Emily Mary Osborn (1828-1925), u Osborne , fue una pintora inglesa de la época victoriana . [1] [2] Es conocida por sus fotografías de niños y sus pinturas de género, especialmente sobre temas de mujeres en apuros.
Emily Osborn nació en Kentish Town en Londres, el 11 de febrero de 1828, [3] la mayor de nueve hijos del reverendo Edward Osborn (1792–1859) [4] y su esposa Mary (de soltera Bolland, 1806–1868). Osborn asumió la curaduría de West Tilbury bajo la dirección de su rector Edward Linzee durante la primavera de 1834, cuando Emily tenía unos cinco años. La familia ocupaba la casa parroquial en la cima de Gun Hill, que aparece representada en una litografía de 1845 de D. Walton. Osborn vivió durante unos ocho años en la casa parroquial, aunque luego recordó que su "primer entorno... no era tal como para desarrollar inclinaciones artísticas, ya que había poca belleza natural en el país alrededor de West Tilbury ...". [5] Allí, su madre la animó "y observó con orgullo los inteligentes retratos que Emily dibujaba de sus hermanos y hermanas". La propia madre amaba mucho la pintura y, según ella misma, "deseaba en vano estudiar arte profesionalmente". El mismo artículo habla de la experimentación de esta época, de cómo la adolescente, al no poder siempre obtener las pinturas que deseaba, "ideó un plan para obtener una reserva extra de colores a partir de flores, poniendo los pétalos en botellas con un poco de alcohol de vino".
La última inscripción de su padre en los registros parroquiales de St. James fue el 2 de noviembre de 1842, tras lo cual la familia se trasladó a Londres, "para gran deleite de su hija mayor, que consideró con razón que ahora había alguna posibilidad de hacer realidad sus esperanzas". pensaba en convertirse algún día en artista". [6] Posteriormente asistió a clases nocturnas en la academia Dickenson en Maddox Street , donde fue enseñada por John Mogford . [7] Después de un período de tres meses, su padre quería que ella dejara las lecciones, presumiblemente por razones financieras, pero uno de los maestros, JM Leigh , se ofreció a enseñarle en privado con otro estudiante. [1] Y así, estudió en privado con JM Leigh de Maddox Street, y más tarde en su academia en Newman Street durante un año. [7] En 1851, a la edad de diecisiete años, Osborn comenzó a mostrar su trabajo en la exposición anual de la Royal Academy , y continuó haciéndolo durante un lapso de cuatro décadas hasta 1893.
En 1868, Osborn perdió a su madre "y durante dos años no hizo ningún trabajo importante", luego durante seis meses ella y su hermana se dedicaron a cuidar a los enfermos y heridos en la guerra franco-prusiana . "Luego vinieron sus visitas a Venecia y Argelia, que se hicieron familiares (para los visitantes de la galería) por sus fotografías en Grosvenor y otros lugares". En casa, también realizó giras y pintó entre los Norfolk Broads. [5]
Osborn nunca se casó y murió a los 97 años el 14 de abril de 1925 en la casa que había compartido durante muchos años con Mary Elizabeth Dunn, 10A Cunningham Place, St John's Wood, Londres. [8]
Osborn expuso por primera vez su obra en la Royal Academy en 1851 con dos pinturas: La carta (una pintura de género) y un retrato de Benjamin Goode. [1] Durante los siguientes tres años envió cuatro pinturas poéticas y literarias a exposiciones. Tres de las pinturas eran ilustraciones basadas en obras de Tennyson, Byron y Collins, mientras que una pintura era una pintura de humor titulada Noche . [1] En 1855, Osborn recibió 200 guineas por pintar un grupo de retratos de tamaño natural para la Sra. Sturgis y sus hijos y también ganó elogios el mismo año en que la Reina compró su obra My Cottage Door . [1] Esta aclamación y dinero le permitieron adquirir un estudio en 1856 y al año siguiente, en 1857, exhibió su obra más famosa y aclamada, Nameless and Friendless, en la Royal Academy. [1] De 1860 a 1870 Osborn disfrutó de un gran éxito y aclamación de la crítica. Comenzó la década con otra de sus obras, La institutriz comprada por la reina y La fuga de Lord Nithisdale de la Torre, 1716, que le valieron más elogios de la crítica. [1]
En 1861, Osborn viajó a Munich para estudiar y sus cuatro exposiciones en la Real Academia en 1862 fueron de temática alemana. [1] Más tarde, en 1862, Tough and Tender recibió una medalla de la Sociedad de Artes. [1] Osborn ganó otro premio por su obra La mitad del mundo no sabe cómo vive la otra mitad , que se exhibió en el Crystal Palace en 1864. La pieza recibió 60 guineas por ser el "Mejor tema histórico o figurativo al óleo de un Artista británico." [1]
