En el área geográfica que hoy se conoce como México se desarrollaron diversos tipos de artes visuales . El desarrollo de estas artes sigue a grandes rasgos la historia de México , dividida en la era mesoamericana prehispánica, el período colonial , con el período posterior a la Guerra de Independencia de México , el desarrollo de la identidad nacional mexicana a través del arte en el siglo XIX y el florecimiento de la cultura mexicana moderna. Arte posterior a la Revolución Mexicana (1910-1920).
El arte mesoamericano es aquel producido en un área que abarca gran parte de lo que hoy es el centro y sur de México, antes de la conquista española del Imperio Azteca por un período de aproximadamente 3,000 años. El arte mexicano puede ser brillante y colorido, a esto se le llama encopendado. Durante esta época, todas las influencias en la producción artística eran indígenas, y el arte estaba fuertemente ligado a la religión y la clase dominante. Había poca o ninguna distinción real entre arte, arquitectura y escritura. La conquista española condujo a 300 años de dominio colonial español, y la producción artística permaneció ligada a la religión; la mayor parte del arte se asoció con la construcción y decoración de iglesias, pero el arte secular se expandió en el siglo XVIII, particularmente las pinturas de castas , los retratos y la pintura histórica. . Casi todo el arte producido estaba en la tradición europea, con artistas de la época colonial tardía formados en la Academia de San Carlos , pero los elementos indígenas permanecieron, comenzando un acto de equilibrio continuo entre las tradiciones europea e indígena. [1]
Después de la Independencia, el arte siguió teniendo un estilo predominantemente europeo, pero aparecieron temas indígenas en obras importantes a medida que el México liberal buscaba distinguirse de su pasado colonial español. Esta preferencia por elementos indígenas continuó en la primera mitad del siglo XX, con el Realismo Social o movimiento muralista mexicano liderado por artistas como Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco y Fernando Leal , quienes fueron encargados por el post- Gobierno de la Revolución Mexicana para crear una narrativa visual de la historia y la cultura mexicanas.
La fuerza de este movimiento artístico fue tal que afectó a tecnologías recién inventadas, como la fotografía fija y el cine, y promovió fuertemente las artes y artesanías populares como parte de la identidad de México. Desde la década de 1950, el arte mexicano se ha alejado del estilo muralista y se ha globalizado más, integrando elementos de Asia, y los artistas y cineastas mexicanos han tenido un efecto en el escenario global.
Se cree que el arte rupestre más antiguo del continente americano, de 7500 años de antigüedad, se encuentra en una cueva de la península de Baja California. [2]
El arte prehispánico de México pertenece a una región cultural conocida como Mesoamérica , que corresponde aproximadamente desde el centro de México hasta Centroamérica , [3] abarcando tres mil años desde 1500 a.C. hasta 1500 d.C. divididos generalmente en tres épocas: Preclásico, Clásico. y Postclásico. [4] La primera cultura mesoamericana dominante fue la de los olmecas , que alcanzó su punto máximo alrededor del 1200 a. C. Los olmecas originaron gran parte de lo asociado con Mesoamérica, como la escritura jeroglífica , el calendario , los primeros avances en astronomía, la escultura monumental ( cabezas olmecas ) y el trabajo en jade . [5]
Fueron precursores de culturas posteriores como la teotihuacana , al norte de la Ciudad de México, los zapotecas en Oaxaca y los mayas en el sur de México, Belice y Guatemala . Si bien los imperios surgieron y cayeron, los fundamentos culturales básicos de Mesoamérica permanecieron iguales hasta la conquista española del Imperio Azteca . [5] Estos incluían ciudades centradas en plazas, templos generalmente construidos sobre bases piramidales, juegos de pelota mesoamericanos y una cosmología mayoritariamente común. [3]
Si bien las formas de arte como las pinturas rupestres y los grabados rupestres datan de antes, la historia conocida del arte mexicano comienza con el arte mesoamericano creado por culturas sedentarias que construyeron ciudades y, a menudo, dominios. [4] [5] Si bien el arte de Mesoamérica es más variado y se extiende por más tiempo que en cualquier otro lugar de América, los estilos artísticos muestran una serie de similitudes. [6] [7]
A diferencia del arte occidental moderno, casi todo el arte mesoamericano fue creado para satisfacer necesidades religiosas o políticas, más que arte por el arte. Se basa fuertemente en la naturaleza, la realidad política circundante y los dioses. [8] Octavio Paz afirma que "el arte mesoamericano es una lógica de formas, líneas y volúmenes que es al mismo tiempo una cosmología". Continúa afirmando que este enfoque en el espacio y el tiempo es muy distinto del naturalismo europeo basado en la representación del cuerpo humano. Incluso diseños simples como las grecas escalonadas de los edificios entran en esta representación del espacio y el tiempo, de la vida y de los dioses. [9]
El arte se expresó en una variedad de medios como la cerámica, el papel amate y la arquitectura. [7] La mayor parte de lo que se conoce del arte mesoamericano proviene de obras que abarcan edificios de piedra y cerámica, en su mayoría pinturas y relieves. [6] La cerámica data de principios del período mesoamericano. Probablemente comenzaron como vasijas de cocina y almacenamiento, pero luego se adaptaron a usos rituales y decorativos. La cerámica se decoraba mediante modelado, rayado, pintura y diferentes métodos de cocción. [8]
Las primeras producciones puramente artísticas conocidas fueron pequeñas figuras de cerámica que aparecieron en el área de Tehuacán alrededor del año 1500 a. C. y se extendieron a Veracruz , el Valle de México , Guerrero , Oaxaca , Chiapas y la costa del Pacífico de Guatemala. [4] Las primeras son en su mayoría figuras femeninas, probablemente asociadas con ritos de fertilidad debido a sus caderas y muslos a menudo de gran tamaño, así como algunas con bebés en brazos o amamantando. Cuando aparecen figuras masculinas, suelen ser soldados. [10] La producción de estas figuras de cerámica, que luego incluirían animales y otras formas, siguió siendo una forma de arte importante durante 2000 años. A principios del período olmeca, la mayoría eran pequeñas, pero se produjeron esculturas de cerámica a gran escala, de hasta 55 cm. [11] [12]
Después del Preclásico medio, la escultura cerámica decayó en el centro de México excepto en la región de Chupícuaro . En las zonas mayas, el arte desaparece en el Preclásico tardío, para reaparecer en el Clásico, mayoritariamente en forma de silbatos y otros instrumentos musicales. En algunas áreas, como partes de Veracruz, la creación de figuras de cerámica continuó ininterrumpidamente hasta la conquista española, pero como artesanía, no como arte formal. [13]
La pintura mesoamericana se encuentra en diversas expresiones, desde murales, hasta la creación de códices y la pintura de objetos cerámicos. La evidencia de pintura se remonta al menos al 1800 a. C. y continúa ininterrumpidamente de una forma u otra hasta la llegada de los españoles en el siglo XVI. [14] Aunque pudo haber ocurrido antes, los primeros casos conocidos de pintura artística de edificios monumentales ocurren en el período Clásico temprano con los mayas en Uaxactún y Tikal , y en Teotihuacán con paredes pintadas en varios colores. [4]
Las pinturas se elaboraban a partir de pigmentos y bases animales, vegetales y minerales. [15] La mayoría de las pinturas se centran en una o más figuras humanas, que pueden ser realistas o estilizadas, masculinas, femeninas o asexuales. Pueden estar desnudos o ricamente ataviados, pero el estatus social de cada figura está indicado de alguna manera. Las escenas suelen representar la guerra, los sacrificios, los roles de los dioses o los actos de los nobles. Sin embargo, también se han encontrado algunas escenas comunes con gente común. [16] Otros temas incluían dioses, símbolos y animales. [15] La pintura mesoamericana era bidimensional sin esfuerzos por crear la ilusión de profundidad. Sin embargo, a menudo se representa movimiento. [17]
La escultura no cerámica en Mesoamérica comenzó con la modificación de huesos de animales, siendo la pieza más antigua conocida un cráneo de animal de Tequixquiac que data entre 10.000 y 8.000 a.C. [10] La mayor parte de la escultura mesoamericana es de piedra; Si bien los trabajos de relieve en los edificios son los más dominantes, también se realizaron esculturas independientes. La escultura de piedra tridimensional independiente comenzó con los olmecas, siendo el ejemplo más famoso las gigantescas cabezas de piedra olmecas . Este desapareció por el resto del período mesoamericano en favor de trabajos de socorro hasta el posclásico tardío con los aztecas . [18]
La mayor parte de la mampostería durante el período mesoamericano está asociada con la arquitectura monumental que, junto con la pintura mural, se consideraba una parte integral de la arquitectura en lugar de una parte separada. [19] La arquitectura monumental comenzó con los olmecas en el sur de Veracruz y la zona costera de Tabasco en lugares como San Lorenzo; Todavía se pueden ver grandes templos sobre bases piramidales en sitios como Montenegro, Chiapa de Corzo y La Venta . Esta práctica se extendió a la zona de Oaxaca y el Valle de México , apareciendo en ciudades como Monte Albán , Cuicuilco y Teotihuacán . [4] [20]
Estas ciudades tenían un núcleo de una o más plazas, con templos, palacios y juegos de pelota mesoamericanos . La alineación de estas estructuras se basó en los puntos cardinales y la astronomía con fines ceremoniales, como enfocar los rayos del sol durante el equinoccio de primavera sobre una imagen esculpida o pintada. Esto generalmente estaba ligado a los sistemas de calendario. [21] Se crearon esculturas en relieve y/o pinturas a medida que se construían las estructuras. Para el último Preclásico, casi todas las estructuras monumentales de Mesoamérica tenían extensos trabajos de relieve. Algunos de los mejores ejemplos de esto son Monte Albán, Teotihuacán y Tula . [22]
Los relieves prehispánicos son en general de diseño lineal y se pueden encontrar relieves bajos, medios y altos. Si bien esta técnica suele ser la preferida para escenas narrativas en otras partes del mundo, los relieves mesoamericanos tienden a centrarse en una sola figura. La única vez que se utilizan los relieves en el sentido narrativo es cuando se colocan juntas varias estelas en relieve. Los mejores trabajos de socorro son los de los mayas, especialmente de Yaxchilán . [23]
La escritura y el arte no eran distintos como lo han sido para las culturas europeas. La escritura se consideraba arte y el arte a menudo se recubría con la escritura. [9] La razón de esto es que ambos buscaban registrar la historia y la interpretación de la realidad por parte de la cultura. (salvatvolp14) Los manuscritos se escribían en papel u otros materiales similares a libros y luego se agrupaban en códices . [24] El arte de leer y escribir estaba estrictamente asignado a las clases más altas de sacerdotes, ya que esta habilidad era una fuente de su poder sobre la sociedad. [14] [17]
Los pictogramas o glifos de este sistema de escritura eran más formales y rígidos que las imágenes encontradas en murales y otras formas de arte, ya que se consideraban principalmente simbólicos y representaban fórmulas relacionadas con eventos astronómicos, genealogía y eventos históricos. [17] La mayoría de los códices prehispánicos supervivientes provienen del período mesoamericano tardío y del período colonial temprano, ya que muchos de ellos escaparon de la destrucción a lo largo de la historia. Por esta razón, se sabe más sobre el Imperio Azteca que sobre las culturas mayas. [15] [24] Los códices aztecas importantes incluyen el Grupo Borgia de obras principalmente religiosas, algunas de las cuales probablemente son anteriores a la conquista, el Códice Borbónico , el Códice Mendoza y el Códice florentino tardío , que es de estilo europeo pero ejecutado por Artistas mexicanos, probablemente basándose en material anterior que ahora se ha perdido.
