Diane Arbus ( / d iː ˈ æ n ˈ ɑːr b ə s / ; de soltera Nemerov ; 14 de marzo de 1923 - 26 de julio de 1971 [2] ) fue una fotógrafa estadounidense. [3] [4] Fotografió una amplia gama de temas, incluidos strippers , artistas de carnaval , nudistas , personas con enanismo , niños, madres, parejas, personas mayores y familias de clase media. [5] Fotografió a sus sujetos en entornos familiares: sus hogares, en la calle, en el lugar de trabajo, en el parque. "Se destaca por ampliar las nociones de temas aceptables y viola los cánones de la distancia apropiada entre el fotógrafo y el sujeto. Al hacerse amiga, no cosificar a sus sujetos, fue capaz de capturar en su trabajo una rara intensidad psicológica". [6] [7] En su artículo del New York Times Magazine de 2003 , "Arbus Reconsidered", Arthur Lubow afirma: "Estaba fascinada por las personas que estaban creando visiblemente sus propias identidades: travestis, nudistas, artistas de feria, hombres tatuados, los nuevos ricos, los fanáticos de las estrellas de cine y aquellos que quedaron atrapados en un uniforme que ya no les brindaba seguridad ni comodidad". [4] [8] [9] [6] [10] Michael Kimmelman escribe en su reseña de la exposición Diane Arbus Revelations , que su trabajo "transformó el arte de la fotografía (Arbus está en todas partes, para bien o para mal, en la obra de artistas que hoy hacen fotografías)". [11] Las imágenes de Arbus ayudaron a normalizar los grupos marginados y resaltar la importancia de una representación adecuada de todas las personas. [ cita necesaria ]
Durante su vida alcanzó cierto reconocimiento y renombre [12] con la publicación, a partir de 1960, de fotografías en revistas como Esquire , Harper's Bazaar , Sunday Times Magazine de Londres y Artforum . [13] En 1963, la Fundación Guggenheim otorgó a Arbus una beca por su propuesta titulada "Ritos, modales y costumbres estadounidenses". Se le concedió una renovación de su beca en 1966. [14] John Szarkowski , director de fotografía del Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York de 1962 a 1991, defendió su trabajo y lo incluyó en su exposición de 1967 Nueva Documentos junto con el trabajo de Lee Friedlander y Garry Winogrand . [3] Sus fotografías también se incluyeron en otras exposiciones colectivas importantes. [14] : 86
En 1972, un año después de su suicidio, Arbus se convirtió en la primera fotógrafa incluida en la Bienal de Venecia [15] [14] : 51–52, donde sus fotografías fueron "la sensación abrumadora del Pabellón Americano" y "extremadamente poderosas y muy extraño". [dieciséis]
La primera gran retrospectiva de la obra de Arbus se celebró en 1972 en el MoMA, organizada por Szarkowski. La retrospectiva obtuvo la mayor asistencia de cualquier exposición en la historia del MoMA hasta la fecha. [17] Millones de personas vieron exposiciones itinerantes de su obra entre 1972 y 1979. [18] El libro que acompaña a la exposición, Diane Arbus: An Aperture Monograph , editado por Doon Arbus y Marvin Israel y publicado por primera vez en 1972, nunca ha estado agotado. . [6]
Los padres de Arbus no estaban muy involucrados en la crianza de sus hijos, quienes eran supervisados por sirvientas e institutrices. Su madre tenía una vida social ocupada y pasó por un período de depresión clínica durante aproximadamente un año, luego se recuperó [20] y su padre estaba ocupado con el trabajo. Diane se separó de su familia y de su lujosa infancia. [21]
Arbus asistió a la Escuela Fieldston de Cultura Ética , una escuela de preparación universitaria . [22] En 1941, a la edad de 18 años, se casó con su amor de la infancia, Allan Arbus , [6] con quien había salido desde los 14 años . [23] Su hija Doon , que se convertiría en escritora, nació en 1945; su hija Amy , que se convertiría en fotógrafa, nació en 1954. [6] Arbus y su marido trabajaron juntos en fotografía comercial de 1946 a 1956, pero Allan siguió apoyando mucho su trabajo incluso después de que ella dejó el negocio y comenzó una carrera independiente. relación con la fotografía. [24]
Arbus y su marido se separaron en 1959, aunque mantuvieron una estrecha amistad. La pareja también continuó compartiendo un cuarto oscuro, [1] : 144 donde los asistentes del estudio de Allan procesaron sus negativos y ella imprimió su trabajo. [1] : 139 [4] La pareja se divorció en 1969 cuando él se mudó a California para dedicarse a la actuación. [25] Era conocido popularmente por su papel del Dr. Sidney Freedman en el programa de televisión M*A*S*H . [20] Antes de mudarse a California, Allan instaló su cuarto oscuro, [1] : 198 y posteriormente mantuvieron una larga correspondencia. [1] : 224
A finales de 1959, Arbus inició una relación con el director de arte y pintor Marvin Israel [1] : 144 [26] que duraría hasta su muerte. Mientras tanto, permaneció casado con Margaret Ponce Israel, una consumada artista de técnicas mixtas. [27] Marvin Israel estimuló a Arbus creativamente y defendió su trabajo, animándola a crear su primer portafolio. [28] Entre otros fotógrafos y artistas con los que se hizo amiga, Arbus era cercano al fotógrafo Richard Avedon ; tenía aproximadamente la misma edad, su familia también tenía unos grandes almacenes en la Quinta Avenida y muchas de sus fotografías también se caracterizaban por poses frontales detalladas. [29] [30] [26]
