siendo, respectivamente, los primeros largometrajes británicos negros y asiáticos.
El estreno de Jubilee (1978) de Derek Jarman marcó el comienzo de un período exitoso del cine de arte en el Reino Unido , que continuó en la década de 1980 con cineastas como Sally Potter y Ken McMullen , y productores como Stewart Richards , con éxito en el Festival de Cine de Cannes y los Premios de la Academia . A diferencia de la generación anterior de cineastas británicos que habían entrado en la dirección y la producción después de carreras en el teatro o la televisión, los directores de cine de arte eran en su mayoría productos de las escuelas de arte. Muchos de estos cineastas fueron defendidos en sus inicios por la London Film Makers Cooperative y su trabajo fue objeto de un análisis teórico detallado en la revista Screen Education . Peter Greenaway fue uno de los pioneros del uso de imágenes generadas por computadora mezcladas con metraje filmado y también fue uno de los primeros directores en filmar completamente en video de alta definición para un estreno en cine.
Con el lanzamiento de Channel 4 y su línea de encargos Film on Four , el cine de arte se promovió para un público más amplio. Sin embargo, a principios de los años 90, el canal sufrió un cambio brusco en su política de encargos y Greenaway y otros se vieron obligados a buscar financiación europea para coproducciones.
En los años 1970 y 1980, los estudios británicos se ganaron una reputación por sus excelentes efectos especiales en películas como Superman (1978), Alien (1979) y Batman (1989). Parte de esta reputación se basó en el núcleo de talentos reunidos para el rodaje de 2001: Odisea del espacio (1968) que posteriormente trabajaron juntos en series y largometrajes para Gerry Anderson . Gracias a Aardman Animations , con sede en Bristol , el Reino Unido todavía es reconocido como líder mundial en el uso de la animación stop-motion.
Los técnicos de efectos especiales y diseñadores de producción británicos son conocidos por crear efectos visuales a un coste mucho menor que sus homólogos estadounidenses, como se vio en Time Bandits (1981) y Brazil (1985). Esta reputación se ha mantenido durante la década de 1990 y en el siglo XXI con películas como la serie de James Bond , Gladiator (2000) y la franquicia de Harry Potter .
Desde la década de 1990 hasta la actualidad, ha habido un movimiento progresivo desde la óptica cinematográfica tradicional hacia un entorno cinematográfico digital integrado , con efectos especiales, corte, gradación de color y otras tareas de posproducción que comparten la misma infraestructura totalmente digital. La empresa de efectos visuales Framestore , con sede en Londres, con Tim Webber como supervisor de efectos visuales , ha trabajado en algunos de los proyectos más desafiantes técnica y artísticamente, incluidos The Dark Knight (2008) y Gravity (2013), con nuevas técnicas involucradas en Gravity realizadas por Webber y el equipo de Framestore que tardaron tres años en completarse. [96]
La disponibilidad de Internet de alta velocidad ha permitido a la industria cinematográfica británica trabajar en estrecha colaboración con los estudios estadounidenses como parte de producciones distribuidas a nivel mundial. A partir de 2005, se espera que esta tendencia continúe con avances hacia la distribución y proyección digitales (actualmente experimentales) como tecnologías de uso generalizado. La película británica This Is Not a Love Song (2003) fue la primera en transmitirse en vivo por Internet al mismo tiempo que su estreno en el cine .
