La ausencia de las mujeres en el canon del arte occidental ha sido objeto de investigación y reconsideración desde principios de los años setenta. El influyente ensayo de Linda Nochlin de 1971, " ¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas? ", examinó las barreras sociales e institucionales que impidieron a la mayoría de las mujeres ingresar a profesiones artísticas a lo largo de la historia, impulsó un nuevo enfoque en las mujeres artistas , su arte y sus experiencias, y contribuyó inspiración para el movimiento artístico feminista . [1] [2] [3] Aunque las mujeres artistas han estado involucradas en la creación de arte a lo largo de la historia, su trabajo, en comparación con el de sus homólogos masculinos, a menudo ha sido ofuscado, pasado por alto y subvalorado. Históricamente, el canon occidental ha valorado el trabajo de los hombres sobre el de las mujeres [4] y ha asociado estereotipos de género a ciertos medios, como las artes textiles o de fibras , para que se asocien principalmente con las mujeres. [5]
Las mujeres artistas se han enfrentado al desafío de la falta de acceso a la educación artística, a redes profesionales y a oportunidades de exposición. [6] A partir de finales de los años 1960 y 1970, artistas feministas e historiadoras del arte involucradas en el movimiento artístico feminista han abordado el papel de las mujeres, especialmente en el mundo del arte occidental , cómo se percibe, evalúa o apropia el arte mundial según el género.
No hay registros de quiénes fueron los artistas de las épocas prehistóricas, pero los estudios de muchos de los primeros etnógrafos y antropólogos culturales indican que las mujeres a menudo eran las principales artesanas en las culturas neolíticas , en las que creaban cerámica , textiles, cestería, superficies pintadas y joyas . La colaboración en grandes proyectos era común, si no típica. La extrapolación a las obras de arte y las habilidades del Paleolítico sugiere que estas culturas siguieron patrones similares. Las pinturas rupestres de esta época suelen tener huellas de manos humanas, el 75% de las cuales son identificables como de mujeres. [7]
Existe una larga historia del arte cerámico en casi todas las culturas desarrolladas y, a menudo, los objetos cerámicos son toda la evidencia artística que queda de culturas desaparecidas, como la de la cultura Nok en África hace más de 3.000 años. [8] Las culturas especialmente destacadas por la cerámica incluyen las culturas china , cretense , griega , persa , maya , japonesa y coreana , así como las culturas occidentales modernas. Hay evidencia de que la cerámica se inventó de forma independiente en varias regiones del mundo, incluido el este de Asia, el África subsahariana, el Cercano Oriente y las Américas. Se desconoce quiénes eran los artesanos. [9] [10]
Los registros más antiguos de las culturas occidentales rara vez mencionan a individuos específicos, aunque en todo el arte se representan mujeres y algunas trabajan como artistas. Las referencias antiguas de Homero , Cicerón y Virgilio mencionan el papel destacado de la mujer en los textiles, la poesía, la música y otras actividades culturales, sin mencionar a los artistas individuales. Entre los primeros registros históricos europeos sobre artistas individuales se encuentra el de Plinio el Viejo , quien escribió sobre varias mujeres griegas que eran pintoras, incluida Helena de Egipto , hija de Timón de Egipto, [11] [12] Algunos críticos modernos postulan que El mosaico de Alejandro podría no haber sido obra de Filoxenus , sino de Helena de Egipto. Una de las pocas pintoras nombradas que podrían haber trabajado en la antigua Grecia, [13] [14] tenía fama de haber producido una pintura de la batalla de Issus que colgaba en el Templo de la Paz durante la época de Vespasiano . [15] Otras mujeres incluyen a Timarete , Eirene , Kalypso , Aristarete , Iaia y Olimpias. Si bien solo sobrevive una parte de su trabajo, en la cerámica griega antigua hay un caputi hydria en la Colección Torno de Milán . [16] Se atribuye al pintor de Leningrado de c. 460-450 a. C. y muestra a mujeres trabajando junto a hombres en un taller donde ambos pintaban jarrones. [17]
"Desde hace unos tres mil años, las mujeres –y sólo las mujeres– de Mithila realizan pinturas devocionales de los dioses y diosas del panteón hindú. No es exagerado, entonces, decir que este arte es la expresión de los más aspecto genuino de la civilización india." [18]
El arte geométrico Imigongo se originó en Ruanda , en África Oriental , y está asociado con el estatus sagrado centenario de la vaca. Evolucionó a partir de la mezcla de estiércol de vaca con ceniza y arcilla y el uso de tintes naturales. La paleta se limita al color atrevido de la tierra. El arte se asocia tradicionalmente con mujeres artistas, al igual que el elaborado arte de la cestería de la zona, con sus propios frisos regulares. [19]
Entre los artistas de la época medieval se encuentran Claricia , Diemudus , Ende , Guda , Herrade de Landsberg e Hildegarda de Bingen . En el período medieval temprano, las mujeres solían trabajar junto a los hombres. Las iluminaciones manuscritas, los bordados y los capiteles tallados de la época demuestran claramente ejemplos de mujeres trabajando en estas artes. Los documentos muestran que también eran cerveceros, carniceros, comerciantes de lana y ferreteros. Los artistas de la época, incluidas las mujeres, pertenecían a un pequeño subconjunto de la sociedad cuyo estatus les permitía liberarse de estos tipos de trabajo más extenuantes. Las mujeres artistas a menudo pertenecían a dos clases alfabetizadas: mujeres aristocráticas ricas o monjas. Las mujeres de la primera categoría solían crear bordados y textiles; los de la última categoría a menudo producían iluminaciones.
En esa época había varios talleres de bordado en Inglaterra, particularmente en Canterbury y Winchester; El Opus Anglicanum o bordado inglés ya era famoso en toda Europa: un inventario papal del siglo XIII contaba con más de doscientas piezas. Se presume que las mujeres fueron casi en su totalidad responsables de esta producción.
Uno de los bordados más famosos (no es un tapiz) del período medieval es el Tapiz de Bayeux , que fue bordado con lana en nueve paneles de lino y mide 230 pies de largo. Es C. Setenta escenas narran la batalla de Hastings y la conquista normanda de Inglaterra . El tapiz de Bayeux puede haber sido creado en un taller comercial por una dama real o aristocrática y su séquito, o en un taller de un convento. Sylvette Lemagnen, conservadora del tapiz, en su libro de 2005 La Tapisserie de Bayeux afirma:
El tapiz de Bayeux es uno de los logros supremos del románico normando ... Su supervivencia casi intacta a lo largo de nueve siglos es poco menos que milagrosa... Su longitud excepcional, la armonía y frescura de sus colores, su exquisita mano de obra y la La genialidad de su espíritu guía se combinan para hacerlo infinitamente fascinante. [20]
En el siglo XIV está documentado un taller real, con sede en la Torre de Londres , y es posible que haya habido otros arreglos anteriores. La iluminación de manuscritos nos ofrece a muchos de los artistas nombrados del período medieval, incluido Ende , una monja española del siglo X; Guda , una monja alemana del siglo XII; y Claricia , una laica del siglo XII en un scriptorium bávaro. Estas mujeres, y muchos más iluminadores anónimos, se beneficiaron de la naturaleza de los conventos como los principales lugares de aprendizaje para las mujeres en el período y la opción más sostenible para las intelectuales entre ellas.