En 1946, después de la guerra, los Arbus iniciaron un negocio de fotografía comercial llamado "Diane & Allan Arbus", con Diane como directora de arte y Allan como fotógrafo. [4] A ella se le ocurrían los conceptos para sus sesiones fotográficas y luego se ocupaba de los modelos. Ella se sintió insatisfecha con este papel, un papel que incluso su marido consideraba "degradante". [24] Contribuyeron a Glamour , Seventeen , Vogue y otras revistas a pesar de que "ambos odiaban el mundo de la moda". [29] [32] A pesar de más de 200 páginas de su editorial de moda en Glamour y más de 80 páginas en Vogue , la fotografía de moda de los Arbus ha sido descrita como de "calidad media". [33] La destacada exposición fotográfica de Edward Steichen de 1955, La familia del hombre , incluía una fotografía de los Arbus de un padre y un hijo leyendo un periódico. [6]
Estudió brevemente con Alexey Brodovich en 1954. [34] Sin embargo, fueron sus estudios con Lisette Model , que comenzaron en 1956, los que animaron a Arbus a centrarse exclusivamente en su propio trabajo. [4] Ese año, Arbus abandonó el negocio de la fotografía comercial y comenzó a numerar sus negativos. [35] (Su último negativo conocido fue etiquetado como #7459.) [24] [4] Siguiendo el consejo de Model, Arbus evitó cargar película en la cámara como un ejercicio para ver realmente. [36] Arbus también le da crédito a Model por dejarle claro que "cuanto más específico seas, más general será". [4]
En 1956 trabajó con una Nikon de 35 mm, deambulando por las calles de la ciudad de Nueva York y encontrándose con sus sujetos en gran medida, aunque no siempre, por casualidad. Arbus volvió a la idea de la identidad personal construida socialmente, ya sean artistas, mujeres y hombres maquillados o una máscara literal que obstruye el rostro. Los críticos han especulado que las elecciones de sus sujetos reflejaban sus propios problemas de identidad, ya que dijo que lo único que sufrió cuando era niña fue no haber sentido nunca la adversidad. Esto evolucionó hacia un anhelo por cosas que el dinero no podía comprar, como experiencias en el mundo social clandestino. A menudo se la elogia por su simpatía por estos temas, una cualidad que no se comprende inmediatamente a través de las imágenes en sí, sino a través de sus escritos y los testimonios de los hombres y mujeres que retrató. [37] Unos años más tarde, en 1958, comenzó a hacer listas de quién y qué le interesaba fotografiar. [38] Comenzó a fotografiar por encargo para revistas como Esquire , Harper's Bazaar y The Sunday Times Magazine en 1959. [6]
Alrededor de 1962, Arbus cambió de una cámara Nikon de 35 mm que producía las imágenes rectangulares granuladas características de su trabajo post-estudio [14] : 55 a una cámara réflex Rolleiflex de doble lente que producía imágenes cuadradas más detalladas. Ella explicó esta transición diciendo: "Al principio de la fotografía solía hacer cosas muy granuladas. Me fascinaba lo que hacía el grano porque formaba una especie de tapiz de todos estos pequeños puntos... Pero cuando "He estado trabajando durante un tiempo con todos estos puntos, de repente tenía muchas ganas de llegar hasta allí. Quería ver las diferencias reales entre las cosas... Comencé a entusiasmarme terriblemente con la claridad". [8] : 8–9 En 1964, Arbus comenzó a utilizar una cámara Mamiyaflex de 2-1/4 con flash además de la Rolleiflex. [30] [1] : 59
El estilo de Arbus se describe como "directo y sin adornos, un retrato frontal centrado en un formato cuadrado. Su uso pionero del flash a la luz del día aisló a los sujetos del fondo, lo que contribuyó a la calidad surrealista de las fotografías". [39] [6] [30] [40] Sus métodos incluían establecer una fuerte relación personal con sus sujetos y volver a fotografiar algunos de ellos durante muchos años. [6] [29]
A pesar de tener numerosas publicaciones y lograr cierto reconocimiento artístico, Arbus luchó por mantenerse a sí misma a través de su trabajo. [22] [41] "Durante su vida, no había mercado para coleccionar fotografías como obras de arte, y sus impresiones generalmente se vendían por 100 dólares o menos". [3] De su correspondencia se desprende claramente que la falta de dinero era una preocupación persistente. [1]
En 1963, Arbus recibió una beca Guggenheim para un proyecto sobre "ritos, modales y costumbres estadounidenses"; la beca fue renovada en 1966. [15] [42]
Al final de su carrera, el Museo Metropolitano de Arte le indicó que compraría tres de sus fotografías por 75 dólares cada una, pero, alegando falta de fondos, compró sólo dos. Como le escribió a Allan Arbus: "Así que supongo que ser pobre no es una vergüenza". [1] : 200 [14] : 63
A partir de 1969, Arbus emprendió una serie de fotografías de personas en residencias de Nueva Jersey para personas con discapacidad intelectual y del desarrollo , denominada póstumamente Sin título . [48] [22] [49] Arbus regresó a varias instalaciones repetidamente para fiestas de Halloween, picnics y bailes. [50] En una carta a Allan Arbus fechada el 28 de noviembre de 1969, describió estas fotografías como "líricas, tiernas y bonitas". [1] : 203
Artforum publicó seis fotografías, incluida una imagen de portada, del portafolio de Arbus, Una caja de diez fotografías , en mayo de 1971. [1] : 219 [51] Después de su encuentro con Arbus y el portafolio, Philip Leider, entonces editor en jefe de Artforum y un escéptico de la fotografía, admitió: "Con Diane Arbus, uno podía interesarse o no por la fotografía, pero ya no podía... negar su condición de arte". [52] Fue la primera fotógrafa que apareció en Artforum y "la admisión de Arbus por parte de Leider en este bastión crítico del modernismo tardío fue fundamental para cambiar la percepción de la fotografía y marcar el comienzo de su aceptación en el ámbito del arte 'serio'". [14] : 51
