Edward Henry Weston (24 de marzo de 1886 - 1 de enero de 1958) fue un fotógrafo estadounidense. Se le ha llamado "uno de los fotógrafos estadounidenses más innovadores e influyentes" [1] y "uno de los maestros de la fotografía del siglo XX". [2] A lo largo de sus 40 años de carrera, Weston fotografió un conjunto cada vez más amplio de temas, incluidos paisajes, naturalezas muertas, desnudos, retratos, escenas de género e incluso parodias caprichosas. Se dice que desarrolló un "enfoque esencialmente americano, y especialmente californiano, de la fotografía moderna" [3] debido a su enfoque en la gente y los lugares del oeste americano. En 1937, Weston fue el primer fotógrafo en recibir una beca Guggenheim y durante los dos años siguientes produjo casi 1.400 negativos utilizando su cámara de visión de 8 × 10. Algunas de sus fotografías más famosas fueron tomadas de los árboles y rocas de Point Lobos , California, cerca de donde vivió durante muchos años.
Weston nació en Chicago y se mudó a California cuando tenía 21 años. Sabía que quería ser fotógrafo desde una edad temprana, e inicialmente su trabajo era típico del pictorialismo de enfoque suave que era popular en ese momento. Sin embargo, a los pocos años abandonó ese estilo y pasó a ser uno de los principales defensores de las imágenes fotográficas muy detalladas.
En 1947 le diagnosticaron la enfermedad de Parkinson y pronto dejó de fotografiar. Pasó los diez años restantes de su vida supervisando la impresión de más de 1.000 de sus imágenes más famosas.
Weston nació en Highland Park , Illinois, el segundo hijo y único hijo de Edward Burbank Weston , un obstetra, y Alice Jeanette Brett, una actriz de Shakespeare. [4] Su madre murió cuando él tenía cinco años y fue criado principalmente por su hermana Mary, a quien llamó "May" o "Maisie". Ella era nueve años mayor que él y desarrollaron un vínculo muy estrecho que fue una de las pocas relaciones estables en la vida de Weston. [5]
Su padre se volvió a casar cuando él tenía nueve años, pero ni Weston ni su hermana se llevaban bien con su nueva madrastra y hermanastro. Después de que May se casara y dejara su casa en 1897, el padre de Weston dedicó la mayor parte de su tiempo a su nueva esposa y a su hijo. Weston estuvo solo la mayor parte del tiempo; dejó de ir a la escuela y se retiró a su propia habitación en su gran casa. [5]
Como regalo por su cumpleaños número 16, el padre de Weston le regaló su primera cámara, una Kodak Bull's-Eye No. 2, que era una simple cámara de caja. Se la llevó de vacaciones al Medio Oeste y, cuando regresó a casa, su interés por la fotografía fue suficiente para llevarlo a comprar una cámara de visión usada de 5 × 7 pulgadas. Comenzó a fotografiar en parques de Chicago y en una granja propiedad de su tía, y reveló sus propias películas y grabados. Más tarde recordaría que ya a esa temprana edad su obra mostraba un fuerte mérito artístico. Dijo: "Siento que mi primer trabajo de 1903, aunque inmaduro, está más estrechamente relacionado, tanto en técnica como en composición, con mi último trabajo que varias de mis fotografías que datan de 1913 a 1920, un período en el que estaba intentando ser artístico." [6]
En 1904, May y su familia se mudaron a California, dejando a Weston aún más aislado en Chicago. Se ganaba la vida trabajando en unos grandes almacenes locales, pero siguió dedicando la mayor parte de su tiempo libre a tomar fotografías. Al cabo de dos años se sintió lo suficientemente seguro de su fotografía como para enviar su trabajo a la revista Camera and Darkroom , y en el número de abril de 1906 publicaron una reproducción a página completa de su cuadro Primavera, Chicago . Esta es la primera publicación conocida de cualquiera de sus fotografías.
En septiembre de 1904, Weston participó en el evento masculino de tiro con arco americano de doble vuelta en los Juegos Olímpicos de Verano de 1904 y su padre también participó en el mismo evento. [7]
A instancias de su hermana, Weston abandonó Chicago en la primavera de 1906 y se mudó cerca de la casa de May en Tropico, California (ahora un vecindario en Glendale ). Decidió quedarse allí y seguir la carrera de fotografía, pero pronto se dio cuenta de que necesitaba una formación más profesional. Un año después se mudó a Effingham, Illinois , para matricularse en el Illinois College of Photography . Impartieron un curso de nueve meses, pero Weston terminó todo el trabajo de clase en seis meses. La escuela se negó a darle un diploma a menos que pagara los nueve meses completos; Weston se negó y, en cambio, regresó a California en la primavera de 1908.
Trabajó brevemente en el estudio de fotografía de George Steckel en Los Ángeles, como retocador de negativos. A los pocos meses se trasladó al estudio más consolidado de Louis Mojonier. Durante los siguientes años aprendió las técnicas y el negocio de operar un estudio de fotografía bajo la dirección de Mojonier.
A los pocos días de su visita a Tropico, Weston conoció a la mejor amiga de su hermana, Flora May Chandler. Se graduó de la Escuela Normal, que luego se convertiría en UCLA. Asumió el cargo de maestra de escuela primaria en Tropico. Era siete años mayor que Weston y pariente lejana de Harry Chandler , quien en ese momento era descrito como el jefe de "la familia más poderosa del sur de California". Este hecho no pasó desapercibido para Weston y sus biógrafos.
El 30 de enero de 1909, Weston y Chandler se casaron en una ceremonia sencilla. El primero de sus cuatro hijos, Edward Chandler Weston (1910-1993), conocido como Chandler, nació el 26 de abril de 1910. Llamado Edward Chandler, en honor a Weston y su esposa, más tarde también se convirtió en fotógrafo.
