Saturnino Herrán Guinchard (9 de julio de 1887 - 8 de octubre de 1918) fue un pintor mexicano influyente en la cultura latina de finales del siglo XIX y principios del XX.
Saturnino Herrán se crió en Aguascalientes , una ciudad del centro-norte de México arraigada en la cultura española. Su padre era dueño de "la única librería de la ciudad" y era profesor de contabilidad en la Academia de Ciencias". [1] A la edad de diez años, era excepcional en dibujo, pintura y dibujo . En 1903, cuando era Dieciséis años, su padre murió. Dos años después, la familia se mudó a la Ciudad de México , donde estudió pintura y comenzó a enseñar.
A los 25 años conoció a Rosario Arellano, su futura esposa, quien ocasionalmente actuó como modelo para piezas como Mujer en Tehuantepec (1914). En 1914, en el apogeo de su carrera, se casaron. Se sabe poco sobre su matrimonio, aparte de que parecía "congruente" e "ilustrado". [2] Juntos tuvieron un hijo, José Francisco.
Herrán completó majestuosas pinturas de indígenas mexicanos, dándoles fuerza, belleza y dignidad heroicas. En 1910 participó en la exposición conmemorativa del Centenario de la Independencia de México . El deseo de ser pintor mural apareció durante su carrera, y en 1911 completó pinturas murales a gran escala por encargo.
Herrán murió repentinamente en la Ciudad de México el 8 de octubre de 1918, a la edad de 31 años, "por una complicación gástrica". [ cita necesaria ]
En 1901 Herrán comenzó a tomar lecciones de dibujo en la Academia de Ciencias de Aguascalientes donde trabajaba su padre. José Inés Tovilla y Severo Amador le ayudaron a enseñarle tanto dibujo como pintura. [ cita necesaria ] En 1903, su padre murió. Él y su madre se mudaron a la Ciudad de México, donde trabajó en una oficina de telégrafos para mantenerla y tomó clases de Julio Ruelas en la Academia de San Carlos . [3] Luego estudió dibujo con Antonio Fabres, un pintor catalán, y color con el colorista mexicano Germán Gedovius. Su trabajo estuvo muy inspirado en las teorías europeas del arte moderno, incluida la estética griega y romana y un alto grado de naturalismo . Fue un "estudiante destacado" que recibió "menciones honoríficas" en múltiples cursos. [ cita necesaria ] Herrán se sumergió en el arte mexicano, mezclándolo con su formación en técnica académica europea, porque veía el arte como una experiencia espiritual.
Sus primeras pinturas mostraban figuras como alegorías de la naturaleza e incluían mitología española y escenas de gente común en el trabajo, agotada u optimista. En 1908 obtuvo éxito y reconocimiento dentro de la comunidad artística y comenzó a ganar premios además de becas. En 1909 se convirtió en profesor de dibujo en el Instituto Nacional de Bellas Artes , donde fueron sus alumnos Diego Rivera y Roberto Montenegro . En 1910 rechazó una beca para estudiar en Europa y aceptó un trabajo como dibujante en el Departamento de Inspección de Monumentos Arqueológicos. [ cita necesaria ]
1910 lanzó a Herrán a un mayor éxito cuando participó en el Centenario de la Independencia de México . Con su colega artista José Orozco , formó la Sociedad de Pintores y Escultores Mexicanos y organizó una contraexposición al Centenario que incluía arte puramente mexicano. Incluía su tríptico La leyenda de los volcanes. Las piezas de Herrán estuvieron asociadas a la obra de Velázquez y José de Rivera , con influencia propia del modernismo catalán . La exposición fue tan popular que la entrada tuvo que ser controlada por la policía. Esta exposición impresionó a José Vasconcelos , el futuro Secretario de Educación de México luego de su revolución. Tras ver la exposición, encargó a Herrán un mural de gran formato en la Escuela de Artes y Oficios en 1911. [3]
Herrán, además de profesor, fue activista del arte moderno, muralista, ilustrador de libros, dibujante y colorista de vidrieras . Si bien su trabajo tuvo influencia de México, España y el catalán, no rompió completamente con el estilo tradicional europeo en el que fue entrenado para pintar. Herrán, siendo él mismo de ascendencia mixta, reconoció la multitud de razas que encarnaba México y pintó personas en hábitats naturales, capturando su fuerza, dignidad y belleza inherente. Esta comprensión fue parte de un movimiento llamado "indigenismo", un movimiento que pedía elevación social, una identidad personal desarrollada que está indisolublemente ligada a una plétora de razas latinas. Su generación lo marcó como uno de los pintores que "encarnaron el alma de la nación". [4]
La Ofrenda (1913) ejemplifica el modernismo mexicano con su alusión alegórica al viaje de la vida. Muestra una batea en un canal lleno de flores de zempasúchitl (una caléndula [5] que tradicionalmente se asocia con la muerte). Aparecen un bebé, un joven y un anciano que ofrece flores a los muertos. Esta es una referencia a la ofrenda , una tradición profundamente conectada con el Día de los Muertos de México , una celebración de la ascendencia que se dice que conecta a los vivos con los muertos. Cada personaje representa una etapa diferente de la vida, pero todos siguen el mismo destino final y respetan su rumbo. Al morir Herrán, su esposa viuda solicitó La Ofrenda pero ésta fue llevada al Instituto Nacional de Bellas Artes. Las obras de Herrán dieron crédito a la "belleza espiritual de los nativos de México en exquisitos dibujos de indios cuyas lánguidas siluetas se destacan sobre fondos libremente interpretados de la escultura precolombina ". [4] Ver: El Mantón (1916) y Criolla con Mantilla (1917-1918).