En muchas partes de Europa, con las reformas gregorianas del siglo XI y el auge del feudalismo, las mujeres enfrentaron muchas restricciones que no enfrentaron en el período medieval temprano. Con estos cambios sociales, el estatus del convento cambió. En las Islas Británicas, la conquista normanda marcó el comienzo del declive gradual del convento como sede de aprendizaje y lugar donde las mujeres podían ganar poder. Los conventos se hicieron subsidiarios de abades varones, en lugar de estar encabezados por una abadesa, como lo habían estado antes. En la Escandinavia pagana (en Suecia), la única maestra de runas históricamente confirmada , Gunnborga , trabajó en el siglo XI. [21]
En Alemania, sin embargo, bajo la dinastía otoniana , los conventos conservaron su posición como instituciones de aprendizaje. Esto podría deberse en parte a que los conventos a menudo estaban encabezados y poblados por mujeres solteras de familias reales y aristocráticas. Por lo tanto, la mayor obra de mujeres del período medieval tardío se origina en Alemania, como lo ejemplifican las de Herrade de Landsberg e Hildegarda de Bingen . Hildegarda de Bingen (1098-1179) es un ejemplo particularmente bueno de intelectual y artista medieval alemán. Escribió Las divinas obras de un hombre sencillo , La vida meritoria , sesenta y cinco himnos, una obra de teatro milagrosa y un largo tratado de nueve libros sobre las diferentes naturalezas de árboles, plantas, animales, pájaros, peces, minerales y metales. Desde pequeña afirmó tener visiones. Cuando el papado apoyó estas afirmaciones de la directora, su posición como intelectual importante se fortaleció. Las visiones pasaron a formar parte de una de sus obras fundamentales en 1142, Scivias (Conoce los caminos del Señor) , que consta de treinta y cinco visiones que relatan e ilustran la historia de la salvación. Las ilustraciones de Scivias , como se ejemplifica en la primera ilustración, muestran a Hildegarda experimentando visiones mientras estaba sentada en el monasterio de Bingen . Se diferencian mucho de otros creados en Alemania durante el mismo período, ya que se caracterizan por colores brillantes, énfasis en las líneas y formas simplificadas. Si bien Hildegard probablemente no escribió las imágenes, su naturaleza idiosincrásica lleva a creer que fueron creadas bajo su estrecha supervisión.
El siglo XII vio el surgimiento de la ciudad en Europa, junto con el aumento del comercio, los viajes y las universidades. Estos cambios en la sociedad también engendraron cambios en la vida de las mujeres. A las mujeres se les permitía dirigir los negocios de sus maridos si enviudaban. La esposa de Bath en Los cuentos de Canterbury de Chaucer es uno de esos casos. Durante esta época, a las mujeres también se les permitió formar parte de algunos gremios de artesanos . Los registros gremiales muestran que las mujeres eran particularmente activas en las industrias textiles de Flandes y el norte de Francia. Los manuscritos medievales tienen muchos márgenes que representan a mujeres con husos. En Inglaterra, las mujeres fueron las encargadas de crear el Opus Anglicanum , o ricos bordados para uso eclesiástico o secular en ropa y diversos tipos de tapices. Las mujeres también se volvieron más activas en la iluminación. Es probable que varias mujeres trabajaran junto a sus maridos o padres, incluida la hija de Maître Honoré y la hija de Jean le Noir . En el siglo XIII, la mayoría de los manuscritos iluminados se producían en talleres comerciales y, a finales de la Edad Media, cuando la producción de manuscritos se había convertido en una industria importante en ciertos centros, las mujeres parecen haber representado la mayoría de los artistas y escribas empleados. especialmente en París. El movimiento hacia la imprenta , y de la ilustración de libros a las técnicas de grabado en madera y grabado , donde las mujeres parecen haber estado poco involucradas, representó un revés para el progreso de las mujeres artistas.
Mientras tanto, Jefimija (1349-1405), una noble serbia , viuda y monja ortodoxa , se hizo conocida no solo como una poeta que escribió un lamento por su hijo muerto, Uglješa, sino también como una hábil costurera y grabadora. Su lamento por su amado hijo, que inmortalizó el dolor de todas las madres que lloran a sus hijos fallecidos, estaba grabado en la parte posterior del díptico (icono de dos paneles que representa la Virgen y el Niño) que Teodosije, obispo de Serres , había regalado. al niño Uglješa en su bautismo. La obra de arte, que ya era valiosa por el oro, las piedras preciosas y los hermosos tallados en sus paneles de madera, se volvió invaluable después de que el lamento de Jefemija fuera grabado en su parte posterior. [22]
En la Venecia del siglo XV , se sabía que la hija del artista del vidrio, Angelo Barovièr, era la artista detrás de un diseño particular de vidrio de Murano veneciano . Ella era Marietta Barovier , una artista del vidrio veneciana . [23] De los catorce pintores especialistas en vidrio ( pictori ) documentados entre 1443 y 1516, ella y Elena de Laudo eran las únicas mujeres. [24] Al parecer tuvieron que transcurrir varios siglos antes de que las mujeres pudieran dedicarse al medio del arte en vidrio .
Los artistas de la época del Renacimiento incluyen a Sofonisba Anguissola , Lucia Anguissola , Lavinia Fontana , Fede Galizia , Diana Scultori Ghisi , Caterina van Hemessen , Esther Inglis , Barbara Longhi , Maria Ormani , Marietta Robusti (hija de Tintoretto), Properzia de' Rossi , Levina Teerlinc. , Mayken Verhulst y Santa Catalina de Bolonia (Caterina dei Vigri) . [25] [26]
Este es el primer período en la historia occidental en el que varias artistas femeninas seculares ganaron reputación internacional. El aumento de mujeres artistas durante este período puede atribuirse a importantes cambios culturales. Uno de esos cambios provino de la Contrarreforma que reaccionó contra el protestantismo y dio lugar a un movimiento hacia el humanismo , una filosofía que afirmaba la dignidad de todas las personas, que se volvió central en el pensamiento del Renacimiento y ayudó a elevar el estatus de la mujer. [6] Además, la identidad del artista individual en general se consideraba más importante. Artistas importantes de este período cuyas identidades se desconocen prácticamente dejan de existir. Dos textos importantes, Sobre las mujeres famosas y La ciudad de las mujeres , ilustran este cambio cultural. Boccaccio , un humanista del siglo XIV, escribió De mulieribus claris (en latín, Sobre las mujeres famosas ) (1335-1359), una colección de biografías de mujeres. Entre las 104 biografías que incluyó se encontraba la de Thamar (o Thmyris), un antiguo pintor de vasijas griego. Curiosamente, entre las iluminaciones manuscritas del siglo XV de Sobre mujeres famosas , se representa a Thamar pintando un autorretrato o quizás pintando una pequeña imagen de la Virgen y el Niño. Christine de Pizan , una notable escritora, retórica y crítica francesa de finales de la Edad Media, escribió el Libro de la ciudad de las damas en 1405, un texto sobre una ciudad alegórica en la que las mujeres independientes vivían libres de las calumnias de los hombres. En su obra incluyó mujeres artistas reales, como Anastasia , quien fue considerada una de las mejores iluminadoras parisinas, aunque ninguna de sus obras ha sobrevivido. Otros textos humanistas condujeron a una mayor educación de las mujeres italianas.