En 1910 Weston abrió su propio negocio, llamado "The Little Studio", en Tropico. Más tarde, su hermana le preguntó por qué abrió su estudio en Tropico en lugar de en la cercana metrópolis de Los Ángeles, y él respondió: "Hermana, voy a hacer mi nombre tan famoso que no importará dónde viva". [8]
Durante los siguientes tres años trabajó solo y, a veces, con la ayuda de miembros de la familia en su estudio. Incluso en esa primera etapa de su carrera era muy exigente con su trabajo; en una entrevista de esa época dijo: " Las placas fotográficas no son nada para mí a menos que obtenga lo que quiero. He usado treinta de una sola vez si no conseguía el efecto que me convenía". [9]
Su ojo crítico le dio frutos y rápidamente obtuvo más reconocimiento por su trabajo. Ganó premios en concursos nacionales, publicó varias fotografías más y escribió artículos para revistas como Photo-Era y American Photography , defendiendo el estilo pictórico .
El 16 de diciembre de 1911 nació el segundo hijo de Weston, Theodore Brett Weston (1911-1993). Se convirtió en un colaborador artístico de su padre durante mucho tiempo y en un importante fotógrafo por su cuenta.
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En algún momento del otoño de 1913, la fotógrafa de Los Ángeles, Margrethe Mather, visitó el estudio de Weston debido a su creciente reputación, y en unos pocos meses desarrollaron una relación intensa. [10] Weston era un tranquilo trasplante del Medio Oeste a California, y Mather era parte de la creciente escena cultural bohemia en Los Ángeles. Era muy extrovertida y artística de una manera extravagante, y su moral sexual permisiva era muy diferente de la conservadora Weston de la época: Mather había sido prostituta y era bisexual con preferencia por las mujeres. [11] Mather presentó un marcado contraste con la vida hogareña de Weston; su esposa Flora fue descrita como una "puritana hogareña, rígida y absolutamente convencional, con quien tenía poco en común ya que aborrecía las convenciones" [12] - y encontró irresistible el estilo de vida desinhibido de Mather y su visión fotográfica intrigante.
Le pidió a Mather que fuera su asistente de estudio y durante la siguiente década trabajaron en estrecha colaboración, realizando retratos individuales y firmados conjuntamente de los escritores Carl Sandburg y Max Eastman . Una exposición conjunta de su trabajo en 2001 reveló que durante este período Weston emuló el estilo de Mather y, más tarde, su elección de temas. Por su cuenta, Mather fotografió "abanicos, manos, huevos, melones, olas, accesorios de baño, conchas marinas y alas de pájaros, todos temas que Weston también exploraría". [13] Una década más tarde, la describió como "la primera persona importante en mi vida, y quizás incluso ahora, aunque el contacto personal ha desaparecido, la más importante". [14] A principios de 1915, Weston comenzó a llevar diarios detallados que más tarde llamó "Daybooks". Durante las siguientes dos décadas registró sus pensamientos sobre su trabajo, observaciones sobre la fotografía y sus interacciones con amigos, amantes y familiares. El 6 de diciembre de 1916 nació un tercer hijo, Lawrence Neil Weston. También siguió los pasos de su padre y se convirtió en un conocido fotógrafo. Fue durante este período que Weston conoció al fotógrafo Johan Hagemeyer , a quien Weston asesoró y a quien le prestó su estudio de vez en cuando. Más tarde, Hagemeyer le devolvería el favor permitiendo que Weston usara su estudio en Carmel después de su regreso de México. Durante los siguientes años, Weston continuó ganándose la vida tomando retratos en su pequeño estudio al que llamó "la choza". [9]
Mientras tanto, Flora dedicaba todo su tiempo a cuidar a sus hijos. Su cuarto hijo, Cole Weston (1919-2003), nació el 30 de enero de 1919 y después rara vez tuvo tiempo de salir de su casa.
Durante el verano de 1920, Weston conoció a dos personas que formaban parte de la creciente escena cultural de Los Ángeles: Roubaix de l'Abrie Richey, conocida como "Robo" y una mujer a la que llamaba su esposa, Tina Modotti . Modotti, que entonces era conocida sólo como actriz de teatro y cine, nunca estuvo casada con Robo, pero fingieron estarlo por el bien de su familia. Weston y Modotti se sintieron inmediatamente atraídos el uno por el otro y pronto se convirtieron en amantes. [15] Richey sabía del asunto de Modotti, pero continuó siendo amigo de Weston y luego lo invitó a venir a México y compartir su estudio. [dieciséis]
Al año siguiente, Weston acordó permitir que Mather se convirtiera en un socio igualitario en su estudio. Durante varios meses se hicieron retratos que firmaron con el nombre de ambos. Esta fue la única vez en su larga carrera que Weston compartió crédito con otro fotógrafo.
En algún momento de 1920 comenzó a fotografiar modelos desnudas por primera vez. Sus primeros modelos fueron su esposa Flora y sus hijos, pero poco después realizó al menos tres estudios de desnudos de Mather. Siguió con varias fotografías más de modelos desnudas, la primera de docenas de estudios de figuras que haría de amigos y amantes durante los siguientes veinte años.
Hasta ahora, Weston había mantenido en secreto sus relaciones con otras mujeres para su esposa, pero cuando comenzó a fotografiar más desnudos, Flora empezó a sospechar de lo que pasaba entre él y sus modelos. Chandler recordó que su madre lo enviaba regularmente a "recados" al estudio de su padre y le pedía que le dijera quién estaba allí y qué estaban haciendo. [17]
Uno de los primeros que aceptó modelar desnudo para Weston fue Modotti. Ella se convirtió en su modelo principal durante los siguientes años.
