Cine negro ( / n w ɑːr / ; francés: [film nwaʁ] ) es un término cinematográfico utilizado principalmente para describir dramas criminales estilizados de Hollywood , particularmente aquellos que enfatizan actitudes y motivaciones cínicas. Las décadas de 1940 y 1950 se consideran generalmente como el "período clásico" del cine negro estadounidense . El cine negro de esta época se asocia con un estilo visual discreto en blanco y negro que tiene sus raíces en la cinematografía expresionista alemana . Muchas de las historias prototípicas y gran parte de la actitud del cine negro clásico derivan de la dura escuela de ficción criminal que surgió en los Estados Unidos durante la Gran Depresión . [1]
El término cine negro , que en francés significa "película negra" (literal) o "película oscura" (significado más cercano), [2] fue aplicado por primera vez a las películas de Hollywood por el crítico francés Nino Frank en 1946, pero no fue reconocido por la mayoría de los profesionales de la industria cinematográfica estadounidense. de esa época. [3] Se cree que Frank se inspiró en el sello editorial literario francés Série noire , fundado en 1945.
Los historiadores y críticos de cine definieron la categoría retrospectivamente. Antes de que la noción fuera ampliamente adoptada en la década de 1970, muchas de las películas negras clásicas se denominaban " melodramas ". Si el cine negro califica como un género distinto o si es más bien un estilo cinematográfico es un tema de debate intenso y continuo entre los académicos.
El cine negro abarca una variedad de tramas: la figura central puede ser un investigador privado ( The Big Sleep ), un oficial de policía vestido de civil ( The Big Heat ), un boxeador anciano ( The Set-Up ), un desventurado estafador ( Night and the City). ), un ciudadano respetuoso de la ley atraído a una vida delictiva ( Gun Crazy ), una mujer fatal ( Gilda ) o simplemente una víctima de las circunstancias ( DOA ). Aunque el cine negro se asoció originalmente con producciones estadounidenses, el término se ha utilizado para describir películas de todo el mundo. Muchas películas estrenadas a partir de la década de 1960 comparten atributos con el cine negro del período clásico y, a menudo, tratan sus convenciones de manera autorreferencial . Algunos se refieren a estas obras modernas como neo-noir . Los clichés del cine negro han inspirado la parodia desde mediados de los años cuarenta. [4]
Las preguntas sobre qué define el cine negro y qué tipo de categoría es provocan un debate continuo. [5] "Simplificaríamos demasiado las cosas al llamar al cine negro onírico , extraño, erótico, ambivalente y cruel..."—este conjunto de atributos constituye el primero de muchos intentos de definir el cine negro realizados por los críticos franceses Raymond Borde y Étienne Chaumeton en su libro de 1955 Panorama du film noir américain 1941-1953 ( Un panorama del cine negro estadounidense ), el tratamiento ampliado original y fundamental del tema. [6] Destacan que no todas las películas de cine negro encarnan los cinco atributos en igual medida: una podría ser más onírica; otro, particularmente brutal. [7] Las advertencias de los autores y los repetidos esfuerzos por lograr una definición alternativa han tenido eco en estudios posteriores, pero en palabras del historiador del cine Mark Bould, el cine negro sigue siendo un "fenómeno esquivo". [8]
Aunque el cine negro a menudo se identifica con un estilo visual que enfatiza la iluminación discreta y las composiciones desequilibradas , [9] las películas comúnmente identificadas como noir evidencian una variedad de enfoques visuales, incluidos aquellos que encajan cómodamente dentro de la corriente principal de Hollywood. [10] El cine negro abarca de manera similar una variedad de géneros, desde la película de gánsteres hasta la película de procedimientos policiales , pasando por el romance gótico y la imagen de problemas sociales ; cualquier ejemplo de los cuales de los años 1940 y 1950, ahora vistos como la era clásica del cine negro, probablemente ser descrito como un melodrama en ese momento. [11]
Es de noche, siempre. El héroe entra en un laberinto en busca de una misión. Está solo y desequilibrado. Puede estar desesperado, huyendo o fríamente calculador, imaginando que es el perseguidor en lugar del perseguido.
Una mujer invariablemente se une a él en un momento crítico, cuando él es más vulnerable. [Su] eventual traición hacia él (o hacia ella misma) es tan ambigua como sus sentimientos hacia él.
Nicholas Christopher , En algún lugar de la noche (1997) [12]
Si bien muchos críticos se refieren al cine negro como un género en sí mismo, otros sostienen que no puede ser tal cosa. [13] Foster Hirsch define un género determinado por "convenciones de estructura narrativa, caracterización, tema y diseño visual". Hirsch, quien ha adoptado la posición de que el cine negro es un género, sostiene que estos elementos están presentes "en abundancia". Hirsch señala que existen características unificadoras de tono, estilo visual y narrativa suficientes para clasificar el cine negro como un género distinto. [14]
Otros sostienen que el cine negro no es un género. A menudo se asocia con un entorno urbano, pero muchos noirs clásicos tienen lugar en pueblos pequeños, suburbios, zonas rurales o en la carretera; El entorno no es un determinante, como ocurre con el Occidente . De manera similar, si bien el detective privado y la mujer fatal son tipos de personajes comunes identificados convencionalmente con el cine negro, la mayoría de las películas del género no presentan ninguno de los dos. El cine negro tampoco se basa en nada tan evidente como los elementos monstruosos o sobrenaturales de la película de terror , los saltos especulativos de la película de ciencia ficción o las rutinas de canto y baile del musical . [15]
Un caso análogo es el de la comedia chiflada , ampliamente aceptada por los historiadores del cine como constitutiva de un "género": la chiflada se define no por un atributo fundamental, sino por una disposición general y un grupo de elementos, algunos, pero rara vez y quizás nunca todos. —de los cuales se encuentran en cada una de las películas del género. [16] Debido a la diversidad del cine negro (mucho mayor que la de la comedia loca), ciertos estudiosos en el campo, como el historiador de cine Thomas Schatz, lo tratan no como un género sino como un "estilo". [17] Alain Silver , el crítico estadounidense especializado en estudios de cine negro con más publicaciones, se refiere al cine negro como un "ciclo" [18] y un "fenómeno", [19] incluso cuando sostiene que tiene, como ciertos géneros —un conjunto consistente de códigos visuales y temáticos. [20] El guionista Eric R. Williams etiqueta tanto el cine negro como la comedia loca como un "camino" en su taxonomía de guionistas; explicando que un camino tiene dos partes: 1) la forma en que la audiencia se conecta con el protagonista y 2) la trayectoria que la audiencia espera que siga la historia. [21] Otros críticos tratan el cine negro como un "estado de ánimo", [22] una "serie", [23] o simplemente un conjunto elegido de películas que consideran pertenecientes al "canon" del cine negro. [24] No hay consenso al respecto. [25]
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La estética del cine negro estuvo influenciada por el expresionismo alemán , un movimiento artístico de las décadas de 1910 y 1920 que involucró teatro, música, fotografía, pintura, escultura y arquitectura, además del cine. Las oportunidades ofrecidas por la floreciente industria cinematográfica de Hollywood y luego la amenaza del nazismo llevaron a la emigración de muchos artistas cinematográficos que trabajaban en Alemania y que habían estado involucrados en el movimiento expresionista o estudiado con sus practicantes. [26] M (1931), rodada sólo unos años antes de la salida de Alemania del director Fritz Lang , es una de las primeras películas policiacas de la era sonora que une un estilo visual característicamente noirish con una trama de tipo noir, en la que el El protagonista es un criminal (al igual que sus perseguidores más exitosos). Directores como Lang, Jacques Tourneur , Robert Siodmak y Michael Curtiz trajeron consigo a Hollywood un estilo de iluminación con sombras dramáticas y un enfoque psicológicamente expresivo de la composición visual ( puesta en escena ), donde realizaron algunos de los clásicos del cine negro más famosos. [27]
En 1931, Curtiz ya llevaba media década en Hollywood, haciendo hasta seis películas al año. Películas suyas como 20.000 años en Sing Sing (1932) y Detective privado 62 (1933) se encuentran entre las primeras películas sonoras de Hollywood que podrían clasificarse como noir; el académico Marc Vernet ofrece esta última como prueba de que fechar el inicio del cine negro en 1940 o cualquier otro año es "arbitrario". [28] Los cineastas orientados al expresionismo tuvieron libertad estilística en películas de terror de Universal como Drácula (1931), La momia (1932), la primera fotografiada y la segunda dirigida por Karl Freund , formado en Berlín, y El gato negro (1934). , dirigida por el emigrado austriaco Edgar G. Ulmer . [29] La película de terror de Universal que más se acerca al cine negro, en historia y sensibilidad, es El hombre invisible (1933), dirigida por el inglés James Whale y fotografiada por el estadounidense Arthur Edeson . Más tarde, Edeson fotografió El halcón maltés (1941), ampliamente considerado como el primer gran cine negro de la era clásica. [30]