Entre las colecciones museísticas importantes de México se encuentran las del Museo Nacional de Antropología y el Museo Diego Rivera Anahuacalli , ambos en la Ciudad de México , así como las de museos provinciales.
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Desde la conquista española del Imperio Azteca , el arte mexicano ha sido una interacción continua y compleja entre las tradiciones de Europa y las perspectivas nativas. [6]
Construcción de iglesias Después de la conquista, los primeros esfuerzos de los españoles se dirigieron a la evangelización y la tarea relacionada de construir iglesias, que necesitaban mano de obra indígena para la construcción básica, pero los nahuas elaboraron exteriores en piedra y decoraron interiores de las iglesias. A los artesanos indígenas se les enseñaron motivos, diseños y técnicas europeos, pero los primeros trabajos, llamados tequitqui ( en náhuatl , "vasallo"), incluyen elementos como rostros aplanados y relieves muy rígidos. [25] [26] Los frailes españoles que dirigieron la construcción no eran arquitectos ni ingenieros capacitados. Confiaron en canteros y escultores indígenas para construir iglesias y otras estructuras cristianas, a menudo en los mismos lugares que templos y santuarios de la religión tradicional. "Aunque algunos indios se quejaron de la carga que representaba ese trabajo, la mayoría de las comunidades consideraban que una iglesia grande e impresionante era un reflejo de la importancia de su ciudad y se enorgullecían justificadamente de crear un lugar sagrado para el culto divino". [27] El hecho de que tantas iglesias de la época colonial hayan sobrevivido siglos es testimonio de su buena construcción general.
Los primeros monasterios construidos en la Ciudad de México y sus alrededores, como los monasterios en las faldas del Popocatépetl , tenían elementos renacentistas , platerescos , góticos o árabes , o alguna combinación. Estaban relativamente sin decoración, y los esfuerzos de construcción se centraban más en muros altos y elementos de fortaleza para protegerse de los ataques. [28] La construcción de iglesias más elaboradas con grandes cantidades de obras de arte religiosa definiría gran parte de la producción artística del período colonial. La mayor parte de la producción estuvo relacionada con la enseñanza y refuerzo de la doctrina de la Iglesia, al igual que en Europa. El arte religioso sentó las bases de la dominación española sobre los indígenas. Hoy en día, existen estructuras de la época colonial y otras obras en todo el país, con una concentración en las tierras altas centrales alrededor de la Ciudad de México . [29]
El trabajo con plumas era una habilidad muy valorada en el México central prehispánico que continuó hasta principios de la era colonial. Los españoles estaban fascinados por esta forma de arte, y los plumas indígenas ( amanteca ) produjeron imágenes religiosas en este medio, principalmente pequeñas "pinturas", así como vestimentas religiosas. [30] [31]
Escritos indígenas Los indios continuaron produciendo manuscritos escritos a principios de la era colonial, especialmente códices en el área nahua del centro de México. Uno de los primeros manuscritos importantes que se encargó para la corona española fue el Códice Mendoza , que lleva el nombre del primer virrey de México, Don Antonio de Mendoza , que muestra el tributo entregado al gobernante azteca desde cada ciudad, así como descripciones del comportamiento adecuado para el común. gente. Un proyecto mucho más elaborado que utiliza ilustraciones de escribas indígenas es el proyecto que resultó en el Códice Florentino dirigido por el franciscano Bernardino de Sahagún . Otros manuscritos indígenas de la época colonial incluyen el Códice Huexotzinco y el Códice Osuna.
Un tipo importante de manuscrito del período temprano fueron las historias pictóricas y textuales de la conquista española de los aztecas desde el punto de vista indígena. El primer Lienzo de Tlaxcala ilustró las contribuciones que hicieron los aliados tlaxcaltecas de los españoles a la derrota del Imperio Azteca, así como Hernán Cortés y su traductora cultural Doña Marina ( Malinche ).
Pintura La mayoría de los artistas nahuas que producen este arte visual son anónimos. Una excepción es la obra de Juan Gerson, quien ca. 1560 decoró la bóveda de la iglesia franciscana del pueblo nahua de Tecamachalco, (estado de Puebla), con determinadas escenas del Antiguo Testamento. [32]
Si bien el arte colonial mantuvo un estilo casi completamente europeo, con colores apagados y sin indicios de movimiento, continuó la adición de elementos nativos, que comenzaron con el tequitqui . Nunca fueron el centro de las obras, sino motivos decorativos y de relleno, como follajes nativos, piñas, maíz y cacao . [33] Gran parte de esto se puede ver en los portales, así como en los grandes frescos que a menudo decoraban el interior de las iglesias y las paredes de las áreas de los monasterios cerradas al público. [34]
Los primeros artistas coloniales de México nacieron en España y llegaron a México en la mitad de sus carreras. Esto incluía a frailes mendicantes, como Fray Alonso López de Herrera. Posteriormente, la mayoría de los artistas nacieron en México, pero se formaron en técnicas europeas, a menudo a partir de grabados importados. Esta dependencia de las copias importadas significó que las obras mexicanas conservaran estilos después de haber pasado de moda en Europa. [6] En el período colonial, los artistas trabajaban en gremios, no de forma independiente. Cada gremio tenía sus propias reglas, preceptos y mandatos técnicos, lo que no fomentaba la innovación. [35]
Entre las colecciones de museos importantes se incluyen las del Museo Soumaya y el Museo Nacional de San Carlos , ambos en la Ciudad de México.