La primera gran exposición de sus fotografías tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno en la influyente [53] New Documents (1967) junto con el trabajo de Garry Winogrand y Lee Friedlander , comisariada por John Szarkowski . [54] [55] New Documents, que atrajo a casi 250.000 visitantes [56] demostró el interés de Arbus en lo que Szarkowski llamó las "debilidades" de la sociedad [34] y presentó lo que describió como "una nueva generación de fotógrafos documentales... cuya "El objetivo no ha sido reformar la vida sino conocerla", [54] descrita en otra parte como "una fotografía que enfatizaba el patetismo y los conflictos de la vida moderna presentada sin editorializaciones ni sentimentalismos, sino con un ojo crítico y observador". [57] El programa fue polarizante y recibió elogios y críticas, algunos identificaron a Arbus como una voyeur desinteresada y otros la elogiaron por su evidente empatía con sus sujetos. [34]
En 2018, The New York Times publicó un obituario tardío de Arbus [58] como parte del proyecto de historia Overlooked. [59] El Museo Smithsonian de Arte Americano albergó una exhibición exclusiva del 6 de abril de 2018 al 27 de enero de 2019, que presentaba uno de los portafolios de Arbus, Una caja de diez fotografías . El SAAM es el único museo que actualmente exhibe la obra. La colección es "una de las cuatro ediciones completas que Arbus imprimió y anotó. Las otras tres ediciones (la artista nunca ejecutó su plan de hacer 50) se mantienen de forma privada". La edición del Smithsonian fue realizada para Bea Feitler , una directora de arte que empleó a Arbus y se hizo amiga de ella. Después de la muerte de Feitler, el coleccionista de Baltimore GH Dalsheimer compró su cartera en Sotheby's en 1982 por 42.900 dólares. Posteriormente, la SAAM se lo compró a Dalsheimer en 1986. La cartera permaneció en la colección del museo hasta 2018. [6]
Muerte
Arbus experimentó " episodios depresivos " durante su vida, similares a los vividos por su madre; los episodios pueden haber empeorado por los síntomas de la hepatitis . [6] En 1968, Arbus escribió una carta a una amiga, Carlotta Marshall, que decía: "Subo y bajo mucho. Quizás siempre he sido así. Sin embargo, en parte lo que sucede es que me lleno de energía y alegría. y empiezo muchas cosas o pienso en lo que quiero hacer y me quedo sin aliento por la emoción y luego, de repente, ya sea por cansancio o por una decepción o algo más misterioso, la energía se desvanece, dejándome acosado, abrumado, angustiado, asustado por lo mismo. ¡Cosas que pensé que tenía tantas ganas! Estoy seguro de que esto es bastante clásico". [4] Su exmarido notó una vez que ella tenía "violentos cambios de humor".
El 26 de julio de 1971, mientras vivía en Westbeth Artists Community en la ciudad de Nueva York, Arbus se suicidó ingiriendo barbitúricos y cortándose las muñecas con una navaja. [4] Escribió las palabras "Última Cena" en su diario y colocó su agenda en las escaleras que conducían al baño. Marvin Israel encontró su cuerpo en la bañera dos días después; ella tenía 48 años. [4] [6] El fotógrafo Joel Meyerowitz le dijo al periodista Arthur Lubow : "Si ella estaba haciendo el tipo de trabajo que estaba haciendo y la fotografía no era suficiente para mantenerla con vida, ¿qué esperanza teníamos?" [24]
Legado
"El trabajo [de Arbus] ha tenido tal influencia en otros fotógrafos que ya es difícil recordar cuán original fue", escribió el crítico de arte Robert Hughes en una edición de noviembre de 1972 de la revista Time . [60] Ha sido llamada "una figura fundamental en la fotografía moderna y una influencia en tres generaciones de fotógrafos" [3] y es ampliamente considerada entre los artistas más influyentes del siglo pasado. [61] [12] [62]
Cuando la película El resplandor , dirigida por Stanley Kubrick , se estrenó en los cines de todo el mundo en 1980 y obtuvo un gran éxito, millones de espectadores experimentaron el legado de Diane Arbus sin darse cuenta. Los personajes recurrentes de la película, gemelas idénticas que usan vestidos idénticos, aparecen en la pantalla como resultado de una sugerencia que Kubrick recibió del miembro del equipo Leon Vitali . El historiador de cine Nick Chen lo describe como "la mano derecha de Kubrick desde mediados de los 70 en adelante". [63] Chen continúa revelando: "Vitali no sólo grabó en video y entrevistó a 5.000 niños para encontrar [al actor infantil adecuado para interpretar] al hijo [del personaje] de Jack Nicholson, Danny, sino que también fue responsable de descubrir a las espeluznantes hermanas gemelas en la película. "El último día de audiciones. La pareja, de hecho, no eran gemelas en el guión de Kubrick, y fue Vitali quien inmediatamente sugirió la infame foto de Diane Arbus de dos hermanas gemelas idénticas como punto de referencia". [63]