En 1922 visitó a su hermana May, quien se había mudado a Middletown, Ohio . Mientras estuvo allí, tomó cinco o seis fotografías de las altas chimeneas de la cercana fábrica de acero Armco. Estas imágenes marcaron un cambio en el estilo fotográfico de Weston, una transición del pictorialismo de enfoque suave del pasado a un estilo nuevo y más limpio. Inmediatamente reconoció el cambio y luego lo registró en sus notas: "La visita a Middletown fue algo para recordar... lo más importante fue mi fotografía de 'Armco'... Ese día hice excelentes fotografías, incluso Stieglitz pensó que ¡Eran importantes!" [18]
En ese momento, la ciudad de Nueva York era el centro cultural de la fotografía como forma de arte en Estados Unidos, y Alfred Stieglitz era la figura más influyente en la fotografía. [19] Weston tenía muchas ganas de ir a Nueva York para reunirse con él, pero no tenía suficiente dinero para hacer el viaje. Su cuñado le dio suficiente dinero para continuar desde Middletown hasta la ciudad de Nueva York, y pasó allí la mayor parte de octubre y principios de noviembre. Mientras estuvo allí, conoció al artista Charles Sheeler y a los fotógrafos Clarence H. White , Gertrude Kasebier y Stieglitz. Weston escribió que Stieglitz le dijo: "Su trabajo y su actitud me tranquilizan. Me ha mostrado al menos varias impresiones que me han dado mucha alegría. Y rara vez puedo decir lo mismo de las fotografías". [20]
Poco después de que Weston regresara de Nueva York, Robo se mudó a México y montó allí un estudio para crear batiks . Al poco tiempo había organizado una exposición conjunta de su obra y de fotografías de Weston, Mather y algunos otros. A principios de 1923, Modotti partió en tren para estar con Robo en México, pero contrajo viruela y murió poco antes de que ella llegara. Modotti estaba desconsolada, pero a las pocas semanas se sintió lo suficientemente bien como para decidir quedarse y realizar la exposición que Robo había planeado. El espectáculo fue un éxito y, debido en gran parte a sus estudios de desnudos de Modotti, estableció firmemente la reputación artística de Weston en México. [21]
Después de que cerró el programa, Modotti regresó a California, y Weston y ella hicieron planes para regresar juntos a México. Quería pasar allí un par de meses fotografiando y promocionando su obra y, convenientemente, podía viajar con el pretexto de que Modotti sería su asistente y traductor. [22]
La semana antes de partir hacia México, Weston se reunió brevemente con Mather y le tomó varios desnudos tirada en la arena de Redondo Beach. Estas imágenes eran muy diferentes de sus estudios de desnudos anteriores: muy enfocadas y mostrando todo su cuerpo en relación con el entorno natural. Se les ha llamado los prototipos artísticos de sus desnudos más famosos, los de Charis Wilson que realizaría más de una década después. [23]
El 30 de julio de 1923, Weston, su hijo Chandler y Modotti partieron en un vapor para un largo viaje a México. Su esposa, Flora, y sus otros tres hijos se despidieron de ellos en el muelle. Se desconoce qué entendió o pensó Flora sobre la relación entre Weston y Modotti, pero se informa que gritó en el muelle: "Tina, cuida bien de mis hijos". [24]
Llegaron a la Ciudad de México el 11 de agosto y alquilaron una gran hacienda en las afueras de la ciudad. Al cabo de un mes había organizado una exposición de su obra en la Aztec Land Gallery, y el 17 de octubre la muestra se abrió ante críticas entusiastas de la prensa. Se mostró especialmente orgulloso de una reseña de Marius de Zayas que decía: "La fotografía empieza a ser fotografía, porque hasta ahora sólo ha sido arte". [25]
La diferente cultura y paisaje de México obligaron a Weston a mirar las cosas de nuevas maneras. Se volvió más receptivo a lo que tenía frente a él y enfocó su cámara en objetos cotidianos como juguetes, puertas y accesorios de baño. También realizó varios desnudos íntimos y retratos de Modotti. Escribió en sus Daybooks :
La cámara debe usarse para registrar la vida , para representar la sustancia misma y la quintaesencia de la cosa misma... Creo firmemente que el acercamiento a la fotografía es a través del realismo. [26]
Weston continuó fotografiando a las personas y las cosas que lo rodeaban, y su reputación en México aumentó cuanto más tiempo permaneció. Tuvo una segunda exposición en la Aztec Land Gallery en 1924, y tuvo un flujo constante de miembros de la alta sociedad local que le pedían que les tomara retratos. Al mismo tiempo, Weston comenzó a extrañar a sus otros hijos en los EE. UU. Sin embargo, como ocurre con muchas de sus acciones, fue una mujer la que más lo motivó. Recientemente había mantenido correspondencia con una mujer a la que conocía desde hacía varios años, llamada Miriam Lerner, y a medida que sus cartas se volvían más apasionadas, deseaba volver a verla. [27]
Él y Chandler regresaron a San Francisco a finales de 1924, y al mes siguiente montó un estudio con Johan Hagemeyer . Weston parecía estar luchando con su pasado y su futuro durante este período. Quemó todos sus diarios anteriores a México, como si intentara borrar el pasado, y comenzó una nueva serie de desnudos con Lerner y su hijo Neil. Escribió que estas imágenes fueron "el comienzo de un nuevo período en mi enfoque y actitud hacia la fotografía". [27]
Su nueva relación con Lerner no duró mucho y en agosto de 1925 regresó a México, esta vez con su hijo Brett. Modotti había organizado una exposición conjunta de sus fotografías y se inauguró la semana en que regresó. Recibió nuevos elogios de la crítica y seis de sus grabados fueron adquiridos para el Museo Estatal. Durante los siguientes meses se concentró una vez más en fotografiar arte popular, juguetes y escenas locales. Una de sus imágenes más fuertes de este período es la de tres vasijas de barro negro que el historiador del arte René d'Harnoncourt describió como "el comienzo de un nuevo arte". [28]
En mayo de 1926, Weston firmó un contrato con la escritora Anita Brenner por 1.000 dólares para realizar fotografías para un libro que estaba escribiendo sobre el arte popular mexicano. En junio, él, Modotti y Brett comenzaron a viajar por todo el país en busca de artes y oficios nativos menos conocidos. Su contrato requería que le diera a Brenner tres impresiones terminadas de 400 negativos de 8x10, y le llevó hasta noviembre de ese año completar el trabajo. [29] Durante sus viajes, Brett recibió un curso intensivo de fotografía de su padre e hizo más de dos docenas de impresiones que su padre consideró de calidad excepcional.