Josef von Sternberg dirigía en Hollywood durante el mismo período. Películas suyas como Shanghai Express (1932) y The Devil Is a Woman (1935), con su erotismo de invernadero y su estilo visual barroco, anticiparon elementos centrales del cine negro clásico. El éxito comercial y crítico de la película muda de Sternberg Inframundo (1927) fue en gran medida responsable de estimular una tendencia de películas de gánsteres de Hollywood. [31] Películas exitosas en ese género como Little Caesar (1931), The Public Enemy (1931) y Scarface (1932) demostraron que había una audiencia para los dramas criminales con protagonistas moralmente reprensibles. [32] Un antecedente cinematográfico importante, posiblemente influyente, del cine negro clásico fue el realismo poético francés de la década de 1930 , con su actitud romántica y fatalista y su celebración de los héroes condenados. [33] La sensibilidad del movimiento se refleja en el drama de Warner Bros. Soy un fugitivo de una pandilla encadenada (1932), un precursor del cine negro. [34] Entre las películas no consideradas noir, quizás ninguna tuvo un mayor efecto en el desarrollo del género que Citizen Kane (1941), dirigida por Orson Welles . Su complejidad visual y su compleja estructura narrativa de voz en off se repiten en docenas de películas negras clásicas. [35]
El neorrealismo italiano de la década de 1940, con su énfasis en la autenticidad cuasi documental , fue una influencia reconocida en las tendencias que surgieron en el cine negro estadounidense. El fin de semana perdido (1945), dirigida por Billy Wilder , otro autor estadounidense nacido en Viena y formado en Berlín , cuenta la historia de un alcohólico de una manera que evoca el neorrealismo. [36] También ejemplifica el problema de la clasificación: una de las primeras películas estadounidenses en ser descrita como cine negro, ha desaparecido en gran medida de las consideraciones del campo. [37] El director Jules Dassin de The Naked City (1948) señaló que los neorrealistas inspiraron su uso de la fotografía de locaciones con extras no profesionales. Este enfoque semidocumental caracterizó a un número sustancial de películas de cine negro a finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. Junto con el neorrealismo, el estilo tenía un precedente estadounidense citado por Dassin, en The House on 92nd Street (1945), del director Henry Hathaway , que demostró la influencia paralela del noticiero cinematográfico. [38]
La principal influencia literaria en el cine negro fue la dura escuela estadounidense de novela policíaca y detectivesca , encabezada en sus primeros años por escritores como Dashiell Hammett (cuya primera novela, Red Harvest , se publicó en 1929) y James M. Cain (cuya The Postman Always Rings Twice apareció cinco años después), y se popularizó en revistas pulp como Black Mask . Los clásicos del cine negro El halcón maltés (1941) y La llave de cristal (1942) se basaron en novelas de Hammett; Las novelas de Cain sirvieron de base para Double Indemnity (1944), Mildred Pierce (1945), The Postman Always Rings Twice (1946) y Slightly Scarlet (1956; adaptada de Love's Lovely Counterfeit ). Una década antes de la era clásica, una historia de Hammett fue la fuente del melodrama de gánsteres City Streets (1931), dirigido por Rouben Mamoulian y fotografiado por Lee Garmes , que trabajaba habitualmente con Sternberg. Estrenada un mes antes de M de Lang , City Streets tiene derecho a ser el primer gran cine negro; Tanto su estilo como su historia tenían muchas características noir. [40]
Raymond Chandler , que debutó como novelista con El gran sueño en 1939, pronto se convirtió en el autor más famoso de la escuela dura. Las novelas de Chandler no sólo se convirtieron en novelas negras importantes: Murder, My Sweet (1944; adaptada de Farewell, My Lovely ), The Big Sleep (1946) y Lady in the Lake (1947), sino que también fue un guionista importante en el género. bueno, produciendo los guiones de Double Indemnity , The Blue Dahlia (1946) y Strangers on a Train (1951). Mientras que Chandler, como Hammett, centró la mayoría de sus novelas e historias en el carácter del detective privado, Cain presentó protagonistas menos heroicos y se centró más en la exposición psicológica que en la resolución de crímenes; [41] El enfoque de Caín ha llegado a identificarse con un subconjunto del género duro denominado " ficción negra ". Durante gran parte de la década de 1940, uno de los autores más prolíficos y exitosos de este tipo de cuento de suspense, a menudo deprimente, fue Cornell Woolrich (a veces bajo el seudónimo de George Hopley o William Irish). Ningún trabajo publicado de un escritor proporcionó la base para más películas negras del período clásico que el de Woolrich: trece en total, incluidas Black Angel (1946), Deadline at Dawn (1946) y Fear in the Night (1947). [42]
Otra fuente literaria crucial para el cine negro fue WR Burnett , cuya primera novela se publicó fue Little Caesar , en 1929. Se convirtió en un éxito para Warner Bros. en 1931; Al año siguiente, Burnett fue contratado para escribir diálogos para Caracortada , mientras que La bestia de la ciudad (1932) fue una adaptación de una de sus historias. Al menos una obra de referencia importante identifica a este último como un cine negro a pesar de su fecha temprana. [43] El enfoque narrativo característico de Burnett se encontraba en algún lugar entre el de los escritores duros por excelencia y sus compatriotas de ficción negra: sus protagonistas eran a menudo heroicos a su manera, que resultó ser la del gángster. Durante la época clásica, su trabajo, ya sea como autor o guionista, fue la base de siete películas ahora ampliamente consideradas como negras, incluidas tres de las más famosas: High Sierra (1941), This Gun for Hire (1942) y The Asphalt. Selva (1950). [44]
Las décadas de 1940 y 1950 se consideran generalmente como el período clásico del cine negro estadounidense. Mientras que City Streets y otros melodramas criminales anteriores a la Segunda Guerra Mundial, como Fury (1936) y Sólo se vive una vez (1937), ambos dirigidos por Fritz Lang, están clasificados como cine negro en toda regla en la enciclopedia de cine negro de Alain Silver y Elizabeth Ward, otros críticos tienden a describirlos como "proto-noir" o en términos similares. [45]
La película ahora más comúnmente citada como el primer cine negro "verdadero" es Un extraño en el tercer piso (1940), dirigida por Boris Ingster , nacido en Letonia y formado en la Unión Soviética . [46] El emigrado húngaro Peter Lorre , que había protagonizado M de Lang , fue el más destacado, aunque no interpretó el papel principal. (Más tarde desempeñó papeles secundarios en varias otras películas negras estadounidenses en formación). Aunque con un presupuesto modesto, en el extremo superior de la escala de películas de serie B , Stranger on the Third Floor aún así perdió su estudio, RKO , 56.000 dólares (equivalente a 1.169.748 dólares en 2022). casi un tercio de su coste total. [47] La revista Variety encontró el trabajo de Ingster: "... demasiado estudiado y, cuando es original, carece del toque [ sic ] para llamar la atención. Es una película demasiado artística para el público promedio y demasiado monótona para otros". [48] Stranger on the Third Floor no fue reconocido como el comienzo de una tendencia, y mucho menos como un nuevo género, durante muchas décadas. [46]
Quienquiera que fuera al cine con regularidad durante 1946 quedaba atrapado en medio del profundo afecto de la posguerra por el drama morboso en Hollywood. De enero a diciembre, sombras profundas, manos apretadas, revólveres que explotaban, villanos sádicos y heroínas atormentadas por enfermedades mentales profundamente arraigadas aparecieron en la pantalla en una exhibición jadeante de psiconeurosis, sexo no sublimado y asesinatos de lo más repugnantes.
Donald Marshman, Vida (25 de agosto de 1947) [49]
La mayoría del cine negro del período clásico eran igualmente largometrajes de bajo y modesto presupuesto sin grandes estrellas: películas de serie B , ya sea literalmente o en espíritu. En este contexto de producción, los escritores, directores, directores de fotografía y otros artesanos estaban relativamente libres de las limitaciones típicas del panorama general. Hubo más experimentación visual que en el cine de Hollywood en su conjunto: el expresionismo ahora estrechamente asociado con el cine negro y el estilo semidocumental que surgió más tarde representan dos tendencias muy diferentes. Las estructuras narrativas a veces involucraban flashbacks intrincados, poco comunes en producciones comerciales no negras. En términos de contenido, la aplicación del Código de Producción aseguró que ningún personaje cinematográfico pudiera literalmente salirse con la suya o ser visto compartiendo cama con alguien que no fuera su cónyuge; Sin embargo, dentro de esos límites, muchas películas ahora identificadas como negras presentan elementos de trama y diálogos que eran muy atrevidos para la época. [50]
Temáticamente, las películas negras fueron excepcionales por la relativa frecuencia con la que se centraron en representaciones de mujeres de dudosa virtud, un enfoque que se había vuelto raro en las películas de Hollywood después de mediados de la década de 1930 y el final de la era anterior al Código . La película señal en esta línea fue Double Indemnity , dirigida por Billy Wilder; Sentando el molde estaba la mujer fatal de Barbara Stanwyck , Phyllis Dietrichson, un aparente guiño a Marlene Dietrich , quien había construido su extraordinaria carrera interpretando personajes así para Sternberg. Un largometraje de nivel A, el éxito comercial de la película y siete nominaciones al Oscar la convirtieron probablemente en la más influyente de las primeras películas de cine negro. [51] Siguieron una serie de "chicas malas" del cine negro ahora reconocidas, como las interpretadas por Rita Hayworth en Gilda (1946), Lana Turner en The Postman Always Rings Twice (1946), Ava Gardner en The Killers (1946), y Jane Greer en Fuera del pasado (1947). La icónica contraparte negra de la mujer fatal, el detective privado, pasó a primer plano en películas como El halcón maltés (1941), con Humphrey Bogart como Sam Spade , y Murder, My Sweet (1944), con Dick Powell como Philip Marlowe. .