El más notable de ellos fue Il Cortegiano o El cortesano del humanista italiano del siglo XVI Baldassare Castiglione . Esta obra enormemente popular afirmaba que hombres y mujeres debían ser educados en las artes sociales. Su influencia hizo aceptable que las mujeres se dedicaran a las artes visuales, musicales y literarias. Gracias a Castiglione, este fue el primer período de la historia del Renacimiento en el que las mujeres nobles pudieron estudiar pintura. Sofonisba Anguissola fue la más exitosa de estos aristócratas menores que primero se beneficiaron de una educación humanista y luego obtuvieron reconocimiento como pintores. [27] Anguissola , nacida en Cremona, fue a la vez pionera y modelo a seguir para las futuras generaciones de mujeres artistas. [6] Los artistas que no eran mujeres nobles también se vieron afectados por el auge del humanismo. Además de los temas convencionales, artistas como Lavinia Fontana y Caterina van Hemessen comenzaron a retratarse a sí mismos en autorretratos, no sólo como pintores sino también como músicos y académicos, destacando así su educación integral. Fontana se benefició de las actitudes ilustradas de su ciudad natal, Bolonia, donde la universidad había admitido mujeres académicas desde la Edad Media. [6] Junto con el auge del humanismo, hubo un cambio de artesanos a artistas. Ahora se esperaba que los artistas, a diferencia de los artesanos anteriores, tuvieran conocimientos de perspectiva, matemáticas, arte antiguo y estudio del cuerpo humano. A finales del Renacimiento la formación de los artistas comenzó a trasladarse del taller del maestro a la Academia , y las mujeres iniciaron una larga lucha, no resuelta hasta finales del siglo XIX, para conseguir el pleno acceso a esta formación. [6] El estudio del cuerpo humano requería trabajar a partir de desnudos y cadáveres masculinos. Este se consideró un fondo esencial para crear escenas grupales realistas. En general, a las mujeres se les prohibía entrenar con desnudos masculinos y, por lo tanto, se les impedía crear tales escenas. Este tipo de representaciones de desnudos fueron necesarias para las composiciones religiosas a gran escala, que recibieron los encargos más prestigiosos.
Aunque muchas mujeres aristocráticas tuvieron acceso a cierta formación en arte, aunque sin el beneficio de dibujar figuras de modelos masculinos desnudos, la mayoría de esas mujeres prefirieron el matrimonio a una carrera en el arte. Este fue el caso, por ejemplo, de dos de las hermanas de Sofonisba Anguissola. Las mujeres reconocidas como artistas en este período eran monjas o hijas de pintores. De los pocos que surgieron como artistas italianos en el siglo XV, los que se conocen hoy están asociados con los conventos. Estas artistas que eran monjas incluyen a Caterina dei Virgi , Antonia Uccello y Suor Barbara Ragnoni . Durante los siglos XV y XVI, la gran mayoría de las mujeres que obtuvieron algún mínimo de éxito como artistas eran hijas de pintores. Probablemente esto se deba a que pudieron formarse en los talleres de sus padres. Ejemplos de mujeres artistas que fueron formadas por sus padres incluyen a la pintora Lavinia Fontana , la retratista en miniatura Levina Teerlinc y la retratista Caterina van Hemessen . Las artistas italianas de este período, incluso aquellas formadas por su familia, parecen algo inusuales. Sin embargo, en determinadas partes de Europa, particularmente en el norte de Francia y Flandes, era más común que niños de ambos sexos ejercieran la profesión de su padre. De hecho, en los Países Bajos, donde las mujeres tenían más libertad, hubo varios artistas del Renacimiento que eran mujeres. Por ejemplo, los registros del Gremio de San Lucas en Brujas muestran no sólo que admiten mujeres como miembros practicantes, sino también que en la década de 1480 el veinticinco por ciento de sus miembros eran mujeres (muchas probablemente trabajaban como iluminadoras de manuscritos).
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Un frágil rollo de lona de 22 pies recientemente redescubierto en Florencia ha resultado ser un tesoro excepcional. De no ser por las acciones innovadoras de la filántropa estadounidense Jane Fortune (fallecida en 2018) y la autora radicada en Florencia Linda Falcone y su organización, Advancing Women Artists Foundation , la lista podría haber acumulado más polvo. [6] Cuatro años de minuciosa restauración a cargo de un equipo dirigido por mujeres revelan la brillantez de la señora Plautilla Nelli , autodidacta del siglo XVI, monja y única mujer del Renacimiento que se sabe que pintó la Última Cena . [28] [29] [30] La obra se exhibió en el Museo Santa Maria Novella de Florencia en octubre de 2019. [31] A principios de 2020, AWA ha patrocinado la restauración de 67 obras de artistas femeninas, desenterradas en colecciones florentinas. . [6]
Los artistas de la época barroca incluyen: Mary Beale , Élisabeth Sophie Chéron , Maria Theresa van Thielen , Katharina Pepijn , Catharina Peeters , Johanna Vergouwen , Michaelina Wautier , Isabel de Cisneros , Giovanna Garzoni [25] Artemisia Gentileschi , Judith Leyster , Maria Sibylla Merian , Louise Moillon , Josefa de Ayala más conocida como Josefa de Óbidos, Maria van Oosterwijk , Magdalena de Passe , Clara Peeters , Maria Virginia Borghese (hija de la coleccionista de arte Olimpia Aldobrandini ), [32] Luisa Roldán conocida como La Roldana, Rachel Ruysch , Maria Theresa van Thielen , Anna Maria van Thielen , Françoise-Catherina van Thielen y Elisabetta Sirani . Como en el Renacimiento, muchas mujeres entre los artistas barrocos procedían de familias de artistas. Artemisia Gentileschi es un ejemplo de ello. Fue formada por su padre, Orazio Gentileschi , y trabajó junto a él en muchos de sus encargos. Luisa Roldán se formó en el taller de escultura de su padre ( Pedro Roldán ).
