El arte del Reino Unido se refiere a todas las formas de arte visual en o asociadas con el Reino Unido desde la formación del Reino de Gran Bretaña en 1707 y abarca el arte inglés , el arte escocés , el arte galés y el arte irlandés , y forma parte de la historia del arte occidental . Durante el siglo XVIII, Gran Bretaña comenzó a recuperar el lugar principal que Inglaterra había tenido previamente en el arte europeo durante la Edad Media , siendo especialmente fuerte en el arte del retrato y el paisaje .
La creciente prosperidad británica de la época condujo a un gran aumento de la producción tanto de bellas artes como de artes decorativas , que a menudo se exportaban. El período romántico fue el resultado de talentos muy diversos, incluidos los pintores William Blake , JMW Turner , John Constable y Samuel Palmer . El período victoriano vio una gran diversidad de arte y una cantidad creada mucho mayor que antes. Gran parte del arte victoriano ahora ha perdido el favor de la crítica, y el interés se concentró en los prerrafaelistas y los movimientos innovadores de finales del siglo XVIII.
La formación de los artistas, que había sido descuidada durante mucho tiempo, comenzó a mejorar en el siglo XVIII a través de iniciativas privadas y gubernamentales, y se expandió enormemente en el siglo XIX. Las exposiciones públicas y la posterior apertura de museos acercaron el arte a un público más amplio, especialmente en Londres. En el siglo XIX, el arte religioso exhibido públicamente volvió a ser popular después de una ausencia virtual desde la Reforma y, como en otros países, movimientos como la Hermandad Prerrafaelita y la Escuela de Glasgow compitieron con el arte académico establecido .
La contribución británica al arte modernista temprano fue relativamente pequeña, pero desde la Segunda Guerra Mundial los artistas británicos han tenido un impacto considerable en el arte contemporáneo , especialmente con obras figurativas, y Gran Bretaña sigue siendo un centro clave de un mundo artístico cada vez más globalizado. [ cita requerida ]
El arte británico más antiguo que sobrevive incluye Stonehenge de alrededor de 2600 a. C. y obras de arte de estaño y oro producidas por el pueblo Beaker de alrededor de 2150 a. C. El estilo de arte celta de La Tène llegó a las Islas Británicas bastante tarde, no antes de aproximadamente 400 a. C., y desarrolló un estilo "celta insular" particular que se ve en objetos como el escudo de Battersea y una serie de espejos de bronce decorados con intrincados patrones de curvas, espirales y formas de trompeta. Solo en las Islas Británicas se puede ver que el estilo decorativo celta sobrevivió durante el período romano , como se muestra en objetos como el Staffordshire Moorlands Pan y el resurgimiento de los motivos celtas, ahora mezclados con entrelazados germánicos y elementos mediterráneos, en el arte insular cristiano . Esto tuvo un florecimiento breve pero espectacular en todos los países que ahora forman el Reino Unido en los siglos VII y VIII, en obras como el Libro de Kells y el Libro de Lindisfarne . El estilo insular tuvo influencia en todo el norte de Europa, y especialmente en el arte anglosajón posterior , aunque éste recibió nuevas influencias continentales.
La contribución inglesa al arte románico y al arte gótico fue considerable, especialmente en manuscritos iluminados y esculturas monumentales para iglesias, aunque los demás países eran ahora esencialmente provinciales, y en el siglo XV Gran Bretaña luchó por mantenerse al día con los avances en pintura en el continente. Han sobrevivido algunos ejemplos de pintura inglesa de alta calidad en paredes o paneles de antes de 1500, incluido el retablo de Westminster , el díptico de Wilton y algunas supervivencias de pinturas en la Abadía de Westminster y el Palacio de Westminster . [1]
Las reformas protestantes de Inglaterra y Escocia fueron especialmente destructivas para el arte religioso existente, y la producción de nuevas obras prácticamente cesó. Los artistas de la corte Tudor fueron en su mayoría importados de Europa, lo que estableció un patrón que continuaría hasta el siglo XVIII. Los retratos de Isabel I ignoraron los modelos renacentistas europeos contemporáneos para crear imágenes icónicas que bordean el arte naif . Los retratistas Hans Holbein y Anthony van Dyck fueron los más distinguidos e influyentes de un gran número de artistas que pasaron largos períodos en Gran Bretaña, generalmente eclipsando talentos locales como Nicolas Hilliard , el pintor de retratos en miniatura , Robert Peake el Viejo , William Larkin , William Dobson y John Michael Wright , un escocés que trabajó principalmente en Londres. [2]
La pintura de paisajes estaba todavía poco desarrollada en Gran Bretaña en el momento de la Unión, pero una tradición de arte marino había sido establecida por el padre y el hijo , ambos llamados Willem van de Velde, quienes habían sido los principales pintores marítimos holandeses hasta que se mudaron a Londres en 1673, en medio de la Tercera Guerra Anglo-Holandesa . [3]
Las llamadas Actas de Unión de 1707 llegaron en medio del largo período de dominio en Londres de Sir Godfrey Kneller , un retratista alemán que eventualmente había sucedido como pintor principal de la corte al holandés Sir Peter Lely , cuyo estilo había adoptado para su enorme y formulaica producción, de calidad muy variable, que a su vez fue repetida por un ejército de pintores menores. Su homólogo en Edimburgo, Sir John Baptist Medina , nacido en Bruselas de padres españoles, había muerto justo antes de que se llevara a cabo la Unión, y fue uno de los últimos caballeros escoceses en ser creados. Medina había trabajado primero en Londres, pero a mitad de su carrera se trasladó al entorno menos competitivo de Edimburgo, donde dominó el retrato de la élite escocesa. Sin embargo, después de la Unión el movimiento iba a ser todo en la otra dirección, y los aristócratas escoceses se resignaron a pagar más para que sus retratos fueran pintados en Londres, incluso si eran por pintores escoceses como el alumno de Medina , William Aikman , que se mudó en 1723, o Allan Ramsay . [4]
Hubo una tradición alternativa, más directa, en el retrato británico a la de Lely y Kneller, que se remonta a William Dobson y al alemán u holandés Gerard Soest , quien entrenó a John Riley , a quien solo se le atribuyen unas pocas obras firmemente y quien a su vez entrenó a Jonathan Richardson , un artista fino que entrenó a Thomas Hudson , quien entrenó a Joshua Reynolds y Joseph Wright de Derby. Richardson también entrenó al retratista irlandés más notable del período, Charles Jervas , quien disfrutó de un éxito social y financiero en Londres a pesar de sus claras limitaciones como artista. [5]
Una excepción al predominio de los " géneros inferiores " de la pintura fue Sir James Thornhill (1675/76-1734), que fue el primer y último pintor inglés importante de grandes esquemas decorativos alegóricos barrocos , y el primer pintor nativo en ser nombrado caballero. Su obra más conocida se encuentra en el Hospital de Greenwich , el Palacio de Blenheim y la cúpula de la Catedral de San Pablo de Londres . Sus dibujos muestran un gusto por el realismo fuertemente dibujado en la dirección que su yerno William Hogarth iba a seguir, pero esto se anula en gran medida en las obras terminadas, y para Greenwich se tomó en serio su cuidadosa lista de "Objeciones que surgirán de la representación sencilla del Desembarco del Rey tal como fue en realidad y en la forma y vestimenta modernas" y pintó una glorificación barroca convencional. [6] Al igual que Hogarth, jugó la carta nacionalista para promocionarse y, finalmente, venció a Sebastiano Ricci en suficientes encargos como para que en 1716 él y su equipo se retiraran a Francia, mientras Giovanni Antonio Pellegrini ya se había marchado en 1713. Una vez que los otros pintores extranjeros más importantes de esquemas alegóricos, Antonio Verrio y Louis Laguerre , murieron en 1707 y 1721 respectivamente, Thornhill tuvo el campo para él solo, aunque hacia el final de su vida los encargos de grandes esquemas se habían agotado debido a los cambios en el gusto. [7]