La prevalencia del detective privado como personaje principal disminuyó en el cine negro de la década de 1950, un período durante el cual varios críticos describen la forma como cada vez más centrada en psicologías extremas y más exagerada en general. [52] Un buen ejemplo es Kiss Me Deadly (1955); Basada en una novela de Mickey Spillane , el best seller de todos los autores duros, aquí el protagonista es un detective privado, Mike Hammer . Como lo describe Paul Schrader , " la dirección burlona de Robert Aldrich lleva el noir a su forma más sórdida y perversamente erótica. Hammer trastorna el inframundo en busca del 'gran qué' [que] resulta ser -broma de chistes- una explosión atómica. bomba." [53] Touch of Evil (1958), de estilo barroco, de Orson Welles, se cita con frecuencia como el último cine negro del período clásico. [54] Algunos estudiosos creen que el cine negro nunca terminó realmente, sino que continuó transformándose incluso cuando el estilo visual característico del cine negro comenzó a parecer anticuado y las condiciones cambiantes de producción llevaron a Hollywood en diferentes direcciones; desde este punto de vista, las películas posteriores a la década de 1950 en la tradición del cine negro son visto como parte de una continuidad con el cine negro clásico. [55] Sin embargo, la mayoría de los críticos consideran que las películas comparables realizadas fuera de la época clásica son algo más que un auténtico cine negro. Consideran que el verdadero cine negro pertenece a un ciclo o período temporal y geográficamente limitado, y tratan las películas posteriores que evocan los clásicos como fundamentalmente diferentes debido a cambios generales en el estilo cinematográfico y la conciencia actual del cine negro como fuente histórica de alusión . [56] Estas películas posteriores a menudo se llaman neo-noir .
Si bien el incipiente cine negro, Extraño en el tercer piso , era una película de serie B dirigida por un prácticamente desconocido, muchas de las películas de cine negro que aún se recuerdan eran producciones de primer nivel de cineastas conocidos. Debutando como director con El halcón maltés (1941), John Huston siguió con Key Largo (1948) y The Asphalt Jungle (1950). La opinión está dividida sobre el estatus de cine negro de varios thrillers de Alfred Hitchcock de la época; al menos cuatro califican por consenso: La sombra de una duda (1943), Notorious (1946), Extraños en un tren (1951) y El hombre equivocado (1956), [57] El éxito de Otto Preminger con Laura (1944) hizo su nombre y ayudó a demostrar la adaptabilidad del cine negro a una presentación brillante de 20th Century Fox . [58] Entre los directores más célebres de Hollywood de la época, podría decirse que ninguno trabajó con más frecuencia en un modo noir que Preminger; sus otras películas negras incluyen Fallen Angel (1945), Whirlpool (1949), Where the Sidewalk Ends (1950) (todas para Fox) y Angel Face (1952). Media década después de Double Indemnity y The Lost Weekend , Billy Wilder hizo Sunset Boulevard (1950) y Ace in the Hole (1951), películas negras que no eran tanto dramas criminales como sátiras sobre Hollywood y los medios de comunicación, respectivamente. In a Lonely Place (1950) fue el gran avance de Nicholas Ray ; sus otros cines negros incluyen su debut, Viven de noche (1948) y En terreno peligroso (1952), destacados por su tratamiento inusualmente comprensivo de personajes alejados de la corriente social dominante. [59]
Orson Welles tuvo notorios problemas de financiación, pero sus tres películas negras estaban bien presupuestadas: La dama de Shanghai (1947) recibió un respaldo de "prestigio" de primer nivel, mientras que El extranjero (1946), su película más convencional, y Toque de mal. (1958), un trabajo inequívocamente personal, fueron financiados en niveles más bajos pero aún proporcionales a los estrenos principales. [60] Al igual que El extraño , La mujer en la ventana (1944) de Fritz Lang fue una producción de la independiente International Pictures. La continuación de Lang, Scarlet Street (1945), fue uno de los pocos clásicos del cine negro que fue oficialmente censurado: lleno de insinuaciones eróticas, fue prohibido temporalmente en Milwaukee, Atlanta y el estado de Nueva York. [61] Scarlet Street era una película semiindependiente, copatrocinada por Universal y Diana Productions de Lang, de la cual la coprotagonista de la película, Joan Bennett , era el segundo mayor accionista. Lang, Bennett y su esposo, el veterano de Universal y jefe de producción de Diana, Walter Wanger , hicieron Secreto más allá de la puerta (1948) de manera similar. [62]
Antes de abandonar los Estados Unidos mientras estaba sujeto a la lista negra de Hollywood , Jules Dassin hizo dos películas negras clásicas que también se encontraban a caballo entre la línea principal/independiente: Brute Force (1947) y el influyente estilo documental The Naked City (1948), desarrollado por el productor Mark Hellinger. , que tenía un contrato "interno/externo" con Universal similar al de Wanger. [63] Años antes, trabajando en Warner Bros., Hellinger había producido tres películas para Raoul Walsh , los proto-noirs They Drive by Night (1940), Manpower (1941) y High Sierra (1941), ahora considerado como un trabajo fundamental. en el desarrollo del cine negro. [64] Walsh no tuvo un gran nombre durante su medio siglo como director, pero sus películas negras White Heat (1949) y The Enforcer (1951) tuvieron estrellas de primer nivel y se consideran ejemplos importantes del ciclo. [65] Otros directores asociados con las mejores películas de cine negro de Hollywood incluyen a Edward Dmytryk ( Murder, My Sweet (1944), Crossfire (1947)), el primer director importante de cine negro que cayó presa de la lista negra de la industria, así como como Henry Hathaway ( El rincón oscuro (1946), El beso de la muerte (1947)) y John Farrow ( El gran reloj (1948), La noche tiene mil ojos (1948)).
La mayoría de las películas de Hollywood consideradas clásicas del cine negro entran en la categoría de película B. [66] Algunos eran B en el sentido más preciso, producidos para aparecer en la parte inferior de billetes dobles por una unidad de bajo presupuesto de uno de los estudios más importantes o por uno de los equipos más pequeños de Poverty Row , del relativamente acomodado Monogram . a empresas más inestables como Producers Releasing Corporation (PRC) . Jacques Tourneur había obtenido más de treinta B en Hollywood (algunas ahora muy apreciadas, la mayoría olvidadas) antes de dirigir la A-level Out of the Past , descrita por el estudioso Robert Ottoson como "el ne plus ultra del cine negro de los años cuarenta". [67] Las películas con presupuestos superiores, conocidas como "intermedias" por la industria, pueden ser tratadas como películas A o B dependiendo de las circunstancias. Monogram creó Allied Artists a finales de la década de 1940 para centrarse en este tipo de producción. Robert Wise ( Born to Kill [1947], The Set-Up [1949]) y Anthony Mann ( T-Men [1947] y Raw Deal [1948]) hicieron cada uno una serie de impresionantes intermedios, muchos de ellos noirs, antes de graduarse. para trabajar de forma estable en producciones de gran presupuesto. Mann realizó algunos de sus trabajos más célebres con el director de fotografía John Alton , un especialista en lo que James Naremore llamó "momentos hipnóticos de luz en la oscuridad". [68] He Walked by Night (1948), filmada por Alton aunque atribuida únicamente a Alfred Werker, dirigida en gran parte por Mann, demuestra su dominio técnico y ejemplifica la tendencia de finales de la década de 1940 de dramas criminales " procedimentales policiales ". Fue estrenado, como otras películas negras de Mann-Alton, por la pequeña compañía Eagle-Lion ; fue la inspiración para la serie Dragnet , que debutó en la radio en 1949 y en la televisión en 1951. [69]
Varios directores asociados con el cine negro construyeron obras muy respetadas en gran medida en el nivel intermedio o de película B. Las películas brutales y visualmente enérgicas de Samuel Fuller , como Pickup on South Street (1953) y Underworld USA (1961), le valieron una reputación única; sus defensores lo elogian como "primitivo" y "bárbaro". [71] [72] Joseph H. Lewis dirigió películas negras tan diversas como Gun Crazy (1950) y The Big Combo (1955). El primero, cuyo guión fue escrito por Dalton Trumbo , incluido en la lista negra, disfrazado de fachada, presenta una secuencia de atraco a un banco mostrada en una toma ininterrumpida de más de tres minutos que fue influyente. [73] The Big Combo fue filmada por John Alton y llevó el estilo oscuro y negro a sus límites exteriores. [74] Las películas más distintivas de Phil Karlson ( The Phenix City Story [1955] y The Brothers Rico [1957]) cuentan historias de vicio organizado a escala monstruosa. [75] El trabajo de otros directores en este nivel de la industria, como Felix E. Feist ( The Devil Thumbs a Ride [1947], Tomorrow Is Another Day [1951]), se ha vuelto oscuro. Edgar G. Ulmer pasó la mayor parte de su carrera en Hollywood trabajando en estudios B y de vez en cuando en proyectos que alcanzaron un estatus intermedio; en su mayor parte, en inconfundibles Bs. En 1945, mientras estaba en la República Popular China, dirigió un clásico de culto negro, Detour . [76] Otros cines negros de Ulmer incluyen Strange Illusion (1945), también para PRC; Ruthless (1948), para Eagle-Lion, que había adquirido PRC el año anterior y Murder Is My Beat (1955), para Allied Artists.