Las mujeres artistas de este período comenzaron a cambiar la forma en que se representaba a las mujeres en el arte. Muchas de las mujeres que trabajaron como artistas en la época barroca no pudieron formarse a partir de modelos desnudos, que siempre eran hombres, pero sí estaban muy familiarizados con el cuerpo femenino. Mujeres como Elisabetta Sirani crearon imágenes de mujeres como seres conscientes en lugar de musas distantes. Uno de los mejores ejemplos de esta expresión novedosa se encuentra en Judith decapitando a Holofernes, de Artemisia Gentileschi , en la que Judith es representada como una mujer fuerte que determina y venga su propio destino. Letizia Treves, curadora de la exposición Gentileschi 2020 de la National Gallery de Londres, comentó: "no puedes verlo sin pensar en Tassi violando a Gentileschi". [33] Los elementos del cuadro están "equilibrados con tal habilidad que hablan de un pintor que priorizó el virtuosismo sobre la pasión". [6] Mientras que otros artistas, incluidos Botticelli y la mujer más tradicional, Fede Galizia , representaron la misma escena con una Judith pasiva, en su tratamiento novedoso, la Judith de Gentileschi parece ser una actriz capaz en la tarea en cuestión. La acción es la esencia del mismo y otro cuadro de ella de Judith abandonando la escena. La naturaleza muerta surgió como un género importante alrededor de 1600, particularmente en los Países Bajos. Las mujeres estuvieron a la vanguardia de esta tendencia pictórica. Este género era especialmente adecuado para las mujeres, ya que podían acceder fácilmente a los materiales para la naturaleza muerta. En el Norte, estos practicantes incluyeron a Clara Peeters , pintora de banketje o piezas de desayuno, y escenas de artículos de lujo arreglados; Maria van Oosterwijk , pintora de flores de renombre internacional; y Rachel Ruysch , pintora de arreglos florales con carga visual. En otras regiones, las naturalezas muertas eran menos comunes, pero hubo importantes artistas femeninas en el género, incluidas Giovanna Garzoni , que creó arreglos vegetales realistas sobre pergamino, y Louise Moillon , cuyas naturalezas muertas de frutas se destacaron por sus colores brillantes.
Judith Leyster era hija de tejedores y la octava de nueve hermanos. [34] No nació en una familia artística tradicional, pero su determinación de convertirse en pintora fue apoyada por su familia, y estudió pintura entre los 11 y los 16 años. [34] Durante su adolescencia se estableció una conexión entre los Leysters y pintor histórico Frans Peters de Grebber , quien entró en contacto con sus padres por el amor a sus telas bordadas. Leyster trabajó como aprendiz durante años antes de abrir su propio estudio. [34] Con el tiempo se convirtió en la primera mujer en unirse al Harleem Guild. [35] Su trabajo mostró técnicas vigorosas y exuberantes que no se veían en muchas artistas femeninas en ese momento, y fue visto como masculino, como el de Artemisia Gentileschi . [36] Después de su muerte, el trabajo de Leyster fue pasado por alto por muchos durante más de dos siglos antes de que fuera introducida en los estudios históricos. [34]
Los artistas de este período incluyen a Rosalba Carriera , Maria Cosway , Marguerite Gérard , Angelica Kauffman , Adélaïde Labille-Guiard , Giulia Lama , Mary Moser , Ulrika Pasch , Adèle Romany , Anna Dorothea Therbusch , Anne Vallayer-Coster , Elisabeth Vigée-Le Brun , Marie -Guillemine Benoist y Anna Rajecka , también conocida como Madame Gault de Saint-Germain.
En muchos países de Europa, las Academias eran los árbitros del estilo. Las Academias también eran responsables de formar artistas, exhibir obras de arte y, sin darse cuenta o no, promover la venta de arte. La mayoría de las academias no estaban abiertas a las mujeres. En Francia, por ejemplo, la poderosa Academia de París tuvo 450 miembros entre el siglo XVII y la Revolución Francesa, y sólo quince eran mujeres. De ellas, la mayoría eran hijas o esposas de miembros. A finales del siglo XVIII, la Academia Francesa decidió no admitir a ninguna mujer. El pináculo de la pintura durante el período fue la pintura histórica , especialmente las composiciones a gran escala con grupos de figuras que representan situaciones históricas o míticas. En preparación para crear tales pinturas, los artistas estudiaron moldes de esculturas antiguas y dibujaron desnudos masculinos. Las mujeres tenían acceso limitado o nulo a este aprendizaje académico y, como tal, no se conservan pinturas históricas a gran escala realizadas por mujeres de este período. Algunas mujeres se hicieron famosas en otros géneros como el retrato. Elisabeth Vigee-Lebrun utilizó su experiencia en el retrato para crear una escena alegórica, Peace Bringing Back Plenty , que clasificó como una pintura histórica y utilizó como motivo para su admisión en la Academia. Luego de la exhibición de su obra, se le exigió que asistiera a clases formales, o perdería su licencia para pintar. Se convirtió en una favorita de la corte y en una celebridad, que pintó más de cuarenta autorretratos que pudo vender. [27]
En Inglaterra, dos mujeres, Angelica Kauffman y Mary Moser , fueron miembros fundadores de la Royal Academy of Arts de Londres en 1768. Kauffmann ayudó a Maria Cosway a ingresar en la Academia. Aunque Cosway obtuvo éxito como pintora de escenas mitológicas, ambas mujeres permanecieron en una posición un tanto ambivalente en la Royal Academy, como lo demuestra el retrato grupal de The Academicians of the Royal Academy realizado por Johan Zoffany ahora en The Royal Collection . En él, sólo los hombres de la Academia están reunidos en un gran estudio de artistas, junto con modelos masculinos desnudos. Por razones de decoro dadas las modelos desnudas, las dos mujeres no se muestran como presentes, sino como retratos en la pared. [37] El énfasis del arte académico en los estudios del desnudo durante la formación siguió siendo una barrera considerable para las mujeres que estudiaban arte hasta el siglo XX, tanto en términos de acceso real a las clases como en términos de actitudes familiares y sociales hacia las mujeres de clase media. convirtiéndose en artistas. Después de estos tres, ninguna mujer se convirtió en miembro de pleno derecho de la Academia hasta Laura Knight en 1936, y las mujeres no fueron admitidas en las escuelas de la Academia hasta 1861. A finales del siglo XVIII, se dieron importantes avances para las artistas que eran mujeres. En París, el Salón, la exposición de obras fundada por la Academia, quedó abierta a pintores no académicos en 1791, lo que permitió a las mujeres mostrar su trabajo en la prestigiosa exposición anual. Además, las mujeres eran aceptadas con mayor frecuencia como estudiantes de artistas famosos como Jacques-Louis David y Jean-Baptiste Greuze .
Entre las artistas de principios del siglo XIX se encuentran Marie-Denise Villers , que se especializó en retratos; Constance Mayer , que pintó retratos y alegorías; Marie Ellenrieder , que se destacó principalmente por sus pinturas religiosas de estilo nazareno ; Louise-Adéone Drölling , que siguió los pasos de su padre y de su hermano mayor como pintora y dibujante.