Se cree que Osborn regresó a Alemania entre 1868 y 1870 y en 1870 envió Lost a la Real Academia de Munich para ser exhibido. [1] Esta fue una de sus últimas obras aclamadas por la crítica, ya que Osborn perdió popularidad y fue factor crítico en la década de 1870. En 1873 expuso su primera pieza floral y durante la década de 1870 dividió su tiempo entre su estudio de Londres y su estudio de Glasgow. [1]
Si bien Osborn continuó exhibiendo obras en muchas galerías en la década de 1880, ninguna fue tan bien recibida como sus obras anteriores. En 1884 hizo su primer retrato en años de Madame Bodichon. [1] Osborn expuso su trabajo en el Palacio de Bellas Artes y en el Edificio de la Mujer en la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, Illinois. [9] Desde finales de la década de 1880 hasta 1908, sus obras consistieron principalmente en paisajes. [1]
Al igual que otras artistas femeninas de su época, se centró en obras literarias en busca de inspiración, ya que era común que las pinturas literarias fueran vehículos que las artistas utilizaban para mostrar sus habilidades y obtener otros trabajos como retratos y paisajes. Sin embargo, para distinguirla de otras artistas femeninas que creaban pinturas literarias, las de Osborn generalmente eran más complejas y presentaban múltiples figuras para mostrar su habilidad. [10] Durante un tiempo, sus obras también se centraron en el contraste entre juventud y edad, como en Tough and Tender (1862) y Sunday Morning, Betzingen, Wurtemburg (1863). Sin embargo, su trabajo que obtuvo más elogios fue el que parecía tener un aspecto moralizante. Osborn se especializó en escenas emotivas y, a menudo, sus sujetos eran mujeres jóvenes y niños. Se consideraba que su trabajo tenía un aspecto moral o educativo y tenía un sentido de verdad y representación del mundo real y los temas que representaban. [1] Por ejemplo, La institutriz (1860), Por última vez (1864) y La mitad del mundo no sabe cómo vive la otra mitad (1864) fueron consideradas las tres como transmisoras de valiosas lecciones morales. [1]
También hubo una literatura y una pintura centradas en las mujeres de clase media que tenían que ganar dinero. Estas obras a menudo se inspiraron en las mujeres de clase media que escribieron y pintaron estos temas y Nameless and Friendless (1857) de Osborn también juega con este tema. [11]
La obra más famosa de Osborn es Sin nombre y sin amigos (1857), que ha sido llamada "La más ingeniosa de todas las pinturas de viudas victorianas". [12] Representa a una mujer recientemente desconsolada que intenta ganarse la vida como artista ofreciendo un cuadro a un marchante, mientras dos "hinchazones" a la izquierda la miran con los ojos. La creación de esta pieza fue producto de su época. En la década de 1850 hubo una afluencia de mujeres de clase media al entorno urbano de Londres. Las mujeres comenzaron a ocupar más libremente las calles y recorrer la ciudad. Caminaban por las calles, tomaban transporte público, etc. Esto abrió oportunidades para las mujeres pero también introdujo nuevas dinámicas sociales y hubo muchos debates sobre esta nueva dinámica y forma de vida urbana. [13] Sin nombre y sin amigos es una de las pocas pinturas de una mujer exhibidas públicamente para abordar estas nuevas dinámicas urbanas durante la década de 1850. En Going Places: Women Artists in Central London in the Mid-Nineteenth Century , Deborah Cherry dice que Nameless and Faceless está "menos preocupado por las multitudes que se empujan... esta es una pintura sobre los encuentros oculares y corporales de la ciudad moderna y su sexualidad". Geografías del deseo." [13] Cherry observa cómo el plano de la imagen está lleno de matices en el lenguaje corporal. La joven no participa activamente en el cuadro. La joven no sólo está en el centro del plano pictórico, sino también en el centro de atención de los demás personajes. [13] La joven queda atrapada en las múltiples miradas de los hombres que la rodean. El escenario parece ser el West End, donde Cherry dice que "lo legítimo y lo obsceno están a la venta uno al lado del otro". [13] Una de las figuras masculinas sentadas sostiene una impresión con una bailarina ligera de ropa, mientras que el otro hombre sentado a su lado mira a la joven en el centro de la pintura, lo que indica que la mirada masculina es de naturaleza sexual y que en el paisaje urbano donde las mujeres caminan libremente, todavía están sexualizadas por las miradas de los hombres en las calles que pueden verlas. [13] Cherry dice que "la mirada de los clientes masculinos, que posee espacio y simultáneamente captura imagen y cuerpo, significa los peligros del acoso sexual para una mujer trabajadora respetable en los espacios altamente cargados y ambivalentes del Londres moderno. Y nos devuelve a la mutualidad de los cuerpos y el espacio, la ocularidad y la corporalidad." [13]