Cuando regresaron de su viaje, la relación de Weston y Modotti se había desmoronado, y en menos de dos semanas él y Brett regresaron a California. Nunca más viajó a México.
Weston inicialmente regresó a su antiguo estudio en Glendale (anteriormente llamado Tropico). Se apresuró a organizar una exposición doble en la Universidad de California de las fotografías que él y Brett habían hecho el año anterior. El padre mostró 100 huellas y el hijo mostró 20. Brett tenía sólo 15 años en ese momento.
En febrero inició una nueva serie de desnudos, esta vez de la bailarina Bertha Wardell. Uno de esta serie, de su cuerpo arrodillado con los hombros cortados, es uno de los estudios de figura más conocidos de Weston. En esta misma época conoció a la pintora canadiense Henrietta Shore , a quien pidió que comentara las fotografías de Wardell. Su crítica sincera lo sorprendió: "Me gustaría que no hicieras tantos desnudos; te estás acostumbrando , el tema ya no te sorprende; la mayoría son simplemente desnudos". [30]
Pidió ver su trabajo y quedó intrigado por sus grandes pinturas de conchas marinas. Le pidió prestadas varias conchas, pensando que podría encontrar algo de inspiración para una nueva serie de naturalezas muertas. Durante las siguientes semanas exploró muchos tipos diferentes de combinaciones de conchas y fondos; en su registro de fotografías tomadas en 1927 enumeró catorce negativos de conchas. [31] Una de ellas, llamada simplemente Nautilus , 1927" (a veces llamada Shell , 1927), se convirtió en una de sus imágenes más famosas. Modotti llamó a la imagen "mística y erótica" [32] y cuando se la mostró a René d. 'Harnoncourt dijo que se sentía "débil en las rodillas". [33] Se sabe que Weston hizo al menos veintiocho copias de esta imagen, más que las que había hecho de cualquier otra imagen de concha. [31]
En septiembre de ese año Weston realizó una importante exposición en el Palacio de la Legión de Honor de San Francisco . En la inauguración de la exposición conoció al también fotógrafo Willard Van Dyke , quien más tarde le presentó a Weston a Ansel Adams .
En mayo de 1928, Weston y Brett hicieron un breve pero importante viaje al desierto de Mojave. Fue allí donde exploró y fotografió por primera vez paisajes como forma de arte. [34] Encontró las austeras formas rocosas y los espacios vacíos como una revelación visual, y durante un largo fin de semana tomó veintisiete fotografías. [35] En su diario declaró que "estos negativos son los más importantes que he hecho jamás". [36]
Más tarde ese año, él y Brett se mudaron a San Francisco, donde vivieron y trabajaron en un pequeño estudio propiedad de Hagemeyer. Hizo retratos para ganarse la vida, pero anhelaba escaparse y volver a su arte. A principios de 1929 se mudó a la cabaña de Johan Hagemeyer en Carmel, y fue allí donde finalmente encontró la soledad y la inspiración que buscaba. Colocó un cartel en la ventana del estudio que decía: "Edward Weston, fotógrafo, retratos sin retoques, impresiones para coleccionistas".
Comenzó a realizar viajes regulares al cercano Point Lobos, donde continuaría fotografiando hasta el final de su carrera. Fue allí donde aprendió a afinar su visión fotográfica para que coincida con el espacio visual de su cámara de visión, y las imágenes que tomó allí, de algas, rocas y árboles arrastrados por el viento, se encuentran entre las mejores. Al observar su trabajo de este período, un biógrafo escribió:
Weston dispuso sus composiciones de modo que las cosas sucedieran en los límites; las líneas casi se cruzan o se encuentran y las líneas circulares apenas tocan los bordes tangencialmente; sus composiciones ahora fueron creadas exclusivamente para un espacio con proporciones de ocho por diez. No hay espacio superfluo ni demasiado pequeño. [37]
A principios de abril de 1929, Weston conoció a la fotógrafa Sonya Noskowiak en una fiesta y, a finales de mes, ya vivía con él. Como ocurrió con muchas de sus otras relaciones, ella se convirtió en su modelo, musa, alumna y asistente. Continuarían viviendo juntos durante cinco años.
Intrigado por los muchos tipos y formas de algas que encontró en las playas cercanas a Carmel, en 1930 Weston comenzó a tomar primeros planos de verduras y frutas. Hizo una variedad de fotografías de repollo, col rizada, cebollas, plátanos y, finalmente, su imagen más icónica, pimientos. En agosto de ese año, Noskowiak le trajo varios pimientos verdes y durante cuatro días rodó al menos treinta negativos diferentes. De ellos, Pepper No. 30 , se encuentra entre las obras maestras de la fotografía de todos los tiempos. [38]
Weston realizó una serie de importantes exposiciones individuales en 1930-1931. La primera fue en la Delphic Studio Gallery de Alma Reed en Nueva York, seguida de cerca por un montaje de la misma exposición en la Denny Watrous Gallery en Carmel. Ambos recibieron excelentes críticas, incluido un artículo de dos páginas en la revista New York Times . [37] A estas les siguieron exposiciones en el Museo De Young de San Francisco y la Galerie Jean Naert de París.
