Sir Alfred Joseph Hitchcock KBE (13 de agosto de 1899 - 29 de abril de 1980) fue un director de cine inglés. Es ampliamente considerado como una de las figuras más influyentes en la historia del cine. [1] En una carrera que abarcó seis décadas, dirigió más de 50 largometrajes, [a] muchos de los cuales todavía son ampliamente vistos y estudiados hoy en día. Conocido como el "Maestro del suspenso", Hitchcock se hizo tan conocido como cualquiera de sus actores gracias a sus numerosas entrevistas, sus apariciones especiales en la mayoría de sus películas y su presentación y producción de la antología televisiva Alfred Hitchcock Presents (1955-65). Sus películas obtuvieron 46 nominaciones al Premio de la Academia , incluidas seis victorias, aunque nunca ganó el premio al Mejor Director , a pesar de cinco nominaciones.
Hitchcock se formó inicialmente como empleado técnico y redactor publicitario antes de entrar en la industria cinematográfica en 1919 como diseñador de tarjetas de presentación . Su debut como director fue la película muda británico-alemana The Pleasure Garden (1925). Su primera película de éxito, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), ayudó a dar forma al género del thriller , y Blackmail (1929) fue la primera película hablada británica . [4] Sus thrillers The 39 Steps (1935) y The Lady Vanishes (1938) se encuentran entre las mejores películas británicas del siglo XX. En 1939, tenía reconocimiento internacional y el productor David O. Selznick lo convenció de mudarse a Hollywood. Siguieron una serie de películas exitosas, entre ellas Rebecca (1940), Foreign Correspondent (1940), Suspicion (1941), Shadow of a Doubt (1943) y Notorious (1946). Rebecca ganó el premio Óscar a la mejor película , con Hitchcock nominado como mejor director. [5] También recibió nominaciones al Óscar por Lifeboat (1944), Spellbound (1945), Rear Window (1954) y Psycho (1960). [6]
Otras películas notables de Hitchcock incluyen La soga (1948), Extraños en un tren (1951), La ley del crimen (1954), Atrapa a un ladrón (1955), Harry el lío (1955), Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959), Los pájaros (1963) y Marnie (1964), todas las cuales también fueron un éxito financiero y son muy apreciadas por los historiadores del cine. Hitchcock hizo múltiples películas con algunas de las estrellas más importantes de Hollywood, incluidas cuatro con Cary Grant , cuatro con James Stewart , tres con Ingrid Bergman y tres consecutivas con Grace Kelly . Hitchcock se convirtió en ciudadano estadounidense en 1955.
En 2012, el thriller psicológico de Hitchcock Vértigo , protagonizado por Stewart, desplazó a Ciudadano Kane (1941) de Orson Welles como la mejor película jamás realizada por el British Film Institute según su encuesta mundial a cientos de críticos de cine. [7] En 2021 , nueve de sus películas habían sido seleccionadas para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos , [b] incluida su favorita personal, La sombra de una duda (1943). [c] Recibió la beca BAFTA en 1971, el premio AFI Life Achievement Award en 1979 y fue nombrado caballero en diciembre de ese año, cuatro meses antes de su muerte el 29 de abril de 1980. [10][actualizar]
Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en el piso que había encima de la frutería alquilada de sus padres en el 517 de High Road en Leytonstone , que entonces formaba parte de Essex (ahora en las afueras del este de Londres ). Era hijo del verdulero y pollero William Edgar Hitchcock (1862-1914) y Emma Jane (de soltera Whelan; 1863-1942). La casa se "caracterizaba por una atmósfera de disciplina". [11] Tenía un hermano mayor llamado William John (1888-1943) y una hermana mayor llamada Ellen Kathleen (1892-1979) que usaba el apodo de "Nellie". Sus padres eran ambos católicos romanos con ascendencia irlandesa parcial. [12] [13] Su padre era verdulero, como lo había sido su abuelo. [14] Había una gran familia extendida, incluido el tío John Hitchcock con su casa victoriana de cinco habitaciones en Campion Road en Putney , completa con una criada, cocinero, chofer y jardinero. Cada verano, su tío alquilaba una casa junto al mar para la familia en Cliftonville , Kent. Hitchcock dijo que allí adquirió conciencia de clase por primera vez, notando las diferencias entre turistas y lugareños. [15]
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Hitchcock, que se describió a sí mismo como un niño bien educado (su padre lo llamaba su "corderito sin mancha"), dijo que no recordaba haber tenido nunca un compañero de juegos. [17] Una de sus historias favoritas para los entrevistadores era la de su padre, que lo envió a la comisaría local con una nota cuando tenía cinco años; el policía miró la nota y lo encerró en una celda durante unos minutos, diciendo: "Esto es lo que les hacemos a los niños malos". La experiencia le dejó una fobia de por vida a la aplicación de la ley, y le dijo a Tom Snyder en 1973 que estaba "muerto de miedo de cualquier cosa... que tuviera que ver con la ley" y que se negaba incluso a conducir un coche por si le ponían una multa de aparcamiento. [18] Cuando tenía seis años, la familia se mudó a Limehouse y alquiló dos tiendas en el 130 y el 175 de Salmon Lane, que dirigían como tienda de pescado y patatas fritas y pescadería respectivamente; vivían encima de la primera. [19] Hitchcock asistió a su primera escuela, el Howrah House Convent en Poplar , donde ingresó en 1907, a la edad de 7 años. [20] Según el biógrafo Patrick McGilligan , permaneció en Howrah House durante dos años como máximo. También asistió a una escuela de convento, la Wode Street School "para las hijas de caballeros y niños pequeños" dirigida por los Compañeros Fieles de Jesús . Luego asistió a una escuela primaria cerca de su casa y fue durante un corto tiempo interno en el Salesian College en Battersea . [21]
La familia se mudó de nuevo cuando Hitchcock tenía once años, esta vez a Stepney , y el 5 de octubre de 1910 fue enviado al St Ignatius College en Stamford Hill , una escuela secundaria jesuita con reputación de disciplina. [22] Como castigo corporal, los sacerdotes usaban una herramienta plana, dura y elástica hecha de gutapercha y conocida como "ferula" que golpeaba toda la palma; el castigo siempre era al final del día, por lo que los niños tenían que sentarse en las clases anticipando el castigo si habían sido amonestados por ello. Más tarde dijo que fue allí donde desarrolló su sentido del miedo. [23] El registro escolar enumera su año de nacimiento como 1900 en lugar de 1899; el biógrafo Donald Spoto dice que fue inscrito deliberadamente cuando tenía diez años porque estaba un año atrasado en su escolaridad. [24] Mientras que el biógrafo Gene Adair informa que Hitchcock era "un alumno promedio, o ligeramente por encima del promedio", [25] Hitchcock dijo que él estaba "generalmente entre los cuatro o cinco en la cima de la clase"; [26] al final de su primer año, su trabajo en latín, inglés, francés y educación religiosa fue notado. [27] Le dijo a Peter Bogdanovich : "Los jesuitas me enseñaron organización, control y, hasta cierto punto, análisis". [25]
El tema favorito de Hitchcock era la geografía y se interesó por los mapas y los horarios de trenes, tranvías y autobuses; según John Russell Taylor , podía recitar todas las paradas del Orient Express . [28] Tenía un interés particular en los tranvías de Londres . Una abrumadora mayoría de sus películas incluyen escenas de trenes o tranvías, en particular The Lady Vanishes , Strangers on a Train y Number Seventeen . Una claqueta muestra el número de la escena y el número de tomas, y Hitchcock a menudo tomaba los dos números de la claqueta y susurraba los nombres de las rutas del tranvía de Londres. Por ejemplo, si la claqueta mostraba "Escena 23; Toma 3", susurraba " Woodford , Hampstead " (Woodford es el final de la ruta 23 del tranvía y Hampstead el final de la ruta 3). [29] [30]
Hitchcock les dijo a sus padres que quería ser ingeniero, [26] y el 25 de julio de 1913, [31] dejó St Ignatius y se inscribió en clases nocturnas en la London County Council School of Engineering and Navigation en Poplar. En una entrevista extensa en 1962, le dijo a François Truffaut que había estudiado "mecánica, electricidad, acústica y navegación". [26] Luego, el 12 de diciembre de 1914, su padre, que había estado sufriendo de enfisema y enfermedad renal, murió a la edad de 52 años. [32] Para mantenerse a sí mismo y a su madre (sus hermanos mayores ya se habían ido de casa para entonces), Hitchcock aceptó un trabajo, por 15 chelines a la semana (£ 91 en 2023), [33] como empleado técnico en la Henley Telegraph and Cable Company en Blomfield Street, cerca de London Wall . [34] Continuó con las clases nocturnas, esta vez de historia del arte, pintura, economía y ciencias políticas. [35] Su hermano mayor regentaba las tiendas familiares, mientras él y su madre seguían viviendo en Salmon Lane. [36]
Hitchcock era demasiado joven para alistarse cuando comenzó la Primera Guerra Mundial en julio de 1914, y cuando alcanzó la edad requerida de 18 años en 1917, recibió una clasificación C3 ("libre de enfermedades orgánicas graves, capaz de soportar las condiciones de servicio en guarniciones en casa ... sólo apto para trabajo sedentario"). [37] Se unió a un regimiento de cadetes de los Royal Engineers y participó en sesiones informativas teóricas, ejercicios y simulacros de fin de semana. John Russell Taylor escribió que, en una sesión de ejercicios prácticos en Hyde Park , se le pidió a Hitchcock que usara polainas . Nunca pudo dominar el uso de ellas alrededor de sus piernas, y se le cayeron repetidamente alrededor de los tobillos. [38]
Después de la guerra, Hitchcock se interesó por la escritura creativa. En junio de 1919, se convirtió en editor fundador y gerente comercial de la publicación interna de Henley, The Henley Telegraph (seis peniques por copia), a la que envió varios cuentos. [39] [d] Henley lo promovió al departamento de publicidad, donde escribió textos y dibujó gráficos para anuncios de cables eléctricos. Disfrutaba del trabajo y se quedaba hasta tarde en la oficina para examinar las pruebas; le dijo a Truffaut que este era su "primer paso hacia el cine". [26] [47] Disfrutaba viendo películas, especialmente cine estadounidense, y desde los 16 años leyó los periódicos comerciales; vio a Charlie Chaplin , D. W. Griffith y Buster Keaton , y le gustó especialmente Der müde Tod (1921) de Fritz Lang . [26]
Mientras todavía estaba en Henley's, leyó en un periódico comercial que Famous Players-Lasky , la rama de producción de Paramount Pictures , estaba abriendo un estudio en Londres. [48] Estaban planeando filmar The Sorrows of Satan de Marie Corelli , por lo que produjo algunos dibujos para las tarjetas de título y envió su trabajo al estudio. [49] Lo contrataron y en 1919 comenzó a trabajar para Islington Studios en Poole Street, Hoxton , como diseñador de tarjetas de título. [48]
Donald Spoto escribió que la mayoría del personal eran estadounidenses con especificaciones laborales estrictas, pero se animaba a los trabajadores ingleses a probar suerte en cualquier cosa, lo que significó que Hitchcock ganó experiencia como coguionista, director de arte y gerente de producción en al menos 18 películas mudas. [50] The Times escribió en febrero de 1922 sobre el "departamento de títulos artísticos especiales del estudio bajo la supervisión del Sr. AJ Hitchcock". [51] Su trabajo incluyó Número 13 (1922), también conocida como La señora Peabody; fue cancelada debido a problemas financieros - las pocas escenas terminadas se perdieron [52] - y Siempre díselo a tu mujer (1923), que él y Seymour Hicks terminaron juntos cuando Hicks estaba a punto de darse por vencido. [48] Hicks escribió más tarde sobre haber sido ayudado por "un joven gordo que estaba a cargo de la sala de utilería ... [n]inguno menos que Alfred Hitchcock". [53]