Dado que Arbus murió sin testamento, la responsabilidad de supervisar su trabajo recayó en su hija, Doon. [4] Prohibió el examen de la correspondencia de Arbus y a menudo negó el permiso para la exhibición o reproducción de fotografías de Arbus sin una investigación previa, ante la ira de muchos críticos y académicos. [4] Los editores de una revista académica publicaron una queja de dos páginas en 1993 sobre el control del patrimonio sobre las imágenes de Arbus y su intento de censurar las caracterizaciones de los sujetos y los motivos del fotógrafo en un artículo sobre Arbus. Un artículo de 2005 calificó el hecho de que el patrimonio permitiera a la prensa británica reproducir sólo quince fotografías como un intento de "controlar las críticas y el debate". [64] Por otro lado, es una práctica institucional común en los EE. UU. incluir sólo un puñado de imágenes para uso de los medios en un kit de prensa de una exposición. [65] [66] [67] [68] La finca también fue criticada en 2008 por minimizar el trabajo comercial inicial de Arbus, aunque esas fotografías fueron tomadas por Allan Arbus y acreditadas al Estudio Diane y Allan Arbus. [4] [33]
En 2011, una reseña en The Guardian de An Emergency in Slow Motion: The Inner Life of Diane Arbus de William Todd Schultz hace referencia a "... el famoso controlador de la propiedad de Arbus que, como Schultz dijo recientemente, 'parece tener esta idea, con lo cual no estoy de acuerdo, que cualquier intento de interpretar el arte lo disminuye. " [69]
En 1972, Arbus fue el primer fotógrafo incluido en la Bienal de Venecia ; sus fotografías fueron descritas como "la sensación abrumadora del Pabellón Americano" y "un logro extraordinario". [14] : 51–52 [15] [70]
El Museo de Arte Moderno celebró una retrospectiva comisariada por John Szarkowski de la obra de Arbus a finales de 1972 que posteriormente viajó por los Estados Unidos y Canadá hasta 1975; [71] se estimó que más de siete millones de personas vieron la exposición. [29] Una retrospectiva diferente comisariada por Marvin Israel y Doon Arbus viajó por todo el mundo entre 1973 y 1979. [71]
Doon Arbus y Marvin Israel editaron y diseñaron un libro de 1972, Diane Arbus: An Aperture Monograph , publicado por Aperture y que acompaña a la exposición del Museo de Arte Moderno. [8] Contenía ochenta fotografías de Arbus, así como textos de las clases que dio en 1971, algunos de sus escritos y entrevistas, [8] [72]
En 2001-2004, Diane Arbus: An Aperture Monograph fue seleccionada como uno de los fotolibros más importantes de la historia. [72] [73] [74] [75]
Neil Selkirk , un antiguo alumno, comenzó a imprimir para la retrospectiva del MOMA de 1972 y la monografía Aperture. [1] : 214, 269 Sigue siendo la única persona autorizada a realizar impresiones póstumas de la obra de Arbus. [76]
En 1972 se produjo un documental de media hora sobre la vida y obra de Arbus, conocido como Maestros de la fotografía: Diane Arbus o Going Where I've Never Been: The Photography of Diane Arbus, que se publicó en vídeo en 1989. [77] [78 ] La voz en off se extrajo de grabaciones hechas por Ikkō Narahara de la clase de fotografía de Arbus y con la voz de Mariclare Costello , quien era amiga de Arbus y esposa de su exmarido Allan.
Patricia Bosworth escribió una biografía no autorizada de Arbus publicada en 1984. Según se informa, Bosworth "no recibió ayuda de las hijas de Arbus, ni de su padre, ni de dos de sus amigos más cercanos y proféticos, Avedon y... Marvin Israel". [29] El libro también fue criticado por considerar insuficientemente las propias palabras de Arbus, por especular sobre información faltante y por centrarse en "el sexo, la depresión y la gente famosa", en lugar del arte de Arbus. [22]
Entre 2003 y 2006, Arbus y su obra fueron objeto de otra importante exposición itinerante, Diane Arbus Revelations , organizada por el Museo de Arte Moderno de San Francisco . Acompañada de un libro del mismo nombre, la exposición incluyó artefactos como correspondencia, libros y cámaras, así como 180 fotografías de Arbus. [22] [19] [47] Al "hacer públicos extractos sustanciales de las cartas, diarios y cuadernos de Arbus", la exposición y el libro "se comprometieron a reclamar el centro de los hechos básicos relacionados con la vida y la muerte del artista". [80] Debido a que el patrimonio de Arbus aprobó la exposición y el libro, la cronología del libro es "efectivamente la primera biografía autorizada del fotógrafo". [1] : 121–225 [6]
El Museo Metropolitano de Arte compró veinte fotografías de Arbus (valoradas en millones de dólares) y recibió los archivos de Arbus, que incluían cientos de fotografías antiguas y únicas, y negativos e impresiones de contacto de 7.500 rollos de película, como regalo de su patrimonio. en 2007. [83]
En 2018, The New York Times publicó un obituario tardío de Arbus [3] como parte del proyecto de historia Overlooked. [59] [84]
Recepción de la crítica
En una reseña de 1967 de la exposición Nuevos Documentos del MoMA , que presentaba el trabajo de Diane Arbus, Lee Friedlander y Garry Winogrand , Max Kozloff escribió: "Lo que estos fotógrafos tienen en común es una pérdida total de fe en los medios de comunicación como vehículo, o La novedad, desde el punto de vista periodístico, y las "historias", desde el punto de vista literario, en cualquier caso, no les interesan... La negativa de Arbus a ser compasiva, su repugnancia contra el juicio moral, confiere a su trabajo una extraordinaria convicción ética." [85]