Varias películas negras de bajo y modesto presupuesto fueron realizadas por compañías independientes, a menudo propiedad de actores, que contrataron estudios más grandes para su distribución. Como productor, escritor, director e intérprete de primer nivel, Hugo Haas hizo películas como Pickup (1951), La otra mujer (1954) y Jacques Tourneur, The Fearmakers (1958) . Fue de esta manera que la consumada actriz de cine negro Ida Lupino se estableció como la única directora en Hollywood durante finales de los años cuarenta y gran parte de los cincuenta. No aparece en la película más conocida que dirigió, The Hitch-Hiker (1953), desarrollada por su empresa, The Filmakers, con el apoyo y distribución de RKO. [77] Es uno de los siete clásicos del cine negro producidos en gran parte fuera de los principales estudios que han sido elegidos para el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos . De los demás, uno fue un lanzamiento de estudio pequeño: Detour . Cuatro fueron producciones independientes distribuidas por United Artists , el "estudio sin estudio": Gun Crazy ; Bésame mortal ; DOA (1950), dirigida por Rudolph Maté y Dulce olor a éxito (1957), dirigida por Alexander Mackendrick . Una era una independiente distribuida por MGM , líder de la industria: Force of Evil (1948), dirigida por Abraham Polonsky y protagonizada por John Garfield , ambos incluidos en la lista negra en la década de 1950. [78] La producción independiente generalmente implicaba circunstancias restringidas, pero Sweet Smell of Success , a pesar de los planes del equipo de producción, claramente no se hizo a bajo precio, aunque como muchas otras preciadas películas negras de presupuesto A, se podría decir que tiene una B- alma de película. [79]
Quizás ningún director mostró mejor ese espíritu que el alemán Robert Siodmak , que ya había realizado una veintena de películas antes de su llegada a Hollywood en 1940. Trabajando principalmente en largometrajes A, hizo ocho películas que ahora se consideran negras de la era clásica (una cifra sólo igualada por Lang y Mann). [80] Además de The Killers , el debut de Burt Lancaster y una coproducción de Hellinger/Universal, otras contribuciones importantes de Siodmak al género incluyen Phantom Lady de 1944 (una adaptación de primera línea de B y Woolrich), la titulado irónicamente Vacaciones de Navidad (1944) y Grito de la ciudad (1948). Criss Cross (1949), con Lancaster nuevamente a la cabeza, ejemplifica cómo Siodmak llevó las virtudes de la película B al A noir. Además de las restricciones relativamente más flexibles sobre el carácter y el mensaje con presupuestos más bajos, la naturaleza de la producción B se prestó al estilo noir por razones económicas: la iluminación tenue ahorraba electricidad y ayudaba a disimular decorados baratos (la niebla y el humo también contribuían a la causa). El rodaje nocturno se vio obligado a menudo por calendarios de producción apresurados. Tramas con motivaciones oscuras y transiciones intrigantemente elípticas eran a veces consecuencia de guiones escritos apresuradamente. No siempre hubo suficiente tiempo o dinero para rodar todas las escenas. En Criss Cross , Siodmak logró estos efectos, envolviéndolos alrededor de Yvonne De Carlo , quien interpretó a la mujer fatal más comprensible; Dan Duryea , en uno de sus muchos papeles de villano carismático; y Lancaster como un trabajador corriente convertido en ladrón armado, condenado por una obsesión romántica. [81]
Algunos críticos consideran el cine negro clásico como un ciclo exclusivo de Estados Unidos; Alain Silver y Elizabeth Ward, por ejemplo, sostienen: "Con el western, el cine negro comparte la distinción de ser una forma indígena americana... un estilo cinematográfico totalmente americano". [83] Sin embargo, aunque el término "cine negro" se acuñó originalmente para describir las películas de Hollywood, fue un fenómeno internacional. [84] Incluso antes del comienzo del período clásico generalmente aceptado, había películas realizadas lejos de Hollywood que pueden verse en retrospectiva como cine negro, por ejemplo, las producciones francesas Pépé le Moko (1937), dirigida por Julien Duvivier , y Le Jour se lève (1939), dirigida por Marcel Carné . [85] Además, México experimentó un vibrante período de cine negro desde aproximadamente 1946 hasta 1952, que fue aproximadamente al mismo tiempo que el cine negro estaba floreciendo en los Estados Unidos. [86]
Durante el período clásico, hubo muchas películas producidas en Europa, particularmente en Francia, que comparten elementos de estilo, temática y sensibilidad con el cine negro estadounidense y que pueden incluirse en el canon del género. En ciertos casos, la interrelación con el cine negro de Hollywood es obvia: el director estadounidense Jules Dassin se mudó a Francia a principios de los años 1950 a raíz de la lista negra de Hollywood , y realizó uno de los cine negros franceses más famosos, Rififi (1955). Otras películas francesas conocidas a menudo clasificadas como negras incluyen Quai des Orfèvres (1947) y Les Diaboliques (1955), ambas dirigidas por Henri-Georges Clouzot . Casque d'Or (1952), Touchez pas au grisbi (1954) y Le Trou (1960) dirigida por Jacques Becker ; y Ascenseur pour l'échafaud (1958), dirigida por Louis Malle . El director francés Jean-Pierre Melville es ampliamente reconocido por sus películas negras trágicas y minimalistas: Bob le flambeur (1955), del período clásico, fue seguido por Le Doulos (1962), Le deuxième souffle 1966), Le Samouraï (1967), y El círculo rojo (1970). [87] En la década de 1960, las películas negras griegas " El secreto del manto rojo " [88] y " El miedo " permitieron al público una lectura anti-capacitante que desafiaba los estereotipos de discapacidad. . [89]
El estudioso Andrew Spicer sostiene que el cine negro británico evidencia una mayor deuda con el realismo poético francés que con el estilo expresionista estadounidense. [90] Ejemplos de noir británico (a veces descrito como "Brit noir") del período clásico incluyen Brighton Rock (1947), dirigida por John Boulting ; Me hicieron fugitivo (1947), dirigida por Alberto Cavalcanti ; The Small Back Room (1948), dirigida por Michael Powell y Emeric Pressburger ; El hombre de octubre (1950), dirigida por Roy Ward Baker ; y Proyecta una sombra oscura (1955), dirigida por Lewis Gilbert . Terence Fisher dirigió varios thrillers de bajo presupuesto en modo noir para Hammer Film Productions , incluidos The Last Page (también conocido como Man Bait ; 1952), Stolen Face (1952) y Murder by Proxy (también conocido como Blackout ; 1954). Antes de partir hacia Francia, Jules Dassin se vio obligado por presiones políticas a rodar en Gran Bretaña su última película en inglés del clásico negro: Night and the City (1950). Aunque fue concebida en Estados Unidos y no sólo fue dirigida por un estadounidense sino que también está protagonizada por dos actores estadounidenses, Richard Widmark y Gene Tierney , técnicamente es una producción británica, financiada por la filial británica de 20th Century-Fox . El más famoso de los clásicos del cine negro británico es The Third Man (1949), de la directora Carol Reed , a partir de un guión de Graham Greene . Ambientada en Viena inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial, también está protagonizada por dos actores estadounidenses, Joseph Cotten y Orson Welles , que habían aparecido juntos en Ciudadano Kane . [91]
Por otra parte, el director italiano Luchino Visconti adaptó El cartero siempre llama dos veces de Cain como Ossessione (1943), considerada una de las grandes películas de cine negro y una película fundamental en el desarrollo del neorrealismo. [92] (Esta ni siquiera fue la primera versión cinematográfica de la novela de Caín, ya que fue precedida por la francesa Le Dernier Tournant en 1939.) [93] En Japón, el célebre Akira Kurosawa dirigió varias películas reconocibles como cine negro, entre ellas Drunken Angel. (1948), Perro callejero (1949), El mal sueño (1960) y Alto y bajo (1963). [94] La novela La ciudad perdida de la autora española Mercedes Formica fue adaptada al cine en 1960. [95]
Entre las primeras películas neo-noir importantes (término que a menudo se aplica a películas que conscientemente se remontan a la tradición del noir clásico) se encontraba la francesa Tirez sur le pianiste (1960), dirigida por François Truffaut a partir de una novela de uno de los más sombríos escritores estadounidenses. Escritores de ficción negra, David Goodis . [96] En muchos países del área posclásica se han producido películas policiales y melodramas negros. Algunos de ellos son neo-noirs conscientes de sí mismos por excelencia, por ejemplo, Il Conformista (1969; Italia), Der Amerikanische Freund (1977; Alemania), The Element of Crime (1984; Dinamarca) y El Aura (2005; Argentina). . Otros simplemente comparten elementos narrativos y una versión de la sensibilidad dura asociada con el cine negro clásico, como Castle of Sand (1974; Japón), Insomnia (1997; Noruega), Croupier (1998; Reino Unido) y Blind Shaft (2003; China). . [97]
El género cinematográfico neo-noir se desarrolló a mediados de la Guerra Fría. Esta tendencia cinematográfica reflejaba gran parte del cinismo y la posibilidad de aniquilación nuclear de la época. Este nuevo género introdujo innovaciones que no estaban disponibles en las películas negras anteriores. La violencia también fue más potente. [98]
Si bien es difícil trazar una línea entre algunas de las películas negras de principios de la década de 1960, como Blast of Silence (1961) y Cape Fear (1962), y las películas negras de finales de la década de 1950, surgieron nuevas tendencias en la era posclásica. The Manchurian Candidate (1962), dirigida por John Frankenheimer , Shock Corridor (1963), dirigida por Samuel Fuller , y Brainstorm (1965), dirigida por el experimentado actor de carácter negro William Conrad , tratan el tema de la desposesión mental dentro de marcos estilísticos y tonales. derivado del cine negro clásico. [99] El candidato de Manchuria examinó la situación de los prisioneros de guerra estadounidenses (POW) durante la Guerra de Corea . Los incidentes que ocurrieron durante la guerra y los de la posguerra sirvieron de inspiración para un subgénero de la "Guerra Fría Noir". [100] [101] La serie de televisión The Fugitive (1963-1967) trajo temas y atmósferas del cine negro clásico a la pantalla chica durante un período prolongado. [99]
En un sentido diferente, comenzaron a aparecer películas que conscientemente reconocían las convenciones del cine negro clásico como arquetipos históricos que debían ser revividos, rechazados o reinventados. Estos esfuerzos tipifican lo que llegó a conocerse como neo-noir. [103] Aunque varias películas negras clásicas tardías, Kiss Me Deadly (1955) en particular, eran profundamente conocedoras de sí mismas y de concepción post-tradicional, ninguna inclinó la mano de manera tan evidente como para ser destacada por los críticos estadounidenses de la época. [104] La primera película importante que trabajó abiertamente este ángulo fue À bout de souffle ( Sin aliento , 1960), del director francés Jean-Luc Godard , que rinde sus respetos literales a Bogart y sus películas policiales mientras blande un estilo nuevo y audaz para una nuevo día. [105] En Estados Unidos, Arthur Penn ( Mickey One , de 1965 , inspirándose en Tirez sur le pianiste de Truffaut y otras películas francesas de la Nueva Ola ), John Boorman ( Point Blank , de 1967 , igualmente atrapado, aunque en la perspectiva más profunda de la Nouvelle vague Waters) y Alan J. Pakula ( Klute , 1971 ) dirigieron películas que conscientemente se relacionaban con las películas negras originales, invitando al público a participar en el juego. [106]
Una afiliación manifiesta con las tradiciones del cine negro (que, por su naturaleza, permite inferir diferentes tipos de comentarios sobre ellas) también puede proporcionar la base para críticas explícitas de esas tradiciones. En 1973, el director Robert Altman se burló de la piedad del cine negro con The Long Goodbye . Basada en la novela de Raymond Chandler, presenta a uno de los personajes más famosos de Bogart, pero de manera iconoclasta : Philip Marlowe, el prototipo de detective duro, es interpretado como un desventurado inadaptado, casi ridículamente fuera de contacto con las costumbres y la moralidad contemporáneas. [107] Mientras que la subversión de Altman del mito del cine negro era tan irreverente que indignó a algunos críticos contemporáneos, [108] casi al mismo tiempo Woody Allen estaba rindiendo homenaje afectuoso, en algunos puntos idólatra, al modo clásico con Play It Again, Sam (1972). ). La película " blaxploitation " Shaft (1971), en la que Richard Roundtree interpreta al detective privado afroamericano titular, John Shaft , toma convenciones del cine negro clásico.