En la segunda mitad del siglo, Emma Sandys , Marie Spartali Stillman , Eleanor Fortescue-Brickdale y Maria Zambaco [38] fueron mujeres artistas del movimiento prerrafaelita . También estuvieron influenciadas por los prerrafaelitas Evelyn De Morgan y la activista y pintora Barbara Bodichon .
Las pintoras impresionistas Berthe Morisot , Marie Bracquemond y las estadounidenses Mary Cassatt y Lucy Bacon se involucraron en el movimiento impresionista francés de las décadas de 1860 y 1870. La impresionista estadounidense Lilla Cabot Perry fue influenciada por sus estudios con Monet y por el arte japonés de finales del siglo XIX. Cecilia Beaux fue una retratista estadounidense que también estudió en Francia. Además de Anna Bilińska , Olga Boznańska es considerada la más conocida de todas las artistas polacas y se la asoció estilísticamente con el impresionismo.
Rosa Bonheur fue la artista más conocida de su época, reconocida internacionalmente por sus pinturas de animales. [39] Elizabeth Thompson (Lady Butler), tal vez inspirada por sus clases de figuras con armadura en la Escuela de Gobierno , fue una de las primeras mujeres en hacerse famosa por sus grandes pinturas históricas, especializándose en escenas de acción militar, generalmente con muchos caballos. , el más famoso: ¡Escocia para siempre! , que muestra una carga de caballería en Waterloo .
Kitty Lange Kielland fue una pintora paisajista noruega.
Elizabeth Jane Gardner fue una pintora académica estadounidense que fue la primera mujer estadounidense en exponer en el Salón de París . En 1872 se convirtió en la primera mujer en ganar una medalla de oro en el Salón.
En 1894, Suzanne Valadon fue la primera mujer admitida en la Société Nationale des Beaux-Arts de Francia. Anna Boch fue una pintora postimpresionista , al igual que Laura Muntz Lyall , quien expuso en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, Illinois , y luego en 1894 como parte de la Société des Artistes français en París.
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Antes de que comenzara el siglo XIX, surgió en la Inglaterra georgiana una excepcional mujer de negocios independiente que descubrió su propio talento artístico a mediana edad. Ella era Eleanor Coade (1733 – 1821). Se hizo conocida por fabricar estatuas neoclásicas , decoraciones arquitectónicas y adornos de jardín hechos de piedra Lithodipyra o Coade durante más de 50 años, desde 1769 hasta su muerte. [40] Lithodipyra ("piedra cocida dos veces") era un gres cerámico moldeado duradero, resistente a la intemperie, de alta calidad . Las estatuas y elementos decorativos de esta cerámica todavía parecen casi nuevos hoy en día. Coade no inventó la "piedra artificial", pero probablemente perfeccionó tanto la receta de la arcilla como el proceso de cocción. Combinó una fabricación de alta calidad y un gusto artístico, junto con habilidades empresariales, comerciales y de marketing, para crear los productos de piedra de gran éxito de su época. Produjo gres para la Capilla de San Jorge en Windsor , el Royal Pavilion en Brighton , Carlton House en Londres y el Royal Naval College en Greenwich . [40]
Eleanor Coade desarrolló su propio talento como modeladora, exhibiendo alrededor de 30 esculturas de temas clásicos en la Sociedad de Artistas entre 1773 y 1780, tal como figuran en el catálogo de expositores de la época. [41] Después de su muerte, su gres Coade se utilizó para remodelaciones del Palacio de Buckingham y por destacados escultores en sus obras monumentales, como el León de South Bank de William Frederick Woodington (1837) en el Puente de Westminster , Londres . La estatua fue hecha en partes separadas y selladas sobre un marco de hierro.
El siglo produjo escultoras en Oriente: Seiyodo Bunshojo (1764-1838), talladora de netsuke japonesa y escritora de haiku . [42] [43] Ella era la hija de Seiyodo Tomiharu . [43] Su obra se puede ver en el Walters Art Museum . [44] Mientras que en Occidente, estaban: Julie Charpentier , Elisabet Ney , Helene Bertaux , Fenia Chertkoff , Sarah Fisher Ames , Helena Unierzyska (hija de Jan Matejko ), Blanche Moria , Angelina Beloff , Anna Golubkina , Margaret Giles (también Medallista ), Camille Claudel , Enid Yandell y Edmonia Lewis . Lewis, una artista afro - ojibwe - haitiano-estadounidense de Nueva York, comenzó sus estudios de arte en Oberlin College . Su carrera escultora comenzó en 1863. Estableció un estudio en Roma, Italia y expuso sus esculturas de mármol en Europa y Estados Unidos. [45]
Constance Fox Talbot puede ser la primera mujer en tomar una fotografía. [46] Más tarde, Julia Margaret Cameron y Gertrude Kasebier se hicieron muy conocidas en el nuevo medio de la fotografía , donde no había restricciones tradicionales ni formación establecida que las detuviera. Sophia Hoare , otra fotógrafa británica, trabajó en Tahití y otras partes de Oceanía .
En Francia, cuna de la médium, sólo existía Geneviève Élisabeth Disdéri (c.1817-1878). En 1843 se casó con el fotógrafo pionero André-Adolphe-Eugène Disdéri , con quien trabajó en su estudio de daguerrotipos de Brest de finales de la década de 1840. [47] Después de que su marido se fue a París en 1852, Geneviève continuó dirigiendo el taller sola. Se la recuerda por sus 28 vistas de Brest, principalmente arquitectónicas, que se publicaron como Brest et ses Environs en 1856. [48] En 1872, se trasladó a París y abrió un estudio en la Rue du Bac, donde posiblemente fue asistida por su hijo Julio. Los listados comerciales indican que continuó operando su estudio hasta su muerte en un hospital de París en 1878. [49] Fue una de las primeras fotógrafas profesionales del mundo, activa poco después de la alemana Bertha Beckmann y las suecas Brita Sofia Hesselius y María Kinnberg .
Durante el siglo, el acceso a las academias y a la formación artística formal se amplió más para las mujeres en Europa y América del Norte. La Escuela de Diseño del Gobierno Británico, que más tarde se convirtió en el Royal College of Art , admitió mujeres desde su fundación en 1837, pero sólo en una "Escuela Femenina", que fue tratada de manera algo diferente, con clases de "vida" que consistían en varios años de dibujo. un hombre que llevaba una armadura.