Aunque estaba triunfando profesionalmente su vida personal era muy compleja. Durante la mayor parte de su matrimonio, Flora pudo cuidar de sus hijos gracias a una herencia de sus padres. Sin embargo, la crisis de Wall Street de 1929 había acabado con la mayoría de sus ahorros y Weston sintió una presión cada vez mayor para ayudar a proporcionar más para ella y sus hijos. Describió este período como "el período económico más difícil de mi vida". [37]
En 1932 se publicó The Art of Edward Weston , el primer libro dedicado exclusivamente a la obra de Weston. Fue editado por Merle Armitage y dedicado a Alice Rohrer, una admiradora y mecenas de Weston cuya donación de 500 dólares ayudó a pagar la publicación del libro.
Al mismo tiempo, un pequeño grupo de fotógrafos con ideas afines en el área de San Francisco, liderados por Van Dyke y Ansel Adams, comenzaron a reunirse informalmente para discutir sus intereses y estéticas comunes. Inspirados por la exposición de Weston en el Museo De Young el año anterior, se acercaron al museo con la idea de montar una exposición colectiva de su trabajo. Se llamaron a sí mismos Grupo f/64 y, en noviembre de 1932, se inauguró en el museo una exposición de 80 de sus grabados. El espectáculo fue un éxito de crítica.
En 1933, Weston compró una cámara Graflex 4 × 5, que era mucho más pequeña y liviana que la cámara de gran visión que había utilizado durante muchos años. Comenzó a tomar desnudos en primeros planos de Noskowiak y otras modelos. La cámara más pequeña le permitió interactuar más con sus modelos, mientras que al mismo tiempo los desnudos que tomó durante este período comenzaron a parecerse a algunas de las raíces y vegetales retorcidos que había tomado el año anterior. [39]
A principios de 1934, "se abrió un capítulo nuevo e importante" [40] en la vida de Weston cuando conoció a Charis Wilson en un concierto. Incluso más que con sus amantes anteriores, Weston quedó inmediatamente cautivado por su belleza y su personalidad. Escribió: "Un nuevo amor entró en mi vida, uno de los más bellos, uno que, creo, resistirá la prueba del tiempo". [41] El 22 de abril la fotografió desnuda por primera vez y entablaron una intensa relación. En ese momento todavía vivía con Noskowiak, pero al cabo de dos semanas le pidió que se mudara, declarando que para él otras mujeres eran "tan inevitables como las mareas". [41]
Quizás debido a la intensidad de su nueva relación, dejó de escribir en sus Daybooks al mismo tiempo. Seis meses después escribió una última entrada, repasando el 22 de abril:
En enero de 1935, Weston se enfrentaba a dificultades financieras cada vez mayores. Cerró su estudio en Carmel y se mudó al Cañón de Santa Mónica , California, donde abrió un nuevo estudio con Brett. Le imploró a Wilson que viniera a vivir con él y, en agosto de 1935, ella finalmente accedió. Si bien tenía un intenso interés en su trabajo, Wilson fue la primera mujer con la que Weston vivió desde Flora que no tenía interés en convertirse en fotógrafa. [42] Esto permitió a Weston concentrarse en ella como su musa y modelo y, a su vez, Wilson dedicó su tiempo a promover el arte de Weston como su asistente y cuasi-agente.
Casi de inmediato comenzó a realizar una nueva serie de desnudos con Wilson como modelo. Una de las primeras fotografías que le tomó, en el balcón de su casa, se convirtió en una de sus imágenes más publicadas ( Desnudo (Charis, Santa Mónica) ). Poco después hicieron el primero de varios viajes a Oceano Dunes . Fue allí donde Weston tomó algunas de sus fotografías más atrevidas e íntimas de cualquiera de sus modelos, capturando a Wilson en poses completamente desinhibidas en las dunas de arena. Expuso sólo uno o dos de esta serie durante su vida, pensando que varias de las otras eran "demasiado eróticas" [43] para el público en general.
Aunque su trabajo reciente había recibido elogios de la crítica, no obtenía suficientes ingresos de sus imágenes artísticas para tener un ingreso estable. En lugar de volver a depender únicamente del retrato, fundó el "Edward Weston Print of the Month Club", que ofrece selecciones de sus fotografías por una suscripción mensual de 5 dólares. Cada mes, los suscriptores recibirían una nueva impresión de Weston, con una edición limitada de 40 copias de cada impresión. Aunque creó estas impresiones con los mismos altos estándares que para las impresiones de su exposición, se cree que nunca tuvo más de once suscriptores. [42]
Por sugerencia de Beaumont Newhall, Weston decidió solicitar una subvención de la Fundación Guggenheim (ahora conocida como Beca Guggenheim ). Escribió una descripción de dos oraciones sobre su trabajo, reunió treinta y cinco de sus impresiones favoritas y las envió. [44] Después , Dorothea Lange y su esposo sugirieron que la solicitud era demasiado breve para ser considerada seriamente, y Weston la volvió a presentar. con carta de cuatro páginas y plan de trabajo. No mencionó que Wilson había escrito la nueva solicitud por él. [45]
El 22 de marzo de 1937, Weston recibió la notificación de que se le había concedido una beca Guggenheim, la primera concedida a un fotógrafo. [46] La indemnización fue de 2.000 dólares por un año, una cantidad importante de dinero en aquel momento. Pudo capitalizar aún más el premio al hacer arreglos para proporcionarle al editor de la revista AAA Westway de 8 a 10 fotografías por mes por $ 50 durante sus viajes, y Wilson recibió $ 15 adicionales mensuales por pies de foto y narrativas cortas. Compraron un coche nuevo y emprendieron el viaje soñado de Weston para fotografiar lo que quisiera. Durante los siguientes doce meses hicieron diecisiete viajes y recorrieron 16.697 millas según el registro detallado de Wilson. Weston hizo 1.260 negativos durante el viaje.