Cuando Paramount se retiró de Londres en 1922, Hitchcock fue contratado como asistente de dirección por una nueva empresa dirigida en la misma ubicación por Michael Balcon , más tarde conocida como Gainsborough Pictures . [48] [55] Hitchcock trabajó en De mujer a mujer (1923) con el director Graham Cutts , diseñando el decorado, escribiendo el guion y produciendo. Dijo: "Fue la primera película en la que realmente tuve en mis manos". [55] La editora y "guionista" de De mujer a mujer fue Alma Reville , su futura esposa. También trabajó como asistente de Cutts en La sombra blanca (1924), La aventura apasionada (1924), El guardián negro (1925) y La caída de la mojigata (1925). [56] El guardián negro se produjo en los estudios Babelsberg en Potsdam, donde Hitchcock vio parte de la realización de La última risa (1924) de F. W. Murnau . [57] Quedó impresionado con el trabajo de Murnau y más tarde utilizó muchas de sus técnicas para el diseño de escenarios en sus propias producciones. [58]
En el verano de 1925, Balcon le pidió a Hitchcock que dirigiera The Pleasure Garden (1925), protagonizada por Virginia Valli , una coproducción de Gainsborough y la firma alemana Emelka en el estudio Geiselgasteig cerca de Múnich. Reville, por entonces prometida de Hitchcock, fue asistente de dirección y montaje. [59] [52] Aunque la película fue un fracaso comercial, [60] a Balcon le gustó el trabajo de Hitchcock; un titular del Daily Express lo llamó el "Joven con una mente maestra". [61] La producción de The Pleasure Garden encontró obstáculos de los que Hitchcock aprendería más tarde: al llegar al Paso del Brennero , no declaró su material fílmico en la aduana y fue confiscado; una actriz no pudo entrar al agua para una escena porque estaba con su período ; los sobrecostos del presupuesto significaron que tuvo que pedir dinero prestado a los actores. [62] Hitchcock también necesitaba un traductor para dar instrucciones al elenco y al equipo. [62]
En Alemania, Hitchcock observó los matices del cine y la producción cinematográfica alemana, lo que tuvo una gran influencia en él. [63] Cuando no estaba trabajando, visitaba galerías de arte, conciertos y museos de Berlín. También se reunía con actores, escritores y productores para establecer conexiones. [64] Balcon le pidió que dirigiera una segunda película en Múnich, The Mountain Eagle (1926), basada en una historia original titulada Fear o' God . [65] La película se perdió y Hitchcock la calificó como "una película muy mala". [61] [66] Un año después, Hitchcock escribió y dirigió The Ring ; aunque el guion se atribuyó únicamente a su nombre, Elliot Stannard lo ayudó con la escritura. [67] The Ring cosechó críticas positivas; el crítico de Bioscope la calificó como "la película británica más magnífica jamás realizada". [68]
Cuando regresó a Inglaterra, Hitchcock fue uno de los primeros miembros de la London Film Society, recién formada en 1925. [69] A través de la Sociedad, quedó fascinado por el trabajo de los cineastas soviéticos: Dziga Vertov , Lev Kuleshov , Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin . También socializó con otros cineastas ingleses como Ivor Montagu , Adrian Brunel y Walter Mycroft . [70]
Visualmente, fue extraordinariamente imaginativa para la época, más notablemente en la escena en la que Hitchcock instaló un piso de vidrio para poder mostrar al inquilino caminando de un lado a otro en su habitación desde abajo, como si su casera lo escuchara.
— Entrada del BFI para el primer thriller de Hitchcock, The Lodger: A Story of the London Fog (1927) [71]
Hitchcock se estableció como un director de renombre con su primer thriller, The Lodger: A Story of the London Fog (1927). [72] La película trata sobre la caza de un asesino en serie al estilo de Jack el Destripador que, vistiendo una capa negra y llevando una bolsa negra, está asesinando a mujeres jóvenes rubias en Londres, y solo los martes. [73] Una casera sospecha que su inquilino es el asesino, pero resulta ser inocente. [74] Hitchcock había querido que el protagonista fuera culpable, o que la película al menos terminara de manera ambigua, pero la estrella era Ivor Novello , un ídolo de matiné , y el " star system " significaba que Novello no podía ser el villano. Hitchcock le dijo a Truffaut: "Tienes que decirlo claramente con letras grandes: 'Es inocente'". (Tuvo el mismo problema años después con Cary Grant en Sospecha (1941).) [75] Estrenada en enero de 1927, The Lodger fue un éxito comercial y de crítica en el Reino Unido. [76] [77] Tras su estreno, la revista especializada Bioscope escribió: "Es posible que esta película sea la mejor producción británica jamás realizada". [72] Hitchcock le dijo a Truffaut que la película fue la primera suya en estar influenciada por el expresionismo alemán : "En verdad, casi se podría decir que The Lodger fue mi primera película". [78] Hizo su primera aparición en la película, sentado en una sala de redacción. [79] [80]
El 2 de diciembre de 1926, Hitchcock se casó con la guionista inglesa Alma Reville en el Oratorio de Brompton en South Kensington . [81] La pareja pasó su luna de miel en París, el lago Como y St. Moritz, antes de regresar a Londres para vivir en un apartamento alquilado en los dos pisos superiores del 153 de Cromwell Road , Kensington. [82] Reville, que nació pocas horas después de Hitchcock, [83] se convirtió del protestantismo al catolicismo, aparentemente por insistencia de la madre de Hitchcock; fue bautizada el 31 de mayo de 1927 y confirmada en la catedral de Westminster por el cardenal Francis Bourne el 5 de junio. [84]
En 1928, cuando se enteraron de que Reville estaba embarazada, los Hitchcock compraron "Winter's Grace", una casa de campo Tudor ubicada en once acres en Stroud Lane, Shamley Green , Surrey, por £ 2,500. [85] Su hija y única hija, Patricia (Pat) Alma Hitchcock , nació el 7 de julio de ese año. [86] Pat murió el 9 de agosto de 2021 a la edad de 93 años. [87]
Reville se convirtió en la colaboradora más cercana de su esposo; Charles Champlin escribió en 1982: "El toque Hitchcock tenía cuatro manos, y dos eran las de Alma". [88] Cuando Hitchcock aceptó el premio AFI Life Achievement Award en 1979, dijo que quería mencionar a "cuatro personas que me han dado el mayor afecto, aprecio y aliento, y una colaboración constante. La primera de las cuatro es una montadora de cine, la segunda es guionista, la tercera es la madre de mi hija, Pat, y la cuarta es una cocinera tan buena como la que jamás ha realizado milagros en una cocina doméstica. Y sus nombres son Alma Reville". [89] Reville escribió o coescribió muchas de las películas de Hitchcock, incluyendo La sombra de una duda , Sospecha y Los 39 escalones . [90]
Hitchcock comenzó a trabajar en su décima película, Blackmail (1929), cuando su productora, British International Pictures (BIP), convirtió sus estudios Elstree al cine sonoro . La película fue la primera " película sonora " británica; esto siguió el rápido desarrollo de las películas sonoras en los Estados Unidos, desde el uso de breves segmentos sonoros en El cantante de jazz (1927) hasta el primer largometraje completamente sonoro Luces de Nueva York (1928). [4] Blackmail inició la tradición de Hitchcock de utilizar lugares famosos como telón de fondo para secuencias de suspenso, con el clímax teniendo lugar en la cúpula del Museo Británico . [91] También presenta una de sus apariciones más largas, que lo muestra siendo molestado por un niño pequeño mientras lee un libro en el metro de Londres . [92] En la serie de PBS The Men Who Made The Movies , Hitchcock explicó cómo utilizó la grabación de sonido temprana como un elemento especial de la película para crear tensión, con una mujer chismosa ( Phyllis Monkman ) enfatizando la palabra "cuchillo" en su conversación con la mujer sospechosa de asesinato. [93] Durante este período, Hitchcock dirigió segmentos para una revista de BIP , Elstree Calling (1930), y dirigió un cortometraje, An Elastic Affair (1930), con dos ganadores de becas de Film Weekly . [94] An Elastic Affair es una de las películas perdidas. [95]
En 1933, Hitchcock firmó un contrato para varias películas con Gaumont-British , trabajando una vez más para Michael Balcon. [96] [97] Su primera película para la compañía, The Man Who Knew Too Much (1934), fue un éxito; su segunda, The 39 Steps (1935), fue aclamada en el Reino Unido y le valió el reconocimiento en los EE. UU. También estableció a la "rubia de Hitchcock" inglesa por excelencia ( Madeleine Carroll ) como el modelo para su sucesión de protagonistas elegantes y frías como el hielo. [98] El guionista Robert Towne comentó: "No es una gran exageración decir que todo el entretenimiento escapista contemporáneo comienza con The 39 Steps ". [99] John Buchan , autor de The Thirty-Nine Steps en el que se basa vagamente la película, se reunió con Hitchcock en el set y asistió al estreno de alto perfil en el New Gallery Cinema de Londres. Al ver la película, el autor dijo que había mejorado con respecto al libro. [98] Esta película fue una de las primeras en introducir el recurso argumental " MacGuffin ", un término acuñado por el guionista inglés y colaborador de Hitchcock Angus MacPhail . [100] El MacGuffin es un elemento o meta que persigue el protagonista, que de otro modo no tendría valor narrativo; en Los 39 escalones , el MacGuffin es un conjunto robado de planos de diseño. [101]
Hitchcock estrenó dos películas de espías en 1936. Sabotaje se basó vagamente en la novela de Joseph Conrad , El agente secreto (1907), sobre una mujer que descubre que su marido es un terrorista, y Agente secreto , basada en dos historias de Ashenden: Or the British Agent (1928) de W. Somerset Maugham . [e]
En esa época, Hitchcock también se hizo famoso por sus bromas contra el reparto y el equipo técnico. Estas bromas iban desde las más sencillas e inocentes hasta las más disparatadas y maniáticas. Por ejemplo, organizó una cena en la que tiñó toda la comida de azul porque, según él, no había suficientes alimentos azules. También hizo que le llevaran un caballo al camerino de su amigo, el actor Gerald du Maurier . [102]
Hitchcock siguió con Young and Innocent en 1937, un thriller policial basado en la novela de 1936 A Shilling for Candles de Josephine Tey . [103] Protagonizada por Nova Pilbeam y Derrick De Marney , la película fue relativamente agradable de hacer para el elenco y el equipo. [103] Para cumplir con los propósitos de distribución en Estados Unidos, se redujo el tiempo de ejecución de la película y esto incluyó la eliminación de una de las escenas favoritas de Hitchcock: una fiesta de té infantil que se vuelve amenazante para los protagonistas. [104]