El más aclamado de los neo-noirs de la época fue Chinatown (1974) del director Roman Polanski . [109] Escrito por Robert Towne , está ambientado en Los Ángeles de la década de 1930, un lugar acostumbrado al cine negro retrocedido algunos años de una manera que hace que la pérdida fundamental de la inocencia en la historia sea aún más cruel. Mientras que Polanski y Towne llevaron el cine negro a un apogeo negro al volverse hacia atrás, el director Martin Scorsese y el guionista Paul Schrader llevaron la actitud del cine negro a la actualidad con Taxi Driver (1976), un brillo chispeante y sangriento sobre la América bicentenaria. [110] En 1978, Walter Hill escribió y dirigió The Driver , una película de persecuciones como podría haberla imaginado Jean-Pierre Melville en un tono especialmente abstracto. [111]
Hill ya era una figura central en el cine negro de la década de 1970 de una manera más directa, después de haber escrito el guión de The Getaway (1972) del director Sam Peckinpah, adaptando una novela del maestro pulp Jim Thompson , así como de dos duras películas de detectives privados: un guión original para Hickey & Boggs (1972) y una adaptación de una novela de Ross Macdonald , el principal descendiente literario de Hammett y Chandler, para The Drowning Pool (1975). De hecho, algunas de las películas negras más fuertes de la década de 1970 fueron remakes de los clásicos, "neo" en su mayoría por defecto: la desgarradora Thieves Like Us (1974), dirigida por Altman de la misma fuente que They Live by Night , de Ray , y Farewell, My Lovely (1975), el cuento de Chandler hecho clásicamente como Murder, My Sweet , rehecho aquí con Robert Mitchum en su último papel notable en el cine negro. [112] Las series de detectives, frecuentes en la televisión estadounidense durante el período, actualizaron la tradición incondicional de diferentes maneras, pero el programa que evoca el tono más negro fue un crossover de terror con un toque de humor desgreñado al estilo Long Goodbye : Kolchak: The Night Stalker ( 1974-75), que presenta a un periodista de Chicago que investiga sucesos extraños, generalmente sobrenaturales. [113]
El cambio de década trajo la película en blanco y negro Toro salvaje (1980, coescrita por Schrader) de Scorsese. Una obra maestra reconocida (en 2007 el American Film Institute la clasificó como la mejor película estadounidense de la década de 1980 y la cuarta mejor de todos los tiempos) cuenta la historia de la autodestrucción moral de un boxeador que recuerda, tanto en el tema como en el ambiente visual, dramas negros como como Cuerpo y alma (1947) y Campeón (1949). [115] De 1981, Body Heat , escrita y dirigida por Lawrence Kasdan , invoca un conjunto diferente de elementos clásicos del noir, esta vez en un ambiente húmedo y cargado de erotismo en Florida. Su éxito confirmó la viabilidad comercial del neo-noir en un momento en el que los grandes estudios de Hollywood se volvían cada vez más reacios al riesgo. La incorporación del neo-noir es evidente en películas como Black Widow (1987), Shattered (1991) y Final Analysis (1992). [116] Pocos neo-noirs han ganado más dinero o han actualizado más ingeniosamente la tradición del doble sentido noir que Basic Instinct (1992), dirigida por Paul Verhoeven y escrita por Joe Eszterhas . [117] La película también demuestra cómo la paleta policromada del neo-noir puede reproducir muchos de los efectos expresionistas del clásico negro en blanco y negro. [114]
Al igual que Chinatown , su predecesora más compleja, LA Confidential (1997), ganadora del Oscar, de Curtis Hanson , basada en la novela de James Ellroy , demuestra la tendencia opuesta: el cine negro deliberadamente retro; Su historia de policías corruptos y mujeres fatales parece sacada directamente de una película de 1953, el año en el que se desarrolla. [118] El director David Fincher siguió al inmensamente exitoso neo-noir Seven (1995) con una película que se convirtió en una película de culto después de su decepcionante estreno original: Fight Club (1999), una mezcla sui generis de estética noir, comedia perversa y contenido especulativo e intención satírica. [119]
Trabajando generalmente con presupuestos mucho más reducidos, los hermanos Joel y Ethan Coen han creado una de las obras más extensas influenciadas por el cine negro clásico, con películas como Blood Simple (1984) y Fargo (1996), esta última considerada por algunos una obra suprema en el cine. modo neo-noir. [121] Los Coen cruzan el cine negro con otras tradiciones genéricas en el drama de gánsteres Miller's Crossing (1990), basado libremente en las novelas de Dashiell Hammett Red Harvest y The Glass Key , y en la comedia The Big Lebowski (1998), un tributo a Chandler y un homenaje a la versión de Altman de The Long Goodbye . [122] La obra característica de David Lynch combina tropos del cine negro con escenarios impulsados por personajes perturbados como el criminal sociópata interpretado por Dennis Hopper en Blue Velvet (1986) y el delirante protagonista de Lost Highway (1997). El ciclo Twin Peaks , tanto la serie de televisión (1990-1991) como la película, Fire Walk with Me (1992), somete una trama detectivesca a una sucesión de extraños espasmos. David Cronenberg también mezcla surrealismo y cine negro en Naked Lunch (1991), inspirada en la novela de William S. Burroughs .
Quizás ningún neo-noir estadounidense refleje mejor el espíritu clásico del cine negro de serie B que los del director y escritor Quentin Tarantino . [123] Sus neo-noirs, como Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994), muestran una sensibilidad implacablemente autorreflexiva, a veces irónica, similar al trabajo de los directores de la Nueva Ola y los Coen. Otras películas de la época fácilmente identificables como neo-noir (algunas retro, otras más au courant) incluyen Kill Me Again (1989), Red Rock West (1992) y The Last Seduction (1993), del director John Dahl ; cuatro adaptaciones de novelas de Jim Thompson: The Kill-Off (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Grifters (1990) y la nueva versión de The Getaway (1994); y muchos más, incluidas adaptaciones de la obra de otros importantes escritores de ficción negra: The Hot Spot (1990), de Hell Hath No Fury , de Charles Williams ; Miami Blues (1990), de la novela de Charles Willeford ; y Fuera de la vista (1998), de la novela de Elmore Leonard . [124] Varias películas del director y escritor David Mamet involucran elementos noir: House of Games (1987), Homicide (1991), [125] The Spanish Prisoner (1997) y Heist (2001). [126] En televisión, Pluriempleo (1985–89) rindió homenaje al cine negro clásico y demostró una apreciación inusual del sentido del humor que a menudo se encuentra en el ciclo original. [124] Entre 1983 y 1989, el duro detective privado de Mickey Spillane , Mike Hammer, fue interpretado con irónico gusto por Stacy Keach en una serie y en varias películas independientes para televisión (siguió un resurgimiento fallido en 1997-1998). La miniserie británica The Singing Detective (1986), escrita por Dennis Potter , cuenta la historia de un escritor de misterio llamado Philip Marlow; Considerada ampliamente como una de las mejores películas neo-noirs en cualquier medio, algunos críticos la ubican entre las mejores producciones televisivas de todos los tiempos. [127]
Entre los autores de gran presupuesto, Michael Mann ha trabajado frecuentemente en un estilo neo-noir, con películas como Thief (1981) [125] y Heat (1995) y las series de televisión Miami Vice (1984-89) y Crime Story (1986). –88). La producción de Mann ejemplifica una variedad primaria de neo-noir, o como se le llama cariñosamente, "neon noir", [128] [129] en el que se revisan temas y tropos clásicos en un entorno contemporáneo con un estilo visual actualizado. y banda sonora musical basada en rock o hip hop . [130]
El cine neo-noir toma prestado y refleja muchas de las características del cine negro: la presencia de crimen y violencia, personajes y tramas complejos, misterio y ambivalencia moral, todo lo cual entra en juego en el sub-cine negro-neón. género. Pero más que simplemente exhibir los rasgos superficiales del género, el neon-noir enfatiza la sociocrítica del cine negro, recordando las dimensiones socioculturales específicas de los años de entreguerras, cuando el cine negro se hizo prominente por primera vez; una época de crisis existencial global, depresión y movimiento masivo de la población rural hacia las ciudades. Planos largos o montajes de paisajes urbanos, a menudo retratados como oscuros y amenazantes, sugieren lo que Dueck denominó una "perspectiva social sombría", [131] que ofrece una crítica al capitalismo y el consumismo global . Otras características incluyen el uso de técnicas de iluminación muy estilizadas como claroscuro , letreros de neón y edificios brillantemente iluminados que brindan una sensación de alienación y atrapamiento .
