Si bien la historia de la animación comenzó mucho antes , este artículo se ocupa del desarrollo del medio después de la aparición de la película de celuloide en 1888, producida para proyecciones teatrales, televisión y entretenimiento doméstico (no interactivo).
Entre 1895 y 1920, durante el auge de la industria cinematográfica, se reinventaron o desarrollaron varias técnicas de animación diferentes, incluido el stop-motion con objetos, títeres, arcilla o recortes , y la animación dibujada o pintada. La animación dibujada a mano, principalmente animación pintada sobre cels , fue la técnica dominante durante la mayor parte del siglo XX y pasó a ser conocida como animación tradicional .
Alrededor del cambio de milenio, la animación por computadora se convirtió en la técnica de animación dominante en la mayoría de las regiones (mientras que la animación dibujada a mano sigue siendo muy popular en todo el mundo; por ejemplo, el anime japonés y las producciones europeas dibujadas a mano). La animación por computadora se asocia principalmente con una apariencia tridimensional con sombreado detallado, aunque se han generado o simulado muchos estilos de animación diferentes con computadoras. Algunas producciones pueden ser reconocidas como animación Flash , pero en la práctica, la animación por computadora con una apariencia relativamente bidimensional, contornos marcados y poco sombreado, generalmente se considerará "animación tradicional". Por ejemplo, el primer largometraje realizado con ordenador, sin cámara, es The Rescuers Down Under (1990), pero su estilo apenas se distingue de la animación celular .
Las películas animadas son parte de antiguas tradiciones en la narración de cuentos, las artes visuales y el teatro. Las técnicas populares con imágenes en movimiento antes de la película incluyen juegos de sombras , diapositivas mecánicas y proyectores móviles en espectáculos de linterna mágica (especialmente fantasmagoría ). Las técnicas con fantásticas figuras tridimensionales en movimiento incluyen máscaras y disfraces , títeres y autómatas . Los libros infantiles ilustrados , la caricatura , las viñetas políticas y especialmente las historietas están estrechamente relacionados con la animación, con mucha influencia en los estilos visuales y los tipos de humor.
Los principios técnicos de la animación moderna se basan en la ilusión estroboscópica de movimiento que se introdujo en 1833 con discos estroboscópicos (más conocido como fenaquistiscopio ) . Estos discos animados con un promedio de entre 8 y 16 imágenes generalmente se diseñaban como bucles sin fin (como muchas animaciones GIF ), para uso doméstico como un "juguete filosófico" manual . Aunque varios pioneros esperaban que pudiera aplicarse a escenas más largas para uso teatral, a lo largo del siglo XIX el desarrollo de la técnica se concentró principalmente en combinaciones con el estereoscopio (introducido en 1838) y la fotografía (introducida en 1839). El avance de la cinematografía dependió en parte de la novedad de una técnica que era capaz de registrar y reproducir la realidad en películas realistas. Durante los primeros años, dibujar imágenes animadas parecía una técnica arcaica en comparación, hasta que algunos artistas produjeron cortos animados populares e influyentes y los productores adoptaron técnicas baratas para convertir tiras cómicas populares en dibujos animados.
Charles-Émile Reynaud desarrolló su praxinoscopio de proyección en el Théâtre Optique con imágenes transparentes pintadas a mano en colores en una larga tira perforada enrollada entre dos carretes, patentado en diciembre de 1888. Del 28 de octubre de 1892 a marzo de 1900, Reynaud ofreció más de 12.800 espectáculos para un total de Más de 500.000 visitantes en el Museo Grévin de París. Su serie de películas animadas Pantomimes Lumineuses contenía cada una de 300 a 700 fotogramas manipulados de un lado a otro para durar de 10 a 15 minutos por película. Se proyectó una escena de fondo por separado. Se interpretaron en vivo música de piano, canciones y algunos diálogos, mientras que algunos efectos de sonido se sincronizaron con un electroimán. El primer programa incluía tres dibujos animados: Pauvre Pierrot (creado en 1892), Un bon bock (creado en 1892, ahora perdido) y Le Clown et ses chiens (creado en 1892, ahora perdido). Posteriormente formarían parte de las representaciones los títulos Autour d'une Cabine (creado en 1894) y A rêve au coin du feu (creado en 1894).
A pesar del éxito de las películas de Reynaud, pasó algún tiempo antes de que la animación se adaptara en la industria cinematográfica que surgió después de la introducción del Cinematógrafo de Lumière en 1895. Las primeras películas de fantasía y trucos de Georges Méliès (estrenadas entre 1896 y 1913) contienen ocasionalmente elementos que se parecen un poco a la animación, incluidos accesorios pintados o criaturas pintadas que se movían frente a fondos pintados (principalmente usando cables) y coloración de películas a mano. Méliès también popularizó el stop-trick , con un único cambio en la escena entre planos, que ya se había utilizado en La ejecución de María Estuardo de Edison en 1895 y que probablemente condujo al desarrollo de la animación stop-motion algunos años después. [1] Parece haber durado hasta 1906 antes de que aparecieran en los cines películas animadas adecuadas. Se cuestiona la datación de algunas presuntas películas anteriores con animación, mientras que otras películas tempranas que pueden haber utilizado stop motion u otras técnicas de animación se han perdido o no están identificadas y, por lo tanto, no se pueden verificar.
En 1897, el fabricante de juguetes alemán Gebrüder Bing tenía un primer prototipo de su "cinematógrafo" de juguete, [2] que finalmente presentó en una convención de juguetes en Leipzig en noviembre de 1898. Poco después, otros fabricantes de juguetes en Alemania y Francia, incluido Ernst Plank , Georges Carette y Lapierre, comenzaron a vender dispositivos similares. Los cinematógrafos de juguete eran básicamente linternas mágicas de juguete tradicionales, adaptadas con uno o dos carretes pequeños que utilizaban película estándar de 35 mm con "perforación Edison", una manivela y un obturador. Estos proyectores estaban destinados al mismo tipo de mercado de juguetes de "entretenimiento en el hogar" que la mayoría de los fabricantes ya ofrecían praxinoscopios y linternas mágicas. Además de las películas de acción real relativamente caras, los fabricantes produjeron muchas películas más baratas imprimiendo dibujos litografiados . Estas animaciones probablemente se realizaron en blanco y negro alrededor de 1898 o 1899, pero a más tardar en 1902 se hicieron en color. Las imágenes a menudo se basaban en películas de acción real (muy parecidas a la técnica posterior de rotoscopia ). Estas películas muy cortas típicamente representaban una acción repetitiva simple y la mayoría fueron diseñadas para ser proyectadas como un bucle, jugando sin cesar con los extremos de la película juntos. El proceso de litografía y el formato de bucle siguen la tradición que marcaron el disco estroboscópico, el zoótropo y el praxinoscopio . [3] [4]
Katsudō Shashin (entre 1907 y 1912), que se especula que es la obra de animación más antigua de Japón , probablemente fue realizada a imitación de tiras de película impresas occidentales similares. [5]
J. Stuart Blackton fue un cineasta británico-estadounidense, cofundador de los estudios Vitagraph y uno de los primeros en utilizar la animación en sus películas. Su El dibujo encantado (1900) puede considerarse como la primera película teatral grabada en una película estándar que incluía elementos animados, aunque se trata sólo de unos pocos fotogramas de cambios en los dibujos. Muestra a Blackton haciendo "dibujos relámpago" de un rostro, cigarros, una botella de vino y una copa. El rostro cambia de expresión cuando Blackton vierte vino en la boca del rostro y cuando Blackton toma su cigarro. La técnica utilizada en esta película fue básicamente el stop trick: el único cambio en las escenas fue la sustitución de un dibujo por otro similar con diferente expresión facial. En algunas escenas, una botella y un vaso dibujados fueron reemplazados por objetos reales. Blackton posiblemente había utilizado la misma técnica en una película perdida de bocetos de relámpagos de 1896. [1]
La película Humorous Phases of Funny Faces de Blackton de 1906 se considera a menudo como la animación dibujada a mano más antigua conocida en una película estándar. Presenta una secuencia hecha con dibujos de pizarra que se cambian entre fotogramas para mostrar dos rostros que cambian de expresión y algo de humo de cigarro, así como dos secuencias que presentan animaciones recortadas con una apariencia similar para un movimiento más fluido.
Alexander Shiryaev fue un bailarín, maestro de ballet y coreógrafo ruso que trabajó en el Teatro Mariinsky y a quien se le atribuye la invención independiente de la animación stop motion. Entre 1906 y 1909, creó las primeras películas de animación conocidas realizadas en Rusia, utilizando animación de títeres, animación dibujada y técnicas mixtas. Si bien algunos se hicieron como experimentos (por ejemplo, una animación dibujada de 20 minutos que muestra el vuelo de los pájaros en una línea continua), la mayoría de ellos se hicieron con fines educativos de mostrar a los bailarines de ballet cómo debería ser su coreografía. Las animaciones de los títeres variaron en duración desde poco más de un minuto hasta 10 minutos. Las películas de Shiryaev sólo se proyectaron en el Teatro Mariinsky para los artistas, no públicamente, y fueron generalmente desconocidas hasta 2003, cuando el documentalista e historiador del ballet ruso Viktor Bocharov estrenó una película de una hora titulada Un estreno tardío que incluía fragmentos de las distintas películas.
El cineasta español Segundo de Chomón realizó muchas películas de trucos para la productora francesa Pathé . En 1906, utilizó stop motion en varios cortometrajes, entre ellos La maison ensorcelée [6] y Le théâtre de Bob [7] (ambos estrenados en Estados Unidos en abril de 1906). The Haunted Hotel de Blackton (23 de febrero de 1907) [8] contiene elementos stop motion muy similares a los de La maison ensorcelée . Si las fechas de estreno son correctas (y si no se han mezclado los títulos traducidos), Blackton debe haberse inspirado en la obra de De Chomón y no al revés, pero se ha creído que The Haunted Hotel fue un gran éxito en Francia y otros países europeos. países, y habría sido la película que inspiró a cineastas locales, entre ellos Émile Cohl, a comenzar a trabajar con esta innovadora técnica de animación. [1] De Chomon también realizó el cortometraje relacionado Hôtel électrique (1908), que incluye una breve escena con pixelación .
En 1907, el artista francés Émile Cohl inició su carrera cinematográfica con Japon de débilesie , [9] con un uso imaginativo de técnicas de stop motion. Su siguiente cortometraje puede considerarse como la primera película animada que utilizó lo que se conoció como métodos de animación tradicionales: Fantasmagorie de 1908 . [10] La película consiste en gran medida en una figura de palo que se mueve y se encuentra con todo tipo de objetos cambiantes, como una botella de vino que se transforma en una flor. También hay secciones de acción en vivo donde las manos del animador entran en escena. La película se creó dibujando cada fotograma en papel y luego filmando cada fotograma en una película negativa , lo que le dio a la imagen un aspecto de pizarra. Más tarde, Cohl fue a Fort Lee, Nueva Jersey, cerca de la ciudad de Nueva York, en 1912, donde trabajó para el estudio francés Éclair y extendió su técnica de animación a Estados Unidos.
Durante la década de 1910 comenzaron a surgir estudios de animación a gran escala. A partir de entonces, los solistas desaparecieron del ojo público. [11] La primera animadora profesional conocida, Bessie Mae Kelley , comenzó su carrera en 1917. [12]
Comenzando con una película corta de 1911 de su personaje más popular, Little Nemo , el exitoso caricaturista de un periódico Winsor McCay dio muchos más detalles a sus animaciones dibujadas a mano que cualquier animación vista anteriormente en los cines. Su película de 1914 Gertie the Dinosaur presentó un ejemplo temprano de desarrollo de personajes en animación dibujada. [13] También fue la primera película que combinó imágenes de acción real con animación. Originalmente, McCay usó la película en su acto de vodevil: se paraba junto a la pantalla y hablaba con Gertie, quien respondía con una serie de gestos. Al final de la película, McCay caminaba detrás de la pantalla de proyección, siendo reemplazada sin problemas por una imagen pregrabada de sí mismo entrando en la pantalla, subiéndose al lomo del dinosaurio de dibujos animados y saliendo del encuadre. [14] [15] McCay personalmente dibujó a mano casi todos los miles de dibujos de sus películas. [11] Otros títulos dignos de mención de McCay son Cómo opera un mosquito (1912) y El hundimiento del Lusitania (1918).