A partir de 1714, la nueva dinastía hannoveriana dirigió una corte mucho menos ostentosa y se retiró en gran medida del mecenazgo de las artes, salvo los necesarios retratos. Afortunadamente, la pujante economía británica pudo aportar riqueza aristocrática y mercantil para reemplazar a la corte, sobre todo en Londres. [8]
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William Hogarth fue una gran figura en el segundo cuarto del siglo, y su arte logró un carácter inglés particular, con escenas de la vida contemporánea vívidamente moralistas, llenas de sátira y patetismo, en sintonía con los gustos y prejuicios de la clase media protestante, que compró las versiones grabadas de sus pinturas en grandes cantidades. Otros temas solo se publicaron como grabados, y Hogarth fue el primer grabador británico importante y todavía el más conocido. Muchas obras eran series de cuatro o más escenas, de las cuales las más conocidas son: A Harlot's Progress y A Rake's Progress de la década de 1730 y Marriage à-la-mode de mediados de la década de 1740. De hecho, aunque sólo salió brevemente de Inglaterra una vez y su propia propaganda afirmaba su inglesidad y a menudo atacaba a los viejos maestros , su formación en grabado , su mayor conocimiento del arte continental que la mayoría de la pintura británica, y aparentemente su capacidad para absorber rápidamente las lecciones de otros pintores, significaron que era más consciente del arte continental y lo utilizaba más que la mayoría de sus contemporáneos.
Como muchos pintores posteriores, Hogarth quería sobre todo alcanzar el éxito en la pintura histórica al estilo grandilocuente , pero sus pocos intentos no tuvieron éxito y ahora son poco apreciados. Sus retratos eran en su mayoría de modelos de clase media mostrados con un realismo aparente que reflejaba tanto simpatía como adulación, e incluían algunos en la forma de moda de la pieza de conversación , recientemente introducida desde Francia por Philippe Mercier , que seguiría siendo una de las favoritas en Gran Bretaña, adoptada por artistas como Francis Hayman , aunque generalmente abandonada una vez que un artista podía obtener buenos encargos de una sola figura. [9]
Se reconoció que, incluso más que en el resto de Europa debido a la falta de artistas británicos, la formación de los artistas debía extenderse más allá del taller de los maestros establecidos, y se hicieron varios intentos de establecer academias , comenzando con Kneller en 1711, con la ayuda de Pellegrini, en Great Queen Street. La academia fue adquirida por Thornhill en 1716, pero parece que se había vuelto inactiva cuando John Vanderbank y Louis Chéron establecieron su propia academia en 1720. Esto no duró mucho, y en 1724/5 Thornhill lo intentó de nuevo en su propia casa, con poco éxito. Hogarth heredó el equipo para esto y lo utilizó para fundar la Academia St. Martin's Lane en 1735, que fue la más duradera y finalmente fue absorbida por la Royal Academy en 1768. Hogarth también ayudó a resolver el problema de la falta de lugares para exposiciones en Londres, organizando muestras en el Foundling Hospital a partir de 1746. [10]
El retratista escocés Allan Ramsay trabajó en Edimburgo antes de mudarse a Londres en 1739. Realizó visitas de tres años a Italia al principio y al final de su carrera, y se anticipó a Joshua Reynolds al aportar una versión más relajada del "Grand Manner" al retrato británico, combinada con un tratamiento muy sensible en sus mejores trabajos, que se acepta generalmente que fueron de modelos femeninas. Su principal rival en Londres a mediados de siglo, hasta que Reynolds se hizo famoso, fue el maestro de Reynolds, el aburrido Thomas Hudson . [11]
John Wootton , activo desde aproximadamente 1714 hasta su muerte en 1765, fue el principal pintor deportivo de su época, establecido en la capital de las carreras de caballos inglesas en Newmarket , y produjo un gran número de retratos de caballos y también escenas de batalla y piezas de conversación con un entorno de caza o equitación. Había comenzado su vida como paje de la familia de los duques de Beaufort , quienes en la década de 1720 lo enviaron a Roma, donde adquirió un estilo paisajístico clasicista basado en el de Gaspard Dughet y Claude , que utilizó en algunas pinturas de paisajes puros, así como vistas de casas de campo y temas equinos. Esto introdujo una alternativa a los diversos artistas holandeses y flamencos que previamente habían establecido el estilo paisajístico predominante en Gran Bretaña, y a través de artistas intermediarios como George Lambert , el primer pintor británico que basó su carrera en temas de paisajes, influiría en gran medida en otros artistas británicos como Gainsborough. [12] Samuel Scott fue el mejor de los artistas nativos de marinas y paisajes urbanos, aunque en esta última especialización no pudo igualar al visitante Canaletto , que estuvo en Inglaterra durante nueve años a partir de 1746, y cuyas vistas venecianas fueron un recuerdo favorito del Grand Tour . [13]
El anticuario y grabador George Vertue fue una figura en la escena artística de Londres durante la mayor parte del período, y sus copiosos cuadernos fueron adaptados y publicados en la década de 1760 por Horace Walpole como Algunas anécdotas de la pintura en Inglaterra , que sigue siendo una fuente principal para el período. [14]
Desde su llegada a Londres en 1720, el escultor flamenco John Michael Rysbrack fue el líder en su campo hasta la llegada en 1730 de Louis-François Roubiliac , que tenía un estilo rococó que fue muy eficaz en bustos y figuras pequeñas, aunque en la década siguiente también recibió encargos para obras de mayor tamaño. También produjo modelos para la fábrica de porcelana de Chelsea fundada en 1743, una empresa privada que buscaba competir con las fábricas continentales establecidas en su mayoría por gobernantes. El estilo de Roubiliac formó el del principal escultor nativo Sir Henry Cheere y su hermano John , que se especializó en estatuas para jardines. [15]
El fuerte negocio de platería de Londres estaba dominado por los descendientes de refugiados hugonotes como Paul de Lamerie , Paul Crespin, Nicholas Sprimont y la familia Courtauld , así como Georges Wickes. Se recibían pedidos de lugares tan lejanos como las cortes de Rusia y Portugal, aunque los estilos ingleses todavía estaban liderados por París. [16] La fabricación de seda en Spitalfields en Londres también era un negocio tradicional hugonote, pero desde finales de la década de 1720 el diseño de seda estuvo dominado por la sorprendente figura de Anna Maria Garthwaite , la hija de un párroco de Lincolnshire que surgió a la edad de 40 años como diseñadora de patrones principalmente florales en estilos rococó. [17]