Acentuando el uso de iluminación artificial y de neón en el cine negro de los años 40 y 50, las películas de neón negro acentúan esta estética con colores electrizantes y luces manipuladas para resaltar sus críticas socioculturales y sus referencias a lo contemporáneo y al pop. cultura. Al hacerlo, las películas de neón negro presentan los temas de la decadencia urbana, la decadencia consumista y el capitalismo, el existencialismo , la sexualidad y las cuestiones de raza y violencia en la cultura contemporánea, no sólo en Estados Unidos, sino en el mundo globalizado en general.
Los neon-noirs buscan devolver el noir contemporáneo, algo diluido bajo el paraguas del neo-noir, a la exploración de la cultura: clase, raza, género, patriarcado y capitalismo. Los neon-noirs presentan una exploración existencial de la sociedad en un mundo hipertecnológico y globalizado. Al ilustrar la sociedad como decadente y consumista , y la identidad como confusa y ansiosa, los neon-noirs reposicionan el noir contemporáneo en un escenario de decadencia urbana , a menudo presentando escenas ambientadas en lugares subterráneos de la ciudad: burdeles, clubes nocturnos, casinos, bares de striptease, casas de empeño, lavanderías.
Los neon-noirs se popularizaron en los años 70 y 80 con películas como Taxi Driver (1976), Blade Runner (1982), [132] y películas de David Lynch , como Blue Velvet (1986) y más tarde, Lost Highway ( 1997). Otros títulos de esta época incluyeron Blow Out (1981) de Brian De Palma y el debut de los hermanos Coen, Blood Simple (1984). [133] [134] Más actualmente, películas como la muy provocativa Spring Breakers (2012) de Harmony Korine , [135] y Trance (2013) de Danny Boyle se han destacado especialmente por su interpretación del cine negro con infusión de neón; mientras que Trance era celebrado por "sacudir los ingredientes (del noir) como arena coloreada en un frasco", Spring Breakers produjo notoriamente una gran cantidad de críticas [136] refiriéndose a su estética de "sueño febril" y su "recubrimiento de neón". explosión del exceso' (Kohn). [137] Otro neon-noir dotado de la estética del 'sueño febril' es The Persian Connection , expresamente vinculado a la estética lynchiana como un noir contemporáneo empapado de neón. [138]
Neon-noir puede verse como una respuesta al uso excesivo del término neo-noir. Si bien el término neo-noir sirve para incorporar el noir al panorama contemporáneo, a menudo ha sido criticado por su dilución del género noir. El autor Robert Arnett comentó sobre su alcance "amorfo": "cualquier película protagonizada por un detective o un crimen califica". [139] El neon-noir, más específicamente, busca revivir las sensibilidades del noir en una forma de referencia más específica, focalizando el comentario sociocultural y una estética hiperestilizada.
Los hermanos Coen vuelven a hacer referencia a la tradición del cine negro con El hombre que no estaba allí (2001); un melodrama criminal en blanco y negro ambientado en 1949; presenta una escena aparentemente preparada para reflejar una de Fuera del Pasado . Mulholland Drive (2001) , de Lynch , continuó en su vena característica, convirtiendo el clásico escenario del cine negro de Los Ángeles en el lugar para un rompecabezas psicológico con influencias del cine negro. El debut en blanco y negro del director británico Christopher Nolan , Following (1998), fue un homenaje abierto al cine negro clásico. Durante la primera década del nuevo siglo, fue uno de los principales directores de neo-noir de Hollywood con la aclamada Memento (2000) y la nueva versión de Insomnia (2002). [140]
The Pledge (2001), del director Sean Penn , aunque adaptada de una novela muy autorreflexiva de Friedrich Dürrenmatt , interpreta el cine negro de manera comparativamente directa, con un efecto devastador [ se discute la neutralidad ] . [141] El guionista David Ayer actualizó la clásica historia negra de policías malos, representada por Shield for Murder (1954) y Rogue Cop (1954), con sus guiones para Training Day (2001) y, adaptando una historia de James Ellroy, Dark Blue. (2002); Más tarde escribió y dirigió Harsh Times (2006), aún más oscura. Collateral (2004) , de Michael Mann , presenta una actuación de Tom Cruise como un asesino del linaje de Le Samouraï . Los tormentos de The Machinist (2004), dirigida por Brad Anderson , evocan tanto Fight Club como Memento . [142] En 2005, Shane Black dirigió Kiss Kiss Bang Bang , basando su guión en parte en una novela policíaca de Brett Halliday , quien publicó sus primeras historias allá por la década de 1920. La película juega con la conciencia no sólo del noir clásico sino también de la propia reflexividad del neo-noir. [143]
Con películas ultraviolentas como Sympathy for Mr. Vengeance (2002) y Thirst (2009), Park Chan-wook de Corea del Sur ha sido el director más destacado fuera de Estados Unidos que ha trabajado regularmente en un modo noir en el nuevo milenio. . [144] El neo-noir de mayor éxito comercial de este período ha sido Sin City (2005), dirigida por Robert Rodríguez en blanco y negro extravagantemente estilizado con toques de color. [145] La película está basada en una serie de cómics creados por Frank Miller (acreditado como codirector de la película), que a su vez están abiertamente en deuda con las obras de Spillane y otros autores de misterio pulp . [146] [147] De manera similar, las novelas gráficas proporcionan la base para Road to Perdition (2002), dirigida por Sam Mendes , y A History of Violence (2005), dirigida por David Cronenberg ; esta última fue elegida mejor película del año en la encuesta anual de Village Voice . [148] Brick (2005), del escritor y director Rian Johnson , que presenta a estudiantes de secundaria actuales que hablan una versión del argot duro de los años 30, ganó el Premio Especial del Jurado por la Originalidad de la Visión en el Festival de Cine de Sundance . La serie de televisión Veronica Mars (2004-2007) y la película Veronica Mars (2014) también aportaron un giro juvenil al cine negro. Ejemplos de este tipo de cruce genérico han sido denominados "teen noir". [149] [150]
Las películas neo-noir estrenadas en la década de 2010 incluyen I Saw the Devil (2010) de Kim Jee-woon , Point Blank (2010) de Fred Cavaye , The Yellow Sea (2010) de Na Hong-jin y Drive de Nicolas Winding Refn. (2011), [151] Bastards de Claire Denis (2013) [152] [153] y Nightcrawler de Dan Gilroy (2014).
Science Channel transmitió la serie de documentales científicos de 2021 Killers of the Cosmos en un formato que describe como "space noir". En la serie, el actor Aidan Gillen en forma animada actúa como presentador de la serie mientras interpreta a un investigador privado que se encarga de "casos" en los que "caza" amenazas letales a la humanidad que plantea el cosmos . Las secuencias animadas combinan las características del cine negro con las de una novela gráfica pulp fiction ambientada a mediados del siglo XX, y vinculan segmentos documentales convencionales de acción real en los que los expertos describen fenómenos potencialmente mortales. [154] [155] [156] [157]
En la era posclásica, una tendencia significativa en los cruces del cine negro ha involucrado la ciencia ficción . En Alphaville (1965) , de Jean-Luc Godard , Lemmy Caution es el nombre del detective privado de la vieja escuela en la ciudad del mañana. The Groundstar Conspiracy (1972) se centra en otro investigador implacable y un amnésico llamado Welles. Soylent Green (1973), el primer gran ejemplo estadounidense, retrata un mundo distópico en un futuro cercano a través de una trama de detección noir; Protagonizada por Charlton Heston (el protagonista de Touch of Evil ), también cuenta con los clásicos del cine negro Joseph Cotten, Edward G. Robinson y Whit Bissell . La película fue dirigida por Richard Fleischer , quien dos décadas antes había dirigido varios B noir fuertes, incluidos Armored Car Robbery (1950) y The Narrow Margin (1952). [160]
La perspectiva cínica y estilizada del cine negro clásico tuvo un efecto formativo en el género ciberpunk de ciencia ficción que surgió a principios de los años 1980; la película que más directamente influyó en el cyberpunk fue Blade Runner (1982), dirigida por Ridley Scott , que rinde un evocador homenaje al género negro clásico [161] (Scott dirigió posteriormente el conmovedor melodrama policial negro de 1987 Alguien que me cuide ). El académico Jamaluddin Bin Aziz ha observado cómo "la sombra de Philip Marlowe persiste" en otras películas del "futuro negro" como 12 Monkeys (1995), Dark City (1998) y Minority Report (2002). [162] El debut cinematográfico de Fincher fue Alien 3 (1992), que evocaba la clásica película negra carcelaria Brute Force .