Entre 1915 y 1916, Dudley Buxton y Anson Dyer produjeron una serie de 26 dibujos animados de actualidad durante la Primera Guerra Mundial, utilizando principalmente animaciones recortadas, publicados como el cuaderno de bocetos animado de John Bull, [16] Los episodios incluyeron el bombardeo de Scarborough por acorazados alemanes, [17 ] y El hundimiento del Lusitania, nº 4 (junio de 1915). [18]
Hacia 1913, Raoul Barré desarrolló el sistema de clavijas que facilitaba la alineación de los dibujos perforando dos agujeros debajo de cada dibujo y colocándolos en dos pasadores fijos. También utilizó una técnica de "cortar y rasgar" para no tener que dibujar el fondo completo u otras partes inmóviles para cada cuadro. Las partes en las que era necesario cambiar algo para el siguiente cuadro se cortaron cuidadosamente del dibujo y se completaron con el cambio requerido en la hoja a continuación. [19] Después de que Barré hubiera comenzado su carrera en la animación en los Estudios Edison , fundó uno de los primeros estudios cinematográficos dedicados a la animación en 1914 (inicialmente junto con Bill Nolan ). Barré Studio tuvo éxito con la producción de la adaptación de la popular tira cómica Mutt and Jeff (1916-1926). El estudio empleó a varios animadores que tendrían carreras notables en la animación, incluidos Frank Moser , Gregory La Cava , Vernon Stallings , Tom Norton y Pat Sullivan .
En 1914, John Bray abrió John Bray Studios , que revolucionó la forma en que se creaba la animación. [20] Earl Hurd , uno de los empleados de Bray, patentó la técnica cel . [21] Esto implicó animar objetos en movimiento en láminas de celuloide transparentes. [22] Los animadores fotografiaron las hojas sobre una imagen de fondo estacionaria para generar la secuencia de imágenes. Esto, así como el uso innovador que hizo Bray del método de la línea de montaje, permitió a John Bray Studios crear Colonel Heeza Liar , la primera serie animada. [23] [24] Muchos aspirantes a dibujantes comenzaron sus carreras en Bray, incluidos Paul Terry (más tarde de la fama de Heckle y Jeckle ), Max Fleischer (más tarde de la fama de Betty Boop y Popeye ) y Walter Lantz (más tarde de la fama de Woody Woodpecker ). El estudio de dibujos animados funcionó desde alrededor de 1914 hasta 1928. Algunas de las primeras estrellas de dibujos animados de los estudios Bray fueron Farmer Alfalfa (de Paul Terry) y Bobby Bumps (de Earl Hurd).
El magnate de los periódicos William Randolph Hearst fundó International Film Service en 1916. Hearst atrajo a la mayoría de los animadores de Barré Studio, y Gregory La Cava se convirtió en el director del estudio. Produjeron adaptaciones de muchas tiras cómicas de los periódicos de Heart de una manera bastante limitada, dando solo un poco de movimiento a los personajes mientras usaban principalmente los globos de diálogo para contar la historia. La serie más notable es Krazy Kat , probablemente la primera de muchos personajes antropomórficos de dibujos animados de gatos y otros animales parlantes . Antes de que el estudio se detuviera en 1918, había empleado algunos talentos nuevos, incluidos Vernon Stallings , Ben Sharpsteen , Jack King , John Foster , Grim Natwick , Burt Gillett e Isadore Klein.
En 1915, Max Fleischer solicitó una patente (concedida en 1917) [25] para una técnica que se conoció como rotoscopia : el proceso de utilizar grabaciones de películas de acción real como punto de referencia para crear más fácilmente movimientos animados realistas. La técnica se utilizó a menudo en la serie Out of the Inkwell (1918-1929) para John Bray Productions (y otros). La serie fue el resultado de imágenes rotoscópicas experimentales de Dave Fleischer actuando como un payaso, evolucionando hasta convertirse en un personaje que se hizo conocido como Koko el Payaso .
En 1919, Otto Messmer de Pat Sullivan Studios creó el gato Félix . Pat Sullivan , el director del estudio, se llevó todo el crédito por Felix, una práctica común en los primeros días de la animación de estudio. [26] El gato Félix fue distribuido por Paramount Studios y atrajo a una gran audiencia, [27] convirtiéndose finalmente en uno de los personajes de dibujos animados más reconocidos en la historia del cine. Felix fue la primera caricatura que se comercializó. [ cita necesaria ]
El primer largometraje de animación conocido fue El Apóstol de Quirino Cristiani , estrenado el 9 de noviembre de 1917 en Argentina . Esta exitosa sátira de 70 minutos utilizó una técnica de recorte de cartón, supuestamente con 58.000 fotogramas a 14 fotogramas por segundo . El siguiente largometraje de Cristiani, Sin dejar rastros, se estrenó en 1918, pero no recibió cobertura de prensa y poca asistencia del público antes de que fuera confiscado por la policía por razones diplomáticas. [28] Ninguno de los largometrajes de Cristiani sobrevivió. [28] [29] [30]
En la década de 1920 se produjeron una serie de acontecimientos clave, incluido el desarrollo de las primeras animaciones con sonido sincronizado y la fundación del estudio Walt Disney . La década también vio la primera aparición de Mickey Mouse en Steamboat Willie (1928).
A principios de la década de 1920, el movimiento cinematográfico absoluto con artistas como Walter Ruttmann , Hans Richter , Viking Eggeling y Oskar Fischinger realizó breves animaciones abstractas que resultaron influyentes. Aunque algunas obras de animación abstracta posteriores de, por ejemplo, Len Lye y Norman McLaren serían ampliamente apreciadas, el género siguió siendo en gran medida una forma de arte de vanguardia relativamente oscura, mientras que influencias directas o ideas similares aparecían ocasionalmente en la animación convencional (por ejemplo, en Toccata y fuga en re menor en Fantasía (1940) de Disney , en la que Fischinger colaboró originalmente hasta que su trabajo fue descartado, y en parte inspirado en las obras de Lye, y en The Dot and the Line (1965) de Chuck Jones).
Desde mayo de 1924 hasta septiembre de 1926, Inkwell Studios de Dave y Max Fleischer produjeron 19 dibujos animados sonoros, parte de la serie Song Car-Tunes , utilizando el proceso de " sonido sobre película " de Phonofilm. La serie también introdujo la " bola que rebota " encima de la letra para guiar al público a cantar con la música. My Old Kentucky Home de junio de 1926 fue probablemente la primera película que presentó un poco de diálogo animado sincronizado, con una primera versión de Bimbo pronunciando las palabras "Sigan la pelota y únanse todos". El personaje de Bimbo se desarrolló aún más en Talkartoons de Fleischer (1929-1932).
La hora de cenar de Paul Terry , de su serie Las fábulas de Esopo (1921-1936), se estrenó el 1 de septiembre de 1928 con una banda sonora sincronizada con diálogos. El nuevo propietario del estudio, Van Beuren, instó a Terry a añadir la novedad en contra de sus deseos. Aunque la serie y su personaje principal, el granjero Al Falfa , habían sido populares, el primer episodio con sonido no impresionó al público.
El primer largometraje de animación que se conserva es Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Las aventuras del príncipe Achmed) , de 1926, con una silueta animada, que utilizaba una película teñida de colores . [31] Fue dirigida por la alemana Lotte Reiniger y su marido Carl Koch . Walter Ruttmann creó efectos visuales de fondo. El colaborador francés/húngaro Berthold Bartosch y/o Reiniger crearon profundidad de campo colocando elementos escenográficos y figuras en varios niveles de placas de vidrio con iluminación desde abajo y la cámara verticalmente arriba. Posteriormente, una técnica similar se convirtió en la base de la cámara multiplano .
Entre 1920 y 1922, los dibujantes Walt Disney , Ub Iwerks y Fred Harman trabajaron en Slide Company (pronto rebautizada como Kansas City Film Ad Company), que producía anuncios de animación recortada. Disney comenzó a experimentar con técnicas de animación dibujada en el garaje de sus padres y logró vender una serie que satirizaba temas locales actuales al propietario de los tres Newman Theatres locales como el semanario Newman Laugh-O-Grams en 1921. Con su propia compañía de corta duración Laugh-O-Gram Films, Inc. , Disney, junto con Iwerks, el hermano de Fred, Hugh Harman , Rudolph Ising y Carman Maxwell , produjeron una serie de dibujos animados de cuentos de hadas modernizados de aproximadamente siete minutos, inspirados en las Fábulas de Esopo de Terry . [32] El estudio quebró en 1923, pero ya había hecho la película de 12 minutos no vendida Alice's Wonderland , que presentaba a una chica de acción real ( Virginia Davis ) interactuando con numerosos personajes de dibujos animados, incluido el gato Julius , inspirado en Félix (que había ya apareció en los cuentos de hadas de Laugh-O-Gram, sin nombre). Cuando Disney se mudó a Hollywood, logró cerrar un trato con la distribuidora cinematográfica neoyorquina Margaret J. Winkler , que acababa de perder los derechos de El gato Félix y Fuera del tintero . Para realizar la serie Alice Comedies (1923-1927), Iwerks también se mudó a Hollywood, seguido más tarde por Ising, Harman, Maxwell y su colega de Film Ad Friz Freleng . La serie tuvo suficiente éxito como para durar 57 episodios, pero Disney finalmente prefirió crear una nueva serie completamente animada. Oswald the Lucky Rabbit siguió en 1927 y se convirtió en un éxito, pero después de negociaciones fallidas para la continuación en 1928, Charles Mintz tomó el control directo de la producción y Disney perdió su personaje y la mayor parte de su personal en favor de Mintz.
Disney e Iwerks desarrollaron Mickey Mouse en 1928 para reemplazar a Oswald. Una primera película titulada Plane Crazy no logró impresionar al público de prueba y no despertó suficiente interés entre los posibles distribuidores. Después del éxito de algunas películas de imagen real con sonido sincronizado , Disney suspendió el nuevo dibujo animado de Mickey Mouse , The Gallopin' Gaucho , para empezar a trabajar en una producción de sonido especial que lanzaría la serie de manera más convincente. Gran parte de la acción resultante en Steamboat Willie (noviembre de 1928) implica la producción de sonidos, por ejemplo, cuando Mickey usa el ganado a bordo del barco como instrumentos musicales. La película se convirtió en un gran éxito y Mickey Mouse pronto se convertiría en el personaje de dibujos animados más popular de la historia.
Bosko fue creado en 1927 por Hugh Harman y Rudolf Ising , específicamente pensando en el cine sonoro . Todavía trabajaban para Disney en ese momento, pero se fueron en 1928 para trabajar en los dibujos animados de Oswald the Lucky Rabbit en Universal durante aproximadamente un año, y luego produjeron Bosko, el piloto de Talk-Ink Kid en mayo de 1929 para buscar un distribuidor. . Firmaron con las producciones de Leon Schlesinger y comenzaron la serie Looney Tunes para Warner Bros. en 1930. Bosko fue la estrella de 39 dibujos animados de Warner Bros. antes de que Harman e Ising llevaran a Bosko a MGM después de dejar Warner Bros.. Después de dos dibujos animados de MGM, el personaje recibió un cambio dramático que fue mucho menos apreciado por el público. La carrera de Bosko terminó en 1938.
Si bien la economía global sufrió la Gran Depresión durante la década de 1930, la animación continuó floreciendo. Se empezaron a utilizar los primeros procesos de color, junto con el uso de la cámara multiplano . En 1937, Blancanieves debutó en los cines: el primer largometraje de animación tradicional.
La técnica de litografía multicolor de los primeros bucles de películas animadas europeas para uso doméstico parece no haberse aplicado a las películas animadas estrenadas en cines. Si bien las copias originales de Las aventuras del príncipe Achmed presentaban tintes cinematográficos , la mayoría de las películas animadas estrenadas en cines antes de 1930 eran en blanco y negro. Los procesos de color eficaces fueron, por tanto, una innovación bienvenida en Hollywood y parecieron especialmente adecuados para los dibujos animados.
Un segmento de dibujos animados del largometraje King of Jazz (abril de 1930), realizado por Walter Lantz y Bill Nolan, fue la primera animación presentada en tecnicolor de dos tiras.
Fiddlesticks , estrenada junto con King of Jazz , fue la primera película de Flip the Frog y el primer proyecto en el que trabajó Ub Iwerks después de dejar Disney para montar su estudio. En Inglaterra, la caricatura se estrenó en Harris Color, [33] un proceso de dos colores , probablemente como la primera caricatura animada independiente estrenada en cines que cuenta con sonido y color.
Cuando la serie Silly Symphonies , iniciada en 1929, fue menos popular de lo que Disney esperaba, recurrió a nuevas innovaciones tecnológicas para mejorar el impacto de la serie. En 1932 trabajó con la compañía Technicolor para crear la primera animación a todo color Flores y árboles , debutando la técnica de las tres tiras (el primer uso en películas de acción real se produjo alrededor de dos años después). La caricatura tuvo éxito y ganó un Premio de la Academia de Cortometrajes, Dibujos animados . [34] Disney tenía temporalmente un acuerdo exclusivo para el uso de la técnica a todo color de Technicolor en películas animadas. Incluso esperó un poco antes de producir la serie actual de Mickey Mouse en color, para que Silly Symphonies tuviera un atractivo especial para el público. Después de que el acuerdo exclusivo expirara en septiembre de 1935, la animación a todo color pronto se convirtió en el estándar de la industria.