En un artículo para la revista Arts , Marion Magid afirmó: "Debido a su énfasis en lo oculto y lo excéntrico, esta exposición tiene, ante todo, el atractivo perpetuo, aunque criminal, de un espectáculo secundario. Uno comienza simplemente deseando mirar lo prohibido". cosas que a uno le han dicho toda la vida que no debe mirar... Uno no mira esos temas impunemente, como sabe cualquiera que alguna vez haya mirado el rostro dormido de una persona conocida y haya descubierto su extrañeza. Si no apartamos la mirada, estamos implicados. Cuando nos encontramos con la mirada de un enano o de una imitadora femenina, se produce una transacción entre la fotografía y el espectador; en una especie de proceso de curación, nos curamos de nuestra urgencia criminal al habernos atrevido a hacerlo. mirar. La imagen nos perdona, por así decirlo, mirar. Al final, la gran humanidad del arte de Diane Arbus es santificar esa privacidad que al principio parece haber violado ". [86] [28]
Robert Hughes , en una reseña de la revista Time sobre la retrospectiva de Diane Arbus de 1972 en el MoMA, escribió: "Arbus hizo lo que difícilmente parecía posible para un fotógrafo fijo. Alteró nuestra experiencia del rostro". [60]
En su reseña de la retrospectiva de 1972, Hilton Kramer afirmó que Arbus era "una de esas figuras -tan raras en los anales de la fotografía como en la historia de cualquier otro medio- que de repente, mediante un atrevido salto a un territorio anteriormente considerado prohibido , alteró los términos del arte que practicaba... ella nos conquista completamente, no sólo a sus cuadros sino también a su gente, porque claramente ha llegado a sentir algo parecido al amor por ellos mismos." [ 87]
Susan Sontag escribió un ensayo en 1973 titulado "Freak Show" que criticaba el trabajo de Arbus; fue reimpreso en su libro de 1977 Sobre fotografía como "América, vista a través de fotografías, oscuramente". [22] Entre otras críticas, Sontag se opuso a la falta de belleza en el trabajo de Arbus y a su incapacidad para hacer que el espectador sienta compasión por los sujetos de Arbus. [88] El propio ensayo de Sontag ha sido criticado como "un ejercicio de insensibilidad estética" y "ejemplar por su superficialidad". [22] [19] Sontag también ha afirmado que "los sujetos de las fotografías de Arbus son todos miembros de la misma familia, habitantes de un solo pueblo. Sólo que, en realidad, el pueblo idiota es América. En lugar de mostrar identidad entre cosas que "Somos diferentes (la visión democrática de Whitman), todos somos iguales". [44] Un artículo de 2009 señaló que Arbus había fotografiado a Sontag y su hijo en 1965, lo que hizo que uno "se preguntara si Sontag sintió que se trataba de un retrato injusto". [88] Philip Charrier sostiene en un artículo de 2012 que a pesar de su estrechez y sus fallas ampliamente discutidas, la crítica de Sontag continúa informando gran parte de la erudición y la crítica de la obra de Arbus. El artículo propone superar esta tradición planteando nuevas preguntas y desviando el foco de las cuestiones de biografía, ética y el suicidio de Arbus. [80]
En el ensayo "Freak Show" de Susan Sontag , escribe: "La autoridad de las fotografías de Arbus proviene del contraste entre su tema lacerante y su atención tranquila y materializada. Esta cualidad de la atención: la atención prestada por el fotógrafo, la atención pagado por el sujeto al acto de ser fotografiado, crea el teatro moral de los retratos directos y contemplativos de Arbus. Lejos de espiar a monstruos y parias, tomándolos desprevenidos, el fotógrafo ha llegado a conocerlos, a tranquilizarlos, de modo que posan. "Para ella con tanta calma y rigidez como cualquier notable victoriano se posó para un retrato de estudio de Nadar o Julia Margaret Cameron. Una gran parte del misterio de las fotografías de Arbus radica en lo que sugieren sobre cómo se sintieron sus sujetos después de dar su consentimiento para ser fotografiados. ellos mismos, se pregunta el espectador, ¿saben lo grotescos que son? Parece como si no lo supieran". [89]
Judith Goldman en 1974 postuló que "la cámara de Arbus reflejaba su propia desesperación de la misma manera que el observador mira la imagen y luego se mira a sí mismo". [90]
La reseña de David Pagel de 1992 sobre la serie Sin título afirma: "Estas fotografías rara vez vistas son algunas de las imágenes más inquietantes y compasivas tomadas con una cámara... La variedad de expresiones que Arbus ha capturado es notable por sus sorprendentes cambios desde el júbilo despreocupado hasta el absoluta inquietud, del extático abandono de uno mismo al tímido retraimiento y del simple aburrimiento al amor al prójimo. Quizás el aspecto más intrigante de sus fotografías es la forma en que combinan sentimientos que todos compartimos con experiencias que podemos imaginar pero que nunca conocemos". [49]
Al reseñar Diane Arbus: Sin título para Artforum , Nan Goldin dijo: "Pudo dejar que las cosas sean tal como son, en lugar de buscar transformarlas. La cualidad que define su trabajo y lo separa de casi todas las demás fotografías es su capacidad de empatizar, en un nivel mucho más allá del lenguaje. Arbus podía viajar, en el sentido mítico. Quizás por el deseo de no ser ella misma, se probó la piel de otros y nos llevó con nosotros en el viaje. Arbus estaba obsesionado con personas que manifestaron trauma, tal vez porque su propia crisis estaba muy interiorizada. Ella fue capaz de mirar de lleno los rostros que normalmente apartamos de nuestros ojos, y mostrar allí la belleza, así como el dolor. Su trabajo es a menudo difícil, pero no lo es. cruel. Ella emprendió el mayor acto de valentía: enfrentar el terror de la oscuridad y permanecer articulada". [91]
Hilton Als revisó Sin título en 1995 para The New Yorker y dijo: "El extraordinario poder de Sin título confirma nuestra primera impresión del trabajo de Arbus; es decir, que es lo más iconográfico posible en cualquier medio". [92]