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La pintura barroca se estableció firmemente en México a mediados del siglo XVII con la obra del español Sebastián López de Arteaga. Su pintura está ejemplificada por el lienzo llamado Tomás el incrédulo de 1643. En esta obra, se muestra al apóstol Tomás insertando su dedo en la herida del costado de Cristo para enfatizar el sufrimiento de Cristo. El título siguiente dice "el Verbo hecho carne" y es un ejemplo del propósito didáctico del Barroco. [34]
Una diferencia entre los pintores mexicanos y sus homólogos europeos es que preferían la franqueza y la claridad realistas a los colores fantásticos, las proporciones alargadas y las relaciones espaciales extremas. El objetivo era crear una escena realista en la que el espectador pudiera imaginarse a sí mismo como parte de ella. Este fue un estilo creado por Caravaggio en Italia, que se hizo popular entre los artistas de Sevilla , de donde procedían muchos inmigrantes que llegaron a la Nueva España. [34] De manera similar, las esculturas barrocas independientes presentan escalas de tamaño natural, tonos de piel realistas y la simulación de prendas con hilos de oro a través de una técnica llamada estofado , la aplicación de pintura sobre pan de oro. [34]
La influencia posterior más importante para los pintores mexicanos y de otros países de América Latina fue la obra del artista flamenco Peter Paul Rubens , conocido a través de copias realizadas a partir de grabados y técnicas de mezzotinta . Sus pinturas fueron copiadas y reelaboradas y se convirtieron en el estándar tanto para el arte religioso como para el secular. [34] Las pinturas barrocas posteriores pasaron de los confines de los retablos a colosales lienzos independientes en los interiores de las iglesias. Uno de los pintores mexicanos más conocidos de este tipo de obras fue Cristóbal de Villalpando . Su obra se puede apreciar en la sacristía de la Catedral de la Ciudad de México, la cual fue realizada entre 1684 y 1686. Estos lienzos fueron pegados directamente a las paredes con marcos arqueados para estabilizarlas, y colocados justo debajo de las bóvedas del techo. Incluso los frescos del siglo XVI no solían ser tan grandes. [34] Otra de las obras de Villalpando es la cúpula de la Catedral de Puebla en 1688. Utilizó las técnicas del pincel de Rubens y la forma de la estructura para crear una composición de nubes con ángeles y santos, de las cuales desciende una paloma para representar al Santo. Espíritu. La luz de las ventanas de la cúpula pretende simbolizar la gracia de Dios. [34] Juan Rodríguez Juárez (1675-1728) y el artista mulato Juan Correa (1646-1716) también fueron pintores destacados de la época barroca. El alumno más famoso de Correa, José de Ibarra (1685-1756), también era mestizo. [ cita necesaria ] Uno de los mejores pintores de México, Miguel Cabrera (1695-1768), probablemente era mestizo. [36]
La Iglesia produjo las obras más importantes del siglo XVII. Entre los pintores importantes estuvieron Baltasar de Echave Ibia y su hijo Baltasar Echave Rioja, también Luis Juárez y su hijo José Juárez, Juan Correa , Cristóbal de Villalpando , Rodrigo de la Piedra, Antonio de Santander, Polo Bernardino, Juan de Villalobos, Juan Salguero y Juan de Herrera. Juan Correa, trabajó desde 1671 hasta 1716 y alcanzó gran prestigio y reputación por la calidad de su diseño y escala de algunas de sus obras. Entre los más conocidos: 'Apocalipsis en la Catedral de México', 'Conversión de Santa María Magdalena', ahora en la 'Pinacoteca Virreinal' y 'Santa Catarina y Adán y Eva expulsados del paraíso', este último ubicado en el Museo Nacional Museo del Virreinato de Tepotzotlán . [37]
El arte religioso colonial fue patrocinado por autoridades de la Iglesia y mecenas privados. Patrocinar la rica ornamentación de las iglesias era una forma de que los ricos ganaran prestigio. [29] En los siglos XVI, XVII y XVIII, la Ciudad de México era una de las más ricas del mundo, principalmente debido a la minería y la agricultura, y podía sustentar una gran escena artística. [38]
A partir del siglo XVII, la Virgen de Guadalupe fue cada vez más un tema para los pintores religiosos. Juan Correa y su taller produjeron muchas de estas imágenes. Cada vez se hacía más hincapié en la fidelidad de la imagen al original, y Correa creó una plantilla de cera para garantizar que cada detalle fuera correcto. Guadalupe se convirtió en el foco del patriotismo criollo, y su intervención fue solicitada en eventos catastróficos y luego representada en arte. [39]
En la Nueva España, como en el resto del Nuevo Mundo , desde el siglo XVII, particularmente durante el siglo XVIII, el retrato pasó a ser parte importante del repertorio artístico. En una sociedad caracterizada por un profundo sentimiento religioso que estaba imbuido, no es de extrañar que muchos retratos reflejaran las virtudes morales y la piedad del modelo. [40]
Si bien la mayor parte del arte encargado fue para iglesias, también se encargaron obras seculares. La pintura de retratos fue conocida relativamente temprano en el período colonial, principalmente de virreyes y arzobispos, así como del conquistador Hernán Cortés . Los retratos de funcionarios reales y eclesiásticos eran una aproximación de la apariencia del modelo y se exhibían en sus entornos oficiales. A menudo incluían sus escudos de armas. En el retrato de Cortés del siglo XVI, el conquistador es retratado con un bastón, una espada y una armadura "que simbolizan el poder político y militar, pero el guante, el casco y el guante desechados revelan que sus actividades bélicas han terminado". [41] Los retratos de virreyes y eclesiásticos a menudo se representaban con ricas vestimentas e instrumentos de escritura, junto con sus escudos de armas que indicaban su genealogía y su alto estatus, así como libros e instrumentos de escritura. En México hay pocos ejemplos de funcionarios reales anteriores al siglo XVIII, tal vez porque el motín de 1696 destruyó la galería de retratos del palacio virreinal. [42]
A partir de finales del siglo XVII, los retratos de las élites locales se convirtieron en un género importante. Especialmente importante es que las mujeres fueron retratadas por primera vez a partir del siglo XVIII. Estas obras siguieron modelos europeos, con símbolos de rango y títulos mostrados sueltos en las partes exteriores o integrados en otro elemento de las pinturas, como cortinas. [34] Las mujeres de élite vestían ricos vestidos bordados y adornados, generalmente de seda y encaje, con joyas y otros adornos. Muchos estaban pintados con abanicos en la mano. A diferencia de sus homólogos masculinos de la sociedad de élite que mostraban su estatus y autoridad, los retratos de mujeres eran imágenes idealizadas de la feminidad con símbolos de feminidad. [43] Un subconjunto de su género eran retratos de monjas cuando profesaban por primera vez, vestidas con ropa elaborada apropiada para el paso solemne que estaban dando al ingresar al convento. Un ejemplo notable es el de José de Alcíbar de Sor (hermana) María Ignacia de la Sangre de Cristo, con corona ceremonial, túnicas bordadas y otros atavíos. El retrato póstumo de Miguel Cabrera de Sor Juana Inés de la Cruz, famosa en su época, en la celda de su convento rodeada de libros, es diferente de la mayoría de los retratos de monjas, pintados del natural o inmediatamente post mortem. También hay varios retratos post mortem de monjas.
Hay un buen número de retratos de grupos familiares con un tema devocional religioso, encargados para mostrar la piedad de la familia, pero también como forma de mostrar la riqueza de la familia. Josep Antonio de Ayala fue un destacado artista, conocido por pintar "La familia del Valle al pie de Nuestra Señora de Loreto " (c. 1769). Este cuadro devocional fue encargado para los hijos de la familia del Valle en memoria de sus padres y es característico de la pintura de este siglo. [44] La Virgen de Loreto ocupa un lugar central en la composición, con las rígidas figuras de los miembros de la familia finamente vestidos. Los hombres visten ropas de moda de la época, y la matriarca de la familia lleva un vestido bordado y de encaje, además de perlas. Las hijas se muestran con el hábito de monjas concepcionistas, con escudos de monjas , pinturas religiosas en el pecho. La pintura está inscrita con información sobre su encargo y los padres, y el hecho de que estuvo colgada en la capilla de la hacienda de la familia. La pintura es una muestra de piedad y riqueza. Hay pinturas grupales con diferentes figuras religiosas centrales. [45]
Dos notables retratistas hermanos de finales del siglo XVII y principios del XVIII son Juan Rodríguez Juárez y Nicolás. Algunos otros pintores destacados de este período son: Cristóbal de Villalpando , Juan Correa , José de Ibarra , Joseph Mora, Francisco Martínez, Miguel Cabrera , Andrés López y Nicolás Enríquez.
En el siglo XVIII, los artistas incluían cada vez más la frase latina pinxit Mexici (pintada en México) en obras destinadas al mercado europeo como señal de orgullo por su tradición artística. [46]
A partir del siglo XVII, los pintores comenzaron a producir lienzos y biombos con temas históricos, incluida la conquista de México y escenas imaginadas de acontecimientos que involucraban a la población nahua de México. [ cita necesaria ] También fue importante una pintura histórica de la destrucción de la misión franciscana de San Sabá por los comanches, de José de Páez .
Las pinturas de sitios de la Ciudad de México aparecieron a partir del siglo XVII, la más famosa es una pintura de Cristóbal de Villalpando de la Plaza Mayor de la Ciudad de México, ca. 1696, que muestra los daños causados al palacio virreinal por el motín del maíz de 1692. También muestra el mercado de Parián, donde se vendían artículos de lujo. El mercado de Parián también fue objeto de al menos otro cuadro.