A diferencia de lo ocurrido en Francia y Alemania, la adopción inglesa del estilo rococó fue más bien irregular que total, y hubo resistencia por motivos nacionalistas, liderados por Richard Boyle, tercer conde de Burlington y William Kent , quienes promovieron estilos en el diseño de interiores y el mobiliario que coincidieran con el palladianismo de la arquitectura que produjeron juntos, comenzando también la influyente tradición británica del jardín paisajístico , [18] según Nikolaus Pevsner "la más influyente de todas las innovaciones inglesas en el arte". [19] El grabador nacido en Francia Hubert-François Gravelot , en Londres de 1732 a 1745, fue una figura clave en la importación del gusto rococó en ilustraciones de libros y grabados ornamentales para que los artesanos lo siguieran. [20]
En la mentalidad popular moderna, el arte inglés de aproximadamente 1750-1790 —hoy conocido como la "era clásica" de la pintura inglesa— estuvo dominado por Sir Joshua Reynolds (1723-1792), George Stubbs (1724-1806), Thomas Gainsborough (1727-1788) y Joseph Wright de Derby (1734-1797). En la época en que Reynolds era considerado la figura dominante, Gainsborough tenía una gran reputación, pero Stubbs era visto como un mero pintor de animales y visto como una figura mucho menos significativa que muchos otros pintores que hoy son poco conocidos u olvidados. El período vio un continuo aumento de la prosperidad para Gran Bretaña y los artistas británicos: "En la década de 1780, los pintores ingleses se encontraban entre los hombres más ricos del país, sus nombres eran familiares para los lectores de periódicos, sus peleas y camarillas eran la comidilla de la ciudad, sus temas eran conocidos por todos por los exhibidores en los escaparates de las imprentas", según Gerald Reitlinger . [21]
Reynolds regresó de una larga visita a Italia en 1753 y muy pronto se ganó la reputación de ser el retratista londinense más de moda y, en poco tiempo, una figura formidable en la sociedad; el líder público de las artes en Gran Bretaña. Había estudiado tanto el arte italiano clásico como el moderno y sus composiciones reutilizan discretamente modelos vistos en sus viajes. Podía transmitir una amplia gama de estados de ánimo y emociones, ya fueran militares heroicos o mujeres muy jóvenes, y a menudo unía el fondo y la figura de una manera dramática. [22]
La Sociedad para el fomento de las Artes, las Manufacturas y el Comercio se había fundado en 1754, principalmente para proporcionar un lugar para exposiciones. En 1761, Reynolds fue uno de los líderes en la fundación de la rival Sociedad de Artistas de Gran Bretaña , donde los artistas tenían más control. Esto continuó hasta 1791, a pesar de la fundación de la Real Academia de las Artes en 1768, que inmediatamente se convirtió en la organización expositiva más importante y la escuela más importante de Londres. Reynolds fue su primer presidente, ocupando el cargo hasta su muerte en 1792. Sus Discursos publicados , entregados por primera vez a los estudiantes, fueron considerados como el primer escrito importante sobre arte en inglés, y establecieron la aspiración de un estilo que coincidiera con la grandeza clásica de la escultura clásica y la pintura del Alto Renacimiento . [23]
Después de que se estableció la academia, los retratos de Reynolds se volvieron más clasicistas, y a menudo más distantes, hasta que a fines de la década de 1770 regresó a un estilo más intimista, tal vez influenciado por el éxito de Thomas Gainsborough , [24] quien solo se estableció en Londres en 1773, después de trabajar en Ipswich y luego en Bath . Si bien la práctica de Reynolds de retratos aristocráticos parece coincidir exactamente con su talento, Gainsborough, si no se vio obligado a seguir el mercado para su trabajo, bien podría haberse desarrollado como un pintor de paisajes puro, o un retratista en el estilo informal de muchos de sus retratos de su familia. Continuó pintando paisajes puros, en gran parte por placer hasta sus últimos años; el reconocimiento completo de sus paisajes llegó solo en el siglo XX. Sus principales influencias fueron francesas en sus retratos y holandesas en sus paisajes, más que italianas, y es famoso por el toque brillante y ligero de su pincelada. [25]
George Romney también se hizo prominente alrededor de 1770 y estuvo activo hasta 1799, aunque con una caída en sus últimos años. Sus retratos son en su mayoría imágenes con carácter pero favorecedoras de figuras dignas de la sociedad, pero desarrolló una obsesión con la joven y voluble Emma Hamilton a partir de 1781, pintándola unas sesenta veces en poses más extravagantes. [26] Su obra fue especialmente buscada por los coleccionistas estadounidenses a principios del siglo XX y muchos de ellos se encuentran ahora en museos estadounidenses. [27] Al final del período, esta generación había sido sucedida por retratistas más jóvenes, entre ellos John Hoppner , Sir William Beechey y el joven Gilbert Stuart , quien solo se dio cuenta de su estilo maduro después de regresar a Estados Unidos. [28]
El pintor galés Richard Wilson regresó a Londres en 1757 tras pasar siete años en Italia y durante las dos décadas siguientes desarrolló un estilo paisajístico "sublime" que adaptaba la tradición franco-italiana de Claude y Gaspard Dughet a temas británicos. Aunque muy admirado, al igual que los de Gainsborough, sus paisajes eran difíciles de vender y a veces recurría, como se quejaba Reynolds, a la estratagema habitual de convertirlos en cuadros históricos añadiendo unas cuantas figuras pequeñas, lo que duplicaba su precio hasta unas 80 libras. [29] Continuó pintando escenas ambientadas en Italia, así como en Inglaterra y Gales, y su muerte en 1782 se produjo justo cuando un gran número de artistas empezaron a viajar a Gales y, más tarde, al Distrito de los Lagos y Escocia en busca de vistas montañosas, tanto para pinturas al óleo como para acuarelas que ahora estaban iniciando su largo período de popularidad en Gran Bretaña, tanto entre profesionales como entre aficionados. Paul Sandby , Francis Towne , John Warwick Smith y John Robert Cozens se encontraban entre los principales pintores especialistas y el clérigo y artista aficionado William Gilpin fue un escritor importante que estimuló la popularidad de la pintura amateur de lo pintoresco , mientras que las obras de Alexander Cozens recomendaban formar manchas de tinta al azar en composiciones de paisajes; incluso Constable probó esta técnica. [30]
La pintura histórica a lo grande siguió siendo la forma de arte más prestigiosa, aunque no la más fácil de vender, y Reynolds hizo varios intentos, tan infructuosos como los de Hogarth. La naturaleza poco heroica de la vestimenta moderna se consideraba un gran obstáculo para la representación de escenas contemporáneas, y el artista y marchante de arte escocés Gavin Hamilton prefería las escenas clásicas, así como pintar algunas basadas en sus viajes por Oriente, donde sus figuras europeas evitaban el problema al llevar vestimentas árabes. Pasó la mayor parte de su vida adulta en Roma y tuvo al menos tanta influencia en el neoclasicismo en Europa como en Gran Bretaña. El irlandés James Barry influyó en Blake, pero tuvo una carrera difícil y dedicó años a su ciclo El progreso de la cultura humana en la Gran Sala de la Royal Society of Arts . Los pintores de historia de mayor éxito, que no temían a los botones ni a las pelucas, eran ambos estadounidenses afincados en Londres: Benjamin West y John Singleton Copley , aunque una de sus obras más exitosas, Watson y el tiburón (1778), logró evitarlos en gran medida, mostrando un rescate de un ahogamiento.