Crash (1996) de David Cronenberg , una adaptación de la novela especulativa de JG Ballard , ha sido descrita como un "cine negro en tonos moretones". [163] El héroe es objeto de investigación en Gattaca (1997), que fusiona motivos del cine negro con un escenario deudor de Un mundo feliz . The Thirteenth Floor (1999), al igual que Blade Runner , es un homenaje explícito al cine negro clásico, en este caso involucrando especulaciones sobre la realidad virtual . La ciencia ficción, el cine negro y el anime se aúnan en las películas japonesas de los 90 Ghost in the Shell (1995) y Ghost in the Shell 2: Innocence (2004), ambas dirigidas por Mamoru Oshii . [164] The Animatrix (2003), basado y ambientado en el mundo de la trilogía cinematográfica The Matrix , contiene un cortometraje de anime en estilo negro clásico titulado "A Detective Story". [165] Las series de televisión de anime con temas de ciencia ficción negra incluyen Noir (2001) [164] y Cowboy Bebop (1998). [166]
La película de 2015 Ex Machina le da un discreto giro de cine negro al mito de Frankenstein , con la sensible androide Ava como una potencial mujer fatal , su creador Nathan encarnando el tropo de marido o padre abusivo, y su aspirante a salvador Caleb como un "vagabundo despistado". " cautivado por Ava. [167]
El cine negro ha sido parodiado muchas veces de muchas maneras. En 1945, Danny Kaye protagonizó lo que parece ser la primera parodia intencional del cine negro, Wonder Man . [168] Ese mismo año, Deanna Durbin fue la cantante principal de la comedia negra Lady on a Train , que se burla del melancólico miserablismo al estilo de Woolrich. Bob Hope inauguró la parodia del detective privado con Mi morena favorita (1947), interpretando a un fotógrafo de bebés al que confunden con un detective con mano de hierro. [168] También en 1947, The Bowery Boys aparecieron en Hard Boiled Mahoney , que tenía una trama similar de identidad equivocada; parodiaron el género una vez más en Private Eyes (1953). Dos producciones de RKO protagonizadas por Robert Mitchum llevan el cine negro más allá de la frontera hacia la autoparodia: The Big Steal (1949), dirigida por Don Siegel , y His Kind of Woman (1951). [b] El ballet "Girl Hunt" de The Band Wagon (1953) de Vincente Minnelli es una destilación de diez minutos de (y un juego) del noir en la danza. [169] The Cheap Detective (1978), protagonizada por Peter Falk , es una parodia amplia de varias películas, incluidos los clásicos de Bogart The Maltese Falcon y Casablanca . Dead Men Don't Wear Plaid (1982) , en blanco y negro de Carl Reiner , se apropia de fragmentos de clásicos del cine negro para crear un pastiche ridículo , mientras que su Fatal Instinct (1993) presenta clásicos del cine negro ( Double Indemnity ) y neo-noir ( Basic ). Instinto ). Quién engañó a Roger Rabbit (1988) de Robert Zemeckis desarrolla una trama negra ambientada en Los Ángeles de la década de 1940 en torno a una serie de personajes de dibujos animados. [170]
Las parodias del cine negro también vienen en tonos más oscuros. Asesinato por contrato (1958), dirigida por Irving Lerner , es una broma inexpresiva sobre el cine negro, con un desenlace tan sombrío como cualquiera de las películas que aborda. Una producción de Columbia Pictures de muy bajo presupuesto , puede calificarse como el primer ejemplo intencional de lo que ahora se llama una película neo-noir; Probablemente fue una fuente de inspiración tanto para Le Samouraï de Melville como para Taxi Driver de Scorsese . [171] Contrariamente a su tono paródico, el acto final de The Long Goodbye es seriamente grave. Taxi Driver deconstruye cáusticamente la "oscura" película policial, llevándola a un extremo absurdo y luego ofreciendo una conclusión que logra burlarse de cada posible final anticipado (triunfante, trágico, ingeniosamente ambivalente) y al mismo tiempo es cada uno de ellos, todos a la vez. [172] Coqueteando aún más descaradamente con el estatus de splatter , Blood Simple de los Coen es a la vez un pastiche exigente y una gran exageración del cine negro clásico. [173] Adaptado por el director Robinson Devor de una novela de Charles Willeford , The Woman Chaser (1999) presenta no solo el modo noir sino todo el proceso cinematográfico de Hollywood, con cada toma aparentemente escenificada como el equivalente visual de una mordaz broma de Marlowe. [174]
En otros medios, la serie de televisión Sledge Hammer! (1986–88) satiriza el cine negro, junto con temas como la pena capital , el fetichismo de las armas y Harry el sucio . Barrio Sésamo (1969 – actual) ocasionalmente presenta a Kermit the Frog como un detective privado; Los bocetos hacen referencia a algunos de los motivos típicos del cine negro, en particular la voz en off. El programa de radio de Garrison Keillor, A Prairie Home Companion, presenta al personaje recurrente Guy Noir , un detective duro cuyas aventuras siempre terminan en una farsa (Guy también aparece en la película dirigida por Altman basada en el programa de Keillor). Nick Danger de Firesign Theatre ha recorrido las mismas calles no tan malas, tanto en la radio como en álbumes de comedia. Dibujos animados como Babes and Bullets (1989) de Garfield y personajes de historietas como Tracer Bullet de Calvin y Hobbes han parodiado tanto el cine negro como la tradición afín, una de las fuentes de las que surgió el cine negro y que ahora eclipsa. [175] It's Always Sunny in Philadelphia parodió el género negro en el episodio de la temporada 14 "The Janitor Always Mops Twice". [176] [177]
En su canon original de cine negro de 1955, Raymond Borde y Etienne Chaumeton identificaron veintidós películas de Hollywood estrenadas entre 1941 y 1952 como ejemplos centrales; enumeraron otras cincuenta y nueve películas estadounidenses de la época como significativamente relacionadas con el campo del cine negro. [180] Medio siglo después, los historiadores y críticos de cine habían llegado a un acuerdo sobre un canon de aproximadamente trescientas películas de 1940 a 1958. [181] Sin embargo, persisten muchas diferencias de opinión sobre si otras películas de la época, entre ellas algunas muy conocidas, calificadas como cine negro o no. Por ejemplo, La noche del cazador (1955), protagonizada por Robert Mitchum en una actuación aclamada, es tratada como cine negro por algunos críticos, pero no por otros. [182] Algunos críticos incluyen Suspicion (1941), dirigida por Alfred Hitchcock, en sus catálogos de cine negro; otros lo ignoran. [183] En lo que respecta a las películas realizadas antes o después del período clásico, o fuera de los Estados Unidos en cualquier momento, el consenso es aún más raro.
Para respaldar su categorización de ciertas películas como noirs y su rechazo de otras, muchos críticos se refieren a un conjunto de elementos que consideran ejemplos característicos de este género. La cuestión de qué constituye el conjunto de características identificativas del cine negro es una fuente fundamental de controversia. Por ejemplo, los críticos tienden a definir el modelo de cine negro como si tuviera una conclusión trágica o sombría, [184] pero muchos clásicos reconocidos del género tienen finales claramente felices (por ejemplo, Un extraño en el tercer piso, El gran sueño , Pasaje oscuro y The Dark Corner ), mientras que el tono de muchos otros desenlaces del cine negro es ambivalente. [185] Algunos críticos perciben el sello distintivo del cine negro clásico como un estilo visual distintivo. Otros, al observar que en realidad existe una considerable variedad estilística entre las novelas negras, enfatizan la trama y el tipo de personaje. Otros más se centran en el estado de ánimo y la actitud. Por tanto, ningún estudio sobre las características identificativas del cine negro clásico puede considerarse definitivo. En las décadas de 1990 y 2000, los críticos dirigieron cada vez más su atención a ese campo diverso de películas llamado neo-noir; Una vez más, hay aún menos consenso sobre los atributos definitorios de este tipo de películas realizadas fuera del período clásico. [186] Roger Ebert ofreció "Una guía para el cine negro", escribiendo que "El cine negro es...
Los esquemas de iluminación discretos de muchas películas negras clásicas se asocian con marcados contrastes de luz y oscuridad y patrones de sombras dramáticos, un estilo conocido como claroscuro (un término adoptado de la pintura del Renacimiento). [c] Las sombras de las persianas venecianas o las barandillas, proyectadas sobre un actor, una pared o un decorado completo, son una imagen icónica del cine negro y ya se habían convertido en un cliché mucho antes de la era neo-noir. Los rostros de los personajes pueden quedar parcial o totalmente oscurecidos por la oscuridad, una relativa rareza en el cine convencional de Hollywood. Si bien muchos consideran que la cinematografía en blanco y negro es uno de los atributos esenciales del cine negro clásico, las películas en color Leave Her to Heaven (1945) y Niagara (1953) se incluyen habitualmente en las filmografías de cine negro, mientras que Slightly Scarlet (1956) , Party Girl (1958) y Vertigo (1958) están clasificadas como noir por un número variable de críticos. [188]
El cine negro también es conocido por su uso de tomas en ángulo bajo , gran angular y sesgadas o en ángulo holandés . Otros dispositivos de desorientación relativamente comunes en el cine negro incluyen tomas de personas reflejadas en uno o más espejos, tomas a través de vidrio curvo o esmerilado u otros objetos distorsionantes (como durante la escena del estrangulamiento en Extraños en un tren ) y secuencias de efectos especiales de un naturaleza a veces extraña. A menudo se empleaba el rodaje noche por noche , a diferencia de la norma hollywoodense de día por noche . [189] Desde mediados de la década de 1940 en adelante, los rodajes en exteriores se hicieron cada vez más frecuentes en el cine negro. [190]
En un análisis del enfoque visual de Kiss Me Deadly , un ejemplo tardío y conscientemente estilizado del cine negro clásico, el crítico Alain Silver describe cómo las opciones cinematográficas enfatizan los temas y el estado de ánimo de la historia. En una escena, los personajes, vistos a través de una "confusión de formas angulares", aparecen "atrapados en un vórtice tangible o encerrados en una trampa". Silver defiende cómo "se utiliza la luz lateral... para reflejar la ambivalencia de los personajes", mientras que las tomas de personajes en las que están iluminados desde abajo "se ajustan a una convención de expresión visual que asocia las sombras proyectadas hacia arriba del rostro con lo antinatural". y siniestro". [191]
Las películas negras tienden a tener tramas inusualmente complicadas, que frecuentemente involucran flashbacks y otras técnicas de edición que interrumpen y, a veces, oscurecen la secuencia narrativa . Enmarcar toda la narrativa principal como un flashback también es un recurso estándar. La narración en off, utilizada a veces como dispositivo estructurante, pasó a ser vista como un sello distintivo del cine negro; mientras que el cine negro clásico se asocia generalmente con la narración en primera persona (es decir, por el protagonista), Stephen Neale señala que la narración en tercera persona es común entre los cines negros de estilo semidocumental. [193] Neo-noirs tan variados como The Element of Crime (surrealista), After Dark, My Sweet (retro) y Kiss Kiss Bang Bang (meta) han empleado la combinación flashback/voz en off.