Otro tipo de género colonial secular son las llamadas pinturas de castas , en referencia a la representación de la jerarquía racial en la Nueva España del siglo XVIII . Algunos probablemente fueron encargados por funcionarios españoles como recuerdos de México. Varios artistas de la época crearon pinturas de casta, entre ellos Miguel Cabrera , José de Ibarra , Juan Patricio Morlete Ruiz , Francisco Clapera y Luis de Mena , pero la mayoría de las pinturas de casta no están firmadas. Ibarra, Morlete y posiblemente Cabrera eran mestizos y nacieron fuera de la Ciudad de México. [47] La única pintura de castas conocida de Mena vincula a la Virgen de Guadalupe y el sistema de castas, así como representaciones de frutas y verduras y escenas de la vida cotidiana en el México de mediados del siglo XVIII. Es uno de los ejemplos más reproducidos de pinturas de castas, uno de los pocos que muestran el sistema de castas en un solo lienzo en lugar de hasta 16 pinturas separadas. Es único al unir el género completamente secular de la pintura de castas con una representación de la Virgen de Guadalupe. [48] La producción de estas pinturas se detuvo después de la conclusión de la Guerra de Independencia de México en 1821 , cuando las categorías raciales legales fueron repudiadas en el México independiente. Hasta el período previo al 500 aniversario del viaje de Colón en 1492, las pinturas de castas tenían poco o ningún interés, incluso para los historiadores del arte, pero los estudiosos comenzaron a estudiarlas sistemáticamente como un género. [49] [50] Un conjunto de pinturas de castas se incluyó en Una descripción del Reino de Nueva España de Pedro Alonso O'Crouley , publicada en traducción en 1972. [51] y luego se incluyeron en el primer catálogo importante de castas. pinturas publicadas en 1989. [52]
Los biombos o biombos se hicieron populares entre las élites en el siglo XVII. Grandes y destinadas a exhibirse en salas públicas y privadas de hogares de élite, tenían una variedad de temas, que iban desde pinturas de eventos históricos, presentaciones alegóricas reales o imaginarias y escenas de la vida cotidiana en México. México fue una encrucijada comercial en el período colonial, donde los productos de Asia y Europa se mezclaban con los de producción local. Esta convergencia es más evidente en las artes decorativas de la Nueva España. [38] Era popular entre las clases altas tener una sala pública principal, llamada salón de estrado , cubierta con alfombras y cojines para que las mujeres se reclinaran al estilo morisco. Se agregaron taburetes y posteriormente sillas y sofás para hombres. A partir del siglo XVII, cuando el galeón de Manila navegaba regularmente desde Filipinas hasta el puerto de Acapulco en el Pacífico , los biombos o biombos (del japonés byo-bu o "protección contra el viento") se encontraban entre los artículos de lujo traídos de Asia. Se sabe que fueron traídos hacia 1610 y posteriormente producidos por artistas y artesanos mexicanos en los siglos XVII y XVIII. Eran élites mexicanas de moda al más alto nivel y algunos fueron enviados a Europa. La mayoría parece haber sido producida localmente en México.
Juan Correa produjo varios a finales del siglo XVII, uno de la reunión de 1519 entre Hernán Cortés y Moctezuma , que podría haber representado eventos más actuales de una danza tradicional india ( mitote ) realizada en la fiesta del Corpus Christi, que simboliza la sumisión indígena al dominio español y Cristiandad. Cortés es presentado como "un héroe tanto secular como religioso", mientras que Moctezuma en una litera ceremonial tiene "los adornos de un emperador romano", que representa una reunión de iguales. [53] Otro era alegórico, titulado Los cuatro continentes (ca. 1683), que mostraba a Europa, América, Asia y África con Europa y Asia en el centro, y América y África en cada extremo. [54] [55] Los primeros biombos fabricados en México tenían diseños orientales, pero los posteriores tenían temas europeos y mexicanos. Un ejemplo de esto es una pantalla de un artista anónimo con la conquista de México por un lado y una vista aérea de las calles y edificios del centro de la Ciudad de México, pero sin personas, por el otro, ahora en el Museo Franz Mayer . [38] Otra es una escena local de una boda india, con voladores suspendidos por cuerdas en sus pies.
La última institución artística de la época colonial establecida fue la Academia de San Carlos en 1783. [56] Si bien la representación de santos consumió la mayoría de los esfuerzos artísticos, no estuvo exenta de efectos políticos. El más importante de ellos fue el surgimiento del culto a la Virgen de Guadalupe como una santa estadounidense más que europea, representativa de una identidad distinta. [57]
La Corona impulsó el establecimiento en México del estilo neoclásico de arte y arquitectura, que se había popularizado en España. Este estilo fue una reinterpretación de referencias grecorromanas y su uso fue una forma de reforzar el dominio europeo en las colonias españolas. Un artista neoclásico de la Academia de finales del período colonial fue Manuel Tolsá . Primero enseñó escultura en la Academia de San Carlos y luego fue su segundo director. Tolsá diseñó varios edificios neoclásicos en México, pero su obra más conocida es una estatua ecuestre del rey Carlos IV en bronce fundido en 1803 y originalmente colocada en el Zócalo . A partir de 2011 se puede ver en el Museo Nacional de Arte . [56]
A finales del siglo XVIII, las colonias españolas se estaban independizando culturalmente de España, incluidas sus artes. La Academia fue creada por la Corona española para recuperar el control de la expresión artística y los mensajes que difundía. Esta escuela contó con artistas españoles en cada una de las principales disciplinas, siendo el primer director Antonio Gil. [56] La escuela se convirtió en el hogar de una serie de moldes de yeso de estatuas clásicas de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en España, traídos allí con fines didácticos. Estos moldes se encuentran en exhibición en el patio central de la Academia. [58] La Academia de San Carlos sobrevivió hasta el México posterior a la independencia.
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Los artistas de la época de la independencia de México (1810-1821) produjeron obras que mostraban a los héroes de la insurgencia. Un retrato del clérigo secular José María Morelos con su uniforme militar fue pintado por un artista desconocido, tradicionalmente considerado indígena. [59] El retrato es típico de los de finales del siglo XVIII, con elementos de encuadre, un título formal y nuevos elementos que constituyen la iconografía del nacionalismo mexicano emergente, incluido el águila sobre el nopal, que se convirtió en la imagen central del nacionalismo mexicano. bandera. [60] Morelos fue objeto de una estatua encargada, con Pedro Patiño Ixtolinque , quien se formó en la Academia de San Carlos y siguió siendo un importante escultor durante la era de la independencia. [61]
La Academia de San Carlos siguió siendo el centro de la pintura académica y la institución artística más prestigiosa de México hasta la Guerra de Independencia de México , durante la cual estuvo cerrada. [62] A pesar de su asociación con la Corona española y la tradición de la pintura europea, la Academia fue reabierta por el nuevo gobierno después de que México obtuvo la independencia total en 1821. Sus antiguos profesores y estudiantes españoles murieron durante la guerra o regresaron a España, pero cuando Reabierto, atrajo a los mejores estudiantes de arte del país y continuó enfatizando las tradiciones clásicas europeas hasta principios del siglo XX. [62] [63] La academia pasó a llamarse Academia Nacional de San Carlos. El nuevo gobierno siguió favoreciendo el neoclásico ya que consideraba el barroco un símbolo del colonialismo. El estilo neoclásico continuó vigente durante el reinado de Maximiliano I , aunque el presidente Benito Juárez lo apoyó sólo a regañadientes, considerando su enfoque europeo como un vestigio del colonialismo. [58]
A pesar de la asociación del neoclasicismo con la dominación europea, siguió siendo favorecido por el gobierno mexicano después de la Independencia y fue utilizado en importantes comisiones gubernamentales a finales de siglo. Sin embargo, los temas indígenas aparecieron en pinturas y esculturas. Una figura indígena representada en estilo neoclásico es Tlahuicole , realizada por el artista catalán Manuel Vilar en 1851.
Hubo dos razones para este cambio en el tema preferido. La primera fue que la sociedad mexicana denigraba la cultura colonial: el pasado indígena era visto como más verdaderamente mexicano. [38] El otro factor fue un movimiento mundial entre artistas para confrontar a la sociedad, que comenzó alrededor de 1830. En México, este sentimiento antisistema estaba dirigido a la Academia de San Carlos y su enfoque europeo. [64]
En la primera mitad del siglo XIX, el estilo romántico de pintura fue introducido en México y el resto de América Latina por viajeros extranjeros interesados en el país recién independizado. Uno de ellos fue el artista bávaro Johann Moritz Rugendas , quien vivió en el país de 1831 a 1834. Pintó escenas con composición dinámica y colores brillantes de acuerdo con el estilo romántico, buscando imágenes impactantes, sublimes y hermosas en México y otros países. zonas de América Latina. Sin embargo, gran parte de las obras de Rugendas son bocetos de lienzos importantes, muchos de los cuales nunca fueron ejecutados. Otros incluyen al inglés Daniel Egerton , que pintó paisajes en la tradición romántica británica, y al alemán Carl Nebel , que creó principalmente litografías de las diversas poblaciones sociales y étnicas del país. [sesenta y cinco]
Varios artistas nativos de la época siguieron a los pintores románticos europeos en su deseo de documentar las diversas culturas de México. Estos pintores fueron llamados costumbristas , palabra que deriva de costumbre . Los estilos de estos pintores no siempre fueron estrictamente románticos, involucrando también otros estilos. La mayoría de estos pintores pertenecían a las clases altas y se educaron en Europa. Mientras que los pintores europeos consideraban que los temas eran exóticos, los costumbristas tenían un sentido más nacionalista de sus países de origen. Uno de estos pintores fue el poblano Agustín Arrieta , quien aplicó técnicas realistas a escenas de su ciudad natal, capturando sus azulejos y cerámicas de colores brillantes. Sus escenas a menudo involucraban la vida cotidiana, como mujeres trabajando en la cocina, y representaban a vendedores negros y afromexicanos. [66]
A mediados y finales del siglo XIX, las academias latinoamericanas comenzaron a alejarse del neoclasicismo severo hacia el " realismo académico ". Las representaciones idealizadas y simplificadas se volvieron más realistas, con énfasis en los detalles. Las escenas de este estilo solían ser retratos de las clases altas, escenas bíblicas y batallas, especialmente aquellas del período de la Independencia. Cuando la Academia de San Carlos fue reabierta después de un breve cierre en 1843, su nueva facultad española e italiana impulsó este estilo realista. A pesar del apoyo gubernamental y los temas nacionalistas, los artistas nativos generalmente se vieron favorecidos por los europeos. [67]
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Uno de los pintores más importantes de México a mediados del siglo XIX fue el catalán Pelegrí Clavé , quien pintó paisajes pero fue mejor conocido por sus representaciones de la élite intelectual de la Ciudad de México. Los pintores realistas también intentaron retratar la cultura y el pueblo aztecas representando entornos habitados por pueblos indígenas, utilizando modelos y trajes indígenas vivos basados en los de los códices de la época de la Conquista. Uno de ellos fue Félix Parra , cuyas representaciones de la conquista empatizaron con el sufrimiento de los indígenas. En 1869, José Obregón pintó El descubrimiento del Pulque ; basó sus representaciones de la arquitectura en códices mixtecos , pero tergiversó los templos como escenarios para un trono. [67]
Se considera que el arte del siglo XIX posterior a la Independencia ha decaído, especialmente a finales del siglo XIX y principios del XX, durante el régimen de Porfirio Díaz (1876-1911). Aunque durante esta época, la pintura, la escultura y las artes decorativas a menudo se limitaban a la imitación de estilos europeos, [68] el surgimiento de artistas jóvenes, como Diego Rivera y Saturnino Herrán , aumentó el enfoque en obras de temática mexicana. Esto significó que después de la fase militar de la Revolución Mexicana en la década de 1920, los artistas mexicanos lograron grandes avances y forjaron un nacionalismo artístico sólido.