Los temas literarios a menor escala también fueron populares, iniciados por Francis Hayman , uno de los primeros en pintar escenas de Shakespeare , y Joseph Highmore , con una serie que ilustraba la novela Pamela . Al final del período, la Boydell Shakespeare Gallery fue un ambicioso proyecto de pinturas y grabados posteriores, que ilustraban "al Bardo", en lo que ahora se había convertido, al tiempo que exponía las limitaciones de la pintura histórica inglesa contemporánea. [31] Joseph Wright de Derby fue principalmente un pintor de retratos que también fue uno de los primeros artistas en representar la Revolución Industrial , además de desarrollar un cruce entre la pieza de conversación y la pintura histórica en obras como Un experimento con un pájaro en la bomba de aire (1768) y Un filósofo dando una conferencia sobre el planetario (c. 1766), que como muchas de sus obras están iluminadas solo con luz de velas, lo que da un fuerte efecto de claroscuro . [32]
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Las pinturas que registraban escenas del teatro fueron otro subgénero, pintado por el alemán Johann Zoffany , entre otros. Zoffany pintó retratos y piezas de conversación, quien también pasó más de dos años en la India, pintando a los nababs ingleses y escenas locales, y el Imperio Británico en expansión jugó un papel cada vez más importante en el arte británico. [33] La formación en arte se consideraba una habilidad útil en el ejército para los mapas y planos de bocetos, y muchos oficiales británicos hicieron las primeras imágenes occidentales, a menudo en acuarela, de escenas y lugares de todo el mundo. En la India, el estilo de la Compañía se desarrolló como una forma híbrida entre el arte occidental y el indio , producido por indios para un mercado británico.
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Thomas Rowlandson produjo acuarelas y grabados satirizando la vida británica, pero en su mayoría evitó la política. El maestro de la caricatura política , vendida individualmente por imprentas (que a menudo también actuaban como editores), ya sea coloreada a mano o simple, fue James Gillray . [34] El énfasis en la pintura de retratos en el arte británico no se debió enteramente a la vanidad de los retratados. Había un gran mercado de coleccionistas de grabados de retratos, en su mayoría reproducciones de pinturas, que a menudo se montaban en álbumes. Desde mediados de siglo hubo un gran crecimiento en las costosas pero más efectivas reproducciones en mezzotinta , de retratos y otras pinturas, con una demanda especial por parte de los coleccionistas de estados de prueba tempranos "antes de la letra" (es decir, antes de que se añadieran las inscripciones), que los impresores imprimieron amablemente en cantidades cada vez mayores. [35]
Este período marcó uno de los puntos culminantes de las artes decorativas británicas. A mediados de siglo se abrieron muchas fábricas de porcelana , entre ellas Bow en Londres y en las provincias de Lowestoft , Worcester , Royal Crown Derby , Liverpool y Wedgwood , a la que siguió Spode en 1767. La mayoría comenzaron como pequeñas empresas, algunas de las cuales duraron solo unas décadas, mientras que otras todavía sobreviven hoy. A finales de este período, la realeza extranjera encargaba servicios de porcelana británica y los fabricantes británicos eran especialmente hábiles para perseguir el mercado internacional de clase media en rápida expansión, desarrollando porcelana china y productos impresos por transferencia, así como porcelana auténtica pintada a mano. [36]
Los tres principales fabricantes de muebles, Thomas Chippendale (1718-1779), Thomas Sheraton (1751-1806) y George Hepplewhite (1727?-1786) tenían estilos variados y han alcanzado la fama duradera que tienen principalmente como autores de libros de patrones utilizados por otros fabricantes en Gran Bretaña y en el extranjero. De hecho, no está nada claro si los dos últimos nombrados alguna vez dirigieron talleres reales, aunque Chippendale ciertamente tuvo éxito en esto y en lo que ahora llamamos diseño de interiores; a diferencia de Francia, Gran Bretaña había abandonado su sistema de gremios , y Chippendale pudo emplear especialistas en todas las artesanías necesarias para completar una redecoración. [37] Durante el período, el rococó y el chinoiserie dieron paso al neoclasicismo , con el arquitecto y diseñador de interiores escocés Robert Adam (1728-1792) liderando el nuevo estilo.
El final del siglo XVIII y el comienzo del siglo XIX se caracterizaron por el movimiento romántico en el arte británico, que incluye a Joseph Wright de Derby , James Ward , Samuel Palmer , Richard Parkes Bonington , John Martin y fue quizás el período más radical en el arte británico, produciendo también a William Blake (1757-1827), John Constable (1776-1837) y JMW Turner (1775-1851), siendo los dos últimos posiblemente los artistas británicos más influyentes a nivel internacional. [38] [39] El estilo de Turner, basado en la tradición italianizante aunque nunca vio Italia hasta los cuarenta, pasó por cambios considerables antes de sus paisajes salvajes, casi abstractos, finales que exploraban los efectos de la luz, y fueron una profunda influencia en los impresionistas y otros movimientos posteriores. [40] Constable normalmente pintaba paisajes puros con como máximo unas pocas figuras de género, en un estilo basado en las tradiciones del norte de Europa, pero, al igual que Turner, sus "pinturas de seis pies" tenían la intención de causar un impacto tan sorprendente como cualquier pintura histórica. [41] Fueron cuidadosamente preparadas utilizando estudios y bocetos al óleo de tamaño completo , [42] mientras que Turner era conocido por terminar sus piezas de exhibición cuando ya estaban colgadas para su exhibición, ajustándolas libremente para dominar las obras circundantes en las apretadas colecciones de la época. [43]
El estilo visionario de Blake fue un gusto minoritario en su vida, pero influyó en el grupo más joven de " Ancianos " de Samuel Palmer, John Linnell , Edward Calvert y George Richmond , que se reunieron en el campo en Shoreham, Kent en la década de 1820, produciendo idilios pastorales intensos y líricos en condiciones de cierta pobreza. Continuaron con carreras artísticas más convencionales y el trabajo temprano de Palmer fue completamente olvidado hasta principios del siglo XX. [44] Blake y Palmer se convirtieron en una influencia significativa en los artistas modernistas del siglo XX visto (entre otros) en la pintura de artistas británicos como Dora Carrington , [45] Paul Nash y Graham Sutherland . [46] Blake también tuvo una enorme influencia en los poetas beat de la década de 1950 y la contracultura de la década de 1960. [ 47]
Thomas Lawrence ya era un retratista de primera línea a principios del siglo XX y supo dar un toque romántico a sus retratos de la alta sociedad y de los líderes europeos reunidos en el Congreso de Viena tras las guerras napoleónicas . Henry Raeburn fue el retratista más importante desde la Unión que permaneció afincado en Edimburgo durante toda su carrera, lo que indica la creciente prosperidad escocesa. [48] Pero David Wilkie tomó el camino tradicional hacia el sur y logró un gran éxito con temas de la vida rural y escenas híbridas de género e historia como Los pensionistas de Chelsea leyendo el Waterloo Dispatch (1822). [49]
John Flaxman fue el artista neoclásico inglés más completo. Comenzó como escultor y se hizo conocido por sus numerosos "dibujos de contorno" de escenas clásicas, a menudo para ilustrar literatura, que se reprodujeron como grabados. Estos imitaban los efectos de los relieves de estilo clásico que también produjo. El alemán-suizo Henry Fuseli también produjo obras en un estilo gráfico lineal, pero sus escenas narrativas, a menudo de la literatura inglesa, eran intensamente románticas y muy dramáticas. [50]
La Hermandad Prerrafaelita (PRB) alcanzó una influencia considerable después de su fundación en 1848 con pinturas que se concentraban en temas religiosos, literarios y de género ejecutadas en un estilo colorido y minuciosamente detallado, rechazando la pincelada suelta de la tradición representada por "Sir Sloshua" Reynolds. Los artistas de la PRB incluyeron a John Everett Millais , William Holman Hunt , Dante Gabriel Rossetti y Ford Madox Brown (nunca oficialmente miembro), y figuras como Edward Burne-Jones y John William Waterhouse fueron posteriormente muy influenciadas por aspectos de sus ideas, al igual que el diseñador William Morris . Morris abogó por un retorno a la artesanía manual en las artes decorativas en lugar de la fabricación industrial que rápidamente se estaba aplicando a todas las artesanías. Sus esfuerzos por hacer que los objetos hermosos fueran asequibles (o incluso gratuitos) para todos llevaron a sus diseños de papel tapiz y azulejos a definir la estética victoriana e instigar el movimiento Arts and Crafts .