El siguiente gran éxito de Hitchcock fue The Lady Vanishes (1938), «una de las mejores películas sobre trenes de la época dorada del género», según Philip French , en la que Miss Froy ( May Whitty ), una espía británica que se hace pasar por institutriz, desaparece en un viaje en tren por el país europeo ficticio de Bandrika . [105] La película vio a Hitchcock recibir el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 1938 al Mejor Director. [106] Benjamin Crisler de The New York Times escribió en junio de 1938: «Tres instituciones únicas y valiosas que los británicos tienen que nosotros en Estados Unidos no tenemos: la Carta Magna , el Puente de la Torre y Alfred Hitchcock, el mejor director de melodramas cinematográficos del mundo». [107] La película estaba basada en la novela The Wheel Spins (1936) escrita por Ethel Lina White , y protagonizada por Michael Redgrave (en su debut cinematográfico) y Margaret Lockwood . [108] [109]
En 1938, Hitchcock era consciente de que había alcanzado su punto máximo en Gran Bretaña. [110] Había recibido numerosas ofertas de productores de los Estados Unidos, pero las rechazó todas porque no le gustaban las obligaciones contractuales o pensaba que los proyectos eran repulsivos. [111] Sin embargo, el productor David O. Selznick le ofreció una propuesta concreta para hacer una película basada en el hundimiento del RMS Titanic , que finalmente fue archivada, pero Selznick convenció a Hitchcock para que fuera a Hollywood . En julio de 1938, Hitchcock voló a Nueva York y descubrió que ya era una celebridad; apareció en revistas y dio entrevistas a estaciones de radio. [112] En Hollywood, Hitchcock conoció a Selznick por primera vez. Selznick le ofreció un contrato de cuatro películas, aproximadamente $ 40,000 por cada película (equivalente a $ 870,000 en 2023). [112]
Selznick firmó con Hitchcock un contrato de siete años a partir de abril de 1939, [113] y los Hitchcock se mudaron a Hollywood. [114] Los Hitchcock vivían en un espacioso apartamento en Wilshire Boulevard y poco a poco se aclimataron al área de Los Ángeles. Él y su esposa Alma mantuvieron un perfil bajo y no estaban interesados en asistir a fiestas o ser celebridades. [115] Hitchcock descubrió su gusto por la buena comida en West Hollywood, pero aún así continuó con su estilo de vida desde Inglaterra. [116] Quedó impresionado con la cultura cinematográfica de Hollywood, los presupuestos expansivos y la eficiencia, [116] en comparación con los límites a los que a menudo se había enfrentado en Gran Bretaña. [117] En junio de ese año, Life lo llamó el "mayor maestro del melodrama en la historia de la pantalla". [118]
Aunque Hitchcock y Selznick se respetaban mutuamente, sus acuerdos de trabajo a veces eran difíciles. Selznick sufría constantes problemas financieros, y Hitchcock a menudo estaba descontento con el control creativo de Selznick y la interferencia de este en sus películas. Selznick también estaba descontento con el método de Hitchcock de filmar solo lo que estaba en el guion, y nada más, lo que significaba que la película no podía cortarse y rehacerse de manera diferente en un momento posterior. [119] Además de quejarse del "maldito montaje de rompecabezas" de Hitchcock, [120] sus personalidades no coincidían: Hitchcock era reservado mientras que Selznick era extravagante. [121] Finalmente, Selznick prestó generosamente a Hitchcock a los estudios cinematográficos más grandes. [122] Selznick hizo solo unas pocas películas cada año, al igual que su compañero productor independiente Samuel Goldwyn , por lo que no siempre tuvo proyectos para que Hitchcock dirigiera. Goldwyn también había negociado con Hitchcock un posible contrato, pero Selznick le ganó la oferta. En una entrevista posterior, Hitchcock dijo: "[Selznick] era el gran productor... El productor era el rey. Lo más halagador que el señor Selznick dijo sobre mí (y eso demuestra el nivel de control que tenía) fue que dijo que yo era el 'único director' en el que 'confiaría para una película'". [123]
Hitchcock se acercó al cine estadounidense con cautela; su primera película estadounidense estaba ambientada en Inglaterra, en la que la "americanidad" de los personajes era incidental: [124] Rebecca (1940) estaba ambientada en una versión hollywoodense de Cornualles, Inglaterra, y estaba basada en una novela de la novelista inglesa Daphne du Maurier . Selznick insistió en una adaptación fiel del libro y no estuvo de acuerdo con Hitchcock con el uso del humor. [125] [126] La película, protagonizada por Laurence Olivier y Joan Fontaine , trata sobre una joven ingenua sin nombre que se casa con un aristócrata viudo. Ella vive en su gran casa de campo inglesa y lucha con la reputación persistente de su elegante y mundana primera esposa, Rebecca, quien murió en circunstancias misteriosas. La película ganó la Mejor Película en la 13.ª edición de los Premios Óscar ; la estatuilla fue entregada al productor Selznick. Hitchcock recibió su primera nominación a Mejor Director , su primera de cinco nominaciones de este tipo. [5] [127]
La segunda película estadounidense de Hitchcock fue el thriller Foreign Correspondent (1940), ambientado en Europa, basado en el libro de Vincent Sheean Personal History (1935) y producido por Walter Wanger . Fue nominada a Mejor Película ese año. Hitchcock se sentía incómodo viviendo y trabajando en Hollywood mientras Gran Bretaña estaba en guerra ; su preocupación resultó en una película que apoyaba abiertamente el esfuerzo bélico británico. [128] Filmada en 1939, se inspiró en los eventos rápidamente cambiantes en Europa, tal como los cubrió un reportero de un periódico estadounidense interpretado por Joel McCrea . Al mezclar imágenes de escenas europeas con escenas filmadas en un backlot de Hollywood , la película evitó referencias directas al nazismo , la Alemania nazi y los alemanes, para cumplir con el Código de producción cinematográfica de ese momento. [129] [ verificación fallida ]
En septiembre de 1940, los Hitchcock compraron el rancho Cornwall de 200 acres (0,81 km 2 ) cerca de Scotts Valley , California, en las montañas de Santa Cruz . [130] Su residencia principal era una casa de estilo inglés en Bel Air , comprada en 1942. [131] Las películas de Hitchcock fueron diversas durante este período, desde la comedia romántica Sr. y Sra. Smith (1941) hasta el sombrío cine negro La sombra de una duda (1943).
Sospecha (1941) marcó la primera película de Hitchcock como productor y director. Está ambientada en Inglaterra; Hitchcock utilizó la costa norte de Santa Cruz para la secuencia de la costa inglesa. La película es la primera de cuatro en las que Cary Grant fue elegido por Hitchcock, y es una de las raras ocasiones en las que Grant interpreta a un personaje siniestro. Grant interpreta a Johnnie Aysgarth, un estafador inglés cuyas acciones despiertan sospechas y ansiedad en su tímida y joven esposa inglesa, Lina McLaidlaw ( Joan Fontaine ). [132] En una escena, Hitchcock colocó una luz dentro de un vaso de leche, tal vez envenenado, que Grant le lleva a su esposa; la luz asegura que la atención de la audiencia esté en el vaso. El personaje de Grant es en realidad un asesino, según el libro Before the Fact de Francis Iles , pero el estudio sintió que la imagen de Grant se vería empañada por eso. Hitchcock hubiera preferido terminar con el asesinato de la esposa. [133] [f] En cambio, las acciones que ella encontró sospechosas son un reflejo de su propia desesperación y su plan de suicidarse. Fontaine ganó el premio a la mejor actriz por su actuación. [135]
Saboteur (1942) es la primera de dos películas que Hitchcock hizo para Universal Studios durante la década. Hitchcock quería que Gary Cooper y Barbara Stanwyck o Henry Fonda y Gene Tierney protagonizaran, pero Universal lo obligó a utilizar al actor contratado por Universal Robert Cummings y Priscilla Lane , una profesional independiente que firmó un contrato de una película con el estudio, ambos conocidos por su trabajo en comedias y dramas ligeros. [136] La historia describe una confrontación entre un presunto saboteador (Cummings) y un saboteador real ( Norman Lloyd ) en lo alto de la Estatua de la Libertad . Hitchcock realizó una gira de tres días por la ciudad de Nueva York para explorar los lugares de rodaje de Saboteur . [137] También dirigió Have You Heard? (1942), una dramatización fotográfica para la revista Life sobre los peligros de los rumores en tiempos de guerra . [138] En 1943, escribió una historia de misterio para Look , "El asesinato de Monty Woolley ", [139] una secuencia de fotografías subtituladas que invitaban al lector a encontrar pistas sobre la identidad del asesino; Hitchcock eligió a los actores para que interpretaran a ellos mismos, como Woolley, Doris Merrick y el maquillador Guy Pearce. [ cita requerida ]
De vuelta en Inglaterra, la madre de Hitchcock, Emma, estaba gravemente enferma; murió el 26 de septiembre de 1942 a los 79 años. Hitchcock nunca habló públicamente sobre su madre, pero su asistente dijo que la admiraba. [140] Cuatro meses después, el 4 de enero de 1943, su hermano William murió de una sobredosis a los 52 años. [141] Hitchcock no era muy cercano a William, [142] pero su muerte hizo que Hitchcock fuera consciente de sus propios hábitos alimenticios y de bebida. Tenía sobrepeso y sufría de dolores de espalda. Su resolución de Año Nuevo en 1943 fue tomar su dieta en serio con la ayuda de un médico. [143] En enero de ese año se estrenó La sombra de una duda , que Hitchcock tenía buenos recuerdos de haber realizado. [144] En la película, Charlotte "Charlie" Newton ( Teresa Wright ) sospecha que su amado tío Charlie Oakley ( Joseph Cotten ) es un asesino en serie. Hitchcock filmó extensamente en locaciones, esta vez en la ciudad de Santa Rosa, en el norte de California . [145]
En 20th Century Fox , Hitchcock se acercó a John Steinbeck con una idea para una película, que registrara las experiencias de los sobrevivientes del ataque de un submarino alemán . Steinbeck comenzó a trabajar en el guion de lo que se convertiría en Lifeboat (1944). Sin embargo, Steinbeck no estaba contento con la película y pidió que se eliminara su nombre de los créditos, sin éxito. La idea fue reescrita como un cuento por Harry Sylvester y publicada en Collier's en 1943. Las secuencias de acción se filmaron en un pequeño bote en el tanque de agua del estudio. El lugar planteó problemas para la tradicional aparición de Hitchcock; se resolvió haciendo que la imagen de Hitchcock apareciera en un periódico que William Bendix está leyendo en el bote, mostrando al director en un anuncio de antes y después de "Reduco-Obesity Slayer". Le dijo a Truffaut en 1962:
En ese momento, estaba haciendo una dieta extenuante y, con mucho esfuerzo, iba perdiendo peso de ciento cincuenta a noventa kilos. Así que decidí inmortalizar mi pérdida y conseguir mi papel secundario posando para fotos de "antes" y "después". ... Me inundaron literalmente cartas de gente gorda que quería saber dónde y cómo podían conseguir Reduco. [146]
La cena típica de Hitchcock antes de perder peso había sido pollo asado, jamón cocido, patatas, pan, verduras, condimentos, ensalada, postre, una botella de vino y un poco de brandy. Para perder peso, su dieta consistía en café negro para el desayuno y el almuerzo, y bistec y ensalada para la cena, [143] pero era difícil de mantener; Donald Spoto escribió que su peso fluctuó considerablemente durante los siguientes 40 años. A finales de 1943, a pesar de la pérdida de peso, la Occidental Insurance Company de Los Ángeles rechazó su solicitud de seguro de vida. [147]
Sentí la necesidad de hacer una pequeña contribución al esfuerzo bélico, y además tenía sobrepeso y era mayor de edad para el servicio militar. Sabía que si no hacía nada, me arrepentiría de ello el resto de mi vida.