En este siglo existen ejemplos de murales de estilo folclórico creados entre 1855 y 1867 en La Barca, Jalisco. [69]
Destacados en este momento: Pelegrín Clavé, Juan Cordero , Felipe Santiago Gutiérrez y José Agustín Arrieta. En México, en 1846 fue contratado para dirigir la reapertura de Pelegrín Clavé de la Academia de San Carlos, organismo desde el que impulsó los temas históricos y paisajísticos con una visión proeuropea. [70]
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En la segunda mitad del siglo XIX se erigieron monumentos a hechos históricos en muchas ciudades mexicanas, muy especialmente en la capital. Uno de los primeros fue un monumento a Cristóbal Colón , en el amplio Paseo de la Reforma , encargado por Antonio Escandón, quien hizo una fortuna construyendo el ferrocarril Ciudad de México-Veracruz. Escandón "decidió conmemorar la época del ferrocarril en México con un monumento a un hecho igualmente trascendental, el Descubrimiento del Nuevo Mundo". [71] Durante el Porfiriato (1876-1910), el Paseo de la Reforma se convirtió en un lugar clave para exhibir estatuas de héroes mexicanos, teniendo las glorietas un lugar de honor particular. [72] En 1887, Porfirio Díaz encargó la estatua del último emperador azteca, Cuauhtémoc , que puede verse en el Paseo de la Reforma . Cuauhtémoc es representado con una capa parecida a una toga con un tocado de plumas similar a un guerrero etrusco o troyano en lugar de un emperador azteca. La base tiene elementos que recuerdan a Mitla y la arquitectura romana. Esta base contiene placas de bronce que representan escenas de la conquista española, pero centrándose en las figuras indígenas. [63] En 1884 se erigió un modesto obelisco que conmemora a los Niños Héroes , cadetes que murieron defendiendo su puesto durante la toma estadounidense de la Ciudad de México durante la Guerra México-Estadounidense (1847). A mediados del siglo XX se construyó uno mucho más grande. en la entrada al Parque Chapultepec. Posiblemente el monumento más famoso de la época es el Monumento a la Independencia , a menudo llamado "el Ángel de la independencia" por su victoria alada. Fue encargado con motivo del centenario de la independencia en 1910 e inaugurado por Porfirio Díaz durante las festividades de septiembre de 1910.
La Academia de San Carlos continuó defendiendo la formación clásica de estilo europeo hasta 1913. En este año, la academia se integró parcialmente con la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Entre 1929 y la década de 1950, el programa de arquitectura de la academia se dividió en un departamento de la universidad; los programas de pintura, escultura y grabado pasaron a llamarse Escuela Nacional de Artes Expresivas, hoy Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Ambos se mudaron al sur de la ciudad a mediados del siglo XX, a Ciudad Universitaria y Xochimilco respectivamente, dejando solo algunos programas de posgrado en bellas artes en el edificio original de la academia en el centro histórico . ENAP sigue siendo uno de los principales centros de formación de artistas de México. [58]
Si bien en el siglo XIX apareció un cambio hacia temas más indígenas y mexicanos, la Revolución Mexicana de 1910 a 1920 tuvo un efecto dramático en el arte mexicano. [58] [62] El conflicto resultó en el surgimiento del Partido Revolucionario Nacional (rebautizado como Partido Revolucionario Institucional ), que llevó al país en una dirección socialista. El gobierno se convirtió en un aliado de muchos de los intelectuales y artistas de la Ciudad de México [33] [38] y encargó murales para edificios públicos para reforzar sus mensajes políticos, incluidos aquellos que enfatizaban temas mexicanos más que europeos. Estos no fueron creados para gustos populares o comerciales; sin embargo, obtuvieron reconocimiento no sólo en México, sino también en Estados Unidos. [73] “Los grandes muralistas mexicanos de la post-revolución desarrollaron, con la pintura mural, el concepto de 'arte público', un arte para ser visto por las masas en los principales edificios públicos de la época, y que no podía comprarse ni venderse. transportarse fácilmente a otros lugares, como ocurre con la pintura de caballete". [74]
Esta producción de arte en conjunto con la propaganda gubernamental se conoce como Escuela Modernista Mexicana o Movimiento Muralista Mexicano, y redefinió el arte en México. [75] Octavio Paz le da crédito a José Vasconcelos por iniciar el movimiento muralista en México al encargar a los pintores más conocidos en 1921 la decoración de las paredes de los edificios públicos. Las comisiones tenían motivaciones políticas: tenían como objetivo glorificar la Revolución Mexicana y redefinir al pueblo mexicano vis-à-vis literalmente "cara a cara (con)" su pasado indígena y español. [76]
Las primeras de estas pinturas encargadas fueron en San Ildefonso realizadas por Fernando Leal, Fermín Revueltas , David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera . El primer fresco verdadero del edificio fue obra de Jean Charlot . Sin embargo, se cometieron errores técnicos en la construcción de estos murales: varios de ellos comenzaron a ampollarse y fueron cubiertos con cera para su conservación. [77] Roberto Montenegro pintó la antigua iglesia y monasterio de San Pedro y San Pablo , pero el mural de la iglesia fue pintado al temple y comenzó a descascararse. En la zona del monasterio, Montenegro pintó la Fiesta de la Santa Cruz, que representa a Vasconcelos como protector de los muralistas. Posteriormente, Vasconcelos fue borrado y se pintó sobre él la figura de una mujer. [78]
El primer protagonista en la producción de murales modernos en México fue el Dr. Atl . El Dr. Atl nació como "Gerard Murillo" en Guadalajara en 1875. Cambió su nombre para identificarse como mexicano. Atl trabajó para promover el arte y la artesanía popular de México . Si bien tuvo cierto éxito como pintor en Guadalajara, sus ideas radicales contra la academia y el gobierno lo llevaron a mudarse a la más liberal Ciudad de México. En 1910, meses antes del inicio de la Revolución Mexicana , Atl pintó el primer mural moderno en México. Enseñó a los principales artistas a seguirlo, incluidos aquellos que llegaron a dominar la pintura mural mexicana. [68]
El movimiento muralista alcanzó su apogeo en la década de 1930 con cuatro protagonistas principales: Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco y Fernando Leal. Es la parte más estudiada de la historia del arte de México. [33] [38] [79] Todos fueron artistas formados en técnicas europeas clásicas y muchas de sus primeras obras son imitaciones de estilos de pinturas europeas entonces de moda, algunas de las cuales se adaptaron a temas mexicanos. [6] [75] La situación política en México entre los años 1920 y 1950 y la influencia del Dr. Atl impulsaron a estos artistas a romper con las tradiciones europeas, utilizando imágenes indígenas audaces, mucho color y representaciones de la actividad humana, especialmente de las masas. , en contraste con el arte solemne y distante de Europa. [33]
Los medios preferidos generalmente excluyeron los lienzos tradicionales y los pórticos de las iglesias y en su lugar fueron las grandes paredes, entonces sin decoración, de los edificios gubernamentales de México. El objetivo principal de muchas de estas pinturas era la glorificación del pasado prehispánico de México como definición de la identidad mexicana. [33] Tuvieron éxito tanto en México como en Estados Unidos, lo que les trajo fama y riqueza, así como estudiantes mexicanos y estadounidenses. [73]
Estos muralistas revivieron la técnica del fresco para sus trabajos murales, aunque Siqueiros pasó a técnicas y materiales industriales como la aplicación de piroxilina , un esmalte comercial utilizado para aviones y automóviles. [33] Uno de los primeros esfuerzos murales de Rivera adornó el patio de la Secretaría de Educación con una serie de tehuanas danzantes (nativos de Tehuantepec en el sur de México). Este proyecto de cuatro años incorporó otros temas indígenas contemporáneos y finalmente abarcó 124 frescos que se extendían por tres pisos de altura y dos cuadras de largo. [33] El Mercado Abelardo Rodríguez fue pintado en 1933 por alumnos de Diego Rivera, uno de los cuales fue Isamu Noguchi . [80]
Otra figura importante de esta época fue Frida Kahlo , esposa de Diego Rivera. Si bien pintó lienzos en lugar de murales, todavía se la considera parte de la Escuela Modernista Mexicana ya que su trabajo enfatizaba la cultura y los colores populares mexicanos. [33] [81] Los autorretratos de Kahlo durante las décadas de 1930 y 1940 contrastaban marcadamente con los lujosos murales que artistas como su marido estaban creando en ese momento. Habiendo sufrido un accidente de autobús que la dejó paralizada en su adolescencia, comenzó a desafiar la obsesión de México por el cuerpo femenino. Sus retratos, deliberadamente pequeños, abordaron una amplia gama de temas que no eran abordados por el mundo del arte dominante en ese momento. Estos incluían la maternidad, la violencia doméstica y el egoísmo masculino.