Los prerrafaelistas, como Turner, contaban con el apoyo del prestigioso crítico de arte John Ruskin , un artista amateur de primera. A pesar de toda su innovación técnica, eran a la vez tradicionales y victorianos en su adhesión a la pintura histórica como la forma más elevada de arte , y sus temas estaban en plena sintonía con el gusto victoriano y, de hecho, "todo lo que los editores de grabados en acero aceptaban con agrado", [51] lo que les permitió integrarse fácilmente a la corriente principal en sus carreras posteriores. [52]
Aunque los prerrafaelitas tuvieron una recepción turbulenta y dividida, los pintores más populares y caros de la época incluyeron a Edwin Landseer , que se especializó en temas animales sentimentales, que eran los favoritos de la reina Victoria y el príncipe Alberto . En la última parte del siglo, los artistas podían ganar grandes sumas vendiendo los derechos de reproducción de sus pinturas a editores de grabados, y las obras de Landseer, especialmente su Monarca del valle (1851), un retrato de un ciervo de las Tierras Altas, estaban entre las más populares. Al igual que Burbujas (1886) de Millais, se utilizó en envases y anuncios durante décadas, para marcas de whisky y jabón respectivamente. [53]
Durante la última época victoriana en Gran Bretaña, las pinturas académicas, algunas de ellas de enormes dimensiones, de Lord Leighton y del holandés Lawrence Alma-Tadema fueron enormemente populares; ambas solían presentar bellezas ligeramente vestidas en entornos exóticos o clásicos, mientras que las obras alegóricas de GF Watts coincidían con el sentido victoriano de propósito elevado. Las damas clásicas de Edward Poynter y Albert Moore llevaban más ropa y tuvieron menos éxito. William Powell Frith pintó escenas de la vida social sumamente detalladas, que por lo general incluían todas las clases sociales, que incluían elementos cómicos y morales y que tienen una deuda reconocida con Hogarth, aunque son significativamente diferentes de su obra. [54]
Para todos estos artistas, la Exposición de Verano de la Royal Academy era una plataforma esencial, que se analizaba con gran detalle en la prensa, que a menudo alternaba el ridículo con el elogio extravagante al hablar de las obras. El máximo galardón, y muy poco frecuente, era cuando había que colocar una barandilla delante de un cuadro para protegerlo de la multitud ansiosa; hasta 1874 esto sólo había sucedido con Chelsea Pensioners de Wilkie, The Derby Day y Salon d'Or de Frith , Homburg y The Casual Ward de Luke Filde (véase más abajo). [55] Un gran número de artistas trabajaron año tras año con la esperanza de tener éxito allí, a menudo trabajando de maneras para las que su talento no era realmente adecuado, un tropo ejemplificado por el suicidio en 1846 de Benjamin Haydon , amigo de Keats y Dickens y mejor escritor que pintor, dejando su sangre salpicada sobre su inacabado King Alfred and the First British Jury . [56]
La historia británica era un tema muy común, con la Edad Media, Isabel I, María Estuardo y la Guerra Civil Inglesa como fuentes especialmente populares para los temas. Muchos pintores mencionados en otros lugares pintaron temas históricos, incluyendo a Millais ( La infancia de Raleigh y muchos otros), Ford Madox Brown ( Cromwell en su granja ), David Wilkie, Watts y Frith, y West, Bonington y Turner en décadas anteriores. El irlandés residente en Londres Daniel Maclise y Charles West Cope pintaron escenas para el nuevo Palacio de Westminster . Lady Jane Grey fue, como María Estuardo, una mujer cuyos sufrimientos atrajeron a muchos pintores, aunque ninguno igualó a La ejecución de Lady Jane Grey , uno de los muchos temas históricos británicos del francés Paul Delaroche . [57] Los pintores se enorgullecían de la creciente precisión de sus escenarios de época en términos de vestuario y objetos, estudiando las colecciones del nuevo Museo Victoria y Alberto y los libros, y despreciando las aproximaciones despreocupadas de generaciones anteriores de artistas. [58]
La pintura victoriana desarrolló el tema social hogarthiano, repleto de detalles moralizantes, y la tradición de ilustrar escenas de la literatura, en una gama de tipos de pintura de género, muchas con sólo unas pocas figuras, otras escenas grandes y abarrotadas como las obras más conocidas de Frith. The Awakening Conscience (1853) de Holman Hunt y la serie Past and Present (1858) de Augustus Egg son del primer tipo, ambas tratan sobre "mujeres caídas", una preocupación victoriana perenne. Como señala Peter Conrad , estas eran pinturas diseñadas para ser leídas como novelas, cuyo significado emergía después de que el espectador hubiera hecho el trabajo de descifrarlo. [59] Otras escenas "anecdóticas" eran más ligeras en tono, tendiendo a ser caricaturas de Punch sin subtítulos.
Hacia finales del siglo XIX, el cuadro problemático dejaba deliberadamente ambiguos los detalles de la acción narrativa, invitando al espectador a especular sobre ella utilizando las pruebas que tenía delante, pero sin proporcionar una respuesta definitiva (los artistas aprendieron a sonreír enigmáticamente cuando se les preguntaba). Esto a veces provocaba debates sobre cuestiones sociales delicadas, que normalmente involucraban a mujeres, que podrían haber sido difíciles de plantear directamente. Eran enormemente populares; los periódicos organizaban concursos para que los lectores aportaran el significado de la pintura. [60]
Muchos artistas participaron en el resurgimiento de la técnica del grabado artístico original, conocido habitualmente como resurgimiento del aguafuerte , aunque también se realizaron grabados con muchas otras técnicas. Esto comenzó en la década de 1850 y continuó hasta que las consecuencias del desplome de Wall Street de 1929 provocaron un desplome de los elevadísimos precios que habían alcanzado los artistas más de moda.
