Música modernista

Intentó enaltecer la vida contemporánea, esto por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento.

Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de acordes ambiguos, inflexiones armónicas menos probables, y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal.

Las conexiones entre las armonías eran inciertas, las relaciones y sus consecuencias se volvieron tan tenues que apenas funcionaban en absoluto.

A principios del siglo XX compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinski y Edgar Varèse, escribieron música que se ha descrito, total o parcialmente, como atonal.

Combinaron frecuentemente música popular con aglutinación o politonalidad, extremas disonancias, y una complejidad rítmica en apariencia inejecutable.

Charles Seeger enunció el concepto de contrapunto disonante, una técnica usada por Carl Ruggles, Ruth Crawford-Seeger, y otros.

Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo.

En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.

El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”.

Sus primeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío, influenciado por Richard Wagner y Gustav Mahler, pero luego abandonó el sistema de composición tonal para escribir música atonal.

La relación interna se establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas.

El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de partida para componer música.

Entre sus estudiantes se encuentran músicos neoclásicos como Elliott Carter (en su primer época), Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla y Virgil Thomson.

El neoclasicismo ganó gran aceptación de la audiencia con rapidez, y fue internalizado por aquellos opositores al atonalismo como la verdadera música moderna.

Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios electrónicos para producir sonidos.

Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos compositores simplemente incorporaron instrumentos electrónicos dentro de piezas relativamente convencionales.

Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones.

Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudor crearon e interpretaron música electrónica en vivo, a menudo diseñando sus propios instrumentos o usando cintas.

Entre los compositores más trascendentales que incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa.

Tales rasgos improvisadores pueden fijarse en la creación del autor o en el desarrollo de la propia interpretación.

Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus más significativas representaciones en las creaciones del estadounidense John Cage con Music of Changes (1951) o 4′33″ (probablemente la obra más radical del siglo XX, famosa por consistir en la indicación de no tocar por 4 minutos y 33 segundos).

Conocido también por la invención del piano preparado, compuso varias obras entre las que destaca Sonatas e interludios.

Compositores como Arvo Pärt, John Tavener y Henryk Górecki, cuya Sinfonía nº 3 fue el álbum culto más vendido en los años noventa, encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de profundo sentido religioso.

La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados minimalistas por algunos, pero sí por otros.

Sin embargo compositores estadounidenses negros más vinculados al jazz también incursionaron en obras que estaban en un límite poco claro entre ambas músicas.

Compositores tales como Will Marion Cook, Scott Joplin y Duke Ellington tuvieron una influencia indiscutida en la música culta de Estados Unidos.

A tal fin, Schuller fundó un "Third Stream Department", en el Conservatorio de Nueva Inglaterra.

Kazan también se acercó a Leonard Bernstein para musicalizar La ley del silencio (On the Waterfront) (1954) y el resultado fue una reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Ígor Stravinski, con sus "jazz basados en armonías y emocionantes ritmos aditivos"[cita requerida].

Un año después, Leonard Rosenman, inspirado por Arnold Schönberg, experimentó con la atonalidad en sus calificaciones de Al Este del Edén (1955) y Rebelde sin causa (1955).

En sus diez años de colaboración con Alfred Hitchcock, Bernard Herrmann experimentó con ideas en Vértigo (1958), Psicosis (1960) y Los pájaros (1963).