Silly Symphonies inspiró muchas series de dibujos animados que contaban con otros sistemas de color hasta que Technicolor dejó de ser exclusivo de Disney, incluidos ComiColor Cartoons de Ub Iwerks (1933-1936), Rainbow Parade de Van Beuren Studios (1934-1936), Color Classics de Fleischer (1934). –1941), Color Rhapsody de Charles Mintz (1936-1949), Happy Harmonies de MGM (1934-1938), Puppetoons de George Pal (1932-1948) y Swing Symphony de Walter Lantz (1941-1945).
Para crear una impresión de profundidad , se desarrollaron varias técnicas. La técnica más común era hacer que los personajes se movieran entre varios fondos y/o capas de primer plano que pudieran moverse de forma independiente, de acuerdo con las leyes de la perspectiva (por ejemplo, cuanto más lejos de la cámara, más lenta era la velocidad).
Lotte Reiniger ya había diseñado un tipo de cámara multiplano para Die Abenteuer des Prinzen Achmed [35] y su colaborador Berthold Bartosch utilizó una configuración similar para su intrincadamente detallada película de 25 minutos L'Idée (1932).
En 1933, Ub Iwerks desarrolló una cámara multiplano y la utilizó en varios episodios de Willie Whopper (1933-1934) y ComiColor Cartoons .
Los Fleischer desarrollaron un proceso estereóptico muy diferente en 1933 [36] para sus Color Classics . Se utilizó en el primer episodio de Betty Boop en Pobre Cenicienta (1934) y en la mayoría de los episodios siguientes. El proceso implicó decorados tridimensionales construidos y esculpidos sobre una gran plataforma giratoria. Las células fotografiadas se colocaron dentro del conjunto móvil para que los personajes animados parecieran moverse delante y detrás de los elementos 3D dentro de la escena cuando se hacía girar el plato giratorio.
William Garity , empleado de Disney, desarrolló una cámara multiplano que podría tener hasta siete capas de obras de arte. Fue probado en la Silly Symphony The Old Mill (1937), ganadora del Premio de la Academia, y se utilizó de manera destacada en Blancanieves y películas posteriores.
Después de que las incorporaciones de sonido y color fueran un gran éxito para Disney, siguieron otros estudios. A finales de la década, casi todos los dibujos animados teatrales se produjeron a todo color.
Inicialmente, la música y las canciones eran el foco de muchas series, como lo indican títulos de series como Song Car-Tunes , Silly Symphonies , Merrie Melodies y Looney Tunes , pero fueron los personajes reconocibles los que se quedaron con el público. Mickey Mouse había sido la primera superestrella de dibujos animados que superó la popularidad del gato Félix, pero pronto le siguieron docenas más de superestrellas de dibujos animados, muchas de las cuales permanecieron populares durante décadas.
Warner Bros. tenía una amplia biblioteca de música que podía popularizarse a través de dibujos animados basados en las melodías disponibles. Si bien Disney necesitaba crear la música para cada dibujo animado, las partituras y canciones disponibles en Warner Bros. inspiraron muchos dibujos animados. Leon Schlesinger vendió a Warner Bros. una segunda serie llamada Merrie Melodies , que hasta 1939 debía contener contractualmente al menos un estribillo del catálogo musical. A diferencia de Looney Tunes con Bosko, Merrie Melodies presentaba sólo unos pocos personajes recurrentes como Foxy , Piggy y Goopy Geer antes de que Harman e Ising se fueran en 1933. Bosko fue reemplazado por Buddy para la serie de Looney Tunes, pero duró sólo dos años, mientras que Merrie Melodies inicialmente continuó sin personajes recurrentes. Con el tiempo, las dos series se volvieron indistinguibles y produjeron muchos personajes nuevos que se hicieron populares. El animador y director Bob Clampett diseñó Porky Pig (1935) y Daffy Duck (1937) y fue responsable de gran parte de la enérgica animación y el humor irreverente asociados con la serie. La década de 1930 también vio las primeras encarnaciones anónimas de personajes que más tarde se convertirían en las superestrellas Elmer Fudd (1937/1940) y Bugs Bunny (1938/1940). Desde 1937, Mel Blanc interpretaría la mayoría de las voces de los personajes.
Disney introdujo nuevos personajes en el universo de Mickey Mouse que se volverían muy populares, entre ellos Minnie Mouse (1928), Plutón (1930), Goofy (1932) y un personaje que pronto se convertiría en el nuevo favorito del público: el Pato Donald (1934). Disney también se dio cuenta de que el éxito de las películas animadas dependía de contar historias apasionantes; Desarrolló un "departamento de historias" donde los artistas de guiones gráficos separados de los animadores se centraban únicamente en el desarrollo de la historia, lo que demostró su valía cuando el estudio Disney lanzó, en 1933, el primer corto animado que presentaba personajes bien desarrollados: Three Little Pigs . [37] [38] [39] Disney continuaría expandiendo su estudio e iniciaría cada vez más actividades de producción, incluidos cómics, productos y parques temáticos. La mayoría de los proyectos se basaron en personajes desarrollados para cortometrajes teatrales.
Fleischer Studios presentó un personaje de perro sin nombre como la novia de Bimbo en Dizzy Dishes (1930), que evolucionó hasta convertirse en la mujer humana Betty Boop (1930-1939) y se convirtió en la creación más conocida de Fleischer. En la década de 1930 también agregaron a su repertorio Hunky and Spunky (1938) y la popular adaptación animada de Popeye (1933).
El Código de producción cinematográfica de Hays para directrices morales se aplicó en 1930 y se hizo cumplir rígidamente entre 1934 y 1968. Tuvo un gran impacto en los cineastas a quienes les gustaba crear material relativamente atrevido. Como ejemplo infame, Betty Boop sufrió mucho cuando tuvo que pasar de ser una flapper despreocupada con un atractivo sexual inocente a un personaje más sano y mucho más dócil con un vestido más amplio. La desaparición de su novio Bimbo probablemente también fue el resultado de la desaprobación del Código de las relaciones entre especies mixtas.
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Al menos ocho largometrajes de animación se estrenaron antes de Blancanieves y los siete enanitos de Disney , mientras que al menos otros dos proyectos de largometrajes de animación anteriores quedaron inconclusos. La mayoría de estas películas (de las que sólo sobreviven cuatro) se realizaron utilizando técnicas de recorte , silueta o stop-motion . Entre los largometrajes animados perdidos se encontraban tres largometrajes de Quirino Cristiani , quien había estrenado su tercer largometraje Peludópolis el 18 de septiembre de 1931 en Buenos Aires [40] con una banda sonora sincronizada con sonido en disco Vitaphone . Fue recibida muy positivamente por la crítica, pero no se convirtió en un éxito y fue un fiasco económico para el cineasta. Cristiani pronto se dio cuenta de que ya no podía hacer carrera en la animación en Argentina. [28] Sólo la reseña del Oscar de los dibujos animados de Walt Disney , también de Disney, fue dibujada a mano. Se estrenó siete meses antes que Blancanieves para promocionar el próximo estreno de esa película. [ cita necesaria ] Muchos no consideran la Reseña un largometraje genuino, porque es una película empaquetada y dura solo 41 minutos. Cumple con las definiciones oficiales de largometraje del British Film Institute , la Academy of Motion Picture Arts and Sciences y el American Film Institute , que exigen que la película tenga una duración superior a 40 minutos.
Cuando se supo que Disney estaba trabajando en un largometraje de animación, los críticos se referían regularmente al proyecto como "la locura de Disney", sin creer que el público pudiera soportar los esperados colores brillantes y bromas durante tanto tiempo. Blancanieves y los siete enanitos se estrenó el 21 de diciembre de 1937 y se convirtió en un éxito mundial. La película continuó la tradición de Disney de apropiarse de viejos cuentos de hadas y otras historias, al igual que la mayoría de las películas de Disney que siguieron.
Los estudios Fleischer siguieron el ejemplo de Disney con Los viajes de Gulliver en 1939, que fue un éxito menor de taquilla.
En abril de 1938, cuando se conectaron unos 50 televisores, la NBC emitió la caricatura de bajo presupuesto de ocho minutos Willie the Worm . Fue hecho especialmente para esta transmisión por el ex empleado de Disney Chad Grothkopf, principalmente con recortes y un poco de animación celular. Aproximadamente un año después, el 3 de mayo de 1939, Donald's Cousin Gus de Disney se estrenó en el canal experimental W2XBS de NBC , unas semanas antes de que el corto de dibujos animados se estrenara en los cines, como parte del primer programa nocturno completo. [41]
Varios gobiernos ya habían utilizado la animación en películas de información pública, como las de la GPO Film Unit en el Reino Unido y las películas educativas japonesas. Durante la Segunda Guerra Mundial, la animación se convirtió en un medio común de propaganda. Estados Unidos tenía sus mejores estudios trabajando para el esfuerzo bélico.
Para instruir al personal de servicio sobre todo tipo de temas militares y elevar la moral, Warner Bros. fue contratada para varios cortometrajes y la serie animada especial Private Snafu . El personaje fue creado por el famoso director de cine Frank Capra , Dr. Seuss participó en el guión y la serie fue dirigida por Chuck Jones. Disney también produjo varios cortos instructivos e incluso financió personalmente el largometraje Victory Through Air Power (1943) que promovía la idea de los bombardeos de largo alcance.
Muchos personajes populares promovieron los vínculos de guerra , como Bugs Bunny en Any Bonds Today? , los cerditos de Disney en The Thrifty Pig y un montón de personajes de Disney en All Together . El Pato Lucas pidió chatarra para el esfuerzo bélico en Scrap Happy Daffy . Minnie Mouse y Plutón invitaron a los civiles a recolectar su grasa de cocina para poder usarla para fabricar explosivos en Out of the Frying Pan Into the Firing Line . Hubo varios cortometrajes más de propaganda política, como el de Warner Bros.' El Ratón de Quinta Columna , Chicken Little de Disney y las más serias Educación para la Muerte y Razón y Emoción (nominada al Oscar).
Estas películas de guerra fueron muy apreciadas. Bugs Bunny se convirtió en una especie de ícono nacional y el corto propagandístico de Disney Der Fuehrer's Face (protagonizado por el Pato Donald) le valió a la compañía su décimo Premio de la Academia por temas cortos de dibujos animados .
El primer largometraje de anime japonés,桃太郎 海の神兵 (Momotaro: Sacred Sailors), se realizó en 1944 por orden del Ministerio de la Armada de Japón . Fue diseñado para niños y, en parte inspirado en Fantasia , estaba destinado a inspirar sueños y esperanza de paz. Los personajes principales son un mono, un perro, un oso y un faisán antropomórficos que se convierten en soldados paracaidistas (excepto el faisán que se convierte en piloto) con la tarea de invadir Célebes . Un epílogo insinúa que Estados Unidos será el objetivo de la próxima generación.
Las siguientes dos películas de Disney ( Pinocho y la muy ambiciosa película de concierto Fantasia , ambas estrenadas en 1940) y la segunda película animada de Fleischer Studios, Mr. Bug Goes to Town (1941/1942), fueron recibidas favorablemente por la crítica, pero fracasaron en taquilla. durante sus presentaciones teatrales iniciales. La causa principal fue que la Segunda Guerra Mundial había aislado la mayoría de los mercados extranjeros. Estos contratiempos desanimaron a la mayoría de las empresas que tenían planes de presentar películas animadas.
Disney recortó los costos para las próximas funciones y lanzó por primera vez The Reluctant Dragon , que consiste principalmente en una gira en vivo por el nuevo estudio en Burbank, en parte en blanco y negro, con cuatro dibujos animados cortos. Fue un éxito moderado en la taquilla mundial y sólo unos meses más tarde le siguió Dumbo (1941), animada con un estilo relativamente simple y de sólo 64 minutos de duración. La duración limitada y la técnica económicamente eficiente ayudaron a conseguir beneficios en taquilla, y la crítica y el público reaccionaron positivamente. La siguiente película de Disney, Bambi (1942), volvió a tener un presupuesto mayor y un estilo lujoso, pero la historia más dramática, el estado de ánimo más oscuro y la falta de elementos de fantasía no fueron bien recibidos durante su ejecución inicial y la película perdió dinero en taquilla.
Aunque las otras ocho películas de Disney de la década de 1940 eran películas empaquetadas y/o combinaciones con acción real (por ejemplo Saludos Amigos (1943) y Los Tres Caballeros (1944)), Disney mantuvo la fe en la animación de largometrajes animados. Sólo unos pocos estudios de animación estadounidenses lograron lanzar más de un puñado de largometrajes antes de principios de los años 1990.