El orientalismo británico , aunque no tan común como en Francia en el mismo período, tuvo muchos especialistas, entre ellos John Frederick Lewis , que vivió durante nueve años en El Cairo , David Roberts , un escocés que hizo litografías de sus viajes por Oriente Medio e Italia, el escritor de disparates Edward Lear , un viajero continuo que llegó hasta Ceilán , y Richard Dadd . Holman Hunt también viajó a Palestina para obtener escenarios auténticos para sus cuadros bíblicos. El francés James Tissot , que huyó a Londres después de la caída de la Comuna de París , dividió su tiempo entre escenas de eventos sociales de la alta sociedad y una enorme serie de ilustraciones bíblicas, realizadas en acuarela para publicación reproductiva. [61] Frederick Goodall se especializó en escenas del Antiguo Egipto.
Las pinturas de mayor tamaño que se ocupaban de las condiciones sociales de los pobres tendían a concentrarse en escenas rurales, de modo que la miseria de las figuras humanas se compensaba al menos con un paisaje. Entre los pintores de este tipo se encontraban Frederick Walker , Luke Fildes (aunque se hizo famoso en 1874 con Solicitantes de admisión a un pabellón informal - véase más arriba), Frank Holl , George Clausen y el alemán Hubert von Herkomer . [64]
William Bell Scott , amigo de los Rossetti, pintó escenas históricas y otros tipos de trabajos, pero también fue uno de los pocos artistas que retrató escenas de la industria pesada. Sus memorias son una fuente útil para el período, y fue uno de los varios artistas que fueron empleados durante un período en el sistema enormemente expandido de escuelas de arte gubernamentales, que fueron impulsadas por el administrador Henry Cole (el inventor de la tarjeta de Navidad ) y emplearon a Richard Redgrave , Edward Poynter , Richard Burchett , el diseñador escocés Christopher Dresser y muchos otros. Burchett fue director de las "Escuelas de South Kensington", ahora el Royal College of Art , que gradualmente reemplazó a la Royal Academy School como la principal escuela de arte británica, aunque a principios del siglo XX la Slade School of Fine Art produjo muchos de los artistas con visión de futuro. [65]
La Royal Academy no fue en sus inicios tan conservadora y restrictiva como el Salón de París , y los prerrafaelistas vieron aceptadas la mayoría de sus propuestas para exposiciones, aunque como todos los demás se quejaban de las posiciones que se les daban a sus pinturas. Fueron especialmente bien recibidos en la Liverpool Academy of Arts , una de las mayores organizaciones expositivas regionales; la Royal Scottish Academy fue fundada en 1826 e inauguró su gran nuevo edificio en la década de 1850. Hubo ubicaciones alternativas en Londres como la British Institution , y a medida que el conservadurismo de la Royal Academy aumentó gradualmente, a pesar de los esfuerzos de Lord Leighton cuando era presidente, se abrieron nuevos espacios, en particular la Grosvenor Gallery en Bond Street , a partir de 1877, que se convirtió en la sede del Movimiento Estético. El New English Art Club expuso a partir de 1885 a muchos artistas con tendencias impresionistas, inicialmente utilizando el Egyptian Hall , frente a la Royal Academy, que también acogió muchas exposiciones de arte extranjero. El retratista estadounidense John Singer Sargent (1856-1925) pasó la mayor parte de su carrera profesional en Europa y mantuvo su estudio en Londres (donde murió) entre 1886 y 1907.
Alfred Sisley , que era francés de nacimiento pero tenía nacionalidad británica, pintó en Francia como uno de los impresionistas ; Walter Sickert y Philip Wilson Steer al comienzo de sus carreras también fueron fuertemente influenciados, pero a pesar de que el comerciante Paul Durand-Ruel trajo muchas exposiciones a Londres, el movimiento tuvo poco impacto en Inglaterra hasta décadas después. [66] Algunos miembros de la Escuela de Newlyn de paisajes y escenas de género adoptaron una técnica cuasi impresionista, mientras que otros utilizaron niveles de acabado realistas o más tradicionales.
A finales del siglo XIX también se produjo el movimiento decadentista en Francia y el movimiento estético británico . El pintor estadounidense residente en Gran Bretaña James Abbott McNeill Whistler , Aubrey Beardsley y los antiguos prerrafaelistas Dante Gabriel Rossetti y Edward Burne-Jones están asociados con esos movimientos, y tanto Burne-Jones como Beardsley eran admirados en el extranjero y representaban el enfoque británico más cercano al simbolismo europeo . [67] En 1877, James McNeill Whistler demandó al crítico de arte John Ruskin por difamación después de que el crítico condenara su pintura Nocturno en negro y oro: el cohete que cae . Ruskin acusó a Whistler de "pedir doscientas guineas por arrojar un bote de pintura a la cara del público". [62] [63] El jurado llegó a un veredicto a favor de Whistler, pero le otorgó solo un penique en daños nominales, y las costas judiciales se dividieron. [68] El coste del caso, junto con las enormes deudas por la construcción de su residencia ("The White House" en Tite Street , Chelsea , diseñada con EW Godwin , 1877-8), llevaron a Whistler a la bancarrota en mayo de 1879, [69] lo que dio lugar a una subasta de su obra, colecciones y casa. Stansky [70] señala la ironía de que la Sociedad de Bellas Artes de Londres , que había organizado una colecta para pagar los costos legales de Ruskin, lo apoyara en el grabado de "las piedras de Venecia" (y en la exhibición de la serie en 1883), lo que ayudó a recuperar los costos de Whistler.
El arte escocés estaba recuperando un mercado interno adecuado, lo que le permitió desarrollar un carácter distintivo, del que los " Glasgow Boys " fueron una expresión, a caballo entre el impresionismo en la pintura y el art nouveau , el japonismo y el renacimiento celta en el diseño, siendo el arquitecto y diseñador Charles Rennie Mackintosh su miembro más conocido. Entre los pintores se encontraban Thomas Millie Dow , George Henry , Joseph Crawhall y James Guthrie .
La nueva tecnología de impresión trajo consigo una gran expansión de la ilustración de libros, y las ilustraciones para libros infantiles proporcionaron gran parte de los trabajos más recordados de la época. Entre los artistas especializados se encontraban Randolph Caldecott , Walter Crane , Kate Greenaway y, a partir de 1902, Beatrix Potter .