En este momento de su carrera, Saturnino finalmente se convirtió en muralista. "El arte mural sería, por definición, revolucionario y marxista, nacionalista e indígena. En este arte, de manera más bien maniquea, las fuerzas del bien (las mencionadas) se enfrentan a las fuerzas del mal, representadas por España, el catolicismo y los conquistadores y , en los tiempos modernos, el capitalismo" [6] Estas ideologías fueron pintadas por los artistas Orozco y Rivera, haciéndolos ilustres en el mundo del arte. Como se mencionó anteriormente, creó murales por encargo para la Escuela de Artes y Oficios. Sus obras sirvieron de modelo para futuros muralistas a lo largo de las décadas de 1920 y 1930.
En el famoso tríptico de Herrán Nuestros dioses (1914-1918), mostró a la legendaria diosa azteca Coatlicue , quien, según la leyenda, dio a luz al sol, la luna y las estrellas. Fue un encargo para el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. El mural mide seis pies de alto y tiene múltiples paneles. Las razas latina y caucásica se muestran en ambos lados, pero atrae la atención del espectador hacia el panel central, Coatlicue Transformed . Jesucristo , dios de los primeros cristianos, está en el centro de la diosa. Se exhiben manos, corazones, calaveras y cruces junto con lirios, que son representativos de la espiritualidad cristiana. La pieza es una fusión de ambas culturas, ya que todas las razas de ambos lados adoran a una figura divina con una referencia azteca y otra europea a un poder superior. Cristo y Coatlicue se fusionan en "una vívida expresión de su tema sobre la mezcla de las dos razas" [4] Nuestros Dioses es posiblemente la obra más grande y más infame de Herrán debido a su profundo llamado al espectador a aceptar a los demás, pensar espiritualmente y unificarse. dos culturas. Nunca estuvo completamente terminado ya que trabajó en él hasta el día de su muerte. Debido a su clara habilidad con el dibujo, algunos de los contemporáneos de Herrán criticaron su estilo, calificando sus pinturas de "dibujos pintados" o "afeminados", mientras que otros creen que su "magnífico dibujo de la figura humana [proporcionó] la fuerza de su mejor obra". [7]
Saturnino allanó el camino para artistas como Orozco y Rivera al crear obras maestras con un significado profundo e identificable. Estilísticamente, pintó sus puntos fuertes y utilizó técnicas bien cultas de años de aprendizaje con influencia española, europea y catalana. Herrán utilizó pinceladas libres sobre sus dibujos para capturar vibraciones de luz. Difuminó ciertos colores de fondo para crear ambiente. Prefería contornos fuertes, imágenes dinámicas y colores equilibrados. "El refinamiento del dibujo de Herrán y el uso del color equilibran la imaginería naturalista en estas obras que combinan el dibujo con la acuarela, técnica adaptada de pintores españoles como Néstor de la Torre". [4] Además de integrar técnicas bien desarrolladas, su trabajo muestra un profundo conocimiento de la psique humana. Su arte vincula la eminencia y la dignidad con la herencia mexicana. Ha aportado un profundo significado a la enseñanza del valor de la aceptación cultural y brinda una idea de la brevedad de la vida humana con la que cada espectador puede identificarse.
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