—Alfred Hitchcock (1967) [148]
Hitchcock regresó al Reino Unido para una visita prolongada a fines de 1943 y principios de 1944. Mientras estuvo allí, realizó dos cortometrajes de propaganda , Bon Voyage (1944) y Aventure Malgache (1944), para el Ministerio de Información . En junio y julio de 1945, Hitchcock sirvió como "asesor de tratamiento" en un documental sobre el Holocausto que utilizó imágenes de las Fuerzas Aliadas de la liberación de los campos de concentración nazis . La película fue montada en Londres y producida por Sidney Bernstein del Ministerio de Información, quien trajo a Hitchcock (un amigo suyo) a bordo. Originalmente estaba destinado a ser transmitido a los alemanes, pero el gobierno británico lo consideró demasiado traumático para ser mostrado a una población conmocionada de la posguerra. En cambio, fue transferida en 1952 desde las bóvedas de películas del Ministerio de Guerra británico al Museo Imperial de la Guerra de Londres y permaneció inédita hasta 1985, cuando se transmitió una versión editada como un episodio de PBS Frontline , bajo el título que el Museo Imperial de la Guerra le había dado: Memory of the Camps . La versión completa de la película, German Concentration Camps Factual Survey , fue restaurada en 2014 por académicos del Museo Imperial de la Guerra. [149] [150] [151]
Hitchcock trabajó para David Selznick nuevamente cuando dirigió Spellbound (1945), que explora el psicoanálisis y presenta una secuencia de sueños diseñada por Salvador Dalí . [152] La secuencia del sueño tal como aparece en la película es diez minutos más corta de lo que se imaginó originalmente; Selznick la editó para que "funcionara" de manera más efectiva. [153] Gregory Peck interpreta al amnésico Dr. Anthony Edwardes bajo el tratamiento de la analista Dra. Peterson ( Ingrid Bergman ), quien se enamora de él mientras intenta desbloquear su pasado reprimido. [154] Se lograron dos tomas de punto de vista construyendo una gran mano de madera (que parecería pertenecer al personaje cuyo punto de vista tomó la cámara) y accesorios de gran tamaño para sostenerla: un vaso de leche del tamaño de un balde y una gran pistola de madera. Para mayor novedad e impacto, el disparo culminante fue coloreado a mano en rojo en algunas copias de la película en blanco y negro. La partitura musical original de Miklós Rózsa hace uso del theremin , y parte de ella fue adaptada posteriormente por el compositor para el Concierto para piano Op. 31 (1967) de Rozsa para piano y orquesta. [155] [ verificación fallida ]
En 1946, se estrenó la película de espías Notorious . Hitchcock le dijo a François Truffaut que Selznick le vendió a él, a Ingrid Bergman, a Cary Grant y al guion de Ben Hecht a RKO Radio Pictures como un "paquete" por 500.000 dólares (equivalentes a 7,8 millones de dólares en 2023) debido a los sobrecostos de Duelo al sol (1946) de Selznick. [ cita requerida ] Notorious está protagonizada por Bergman y Grant, ambos colaboradores de Hitchcock, y presenta una trama sobre los nazis, el uranio y Sudamérica. Su uso profético del uranio como recurso argumental llevó a que el FBI lo pusiera brevemente bajo vigilancia . [156] Según Patrick McGilligan, en marzo de 1945 o alrededor de esa fecha, Hitchcock y Hecht consultaron a Robert Millikan del Instituto de Tecnología de California sobre el desarrollo de una bomba de uranio. Selznick se quejó de que la idea era "ciencia ficción", solo para ser confrontado por la noticia de la detonación de dos bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki en Japón en agosto de 1945. [157]
Hitchcock formó una productora independiente, Transatlantic Pictures , con su amigo Sidney Bernstein . Hizo dos películas con Transatlantic, una de las cuales fue su primera película en color. Con La soga (1948), Hitchcock experimentó con la organización del suspense en un entorno confinado, como lo había hecho antes con Lifeboat . La película aparece como un número muy limitado de tomas continuas, pero en realidad se rodó en 10 tomas que iban desde 4 hasta 10 tomas.+De 1/2 a 10 minutos cada una; una película de 10 minutos era lo máximo que podía contener el cargador de película de una cámara en ese momento. Algunas transiciones entre carretes se ocultaron haciendo que un objeto oscuro llenara toda la pantalla por un momento. Hitchcock usó esos puntos para ocultar el corte y comenzó la siguiente toma con la cámara en el mismo lugar. La película presenta a James Stewart en el papel principal y fue la primera de cuatro películas que Stewart hizo con Hitchcock. Se inspiró en el caso Leopold y Loeb de la década de 1920. [158] La respuesta crítica en ese momento fue mixta. [159]
Under Capricorn (1949), ambientada en la Australia del siglo XIX, también utiliza la técnica de corta duración de las tomas largas, pero en un grado más limitado. Nuevamente utilizó Technicolor en esta producción, luego regresó al blanco y negro durante varios años. Transatlantic Pictures se volvió inactiva después de las dos últimas películas. [160] [161] Hitchcock filmó Stage Fright (1950) en Elstree Studios en Inglaterra, donde había trabajado durante su contrato con British International Pictures muchos años antes. [162] Empató a una delas estrellas más populares de Warner Bros. , Jane Wyman , con la actriz alemana expatriada Marlene Dietrich y utilizó a varios actores británicos prominentes, incluidos Michael Wilding , Richard Todd y Alastair Sim . [163] Esta fue la primera producción adecuada de Hitchcock para Warner Bros., que había distribuido La soga y Under Capricorn , porque Transatlantic Pictures estaba experimentando dificultades financieras. [164]
Su thriller Strangers on a Train (1951) se basó en la novela homónima de Patricia Highsmith . Hitchcock combinó muchos elementos de sus películas anteriores. Se acercó a Dashiell Hammett para escribir el diálogo, pero Raymond Chandler se hizo cargo, luego se fue por desacuerdos con el director. En la película, dos hombres se conocen casualmente, uno de los cuales especula sobre un método infalible para asesinar; sugiere que dos personas, cada una deseando acabar con alguien, deberían llevar a cabo el asesinato del otro. El papel de Farley Granger fue el de la víctima inocente del plan, mientras que Robert Walker , anteriormente conocido por papeles de "chico de al lado", interpretó al villano. [165] I Confess (1953) se ambienta en Quebec con Montgomery Clift como sacerdote católico. [166]
A I Confess le siguieron tres películas en color protagonizadas por Grace Kelly : Dial M for Murder (1954), Rear Window (1954) y To Catch a Thief (1955). En Dial M for Murder , Ray Milland interpreta al villano que intenta asesinar a su esposa infiel (Kelly) por su dinero. Ella mata al asesino a sueldo en defensa propia, por lo que Milland manipula la evidencia para que parezca un asesinato. Su amante, Mark Halliday ( Robert Cummings ), y el inspector de policía Hubbard ( John Williams ) la salvan de la ejecución. [167] Hitchcock experimentó con la cinematografía 3D para Dial M for Murder . [168]
Hitchcock se trasladó a Paramount Pictures y filmó Rear Window (1954), protagonizada por James Stewart y Grace Kelly, así como por Thelma Ritter y Raymond Burr . El personaje de Stewart es un fotógrafo llamado Jeff (basado en Robert Capa ) que debe usar temporalmente una silla de ruedas. Por aburrimiento, comienza a observar a sus vecinos al otro lado del patio, luego se convence de que uno de ellos (Raymond Burr) ha asesinado a su esposa. Jeff finalmente logra convencer a su amigo policía ( Wendell Corey ) y a su novia (Kelly). Al igual que en Lifeboat y Rope , los personajes principales son representados en espacios reducidos o estrechos, en este caso el apartamento estudio de Stewart. Hitchcock usa primeros planos del rostro de Stewart para mostrar las reacciones de su personaje, "desde el voyeurismo cómico dirigido a sus vecinos hasta su terror impotente al ver a Kelly y Burr en el apartamento del villano". [169]
De 1955 a 1965, Hitchcock fue el presentador de la serie de televisión Alfred Hitchcock Presents . [170] Con su humor irónico, humor negro e imagen icónica, la serie convirtió a Hitchcock en una celebridad. La secuencia del título del programa mostraba una caricatura minimalista de su perfil (él mismo la dibujó; está compuesta de solo nueve trazos), que luego rellenó su silueta real. [171] La melodía principal de la serie era Marcha fúnebre de una marioneta del compositor francés Charles Gounod (1818-1893). [172]
Sus introducciones siempre incluían algún tipo de humor irónico, como la descripción de una reciente ejecución de varias personas obstaculizada por tener solo una silla eléctrica , mientras que se muestran dos con un cartel que dice "¡Dos sillas, sin esperas!". Dirigió 18 episodios de la serie, que se emitió entre 1955 y 1965. Se convirtió en The Alfred Hitchcock Hour en 1962, y la NBC transmitió el episodio final el 10 de mayo de 1965. En la década de 1980, se produjo una nueva versión de Alfred Hitchcock Presents para televisión, haciendo uso de las introducciones originales de Hitchcock en una forma coloreada . [170]
El éxito de Hitchcock en la televisión dio lugar a una serie de colecciones de cuentos con su nombre; entre ellas, Alfred Hitchcock's Anthology , Stories They Wouldn't Let Me Do on TV y Tales My Mother Never Told Me . [173] En 1956, HSD Publications también licenció el nombre del director para crear Alfred Hitchcock's Mystery Magazine , un compendio mensual especializado en novelas policiacas y policiales. [173] Las series de televisión de Hitchcock fueron muy rentables y sus versiones de libros en lengua extranjera generaban ingresos de hasta 100 000 dólares al año (equivalentes a 1 030 000 dólares en 2023). [174]
En 1955, Hitchcock se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. [175] En el mismo año, se estrenó su tercera película con Grace Kelly, To Catch a Thief ; está ambientada en la Riviera francesa y está protagonizada por Kelly y Cary Grant. Grant interpreta al ladrón retirado John Robie, quien se convierte en el principal sospechoso de una serie de robos en la Riviera. Una heredera estadounidense en busca de emociones fuertes interpretada por Kelly supone su verdadera identidad y trata de seducirlo. "A pesar de la obvia disparidad de edad entre Grant y Kelly y una trama liviana, el ingenioso guion (cargado de dobles sentidos) y la actuación afable demostraron ser un éxito comercial". [176] Fue la última película de Hitchcock con Kelly; se casó con el príncipe Rainiero de Mónaco en 1956 y terminó su carrera cinematográfica después. Hitchcock luego rehizo su propia película de 1934 El hombre que sabía demasiado en 1956 . Esta vez, la película fue protagonizada por James Stewart y Doris Day , quienes cantaron el tema principal « Que Será, Será », que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Canción Original y se convirtió en un gran éxito. Interpretan a una pareja cuyo hijo es secuestrado para evitar que interfieran en un asesinato. Al igual que en la película de 1934, el clímax tiene lugar en el Royal Albert Hall . [177]