La experiencia del poder militar, político y económico a partir del ascenso del Imperio Británico , condujo a un impulso muy específico en la técnica artística, el gusto y la sensibilidad en el Reino Unido. [71] Los británicos usaron su arte "para ilustrar su conocimiento y dominio del mundo natural", mientras que los colonos permanentes en la América del Norte británica , Australasia y Sudáfrica "se embarcaron en una búsqueda de expresión artística distintiva apropiada para su sentido de identidad nacional". [71] El imperio ha estado "en el centro, en lugar de en los márgenes, de la historia del arte británico". [72]
La enorme variedad y la producción masiva de las diversas formas de arte decorativo británico durante el período son demasiado complejas para resumirlas fácilmente. El gusto victoriano, hasta los diversos movimientos de las últimas décadas, como Arts and Crafts , generalmente está mal considerado hoy en día, pero se produjeron muchas obras excelentes y se ganó mucho dinero. Tanto William Burges como Augustus Pugin fueron arquitectos comprometidos con el Renacimiento gótico , que se expandieron al diseño de muebles, trabajos en metal, azulejos y objetos en otros medios. Hubo un enorme auge en la re-goticización de los accesorios de las iglesias medievales y el equipamiento de otras nuevas en el estilo, especialmente con vidrieras , una industria revivida de la extinción efectiva . El resurgimiento de los muebles pintados con imágenes fue una característica particular en el extremo superior del mercado. [73]
Desde su apertura en 1875, los grandes almacenes londinenses Liberty & Co. se asociaron especialmente con artículos decorativos importados del Lejano Oriente y productos británicos en los nuevos estilos de finales del siglo XIX. Charles Voysey fue un arquitecto que también realizó muchos trabajos de diseño en textiles, papel tapiz, muebles y otros medios, llevando el movimiento Arts and Crafts al Art Nouveau y más allá; continuó diseñando hasta la década de 1920. [74] AH Mackmurdo fue una figura similar.
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En muchos aspectos, la era victoriana continuó hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914, y la Royal Academy se fue osificando cada vez más; la figura inconfundiblemente victoriana tardía de Frank Dicksee fue nombrada presidenta en 1924. En fotografía, el pictorialismo tenía como objetivo lograr efectos artísticos, de hecho pictóricos; The Linked Ring contenía a los principales practicantes. El estadounidense John Singer Sargent fue el retratista londinense de más éxito a principios del siglo XX, con John Lavery , Augustus John y William Orpen como figuras en ascenso. La hermana de John, Gwen John, vivía en Francia, y sus retratos íntimos fueron relativamente poco apreciados hasta décadas después de su muerte. Las actitudes británicas hacia el arte moderno estaban "polarizadas" a fines del siglo XIX. [75] Los movimientos modernistas fueron apreciados y vilipendiados por artistas y críticos; el impresionismo fue considerado inicialmente por "muchos críticos conservadores" como una "influencia extranjera subversiva", pero se "asimiló por completo" en el arte británico durante principios del siglo XX. [75] El artista irlandés Jack Butler Yeats (1871-1957), afincado en Dublín, fue a la vez pintor romántico , simbolista y expresionista .
El vorticismo fue una breve reunión de varios artistas modernistas en los años inmediatamente anteriores a 1914; entre sus miembros se encontraban Wyndham Lewis , el escultor Sir Jacob Epstein , David Bomberg , Malcolm Arbuthnot , Lawrence Atkinson , el fotógrafo estadounidense Alvin Langdon Coburn , Frederick Etchells , el escultor francés Henri Gaudier-Brzeska , Cuthbert Hamilton , Christopher Nevinson , William Roberts , Edward Wadsworth , Jessica Dismorr , Helen Saunders y Dorothy Shakespeare . A principios del siglo XX también se incluyen el círculo artístico The Sitwells y el Grupo Bloomsbury , un grupo de escritores, intelectuales, filósofos y artistas principalmente ingleses, entre los que se encontraban la pintora Dora Carrington , el pintor y crítico de arte Roger Fry , el crítico de arte Clive Bell , la pintora Vanessa Bell , el pintor Duncan Grant, entre otros. Aunque muy de moda en esa época, su trabajo en las artes visuales parece menos impresionante hoy en día. [76] El modernismo británico siguió siendo algo provisional hasta después de la Segunda Guerra Mundial, aunque figuras como Ben Nicholson se mantuvieron en contacto con los acontecimientos europeos.
Walter Sickert y el Grupo de Camden Town desarrollaron un estilo inglés de impresionismo y postimpresionismo con una fuerte vertiente de documental social, incluyendo a Harold Gilman , Spencer Frederick Gore , Charles Ginner , Robert Bevan , Malcolm Drummond y Lucien Pissarro (el hijo del pintor impresionista francés Camille Pissarro ). [77] Si bien su colorido es a menudo notoriamente monótono, los coloristas escoceses de hecho usaron principalmente luz y color brillantes; algunos, como Samuel Peploe y John Duncan Fergusson , vivían en Francia para encontrar temas adecuados. [78] Inicialmente se inspiraron en Sir William McTaggart (1835-1910), un pintor paisajista escocés asociado con el impresionismo.
La reacción a los horrores de la Primera Guerra Mundial impulsó un retorno a los temas pastorales representados por Paul Nash y Eric Ravilious , principalmente un grabador. Stanley Spencer pintó obras místicas, así como paisajes, y el escultor, grabador y tipógrafo Eric Gill produjo formas simples y elegantes en un estilo relacionado con el art déco . La Escuela de Euston Road fue un grupo de realistas "progresistas" de finales de la década de 1930, incluido el influyente maestro William Coldstream . El surrealismo , con artistas como John Tunnard y los surrealistas de Birmingham , fue brevemente popular en la década de 1930, influyendo en Roland Penrose y Henry Moore . Stanley William Hayter fue un pintor y grabador británico asociado en la década de 1930 con el surrealismo y desde 1940 en adelante con el expresionismo abstracto . [79] En 1927 Hayter fundó el legendario estudio Atelier 17 en París. Desde su muerte en 1988, se le conoce como Atelier Contrepoint. Hayter se convirtió en uno de los grabadores más influyentes del siglo XX. [80] Entre los retratistas de moda se encontraban Meredith Frampton en un clasicismo Art Decó de rostro duro, Augustus John y Sir Alfred Munnings si había caballos involucrados. Munnings fue presidente de la Royal Academy entre 1944 y 1949 y lideró una hostilidad burlona hacia el modernismo. Entre los fotógrafos de la época se encuentran Bill Brandt , Angus McBean y el diarista Cecil Beaton .
Henry Moore emergió después de la Segunda Guerra Mundial como el principal escultor británico, promovido junto a Victor Pasmore , William Scott y Barbara Hepworth por el Festival de Gran Bretaña . La "Escuela de Londres" de pintores figurativos que incluyen a Francis Bacon , Lucian Freud , Frank Auerbach , Leon Kossoff y Michael Andrews ha recibido un amplio reconocimiento internacional, [81] mientras que otros pintores como John Minton y John Craxton son caracterizados como neorrománticos . Graham Sutherland , el paisajista romántico John Piper (un litógrafo prolífico y popular), la escultora Elisabeth Frink y los paisajes urbanos industriales de LS Lowry también contribuyeron a la fuerte presencia figurativa en el arte británico de posguerra.