Las escuelas de la Royal Academy finalmente admitieron mujeres a partir de 1861, pero los estudiantes inicialmente solo dibujaban modelos drapeados. Sin embargo, otras escuelas de Londres, incluida la Slade School of Art de la década de 1870, eran más liberales. A finales de siglo, las mujeres pudieron estudiar la figura desnuda, o casi desnuda, en muchas ciudades de Europa occidental y América del Norte. La Sociedad de Artistas Femeninas (ahora llamada Sociedad de Mujeres Artistas ) se estableció en 1855 en Londres y ha organizado exposiciones anuales desde 1857, cuando 149 mujeres mostraron 358 obras, algunas de las cuales utilizaron un seudónimo. [50] Sin embargo, una mujer a la que se le negó la educación superior o especializada y que aún así "se abrió paso" fue la científica natural, escritora e ilustradora Beatrix Potter (1866-1943). [51]
Mujeres artistas notables de este período incluyen:
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Elene Akhvlediani , Hannelore Baron , Vanessa Bell , Lee Bontecou , Louise Bourgeois , Romaine Brooks , Emily Carr , Leonora Carrington , Mary Cassatt , Elizabeth Catlett , Camille Claudel , Sonia Delaunay , Marthe Donas , Joan Eardley , Marisol Escobar , Dulah Marie Evans , Audrey Flack , Mary Frank , Helen Frankenthaler , Elisabeth Frink , Wilhelmina Weber Furlong , Françoise Gilot , Natalia Goncharova , Nancy Graves , Grace Hartigan , Barbara Hepworth , Eva Hesse , Sigrid Hjertén , Hannah Höch , Frances Hodgkins , Malvina Hoffman , Irma Hünerfauth , Margaret Ponce Israel , Gwen John , Elaine de Kooning , Käthe Kollwitz , Lee Krasner , Frida Kahlo , Hilma af Klint , Laura Knight , Barbara Kruger , Marie Laurencin , Tamara de Lempicka , Séraphine Louis , Dora Maar , Margaret Macdonald Mackintosh , Maruja Mallo , Agnes Martin , Ana Mendieta , Joan Mitchell , Paula Modersohn-Becker , Gabriele Münter , Alice Neel , Louise Nevelson , Georgia O'Keeffe , Betty Parsons , Aniela Pawlikowska , Orovida Camille Pissarro , Irene Rice Pereira , Paula Rego , Bridget Riley , Verónica Ruiz de Velasco , Anne Ryan , Charlotte Salomon , Augusta Savage , Zofia Stryjeńska , Zinaida Serebriakova , Sarai Sherman , Henrietta Shore , Sor Maria Stanisia, Marjorie Strider , Carrie Sweetser , Annie Louisa Swynnerton , Franciszka Themerson , Suzanne Valadon , Remedios Varo , María Helena Vieira da Silva , Nellie Walker , Marianne von Werefkin y Ogura Yuki . [53]
Hilma af Klint (1862-1944) fue una pintora abstracta pionera que trabajó mucho antes que sus homólogos masculinos expresionistas abstractos. Era sueca y exponía regularmente sus pinturas relacionadas con el realismo, pero las obras abstractas no se mostraron hasta 20 años después de su muerte, a petición suya. Se consideraba una espiritista y mística. [54]
Margaret Macdonald Mackintosh (1865-1933) fue una artista escocesa cuyas obras ayudaron a definir el "estilo Glasgow" de la década de 1890 y principios del siglo XX. Colaboró frecuentemente con su marido, el arquitecto y diseñador Charles Rennie Mackintosh , en obras que tuvieron influencia en Europa. Expuso con Mackintosh en la Secesión de Viena de 1900 , donde se cree que su trabajo tuvo influencia en secesionistas como Gustav Klimt . [55]
Annie Louisa Swynnerton (1844-1933) fue una retratista, paisajista y artista "simbolista" , considerada por sus pares, como John Singer Sargent y Edward Burne-Jones, como uno de los mejores y más creativos artistas de su época, pero todavía era no se les permite el acceso a la formación de las escuelas de arte convencionales. Se mudó al extranjero para estudiar en la Académie Julian y pasó gran parte de su vida en Francia y Roma, donde las actitudes más liberales le permitieron expresar una amplia gama de temas compositivos. Todavía no fue reconocida formalmente en Gran Bretaña hasta 1923, a la edad de 76 años, cuando se convirtió en la primera mujer admitida en la Real Academia de las Artes . [56] [57]
Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) fue una de las primeras modernistas estadounidenses en la ciudad de Nueva York. Hizo importantes contribuciones al arte moderno estadounidense a través de su trabajo en la Art Students League y el Whitney Studio Club . [58] [59] Aleksandra Ekster y Lyubov Popova fueron artistas constructivistas , cubofuturistas y suprematistas muy conocidos y respetados en Kiev , Moscú y París a principios del siglo XX. Entre las otras mujeres artistas destacadas de la vanguardia rusa se encontraban Natalia Goncharova , Varvara Stepanova y Nadezhda Udaltsova . Sonia Delaunay y su marido fueron los fundadores del orfismo .
En la era Art Déco , Hildreth Meière realizó mosaicos a gran escala y fue la primera mujer honrada con la Medalla de Bellas Artes del Instituto Americano de Arquitectos. [60] Tamara de Lempicka , también de esta época, fue una pintora art déco de Polonia . Sor María Stanisia se convirtió en una notable retratista, principalmente del clero. [61] Georgia O'Keeffe nació a finales del siglo XIX. Se hizo conocida por sus pinturas, que presentaban flores, huesos y paisajes de Nuevo México . En 1927, el cuadro Morning de Dod Procter fue elegido Cuadro del Año en la Exposición de Verano de la Royal Academy y comprado por el Daily Mail para la galería Tate . [62] Su popularidad resultó en su presentación en Nueva York y una gira de dos años por Gran Bretaña. [63] El surrealismo , un estilo artístico importante en las décadas de 1920 y 1930, tuvo varias artistas mujeres prominentes, entre ellas Leonora Carrington , Kay Sage , Dorothea Tanning y Remedios Varo . [27] También hubo casos atípicos, como el observador británico autodidacta y a menudo cómico Beryl Cook (1926-2008). [64]
Entre las artistas femeninas de Europa del Este y Central, destacan las siguientes: Milein Cosman (1921-2017), Marie-Louise von Motesiczky (1906-1996), Else Meidner (1901-1987), Sanja Iveković (nacida en 1949), Orshi Drozdik ( nacido en 1946)
Lee Miller redescubrió la solarización [65] y se convirtió en fotógrafo de alta costura. Dorothea Lange documentó la Depresión. Berenice Abbott creó imágenes de arquitectura y celebridades conocidas, Margaret Bourke-White creó las fotografías industriales que aparecieron en la portada y en el artículo principal de la primera revista Life . Diane Arbus basó su fotografía en personas ajenas a la sociedad en general. Las obras de Graciela Iturbide trataban de la vida y el feminismo mexicanos, mientras que Tina Modotti produjo "íconos revolucionarios" del México de la década de 1920. [66] El trabajo fotográfico de Annie Leibovitz trataba sobre el rock and roll y otras figuras famosas. Otras mujeres que rompieron el techo de cristal fueron: Eve Arnold , Marilyn Silverstone e Inge Morath de Magnum , Daphne Zileri , Anya Teixeira , Elsa Thiemann , Sabine Weiss y Xyza Cruz Bacani .