Las películas estadounidenses de animación celular dominaron la producción y el consumo mundial de estrenos animados en cines desde la década de 1920. Especialmente el trabajo de Disney resultó ser muy popular e influyente en todo el mundo. Los estudios de otros países difícilmente podían competir con las producciones estadounidenses. Relativamente muchos productores de animación fuera de los EE. UU. optaron por trabajar con otras técnicas además de la animación "tradicional" o celular, como la animación de títeres o la animación recortada. Sin embargo, varios países (sobre todo Rusia, China y Japón) desarrollaron sus propias industrias de animación "tradicionales" relativamente grandes. El estudio de animación ruso Soyuzmultfilm , fundado en 1936, empleaba hasta 700 trabajadores cualificados y, durante el período soviético, producía una media de 20 películas al año. Algunos títulos destacados fuera de sus respectivos mercados nacionales incluyen铁扇公主 (La princesa abanico de hierro) [42] (China 1941, influyente en Japón), Конёк-Горбуно́к (El caballo jorobado) (Rusia 1947, ganador del premio especial del jurado en Cannes en 1950). , I Fratelli Dynamite (Los hermanos dinamita) (Italia 1949) y La Rosa di Bagdad (La rosa de Bagdad) (Italia 1949, el doblaje en inglés de 1952 fue protagonizado por Julie Andrews ).
Durante la " Edad de Oro de la animación estadounidense ", los nuevos estudios compitieron con los estudios que sobrevivieron a las batallas de innovación de sonido y color de las décadas anteriores. Los animales de dibujos animados seguían siendo la norma y la música seguía siendo un elemento relevante, pero a menudo perdía su atractivo escénico principal frente a la narración melodramática de Disney o el humor salvaje de los Looney Tunes y otros dibujos animados.
Disney continuó con sus éxitos en los dibujos animados, añadiendo a Daisy Duck (1937/1940) y Chip 'n' Dale (1943/1947) al universo de Mickey Mouse , mientras que Warner Bros. desarrolló nuevos personajes para unirse a su popular elenco de Merrie Melodies/Looney Tunes, entre ellos Tweety , Henery Hawk (ambos en 1942), Pepé Le Pew , Sylvester the Cat , Yosemite Sam (los tres en 1945), Foghorn Leghorn , Barnyard Dawg , Gossamer (los tres en 1946), Marvin the Martian (1948) y Wile E. Coyote y Correcaminos (1949).
Otros nuevos personajes y series populares fueron Mighty Mouse (1942-1961) y Heckle and Jeckle (1946-1966) de Terrytoons , y The Fox and the Crow (1941-1950) de Screen Gems .
Fleischer lanzó su espectacular adaptación de Superman en 1941. El éxito llegó demasiado tarde para salvar al estudio de sus problemas financieros y en 1942 Paramount Pictures se hizo cargo del estudio en manos de los dimitidos hermanos Fleischer. Los renombrados Famous Studios continuaron las series Popeye y Superman , desarrollaron adaptaciones populares de Little Lulu (1943-1948, con licencia de Gold Key Comics), Casper, the Friendly Ghost (1945) y crearon nuevas series, como Little Audrey (1947-1958). ) y Bebé Huey (1950-1959).
Walter Lantz comenzó su carrera de animación en el estudio de Hearst a la edad de 16 años. También trabajó para Bray Studios y Universal Pictures , donde obtuvo el control de los dibujos animados de Oswald the Lucky Rabbit en 1929 (según se informa, al ganar el personaje y el control de el estudio en una apuesta de póquer con el presidente de Universal, Carl Laemmle ). En 1935, el estudio Universal se convirtió en Walter Lantz Productions independiente , pero permaneció en el lote de Universal y continuó produciendo dibujos animados para que Universal los distribuyera. Cuando la popularidad de Oswald disminuyó y el personaje finalmente se retiró en 1938, las producciones de Lantz se quedaron sin personajes exitosos hasta que desarrolló Andy Panda en 1939. El panda antropomórfico protagonizó más de dos docenas de dibujos animados hasta 1949, pero pronto fue eclipsado por el icónico pájaro carpintero . quien debutó en la caricatura de Andy Panda Knock Knock en 1940. Otros personajes populares de Lantz incluyen a Wally Walrus (1944), Buzz Buzzard (1948), Chilly Willy (1953), Hickory, Dickory y Doc (1959).
Después de distribuir los dibujos animados Flip the Frog y Willie Whopper de Ub Iwerks y Happy Harmonies de Harman e Ising , Metro-Goldwyn-Mayer fundó su propio estudio de dibujos animados en 1937. El estudio tuvo mucho éxito con Barney Bear (1939-1954), Hanna y Joseph. Tom y Jerry de Barbera (1940) y Spike y Tyke (1942).
En 1941, Tex Avery dejó Warner Bros. por MGM y allí crearía Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) y George and Junior (1944).
Mientras que Disney y la mayoría de los otros estudios buscaban una sensación de profundidad y realismo en la animación, los animadores de la UPA (incluido el ex empleado de Disney, John Hubley ) tenían una visión artística diferente. Desarrollaron un tipo de animación mucho más estilizado y estilizado, inspirado en ejemplos rusos. El estudio se formó en 1943 y inicialmente trabajó con contratos gubernamentales. Unos años más tarde firmaron un contrato con Columbia Pictures, adquirieron The Fox and the Crow de Screen Gems y obtuvieron nominaciones al Oscar por sus dos primeros cortometrajes teatrales en 1948 y 1949. Si bien el campo de la animación estaba dominado por animales antropomórficos cuando el Al estudio se le permitió crear un nuevo personaje, se les ocurrió el anciano miope. Mr. Magoo (1949) se convirtió en un éxito y aparecería en muchos cortometrajes. Entre 1949 y 1959, UPA recibió 15 nominaciones al Oscar, ganando su primer Premio de la Academia con la adaptación de Dr. Seuss Gerald McBoing-Boing (1950), seguida de dos más por When Magoo Flew (1954) y Magoo's Puddle Jumper (1956). El estilo distintivo fue influyente e incluso afectó a los grandes estudios, incluidos Warner Bros. y Disney. Aparte de la libertad efectiva en la expresión artística, la UPA había demostrado que la animación más escasa podía apreciarse tanto (o incluso más) que los estilos caros y lujosos.
El catálogo anterior de dibujos animados de muchos estudios, producidos originalmente para una breve tirada teatral, resultó muy valioso para la retransmisión televisiva. Movies for Small Fry (1947), presentada por el "hermano mayor" Bob Emery los martes por la noche en el canal WABD-TV de Nueva York, fue una de las primeras series de televisión para niños y contó con muchos dibujos animados clásicos de Van Beuren Studios. Continuó en DuMont Television Network como el programa diario Small Fry Club (1948-1951) con una audiencia en vivo en un estudio.
Muchas series clásicas de Walter Lantz , Warner Bros. , Terrytoons , MGM y Disney también encontraron una nueva vida en los programas de televisión para niños, con muchas reposiciones, durante décadas. En lugar de escenarios de estudio y presentaciones de acción en vivo, algunos programas presentarían nuevas animaciones para presentar o unir los dibujos animados más antiguos.
Las primeras series animadas estadounidenses producidas específicamente para televisión aparecieron en 1949, con Adventures of Pow Wow (43 episodios de cinco minutos transmitidos los domingos por la mañana de enero a noviembre) y Jim and Judy in Teleland (52 episodios, posteriormente vendidos también a Venezuela y Japón).
La mayoría de las caricaturas teatrales se produjeron para públicos no específicos. La acción dinámica y los chistes con animales parlantes en estilos de dibujo claros y colores brillantes eran naturalmente atractivos para los niños pequeños, pero los dibujos animados regularmente contenían violencia e insinuaciones sexuales y a menudo se proyectaban junto con noticieros y largometrajes que no eran para niños. En la televisión estadounidense, los dibujos animados se programaban principalmente para niños, en horarios convenientes los fines de semana por la mañana, las tardes de los días laborables o las primeras horas de la noche.
Las limitaciones de programación del proceso de animación televisiva estadounidense de la década de 1950 y los problemas notables de gestión de recursos (se necesitaba realizar una mayor cantidad en menos tiempo y con un presupuesto menor en comparación con la animación teatral) llevaron al desarrollo de varias técnicas ahora conocidas como animación limitada . El tipo de animación más escaso que originalmente había sido una elección artística de estilo para UPA fue adoptado como un medio para reducir el tiempo y los costos de producción. La animación de fotograma completo ("on ones") se volvió rara en los Estados Unidos, fuera de su uso para una cantidad cada vez menor de producciones teatrales. Chuck Jones acuñó el término "radio ilustrada" para referirse al estilo de mala calidad de la mayoría de los dibujos animados televisivos que dependían más de sus bandas sonoras que de lo visual. [43] Algunos productores también descubrieron que la animación limitada se veía mejor que los estilos lujosos en las pequeñas pantallas de televisión en blanco y negro de la época. [44]
Jay Ward produjo el popular Crusader Rabbit (probado en 1948, transmisiones originales en 1949-1952 y 1957-1959), con un uso exitoso de un estilo de animación limitada.
A finales de la década de 1950, varios estudios dedicados a la producción de animación para televisión comenzaron a competir. Si bien la competencia en la animación teatral se había centrado en la calidad y la innovación, ahora se centró en ofrecer animación de forma rápida y económica. Los críticos notaron que la calidad de muchos programas era a menudo pobre en comparación con los dibujos animados clásicos, con animaciones apresuradas e historias comunes y corrientes. Los ejecutivos de las cadenas estaban satisfechos siempre que hubiera suficientes espectadores, [45] y a la enorme cantidad de espectadores jóvenes no les molestaba la falta de calidad que percibían los críticos. Ver programas de dibujos animados los sábados por la mañana , de hasta cuatro horas de duración, se convirtió en el pasatiempo favorito de la mayoría de los niños estadounidenses desde mediados de la década de 1960, y fue un pilar durante décadas.
Disney había entrado relativamente pronto en la producción de televisión, pero durante mucho tiempo se abstuvo de crear nuevas series animadas. En cambio, Disney tuvo su serie de antología al aire desde 1954 en horarios de máxima audiencia de tres horas, comenzando con la serie de Walt Disney's Disneyland (1954-1958), claramente promocionando el parque temático de Disneyland que abrió sus puertas en 1955. Walt Disney presentó personalmente la serie que –aparte de los dibujos animados más antiguos– presentaban segmentos con, por ejemplo, miradas entre bastidores a los procesos de realización de películas o con nuevas aventuras de acción real.
William Hanna y Joseph Barbera (los creadores de Tom y Jerry) continuaron como Hanna-Barbera después de que Metro-Goldwyn-Mayer cerrara su estudio de animación en 1957, cuando MGM consideró que su catálogo anterior era suficiente para futuras ventas. [46] Si bien Hanna-Barbera solo hizo una serie estrenada en cines con Loopy de Loop (1959-1965), demostraron ser los productores de series de televisión animadas más prolíficos y exitosos durante varias décadas. Comenzando con The Ruff and Reddy Show (1957-1960), continuaron con series exitosas como The Huckleberry Hound Show (1958, el primer programa de televisión de media hora que presentaba únicamente animación) [47] y The Quick Draw McGraw Show (1959-1960). 1961).
Otros programas notables incluyen Gerald McBoing Boing (1956-1957) de UPA , Colonel Bleep (1957-1960, la primera serie animada de televisión en color) de Soundac, Tom Terrific (1958) de Terrytoons y The Adventures of Rocky and Bullwinkle y sus amigos (1959-1964).
A diferencia del mercado cinematográfico internacional (desarrollado durante la era del cine mudo, cuando los problemas lingüísticos se limitaban a las tarjetas de presentación), los pioneros de la televisión en la mayoría de los países (a menudo relacionados con la radiodifusión) se centraron en la producción nacional de programas en directo. En lugar de importar series animadas que normalmente tendrían que ser dobladas, la programación infantil podría producirse más fácilmente y a menor costo de otras maneras (por ejemplo, con títeres). Un método notable fue la "animación" en tiempo real de figuras recortadas en Captain Pugwash (1957) de la BBC . Una de las pocas series animadas para televisión que se vio en el extranjero fue Les Aventures de Tintin, d'après Hergé ( Bélgica, 1957-1964, dirigida por Ray Goossens ) de Belvision Studios , transmitida por la BBC en 1962. y sindicado en los Estados Unidos de 1963 a 1971.
Warner Bros. introdujo nuevos personajes Granny , Sylvester Jr. (ambos en 1950), Speedy Gonzales , Ralph Wolf y Sam Sheepdog (los tres en 1953) y Tasmanian Devil (1954).
Después de una serie de paquetes de funciones y combinaciones de acción en vivo/animación, Disney volvió a las películas completamente animadas con Cenicienta en 1950 (la primera desde Bambi ). Su éxito prácticamente salvó a la empresa de la quiebra. Le siguió Alicia en el país de las maravillas (1951), que fracasó en taquilla e inicialmente recibió críticas negativas. Peter Pan (1953) y La dama y el vagabundo (1955) fueron éxitos. La ambiciosa, muy retrasada y más cara La Bella Durmiente (1959) perdió dinero en taquilla y generó dudas sobre el futuro del departamento de animación de Walt Disney. Al igual que "Alicia en el país de las maravillas" y la mayoría de los fracasos de Disney, más tarde tendría éxito comercial mediante reediciones y eventualmente sería considerada un verdadero clásico.