Según William Grimes de The New York Times "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como La joven del perro blanco (1951-52), Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura europea tradicional al servicio de un estilo de retrato antirromántico y confrontativo que desnudaba la fachada social del retratado. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la inspección despiadada del artista". [82] En 1952, en la 26ª Bienal de Venecia, un grupo de jóvenes escultores británicos, entre ellos Kenneth Armitage , Reg Butler , Lynn Chadwick , William Turnbull y Eduardo Paolozzi , exhibieron obras que demostraban un expresionismo antimonumental. [83] El pintor escocés Alan Davie creó una gran cantidad de pinturas abstractas durante la década de 1950 que sintetizan y reflejan su interés por la mitología y el zen. [84] El arte abstracto se hizo prominente durante la década de 1950 con Ben Nicholson , Terry Frost , Peter Lanyon y Patrick Heron , quienes formaban parte de la escuela St Ives en Cornwall. [85] En 1958, junto con Kenneth Armitage y William Hayter, William Scott fue elegido por el British Council para el Pabellón Británico en la XXIX Bienal de Venecia.
En la década de 1950, se formó el Independent Group con sede en Londres ; del cual surgió el arte pop en 1956 con la exposición en el Instituto de Arte Contemporáneo This Is Tomorrow , como una reacción británica al expresionismo abstracto . [86] El International Group fue el tema de una conferencia internacional de dos días en la Tate Britain en marzo de 2007. El Independent Group es considerado el precursor del movimiento Pop Art en Gran Bretaña y Estados Unidos. [86] [87] La muestra This is Tomorrow contó con la participación de los artistas escoceses Eduardo Paolozzi , Richard Hamilton y el artista John McHale , entre otros, y el grupo también incluyó al influyente crítico de arte Lawrence Alloway . [88]
En la década de 1960, Sir Anthony Caro se convirtió en una figura destacada de la escultura británica [89] junto con una generación más joven de artistas abstractos, entre ellos Isaac Witkin , [90] Phillip King y William G. Tucker . [91] John Hoyland , [92] Howard Hodgkin , John Walker , Ian Stephenson , [93] [94] Robyn Denny , John Plumb [95] y William Tillyer [96] fueron pintores británicos que surgieron en esa época y que reflejaban el nuevo estilo internacional de la pintura Color Field . [97] Durante la década de 1960, otro grupo de artistas británicos ofreció una alternativa radical a la creación artística más convencional e incluyeron a Bruce McLean , Barry Flanagan , Richard Long y Gilbert y George . Los pintores británicos de pop art David Hockney , Patrick Caulfield , Derek Boshier , Peter Phillips , Peter Blake (mejor conocido por la portada de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ), Gerald Laing y el escultor Allen Jones formaron parte de la escena artística de los años sesenta, al igual que el pintor estadounidense radicado en Gran Bretaña RB Kitaj . El fotorrealismo en manos de Malcolm Morley (que recibió el primer Premio Turner en 1984) surgió en la década de 1960, así como el op-art de Bridget Riley . [98] Michael Craig-Martin fue un profesor influyente de algunos de los Young British Artists y es conocido por el trabajo conceptual An Oak Tree (1973). [99]
Se ha dicho que el arte británico contemporáneo posmoderno , en particular el de los Jóvenes Artistas Británicos , se caracteriza por "una preocupación fundamental por la cultura material... percibida como una ansiedad cultural postimperial". [101] El Premio Turner anual , fundado en 1984 y organizado por la Tate, se ha desarrollado como una muestra muy publicitada del arte británico contemporáneo. Entre los beneficiarios se encuentran varios miembros del movimiento de Jóvenes Artistas Británicos (YBA), que incluye a Damien Hirst , Rachel Whiteread y Tracey Emin , que saltaron a la fama después de la exposición Freeze de 1988, con el respaldo de Charles Saatchi y alcanzaron reconocimiento internacional con su versión del arte conceptual . A menudo presentaba instalaciones , en particular la vitrina de Hirst que contenía un tiburón preservado . La galería Tate y, finalmente, la Royal Academy también les dieron exposición. La influencia del generoso y amplio mecenazgo de Saatchi se convertiría en motivo de cierta controversia, al igual que la de Jay Jopling , el galerista londinense más influyente. [ cita requerida ]
La exposición Sensation de obras de la Colección Saatchi fue polémica tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos, aunque de diferentes maneras. En la Royal Academy, la polémica generada por la prensa se centró en Myra , una imagen muy grande de la asesina Myra Hindley realizada por Marcus Harvey , pero cuando la muestra viajó a la ciudad de Nueva York, donde se inauguró en el Museo de Brooklyn a finales de 1999, se encontró con una intensa protesta por La Santísima Virgen María de Chris Ofili , que no había provocado esta reacción en Londres. Si bien la prensa informó que la pieza estaba manchada con excremento de elefante, la obra de Ofili mostraba de hecho una Virgen negra cuidadosamente representada y decorada con un trozo de excremento de elefante cubierto de resina. La figura también está rodeada de pequeñas imágenes de collage de genitales femeninos de revistas pornográficas; estas parecían, desde la distancia, ser los tradicionales querubines . Entre otras críticas, el alcalde de Nueva York, Rudolph Giuliani , que había visto la obra en el catálogo pero no en la muestra, la calificó de "cosa enfermiza" y amenazó con retirar la subvención anual de 7 millones de dólares del Ayuntamiento al Museo de Brooklyn que alberga la muestra, porque "no tienes derecho a un subsidio gubernamental para profanar la religión de otra persona". [102]
En 1999, el grupo de pintura figurativa Stuckists , que incluye a Billy Childish y Charles Thomson, fue fundado como una reacción a los YBAs. [103] En 2004, la Walker Art Gallery organizó The Stuckists Punk Victorian , la primera exposición en un museo nacional del movimiento artístico Stuckist . [104] La Federación de Artistas Británicos organiza muestras de pintura figurativa tradicional. [105] Jack Vettriano y Beryl Cook tienen una gran popularidad, pero no reconocimiento del establishment. [106] [107] [108] Banksy se ganó una reputación con el grafiti callejero y ahora es un artista mainstream muy valorado. [109]
Antony Gormley produce esculturas, principalmente en metal y basadas en la figura humana, que incluyen el Ángel del Norte de 20 metros (66 pies) de altura cerca de Gateshead , una de las primeras de una serie de esculturas públicas de gran tamaño producidas en la década de 2000, Another Place y Event Horizon . El escultor nacido en la India Anish Kapoor tiene obras públicas en todo el mundo, incluyendo Cloud Gate en Chicago y Sky Mirror en varios lugares; como gran parte de su trabajo, estos utilizan superficies de acero curvas similares a espejos. Las esculturas ambientales del artista terrestre británico Andy Goldsworthy se han creado en muchos lugares del mundo. Usando materiales naturales encontrados, a menudo son muy efímeras y se registran en fotografías de las cuales se han publicado varias colecciones en forma de libro. [110] Grayson Perry trabaja en varios medios, incluida la cerámica. Mientras que los principales grabadores incluyen a Norman Ackroyd , Elizabeth Blackadder , Barbara Rae y Richard Spare .
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![Paul Nash, El saliente de Ypres de noche, 1917-18, pintó algunas de las imágenes más impactantes de la Primera Guerra Mundial realizadas por un artista inglés.[100]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/5b/The_Ypres_Salient_at_Night_Art.IWMART1145.jpg/1280px-The_Ypres_Salient_at_Night_Art.IWMART1145.jpg)