Las artistas gráficas e ilustradoras, como la rara caricaturista Claire Bretécher , han hecho una generosa contribución a su campo. [67] A mayor escala, entre los diseñadores teatrales se han destacado los siguientes: Elizabeth Polunin , Doris Zinkeisen , Adele Änggård , Kathleen Ankers , Madeleine Arbor , Marta Becket , Maria Björnson , Madeleine Boyd , Gladys Calthrop , Marie Anne Chiment , Millia Davenport , Kirsten Dehlholm , Victorina Durán , Lauren Elder , Heidi Ettinger , Soutra Gilmour , Rachel Hauck , Marjorie B. Kellogg , Adrianne Lobel , Anna Louizos , Elaine J. McCarthy , Elizabeth Montgomery , Armande Oswald , Natacha Rambova , Kia Steave-Dickerson , Karen TenEyck , Donyale Werle
Mary Carroll Nelson fundó la Society of Layerists in Multi-Media (SLMM), cuyos miembros artistas siguen la tradición de Emil Bisttram y el Transcendental Painting Group, así como Morris Graves de la Pacific Northwest Visionary Art School. En la década de 1970, Judy Chicago creó The Dinner Party , una obra de arte feminista muy importante . Helen Frankenthaler fue una pintora expresionista abstracta influenciada por Jackson Pollock . Lee Krasner también fue un artista expresionista abstracto y estaba casado con Pollock y alumno de Hans Hofmann . Elaine de Kooning fue estudiante y más tarde esposa de Willem de Kooning , fue una pintora figurativa abstracta . Anne Ryan era una collagista. Jane Frank , también alumna de Hans Hofmann , trabajó con técnica mixta sobre lienzo. En Canadá, Marcelle Ferron fue una exponente del automatismo .
A partir de la década de 1960, el feminismo provocó un gran aumento del interés por las mujeres artistas y su estudio académico. Las historiadoras del arte Germaine Greer , Linda Nochlin , Griselda Pollock , la curadora Jasia Reichardt y otros han realizado contribuciones notables . Algunos historiadores del arte , como Daphne Haldin, han intentado restablecer el equilibrio de las historias centradas en los hombres compilando listas de mujeres artistas, aunque muchos de estos esfuerzos permanecen inéditos. [68] Figuras como Artemisia Gentileschi y Frida Kahlo surgieron de una relativa oscuridad para convertirse en íconos feministas . Las Guerilla Girls , un grupo anónimo de mujeres formado en 1985, eran "la conciencia del mundo del arte". Hablaron de la indiferencia y las desigualdades de género y raza, particularmente en el mundo del arte. Las Guerilla Girls han hecho muchos carteles como una forma de llamar la atención, generalmente de manera humorística, hacia la comunidad para crear conciencia y generar cambios. En 1996, Catherine de Zegher comisarió una exposición de 37 grandes mujeres artistas del siglo XX. La exposición Inside the Visible , que viajó desde el ICA en Boston hasta el Museo Nacional para la Mujer en las Artes en Washington, Whitechapel en Londres y la Galería de Arte de Australia Occidental en Perth, incluyó obras de artistas desde los años 1930 hasta los años 1990. con Claude Cahun , Louise Bourgeois , Bracha Ettinger , Agnes Martin , Carrie Mae Weems , Charlotte Salomon , Eva Hesse , Nancy Spero , Francesca Woodman , Lygia Clark , Mona Hatoum y la aclamada Magdalena Abakanowicz que utilizó textiles en sus instalaciones, [69] entre otros.
Los textiles femeninos anteriormente estaban relegados a la esfera privada y asociados con la domesticidad en lugar de ser reconocidos como arte. Anteriormente existía el requisito del arte de demostrar un "artista-genio" que estaba asociado con la masculinidad; donde los textiles se consideraban funcionales, no se consideraban arte. [70] Esto llevó a las mujeres a evitar técnicas asociadas con la feminidad, desde textiles hasta el uso de líneas delicadas o ciertos colores "femeninos" porque no querían ser llamadas artistas femeninas. [71] Sin embargo, en años más recientes esto ha sido cuestionado y los textiles se han utilizado para crear arte que es representativo de las experiencias y luchas femeninas. 'The Subversive Stitch' de Parker muestra a las feministas subvirtiendo el bordado para hacer declaraciones feministas y desafiar la idea de que los textiles solo deberían asociarse con la domesticidad y la feminidad. [72] Michna considera que desafiar las prácticas artísticas que excluyen a las mujeres expone la política y los prejuicios de género del arte tradicional y ayuda a romper las divisiones patriarcales y de clase. [73] Estas formas de expresión tradicionalmente femeninas se utilizan ahora para empoderar a las mujeres; desarrollar conocimientos y recuperar las habilidades tradicionales de las mujeres que la sociedad había devaluado anteriormente. [74]
Véase también Craftivismo .
El resurgimiento a finales del siglo XIX de la creación de objetos de arte cerámico en Japón y Europa se conoce como cerámica de estudio , aunque abarca esculturas y también teselas , los cubos de mosaico que se remontan a Persia en el tercer milenio a.C. Varias influencias contribuyeron al surgimiento de la cerámica de estudio: la cerámica artística en el trabajo de los hermanos Martin y William Moorcroft , el movimiento Arts and Crafts , la Bauhaus y el redescubrimiento de la cerámica artesanal tradicional y la excavación de grandes cantidades de cerámica Song en China. [10]
Las principales tendencias de la cerámica de estudio británica del siglo XX están representadas tanto por hombres como por mujeres: Bernard Leach , William Staite Murray , Dora Billington , Lucie Rie y Hans Coper . Leach (1887-1979) estableció un estilo de cerámica, la vasija ética , fuertemente influenciada por formas chinas, coreanas, japonesas e inglesas medievales. Su estilo dominó la cerámica de estudio británica a mediados del siglo XX. La influencia de Leach se difundió en particular por su A Potter's Book [75] y el sistema de aprendices que dirigió en su alfarería en St Ives, Cornwall .
Otros ceramistas ejercieron influencia a través de sus puestos en escuelas de arte. Dora Billington (1890–1968) estudió en la Escuela de Arte Hanley, trabajó en la industria de la alfarería y se convirtió en directora de alfarería en la Escuela Central de Artes y Oficios . Trabajó en medios que Leach no conocía, por ejemplo, loza vidriada con estaño , e influyó en alfareros como William Newland , Katherine Pleydell-Bouverie y Margaret Hine . [76] [77]
Desde la década de 1960, una nueva generación de alfareros, influenciada por la Escuela de Arte Camberwell y la Escuela Central de Arte y Diseño , incluidas Alison Britton , Ruth Duckworth y Elizabeth Fritsch, quienes comenzaron a experimentar objetos cerámicos abstractos, superficies variadas y efectos de esmalte para reconocimiento de la crítica. Elizabeth Fritsch tiene obras representadas en las principales colecciones y museos de todo el mundo. Además, la reputación de los ceramistas británicos ha atraído talentos de todo el mundo y ha liberado a artistas notables en este campo. Entre ellos se encuentran: la india Nirmala Patwardhan , la keniana Magdalene Odundo y la iraní Homa Vafaie Farley .