Sus pinturas nunca tuvieron sujetos que lucieran joyas lujosas o ropa elegante como las que se encuentran en las pinturas muralistas. En cambio, se vestía escasamente y, cuando había accesorios, les daba mucha más importancia. También se representaría a sí misma en escenarios muy surrealistas e inquietantes, como en Las dos Fridas , donde representa dos versiones de sí misma, una con el corazón roto y otra con un corazón sano que infunde sangre "esperanzadora" al corazón roto, o el Hospital Henry Ford, donde se describe a sí misma haciéndose un aborto y la lucha que tuvo en la vida real para aceptarlo.
Aunque era la esposa de Diego Rivera, sus autorretratos permanecieron bastante ocultos a la vista del público hasta mucho después de su fallecimiento en 1954. Su arte ha ganado popularidad y muchos la consideran una de las primeras e influyentes feministas. Artistas del siglo XX. [82]
El primero en romper con el tono nacionalista y político del movimiento muralista fue Rufino Tamayo . Por esta razón fue apreciado por primera vez fuera de México. [83] Tamayo fue contemporáneo de Rivera, Siqueiros y Orozco, y se formó en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Como ellos, exploró la identidad mexicana en su obra posterior a la Revolución Mexicana. Sin embargo, rechazó el realismo social político popularizado por los otros tres artistas y fue rechazado por el nuevo establishment. [84]
Partió hacia Nueva York en 1926 donde el éxito le permitió exponer en su México natal. Su falta de apoyo al gobierno posrevolucionario fue controvertida. Debido a esto permaneció mayormente en Nueva York, continuando con su éxito allí y luego en Europa. Su rivalidad con los tres principales muralistas mexicanos continuó tanto en México como a nivel internacional durante la década de 1950. Incluso un honorífico tardío de "Los Cuartos Grandes" fue controvertido. [84]
A pesar de mantener una escena artística nacional activa, los artistas mexicanos posteriores al período muralista tuvieron dificultades para ingresar al mercado del arte internacional. Una razón de esto es que en América, la Ciudad de México fue reemplazada por Nueva York como centro de la comunidad artística, especialmente en lo que respecta al mecenazgo. [85] Dentro de México, el patrocinio gubernamental del arte en el siglo XX (dominado hasta 2000 por el partido PRI) significó que los temas religiosos y las críticas al gobierno fueran efectivamente censurados. Esto fue en su mayor parte pasivo, y el gobierno otorgaba subvenciones a los artistas que cumplían con sus requisitos. [86] En la década de 1940, Wolfgang Paalen publicó la extremadamente influyente revista DYN en la Ciudad de México, que se centró en un movimiento de transición entre el surrealismo y el expresionismo abstracto. Fumiko Nakashima , una artista japonesa, vive en México y trabaja principalmente en piezas surrealistas en acuarela.
En 1953 se inauguró el Museo Experimental El Eco (en la Ciudad de México); Fue creado por Mathias Goeritz .
El primer gran movimiento después de los muralistas fue el Movimiento de Ruptura , que se inició en las décadas de 1950 y 1960 con pintores como José Luis Cuevas , Gilberto Navarro, Rafael Coronel , Alfredo Casaneda y el escultor Juan Soriano . Rechazaron el realismo social y el nacionalismo e incorporaron el surrealismo, las paradojas visuales y elementos de los estilos de pintura del Viejo Mundo. [81] [87] Esta ruptura significó que los artistas mexicanos posteriores generalmente no fueron influenciados por el muralismo o el arte popular mexicano. [81]
José Luis Cuevas creó autorretratos en los que reconstruyó escenas de cuadros famosos de artistas españoles como Diego Velázquez , Francisco de Goya y Picasso . Como Kahlo antes que él, se dibujó a sí mismo, pero en lugar de estar centrado, su imagen suele estar de lado, como un observador. El objetivo era enfatizar la transformación de la cultura visual recibida. [88]
Otra figura importante durante este período fue el suizo-mexicano Gunther Gerzso , pero su obra era una "variante dura" [ Esta cita necesita una cita ] del expresionismo abstracto, basada en formas geométricas y colores claramente definidos, con un efecto eso los hace parecer de bajo relieve. Su trabajo fue una mezcla de abstracción europea e influencias latinoamericanas, incluidas las mesoamericanas. [88] [89] En el campo de la acuarela podemos distinguir a Edgardo Coghlan e Ignacio Barrios quienes no estuvieron alineados con un movimiento artístico específico pero no fueron menos importantes.
"Diseñadas por Mathias Goeritz , una serie de esculturas... [se alinearon] en la "Ruta de la Amistad " en celebración de los Juegos Olímpicos... En oposición a la exposición artística autorizada por el gobierno para los Juegos Olímpicos, una Un grupo de diversos artistas visuales independientes organizan una contrapresentación titulada Salón Independiente , la exposición significa un evento clave en la resistencia de los artistas a las políticas culturales controladas por el Estado, esta muestra de esfuerzos antigubernamentales de los artistas también se expresaría en un mural. en apoyo a las protestas del movimiento estudiantil, la obra pasó a ser conocida como el Mural Efímero " en la UNAM ". [90]
En 1970 se realizó el tercer Salón Independiente. En 1976 " Fernando Gamboa encabeza la organización de una exposición de arte abstracto titulada El Geometrismo Mexicano Una Tendencia Actual ". [91]
“En un intento por revalorizar... el arte mexicano post-1968, el Museo de Ciencia y Arte de la UNAM” organizó en 2007, la exposición La Era de la Discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968-1997 [92]
En 1990 la exposición México: Esplendor de Treinta Siglos , inició su gira mundial en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
Desde los años 1960 hasta los años 1980 el arte neoexpresionista estuvo representado en México por Manuel Felguerez , Teresa Cito, Alejandro Pinatado y Jan Hendrix . [87] [93]
El artista suizo-alemán Mathias Goeritz creó en la década de 1950 esculturas públicas, entre ellas las Torres Satélite en Ciudad Satélite . En la década de 1960, se volvió fundamental para el desarrollo del arte abstracto y moderno junto con José Luis Cuevas y Pedro Friedeberg . [94]
A mediados de la década de 1980, el siguiente gran movimiento en México fue el neomexicanismo, una versión ligeramente surrealista, algo kitsch y posmoderna del realismo social que se centraba en la cultura popular más que en la historia. [33] Las obras no eran necesariamente murales: utilizaban otros medios como el collage y, a menudo, parodiaban y alegorizaban íconos culturales, los medios de comunicación, la religión y otros aspectos de la cultura mexicana. Esta generación de artistas estaba interesada en los valores tradicionales mexicanos y exploraba sus raíces, a menudo cuestionándolas o subvirtiéndolas. Otro tema común fue la cultura mexicana frente a la globalización. [95]
El arte desde la década de 1990 hasta el presente se clasifica aproximadamente como posmoderno, aunque este término se ha utilizado para describir obras creadas antes de la década de 1990. Los principales artistas asociados con este sello incluyen a Betsabeé Romero , [96] Mónica Castillo, Francisco Larios, [81] Martha Chapa y Diego Toledo. [87]
El éxito de los artistas mexicanos queda demostrado por su inclusión en galerías de Nueva York, Londres y Zurich . [97]
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Octavio Mercado dijo en 2012 que la actividad de la crítica de arte aún se puede encontrar en revistas especializadas y periódicos de difusión nacional; Además, una nueva generación de críticos de arte incluye a Daniela Wolf, Ana Elena Mallet, Gabriella Gómez-Mont y Pablo Helguera .[100] (Antes de eso, en 2004 se afirmó que un déficit de escritura nativa sobre el arte, el simbolismo y las tendencias mexicanos dio como resultado que el arte mexicano moderno mostrado en el extranjero hubiera sido mal etiquetado o mal descrito, ya que las instituciones extranjeras no comprenden suficientemente o apreciar las circunstancias políticas y sociales detrás de las piezas. [101] )
Al igual que muchas otras partes del mundo, México ha adoptado algunas técnicas modernas, como la existencia de artistas callejeros que representan pinturas populares de México a lo largo de la historia o contenido original.