Total Television se fundó en 1959 para promover los productos de General Mills con personajes de dibujos animados originales en los comerciales de Cocoa Puffs (1960-1969) y la serie de televisión patrocinada por General Mills King Leonardo and His Short Subjects (1960-1963, programas reempaquetados hasta 1969), Tennessee Tuxedo and His Tales (1963-1966, programas reempaquetados hasta 1972), The Underdog Show (1964-1967, programas reempaquetados hasta 1973) y The Beagles (1966-1967). La animación de todas las series fue producida en Gamma Studios en México. Total Television dejó de producir después de 1969 cuando General Mills ya no quiso patrocinarlos.
Muchas de las series de televisión animadas estadounidenses de los años 1960 a 1980 se basaron en personajes y formatos que ya habían demostrado ser populares en otros medios. UPA produjo The Dick Tracy Show (1961-1962), basado en cómics. Filmation , activa de 1962 a 1989, creó pocos personajes originales, pero muchas adaptaciones de DC Comics , series de televisión de acción real (incluidas Lassie's Rescue Rangers (1973-1975) y Star Trek: The Animated Series ), algunas funciones de acción real ( incluido Viaje al centro de la Tierra (1967-1969) y mucho más ). Grantray-Lawrence Animation fue el primer estudio en adaptar los superhéroes de Marvel Comics en 1966. Los grupos pop obtuvieron versiones animadas en The Beatles (1965-1966) y The Jackson 5ive de Rankin/Bass (1971-1972) y The Osmonds (1972). Hanna-Barbera convirtió a los comediantes en personajes de dibujos animados con Laurel y Hardy (1966-1967) y The Abbott and Costello Cartoon Show (1967-1968). The Alvin Show (1961-1962) de Format Films fue un derivado de una canción novedosa de 1958 y los cómics posteriores con versiones rediseñadas de Alvin y las Ardillas . Otras series contenían apropiaciones sin licencia. Por ejemplo, Los Picapiedra (1960-1966) de Hanna-Barbera se inspiró en la comedia The Honeymooners y el creador Jackie Gleason consideró demandar a Hanna-Barbera, pero no quería ser conocido como "el tipo que sacó a Fred Flintstone del aire". . [48]
Los Picapiedra fue la primera serie animada en horario de máxima audiencia y se hizo inmensamente popular; siguió siendo la serie de televisión animada de la cadena de mayor duración hasta que se batió ese récord tres décadas después. Hanna-Barbera obtuvo más éxitos con The Yogi Bear Show (1960-1962), The Jetsons (1962-1963, 1985, 1987) y Scooby-Doo, ¿dónde estás? (1969-1970, seguida más tarde por otras series de Scooby-Doo).
Aproximadamente desde 1968, después del asesinato de Martin Luther King Jr. , luego el de Robert F. Kennedy y otros actos violentos que hicieron que el público se sintiera menos cómodo con la violencia en el entretenimiento, las cadenas contrataron censores para prohibir cualquier cosa considerada demasiado violenta o sugerente en la programación infantil. [49]
Aparte de las series de televisión habituales, hubo varios especiales animados de televisión (festivos) dignos de mención, comenzando con Mister Magoo's Christmas Carol (1962) de UPA, seguido unos años más tarde por otros ejemplos clásicos como la serie de especiales Peanuts de Bill Melendez (1965- 2011, basada en la tira cómica de Charles M. Schulz ) y How the Grinch Stole Christmas!, de Chuck Jones. (1966, basado en el cuento del Dr. Seuss ).
Cambria Productions solo utilizó ocasionalmente animación tradicional y, a menudo, recurría a movimientos de cámara, movimientos en tiempo real entre las celdas de primer plano y de fondo, e integración de metraje de acción en vivo. El creador Clark Haas explicó: "No estamos haciendo dibujos animados. Estamos fotografiando 'movimientos motorizados' y, el truco más grande de todos, combinándolos con acción en vivo... Las imágenes que Disney hace por 250.000 dólares, las hacemos por 18.000 dólares". [50] Su truco más famoso fue la técnica Syncro-Vox de superponer labios parlantes en las caras de personajes de dibujos animados en lugar de animar bocas sincronizadas con el diálogo. Este sistema de impresión óptica había sido patentado en 1952 por el camarógrafo y socio de Cambria, Edwin Gillette , y se utilizó por primera vez para comerciales populares de "animales que hablan". Más tarde, el método se utilizaría ampliamente para lograr efectos cómicos, pero Cambria lo utilizó directamente en sus series Clutch Cargo (1959-1960), Space Angel (1962) y Captain Fathom (1965). Gracias a historias imaginativas, Clutch Cargo fue un éxito sorpresa. Su última serie, The New 3 Stooges (1965-1966), ya no utilizaba Syncro-Vox. Contenía 40 nuevos segmentos de acción en vivo con los Tres Chiflados originales que se difundieron y repitieron a lo largo de 156 episodios junto con nueva animación (ocasionalmente provocaba que las personas apagaran su televisor cuando se repetían imágenes de acción en vivo, convencidas de que ya habían visto el episodio). ).
En Ciento un dálmatas (1961) los costes de producción fueron moderados, ayudados por el proceso de xerografía que eliminó el proceso de entintado. Aunque Walt Disney no apreció personalmente el aspecto relativamente incompleto, no molestó a los críticos ni al público y la película fue otro éxito para el estudio. La espada en la piedra (1963) fue otro éxito financiero, pero con el paso de los años se ha convertido en una de las películas menos conocidas de Disney. Le siguió el éxito de animación y acción en vivo Mary Poppins (1964), que recibió 13 nominaciones a los Premios de la Academia, incluida la de Mejor Película. La película animada más importante de Disney de la década de 1960 fue El libro de la selva (1967), que fue un éxito comercial y de crítica. Esta fue también la última película supervisada por Walt Disney antes de su muerte en 1966. Sin la imaginación y los esfuerzos creativos de Walt, los equipos de animación no pudieron producir muchas películas exitosas durante las décadas de 1970 y 1980. Esto fue hasta el estreno de La Sirenita (1989), 22 años después.
UPA produjo su primer largometraje 1001 Arabian Nights (1959) (protagonizado por Mr. Magoo como el tío de Alladin) para Columbia Pictures, con poco éxito. Lo intentaron de nuevo con Gay Purr-ee en 1962, estrenada por Warner Bros. Fue bien recibida por la crítica, pero fracasó en taquilla y sería el último largometraje que realizó el estudio.
El fallo de la Corte Suprema en el caso antimonopolio de Hollywood de 1948 prohibió las "reservas en bloque" en las que largometrajes de éxito se ofrecían exclusivamente a los propietarios de salas de cine en paquetes junto con noticieros y dibujos animados o cortometrajes de acción real. En lugar de recibir un porcentaje razonable de un paquete, los dibujos animados cortos tenían que venderse por separado a los precios que los propietarios de los cines estaban dispuestos a pagar por ellos. Los dibujos animados cortos eran relativamente caros y ahora podían eliminarse del programa sin que la gente perdiera interés en la característica principal, lo que se convirtió en una forma sensata de reducir costos cuando cada vez más espectadores potenciales parecían quedarse en casa para ver películas en sus televisores. . La mayoría de los dibujos animados tuvieron que ser reeditados varias veces para recuperar el presupuesto invertido. [51] [52] A finales de la década de 1960, la mayoría de los estudios habían dejado de producir dibujos animados teatrales. Incluso Warner Bros. y Disney, con excepciones ocasionales, dejaron de hacer dibujos animados teatrales cortos después de 1969. Walter Lantz fue el último de los productores de dibujos animados clásicos en darse por vencido cuando cerró su estudio en 1973.
DePatie–Freleng Enterprises , fundada por Friz Freleng y David H. DePatie en 1963 después de que Warner Bros. cerrara su departamento de animación, fue el único estudio que encontró un nuevo éxito con series cortas de dibujos animados teatrales después de la década de 1950. Crearon Pink Panther en 1963 para los créditos iniciales y finales de la serie de películas de acción real The Pink Panther con Peter Sellers . Su éxito dio lugar a una serie de cortometrajes (1964-1980) y series de televisión (1969-1980). A Pink Panther le siguió el spin-off The Inspector (1965-1969), The Ant and the Aardvark (1969-1971) y un puñado de otras series teatrales. The Dogfather (1974-1976) fue la última serie nueva, pero los dibujos animados de Pink Panther aparecieron en los cines hasta 1980, poco antes de la desaparición del estudio en 1981. De 1966 a 1981, DePatie-Freleng también produjo muchas series de televisión y especiales.
Japón fue notablemente prolífico y exitoso con su estilo de animación, que llegó a ser conocido en el idioma inglés inicialmente como Japanimation y eventualmente como anime . En general, el anime se desarrolló con técnicas de animación limitadas que ponían más énfasis en la calidad estética que en el movimiento, en comparación con la animación estadounidense. También aplica un enfoque relativamente "cinemático" con zoom, panorámica, tomas dinámicas complejas y mucha atención a los fondos que son fundamentales para crear una atmósfera.
El anime se transmitió por televisión por primera vez a nivel nacional en 1960. La exportación de películas de anime teatral comenzó aproximadamente al mismo tiempo. En unos pocos años, se hicieron varias series de televisión de anime que también recibirían distintos niveles de difusión en los Estados Unidos y otros países, comenzando con la muy influyente鉄腕アトム (Astro Boy) (1963), seguida porジャングル大帝 (Kimba the White). Lion) (1965–1966),エイトマン (8vo hombre) (1965),魔法使いサリー (Sally the Witch) (1966–1967) yマッハGoGoGo (Mach GoGoGo también conocido como Speed Racer) (1967).
El popularサザエさん / Sazae-san comenzó en 1969 y es probablemente el programa de televisión animado de mayor duración en el mundo, con más de 7.700 episodios.
Hasta finales de los años 60 apenas se había producido animación para adultos . Una excepción notable fue el corto pornográfico Eveready Harton en Buried Treasure (1928), presumiblemente realizado por animadores famosos para una fiesta privada en honor a Winsor McCay, y no proyectado públicamente hasta finales de los años 1970. Después de 1934, el código Hays dio a los cineastas de los Estados Unidos poco margen de maniobra para publicar material arriesgado, hasta que el código fue reemplazado por el sistema de clasificación de películas de la Motion Picture Association of America en 1968. Si bien la programación televisiva de animación había hecho que la mayoría de la gente pensara en ella como un medio para el entretenimiento infantil o familiar, las nuevas animaciones teatrales demostraron lo contrario.
Podría decirse que los matices filosóficos, psicológicos y sociológicos de los especiales de televisión de Peanuts estaban relativamente orientados a los adultos, mientras que los especiales también eran divertidos para los niños. En 1969 el director Bill Mendelez amplió el éxito de la serie a los cines con Un niño llamado Charlie Brown . La continuación teatral Snoopy Come Home (1972) fue un fracaso de taquilla, a pesar de las críticas positivas. Race for Your Life, Charlie Brown (1977) y Bon Voyage, Charlie Brown (and Don't Come Back!!) (1980) fueron los únicos otros largometrajes teatrales de animación tradicional de Peanuts , mientras que los especiales de televisión continuaron hasta 2011.
El auge de la contracultura antisistema a finales de la década de 1960 impactó a Hollywood desde el principio. En la animación, los sentimientos contra la guerra estuvieron presentes en varios cortometrajes clandestinos como Escalation (1968) de Ward Kimball (realizado independientemente de su empleo en Disney) y la parodia Mickey Mouse en Vietnam (1969). La parodia menos política Bambi encuentra a Godzilla (1969) de Marv Newland, otro cortometraje underground para adultos, es considerado un gran clásico y fue incluido en The 50 Greatest Cartoons (1994) (basado en una encuesta de 1.000 personas que trabajan en la industria de la animación). ).
Según se informa , la popularidad de la psicodelia hizo que el relanzamiento de Fantasía de Disney en 1969 fuera popular entre los adolescentes y estudiantes universitarios, y la película comenzó a generar ganancias. De manera similar, Alicia en el país de las maravillas de Disney se hizo popular entre las proyecciones televisivas en este período y con su relanzamiento teatral en 1974.
También influenciado por la revolución psicodélica, el musical animado de los Beatles Yellow Submarine (1968) mostró a un amplio público cómo la animación podía ser muy diferente de los conocidos dibujos animados de televisión y las películas de Disney. Su diseño distintivo provino del director artístico Heinz Edelman . La película recibió elogios generalizados y resultaría influyente. Peter Max popularizó aún más un estilo visual similar en sus obras de arte.