The Wrong Man (1956), la última película de Hitchcock para Warner Bros., es una producción en blanco y negro de bajo perfil basada en un caso de identidad equivocada de la vida real reportado en la revista Life en 1953. Esta fue la única película de Hitchcock protagonizada por Henry Fonda , interpretando a un músico del Stork Club confundido con un ladrón de licorería, que es arrestado y juzgado por robo mientras su esposa ( Vera Miles ) colapsa emocionalmente bajo la tensión. Hitchcock le dijo a Truffaut que su miedo de toda la vida a la policía lo atrajo al tema y estaba incrustado en muchas escenas. [178]
Mientras dirigía episodios para Alfred Hitchcock Presents durante el verano de 1957, Hitchcock fue ingresado en el hospital por hernia y cálculos biliares , y tuvieron que extirparle la vesícula . Después de una cirugía exitosa, regresó de inmediato al trabajo para prepararse para su próximo proyecto. [179] [159] Vértigo (1958) volvió a estar protagonizada por James Stewart, con Kim Novak y Barbara Bel Geddes . Había querido que Vera Miles interpretara el papel principal, pero estaba embarazada. Le dijo a Oriana Fallaci : "Le estaba ofreciendo un papel importante, la oportunidad de convertirse en una hermosa rubia sofisticada, una verdadera actriz. Habríamos gastado un montón de dólares en ello, y ella tiene el mal gusto de quedarse embarazada. Odio a las mujeres embarazadas, porque entonces tienen hijos". [180]
En Vértigo , Stewart interpreta a Scottie, un ex investigador de policía que sufre de acrofobia y que se obsesiona con una mujer a la que ha sido contratado para seguir (Novak). La obsesión de Scottie conduce a la tragedia, y esta vez Hitchcock no optó por un final feliz. Algunos críticos, incluidos Donald Spoto y Roger Ebert , coinciden en que Vértigo es la película más personal y reveladora del director, que trata sobre las obsesiones al estilo Pigmalión de un hombre que moldea a una mujer en la persona que desea. Vértigo explora con más franqueza y profundidad su interés en la relación entre el sexo y la muerte que cualquier otra obra de su filmografía. [181]
Vértigo contiene una técnica de cámara desarrollada por Irmin Roberts, comúnmente conocida como dolly zoom , que ha sido copiada por muchos cineastas. La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián , y Hitchcock ganó el premio Silver Seashell. [182] Vértigo es considerada un clásico, pero atrajo críticas mixtas y bajos ingresos de taquilla en su momento; [183] el crítico de Variety opinó que la película era "demasiado lenta y demasiado larga". [184] Bosley Crowther del New York Times pensó que era "diabólicamente inverosímil", pero elogió las actuaciones del elenco y la dirección de Hitchcock. [185] La película también fue la última colaboración entre Stewart y Hitchcock. [186] En las encuestas de Sight & Sound de 2002 , se ubicó justo detrás de Ciudadano Kane (1941); diez años después, en la misma revista, los críticos la eligieron como la mejor película jamás realizada. [7]
Después de Vértigo , el resto de 1958 fue un año difícil para Hitchcock. Durante la preproducción de Con la muerte en los talones (1959), que fue un proceso «lento» y «agonizante», a su esposa Alma le diagnosticaron cáncer. [187] Mientras ella estaba en el hospital, Hitchcock se mantuvo ocupado con su trabajo televisivo y la visitaba todos los días. Alma se sometió a una cirugía y se recuperó por completo, pero esto hizo que Hitchcock imaginara, por primera vez, la vida sin ella. [187]
Hitchcock siguió con tres películas más exitosas, que también son reconocidas como entre sus mejores: Con la muerte en los talones , Psicosis (1960) y Los pájaros (1963). En Con la muerte en los talones , Cary Grant interpreta a Roger Thornhill, un ejecutivo de publicidad de Madison Avenue que es confundido con un agente secreto del gobierno. Es perseguido por todo Estados Unidos por agentes enemigos, incluida Eve Kendall ( Eva Marie Saint ). Al principio, Thornhill cree que Kendall lo está ayudando, pero luego se da cuenta de que ella es una agente enemiga; más tarde se entera de que está trabajando encubierta para la CIA . Durante sus primeras dos semanas en el Radio City Music Hall , la película recaudó $404,056 (equivalente a $4.2 millones en 2023), estableciendo un récord de recaudación fuera de las vacaciones para ese teatro. [188] La revista Time calificó la película como "suavemente elaborada y completamente entretenida". [189]
Psicosis (1960) es posiblemente la película más conocida de Hitchcock. [190] Basada en la novela Psicosis de Robert Bloch de 1959 , que se inspiró en el caso de Ed Gein , [191] la película se produjo con un presupuesto ajustado de $800,000 (equivalente a $8.2 millones en 2023) y se filmó en blanco y negro en un set de repuesto utilizando miembros del equipo de Alfred Hitchcock Presents . [192] La violencia sin precedentes de la escena de la ducha, [h] la muerte temprana de la heroína y las vidas inocentes extinguidas por un asesino perturbado se convirtieron en el sello distintivo de un nuevo género de películas de terror. [194] La película resultó popular entre el público, con filas que se extendían fuera de los cines mientras los espectadores esperaban la siguiente función. Rompió récords de taquilla en el Reino Unido, Francia, Sudamérica, Estados Unidos y Canadá, y fue un éxito moderado en Australia durante un breve período. [195] [ página necesaria ]
Psicosis fue la más rentable de la carrera de Hitchcock, y él personalmente ganó más de 15 millones de dólares (equivalente a 150 millones de dólares en 2023). Posteriormente canjeó sus derechos sobre Psicosis y su antología televisiva por 150.000 acciones de MCA , lo que lo convirtió en el tercer mayor accionista y su propio jefe en Universal, al menos en teoría, aunque eso no detuvo la interferencia del estudio. [195] [ página necesaria ] [196] Después de la primera película, Psicosis se convirtió en una franquicia de terror estadounidense : Psicosis II , Psicosis III , Bates Motel , Psicosis IV: El comienzo y una nueva versión en color de 1998 del original. [197]
El 13 de agosto de 1962, día del 63 cumpleaños de Hitchcock, el director francés François Truffaut comenzó una entrevista de 50 horas con Hitchcock, filmada durante ocho días en los estudios Universal, durante la cual Hitchcock aceptó responder 500 preguntas. Se necesitaron cuatro años para transcribir las cintas y organizar las imágenes; se publicó como libro en 1967, al que Truffaut apodó "Hitchbook". Las cintas de audio se utilizaron como base de un documental en 2015. [198] [199] Truffaut solicitó la entrevista porque le quedó claro que Hitchcock no era simplemente el artista de masas que los medios estadounidenses hacían creer. Era obvio por sus películas, escribió Truffaut, que Hitchcock había "pensado más en el potencial de su arte que cualquiera de sus colegas". Comparó la entrevista con "la consulta de Edipo al oráculo". [200]
El estudioso del cine Peter William Evans escribió que Los pájaros (1963) y Marnie (1964) son consideradas como "obras maestras indiscutibles". [159] Hitchcock tenía la intención de filmar Marnie primero, y en marzo de 1962 se anunció que Grace Kelly, Princesa Grace de Mónaco desde 1956, saldría de su retiro para protagonizarla. [201] Cuando Kelly le pidió a Hitchcock que pospusiera Marnie hasta 1963 o 1964, reclutó a Evan Hunter , autor de The Blackboard Jungle (1954), para desarrollar un guion basado en un cuento de Daphne du Maurier , " Los pájaros " (1952), que Hitchcock había republicado en su Mis favoritos en suspenso (1959). Contrató a Tippi Hedren para interpretar el papel principal. [202] Fue su primer papel; Había sido modelo en Nueva York cuando Hitchcock la vio, en octubre de 1961, en un anuncio de televisión de la NBC para Sego , una bebida dietética: [203] "La fiché porque es una belleza clásica. Las películas ya no las tienen. Grace Kelly fue la última". Insistió, sin explicación, en que su nombre de pila se escribiera entre comillas simples: 'Tippi'. [i]
En The Birds , Melanie Daniels, una joven socialité, conoce al abogado Mitch Brenner ( Rod Taylor ) en una tienda de pájaros; Jessica Tandy interpreta a su madre posesiva. Hedren lo visita en Bodega Bay (donde se filmó The Birds ) [204] llevándole un par de tortolitos como regalo. De repente, oleadas de pájaros comienzan a reunirse, observar y atacar. La pregunta: "¿Qué quieren los pájaros?" queda sin respuesta. [206] Hitchcock hizo la película con equipo del Revue Studio, que hizo Alfred Hitchcock Presents . Dijo que era su película más desafiante técnicamente, utilizando una combinación de pájaros entrenados y mecánicos contra un fondo de pájaros salvajes. Cada toma fue esbozada de antemano. [204]
Una película de televisión de HBO / BBC , The Girl (2012), describió las experiencias de Hedren en el set; dijo que Hitchcock se obsesionó con ella y la acosó sexualmente. Según se informa, la aisló del resto del equipo, la hizo seguir, le susurró obscenidades, analizó su letra y construyó una rampa desde su oficina privada directamente a su tráiler. [207] [208] Diane Baker , su coprotagonista en Marnie , dijo: "Nada podría haber sido más horrible para mí que llegar a ese set de filmación y ver que la trataban de la forma en que lo hicieron". [209] Mientras filmaban la escena del ataque en el ático, que tardó una semana en filmarse, la colocaron en una habitación enjaulada mientras dos hombres con guantes protectores hasta los codos le arrojaban pájaros vivos. Hacia el final de la semana, para evitar que los pájaros volaran lejos de ella demasiado pronto, una pata de cada pájaro fue unida con hilo de nailon a bandas elásticas cosidas dentro de su ropa. Se derrumbó después de que un pájaro le cortara el párpado inferior, y la filmación se detuvo por orden del médico. [210]