En ocasiones se intentaron experimentos audaces en la narración cinematográfica durante la era clásica: La dama del lago , por ejemplo, está filmada íntegramente desde el punto de vista del protagonista Philip Marlowe; El rostro de la estrella (y director) Robert Montgomery sólo se ve en los espejos. [194] The Chase (1946) toma el onirismo y el fatalismo como base para su sistema narrativo fantástico, que recuerda a ciertas historias de terror, pero con pocos precedentes en el contexto de un género supuestamente realista. A su manera, tanto Sunset Boulevard como DOA son historias contadas por hombres muertos. El cine negro de los últimos tiempos ha estado a la vanguardia de la experimentación estructural en el cine popular, como lo ejemplifican películas como Pulp Fiction , Fight Club y Memento . [195]
El crimen, normalmente el asesinato, es un elemento de casi todas las películas negras; Además de la avaricia habitual, los celos son con frecuencia la motivación criminal. La investigación de un crimen, realizada por un detective privado, un detective de la policía (a veces actuando solo) o un aficionado preocupado, es la trama básica más frecuente, pero lejos de ser dominante. En otras tramas comunes, los protagonistas están implicados en atracos o estafas , o en conspiraciones asesinas que a menudo involucran asuntos adúlteros. Falsas sospechas y acusaciones de delitos son elementos frecuentes de la trama, al igual que traiciones y traiciones. Según J. David Slocum, "los protagonistas asumen las identidades literales de hombres muertos en casi el quince por ciento de todo el cine negro". [196] La amnesia es bastante epidémica: "la versión negra del resfriado común", en palabras del historiador de cine Lee Server . [197]
El cine negro tiende a girar en torno a héroes que son más defectuosos y moralmente cuestionables que la norma, a menudo tipos caen de un tipo u otro. Muchos críticos describen a los protagonistas característicos del cine negro como " alienados "; [199] en palabras de Silver y Ward, "lleno de amargura existencial ". [200] Ciertos personajes arquetípicos aparecen en muchas películas negras: detectives duros, mujeres fatales, policías corruptos, maridos celosos, intrépidos ajustadores de reclamaciones y escritores deprimidos. Entre personajes de todo tipo, el tabaquismo está muy extendido. [201] Desde comentaristas históricos hasta imágenes neo-noir y efímeras de la cultura pop, el detective privado y la mujer fatal han sido adoptados como las figuras por excelencia del cine negro, aunque no aparecen en la mayoría de las películas que ahora se consideran clásicas. De los veintiséis películas negras del Registro Nacional de Cine, sólo en cuatro la estrella interpreta a un detective privado: El halcón maltés , El gran sueño , Fuera del pasado y Bésame mortal . Sólo otras cuatro califican fácilmente como historias de detectives: Laura , The Killers , The Naked City y Touch of Evil . Generalmente hay un elemento de consumo de drogas o alcohol, particularmente como parte del método del detective para resolver el crimen, como por ejemplo el personaje de Mike Hammer en la película Kiss Me Deadly de 1955 , que entra a un bar diciendo: "Dame un bourbon doble". , y deja la botella". Chaumeton y Borde han argumentado que el cine negro surgió de la "literatura sobre las drogas y el alcohol". [202]
El cine negro a menudo se asocia con un entorno urbano, y algunas ciudades (Los Ángeles, San Francisco, Nueva York y Chicago, en particular) son la ubicación de muchas de las películas clásicas. A los ojos de muchos críticos, la ciudad se presenta en el cine negro como un "laberinto" o "laberinto". [203] Bares, salones, discotecas y garitos de juego son frecuentemente escenario de acción. Los clímax de un número sustancial de películas negras tienen lugar en entornos visualmente complejos, a menudo industriales, como refinerías, fábricas, estaciones de tren, centrales eléctricas; el más famoso es la explosiva conclusión de White Heat , ambientada en una planta química. [204] En la imaginación popular (y, con bastante frecuencia, crítica), en el cine negro siempre es de noche y siempre llueve. [205]
Una tendencia sustancial dentro del cine negro moderno, apodada "film soleil" por el crítico DK Holm , va precisamente en la dirección opuesta, con historias de engaño, seducción y corrupción que explotan escenarios luminosos y bañados por el sol, estereotípicamente el desierto o el mar abierto. hasta lograr un efecto abrasador. Entre los predecesores importantes de las épocas clásica y posclásica temprana se incluyen La dama de Shanghai ; el vehículo de Robert Ryan Inferno (1953); la adaptación francesa de The Talented Mr. Ripley, de Patricia Highsmith , Plein soleil ( Purple Noon en Estados Unidos, traducido con mayor precisión en otros lugares como Blazing Sun o Full Sun ; 1960); y la versión del director Don Siegel de The Killers (1964). La tendencia alcanzó su apogeo a finales de los años 1980 y 1990, con películas como Dead Calm (1989), After Dark, My Sweet (1990), The Hot Spot (1990), Delusion (1991), Red Rock West (1993). y la serie de televisión Miami Vice . [206]
El cine negro a menudo se describe como esencialmente pesimista. [207] Las historias de cine negro que se consideran más características hablan de personas atrapadas en situaciones no deseadas (que, en general, no causaron sino que son responsables de exacerbarlas), luchando contra un destino aleatorio e indiferente, y con frecuencia están condenadas al fracaso. Se considera que las películas representan un mundo inherentemente corrupto. [208] Muchos críticos han asociado el cine negro clásico con el panorama social estadounidense de la época, en particular, con una sensación de mayor ansiedad y alienación que se dice que siguió a la Segunda Guerra Mundial. En opinión del autor Nicholas Christopher , "es como si la guerra y las erupciones sociales posteriores hubieran desatado demonios que habían estado reprimidos en la psique nacional". [209] A menudo se dice que las películas negras, especialmente las de la década de 1950 y el apogeo del Terror Rojo , reflejan paranoia cultural; Kiss Me Deadly es el cine negro que se presenta con más frecuencia como prueba de esta afirmación. [210]
A menudo se dice que el cine negro se define por la "ambigüedad moral", [211] sin embargo, el Código de Producción obligaba a casi todos los cines negros clásicos a ver que la virtud inquebrantable era en última instancia recompensada y el vicio, en ausencia de vergüenza y redención, castigado severamente (por dramáticamente que fuera). increíble que pueda ser la prestación final de justicia obligatoria). Un número sustancial de películas negras de los últimos tiempos desacatan tales convenciones: el vicio emerge triunfante en películas tan variadas como la sombría Chinatown y la obscena Hot Spot . [212]
El tono del cine negro se considera generalmente pesimista; algunos críticos lo consideran aún más oscuro: "abrumadoramente negro", según Robert Ottoson. [213] El influyente crítico (y cineasta) Paul Schrader escribió en un ensayo fundamental de 1972 que " el cine negro se define por el tono", un tono que parece percibir como "desesperado". [214] Al describir la adaptación de Double Indemnity, el analista de cine negro Foster Hirsch describe el "tono desesperado requerido" logrado por los realizadores, que parece caracterizar su visión del cine negro en su conjunto. [215] Por otro lado, películas de cine negro definitivas como The Big Sleep , The Lady from Shanghai , Scarlet Street y Double Indemnity son famosas por sus réplicas duras, a menudo imbuidas de insinuaciones sexuales y humor autorreflexivo. [216]
La música del cine negro era típicamente orquestal, según la norma de Hollywood, pero a menudo con disonancia añadida. [217] Muchos de los principales compositores, como los directores y camarógrafos, eran emigrados europeos, por ejemplo, Max Steiner ( The Big Sleep , Mildred Pierce ), Miklós Rózsa ( Double Indemnity , The Killers , Criss Cross ) y Franz Waxman ( Fury) . , Sunset Boulevard , La Noche y la Ciudad ). Double Indemnity es una partitura fundamental, inicialmente disgustada por el director musical de Paramount por su dureza, pero fuertemente respaldada por el director Billy Wilder y el jefe del estudio Buddy DeSylva . [218] Existe una impresión popular generalizada de que el saxofón de jazz "sórdido" y el bajo pizzicato constituyen el sonido del noir, pero esas características surgieron mucho más tarde, como en la música de finales de la década de 1950 de Henry Mancini para Touch of Evil y el programa de televisión Peter Gunn . La partitura de Bernard Herrmann para Taxi Driver hace un uso intensivo del saxofón. [ cita necesaria ]
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