Ralph Bakshi pensaba que la idea de "hombres adultos sentados en cubículos dibujando mariposas flotando sobre un campo de flores, mientras los aviones estadounidenses lanzan bombas en Vietnam y los niños marchan por las calles, es ridícula". [53] Por lo tanto, creó un tipo de animación más sociopolítica, comenzando con Fritz the Cat ( 1972), basada en los cómics de Robert Crumb y la primera película animada en recibir una calificación X. La clasificación X se utilizó para promocionar la película y se convirtió en la película animada independiente más taquillera de todos los tiempos. El éxito de Heavy Traffic (1973) convirtió a Bakshi en el primero desde Disney en tener dos largometrajes animados seguidos de éxito financiero. La película utilizó una combinación artística de técnicas con fotografía fija como fondo en algunas partes, una escena de acción en vivo de modelos con caras pintadas representadas en cinematografía negativa, una escena representada en una animación esbozada muy limitada que solo estaba parcialmente coloreada, dibujo detallado, archivo. metraje y la mayoría de los personajes animados en un estilo de dibujos animados constante durante todo el proceso, excepto los últimos diez minutos, que se filmaron íntegramente como una película estándar de acción en vivo. Continuó experimentando con diferentes técnicas en la mayoría de sus siguientes proyectos. Sus siguientes proyectos Hey Good Lookin' (terminado en 1975, pero archivado por Warner Bros. hasta su lanzamiento en una versión ajustada en 1982) y Coonskin (1975, sufrió protestas contra su racismo percibido mientras lo satirizaba) tuvieron mucho menos éxito, pero recibieron Más tarde ganaron más reconocimiento y se convirtieron en películas de culto.
Bakshi encontró un nuevo éxito con las películas de fantasía Wizards (1977) y El señor de los anillos (1978). Ambos utilizaron rotoscopia para escenas de batalla masivas. Para Wizards, la técnica se utilizó en imágenes de archivo como una solución a problemas presupuestarios y se presentó en un estilo psicodélico y artístico. Para El Señor de los Anillos se convirtió en un medio para crear una apariencia que Bakshi describió como "una ilustración real en lugar de dibujos animados" para una película que quería que fuera fiel a la obra de Tolkien , con material de referencia filmado con actores disfrazados en España. . La película para televisión más familiar The Return of the King (1980) de Rankin/Bass y Topcraft a veces se considera una secuela no oficial después de que no se hiciera la segunda parte prevista por Bakshi, pero ya habían comenzado de forma independiente su adaptación de la historia en televisión. con El Hobbit en 1977.
La imaginativa producción de ciencia ficción franco-checa La Planète sauvage (1973) recibió el premio especial del jurado del Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 1973 , [54] y en 2016, Rolling Stone la clasificó como la 36ª mejor película animada de la historia . [55]
La producción británica Watership Down (película) (1978) fue un gran éxito internacional. Presentaba personajes de animales que parecían más realistas que antropomórficos, sobre fondos de acuarela. A pesar de sus aspectos oscuros y violentos, se consideró apto para todas las edades en el Reino Unido y clasificado como PG en los Estados Unidos.
La importación de anime ofrecía series animadas relativamente económicas, pero algunas emisoras europeas pensaban que la animación era algo para niños pequeños y programaban series de anime en consecuencia con demasiada facilidad. Esto generó muchas críticas cuando algunos programas se consideraron demasiado violentos para los niños. [56] Las adaptaciones infantiles de historias europeas aseguraron mucho más éxito en Europa, con títulos populares comoアルプスの少女ハイジ (Heidi, la niña de los Alpes) (1974) yみつばちマーヤの冒険 (Maya the Honey Bee) (1975). ).
Sólo unos pocos estudios de animación estaban activos en Europa y poner en marcha un nuevo estudio requería mucho tiempo, esfuerzo y dinero. Para los productores europeos interesados en las series animadas, tenía sentido colaborar con estudios japoneses que pudieran ofrecer animación asequible y de calidad relativamente alta. Las producciones resultantes incluyen Barbapapa (Países Bajos/Japón/Francia 1973–1977), Wickie und die to starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky the Viking) (Austria/Alemania/Japón 1974), Il était une fois... (Érase una vez). a Time...) (Francia/Japón 1978) y Doctor Snuggles (Países Bajos/Alemania Occidental/Japón/Estados Unidos 1979).
Los cortometrajes de animación se convirtieron en su mayoría en un medio para festivales de cine en los que animadores independientes mostraban sus talentos. Con los grandes estudios alejados del campo, el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación y las nominaciones de los años 1970 y 1980 solían ser para artistas relativamente desconocidos.
La Linea (Italia 1971, 1978, 1986) es una popular serie de animación cuyo personaje principal consiste en una parte de una línea blanca recta que recorre horizontalmente la pantalla.
El animador ruso-soviético Yuri Norstein "es considerado por muchos no sólo el mejor animador de su época, sino el mejor de todos los tiempos". [57] Lanzó un puñado de cortometrajes premiados en la década de 1970:
Norstein trabaja desde 1981 en The Overcoat ( Шинель ) y participó en Winter Days (冬の日, 2003) .
Aunque la combinación de música y animación tenía una larga tradición, pasó algún tiempo antes de que la animación se convirtiera en parte de los vídeos musicales después de que el medio se convirtiera en un género adecuado a mediados de los años 1970.
Halas y Batchelor produjeron un vídeo animado para Love Is All (1974) de Roger Glover que se transmitió internacionalmente durante décadas, a menudo como un programa intersticial .
El vídeo musical Welcome to the Machine de Pink Floyd de 1977 , animado por Gerald Scare, inicialmente solo se utilizó como telón de fondo para conciertos.
Accidents Will Happen (1979) de Elvis Costello fue realizada por Annabelle Jackel y Rocky Morton, conocidos por sus comerciales animados. A pesar de una recepción inicialmente tibia, [60] el vídeo ha recibido elogios desde entonces.
Roger Mainwood y John Halas crearon un vídeo musical animado para Autobahn de Kraftwerk en 1979. [61] El breve documental sin palabras Making it move... mostró el proceso de producción. [62]
Oscar Grillo realizó una caricatura de Seaside Woman de Linda McCartney y ganó la Palma de Oro al Mejor Cortometraje en el festival de Cannes en 1980. [63]
La animación de la programación televisiva estadounidense de los sábados por la mañana se había vuelto formulada a finales de los años 1970, basándose en dibujos animados y personajes de historietas más antiguos (Superfriends, Scooby Doo, Popeye) [64] La demanda de más contenido de dibujos animados surgió con la desregulación de la programación infantil por parte de la administración Reagan. dibujos animados que se pueden ver por la mañana y por la tarde en canales UHF y de cable ahora dirigidos a niños. [65] Los dibujos animados que reflejaban acción, fantasía y ciencia ficción eran comunes, con narrativas más complejas que los dibujos animados de la década anterior. Varias series de televisión animadas populares de esta época se basaron en líneas de juguetes, incluidas He-Man and the Masters of the Universe (1983-1985) de Mattell y GI Joe (1983-1986) de Hasbro , The Transformers (1984-1987 ). ) y Mi pequeño Pony (1986-1987). Otros dibujos animados se basaron en cómics de superhéroes, personalidades de la televisión (Garry Coleman, Chuck Norris, Mr. T), otros programas de acción en vivo (Alf, Punky Brewster), películas de acción para adultos o ciencia ficción (Robocop, Rambo, Ghostbusters, Teen Wolf). videojuegos ( Pac-Man , Pole Position , Capitán N ), o literatura infantil ( The Littles , Berenstain Bears ). También se editaron series de anime japonesas que se combinaron según las pautas de transmisión estadounidenses ( Robotech , Force Five ).
Principalmente en retrospectiva, se ha percibido que los largometrajes de Disney atravesaban una época oscura en las primeras décadas después de la muerte de Walt Disney en 1966 (a pesar de una serie de éxitos de taquilla más constante que durante las décadas en las que Walt estuvo vivo). El fracaso de The Black Cauldron (1985), realizada con un presupuesto ambicioso, supuso un nuevo mínimo. Tim Burton citó el hecho de que Disney no capacitó a nuevos animadores durante los años 1960 y principios de los 1970 como una razón para el declive, ya que Disney dependió en cambio de un grupo envejecido de veteranos. [66]
Don Bluth , que había dejado Disney en 1979 junto con otros nueve animadores, empezó a competir con su antiguo empleador en los cines en 1982 con El secreto de NIMH . La película obtuvo elogios de la crítica, pero fue sólo un éxito modesto en taquilla.
En comparación con la producción de animación estadounidense de principios de los años 1980, las coproducciones internacionales parecían más imaginativas y prometedoras. Los Pitufos (1981-1989), producida por SEPP International del belga Freddy Monnickendam en colaboración con Hanna-Barbera, tuvo un gran éxito, seguida de Snorks (1984-1989) y Foofur (1986-1988). La producción de Bibifoc (Seabert) de Bzz Films (1984-1988) también estuvo a cargo de SEPP. Otras coproducciones internacionales destacadas incluyen Inspector Gadget (Francia/Estados Unidos 1983) y El maravilloso mago de Oz (Canadá/Japón 1986-1987).
En el Reino Unido, la exitosa serie de televisión Danger Mouse de Cosgrove Hall Films se estrenó en septiembre de 1981 y continuaría hasta 1992, recibiendo 11 nominaciones al BAFTA entre 1983 y 1987. También transmitida por Nickelodeon, la ingeniosa parodia del agente secreto protagonizada por un ratón se hizo popular entre los jóvenes. así como al público adulto estadounidense y generó el spin-off Count Duckula (1988-1993).
El anime, junto con el manga impreso , había creado un enorme fandom en Japón y se convirtió en una gran parte de la cultura dominante del país. Entre los muchos géneros del anime, el mecha (ciencia ficción sobre robots gigantes) se volvió particularmente icónico. El manga impreso en particular entró en una época dorada durante la década de 1980, impulsado por series como Dragon Ball (1984-1995), y estas series recibieron exitosas adaptaciones al anime de larga duración. El relativamente nuevo mercado de vídeo doméstico creció enormemente y la animación de vídeo original (OVA) se convirtió en un medio muy apreciado, a menudo con producciones de mayor calidad que las realizadas para televisión (a diferencia de Estados Unidos, donde el directo a vídeo era principalmente un medio para estrenos que no se esperaba que fueran lo suficientemente populares como para justificar un estreno en cines o una transmisión televisiva y, por lo tanto, a menudo se producían con un presupuesto mucho menor). Naturalmente, el medio OVA se adaptaba al consumo de animación erótica y pornográfica. El primer lanzamiento de óvulos eróticos fue la serieロリータアニメ (Lolita Anime) de febrero de 1984 a mayo de 1985, seguida pronto por la serie Cream Lemon (agosto de 1984 - 2005). El género se hizo conocido internacionalmente como hentai y es famoso por contener a menudo temas perversos, incluido el sexo con menores de edad, el sexo con monstruos y el sexo con tentáculos (originalmente ideado como un medio para eludir las regulaciones de censura japonesas). Nuevas series de anime basadas en material europeo incluyeronニルスのふしぎな旅 (Las maravillosas aventuras de Nils) (1980-1981) yスプーンおばさん (Mrs. Pepper Pot) (1983-1984).
Las épicas películas teatrales de Hayao Miyazaki Nausicaä del Valle del Viento (1984), basada en su manga, y天空の城ラピュタ (El castillo en el cielo) (1986) son regularmente elogiadas como algunas de las mejores películas animadas de todos los tiempos. . Castle in the Sky fue el primer largometraje del Studio Ghibli , fundado en 1985 por Miyazaki con Isao Takahata y otros. Studio Ghibli continuó su éxito con la película de Takahata sobre la Segunda Guerra Mundial火垂るの墓 (La tumba de las luciérnagas) (1988) y las icónicasとなりのトトロ (Mi vecino Totoro) (1988) y魔女の宅急便 (El servicio de entrega de Kiki) (1989) de Miyazaki.
A partir de mediados de la década de 1980, la animación estadounidense experimentaría un renacimiento. Esto se ha atribuido a una ola de talento que surgió del Instituto de las Artes de California , principalmente entre la cohorte que había estudiado allí en la década de 1970 con Marc Davis , un miembro de los nueve ancianos que habían influido en el lenguaje de la animación en la década de 1970. Décadas de 1920 y 1930. En ese momento, muchos de los nueve estaban en proceso de jubilarse. Como broma interna, muchos estudiantes del aula A113 han insertado el código de la sala en sus películas, series de televisión, etc. desde entonces. Los estudiantes de A113 incluyen a Jerry Rees , John Lasseter , Tim Burton , Michael Peraza y Brad Bird . [66] Otros dos miembros de los nueve viejos, Ollie Johnston y Frank Thomas , publicaron La ilusión de la vida en 1981, un libro instructivo que ha sido votado como el mejor libro de animación de todos los tiempos e influyó en James Baxter , entre otros animadores modernos. [67] [68]
En los cines, el éxito de acción real y animación de Robert Zemeckis ¿ Quién engañó a Roger Rabbit (1988) también se remonta a la calidad y la comedia estrafalaria de la época dorada de los dibujos animados, con cameos de muchas de las superestrellas de esa época, entre ellas Mickey, Minnie , Donald, Goofy, Betty Boop, Droopy, Woody Woodpecker y Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky Pig, Tweety y Sylvester con las voces de Mel Blanc, además de personajes originales como Roger Rabbit , Jessica Rabbit , Baby Herman y Benny The. Taxi . La película ganó varios premios Oscar y ayudó a revivir el interés por la animación teatral y los dibujos animados clásicos. El cortometraje totalmente animado de Roger Rabbit Tummy Trouble (1989) se incluyó luego con la comedia familiar de acción real Honey, I Shrunk the Kids y se cree que ayudó al rápido comienzo de esa película en la taquilla. [69] En colaboración con Amblin Entertainment de Steven Spielberg , An American Tail (1986) de Bluth se convirtió en la película animada no perteneciente a Disney con mayor recaudación en ese momento. The Land Before Time (1988) tuvo el mismo éxito, pero los siguientes cinco largometrajes de Bluth fracasaron.