En junio de 1962, Grace Kelly anunció que había decidido no aparecer en Marnie (1964). Hedren había firmado un contrato exclusivo de siete años por 500 dólares a la semana con Hitchcock en octubre de 1961, [211] y decidió elegirla para el papel principal junto a Sean Connery . En 2016, describiendo la actuación de Hedren como "una de las mejores en la historia del cine", Richard Brody calificó la película como una "historia de violencia sexual" infligida al personaje interpretado por Hedren: "La película es, para decirlo simplemente, enfermiza, y es así porque Hitchcock estaba enfermo. Sufrió toda su vida de un deseo sexual furioso, sufrió la falta de su gratificación, sufrió la incapacidad de transformar la fantasía en realidad, y luego siguió adelante y lo hizo virtualmente, a través de su arte". [212] Una reseña del New York Times de 1964 la calificó como la "película más decepcionante de Hitchcock en años", citando la falta de experiencia de Hedren y Connery, un guión amateur y "fondos de cartón evidentemente falsos". [213]
En la película, Marnie Edgar (Hedren) roba 10.000 dólares a su empleador y se da a la fuga. Solicita un trabajo en la empresa de Mark Rutland (Connery) en Filadelfia y también roba allí. Antes, se la ve teniendo un ataque de pánico durante una tormenta eléctrica y temiendo el color rojo. Mark la rastrea y la chantajea para que se case con él. Ella explica que no quiere que la toquen, pero durante la "luna de miel", Mark la viola. Marnie y Mark descubren que la madre de Marnie había sido prostituta cuando Marnie era una niña y que, mientras la madre peleaba con un cliente durante una tormenta eléctrica (la madre creía que el cliente había intentado abusar de Marnie), Marnie había matado al cliente para salvar a su madre. Curada de sus miedos cuando recuerda lo que sucedió, decide quedarse con Mark. [212] [214]
Hitchcock le dijo al director de fotografía Robert Burks que la cámara tenía que estar colocada lo más cerca posible de Hedren cuando filmara su rostro. [215] Evan Hunter , el guionista de Los pájaros que también estaba escribiendo Marnie , le explicó a Hitchcock que, si Mark amaba a Marnie, la consolaría, no la violaría. Hitchcock supuestamente respondió: "Evan, cuando se la meta, ¡quiero esa cámara justo en su cara!" [216] Cuando Hunter presentó dos versiones del guion, una sin la escena de violación, Hitchcock lo reemplazó por Jay Presson Allen . [217]
La mala salud redujo la producción de Hitchcock durante las dos últimas décadas de su vida. El biógrafo Stephen Rebello afirmó que Universal le impuso dos películas, Cortina rasgada (1966) y Topaz (1969), la última de las cuales está basada en una novela de Leon Uris , ambientada parcialmente en Cuba. [218] Ambas eran películas de espionaje con temas relacionados con la Guerra Fría . Cortina rasgada , con Paul Newman y Julie Andrews , precipitó el amargo final de la colaboración de doce años entre Hitchcock y el compositor Bernard Herrmann . [219] Hitchcock no estaba contento con la banda sonora de Herrmann y lo reemplazó por John Addison , Jay Livingston y Ray Evans . [220] Tras su estreno, Cortina rasgada fue una decepción de taquilla, [221] y Topaz no fue del agrado de los críticos ni del estudio. [222]
Hitchcock regresó a Gran Bretaña para rodar su penúltima película, Frenesí (1972), basada en la novela Adiós Piccadilly, adiós Leicester Square (1966). Después de dos películas de espionaje, la trama marcó un regreso al género de suspenso y asesinato. Richard Blaney ( Jon Finch ), un camarero volátil con un historial de ira explosiva, se convierte en el principal sospechoso en la investigación de los "asesinatos de la corbata", que en realidad son cometidos por su amigo Bob Rusk ( Barry Foster ). Esta vez, Hitchcock hace que la víctima y el villano sean parientes, en lugar de opuestos, como en Extraños en un tren . [223]
En Frenesí , Hitchcock permitió la desnudez por primera vez. Dos escenas muestran a mujeres desnudas, una de las cuales está siendo violada y estrangulada; [159] Donald Spoto llamó a esta última "uno de los ejemplos más repugnantes de un asesinato detallado en la historia del cine". Ambas actrices, Barbara Leigh-Hunt y Anna Massey , se negaron a hacer las escenas, por lo que se utilizaron modelos en su lugar. [224] Los biógrafos han señalado que Hitchcock siempre había superado los límites de la censura cinematográfica, logrando a menudo engañar a Joseph Breen , el jefe del Código de Producción Cinematográfica . Hitchcock agregaría sutiles indicios de impropiedades prohibidas por la censura hasta mediados de la década de 1960. Sin embargo, Patrick McGilligan escribió que Breen y otros a menudo se dieron cuenta de que Hitchcock estaba insertando ese material y en realidad se divertían, así como alarmados por las "ineludibles inferencias" de Hitchcock. [225]
La trama familiar (1976) fue la última película de Hitchcock. Narra las aventuras de "Madam" Blanche Tyler, interpretada por Barbara Harris , una espiritista fraudulenta, y su amante taxista Bruce Dern , que se gana la vida con sus poderes falsos. Si bien La trama familiar se basó en lanovela de Victor Canning The Rainbird Pattern (1972), el tono de la novela es más siniestro. El guionista Ernest Lehman escribió originalmente la película, bajo el título provisional Deception , con un tono oscuro, pero Hitchcock la llevó a un tono más ligero y cómico, donde tomó el nombre de Deceit y luego, finalmente, de La trama familiar . [226]
Hacia el final de su vida, Hitchcock estaba trabajando en el guion de un thriller de espías, The Short Night , en colaboración con James Costigan , Ernest Lehman y David Freeman . A pesar del trabajo preliminar, nunca se filmó. La salud de Hitchcock estaba decayendo y estaba preocupado por su esposa, que había sufrido un derrame cerebral . El guion finalmente se publicó en el libro de Freeman The Last Days of Alfred Hitchcock (1999). [227]
Tras haber rechazado la Orden del Imperio Británico en 1962, [228] Hitchcock fue nombrado Caballero Comendador de la Excelentísima Orden del Imperio Británico (KBE) en los honores de Año Nuevo de 1980. [ 10] [229] Estaba demasiado enfermo para viajar a Londres (tenía un marcapasos y le estaban administrando inyecciones de cortisona para su artritis), por lo que el 3 de enero de 1980 el cónsul general británico le entregó los papeles en Universal Studios. Cuando un periodista le preguntó después de la ceremonia por qué la Reina había tardado tanto, Hitchcock bromeó: "Supongo que fue una cuestión de descuido". Cary Grant, Janet Leigh y otros asistieron a un almuerzo después. [230] [231]
Su última aparición pública fue el 16 de marzo de 1980, cuando presentó al ganador del premio del American Film Institute del año siguiente. [230] Murió de insuficiencia renal al mes siguiente, el 29 de abril, en su casa de Bel Air . [131] [232] Donald Spoto , uno de los biógrafos de Hitchcock, escribió que Hitchcock se había negado a ver a un sacerdote, [233] pero según el sacerdote jesuita Mark Henninger, él y otro sacerdote, Tom Sullivan, celebraron la misa en la casa del cineasta, y Sullivan escuchó su confesión . [234] A Hitchcock le sobrevivieron su esposa y su hija. Su funeral se celebró en la iglesia católica Good Shepherd en Beverly Hills el 30 de abril, después de lo cual su cuerpo fue incinerado. Sus restos fueron esparcidos por el Océano Pacífico el 10 de mayo de 1980. [235]
El estilo " Hitchcockiano " incluye el uso de la edición y el movimiento de cámara para imitar la mirada de una persona, convirtiendo así a los espectadores en voyeurs , y encuadrando tomas para maximizar la ansiedad y el miedo. El crítico de cine Robin Wood escribió que el significado de una película de Hitchcock "está ahí en el método, en la progresión de plano a plano. Una película de Hitchcock es un organismo, con el todo implícito en cada detalle y cada detalle relacionado con el todo". [236]
La carrera cinematográfica de Hitchcock evolucionó desde películas mudas de pequeña escala hasta películas sonoras de gran importancia económica. Hitchcock comentó que estaba influenciado por los primeros cineastas George Méliès, D. W. Griffith y Alice Guy-Blaché. [237] Sus películas mudas entre 1925 y 1929 pertenecían a los géneros de crimen y suspenso, pero también incluían melodramas y comedias. Si bien la narración visual era pertinente durante la era del cine mudo, incluso después de la llegada del sonido, Hitchcock todavía dependía de las imágenes en el cine; se refirió a este énfasis en la narración visual como "cine puro". [238] En Gran Bretaña, perfeccionó su oficio de modo que cuando se mudó a Hollywood, el director había perfeccionado su estilo y sus técnicas de cámara. Hitchcock dijo más tarde que su trabajo británico era la "sensación del cine", mientras que la fase estadounidense fue cuando sus "ideas fueron fertilizadas". [239] El académico Robin Wood escribe que las dos primeras películas del director, The Pleasure Garden y The Mountain Eagle , estuvieron influenciadas por el expresionismo alemán . Después, descubrió el cine soviético y las teorías de montaje de Sergei Eisenstein y Vsevolod Pudovkin . [69] The Lodger, de 1926, se inspiró tanto en la estética alemana como en la soviética, estilos que solidificaron el resto de su carrera. [240] Aunque el trabajo de Hitchcock en la década de 1920 tuvo cierto éxito, varios críticos británicos criticaron las películas de Hitchcock por ser poco originales y vanidosas. [241] Raymond Durgnat opinó que las películas de Hitchcock estaban construidas de manera cuidadosa e inteligente, pero pensó que pueden ser superficiales y rara vez presentan una "visión del mundo coherente". [242]
Ganándose el título de "Maestro del suspenso", el director experimentó con formas de generar tensión en su trabajo. [241] Dijo: "Mi trabajo de suspenso surge de crear pesadillas para la audiencia. Y juego con una audiencia. Los hago jadear y los sorprendo y los conmociono. Cuando tienes una pesadilla, es terriblemente vívido si estás soñando que te llevan a la silla eléctrica. Entonces estás tan feliz como puedes estar cuando te despiertas porque estás aliviado". [243] Durante el rodaje de Con la muerte en los talones , Hitchcock explicó sus razones para recrear el set del Monte Rushmore : "El público responde en proporción a lo realista que lo hagas. Una de las razones dramáticas de este tipo de fotografía es hacer que parezca tan natural que el público se involucre y crea, por el momento, lo que está sucediendo allí arriba en la pantalla". [243] En una entrevista de 1963 con la periodista italiana Oriana Fallaci , le preguntaron a Hitchcock cómo, a pesar de parecer un hombre agradable e inofensivo, parecía disfrutar haciendo películas que incluían suspenso y crímenes aterradores. Respondió:
Soy inglés. Los ingleses utilizan mucho la imaginación con sus crímenes. A mí no hay nada que me emocione tanto como imaginar un crimen. Cuando estoy escribiendo un relato y llego a un crimen, pienso felizmente: ¿no sería bonito que muriera así? Y luego, todavía más feliz, pienso: en este punto la gente empezará a gritar. Debe ser porque pasé tres años estudiando con los jesuitas. Antes me aterrorizaban hasta la muerte, con todo, y ahora me estoy vengando aterrorizando a otras personas. [244]
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Las películas de Hitchcock, desde la era muda hasta la sonora, contenían una serie de temas recurrentes por los que es famoso. Sus películas exploraron al público como voyeur , en particular en Rear Window , Marnie y Psycho . Comprendió que los seres humanos disfrutan de las actividades voyeuristas e hizo que el público participara en ellas a través de las acciones del personaje. [245] De sus cincuenta y tres películas, once giraban en torno a historias de identidad equivocada , donde un protagonista inocente es acusado de un crimen y es perseguido por la policía. En la mayoría de los casos, es una persona común y corriente la que se encuentra en una situación peligrosa. [246] Hitchcock le dijo a Truffaut: "Eso se debe a que el tema del hombre inocente acusado, creo, proporciona al público una mayor sensación de peligro. Es más fácil para ellos identificarse con él que con un hombre culpable que huye". [246] Uno de sus temas constantes fue la lucha de una personalidad dividida entre "el orden y el caos"; [247] conocida como la noción de “doble”, que es una comparación o contraste entre dos personajes u objetos: el doble representa un lado oscuro o malvado. [159]
Según Robin Wood, Hitchcock mantuvo un sentimiento de ambivalencia hacia la homosexualidad, a pesar de trabajar con actores homosexuales a lo largo de su carrera. [248] Donald Spoto sugiere que la infancia sexualmente represiva de Hitchcock puede haber contribuido a su exploración de la desviación . [248] Durante la década de 1950, el Código de producción cinematográfica prohibió las referencias directas a la homosexualidad, pero el director era conocido por sus referencias sutiles, [249] y por empujar los límites de la censura. Además, La sombra de una duda tiene un doble tema de incesto a lo largo de la historia, expresado implícitamente a través de imágenes. [250] La autora Jane Sloan sostiene que Hitchcock se sintió atraído tanto por la expresión sexual convencional como por la no convencional en su trabajo, [251] y el tema del matrimonio generalmente se presentaba de una manera "sombría y escéptica". [252] Tampoco fue hasta después de la muerte de su madre en 1942, que Hitchcock retrató a las figuras maternas como "notorias madres-monstruo". [140] El trasfondo de espionaje y los asesinatos cometidos por personajes con tendencias psicópatas también fueron temas comunes. [253] En la representación de Hitchcock de villanos y asesinos, estos eran generalmente encantadores y amigables, forzando a los espectadores a identificarse con ellos. [254] La estricta infancia del director y su educación jesuita pueden haber llevado a su desconfianza hacia figuras de autoridad como policías y políticos; un tema que ha explorado. [159] Además, utilizó el " MacGuffin ", el uso de un objeto, persona o evento para mantener la trama en movimiento incluso si no era esencial para la historia. [255]
Hitchcock aparece brevemente en la mayoría de sus propias películas. Por ejemplo, se le ve luchando por subir un contrabajo a un tren ( Extraños en un tren ), sacando a pasear perros de una tienda de mascotas ( Los pájaros ), arreglando el reloj de un vecino ( La ventana indiscreta ), como una sombra ( La trama de una familia ), sentado en una mesa en una fotografía ( Crimen a muerte ) y viajando en autobús ( Con la muerte en los talones , Atrapa a un ladrón ). [92]
La representación que Hitchcock hace de las mujeres ha sido objeto de un gran debate académico. Bidisha escribió en The Guardian en 2010: "Está la vampiresa, la vagabunda, la chivatona, la bruja, la escurridiza, la traidora y, lo mejor de todo, la madre demonio. No te preocupes, todas reciben su castigo al final". [256] En un ensayo ampliamente citado de 1975, Laura Mulvey introdujo la idea de la mirada masculina ; la visión del espectador en las películas de Hitchcock, argumentó, es la del protagonista masculino heterosexual. [257] "Los personajes femeninos de sus películas reflejaban las mismas cualidades una y otra vez", escribió Roger Ebert en 1996: "Eran rubias. Eran frías y distantes. Estaban prisioneras de disfraces que sutilmente combinaban la moda con el fetichismo. Hipnotizaban a los hombres, que a menudo tenían discapacidades físicas o psicológicas. Tarde o temprano, todas las mujeres de Hitchcock eran humilladas". [258] [j]
Las películas de Hitchcock a menudo presentan personajes que luchan en sus relaciones con sus madres, como Norman Bates en Psicosis . En Con la muerte en los talones , Roger Thornhill ( Cary Grant ) es un hombre inocente ridiculizado por su madre por insistir en que unos hombres oscuros y asesinos lo persiguen. En Los pájaros , el personaje de Rod Taylor, un hombre inocente, encuentra su mundo bajo el ataque de unos pájaros viciosos y lucha por liberarse de una madre que se aferra a él ( Jessica Tandy ). El asesino de Frenesí odia a las mujeres pero idolatra a su madre. El villano Bruno en Extraños en un tren odia a su padre, pero tiene una relación increíblemente estrecha con su madre (interpretada por Marion Lorne ). Sebastian ( Claude Rains ) en Notorious tiene una relación claramente conflictiva con su madre, que sospecha (con razón) de su nueva esposa, Alicia Huberman ( Ingrid Bergman ). [260]
Le dije que mi idea de un buen actor o una buena actriz es alguien que no puede hacer nada muy bien... Le dije: "Esa es una de las cosas que tienes que aprender a tener... autoridad". De la autoridad surge el control y del control surge el alcance... Ya actúes poco o mucho en una escena determinada, sabes exactamente hacia dónde vas. Y esas fueron las primeras cosas que ella tuvo que aprender. La emoción viene después y el control de la voz viene después. Pero, dentro de sí misma, tuvo que aprender a tener autoridad primero y sobre todo porque de la autoridad surge el sentido del tiempo.
—Alfred Hitchcock (1967) [261]
Hitchcock se hizo conocido por haber comentado que "los actores deberían ser tratados como ganado". [262] [k] Durante el rodaje de Mr. & Mrs. Smith (1941), Carole Lombard llevó tres vacas al set con las etiquetas con los nombres de Lombard, Robert Montgomery y Gene Raymond , las estrellas de la película, para sorprenderlo. [262] En un episodio de The Dick Cavett Show , emitido originalmente el 8 de junio de 1972, Dick Cavett afirmó como un hecho que Hitchcock había llamado ganado a los actores. Hitchcock respondió diciendo que, en algún momento, lo habían acusado de llamar ganado a los actores. "Dije que nunca diría algo tan insensible y grosero sobre los actores. Lo que probablemente dije fue que todos los actores deberían ser tratados como ganado... De una manera agradable, por supuesto". Luego describió la broma de Carole Lombard, con una sonrisa. [263]
Hitchcock creía que los actores debían concentrarse en sus interpretaciones y dejar el trabajo del guión y los personajes a los directores y guionistas. En 1967, le dijo a Bryan Forbes : "Recuerdo haber hablado con un actor de método sobre cómo le habían enseñado y demás. Me dijo: 'Nos enseñan mediante la improvisación. Nos dan una idea y luego nos dejan desarrollarla como queramos'. Yo le dije: 'Eso no es actuar. Eso es escribir'". [134]
Al recordar sus experiencias en Lifeboat para Charles Chandler, autor de It's Only a Movie: Alfred Hitchcock A Personal Biography, Walter Slezak dijo que Hitchcock "sabía más sobre cómo ayudar a un actor que cualquier director con el que haya trabajado", y Hume Cronyn descartó la idea de que Hitchcock no estuviera preocupado por sus actores como "totalmente falaz", describiendo extensamente el proceso de ensayo y filmación de Lifeboat . [264]
Los críticos observaron que, a pesar de su reputación de hombre al que no le gustaban los actores, los actores que trabajaban con él a menudo ofrecían actuaciones brillantes. Utilizó a los mismos actores en muchas de sus películas; Cary Grant y James Stewart trabajaron con Hitchcock cuatro veces, [265] e Ingrid Bergman y Grace Kelly tres. James Mason dijo que Hitchcock consideraba a los actores como "atrezzo animado". [266] Para Hitchcock, los actores eran parte del escenario de la película. Le dijo a François Truffaut: "El requisito principal para un actor es la capacidad de no hacer nada bien, lo que no es tan fácil como parece. Debe estar dispuesto a ser utilizado e integrado por completo en la película por el director y la cámara. Debe permitir que la cámara determine el énfasis adecuado y los momentos dramáticos más efectivos". [267]
Hitchcock planificó sus guiones detalladamente con sus escritores. En Writing with Hitchcock (2001), Steven DeRosa señaló que Hitchcock los supervisaba en cada borrador y les pedía que contaran la historia visualmente. [268] Hitchcock le dijo a Roger Ebert en 1969:
Una vez terminado el guión, prefiero no hacer la película. Se acabó la diversión. Tengo una mente muy visual. Visualizo una película hasta el último corte. Escribo todo esto con el máximo detalle en el guión y luego no miro el guión mientras estoy rodando. Me lo sé de memoria, igual que un director de orquesta no necesita mirar la partitura. Es triste rodar una película. Cuando terminas el guión, la película es perfecta. Pero al rodarla pierdes quizás el 40 por ciento de tu concepción original. [269]
Las películas de Hitchcock fueron elaboradas con minuciosos guiones gráficos hasta el más mínimo detalle. Se dice que nunca se molestó en mirar por el visor , ya que no lo necesitaba, aunque en las fotos publicitarias se le mostró haciéndolo. También utilizó esto como excusa para no tener que cambiar nunca sus películas con respecto a su visión inicial. Si un estudio le pedía que cambiara una película, afirmaba que ya estaba filmada de una sola manera y que no había tomas alternativas a considerar. [270]