La libertad de este viaje con el "amor de su vida", combinada con el hecho de que todos sus hijos ahora alcanzan la edad adulta, le dio a Weston la motivación para finalmente divorciarse de su esposa. Llevaban dieciséis años viviendo separados. [47]
Debido al éxito del año pasado, Weston solicitó y recibió un segundo año de apoyo al Guggenheim. Aunque quería viajar más, tenía la intención de utilizar la mayor parte del dinero para poder imprimir el trabajo del año anterior. Encargó a Neil que construyera una pequeña casa en Carmel Highlands en una propiedad propiedad del padre de Wilson. Llamaron al lugar "Wildcat Hill" debido a los muchos gatos domésticos que pronto ocuparon el terreno.
Wilson instaló un estudio de escritura en lo que iba a ser un pequeño garaje detrás de la casa, y pasó varios meses escribiendo y editando historias de sus viajes.
En 1939, se publicó Seeing California with Edward Weston , con fotografías de Weston y escritos de Wilson. Finalmente aliviado de las tensiones financieras del pasado y excesivamente feliz con su trabajo y su relación, Weston se casó con Wilson en una pequeña ceremonia el 24 de abril.
Animados por el éxito de su primer libro, en 1940 publicaron California y Occidente . La primera edición, que presenta 96 fotografías de Weston con texto de Wilson, se vendió por 3,95 dólares. Durante el verano, Weston enseñó fotografía en el primer Taller Ansel Adams en el Parque Nacional Yosemite .
Justo cuando el dinero del Guggenheim se estaba acabando, Weston fue invitado a ilustrar una nueva edición de Hojas de hierba de Walt Whitman . Recibiría 1.000 dólares para fotografías y 500 dólares para gastos de viaje. Weston insistió en tener control artístico de las imágenes que tomaría e insistió en que no tomaría ilustraciones literales del texto de Whitman. El 28 de mayo, él y Wilson iniciaron un viaje que cubriría 20.000 millas a través de 24 estados; tomó entre 700 y 800 negativos de 8x10, así como decenas de retratos en Graflex. [48]
El 7 de diciembre de 1941 Pearl Harbor fue atacado y Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial . Weston estaba cerca del final del viaje de Whitman y quedó profundamente afectado por el estallido de la guerra. Escribió: "Cuando estalló la guerra nos escabullimos a casa. Charis no quería escabullirse. Yo sí". [49]
Pasó los primeros meses de 1942 organizando e imprimiendo los negativos del viaje a Whitman. De los cientos de imágenes que tomó, se seleccionaron cuarenta y nueve para su publicación.
Debido a la guerra, Point Lobos estuvo cerrado al público durante varios años. Weston continuó trabajando en imágenes centradas en Wildcat Hill, incluidas tomas de los numerosos gatos que vivían allí. Weston los trató con la misma intención seria que aplicó a todos sus otros temas, y Charis reunió los resultados en su publicación más inusual, The Cats of Wildcat Hill, que finalmente se publicó en 1947.
El año 1945 marcó el comienzo de cambios significativos para Weston. Comenzó a experimentar los primeros síntomas de la enfermedad de Parkinson , una dolencia debilitante que poco a poco le fue robando sus fuerzas y su capacidad para fotografiar. Se retiró de Wilson, quien al mismo tiempo comenzó a involucrarse más en la política local y la escena cultural de Carmel. Una fortaleza que originalmente los unió (su falta de interés en convertirse en fotógrafa) finalmente los llevó a separarse. Ella escribió: "Mi huida de Edward también fue en parte un escape de la fotografía, que había ocupado tanto espacio en mi vida durante tantos años". [50]
Mientras trabajaba en una importante exposición retrospectiva para el Museo de Arte Moderno, él y Wilson se separaron. Weston regresó a Glendale ya que el terreno para su cabaña en Wildcat Hill todavía pertenecía al padre de Wilson. A los pocos meses ella se mudó y dispuso venderle la propiedad.
En febrero de 1946 se inauguró la principal retrospectiva de Weston en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Él y Beaumont Newhall seleccionaron 313 copias para la exposición y, finalmente, se exhibieron 250 fotografías junto con 11 negativos. En ese momento muchas de sus copias todavía estaban a la venta y vendió 97 copias de la exposición a 25 dólares cada una. Más tarde ese año, el Dr. George L. Waters de Kodak le pidió a Weston que produjera transparencias Kodachrome de 8 × 10 para su campaña publicitaria. Weston nunca antes había trabajado en color, principalmente porque no tenía medios para revelar o imprimir el proceso de color más complicado. Aceptó su oferta en gran parte porque le ofrecieron 250 dólares por imagen, la cantidad más alta que le pagarían por cualquier trabajo en su vida. [51] Finalmente vendió siete obras en color a Kodak de paisajes y paisajes en Point Lobos y el cercano puerto de Monterey.
En 1947, a medida que avanzaba su enfermedad de Parkinson, Weston comenzó a buscar un asistente. Por casualidad, un joven entusiasta de la fotografía, Dody Weston Thompson , se puso en contacto con él en busca de empleo.
Weston mencionó que esa misma mañana había escrito una carta a Ansel Adams , buscando a alguien que quisiera aprender fotografía a cambio de llevar su voluminosa cámara de gran formato y proporcionarle un automóvil que tanto necesitaba. Hubo una rápida reunión de mentes creativas. Durante el resto de 1947 hasta principios de 1948, Dody viajó desde San Francisco los fines de semana para aprender de Weston los conceptos básicos de la fotografía. A principios de 1948, Dody se mudó a "Bodie House", la casa de huéspedes en el complejo de Edward's Wildcat Hill, como su asistente de tiempo completo.
A finales de 1948 ya no podía utilizar físicamente su cámara de visión grande. Ese año realizó sus últimas fotografías, en Point Lobos. Su negativo final fue una imagen que llamó Rocks and Pebbles, 1948 . Aunque mermada en sus capacidades, Weston nunca dejó de ser fotógrafo. Trabajó con sus hijos y Dody para catalogar sus imágenes y especialmente para supervisar la publicación e impresión de su obra. En 1950 hubo una importante retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París, y en 1952 publicó un portafolio del Cincuentenario, con imágenes impresas por Brett.