Mighty Mouse: The New Adventures (1987-1989) fue uno de los primeros programas de televisión animados en recuperar la calidad y originalidad anteriores de los dibujos animados estadounidenses. Fue producida por Ralph Bakshi y la primera temporada fue supervisada por John Kricfalusi , quien permitió mucha libertad artística a los animadores. En lugar de hacer un refrito nostálgico de la serie original de Terrytoons, intentó recrear la calidad y el humor estrafalario de los clásicos de Looney Tunes .
Los Simpson , de Matt Groening, comenzó en abril de 1987 como un segmento corto de comedia en sketches The Tracey Ullman Show , y luego se lanzó como una comedia separada de media hora en horario de máxima audiencia en diciembre de 1989. Se convirtió en uno de los mayores éxitos de dibujos animados en historia y es la serie de televisión con guión de mayor duración en horario estelar de EE. UU .
Si bien los éxitos de El gran ratón detective (1986) y Oliver y compañía (1988) ya habían ayudado a que el estudio de Disney volviera a encarrilarse, alcanzaron el oro con el éxito de taquilla La Sirenita (1989). Una toma de la secuencia del arco iris al final de La Sirenita fue la primera pieza de animación creada con el sistema Computer Animation Production System (CAPS) que Disney y Pixar habían ensamblado en colaboración. Este sistema de pintura y tinta digital reemplazó el costoso método de entintar y colorear células a mano y proporcionó a los cineastas nuevas herramientas creativas. En 1990, el auge de los éxitos animados fue anunciado como un regreso que podría rivalizar con la época dorada de los dibujos animados. [69]
El musical de rock American Pop (1981) de Bakshi fue otro éxito, realizado principalmente con la técnica del rotoscopio en combinación con algunas acuarelas, gráficos por computadora, tomas de acción en vivo y material de archivo. Su siguiente película Fire and Ice (1983) fue una colaboración con el artista Frank Frazetta . Fue una de las muchas películas del género de espada y hechicería estrenadas tras el éxito de Conan el Bárbaro (1982) y El Señor de las Bestias (1982). Los críticos apreciaron las imágenes y las secuencias de acción, pero no su guión y la película fracasó en taquilla. Después de no poder poner en marcha varios proyectos, Bakshi se retiró durante algunos años.
La exitosa película de antología canadiense Heavy Metal (1981) se basó en cómics publicados en la popular revista Heavy Metal y coproducida por su fundador. Las críticas mixtas pensaron que la película era desigual, juvenil y sexista. Finalmente, en 2000 le siguió el mal recibido Heavy Metal 2000 y se reimaginó como la serie de Netflix Love, Death & Robots en 2019.
La película de ópera de rock oscuro Pink Floyd - The Wall (1982) contenía 15 minutos de segmentos animados del caricaturista británico Gerald Scare , quien ya había diseñado obras de arte relacionadas para el álbum de 1979 y la gira de conciertos de 1980-81 . Parte del material animado de la película se utilizó anteriormente para el vídeo musical de 1979 de " Another Brick in the Wall: Part 2 " y para la gira. Scare también había realizado animaciones para la gira In the Flesh de 1977 de Pink Floyd .
La exitosa película británica sobre desastres nucleares When the Wind Blows (1986) mostraba personajes dibujados a mano sobre fondos reales, con stop-motion para objetos que se movían.
El violento anime cyberpunk post-apocalíptico Akira (1988) obtuvo una mayor popularidad entre los animes fuera de Japón y ahora es ampliamente considerado como un clásico.
MTV se lanzó en 1981 y popularizó aún más el medio de videos musicales, que permitió relativamente mucha expresión artística y técnicas creativas, ya que todos los involucrados querían que su video se destacara. Muchos de los vídeos musicales más famosos de la década de 1980 presentaban animación, a menudo creada con técnicas que diferían de la animación celular estándar. Por ejemplo, el icónico vídeo de Sledgehammer (1986) de Peter Gabriel presentaba animación con plastilina , pixilación y stop motion de Aardman Animations y los Brothers Quay .
" Take On Me " (1985) de A-ha combinó acción real con animación realista dibujada a lápiz por Michael Patterson . El vídeo fue dirigido por Steve Barron , quien también dirigiría la innovadora película animada por computadora de Dire Straits " Money for Nothing " ese mismo año. El vídeo de a-ha se inspiró en la película de graduación de CalArts de Alex Patterson, Commuter (1984), que había atraído la atención de los ejecutivos de Warner Bros. Records [60] y se utilizaría en parte nuevamente para el vídeo Train of Thought de A-ha .
Patterson también dirigió Opposites Attract (1989) de Paula Abdul , con su creación animada MC Skat Kat .
" The Harlem Shuffle " (1986) de los Rolling Stones contó con elementos animados dirigidos por Ralph Bakshi y John Kricfalusi , creados en unas pocas semanas.
Los parachoques originales del alunizaje en MTV fueron retirados a principios de 1986 a raíz del desastre del Challenger [70]. Luego, MTV impulsó su imagen artística posmoderna a través de una plétora de parachoques de identificación experimentales, la mayoría de ellos animados. [71] Los animadores generalmente no estaban acreditados, pero eran libres de trabajar en sus estilos identificables. Por ejemplo, la contribución del animador canadiense Danny Antonucci presentó de forma anónima a su personaje Lupo el Carnicero al que se le permitió expresar sus divagaciones psicóticas.
Aproximadamente desde 1987, MTV tuvo un departamento de animación dedicado y poco a poco comenzó a introducir más animación entre su programación relacionada con la música. Microtoons de Bill Plympton es un ejemplo temprano.
Los primeros experimentos con computadoras para generar imágenes en movimiento (abstractas) se habían llevado a cabo desde la década de 1940, pero no habían atraído mucha atención hasta que los videojuegos comerciales (que funcionan con monedas) comenzaron a comercializarse a principios de la década de 1970. Pong (1972) de Atari, Inc. , con gráficos bidimensionales en blanco y negro muy simples, y Space Invaders de Taito se convirtieron en grandes éxitos que allanaron el camino para un medio que puede considerarse como una rama interactiva de la animación por computadora. . Desde 1974, las convenciones anuales SIGGRAPH se han organizado para demostrar los desarrollos actuales y las nuevas investigaciones en el campo de los gráficos por computadora (incluido CGI ), pero la animación por computadora rara vez se había visto en la televisión o en las salas de cine (con notables excepciones de algunas demostraciones de tecnología de cable 3D ). -Modelos de fotogramas como tecnologías futuristas vistas en las pantallas de algunas grandes producciones de Hollywood como Futureworld (1976) y Star Wars (1977)).
La animación por ordenador en 3D comenzó a tener un impacto cultural mucho más amplio durante la década de 1980, como lo demostró, por ejemplo, la película Tron de 1982 y el vídeo musical de Money for Nothing (1985) de los Dire Straits. El concepto incluso generó un popular personaje de IA artificial animado en 3D : Max Headroom (introducido en 1985).
Durante la década de 1980, la animación por computadora también comenzó a convertirse en un medio relativamente común para crear gráficos en movimiento para logotipos y texto en comerciales de televisión y secuencias de títulos de películas .
En la década de 1990, Disney estrenó numerosas películas que tuvieron éxito comercial y de crítica, regresando a alturas no vistas desde su apogeo entre las décadas de 1930 y 1960 . El período de 1989 a 1999 ahora se conoce como el Renacimiento de Disney o la Segunda Edad de Oro y comenzó con el estreno de La Sirenita (1989). Su éxito llevó a otros grandes estudios cinematográficos a establecer nuevas divisiones de animación como Amblimation , Fox Animation Studios o Warner Bros. Feature Animation para replicar el éxito de Disney convirtiendo sus películas animadas en musicales al estilo Disney. Los dibujos animados de los años 90 a veces se denominan la "Era del Renacimiento de la Animación" para la animación en su conjunto, tanto en películas animadas teatrales como en series de televisión de dibujos animados.
La Bella y la Bestia (1991) de Disney (la primera película de animación de la historia nominada al Oscar a la mejor película ), Aladino (1992) y El Rey León (1994) batieron sucesivamente récords de taquilla. Pocahontas (1995) recibió críticas mixtas, pero fue un éxito financiero, recibió dos premios de la Academia y fue bien recibido por los espectadores. Mulan (1998) y Tarzán (1999) no superaron a El Rey León como la película animada (tradicionalmente) más taquillera de todos los tiempos, pero la recepción financiera y de espectadores de ambas películas fue exitosa y cada una recaudó más de 300 millones de dólares en todo el mundo. El jorobado de Notre Dame (1996) fue un éxito financiero en su momento, pero contenía temas muy oscuros y para adultos y desde entonces se ha convertido en una de las películas menos conocidas de Disney, aunque ahora tiene seguidores de culto . Sólo la secuela The Rescuers Down Under (1990) y Hercules (1997) no cumplieron con las expectativas de taquilla, pero ambas fueron bien recibidas entre los espectadores como las otras películas del Renacimiento de Disney.
Desde El regreso de Jafar en 1994 hasta Tinker Bell y la bestia de Nunca Jamás en 2015, Disney continuó produciendo secuelas de largometrajes de títulos exitosos, pero solo como lanzamientos directos en video de Walt Disney Studios Home Entertainment . En muchos sentidos, estas películas directas a video eran similares a los Live Action Disney Remakes de la película Alicia en el país de las maravillas de 2010 en adelante.
El influyente The Ren & Stimpy Show (1991-1996) de John Kricfalusi obtuvo un amplio reconocimiento. Durante su emisión inicial, fue el programa de televisión por cable más popular de Estados Unidos. Aunque fue programada como una caricatura para niños, fue notoriamente controvertida por su humor negro , insinuaciones sexuales , chistes para adultos y su valor impactante . The Ren & Stimpy Show fue la tercera caricatura que se estrenó junto a Doug (1991-1994, 1996-1999) y Rugrats (1991-1995, 1996-2004) en el canal de televisión de pago Nickelodeon . Klasky Csupo , el estudio de animación detrás de Rugrats, produjo y animó programas que definieron una era para la cadena infantil, en las décadas de 1990 y 2000, y una vez que desaparecieron en la oscuridad en 2008, fueron sucedidos por Frederator Studios , el estudio detrás de The Fairly OddParents ( 2001-2006, 2009-2017), en las décadas de 2000 y 2010, antes de desaparecer en la oscuridad en 2017. Antes de 1991, Nickelodeon importaba dibujos animados de otros canales a su red, una práctica que sigue vigente. Ejemplos de dibujos animados importados a Nickelodeon son Angela Anaconda (1999-2001) de Fox Family Channel (con estrenos en el extranjero), Wayside (2005, 2007-2008), del canal canadiense Teletoon y Growing Up Creepie (2006-2008) de Discovery . Niños . Años antes del apogeo de Nick en los años 90, Nickelodeon lanzó el piloto (no emitido) de Video Dream Theater en 1979 o 1980, y pronto le siguieron dos intentos fallidos más de animación original, que fueron los pilotos emitidos de Christmas in Tattertown en 1988 y Nick's Thanksgiving Fest en 1989. Los primeros programas allanaron el camino para Nicktoons posteriores , incluidos Rocko's Modern Life (1993-1996, 2019), Hey Arnold! (1996-2004, 2017), The Angry Beavers (1997-2001), CatDog (1998-2000/2005), y llegando al siglo XXI están Invader Zim (2001-2006, 2019), Jimmy Neutron (2001, 2002- 2006) y ChalkZone (2002-2008). Además de Avatar: The Last Airbender (2005-2008), su serie spin-off The Legend of Korra (2012-2014), Sanjay and Craig (2013-2016), Harvey Beaks (2015-2017), The Loud House.(2016-presente), Es Pony (2020-2022) y Big Nate (2022-presente). Inicialmente, el clásico Nicktoon Rugrats fue la franquicia insignia de Nickelodeon antes de ser superado por Bob Esponja (1999-presente) en 2004, cuando la cadena cambió su nombre con el lanzamiento de la primera película de Bob Esponja .