En su reseña de la exposición itinerante Diane Arbus Revelations , Francine Prose escribe: "Incluso cuando nos volvemos más inquietos con la religión convencional, con la intolerancia e incluso la brutalidad que tan frecuentemente exige a cambio de significado y consuelo, la obra de Arbus puede parecer la Biblia". de una fe a la que uno casi puede imaginarse suscribiéndose: el templo del alma humana individual e irreductible, la iglesia de la fascinación y la compasión obsesivas por aquellos compañeros mortales a quienes, basándose en meras impresiones superficiales, identificamos erróneamente irreflexivamente como los desdichados del mundo. tierra." [93]
Peter Schjeldahl , en una reseña de 2005 de la exposición Diane Arbus Revelations para The New Yorker declaró: "Dio la vuelta a la creación de fotografías. No miraba a sus sujetos; los inducía a mirarla a ella. Seleccionados por sus poderes de Con extrañeza y confianza, irrumpen a través de la lente de la cámara con una presencia tan intensa que cualquier actitud que ella, usted o cualquier persona pueda adoptar hacia ellos se desintegra... Usted puede sentir, locamente, que nunca antes había visto una fotografía. esta impresión de novedad evanescente. A lo largo de los años, Arbuses que una vez encontré devastadoras han parecido esperar a que yo cambie un poco, para luego devastarme de nuevo. Ningún otro fotógrafo ha sido más controvertido. Su grandeza, un hecho de experiencia, sigue siendo imperfectamente comprendido." [19]
Michael Kimmelman escribió en 2005: "Si la palabra adecuada no es espiritualidad, entonces es gracia. Arbus toca sus temas favoritos con gracia. Es en la postura del tragasables con los brazos abiertos, en el alfiletero humano tatuado, como San Sebastián . y en la camarera virginal del campamento nudista , con su delantal, su libreta de pedidos y su espinilla cortada. Y es famoso en la pareja desnuda en el bosque, como Adán y Eva después de la Caída ". [11]
Ken Johnson , reseñando una muestra de las obras menos conocidas de Arbus en 2005, escribió: "Las imágenes perfectamente compuestas y generalmente centradas de Arbus tienen una manera de despertar una curiosidad casi dolorosamente urgente. ¿Quién es el chico con traje, corbata y sombrero de fieltro que mira hacia arriba? de la revista en una tienda del barrio y nos fija con una mirada de insondable seriedad? ¿Cuál es la historia de la divertida dama con forma de pájaro con un extraño sombrero de punto flexible posado en su cabeza? ¿Qué es el hombre moreno y corpulento con traje y sombrero? diciéndole a la mujer mayor, delgada y bien vestida, con el rostro contraído como una máscara mientras golpea el aire con un dedo mientras caminan por Central Park: Arbus era un formalista maravilloso y un narrador igualmente maravilloso: la Flannery O'Connor de la fotografía . [95 ]
Leo Rubinfien escribió en 2005: "Ningún fotógrafo hace que los espectadores sientan con más fuerza que se les está dirigiendo directamente... Cuando su trabajo está en su punto más augusto, Arbus ve a través de las pretensiones de su sujeto, su sujeto ve lo que ella ve, y una intrincada El diálogo se produce en torno a lo que el sujeto quiere mostrar y quiere ocultar... Le encantaban los enigmas, las contradicciones, los enigmas, y esto, tanto como el dolor de su trabajo, lo acerca a los de Kafka y Beckett ... "Dudo que alguien en las artes modernas, ni Kafka ni Beckett, haya tendido un hilo tan largo y delicado entre la risa y las lágrimas". [22]
Wayne Koestenbaum preguntó en 2007 si las fotografías de Arbus humillaban a los sujetos o a los espectadores. [96] En una entrevista de 2013 para Los Angeles Review of Books , también dijo: "Ella encuentra pequeños focos de júbilo enmarcados dentro de cada fotografía. El significado obvio de la fotografía es abyección, pero el significado obtuso es júbilo, belleza, firmeza, patrón." [97]
La reseña de Mark Feeney en The Boston Globe de 2016 sobre al principio en el Met Breuer afirma: "No es tanto que Arbus haya cambiado la forma en que vemos el mundo sino cómo nos permitimos verlo. La parte vulnerable y la identificación no son menos parte de la sociedad". por ser menos visibles. Los marginados y los outsiders se convierten en su propia norma, y con Arbus como embajadora, la nuestra también. Ella es testigo sin juzgar." [98]
En una reseña de 2018 para The New York Times sobre la serie Sin título de Diane Arbus , Arthur Lubow escribe: "Las fotografías de 'Sin título' evocan pinturas de Ensor , Bruegel y especialmente los aquelarres y rituales conjurados por Goya ... En el casi medio siglo que transcurrió en Ha transcurrido desde que Arbus hizo las fotografías de 'Sin título', los fotógrafos han adoptado cada vez más la práctica de construir las escenas que toman y alterar las imágenes con tecnología digital en un esfuerzo por sacar a la luz las visiones en sus cabezas. de los imponentes logros del arte estadounidense, nos recuerda que nada puede superar la extraña belleza de la realidad si un fotógrafo sabe dónde mirar. Y cómo mirar." [48]