Esta visión de Hitchcock como un director que dependía más de la preproducción que de la producción en sí ha sido cuestionada por Bill Krohn, el corresponsal estadounidense de la revista de cine francesa Cahiers du Cinéma , en su libro Hitchcock at Work . Después de investigar las revisiones de guiones, las notas a otro personal de producción escritas por o para Hitchcock y otro material de producción, Krohn observó que el trabajo de Hitchcock a menudo se desviaba de cómo se escribió el guion o cómo se concibió originalmente la película. [271] Señaló que el mito de los guiones gráficos en relación con Hitchcock, a menudo regurgitado por generaciones de comentaristas de sus películas, fue en gran medida perpetuado por el propio Hitchcock o el brazo publicitario de los estudios. Por ejemplo, la célebre secuencia de fumigación de cultivos de North by Northwest no fue guionizada en absoluto. Después de filmar la escena, el departamento de publicidad le pidió a Hitchcock que hiciera guiones gráficos para promocionar la película, y Hitchcock, a su vez, contrató a un artista para que combinara las escenas en detalle. [272] [ verificación necesaria ]
Incluso cuando se hacían los storyboards, las escenas que se filmaban diferían significativamente de ellos. El análisis de Krohn de la producción de clásicos de Hitchcock como Notorious revela que Hitchcock era lo suficientemente flexible como para cambiar la concepción de una película durante su producción. Otro ejemplo que señala Krohn es el remake estadounidense de El hombre que sabía demasiado, cuyo cronograma de rodaje comenzó sin un guion terminado y además se excedió del cronograma, algo que, como señala Krohn, no era una ocurrencia poco común en muchas de las películas de Hitchcock, incluidas Extraños en un tren y Topaz . Si bien Hitchcock hizo una gran preparación para todas sus películas, era plenamente consciente de que el proceso de realización cinematográfica real a menudo se desviaba de los planes mejor trazados y era flexible para adaptarse a los cambios y necesidades de la producción, ya que sus películas no estaban libres de las molestias normales a las que se enfrentaban y las rutinas comunes que se usaban durante muchas otras producciones cinematográficas. [272] [ verificación requerida ]
El trabajo de Krohn también arroja luz sobre la práctica de Hitchcock de filmar generalmente en orden cronológico, lo que, según señala, hizo que muchas películas se excedieran en el presupuesto y el cronograma y, lo que es más importante, difería del procedimiento operativo estándar de Hollywood en la era del sistema de estudios. Igualmente importante es la tendencia de Hitchcock a filmar tomas alternativas de las escenas. Esto difería de la cobertura en que las películas no se filmaban necesariamente desde ángulos variados para darle al editor opciones para dar forma a la película como quisiera (a menudo bajo la égida del productor). [273] [ verificación fallida ] Más bien representaban la tendencia de Hitchcock a darse opciones en la sala de edición, donde brindaba consejos a sus editores después de ver un corte preliminar de la obra.
Según Krohn, esta y una gran cantidad de información más revelada a través de su investigación de los documentos personales de Hitchcock, revisiones de guiones y similares refutan la noción de Hitchcock como un director que siempre tenía el control de sus películas, cuya visión de las mismas no cambiaba durante la producción, lo que Krohn señala que ha seguido siendo el mito central de Alfred Hitchcock durante mucho tiempo. Tanto su meticulosidad como su atención al detalle también encontraron su camino en cada cartel cinematográfico de sus películas. Hitchcock prefería trabajar con los mejores talentos de su época —diseñadores de carteles cinematográficos como Bill Gold [274] y Saul Bass— que producían carteles que representaban con precisión sus películas. [272]
Hitchcock fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood el 8 de febrero de 1960 con dos estrellas: una por televisión y otra por cine. [275] En 1978, John Russell Taylor lo describió como "la persona más universalmente reconocible del mundo" y "un inglés de clase media sencillo que resultó ser un genio artístico". [231] En 2002, MovieMaker lo nombró el director más influyente de todos los tiempos, [276] y una encuesta de críticos de The Daily Telegraph de 2007 lo clasificó como el mejor director de Gran Bretaña. [277] David Gritten, el crítico de cine del periódico, escribió: "Sin lugar a dudas, el mejor cineasta que emergió de estas islas, Hitchcock hizo más que cualquier director para dar forma al cine moderno, que sería completamente diferente sin él. Su talento era para la narrativa, ocultando cruelmente información crucial (de sus personajes y de nosotros) y atrayendo las emociones de la audiencia como nadie más". [278] En 1992, la encuesta de críticos de Sight & Sound clasificó a Hitchcock en el puesto número 4 de su lista de los "10 mejores directores" de todos los tiempos. [279] En 2002, Hitchcock ocupó el segundo puesto en la encuesta de los diez mejores de los críticos [280] y el quinto en la encuesta de los diez mejores directores [281] en la lista de "Los mejores directores de todos los tiempos" compilada por Sight & Sound . Hitchcock fue votado como el "Mejor director del siglo XX" en una encuesta realizada por la revista de cine japonesa Kinema Junpo . En 1996, Entertainment Weekly clasificó a Hitchcock en el puesto número 1 de su lista de los "50 mejores directores". [282] [283] Hitchcock ocupó el puesto número 2 en la lista de los "40 mejores directores de todos los tiempos" de Empire en 2005. [ 282 ] En 2007, Total Film clasificó a Hitchcock en el puesto número 1 en su lista de los "100 mejores directores de cine de todos los tiempos". [284]
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Ganó dos Globos de Oro , ocho Premios Laurel y cinco premios a la trayectoria , incluido el primer Premio BAFTA Academy Fellowship en 1971, [285] y, en 1979, un Premio AFI a la trayectoria . [10] Fue nominado cinco veces al Premio Óscar al Mejor Director . Rebecca , nominada a once Oscar, ganó el Premio Óscar a la Mejor Película de 1940 ; otra película de Hitchcock, Foreign Correspondent , también fue nominada ese año. [286] Para 2021, nueve de sus películas habían sido seleccionadas para su preservación por el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos : Rebecca (1940; incluida en 2018), Shadow of a Doubt (1943; incluida en 1991), Notorious (1946; incluida en 2006), Strangers on a Train (1951; incluida en 2021), Rear Window (1954; incluida en 1997), Vertigo (1958; incluida en 1989), North by Northwest (1959; incluida en 1995), Psycho (1960; incluida en 1992) y The Birds (1963; incluida en 2016). [8]
En 2001, el distrito londinense de Waltham Forest encargó una serie de 17 mosaicos de la vida y la obra de Hitchcock, que se encuentran en la estación de metro de Leytonstone en el metro de Londres . [287] En 2012, Hitchcock fue seleccionado por el artista Sir Peter Blake , autor de la portada del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles , para aparecer en una nueva versión de la portada, junto con otras figuras culturales británicas, y apareció ese año en una serie de BBC Radio 4 , The New Elizabethans , como alguien "cuyas acciones durante el reinado de Isabel II han tenido un impacto significativo en las vidas de estas islas y le han dado carácter a la época". [288] En junio de 2013, se proyectaron nueve versiones restauradas de las primeras películas mudas de Hitchcock, incluida The Pleasure Garden (1925), en el Teatro Harvey de la Academia de Música de Brooklyn ; conocido como "The Hitchcock 9", el homenaje itinerante fue organizado por el Instituto de Cine Británico . [289]
La Colección Alfred Hitchcock se encuentra en el Archivo de Cine de la Academia en Hollywood, California. Incluye películas caseras, películas de 16 mm filmadas en el set de Blackmail (1929) y Frenzy (1972), y el metraje en color más antiguo conocido de Hitchcock. El Archivo de Cine de la Academia ha conservado muchas de sus películas caseras. [290] En 1984, Pat Hitchcock donó los papeles de su padre a la Biblioteca Margaret Herrick de la Academia . [291] [292] Las colecciones David O. Selznick y Ernest Lehman alojadas en el Centro de Investigación de Humanidades Harry Ransom en Austin, Texas, contienen material relacionado con el trabajo de Hitchcock en la producción de El caso Paradine , Rebecca , Spellbound , North by Northwest y Family Plot. [293]
Películas mudas
Películas sonoras
"Breves descripciones y ensayos ampliados de títulos del National Film Registry" Archivado el 1 de enero de 2018 en Wayback Machine . Biblioteca del Congreso. Consultado el 21 de diciembre de 2018.
{{cite web}}: CS1 maint: DOI inactivo a partir de julio de 2024 ( enlace )Para la entrevista a Snyder: Snyder, Tom (1973). "Entrevista a Alfred Hitchcock", Tomorrow , NBC, 00:01:55 Archivado el 3 de enero de 2020 en Wayback Machine .
Carroll era la "rubia Hitchcock" por excelencia, la primera de un linaje que también incluiría a Grace Kelly, Eva Marie Saint, Kim Novak y Tippi Hedren.
Weiler, AH (7 de agosto de 1959). «Hitchcock realiza una gira llena de suspenso con Cook: North by Northwest se estrena en el Music Hall». The New York Times . Archivado desde el original el 29 de septiembre de 2013. Consultado el 21 de agosto de 2017 .
Bradshaw, Peter (13 de octubre de 2017). «78/52 review – Hitchcock's Psycho shower scene gets an expert autopsy» (Reseña de 78/52: la escena de la ducha de Psicosis de Hitchcock recibe una autopsia experta). The Guardian . Archivado desde el original el 27 de diciembre de 2017. Consultado el 27 de diciembre de 2017 .
Brody, Richard (2012). «Tippi Hedren's Silence». The New Yorker . Archivado desde el original el 5 de enero de 2018. Consultado el 5 de enero de 2018 .
El cine es forma. Veo muchas buenas películas que contienen diálogos muy buenos. No desprecio estas películas, pero para mí, no son cine puro. Al intentar convertirlas en cine, algunos directores encuentran ángulos extraños desde los que filmar, pero aún así solo producen lo que yo llamo "fotografías de personas hablando".
«Los nuevos isabelinos – Alfred Hitchcock». BBC. Archivado desde el original el 25 de noviembre de 2012. Consultado el 24 de agosto de 2017 .
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