El 13 de septiembre de 1993, Fox Kids emitió el primer episodio de Animaniacs (1993-1998, 2020-2023). Pero entonces, en 1999, hubo una película llamada " El deseo de Wakko ". Al igual que TRASS, Animaniacs tenía insinuaciones como: "¡Hay Boloney en nuestros pantalones!" es un ejemplo.
El enorme éxito de Los Simpson y The Ren & Stimpy Show impulsó series más originales y relativamente atrevidas, incluidas South Park (desde 1997), King of the Hill (1997–2010), Family Guy (desde 1999) y Futurama (1999– 2003, 2008-2013, 2023-presente).
El uso de la animación en MTV aumentó cuando el canal comenzó a hacer cada vez más programas que no encajaban con su apodo de "televisión musical". Liquid Television (1991 a 1995) mostró contribuciones que fueron creadas en su mayoría por animadores independientes específicamente para el programa y dieron lugar a Æon Flux , Beavis y Butt-Head (1993-1997) y Daria (1997-2002). Otras series de dibujos animados de la década de 1990 en MTV incluyeron The Head (1994-1996) y The Maxx (1995), ambas bajo el lema Oddities de MTV . En 2001, MTV cerró su departamento de animación, comenzó a subcontratar sus series animadas y, finalmente, importó programas de cadenas asociadas.
El canal de cable de 24 horas de Warner Brothers , Cartoon Network , se lanzó en Estados Unidos el 1 de octubre de 1992 y pronto le siguieron sus primeras versiones internacionales . Originalmente, la programación consistía en dibujos animados clásicos de los catálogos anteriores de Warner Bros, MGM, Fleischer/Famous y Hanna-Barbera. De 1996 a 2003, se publicaron nuevas series originales como Cartoon Cartoons e introdujeron los títulos populares Dexter's Laboratory (1996–2003), Johnny Bravo (1997–2004), Cow and Chicken (1997–1999), I Am Weasel (1997–2000). , Las Chicas Superpoderosas (1998-2005), Ed, Edd n Eddy (1999-2009) y Coraje, el perro cobarde (1999-2002). Ejemplos de dibujos animados de CN del siglo XXI son Samurai Jack (2001-2004, 2017), Codename: Kids Next Door (2002-2008), Teen Titans (2003-2006), Ben 10 (2005-2008), Adventure Time (2010) . -2018), El Show Regular (2010-2017) y El asombroso mundo de Gumball (2011-2019).
La animación televisiva para niños también siguió floreciendo en Estados Unidos en otros canales de cable especializados como Disney Channel / Disney XD , PBS Kids y en franjas horarias sindicadas por la tarde. Ejemplos de dibujos animados de Disney de los años 90 son TaleSpin (1990-1991), Darkwing Duck (1991-1992), Goof Troop (1992, 1995, 2000), Aladdin (1994-1995), Gargoyles (1994-1997), Timon & Pumba (1995-1999), 101 Dálmatas (1997-1998), Pepper Ann (1997-2000) y Disney's Recess (1997-2001, 2003). Siguiendo el renacimiento de Disney, han sido Kim Possible (2002-2006, 2007), Phineas y Ferb , (2007-2015), Gravity Falls (2012-2016), Star vs. las fuerzas del mal (2015-2019), The Lion Guard (2016-2019), DuckTales (2017-2021), Big City Greens (2018-presente), Amphibia (2019-2022) y The Owl House (2020-2023).
Los dibujos animados producidos en la década de 1990 a veces se denominan la "Era del Renacimiento de la Animación" para los dibujos animados en general, en particular para los programas infantiles animados estadounidenses. Disney Channel (propiedad de Disney Branded Television ), Nickelodeon (propiedad de Viacom , ahora conocida como Paramount Global ) y Cartoon Network (propiedad de Warner Bros. Animation ) dominarían la industria de la televisión animada. Estos tres canales están considerados los "Tres Grandes" del entretenimiento infantil, incluso hoy en día, pero especialmente en su apogeo de los años 1990.
Durante la década de 1990, la animación 3D se volvió cada vez más común, especialmente en los videojuegos, y finalmente tuvo un gran avance en 1995 con el exitoso largometraje de Pixar Toy Story .
La animación 3D más o menos fotorrealista se ha utilizado para efectos especiales en algunos comerciales y películas desde la década de 1980, antes de que se vieran efectos revolucionarios en Terminator 2: El juicio final (1991) y Jurassic Park (1993). Desde entonces, las técnicas se han desarrollado hasta el punto de que la diferencia entre CGI y cinematografía de la vida real rara vez es obvia. Los cineastas pueden combinar ambos tipos de imágenes a la perfección con la cinematografía virtual . Matrix (1999) y sus dos secuelas suelen considerarse películas revolucionarias en este campo.
La creación de mundos virtuales permite la animación en tiempo real en realidad virtual , un medio con el que se ha experimentado desde 1962 y que comenzó a ver aplicaciones de entretenimiento comercial en los años 1990.
El lanzamiento de la World Wide Web aumentó el interés por los gráficos en movimiento y la animación por computadora, generando muchas aplicaciones, técnicas y mercados nuevos para lo que se conoció como nuevos medios .
Después del éxito de Toy Story (1995) de Pixar y Shrek ( 2001 ) de DreamWorks Animation , la animación por computadora se convirtió en la técnica de animación dominante en Estados Unidos y muchos otros países. Incluso las animaciones que parecían tradicionales se creaban cada vez más a menudo íntegramente con ordenadores, ayudadas, por ejemplo, por técnicas de cel- shading para replicar el aspecto tan apreciado de la animación tradicional (el verdadero cel-shading en tiempo real fue introducido por primera vez en el año 2000 por Sega ). Jet Set Radio para su consola Dreamcast ). En 2004, sólo se seguían creando pequeñas producciones con técnicas tradicionales.
Las primeras décadas del siglo XXI también vieron cómo las películas en 3D se generalizaban en los cines. El proceso de producción y el estilo visual de CGI se prestan perfectamente a la visualización en 3D, mucho más que los estilos y métodos de animación tradicionales. Sin embargo, muchas películas tradicionalmente animadas pueden resultar muy efectivas en 3D. Disney lanzó con éxito una versión en 3D de El Rey León en 2011, seguida de La Bella y la Bestia en 2012. Una versión en 3D planificada de La Sirenita fue cancelada cuando La Bella y la Bestia y dos títulos de Pixar convertidos en 3D no tuvieron el suficiente éxito en el Taquillas. [72]
Disney comenzó a producir sus propias películas animadas por computadora de estilo 3D con Dinosaur y Chicken Little , pero continuó haciendo películas animadas con apariencia tradicional: The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Lilo & Stitch (2002). ), Treasure Planet (2002), Brother Bear (2003) y Home on the Range (2004).
Treasure Planet y Home on the Range fueron grandes fracasos con grandes presupuestos y parecía que Disney solo continuaría con la animación por computadora en 3D. El análisis financiero de 2006 demostró que Disney había perdido dinero en sus producciones de animación de los diez años anteriores. [73] Mientras tanto, las funciones CGI de Pixar funcionaron extremadamente bien. Para cambiar las cosas, Disney adquirió Pixar en 2006 y puso el control creativo sobre Pixar y Walt Disney Animation Studios en manos de John Lasseter de Pixar como parte del acuerdo. Los estudios seguirían siendo entidades legales separadas . Bajo Lasseter, el estudio de Disney desarrolló proyectos de animación tanto de estilo tradicional como de estilo 3D.
El corto teatral Cómo conectar tu cine en casa (2007) probó si los nuevos procesos de animación sin papel podrían usarse para una apariencia similar a los dibujos animados de las décadas de 1940 y 1950, con Goofy regresando a su papel de " Everyman " en su primera aparición en solitario en 42. años.
La película de Ron Clements y John Musker, La princesa y el sapo (2009), fue un éxito comercial y de crítica moderado, pero no el éxito de regreso para las películas tradicionales que el estudio esperaba que fuera. Su fracaso percibido se atribuyó principalmente al uso de "princesa" en el título, lo que hizo que los potenciales espectadores pensaran que era sólo para niñas pequeñas y anticuada.
Winnie the Pooh (2011) recibió críticas favorables, pero fracasó en taquilla y se convirtió en la película tradicional más reciente de Disney hasta la fecha. Frozen (2013) se concibió originalmente en el estilo tradicional, pero cambió a 3D CGI para permitir la creación de ciertos elementos visuales necesarios. Se convirtió en el mayor éxito de Disney en ese momento, superando a El Rey León y Toy Story 3 de Pixar como la película animada más taquillera de todos los tiempos , y ganando el primer Premio de la Academia del estudio a la mejor película animada.
Especialmente en todo el mundo, la animación dibujada a mano siguió siendo muy popular, sobre todo en Japón, donde el anime de estilo tradicional siguió siendo la técnica dominante. La popularidad del anime siguió aumentando a nivel nacional, con un récord de 340 series de anime transmitidas por televisión en 2015, así como a nivel internacional, con un bloque dedicado a Toonami en Cartoon Network (1997-2008) y Adult Swim (desde 2012) y con Servicios de streaming como Netflix y Amazon Prime conceden licencias y producen una cantidad cada vez mayor de anime.
Ghibli continuó su enorme éxito con El viaje de Chihiro (2001) de Miyazaki,ハウルの動く城 (El castillo ambulante) (2004),崖の上のポニョ (Ponyo) (2008) y風立ちぬ (El viento se levanta) (2013) y Hiromasa Yonebayashi借りぐらしのアリエッティ (El mundo secreto de Arrietty) (2010), todas recaudando más de 100 millones de dólares en todo el mundo y apareciendo en el top 10 de las películas de anime más taquilleras de todos los tiempos (a partir de 2020).かぐや姫の物語 (El cuento de la princesa Kaguya) (2013) de Takahata fue nominada al Oscar a la mejor película de animación y a muchos otros premios.
Makoto Shinkai dirigió君の名は。(Your Name) (2016, película de anime más taquillera de todos los tiempos a nivel internacional) y天気の子 (Weathering with You) (2019).
Después del trabajo pionero de personas como J. Stuart Blackton , Segundo de Chomón y Arthur Melbourne-Cooper , el stop motion se convirtió en una rama de la animación que ha sido mucho menos dominante que la animación dibujada a mano y la animación por computadora. No obstante, ha habido muchas películas y series de televisión stop-motion de éxito. Entre los animadores cuyo trabajo con títeres animados ha recibido el mayor reconocimiento se encuentran Wladyslaw Starewicz , George Pal y Henry Selick . Los títulos populares que utilizan arcilla animada incluyen Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and the Blue (1976), Pingu (1990-2000) y muchas producciones de Aardman Animations ( Morph (1977) y Wallace and Gromit (1989)). .
En manos de cineastas influyentes como Jan Svankmajer y Brothers Quay , el stop motion ha sido considerado un medio altamente artístico.
Hasta que fue reemplazado en gran medida por efectos animados por computadora, el stop motion también era una técnica popular para efectos especiales en películas de acción real. El pionero Willis O'Brien y su protegido Ray Harryhausen animaron muchos monstruos y criaturas para películas de Hollywood de acción real, utilizando modelos o títeres con armadura. En comparación, la animación dibujada a mano se ha combinado con relativa frecuencia con acción en vivo, pero generalmente de manera obvia y a menudo utilizada como un truco sorprendente que combina un mundo "real" y un mundo de fantasía o de sueños. Sólo muy ocasionalmente se ha utilizado la animación dibujada a mano como efectos especiales convincentes (por ejemplo, en el clímax de Highlander (1986)).
Las técnicas de recorte se utilizaron con relativa frecuencia en las películas animadas hasta que la animación celular se convirtió en el método estándar (al menos en los Estados Unidos). Los primeros largometrajes de animación, de Quirino Cristiani y Lotte Reiniger, eran animaciones recortadas.
Antes de 1934, la animación japonesa utilizaba principalmente técnicas de recorte en lugar de animación cel, porque el celuloide era demasiado caro. [74] [75]
Como los recortes a menudo han sido dibujados a mano y algunas producciones combinan varias técnicas de animación, la animación recortada a veces puede parecer muy similar a la animación tradicional dibujada a mano.
Aunque a veces se utiliza como método de animación simple y barato en programas infantiles (por ejemplo en Ivor the Engine ), la animación recortada sigue siendo un medio relativamente artístico y experimental en manos de cineastas como Harry Everett Smith , Terry Gilliam y Jim Blashfield .
Hoy en día, la animación de estilo recortado se produce con frecuencia utilizando computadoras , con imágenes escaneadas o gráficos vectoriales que reemplazan los materiales cortados físicamente. South Park es un ejemplo notable de la transición ya que su episodio piloto se hizo con recortes de papel antes de pasar al software de computadora . Opciones estilísticas similares y combinaciones con diferentes técnicas en animación por computadora han hecho que sea más difícil diferenciar entre estilos de animación "tradicional", recortada y Flash .
{{cite magazine}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )Bibliografía
{{cite book}}: |work=ignorado ( ayuda )Fuentes en línea