Durante este tiempo trabajó con Cole, Brett y Dody Thompson (esposa de Brett en 1952), para seleccionar e imprimir una serie maestra de lo que consideraba su mejor trabajo. Pasaron muchas horas juntos en el cuarto oscuro y en 1956 habían producido lo que Weston llamó "The Project Prints", ocho juegos de copias de 8" × 10" de 830 de sus negativos. El único conjunto completo hoy se encuentra en la Universidad de California, Santa Cruz . Más tarde, ese mismo año, el Instituto Smithsonian exhibió casi 100 de estas impresiones en una importante exposición, "El mundo de Edward Weston", en homenaje a sus logros en la fotografía estadounidense.
Weston murió en su casa en Wildcat Hill el día de Año Nuevo de 1958. Sus hijos esparcieron sus cenizas en el Océano Pacífico en un área entonces conocida como Pebbly Beach en Point Lobos. Debido a la importante influencia de Weston en la zona, la playa pasó a llamarse Weston Beach. Tenía 300 dólares en su cuenta bancaria en el momento de su muerte. [52]
Durante su vida, Weston trabajó con varias cámaras. Comenzó como fotógrafo más serio en 1902 cuando compró una cámara de 5 × 7. [53] Cuando se mudó a Tropico, ahora parte de Glendale , y abrió su estudio en 1911, adquirió una enorme cámara de retratos de estudio Graf Variable de 11 x 14. Roi Partridge , el marido de Imogen Cunningham , hizo más tarde un grabado de Weston en su estudio, eclipsado por la cámara gigante que tenía delante. [54] Después de comenzar a tomar más retratos de niños, compró una Graflex de 3 ¼ x 4 ¼ en 1912 para capturar mejor sus expresiones que cambiaban rápidamente. [55]
Cuando viajó a México en 1924 llevó una cámara de visión plegable Séneca de 8×10 con varios lentes, entre ellos una Graf Variable y una Wollensak Verito. Mientras estuvo en México, compró una lente rectilínea rápida usada que fue su lente principal durante muchos años. La lente, ahora en la Casa de George Eastman , no tenía el nombre del fabricante. [56] También llevó a México una Graflex de 3¼ × 4¼ con una lente Tessar de ƒ/4.5, que utilizó para retratos.
En 1933 compró una RB Auto-Graflex 4 × 5 y la utilizó posteriormente para todos los retratos. [57] Continuó usando la cámara de visión Séneca para todos los demás trabajos.
En 1939 enumeró los siguientes elementos como su equipamiento estándar: [57]
Continuó usando este equipo durante toda su vida.
Antes de 1921, Weston utilizó una película en láminas ortocromática , pero cuando la película pancromática estuvo ampliamente disponible en 1921, la utilizó para todo su trabajo. Según su hijo Cole, después de que saliera la película Agfa Isopan en la década de 1930, Weston la utilizó para sus imágenes en blanco y negro por el resto de su vida. [58] Esta película tenía una calificación de aproximadamente ISO 25, pero la técnica de revelado que utilizó Weston redujo la calificación efectiva a aproximadamente ISO 12. [59]
Las cámaras de 8 × 10 que prefería eran grandes y pesadas, y debido al peso y al coste de la película nunca llevaba consigo más de doce portapelículas. Al final de cada día, tenía que ir a un cuarto oscuro, descargar los portapelículas y cargarlos con película nueva. Esto fue especialmente desafiante cuando viajaba, ya que tenía que encontrar una habitación oscura en algún lugar o instalar un cuarto oscuro improvisado hecho con lona pesada. [60]
A pesar del voluminoso tamaño de la cámara de visión, Weston se jactaba de poder "montar el trípode, sujetar firmemente la cámara a él, acoplar la lente a la cámara, abrir el obturador, estudiar la imagen en el cristal esmerilado, enfocarla, cierre el obturador, inserte el portaplacas, arme el obturador, ajústelo a la apertura y velocidad adecuadas, retire la diapositiva del portaplacas, realice la exposición, vuelva a colocar la diapositiva y retire el portaplacas en dos minutos y veinte segundos. " [60]
Las cámaras Graflex más pequeñas que utilizó tenían la ventaja de utilizar cargadores de películas que contenían 12 o 18 hojas de película. Weston prefería estas cámaras al tomar retratos porque podía responder más rápidamente al modelo. Informó que una vez con su Graflex hizo tres docenas de negativos de Tina Modotti en 20 minutos. [61] En 1946, un representante de Kodak le pidió a Weston que probara su nueva película Kodachrome , y durante los dos años siguientes realizó al menos 60 imágenes en color de 8 x 10 usando esta película." [62] Fueron algunas de las últimas fotografías tomó, ya que a finales de 1948 ya no podía manejar una cámara debido a los efectos de su enfermedad de Parkinson.