Al igual que en Gran Bretaña, la cerámica fue parte integral del movimiento Arts and Crafts de los Estados Unidos a finales del siglo XIX y principios del XX. Charles Fergus Binns , quien fue el primer director de la Escuela de Cerámica y Trabajo de Arcilla del Estado de Nueva York en la Universidad Alfred , fue una influencia importante. Algunos alfareros en los Estados Unidos adoptaron el enfoque de los movimientos de alfarería de estudio emergentes en Gran Bretaña y Japón. Artistas europeos y de todo el mundo que llegaron a los Estados Unidos han contribuido a la apreciación pública de la cerámica como arte, entre ellos Marguerite Wildenhain , Maija Grotell , Susi Singer y Gertrude y Otto Natzler . Entre los alfareros de estudio importantes en los Estados Unidos se incluyen Otto y Vivika Heino , Beatrice Wood y Amber Aguirre .
Mientras tanto, en los reducidos bosques primigenios de la región africana de los Grandes Lagos en el Valle del Rift , hay un pueblo que se aferra a su forma de vida ancestral de búsqueda de alimento. Son los batwa , uno de los pueblos más marginados del mundo, cuyas mujeres (y ocasionalmente hombres) continúan la costumbre centenaria de fabricar cerámica que se ha utilizado como trueque con los campesinos y pastores de la región. Sus vasijas varían desde sencillas hasta muy decoradas. [78] [79] [80]
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En 1993, Rachel Whiteread fue la primera mujer en ganar el Premio Turner de la Tate Gallery . Gillian Wearing ganó el premio en 1997, cuando había una lista de finalistas exclusivamente femenina, siendo las otras nominadas Christine Borland , Angela Bulloch y Cornelia Parker . En 1999, Tracey Emin obtuvo una considerable cobertura mediática por su entrada My Bed , pero no ganó. En 2006, el premio fue otorgado al pintor abstracto Tomma Abts . En 2001, se organizó en la Universidad de Princeton una conferencia denominada "Mujeres artistas en el milenio" . En 2006 se publicó un libro con ese nombre, en el que importantes historiadores del arte, como Linda Nochlin , analizan a artistas destacadas como Louise Bourgeois , Yvonne Rainer , Bracha Ettinger , Sally Mann , Eva Hesse , Rachel Whiteread y Rosemarie Trockel . Entre las artistas contemporáneas femeninas destacadas a nivel internacional también se encuentran Magdalena Abakanowicz , Marina Abramović , Jaroslava Brychtova , Lynda Benglis , Lee Bul , Sophie Calle , Janet Cardiff , Li Chevalier , Marlene Dumas , Orshi Drozdik , Marisol Escobar , Bettina Heinen-Ayech , Jenny Holzer , Runa Islam , Chantal Joffe , Yayoi Kusama , Karen Kilimnik , Sarah Lucas , Neith Nevelson , Yoko Ono , Tanja Ostojić , Jenny Saville , Carolee Schneeman , Cindy Sherman , Shazia Sikander , Lorna Simpson , Lisa Steele , Stella Vine , Kara Walker , Rebecca Warren , Bettina Werner y Susan Dorothea White .
Las pinturas, collages, esculturas suaves, artes escénicas e instalaciones ambientales del artista japonés Yayoi Kusama comparten una obsesión por la repetición, los patrones y la acumulación. Su trabajo muestra algunos atributos del feminismo , el minimalismo , el surrealismo , el Art Brut , el arte pop y el expresionismo abstracto , y está impregnado de contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Se describe a sí misma como una "artista obsesiva". En noviembre de 2008, la casa de subastas Christie's de Nueva York vendió su pintura número 2 de 1959 por 5.100.000 dólares, el precio récord en 2008 para una obra de una artista viva. [81]
Durante 2010-2011, el Centro Pompidou de París presentó las artistas contemporáneas elegidas por sus curadores en una exposición de tres volúmenes llamada elles@Centrepompidou . [82] El museo mostró obras de importantes mujeres artistas de su propia colección. En 2010, Eileen Cooper fue elegida la primera mujer 'Guardiana de la Real Academia'. En 1995, Dame Elizabeth Blackadder, en los 300 años de historia, fue nombrada pintora y ágil de Su Majestad en Escocia y recibió el OBE en 1982.
Otro género de arte femenino es el arte ambiental de mujeres. En diciembre de 2013, el Directorio de Mujeres Artistas Ambientales incluía a 307 mujeres artistas ambientales, como Marina DeBris , Vernita Nemec y Betty Beaumont . DeBris utiliza basura de las playas para crear conciencia sobre la contaminación de las playas y los océanos. [83] y educar a los niños sobre la basura de las playas. [84] Nemec utilizó recientemente el correo basura para demostrar la complejidad de la vida moderna. [85] Beaumont ha sido descrito como un pionero del arte ambiental [86] y utiliza el arte para desafiar nuestras creencias y acciones. [87]
Las mujeres artistas a menudo han sido caracterizadas erróneamente en los relatos históricos, tanto de forma intencionada como no; Estas tergiversaciones a menudo han sido dictadas por las costumbres sociopolíticas de la época determinada y la dominación masculina del mundo del arte. [88] Hay una serie de cuestiones que subyacen a esto, entre ellas:
Una razón adicional detrás de la renuencia a aceptar artistas femeninas es que es probable que sus habilidades difieran de las de los hombres, como resultado de su experiencia y situación y, como tal, esto crea una sensación de grandeza para el arte femenino que era temida. [97]
Sin embargo, si bien ha habido una tergiversación de las artistas femeninas, existe un problema mucho más profundo que ha limitado el número de artistas femeninas. No hay comparaciones femeninas con las obras de Leonardo y Miguel Ángel. Esto no se debe a la falta de habilidades sino a la opresión y el desánimo de las mujeres. La culpa es de la educación y de la falta de oportunidades que se dieron. Contra todo pronóstico, las mujeres han logrado adquirir habilidades artísticas frente a un mundo del arte patriarcal y dominado por los hombres. [98]
El concepto de arte outsider surgió en el siglo XX cuando los principales profesionales, coleccionistas y críticos comenzaron a considerar la expresión artística de personas sin una formación convencional. Entre ellos estarían autodidactas, niños, artistas populares de todo el mundo y reclusos de instituciones mentales. Entre los primeros en estudiar este enorme espacio artístico, en su mayoría inexplorado, se encontraban miembros del grupo Blaue Reiter en Alemania, seguidos más tarde por el artista francés Jean Dubuffet . Algunas de las mujeres destacadas consideradas exponentes del "art brut", la expresión francesa para arte marginal, son:
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