Adam Lehrer escribió, en su reseña de Forbes de Sin título , Arbus llama la atención sobre expresiones vibrantes de alegría sin dejarnos olvidar nunca la angustia eterna de la vida. Algunos críticos han sugerido que Arbus se ve a sí misma en sus sujetos. Pero tal vez eso sea sólo parcialmente cierto. Probablemente sea una afirmación más objetiva afirmar que Arbus nos ve a todos en sus súbditos... El único engaño de Arbus era creer, o esperar, que otros compartieran sus peculiares fijaciones. Pero decir que su trabajo trata simplemente sobre la imperfección humana es a la vez exacto y ridículamente desdeñoso. Seguramente Arbus se centró en la imperfección humana, pero dentro de la imperfección, encontró una humanidad perfecta y sin adornos. Y la humanidad, para Arbus, era hermosa." [99]
Algunos de los sujetos de Arbus y sus familiares han comentado sobre su experiencia al ser fotografiados por Diane Arbus:
El padre de los gemelos que aparecen en "Identical Twins, Roselle, Nueva Jersey, 1967" dijo: "Pensamos que era el peor parecido de los gemelos que jamás habíamos visto. Quiero decir, se parece a ellos, pero siempre nos ha desconcertado que ella Los hacía parecer fantasmales. Ninguna de las otras fotografías que tenemos de ellos se parece en nada a esto". [100]
La escritora Germaine Greer , que fue objeto de una fotografía de Arbus en 1971, la criticó como una "imagen innegablemente mala" y el trabajo de Arbus en general por ser poco original y centrarse en "la mera imperfección humana y el autoengaño". [101]
Norman Mailer dijo en 1971: "Darle una cámara a Diane Arbus es como poner una granada activa en manos de un niño". [29] [102] Según se informa, Mailer estaba disgustado con la conocida foto de la reseña del libro del New York Times "con las piernas abiertas" . Arbus lo fotografió en 1963. [102] [103]
Colin Wood, el protagonista de Niño con una granada de juguete en Central Park , dijo: "Ella vio en mí la frustración, la ira hacia lo que me rodeaba, el niño que quería explotar pero no podía porque estaba limitado por su entorno". [104]
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Diane Arbus: una monografía de Aperture . Editado por Doon Arbus y Marvin Israel. Acompañó una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Diane Arbus: Revelaciones . Nueva York: Random House , 2003. ISBN 9780375506208 . Incluye ensayos de Sandra S. Phillips ("La cuestión de la creencia") y Neil Selkirk ("En el cuarto oscuro"); una cronología de Elisabeth Sussman y Doon Arbus que incluye texto de Diane Arbus; epílogo de Doon Arbus; y biografías de cincuenta y cinco amigos y colegas de Arbus por Jeff L. Rosenheim. Acompañó una exposición que se estrenó en el Museo de Arte Moderno de San Francisco.
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Diálogos silenciosos: Diane Arbus y Howard Nemerov . San Francisco: Galería Fraenkel, 2015. ISBN 978-1881337416 . Por Alejandro Nemerov.
Diane Arbus: al principio . Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, 2016. ISBN 978-1588395955 . Por Jeff L. Rosenheim. Acompañó una exposición que se estrenó en el Museo Metropolitano de Arte.
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Revelaciones de Diane Arbus . Nueva York: Aperture, 2022. ISBN 9781597115384 .
Niño con granada de juguete en Central Park , Nueva York, 1962 – Colin Wood, [100] con la correa izquierda de su jersey colgando torpemente de su hombro, sostiene tensamente sus largos y delgados brazos a los costados. Apretando una granada de juguete en su mano derecha y sosteniendo su mano izquierda en un gesto de garra, su expresión facial es de consternación. La hoja de contactos [105] demuestra que Arbus tomó una decisión editorial al seleccionar qué imagen imprimir. [106] Una copia de esta fotografía se vendió en 2015 en una subasta por 785.000 dólares, un récord de subasta para Arbus. [107]
Pareja de adolescentes en Hudson Street, Nueva York, 1963. Con abrigos largos y "expresiones mundanas", dos adolescentes parecen mayores que sus edades. [108]
Trillizos en su dormitorio, Nueva Jersey, 1963 – Tres niñas sentadas en la cabecera de una cama. [108] [11]
Una joven familia de Brooklyn que va de excursión el domingo, Nueva York, 1966 : Richard y Marylin Dauria, que vivían en el Bronx. Marylin sostiene a su hija pequeña y Richard toma la mano de su hijo pequeño, que tiene una discapacidad intelectual. [40] [109]
Un joven con rulos en su casa en West 20th Street, Nueva York, 1966. Un primer plano muestra el rostro marcado por viruelas del hombre con las cejas depiladas y su mano con uñas largas sostiene un cigarrillo. Las primeras reacciones a la fotografía fueron fuertes; por ejemplo, alguien escupió sobre él en 1967 en el Museo de Arte Moderno. [22] Una impresión se vendió por 198.400 dólares en una subasta de 2004. [110]
Niño con sombrero de paja esperando marchar en un desfile a favor de la guerra, Nueva York, 1967. Con una bandera estadounidense a su lado, lleva una pajarita, un alfiler en forma de pajarita con un motivo de la bandera estadounidense y dos insignias de botones: "Bomb Hanoi" y "God Bless America / Support Our Boys in Vietnam". La imagen puede hacer que el espectador se sienta diferente del niño y al mismo tiempo comprensivo hacia él. [11] Una empresa de consultoría de arte compró una impresión por 245.000 dólares en una subasta de 2016. [111]
Gemelas idénticas, Roselle, Nueva Jersey, 1967 – Las jóvenes hermanas gemelas Cathleen y Colleen Wade [100] están una al lado de la otra con vestidos oscuros. La uniformidad de su vestimenta y corte de pelo los caracteriza como gemelos mientras que las expresiones faciales acentúan fuertemente su individualidad. [106] Esta fotografía se repite enla película de Stanley Kubrick El resplandor , que presenta a gemelos en una pose idéntica a los fantasmas. [100] Una copia se vendió en una subasta por 732.500 dólares en 2018. [112]