Durante los primeros 20 años de su fotografía, Weston determinó todos sus ajustes de exposición mediante estimaciones basadas en sus experiencias previas y las tolerancias relativamente estrechas de la película en ese momento. Dijo: "No me gusta calcular el tiempo y encuentro que mis exposiciones son más precisas cuando sólo las siento". [63] A finales de la década de 1930 adquirió un exposímetro Weston y continuó usándolo como ayuda para determinar las exposiciones a lo largo de su carrera. [nota 1] La historiadora fotográfica Nancy Newhall escribió que "los jóvenes fotógrafos se sienten confundidos y asombrados cuando lo ven midiendo con su metro cada valor en la esfera donde pretende trabajar, desde el cielo hasta el suelo bajo sus pies. Él está "sintiendo "La luz" y comprueba sus propias observaciones. Luego guarda el medidor y hace lo que piensa . A menudo suma todo (filtros, extensión, película, velocidad, etc.) y duplica el cálculo". [64] Weston, señaló Newhall, creía en la "exposición masiva", que luego compensaba procesando manualmente la película en una solución reveladora débil e inspeccionando individualmente cada negativo a medida que continuaba desarrollándose para obtener el equilibrio adecuado de luces y sombras. . [64]
La baja clasificación ISO de la película en hojas que usó Weston requirió exposiciones muy largas cuando usaba su cámara de visión, que iban de 1 a 3 segundos para exposiciones de paisajes al aire libre hasta 4 horas y media para naturalezas muertas como pimientos o conchas. [65] Cuando usaba una de las cámaras Graflex, los tiempos de exposición eran mucho más cortos (generalmente menos de ¼ de segundo) y, a veces, podía trabajar sin trípode. [66]
Weston siempre hacía impresiones de contacto , lo que significa que la impresión tenía exactamente el mismo tamaño que el negativo. Esto fue esencial para la impresión con platino que prefería al principio de su carrera, ya que en aquella época los papeles de platino requerían luz ultravioleta para activarse. Weston no tenía una fuente de luz ultravioleta artificial, por lo que tuvo que colocar la impresión de contacto directamente a la luz del sol para exponerla. [66] Esto lo limitó a imprimir solo en días soleados.
Cuando quería una impresión más grande que el tamaño del negativo original, usaba una ampliadora para crear un interpositivo más grande y luego lo imprimió por contacto en un nuevo negativo. Luego se utilizó el nuevo negativo más grande para hacer una impresión de ese tamaño. [67] Este proceso requirió mucha mano de obra; una vez escribió en sus Daybooks : "Esta noche estoy completamente agotado después de un día entero en el cuarto oscuro, haciendo ocho contactos negativos a partir de los positivos ampliados". [68]
En 1924, Weston escribió esto sobre su proceso de cuarto oscuro: "Después de varios años de usar el revelador de tanque abierto de metol-hidroquinina", he regresado a un revelador Pyro de tres soluciones, y revelo uno a la vez en una bandeja en lugar de una docena. en un tanque." [63] Cada hoja de película fue vista bajo una luz de seguridad verde o naranja en su cuarto oscuro, lo que le permitió controlar el desarrollo individual de un negativo. Continuó usando esta técnica por el resto de su vida.
Se sabía que Weston utilizaba ampliamente la esquiva y la quema para lograr el aspecto que quería en sus impresiones. [69] [59]
Al principio de su carrera, Weston imprimió en varios tipos de papel, incluidos Velox, Apex, Convira, Defender Velour Black y Haloid. [59] Cuando fue a México aprendió a utilizar papel de platino y paladio, fabricado por Willis & Clement e importado de Inglaterra. [63] Después de su regreso a California, abandonó la impresión con platino y paladio debido a la escasez y el aumento del precio del papel. Con el tiempo, pudo obtener la mayoría de las mismas cualidades que prefería con el papel de gelatina de plata brillante Azo de Kodak desarrollado en Amidol . [63] Continuó utilizando este papel casi exclusivamente hasta que dejó de imprimir.
Weston fue un escritor prolífico. Sus Daybooks se publicaron en dos volúmenes con un total de más de 500 páginas en la primera edición. Esto no incluye los años del diario que llevó entre 1915 y 1923; Por razones que nunca aclaró, los destruyó antes de partir hacia México. [70] También escribió docenas de artículos y comentarios, comenzando en 1906 y terminando en 1957. [71] Escribió a mano o mecanografiado al menos 5.000 cartas a colegas, amigos, amantes, sus esposas y sus hijos. [72]
Además, Weston tomó notas muy detalladas sobre los aspectos técnicos y comerciales de su trabajo. El Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, que ahora alberga la mayoría de los archivos de Weston, informa que alberga 75 pies lineales de páginas de sus Daybooks, correspondencia, registros financieros, recuerdos y otros documentos personales que tenía cuando murió. [73]
Entre los primeros escritos más importantes de Weston se encuentran aquellos que brindan información sobre su desarrollo del concepto de previsualización . Habló y escribió por primera vez sobre el concepto en 1922, al menos una década antes de que Ansel Adams comenzara a utilizar el término, y continuó ampliando esta idea tanto por escrito como en sus enseñanzas. El historiador Beaumont Newhall destacó la importancia de la innovación de Weston en su libro La historia de la fotografía y dijo: "La parte más importante del enfoque de Edward Weston fue su insistencia en que el fotógrafo debería previsualizar la impresión final antes de realizar la exposición". [74]
En sus Daybooks proporcionó un registro inusualmente detallado de su evolución como artista. Aunque inicialmente negó que sus imágenes reflejaran sus propias interpretaciones del tema, en 1932 sus escritos revelaron que había llegado a aceptar la importancia de la impresión artística en su obra. [75] Cuando se combinan con sus fotografías, sus escritos proporcionan una serie extraordinariamente vívida de ideas sobre su desarrollo como artista y su impacto en las generaciones futuras de fotógrafos.
En 2013, dos de las fotografías de Weston se encuentran entre las fotografías más caras jamás vendidas. El Desnudo de 1925, tomado en 1925, fue comprado por el galerista Peter MacGill por 1,6 millones de dólares en 2008. [86] Nautilus de 1927 se vendió por 1,1 millones de dólares en 2010, también a MacGill. [87] [88]
En 1984, Weston fue incluido en el Museo y Salón de la Fama de la Fotografía Internacional . [89]
La carrera artística de Weston abarcó más de cuarenta años, aproximadamente desde 1915 hasta 1956. Fotógrafo prolífico, produjo más de 1.000 fotografías en blanco y negro y unas 50 imágenes en color. Esta lista es una selección incompleta de las fotografías más conocidas de Weston.