Algunos de los pintores de este siglo son:
La artesanía y el arte popular mexicano , llamada artesanía en México, es una categoría compleja de artículos elaborados a mano o en pequeños talleres con fines utilitarios, decorativos o de otro tipo. Estos incluyen cerámica, tapices, ciertos tipos de pinturas y textiles. [104] Al igual que las artes más formales, la artesanía tiene raíces tanto indígenas como europeas y se considera una parte valiosa de la herencia étnica de México. [105]
Este vínculo entre las artes y la identidad cultural fue forjado con mayor fuerza por la élite política, intelectual y artística del país en la primera mitad del siglo XX, después de la Revolución Mexicana. [105] Artistas como Diego Rivera , Rufino Tamayo y Frida Kahlo utilizaron la artesanía como inspiración para varios de sus murales y otras obras. [105] A diferencia de las bellas artes, la artesanía es creada por gente común y de herencia indígena, que aprenden su oficio a través de un aprendizaje formal o informal. [104] La vinculación entre la artesanía y la identidad mexicana continúa a través de la televisión, el cine y la promoción turística. [106]
La mayor parte de la artesanía producida en México consiste en cosas comunes hechas para el uso diario. Se consideran artísticos porque contienen detalles decorativos o están pintados de colores brillantes, o ambas cosas. [104] El uso atrevido de colores en artesanías y otras construcciones se remonta a la época prehispánica. A estos se sumaron otros colores introducidos por el contacto europeo y asiático, siempre en tonos atrevidos. [107]
Los motivos de diseño varían desde puramente indígenas hasta mayoritariamente europeos, con otros elementos añadidos. Predominan los diseños geométricos conectados con el pasado prehispánico de México, y los artículos fabricados por las comunidades puramente indígenas que quedan en el país. [108] Los motivos de la naturaleza son populares, posiblemente más que los patrones geométricos, tanto en los diseños prehispánicos como en los europeos. Son especialmente frecuentes en tapices y cerámicas. [109]
Una de las mejores artesanías de México es la cerámica de Talavera producida en Puebla . [38] Tiene una mezcla de influencias de diseño chinas, árabes, españolas e indígenas. [110] Las pinturas populares más conocidas son las pinturas votivas de exvoto o retablo . Se trata de pequeñas pinturas conmemorativas u otras obras de arte creadas por un creyente, en honor a la intervención de un santo u otra figura. El estilo inexperto de la pintura de exvotos fue apropiado a mediados del siglo XX por Kahlo, quien creía que eran la expresión más auténtica del arte latinoamericano. [111]
La cinematografía llegó a México durante la Revolución Mexicana desde Estados Unidos y Francia. Inicialmente se utilizó para documentar las batallas de la guerra. El propio general revolucionario Pancho Villa protagonizó algunas películas mudas. En 2003, HBO transmitió And Starring Pancho Villa como él mismo , con Antonio Banderas como Villa; la película se centra en la realización de la película La vida del general Villa . Villa utilizó conscientemente el cine para dar forma a su imagen pública. [113]
La primera película sonora en México se realizó en 1931, llamada Desde Santa . El primer género cinematográfico mexicano apareció entre 1920 y 1940, llamado ranchero . [114]
México ha ganado dos veces el máximo honor en el Festival de Cine de Cannes , habiendo ganado el Grand Prix du Festival International du Film por María Candelaria en 1946 y la Palma de Oro en 1961 por Viridiana , más que cualquier otra nación latinoamericana.
Si bien se considera que la época dorada del cine de México fueron las décadas de 1940 y 1950, dos películas de mediados y finales de la década de 1930, Allá en el Rancho Grande (1936) y Vámonos con Pancho Villa (1935), establecieron el estándar de esta época temática, estética y e ideológicamente. Estas películas presentaban figuras estelares arquetípicas y símbolos basados en amplias mitologías nacionales. Parte de la mitología, según Carlos Monsiváis , incluye a los participantes de los melodramas familiares, los charros masculinos de las películas rancheras, las mujeres fatales (a menudo interpretadas por María Félix y Dolores del Río ), los pueblos indígenas de las películas de Emilio Fernández y Cantinflas . s peladito (malvado urbano). [115]
Los escenarios eran a menudo ranchos , los campos de batalla de la revolución y cabarets . Las películas sobre la Revolución Mexicana se centraron en el derrocamiento inicial del gobierno de Porfirio Díaz más que en las luchas posteriores entre las distintas facciones. También tendían a centrarse en temas rurales como "mexicanos", a pesar de que la población era cada vez más urbana. [115]
México tuvo dos ventajas en el cine durante este período. La primera fue una generación de actores y cineastas talentosos. Entre ellos se encontraban actores como María Félix , Jorge Negrete , Pedro Armendáriz , Pedro Infante , Cantinflas y directores como Emilio "El Indio" Fernández y el director de fotografía Gabriel Figueroa . Muchos de estos estrenos tuvieron éxito en Estados Unidos y en el Festival de Cine de Cannes . [114] [116] En la esquina de La Brea y Hollywood Boulevard , hay una escultura de cuatro mujeres que representan los cuatro pilares de la industria del cine, una de las cuales es la actriz mexicana Dolores del Río . [114] Gabriel Figueroa es conocido por su trabajo de cámara en blanco y negro que es generalmente austero y expresionista, con movimientos de cámara simples pero sofisticados. [117] La segunda ventaja fue que México no estuvo muy involucrado en la Segunda Guerra Mundial y, por lo tanto, tenía un mayor suministro de celuloide para películas, que luego también se usaba para bombas. [114]
En la década de 1930, el gobierno se interesó en la industria para promover valores culturales y políticos. Gran parte de la producción durante la Edad de Oro se financió con una combinación de dinero público y privado, y el gobierno acabó asumiendo un papel más importante. En 1942, el Banco Cinematográfico financió casi toda la industria, quedando bajo control gubernamental en 1947. Esto le dio al gobierno amplios derechos de censura al decidir qué proyectos financiar. [115] Si bien el gobernante Partido Revolucionario Institucional (PRI) censuró películas de muchas maneras en las décadas de 1940 y 1950, no fue tan represivo como otros países de habla hispana, pero jugó un papel importante en la forma en que se retrataba el gobierno y la cultura de México. [115] [117]
La Edad de Oro terminó a finales de la década de 1950, y la década de 1960 estuvo dominada por imitaciones mal hechas de comedias y westerns de Hollywood. Estas películas se rodaron cada vez más al aire libre y las películas populares presentaban estrellas de la lucha libre . En el mismo período tiene sus raíces la producción artística y cinematográfica experimental en México, que comenzó a dar frutos en la década de 1970. [114] [117] El director Paul Leduc surgió en la década de 1970, especializándose en películas sin diálogo. Su primer gran éxito fue con Reed: México insurgente (1971), seguido de una biografía de Frida Kahlo llamada Frida (1984). Es el más consistentemente político de los directores mexicanos modernos. En la década de 1990 filmó Latino Bar (1991) y Dollar Mambo (1993). Por lo general, sus películas mudas no han tenido éxito comercial. [117]
A finales del siglo XX el principal impulsor del cine artístico mexicano fue Arturo Ripstein Jr. Su carrera comenzó con una película tipo spaghetti western llamada Tiempo de morir de 1965 y a quien algunos consideran el sucesor de Luis Buñuel quien trabajó en México en los años 1940. Algunas de sus películas clásicas incluyen El Castillo de la pureza (1973), Lugar sin límites (1977) y La reina de la noche (1994), que exploran temas como los vínculos familiares e incluso la homosexualidad, abordando la crueldad, la ironía y la tragedia. [117] La censura estatal fue relativamente laxa en los años 1960 y principios de los 1970, pero regresó durante los últimos años 1970 y 1980, monopolizando la producción y la distribución. [114]
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Otro factor fue que muchas instalaciones cinematográficas mexicanas fueron absorbidas por compañías productoras de Hollywood en la década de 1980, desplazando a la producción local. [117] La calidad de las películas estaba tan disminuida que durante algunos de estos años, [ ¿cuáles? ] El premio cinematográfico Ariel de México fue suspendido por falta de candidatos calificados. [114] El cine popular disminuyó, pero el sector del arte creció, produciendo a veces obras fuera de la vista de los censores, como la película Rojo Amanecer de Jorge Fons de 1989 sobre la masacre de Tlatelolco de 1968 . La película fue prohibida por el gobierno pero recibió apoyo en México y el extranjero. La película se proyectó aunque no ampliamente. [ se necesita más explicación ] Fue el comienzo de una mayor libertad editorial para los cineastas en México. [117]
A partir de la década de 1990, el cine mexicano comenzó a resurgir, principalmente a través de la coproducción con intereses extranjeros. Una de las razones del interés internacional por el cine mexicano fue el gran éxito de la película de 1992 Como Agua Para Chocolate . [114] [117] En 1993, esta película fue la película en lengua extranjera con mayor recaudación en la historia de Estados Unidos y se presentó en un total de 34 países. [116] Desde entonces, el cine mexicano se dividió en dos géneros. Aquellos dirigidos a un público más doméstico tienden a ser más personales y más ambiguamente políticos, como Pueblo de Madera , La Vida Conyugal y Ángel de fuego . Aquellos dirigidos a audiencias internacionales tienen imágenes mexicanas más estereotipadas e incluyen Sólo con Tu Pareja , La Invención de Cronos y Como Agua para Chocolate . [116] [117]