Una familia en su césped Un domingo en Westchester, Nueva York, 1968 : una mujer y un hombre toman el sol mientras un niño se inclina sobre una pequeña piscina de plástico detrás de ellos. En 1972, Neil Selkirk fue encargado de producir una impresión de exposición de esta imagen cuando Marvin Israel le aconsejó que hiciera que los árboles del fondo parecieran "como un telón de fondo teatral que en cualquier momento podría avanzar sobre el césped". [1] : 270 Esta anécdota ilustra vívidamente cuán fundamental es la dialéctica entre apariencia y sustancia para la comprensión del arte de Arbus. [106] Una copia se vendió en una subasta en 2008 por 553.000 dólares. [113]
Un hombre desnudo siendo una mujer, Nueva York, 1968 – El sujeto ha sido descrito como en una "pose de Venus en media concha" [4] (refiriéndose a El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli ) o como "una Virgen convertida en en contrapposto... con el pene escondido entre las piernas" [11] (refiriéndose a una Virgen en contrapposto ). La cortina entreabierta detrás del hombre aumenta la calidad teatral de la fotografía. [30]
Un bebé muy pequeño, Nueva York, 1968 – Una fotografía para Harper's Bazaar muestra al entonces hijo pequeño de Gloria Vanderbilt , el futuro presentador de CNN , Anderson Cooper . [100]
Un gigante judío en casa con sus padres en el Bronx, Nueva York 1970 – Eddie Carmel , el "gigante judío", se encuentra en el apartamento de su familia con su madre y su padre, mucho más bajos. Se dice que Arbus le dijo a un amigo sobre esta foto: "¿Sabes que toda madre tiene pesadillas cuando está embarazada en la que dice que su bebé nacerá como un monstruo?... Creo que lo vi en la cara de la madre..." [ 114] La fotografía motivó al primo de Carmel a narrar un documental de audio de 1999 sobre él. [115] Una copia se vendió en una subasta por 583.500 dólares en 2017. [116]
Además, Una caja de diez fotografías de Arbus era un portafolio de fotografías seleccionadas de 1963 a 1970 en una caja/marco de plexiglás transparente que fue diseñado por Marvin Israel y que debía publicarse en una edición limitada de 50. [26] [117] Sin embargo, Arbus completó sólo ocho cajas [14] : 137 y vendió sólo cuatro (dos a Richard Avedon, una a Jasper Johns y una a Bea Feitler ). [1] : 220 [6] [61] Después de la muerte de Arbus, bajo los auspicios del patrimonio de Diane Arbus, Neil Selkirk comenzó a imprimir para completar la edición prevista de Arbus de 50. [14] : 78 En 2017, una de estas ediciones póstumas vendido por $ 792,500 en 2017. [118]
1973–79: Diane Arbus: Retrospectiva (118 fotografías, comisariada por Doon Arbus y Marvin Israel). Museo Seibu, Tokio; Galería Hayward , Londres; Galería Ikon , Birmingham, Inglaterra; Consejo Escocés de las Artes , Edimburgo, Escocia; Museo Van Abbe, Eindhoven, Países Bajos; Museo Van Gogh , Ámsterdam; Lenbachhaus Städtische Galerie, Munich, Alemania; Museo Von der Heydt , Wuppertal, Alemania; Frankfurter Kunstverein ; 14 galerías y museos en Australia; y 7 galerías y museos en Nueva Zelanda. [71]
1980: Diane Arbus: fotografías antiguas inéditas . Galería Robert Miller, Nueva York; [120] Galería Fraenkel, Nueva York. [119]
1983: Diane Arbus: Fotografías . Palacio della Cento Finestre, Florencia; Palacio Fortuny, Venecia; Palacio delle Esposizioni, Milán. [119]
1986: Diane Arbus . Centro Americano, París; La Fundación "la Caixa", Barcelona, España; La Fundación "la Caixa", Madrid; Galería Robert Klein, Boston, MA; Fábrica de luz, Charlotte, Carolina del Norte. [119]
1991: Diane Arbus . Fundación de Arte Ydessa Hendeles, Toronto. [114] [121]
1992: Diane Arbus: La serie sin título, 1970-1971 . Galería Jan Kesner , Los Ángeles. [49] [122]
1995: Las Películas: Fotografías de 1956 a 1958 . Galería Robert Miller, Nueva York. [123]
2005: Diane Arbus: Otras caras Otras habitaciones . Galería Robert Miller, Nueva York. [95]
2007: Algo estaba ahí: primeros trabajos de Diane Arbus . Galería Fraenkel , San Francisco. [128]
2008–2009: Diane Arbus, una retrospectiva impresa, 1960–1971 . Fundación de Arte Kadista , París; y Centre Régional de la Photographie Nord Pas-de-Calais, Douchy-les-Mines, Francia. [129]
2009–2018: Salas de artistas: Diane Arbus . Museo Nacional Cardiff , Gales; y Dean Gallery , Edimburgo, Escocia; [130] [131] Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno, Edimburgo; Nottingham Contemporáneo; Galería de arte de Aberdeen; Tate Modern, Londres; Galerías Kirkcaldy; El Burton en Bideford. [119]
2010: Diane Arbus: Cristo en un vestíbulo y otras obras desconocidas o casi conocidas . Galería Fraenkel, San Francisco; [132] Martin-Gropius-Bau, Berlín; ESPUMA, Ámsterdam. [119]
2011: Diane Arbus: Personas y otras singularidades . Galería Gagosian, Beverly Hills, California. [119]
2016-2017: diane arbus: al principio . Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco; Malba, Buenos Aires, Argentina. [137] [138] [119]
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enlaces externos
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Citas relacionadas con Diane Arbus en Wikiquote
Panel de discusión "La Odisea de Diane Arbus", John Jacob con Jeffrey Fraenkel, John Gossage , Karan Rinaldo, Jeff Rosenheim, Neil Selkirk y Jasper Johns , Smithsonian American Art Museum, 6 de abril de 2018.
Diane Arbus en la Lista Roja
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Citas relacionadas con Diane Arbus en Wikiquote