La nueva generación de directores exitosos de México incluye a Alejandro González Iñárritu , Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón , conocidos como "Los tres amigos del cine". Las películas de estos directores incluyen Gravity de Cuarón , La forma del agua de Del Toro y Birdman de Iñárritu . Los profesionales del cine de principios del siglo XXI tienden a ser al menos bilingües (español e inglés) y están en mejores condiciones de participar en el mercado global de películas que sus predecesores. [114]
La fotografía llegó a México en forma de daguerrotipo unos seis meses después de su descubrimiento y se difundió rápidamente. Inicialmente se utilizó para retratos de personas adineradas (debido a su alto costo), y para fotografiar paisajes y ruinas prehispánicas. [118] [119] Otro tipo relativamente común de retratos fotográficos tempranos fueron los de niños recientemente fallecidos, llamados angelitos, que persistieron hasta la primera mitad del siglo XX. Esta costumbre derivó de una tradición católica de celebrar la aceptación inmediata de un niño muerto al cielo, sin pasar por el purgatorio. Esta fotografía reemplazó la práctica de hacer dibujos y otras representaciones de ellos, ya que se consideraba una "ocasión feliz". [120] Los retratos formales fueron la forma más común de fotografía comercial hasta finales del siglo XIX. [119]
La fotografía moderna en México no comenzó como una forma de arte, sino como documentación, asociada a publicaciones periódicas y proyectos gubernamentales. Data del período de gobierno de Porfirio Díaz , o el Porfiriato , desde finales del siglo XIX hasta 1910. [121] [122] La fotografía de la era porfiriana se inclinaba fuertemente hacia la presentación de la modernización de la nación al resto del mundo, con La Ciudad de México como su escaparate cultural. Esta imagen tenía una base europea con algunos elementos indígenas para distinguirla. [123]
Las imágenes estilizadas de los indígenas durante el Porfirato fueron realizadas principalmente por Ybáñez y Sora en el estilo de pintura costumbrista , que era popular fuera de México. [119] Uno de los fotógrafos más importantes del Porfiriato fue Guillermo Kahlo , né Wilhelm. [119] Kahlo estableció su propio estudio en la primera década del siglo XX y fue contratado por empresas y el gobierno para documentar arquitectura, interiores, paisajes y fábricas. [124] Otro fotógrafo nacido en Alemania fue Hugo Brehme , que trabajó al mismo tiempo que Kahlo. Al parecer, los dos no se llevaban bien, posiblemente porque eran rivales por producir imágenes de edificios de la época colonial. [125]
El estilo de Kahlo reflejaba las narrativas de la época, centrándose únicamente en las principales construcciones y eventos, y evitando a la población común, y rara vez aparecían personas en sus fotografías. [126] Evitó temas que insinuaban la inestabilidad política del país en ese momento, como las acciones de huelga . [127] Un proyecto importante de Kahlo fue el Inventario fotográfico de la arquitectura de la iglesia colonial española en México (1910), que constaba de veinticinco álbumes patrocinados por el gobierno federal para documentar la arquitectura colonial restante. [128] La fotografía de Kahlo se utilizó para vincular el pasado prehispánico y colonial de México en su arquitectura con el progreso actual de México, como se muestra en sus fotografías de industria e infraestructura. [129]
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Otro pionero de la fotografía mexicana fue Agustín Victor Casasola . Al igual que Kahlo, inició su carrera en el Porfirato, pero su carrera se centró en la fotografía para publicaciones periódicas. De nuevo como Kahlo, el trabajo de Casasola antes de la Revolución Mexicana se centró en fotografías no controvertidas, centrándose en las vidas de la élite. El estallido de la guerra civil provocó un cambio en la elección del tema por parte de Casasola. Comenzó a centrarse no sólo en los retratos de los principales protagonistas (como Francisco Villa ) y escenas de batalla en general, sino en las ejecuciones y los muertos. Se centró en personas cuyos rostros mostraban expresiones como dolor, bondad y resignación. [121]
Su trabajo durante este tiempo produjo una gran colección de fotografías, muchas de las cuales son familiares para los mexicanos ya que han sido ampliamente reimpresas y reutilizadas, a menudo sin crédito para Casasola. Después de la guerra, Casasola continuó fotografiando a la gente común, especialmente a los inmigrantes que llegaron a la Ciudad de México durante las décadas de 1920 y 1930. Sus archivos totales conocidos comprenden alrededor de medio millón de imágenes y muchas de sus obras están archivadas en el antiguo monasterio de San Francisco en Pachuca . [121]
Kahlo y Casasola son considerados los dos fotógrafos más importantes que desarrollaron el medio en México: Kahlo definió la fotografía arquitectónica y Casasolas estableció el fotoperiodismo. Ninguno de los dos se consideraba un artista (especialmente Casasolas), quien se consideraba un historiador en la tradición positivista , pero las fotografías de ambos muestran atención al detalle, la iluminación y la ubicación de los sujetos para lograr un efecto emocional o dramático. [131] [132]
Durante el resto del siglo XX, la mayor parte de la fotografía estuvo relacionada con la documentación. Sin embargo, las tendencias artísticas tanto dentro como fuera del país influyeron. En la década de 1920, el estilo fotográfico dominante era el pictorialismo , en el que las imágenes tenían una cualidad romántica o onírica debido al uso de filtros y otras técnicas. El estadounidense Edward Weston rompió con esta tradición, eliminando estos efectos para obtener imágenes más realistas y detalladas. [121] [133] Esto provocó una división en el mundo de la fotografía entre pictorialistas y realistas tanto dentro como fuera de México. [121]
Weston y su asistente italiana Tina Modotti estuvieron en México de 1923 a 1926, aliándose con los fotógrafos realistas mexicanos Manuel Álvarez Bravo así como con muralistas como Gabriel Fernández Ledesma . Las aspiraciones políticas y sociales de estos fotógrafos coincidían con las del movimiento muralista y el nuevo gobierno posrevolucionario. [121] [131] [134] Mariana Yampolsky , originaria de Estados Unidos, se convirtió en una importante fotógrafa en México. La fotografía y otras artes pasaron a representaciones de la herencia indígena del país y la glorificación de la gente común mexicana. [131] Esto fue principalmente para rechazar los valores elitistas y fuertemente europeos del Porfiriato, junto con la creciente influencia cultural de los Estados Unidos a favor de una identidad mexicana "auténtica" y distinta. [135] Otra fue la decisión del gobierno de utilizar estas imágenes, en lugar de los recuerdos aún frescos de las batallas y atrocidades de la Revolución, para promocionarse. [136]
Manuel Álvarez Bravo experimentó con la abstracción en su fotografía y formó su propio estilo personal relacionado con los ritos y costumbres mexicanos. Estuvo activo desde la década de 1920 hasta su muerte en la década de 1990. Como otros artistas del siglo XX, le preocupaba equilibrar las tendencias artísticas internacionales con la expresión de la cultura y el pueblo mexicanos. Sus técnicas fotográficas se preocupaban por transformar lo ordinario en fantástico. Desde finales de los años 30 hasta los 70 su fotografía se desarrolló junto con nuevas tecnologías como el color, utilizando los mismos temas. En la década de 1970 experimentó con desnudos femeninos. [137]
Estos fotógrafos posrevolucionarios influyeron en las generaciones posteriores, pero el énfasis permaneció en el periodismo documental, especialmente para los periódicos. Por esta razón, la atención se mantuvo en las cuestiones sociales. Esto incluyó trabajos de Nacho López y Héctor García , mejor conocidos por sus fotografías del levantamiento estudiantil de 1968 . [119]
Durante la década de 1970, la fusión de varios estilos mantuvo un enfoque social. [119] Durante el mismo período se establecieron instituciones que se dedicaban a la promoción de la fotografía y conservación de fotografías, como el Centro de la Imagen, la Fototeca Nacional del INAH y la publicación Luna Córnea . [138]
La fotografía en México desde finales del siglo XX sigue centrándose principalmente en el fotoperiodismo y otros tipos de documentales. Francisco Mata de Rosas es considerado el fotógrafo más destacado del México contemporáneo que trabaja principalmente con documentales. [¿ según quién? ] Ha publicado varios libros, entre ellos México Tenochtitlan y Tepito, Bravo el Barrio . Eniac Martínez está especializado en panorámicas. Patricia Aridjis trabaja con temas sociales, principalmente para ilustrar libros. La obra de Gerardo Montiel Klint ha sido descrita como un "mundo oscuro y ensombrecido", centrándose en la angustia y la violencia de los adolescentes. [138] La generación más reciente de fotógrafos trabaja con tecnologías nuevas y digitales. Uno de ellos es Javier Orozco , especialista en interiores. [119]
Sin embargo, la fotografía puramente artística ha tenido impacto. En 2002, una exhibición fotográfica de Daniela Rossell presentó imágenes de multimillonarios mexicanos posando en sus ostentosas casas, llenas de costosas pinturas, trofeos de caza, candelabros de cristal, papel tapiz de lamé dorado y ayuda doméstica. Las fotografías desencadenaron una ola de críticas sociales y chismes sensacionalistas. [139]
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![Niño soldado durante la Revolución Mexicana, Archivo Casasola.[141]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/73/Ni%C3%B1o_Soldado.jpg/1280px-Ni%C3%B1o_Soldado.jpg)
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